¿Cuáles son las películas de comedia más interesantes para ver en el mundo? historia del cineConsideradas durante mucho tiempo un género menor, algunas comedias se han convertido en un género de culto, insertadas por las principales revistas y críticos de cine entre las películas imperdiblesAntes de llegar al cine, veamos cómo nació el género de la comedia en el teatro y la literatura antiguos.
Los orígenes de la comedia
La palabra comedia deriva del griego clásico kōmōidía, compuesto por dos palabras: fiesta y canción, oda. Los orígenes conocidos de la comedia se remontan a la Antigua Grecia, en algunas obras de Aristóteles, como La Poética y Aristófanes. En ellas, los autores griegos ironizaban sobre el estilo de vida y las contradicciones de la sociedad ateniense.
Las comedias teatrales se representaban en las ciudades de la antigua Grecia para hacer sátira social y política, como ocurre en los programas de entrevistas televisivos actuales. A menudo eran representaciones sobre conflictos de actualidad, políticos y personalidades conocidas de la sociedad, donde se enfrentaban dos bandos. El público podía identificarse y, al mismo tiempo, disfrutar.
El crítico canadiense Herman Northrop Frye identificó este conflicto principal de la comedia teatral de la antigua Grecia en el choque entre las generaciones jóvenes y las mayores, entre quienes aún no tienen autoridad ni poder y quienes no quieren renunciar al prestigio que han alcanzado en la sociedad. El choque se narró con un tono divertido y situaciones paradójicas.
Mientras que el héroe favorito de la tragedia era un hombre virtuoso, el protagonista de las comedias solía ser un hombre mediocre y con defectos. Un personaje ideal para narrar las deficiencias de la sociedad con humor.
En el antiguo mundo islámico, donde se tradujo la poesía de Aristóteles, el término comedia no se asociaba con el entretenimiento. Era más bien un género asociado a la poesía satírica de escritores y poetas como Abu Bishr, Al-Farabi, Avicena y Averroes.
La comedia trasciende todas las épocas, desde la antigua Roma hasta el Renacimiento, llegando incluso a las obras de Shakespeare. En la Edad Media, el término comedia se desvía del significado de representación cómica y se asocia con la risa, adquiriendo el significado de un poema con final feliz. Como en el caso de La Comedia de Dante Alighieri.
La comedia en el cine mudo
La comedia es un género cinematográfico muy popular, caracterizado por la ironía, la sátira y la burla a las costumbres sociales y morales. En los orígenes del cine, la comedia fue uno de los géneros principales, especialmente tras la creación de... Hollywood Industria. La comedia sentimental nació en los años 10 con películas que narraban la separación de dos cónyuges y la asistencia de otros miembros de la pareja.
Las películas tenían como objetivo contener la explosión de divorcios de la época. Siempre terminaban con un final moralista en el que los cónyuges volvían a vivir juntos.
Gracias al género de la comedia cómica y al personaje de Charlot, Charlie Chaplin se convirtió en uno de los más actores famosos y directores del mundo. Su obras maestras Son innumerables, empezando por la película cómica The Niño hasta la comedia amarga y dramática de Limelight.
En el final, Charlie Chaplin protagoniza junto a otro gigante de la comedia, Buster Keaton. Algunas comedias de Buster Keaton son imprescindibles, auténticas obras maestras del género slapstick, un género típico de la era del cine mudo, donde la comedia se centraba en la acción y los gags físicos. Por ejemplo, en las películas "Cómo gané la guerra" o "El camarógrafo". Con la llegada del sonido, la comedia también empieza a usar gags en los diálogos.
Comedia sofisticada
En 1934 entró en vigor el Código Hays y la rigidez de la censura impidió la distribución de obras que hablaran de adulterio conyugal. El género cómico viró entonces hacia el subgénero de la comedia disparatada, la comedia sofisticada.
Este género de comedia presentaba personajes adinerados de la clase media alta. La comedia sofisticada fue frecuente entre grandes directores como Frank Capra en películas como "Sucedió una noche" (1934).
Película de comedia estadounidense
películas de comedia estadounidenses se encuentran entre los géneros más antiguos del cine estadounidense; algunas de las primeras películas mudas eran comedias, ya que el humor entretenido a menudo se basa en la acción y la mímica, sin necesidad de sonido. Con el introducción A finales de las décadas de 1920 y 1930, las comedias cobraron mayor prestigio. Para la década de 1950, la industria televisiva se había convertido en una dura competencia para la industria cinematográfica. En la década de 1960, se vio un aumento en el número de comedias entretenidas protagonizadas por estrellas de Hollywood. En la década de 1970, se prefirieron las comedias negras. Figuras destacadas de la década de 1970 fueron Woody Allen y Mel Brooks.
