¿Qué es la vanguardia?
La vanguardia es un movimiento artístico extremo, no convencional con respecto al arte, la sociedad o la cultura dominantes. La vanguardia empuja los límites de lo que se acepta como estatus, principalmente en el mundo cultural. La vanguardia se considera una marca del modernismo. Numerosos artistas se han alineado con los movimientos de vanguardia y siguen haciéndolo, desde el dadaísmo hasta los artistas situacionistas y posmodernos. La vanguardia promueve reformas sociales no aceptadas en la sociedad o que aún se perciben como utópicas. En realidad, la vanguardia, con el paso del tiempo, parece sólo una corriente artística que se anticipa a los tiempos, que lucha en primera línea para crear lo nuevo. El poder de las artes es, sin duda, el método más rápido y veloz para la reforma social, política y financiera.

El término «vanguardia» fue utilizado inicialmente por el ejército francés para describir a un pequeño grupo de reconocimiento que iba por delante. En un momento dado, a mediados del siglo XIX, el término se vinculó al arte a través del concepto de que el arte es una herramienta de modificación social. Hacia finales de siglo, la vanguardia empezó a alejarse de su reconocimiento con las causas sociales de izquierdas para alinearse más con las preocupaciones creativas y culturales. Este patrón hacia una mayor atención a los problemas ha continuado hasta nuestros días. En la actualidad, vanguardia suele describir a grupos de autores, artistas e intelectuales que dan voz a conceptos y prueban métodos creativos que desafían los valores culturales existentes. Los conceptos de la vanguardia, sobre todo si se refieren a problemas sociales, suelen ser absorbidos lentamente por las sociedades. Las vanguardias de ayer acaban siendo la corriente dominante en las décadas siguientes, lo que produce el ambiente propicio para la aparición de una nueva generación de vanguardias.
Vanguardia y tradición
Los vanguardistas pueden compartir méritos particulares, que se manifiestan en el modo de vida inconformista. La falsa cultura de masas se crea continuamente copiando modelos de un mercado cultural recién surgido y el éxito de algunas técnicas vanguardistas. Esto ocurre regularmente en el cine, donde películas vanguardistas en las que la industria dominante nunca habría pensado resultan ser éxitos de taquilla y se copian y convierten en productos comerciales. Todo el mundo de las famosas series de TV en streaming se basa en esto: análisis de datos y reciclaje de obras artísticas que han obtenido el favor del público, con la degradación del lenguaje a nivel de masas y un envoltorio más cautivador.
La calidad creativa ha sido sustituida por las cifras de ventas como trampolín: una novela, por ejemplo, se valora en función de si se convierte en un best-seller; la música ha acaparado las listas de éxitos con los premios de los discos de oro, el cine con los Oscar y los festivales de cine mainstream controlados por la élite político-cultural. De este modo, se abandonó la independencia creativa tan querida por la vanguardia y las ventas acabaron siendo significativamente la validación de todo. La cultura del cliente reina ahora en cualquier arte. La cooptación de la vanguardia por el capitalismo de mercado mundial, las economías neoliberales y lo que Guy Debord llamó La Sociedad del Espectáculo (un texto crítico con el movimiento situacionista que explicaba el «reinado autocrático de la economía de mercado»), especularon con la posibilidad de una vanguardia significativa en la actualidad. La Teoría-Muerte de la Vanguardia de Paul Mann muestra cómo hoy la vanguardia está totalmente integrada en las estructuras institucionales.
Numerosos sectores del mercado cultural dominante han aplicado erróneamente el término «vanguardia», dado que en la década de 1960 se utilizó principalmente como herramienta de marketing para anunciar la música y el cine industriales. De hecho, se ha convertido en norma describir a los artistas de rock y cineastas populares como «vanguardistas», y se ha despojado a la palabra de su significado propio. A partir de mediados de los años 60, la cultura de vanguardia dejó de cumplir su anterior función antagonista. Desde entonces ha estado flanqueada por fantasmas de la vanguardia, por un lado, y por una cultura de masas cambiante, por otro, con la que conecta en diversos grados.
Las vanguardias cinematográficas europeas de los años veinte
En la década de 1920 nació un vasto panorama de experimentación del cine europeo de la mano de artistas procedentes de otras disciplinas artísticas, como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, que hicieron importantes aportaciones al desarrollo del naciente arte cinematográfico: el cine de vanguardia.
Cine de Vanguardia: Futurismo

El Futurismo fue un movimiento social y creativo italiano de principios del siglo XX. Destacaba el dinamismo, la velocidad, la innovación, la juventud, la violencia y cosas como el automóvil, el avión y la ciudad comercial. Sus figuras cruciales fueron los italianos Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Gino Severini, Giacomo Balla y Luigi Russolo. El futurismo italiano glorificaba la modernidad y, según sus enseñanzas, pretendía liberar a Italia del peso de su pasado. Las obras futuristas cruciales fueron el Manifiesto del Futurismo de Marinetti de 1909, la escultura Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni de 1913, la pintura Velocidad abstracta + sonido de Balla de 1913-1914 y El arte de los ruidos de Russolo (1913 ).
El futurismo fue sobre todo un fenómeno italiano, surgieron movimientos paralelos en Rusia, donde algunos futuristas rusos descubrirían más tarde grupos propios; otras naciones tuvieron pocos futuristas o tuvieron movimientos inspirados en el futurismo. Los futuristas ejercieron en todos los medios artísticos: pintura, escultura, cerámica, gráficos, publicidad, decoración de interiores, teatro, cine, textiles, literatura, música, arquitectura e incluso cocina. En cierta medida, el futurismo influyó en los movimientos artísticos Art Déco, Constructivismo, Surrealismo y Dadá, y en mayor medida en el Precisionismo, el Rayonismo y el Vorticismo.
Futurismo y cine
El futurismo italiano fue uno de los más entusiastas, llegando a afirmar que el alma misma del cine era futurista: el ritmo y las formas abstractas debían ser los protagonistas de las nuevas obras, dejando atrás la historia. Sin embargo, los futuristas hicieron pocas películas y la mayoría se perdieron: el Thaïs o Pérfida intriga (1917) de Anton Giulio Bragaglia son las únicas películas futuristas que se conservan. Sus ideas irreflexivas sirvieron para sentar las bases de movimientos artísticos posteriores.
Cine de vanguardia: Abstraccionismo

El arte abstracto utiliza el lenguaje visual de la forma, la línea y el color para desarrollar una estructura que pueda existir con cierto grado de autosuficiencia a partir de referencias visuales de todo el mundo.
El arte occidental había estado de hecho, desde el Renacimiento a mediados del siglo XIX, sustentado en el razonamiento del punto de vista y en el esfuerzo por reproducir una impresión de verdad evidente. A finales del siglo XIX, muchos artistas querían desarrollar un nuevo tipo de arte que incluyera los cambios esenciales que se estaban produciendo en la ciencia y la innovación. Arte abstracto, arte no figurativo, arte no objetivo y arte no representativo son términos asociados. Tienen significados comparables, aunque quizá no similares. La abstracción sugiere una desviación de la verdad en la representación de imágenes en el arte. Esta desviación de la representación puede ser menor, parcial o total.
Incluso puede decirse que el arte que se esfuerza al máximo por ser verosímil es abstracto, al menos en teoría, ya que la representación ideal es difícil. Se puede argumentar que una obra de arte que se toma libertades, por ejemplo cambiando el color, es parcialmente abstracta. La abstracción total no tiene ningún rastro de inspiración en nada identificable. En la abstracción geométrica, por ejemplo, es improbable que se descubran referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y metafórico suele consistir en una abstracción parcial. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica suelen ser absolutamente abstractas. Entre los numerosos movimientos artísticos que encarnan la abstracción parcial están, por ejemplo, el fauvismo, en el que el color se modifica notable e intencionadamente con respecto a la verdad, y el cubismo, que modifica las entidades de la vida real ilustradas.
Abstraccionismo y cine
El abstraccionismo utilizó el cine de vanguardia de forma aún más extrema, prefiriendo las formas abstractas y el movimiento puro. Su fundador fue el pintor ruso Vassilij Kandinsky. El cine abstracto nació en Alemania en los mismos años que el expresionismo y el kammerspiel. Los directores creaban películas alejadas de toda posibilidad de realidad, con formas geométricas y abstractas que bailaban rítmicamente en la pantalla. Rhytmus 21 (1921) de Hans Richter fue la primera.
El movimiento, el tiempo, el ritmo y la luz de esta película nos acercan la investigación del director alemán a la esencia primordial del cine, a su forma más pura y no industrial. Les siguieron Rythmus 23 (1923), Rythmus 25 (1925). Mientras tanto, el vikingo sueco Eggeling entró en competencia con su colega alemán y creó Sinfonía Diagonal , otra obra fundamental del cine abstracto.
Otro artista del cine abstracto de vanguardia fue Walter Ruttmann, con las obras Lichtspiel Opus I , Lichtspiel Opus II , Ruttmann Opus III , Ruttmann Opus IV , película de luces en movimiento. Más tarde abandonará el cine abstracto para realizar documentales, como Berlín – Sinfonía para una gran ciudad (1926) o Melodía del mundo (1929), inspirado en las películas de Dziga Vertov.
A medio camino entre el cine abstracto y el dadaísmo se encuentra la obra de Marcel Duchamp Anémic Cinéma (1926): 19 discos ópticos giratorios, 10 compuestos por figuras geométricas y nueve decorados con frases sin sentido. Duchamp los llamó rotorilievi.
Para ayudarle a realizar esta película contó con el pintor y fotógrafo Man Ray, que había creado unos años antes Retour à la raison con la técnica de la rayografía inventada por él mismo: exponía objetos en contacto con papel o película fotográfica para crear imágenes sin utilizar la cámara.
Cubismo
El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que reinventó la pintura y la escultura europeas e influyó en movimientos asociados de la música, la arquitectura y la literatura. En las obras de arte cubistas, las cosas se evalúan, se separan y se vuelven a ensamblar de forma abstracta: en lugar de retratar los objetos desde una única perspectiva, el artista retrata el tema desde una amplia gama de perspectivas para representarlo en un contexto superior. En realidad, el cubismo se ha considerado el movimiento artístico más importante del siglo XX. El término se utiliza ampliamente en asociación con una amplia gama de obras de arte producidas en París durante las décadas de 1010 y 1920.
El movimiento fue concebido por Pablo Picasso y Georges Braque y firmado por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris y Fernand Léger. Un efecto que causó el cubismo fue la representación de un tipo tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne. En el Salón de Otoño de 1904 se celebró una retrospectiva de los cuadros de Cézanne, y en los Salones de Otoño de 1905 y 1906 se expusieron obras ya existentes, a las que siguieron 2 retrospectivas de celebración tras su muerte en 1907. En Francia se establecieron movimientos similares al Cubismo, consistentes en el Orfismo, el Arte Abstracto y, más tarde, el Purismo.
El efecto del Cubismo fue completo y significativo. En Francia y otras naciones, el Futurismo, el Suprematismo, el Dadá, el Constructivismo, el Vorticismo, el De Stijl y el Art Déco se establecieron como reacción al Cubismo. Las primeras pinturas futuristas conservan la fusión de pasado y presente del Cubismo, la representación de varias visiones del tema, mientras que el Constructivismo está influido por Picasso. Otros elementos típicos de estos diferentes movimientos son el facetado o la simplificación de las figuras geométricas y la asociación de la mecanización y la vida moderna.
Cubismo y cine
l movimiento cubista también se interesó inmediatamente por el cine de vanguardia. El pintor Fernand Léger rodó en 1924 Ballet mécanique . Sin trama ni historia, ritmos de cuerpos y objetos en movimiento, interesado sólo en el ritmo. El cine se alejó de la realidad y de las historias concretas. El significado de estas películas está en la danza rítmica de imágenes, sonidos y luz a través del montaje.
Dadaísmo

El dadaísmo fue un movimiento artístico de vanguardia europeo de principios del siglo XX, con sus primeros centros en Zúrich, Suiza, en el Cabaret Voltaire (en 1916). El dadaísmo comenzó en Nueva York en 1915, y a partir de 1920 se desarrolló en París. Las actividades dadaístas duraron hasta mediados de la década de 1920. Creado en respuesta a la Primera Guerra Mundial, el movimiento dadaísta incluía a artistas que rechazaban el razonamiento y el esteticismo de la sociedad capitalista moderna, revelando en sus obras una perspectiva antiburguesa. Los artistas dadaístas revelaron su descontento con la guerra, el nacionalismo y la violencia, y mantuvieron afinidades políticas con la extrema izquierda.
Las raíces de Dadá se encuentran en el progresismo de preguerra. El término antiarte, precursor de Dadá, fue creado por Marcel Duchamp hacia 1913 para definir las obras que desafían los significados aceptados del arte. El cubismo y el arte abstracto atestiguan el desapego del movimiento a las limitaciones de la realidad y las convenciones. La obra de los poetas franceses, los futuristas italianos y los expresionistas alemanes influirá en el rechazo dadaísta de la estrecha relación entre las palabras y el significado.
En Francia existía en cambio el movimiento dadaísta de Tristan Tzara, con una estética y unas ideas mucho más radicales y subversivas. En el dadaísmo había anarquía, nihilismo, búsqueda de la libertad de expresión y rechazo de cualquier significado o finalidad última. El dadaísmo nos proporcionó algunas obras maestras que despertaron la atención en el mundo artístico de la época, como la película de René Clair Entr’acte (1924), una película-intervalo entre dos tiempos de un espectáculo de danza en directo. También aquí encontramos el rechazo de cualquier historia, el intento de permanecer en las raíces del arte cinematográfico: el espectador es simplemente conducido al gozo de la vida y de la mirada.
Cine de Vanguardia: Surrealismo
Sin embargo, la falta absoluta de reglas y el rechazo de las convenciones llevaron al dadaísmo a la crisis y el movimiento se disolvió en 1923. De sus cenizas nació el Surrealismo , que encontró en el cine uno de sus medios de expresión más poderosos. Andrè Breton , fundador del movimiento, y todos sus colegas se interesaron por el mundo onírico, por todo lo que se manifiesta en el inconsciente y fuera de los significados ordinarios del mundo, por las asociaciones automáticas de ideas que se producen más allá de la conciencia, por lo que ocurre tras la pérdida de toda racionalidad o control del pensamiento.
El surrealismo es un movimiento cultural que se estableció en Europa tras la Primera Guerra Mundial, en el que los artistas ilustraban escenas ilógicas perturbadoras y estrategias para permitir que la mente inconsciente se revelara. Su objetivo era, según su líder André Breton, «confrontar las condiciones hasta entonces inconsistentes del sueño y la realidad en una verdad absoluta, una superrealidad», o surrealidad. Realizó obras en pintura, literatura, teatro, cine, fotografía y otros medios. Numerosos autores y artistas surrealistas consideran su obra como una expresión del «automatismo psíquico puro» del que habla Breton en el primer Manifiesto Surrealista.
Breton fue concreto al afirmar que el Surrealismo era, ante todo, un movimiento innovador. En aquella época, el movimiento estaba relacionado con causas políticas como el comunismo y el anarquismo. Estaba influido por el movimiento Dadá de los años 10. El término «Surrealismo» procede de Guillaume Apollinaire en 1917. El movimiento surrealista no se desarrolló formalmente hasta después de octubre de 1924, cuando el Manifiesto Surrealista publicado por el poeta y crítico francés André Breton consiguió declarar el movimiento vanguardista. El centro crucial del movimiento fue París. A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo, influyendo en las artes visuales, la literatura, el cine y la música de numerosas naciones y lenguas, junto con la idea y la práctica políticas, el punto de vista y la teoría social.

Surrealismo y cine
El director español Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí crearon juntos en 1928 Un Chien andalou , una película destinada a marcar un punto de inflexión en la historia del cine. Un viaje onírico y psicoanalítico a los meandros más incomprensibles de la psique humana que puede tener múltiples lecturas y significados. El surrealismo, a diferencia de otros movimientos artísticos anteriores, crea un lenguaje nuevo y personal en lugar de destruir los modelos anteriores. El nihilismo y la anarquía dejan espacio para códigos narrativos más tradicionales, pero utilizados con fines diferentes. No para tranquilizar y conducir al espectador a un destino concreto, sino para hacerle perder cualquier punto de referencia tranquilizador.
En 1930 Buñuel y Dalì darán vida a una nueva película que se acerca aún más a la narración clásica de una historia: L’âge d’or . El director español sienta las bases y los primeros experimentos de lo que se convertirá en su obsesión a lo largo de toda su carrera: el ataque a las instituciones burguesas como la iglesia, el ejército y el estado.
Otras películas del surrealismo son La Coquille et le Clergyman (1928), la primera película de Jean Cocteau (1930), L ‘Atalante de Jean Vigo, que murió ese mismo año, con sólo 29 años. Su muerte marcó el final del cine surrealista. La mezcla de estilo vanguardista y aceptación de las normas para subvertirlas o utilizarlas en direcciones opuestas hizo del cine surrealista el experimento más exitoso e interesante de todas las vanguardias. Con una enorme influencia que perdura hasta nuestros días.
Películas de vanguardia que hay que ver
He aquí una selección de las mejores películas de vanguardia para ver absolutamente: un género muy prolífico con una filmografía muy larga que abarca toda la historia del cine.
Un Chien Andalou (1929)
Un Chien Andalou es un cortometraje de 1929 del mudo francés Luis Buñuel y escrito por Buñuel y Salvador Dalí. Fue la primera película de Buñuel y se proyectó inicialmente en el Estudio de las Ursulinas de París, pero se hizo popular y se proyectó durante ocho meses. A Chien Andalou no tiene argumento en el sentido tradicional de la palabra. Con una cronología inconexa y saltos temporales, es una película onírica surrealista basada en la asociación freudiana. Un Chien Andalou es una obra seminal en la categoría del cine surrealista.
Hombre con una cámara de cine, 1929
El hombre de la cámara de cine es un documental de la vanguardia soviética ucraniana de 1929, dirigido por Dziga Vertov, rodado por su hermano Mikhail Kaufman y editado por la esposa de Vertov, Yelizaveta Svilova. La película de Vertov no tiene actores. Desde el amanecer hasta el atardecer, el pueblo soviético se muestra en el trabajo y en su tiempo libre utilizando la tecnología de la vida moderna. La película es famosa por la variedad de estrategias cinematográficas desarrolladas por Vertov, como varias exposiciones directas, cámara rápida, cámara lenta, fotograma congelado, cortes de partido, cortes en picado, pantallas divididas, ángulos holandeses, planos de seguimiento, planos de vídeo invertidos, movimiento de animación en stop e imágenes autorreflexivas. Se muere más vanguardista que eso.
La caída de tu casa de Usher (1928)
La caída de tu casa de Usher (1928) es una adaptación cinematográfica muda de terror del relato corto de 1839 «La caída de tu casa de Usher», de Edgar Allen Poe. La película fue codirigida por James Sibley Watson y Melville Webber y protagonizada por Herbert Stern, Hildegarde Watson y Melville Webber. Cuenta la historia de un hermano y una hermana que viven en una casa maldita. Es una película vanguardista que dura sólo 13 minutos, en la que predomina el componente visual, compuesto por tomas a través de prismas para desarrollar la distorsión óptica. No hay diálogos en la película, aunque en una escena aparecen letras escritas en el aire a través de la pantalla.
La caída de la casa Usher (1929)
La caída de tu casa de Usher es una película de terror dirigida por Jean Epstein, entre las muchas películas basadas en la ficción gótica de 1839 La caída de tu casa de Usher, de Edgar Allan Poe. Roderick Usher convoca a su amigo en su vieja finca en ruinas, en la remota campiña. Usher ha estado ocupado pintando un cuadro de su difunta esposa Madeline. Cuando ella muere, Usher la hace enterrar en la cripta familiar, pero el público no tarda en enterarse de que Madeline no está muerta y fue enterrada viva. Madeline se recupera de su catalepsia, sale de su ataúd y regresa junto a su asombrado marido.
La edad de oro (1930)
L’Age d’Or es una película satírica surrealista francesa de 1930 dirigida por Luis Buñuel sobre la locura de la modernidad: la vida cotidiana, la hipocresía de las costumbres sexuales de la sociedad burguesa y el sistema de valores de la Iglesia católica. Gran parte de la historia se cuenta con títulos de crédito, como en una película muda. El guión de la película es obra de Buñuel y Salvador Dalí.
Sobre Niza (1930)
Es un cortometraje documental de 1930 dirigido por Jean Vigo y fotografiado por Boris Kaufman La película retrata la vida en Niza, filmando a individuos de la ciudad, sus rituales cotidianos, un carnaval y las desigualdades sociales. Fue la primera película de Vigo.
Entusiasmo: La Sinfonía del Donbás (1931)
Entusiasmo: La Sinfonía del Donbás es una película vanguardista de 1931 dirigida por el director soviético Dziga Vertov. Fue la primera película sonora del director. La banda sonora de la película consiste en ruidos de fábricas y otros sonidos; el habla humana sólo desempeña un pequeño papel.
La sangre de un poeta (1931)
La sangre de un poeta es una película vanguardista dirigida por Jean Cocteau, financiada por Charles de Noailles y protagonizada por Enrique Riveros. Es la primera parte de la Trilogía Órfica, que continúa en Orphée (1950) y concluye en Testamento de Orfeo (1960).
Cero en conducta (1933)
Zéro de conduite es una película francesa vanguardista de 1933 dirigida por Jean Vigo. Se estrenó el 7 de abril de 1933 y, en consecuencia, estuvo prohibida en Francia hasta noviembre de 1945. La película se basa en gran medida en las experiencias del internado de Vigo para retratar una estructura académica represiva y burocratizada en la que tienen lugar actos surrealistas de desobediencia, mostrando la visión anarquista de Vigo sobre la juventud. La película no fue un éxito, pero demostró tener una importancia duradera. François Truffaut se inspiró en ella para su película Los 400 golpes (1959).
Los corazones de la edad (1934)
Los corazones de la edad es una película temprana realizada por Orson Welles. Se trata de un cortometraje de ocho minutos que codirigió con su amigo William Vance en 1934. La película está protagonizada por la primera esposa de Welles, Virginia Nicolson, y por el propio Welles. Realizó la película cuando aún asistía a la Todd School for Boys de Woodstock, Illinois, a la edad de 19 años.
Mallas de la tarde (1943)
Una señora (Maya Deren) ve a alguien en la calle cuando vuelve a su casa. Vuelve a casa y duerme en una silla. En cuanto se duerme, experimenta un sueño en el que intenta perseguir a una extraña figura encapuchada con un espejo por cara, pero es incapaz de atraparla. Con cada fracaso, vuelve a su casa y ve muchos objetos familiares: un cuchillo de pan, un teléfono, una flor y un fonógrafo. La mujer sigue a la figura encapuchada hasta su dormitorio, donde la ve escondiendo el cuchillo bajo una almohada.
Maya Deren es una famosa directora de cine vanguardista que estuvo más activa a mediados de la década de 1940 y quizá sea más recordada por el cortometraje salvajemente experimental de 1943 Meshes of the Afternoon (Mallas de la tarde). La película es una obra vertiginosamente extraña sobre la naturaleza distorsionada e intangible de los sueños y, de hecho, se ha mencionado como una inspiración temprana para la obra de David Lynch.
Demencia (1955)
Demencia es una película de terror estadounidense de vanguardia en blanco y negro de John Parker y protagonizada por Adrienne Barrett y Bruno Ve Sota. La película, que no tiene diálogos, sigue las horribles experiencias de una chica durante una noche de fiesta en Los Ángeles. Estilísticamente, incluye componentes del cine de terror, negro y expresionista. Dementia fue desarrollado como cortometraje por el guionista y director Parker y se basó en un sueño que le comunicó su secretaria, Barrett.
Una historia de agua (1958)
Una historia de agua es un cortometraje vanguardista dirigido y escrito por Jean-Luc Godard y François Truffaut en 1958. Narra el viaje de una dama a París, rodeada de un gran lugar inundado. La película se rodó en 2 días y está dedicada a Mack Sennett.
Sombras (1959)
Sombras es una película independiente de 1959 del estadounidense John Cassavetes sobre las relaciones raciales durante los años de la Generación Beat en la ciudad de Nueva York. La película está protagonizada por Ben Carruthers, Lelia Goldoni y Hugh Hurd en el papel de 3 hermanos negros, aunque sólo uno de ellos es lo suficientemente moreno como para ser considerado afroamericano. La película se rodó en 1957 y se proyectó en 1958, pero la mala acogida hizo que Cassavetes la volviera a rodar en 1959. Los estudiosos del cine consideran Sombras un punto de inflexión en el cine independiente estadounidense. En 1960, la película ganó el Premio de la Crítica en el Festival de Venecia.
El año pasado en Marienbad (1961)
Es una película franco-italiana de 1961 que representa un ejemplo excepcional del movimiento de arte y ensayo Rive Gauche que comenzó en Francia en la década de 1950. La película trata de un hombre que se encuentra con una mujer a la que está convencido de haber visto antes, aunque ella no recuerda nada. La película estira y lleva el lenguaje cinematográfico a niveles pocas veces vistos, ya que los sueños olvidados y los recuerdos borrosos se funden en una historia muy subjetiva, una descripción única de la extraña naturaleza de los sueños y la memoria.
Hombre Estrella Perro (1961-1964)
Dog Star Man es una serie de cortometrajes vanguardistas, todos ellos dirigidos por Stan Brakhage. Se estrenó por entregas entre 1961 y 1964 y consta de una primera parte y 4 partes. El Hombre Estrella Perro narra la odisea de un leñador barbudo (Brakhage) que escala una montaña nevada con su perro para talar un árbol. Mientras lo hace, es testigo de numerosas visiones mágicas con numerosas imágenes que se repiten, como una mujer, un niño y la naturaleza.
La Jetée (1962)
La Jetée es posiblemente la película más popular del movimiento francés de la Margen Izquierda. Rodada íntegramente en blanco y negro, La Jetée se compone de una serie de imágenes fijas que narran una complicada historia de ciencia ficción. Un preso se entrena para viajar al pasado con el fin de evitar una ocasión apocalíptica. Más tarde, es enviado al futuro, donde conoce una civilización hiperavanzada que le proporciona métodos para salvar a los individuos de su época. Mientras tanto, le tortura un recuerdo insólito de un niño asesinado en un muelle y, al regresar al pasado, reconoce que ese recuerdo fue su propio asesinato.
Soy Cuba (1964)
Soy Cuba, también conocida como Yo soy Cuba, es una película propagandística de 1964 de Mijaíl Kalotozov, establecida como una asociación entre cineastas cubanos y la Unión Soviética. Soy Cuba, una serie de cuatro historias cortas, glorifica la transformación comunista de Cuba en 1959 y fue, en parte, un elemento del fortalecimiento de los lazos entre Cuba y la URSS en aquella época. Insólitamente, fue criticada por el público cuando se estrenó, y podría haber caído completamente en el olvido si no se hubiera vuelto a encontrar años después. La película incluye una cinematografía innovadora consistente en largas y continuas tomas aéreas y submarinas, y se adelantó mucho a su tiempo.
El sueño (1964)
Sleep es una película vanguardista estadounidense de 1964 de Andy Warhol. Con una duración de 5 horas y 20 minutos, incluye imágenes de vídeo en bucle de John Giorno, un admirador de Warhol por aquel entonces, durmiendo. La película fue una de las primeras exploraciones cinematográficas de Warhol y se produjo como una «antipelícula». Warhol ampliaría más tarde esta estrategia a su película de ocho horas Empire.
La casa es negra (1967)
La casa es negra es un conocido cortometraje documental iraní dirigido por Fourugh Farrokhzad. La película es una mirada a la vida y el sufrimiento en un hospital de leprosos y se centra en la condición humana. Se entrelaza con el relato de Farrokhzad de citas del Antiguo Testamento, el Corán y su propia poesía. La película incluye imágenes de vídeo del hospital de leprosos del Hospicio Bababaghi. Fue la única película que dirigió antes de su muerte en 1967. Tras realizar esta película, adoptó a un niño del hospital de leprosos. La película atrajo poca atención fuera de Irán cuando se estrenó, pero se considera un hito del cine iraní y allanó el camino a la Nueva Ola Iraní.
Rostros (1968)
Rostros es una película dramática estadounidense de 1968 escrita y dirigida por John Cassavetes. En el reparto figuran John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Seymour Cassel, Fred Draper y Val Avery. La película ganó 2 premios en el 29º Festival Internacional de Cine de Venecia y obtuvo 3 elecciones en la 41ª edición de los Premios de la Academia. La película, rodada en estilo cinéma vérité, ilustra la última relación matrimonial en crisis de una pareja (John Marley y Lynn Carlin). Se nos presentan numerosos grupos y personas con los que la pareja se ve confrontada tras la inesperada declaración de deseo de divorcio de la pareja.
El color de las granadas (1969)
El color de las granadas es una película vanguardista de 1969 que narra la vida y la obra de la poetisa armenia Sayat-nova. El comienzo de la película insta al público a no buscar la historia en las escenas de la película, centrándose más bien en el valor psicológico y en los poemas en los que se inspiró vagamente. Una larga procesión de imágenes extremadamente abstractas, es sin duda una película difícil para el público, especialmente el occidental. Es un ejemplo de la cultura armenia y constituye un ejemplo tardío del movimiento vanguardista soviético.
El discreto encanto de la burguesía (1972)
Una pareja de burgueses, François y Simone Thévenot, acompañan al colega de François, Don Rafael Acosta, embajador del país sudamericano de Miranda, y a la hermana de Simone, Florence , a casa de los Sénéchal, invitados a una cena. Alice Sénéchal se sorprende al verlos y dice que pensaba que vendrían la noche siguiente y que en realidad no preparó la cena.
Es una película surrealista de Luis Buñuel de 1972 con una sorprendente denuncia de la sociedad burguesa. Incluye a un grupo de personas de clase media que intentan constantemente sentarse a comer sólo para ser interrumpidos por situaciones extrañas. La película alude a las propensiones belicistas de la clase burguesa y a la desesperación y el tormento que ejerce sobre las clases bajas.
La montaña sagrada (1973)
La Montaña Sagrada es una película mexicana de fantasía surrealista de vanguardia de 1973 dirigida, escrita, producida, coescrita, coeditada y protagonizada por Alejandro Jodorowsky, que también participó como escenógrafo y diseñador de vestuario en la película. Tras el éxito underground de El Topo de Jodorowsky, bien conocido tanto por John Lennon como por George Harrison, la película fue producida por el supervisor de los Beatles Allen Klein, de ABKCO Music and Records. Lennon y Yoko Ono reunieron el dinero para la producción. Se proyectó en varios festivales de cine de todo el mundo en 1973, incluido el de Cannes.
El fantasma de la libertad (1974)
El fantasma de la libertad es una película surrealista de vanguardia de 1974 de Luis Buñuel, producida por Serge Silberman y protagonizada por Adriana Asti, Julien Bertheau y Jean-Claude Brialy. Tiene una estructura argumental no lineal que incluye varios episodios conectados únicamente por el movimiento de los personajes de un escenario a otro y muestra el estilo satírico y subversivo de Buñuel integrado con una serie de acontecimientos surrealistas y caprichosos que desafían las nociones preconcebidas del público sobre la moral social.
Espejo (1975)
Espejo narra las ideas, sentimientos y recuerdos de Aleksei y del mundo que le rodea cuando era niño, adolescente y cuarentón. Apenas se vislumbra al Aleksei adulto, aunque existe como comentario en algunas escenas. La estructura de la película es no cronológica, sin una trama tradicional, e integra acontecimientos, sueños, recuerdos y noticiarios. La película alterna entre 3 periodos temporales diferentes: antes de la guerra (1935), en tiempos de guerra (años 40) y después de la guerra (años 60 o 70).
Espejo de Andrei Tarkovsky, aunque no pretende claramente ser una autobiografía, es, no obstante, una película profundamente autobiográfica que narra las luchas y penurias de quienes crecieron en la Unión Soviética durante las décadas de 1930 y 1940. Es una película que hay que ver varias veces y que no puede comprenderse plenamente en un solo visionado. La fotografía en pantalla es extraordinaria. Aunque los críticos se mostraron divididos cuando se estrenó por primera vez, la película ha adquirido un seguimiento de culto y algunos la consideran una de las mejores películas de la historia.
Eraserhead (1977)
Spencer deja la compra en su casa, que está llena de montones de tierra y plantas muertas. Esa noche, Spencer llega a casa de X, hablando torpemente con su madre. En la mesa le piden que corte un pollo que en realidad cocinó el padre de X; el pollo se mueve y se retuerce en el plato y chorrea sangre al cortarlo. Después de cenar, Spencer se ve acorralado por la madre de X, que intenta besarle. Le informa de que X ha tenido un hijo. X, sin embargo, no está seguro de que lo que ha traído al mundo sea un bebé.
Puede que David Lynch sea el director vanguardista moderno más conocido, y su obra de 1977 Cabeza Borradora sea quizá la más vanguardista. Concebida como una representación de cómo el estrés, las ansiedades y las preocupaciones pueden aflorar en los sueños, Cabeza borradora es un viaje a través de las preocupaciones que pueden contaminar el subconsciente.
Ese oscuro objeto del deseo (1977)
Ese oscuro objeto del deseo es una comedia-drama surrealista de 1977 dirigida por Luis Buñuel, basada en la película de 1898 La mujer y el títere de Pierre Louÿs. Fue el último trabajo como director de Buñuel antes de su muerte en julio de 1983. Ambientada en España y Francia, con el trasfondo de un levantamiento terrorista, la película cuenta la historia a través de una serie de flashbacks de un anciano francés, Mathieu (interpretado por Fernando Rey ), que se enamora de una joven española, Conchita (interpretada indistintamente por 2 actrices, Carole Bouquet y Ángela Molina), que frustra constantemente sus deseos sexuales y románticos.
Cera, o el descubrimiento de la televisión entre las abejas (1991)
Cera o el descubrimiento de la televisión entre las abejas es el primer largometraje independiente del director y artista estadounidense David Blair. Blair protagoniza la película, que también cuenta con un cameo de William Burroughs. Mezcla de ingeniosa animación digital, vídeo expuesto y acción en directo, el lenguaje visual de Wax es una representación de las innovaciones y la crítica de la política que aún resuenan hoy en día.
Lo que puede interpretarse como una película hecha para oponerse al inicio de la Guerra del Golfo, es una insólita película de vanguardia. La película se centra en un apicultor que cree que su nido de abejas ha plantado en realidad un cristal en su cabeza que le permite hablar con las almas de los muertos. El cine utiliza asombrosos efectos generados por ordenador que distorsionan la imagen en la pantalla de formas que rara vez se ven en las películas convencionales.
Film Socialisme (2010)
Film Socialisme es una película francesa de vanguardia de 2010 dirigida por Jean-Luc Godard. La película se proyectó por primera vez en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes de 2010 y se estrenó en Francia 2 días después. La película consta de 3 actos. El primer acto, Des choses comme ça («Cosas así») está ambientado en un crucero, con diálogos en varios idiomas. El segundo acto, Notre Europe («Nuestra Europa»), está ambientado en una gasolinera e incluye a un grupo de niños, una mujer y su hermano pequeño, que convocan a sus padres para comparecer ante el «tribunal de su juventud», exigiendo respuestas severas sobre los estilos de igualdad, fraternidad y libertad. El último acto, Nos humanités («Nuestras artes liberales»), explora 6 lugares famosos: Egipto, Palestina, Odesa, Grecia, Nápoles y Barcelona.