Ernst Lubitsch
El maestro indiscutible de la comedia sofisticada en Hollywood fue Ernst Lubitsch. Su estilo era brillante, cautivador y dinámico, compuesto por repentinos cambios de narrativa y punto de vista. Entre sus comedias más famosas, recordamos películas como El abanico de Lady Windermere, Trouble in Paradise y Design for... Living, Ninotchka, rodada entre los años 20 y 30. Entre sus obras maestras también se encuentra, sin duda, Ser o no ser, una sátira memorable sobre Hitler, inspirada en El gran dictador de Charlie Chaplin.
Frank Capra
A principios de los años treinta se consolida como director de comedia en Hollywood especialmente Frank Capra con sus películas de humor. terminaciones, finales a menudo inverosímiles y edulcorados.
Nos encontramos en pleno New Deal y, tras la Gran Depresión, Estados Unidos necesita confianza. Las productoras están encantadas de producir películas que apoyen el proyecto político del gobierno de un nuevo sueño americano.
Howard Hawks
De los años 40-50 el maestro El éxito de la comedia lo alcanza Howard Hawks, con películas como ¡Yo soy Susana! (1938), Su chica de viernes (1940) o Los caballeros las prefieren rubias (1953).
Son historias cinematográficas en las que el autor se centra principalmente en el conflicto entre la vida aburrida y el caos, con una dirección invisible que da relevancia objetiva a los acontecimientos que suceden en la pantalla.
Billy Wilder
La comedia, sin embargo, se vuelve amarga y se convierte en películas de arte y ensayo Con mayor profundidad solo con el cine de Billy Wilder. Wilder colaboró con grandes escritores como Charles Brackett o I.A. Diamond.
Sus películas son una crítica amarga de la sociedad occidental llena de humor negro, que recuerda en cierto sentido la profundidad de los grandes Comedia italiana.
Las obras maestras más importantes son Un asunto extranjero, 1948, La tentación vive arriba, 1955, Con faldas y a lo loco, 1959, Sabrina, 1954, Amor En la tarde, 1957, Irma La Dolce, 1963.
La comedia italiana
A finales de la década de 1950, surgió la llamada Comedia italiana Nació en Italia un género de comedia que aborda temas sociales, políticos y culturales desde una perspectiva divertida e irónica. La comedia italiana logra ser más incisiva que muchos dramas considerados de autor. Una de las primeras películas fue I soliti ignoti, de Mario Monicelli, de 1958.
La comedia italiana describirá la sociedad italiana de los años 60 y 70 con extraordinaria precisión e ingenio, como ningún otro género podrá hacerlo. El actor Alberto Sordi será el protagonista en la gran pantalla de cientos de películas que narrarán los vicios, el oportunismo, la mezquindad y la propensión a la estafa del italiano promedio.
Los principales directores de la comedia italiana fueron Mario Monicelli, Ettore Scola, Dino Risi, Luigi Zampa, Steno, Vittorio De Sica y Luigi Comencini.
Todos los grandes actores italianos de la época acudieron al género de la comedia: fueron Vittorio Gassman, Anna Magnani, Sophia Loren, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni, Nino Manfredi, Aldo Fabrizi, Claudia Cardinale Gastone Moschin y Adolfo Celi.
Películas de comedia francesas
Las películas de comedia francesas comenzaron a aparecer en cantidades sustanciales durante el cine mudo Era, de 1895 a 1930. El humor visual de la mayoría de estas películas mudas se basaba en la farsa y el burlesque. Uno de los primeros cortometrajes entretenidos fue "Regando al jardinero" (1895), de los Lumière. hermanosMax Linder fue un comediante importante y puede considerarse la verdadera celebridad del cine de comedia de esa época.
Cuando el cine sonoro llegó a los cines en 1927, las comedias volvieron a cobrar protagonismo gracias al uso del diálogo. Tras la Segunda Guerra Mundial, la cultura francesa experimentó numerosas adaptaciones en las décadas de 1940 y 1970, lo que tuvo una gran influencia en las comedias de esa época. variedad Muchos comediantes franceses tuvieron la capacidad de detectar un éxito en el mercado de habla inglesa en esa época: Fernandel, Bourvil, Louis de Funès y Jacques Tati.
A principios de la década de 1970, los actores jóvenes que se iniciaban en el... bebé La generación del boom protagonizó películas de comedia: Gérard Depardieu, Splendid, Daniel Auteuil, Daniel Prévost y Coluche.
Comedia romántica
Uno de los principales subgéneros de la comedia, que se convirtió en uno de los géneros cinematográficos más comerciales en la década de 2000 es comedia romántica, un subgénero de películas románticas. Actores famosos de Hollywood Cineastas como Julia Roberts o Richard Gere se dedican principalmente a este tipo de películas, con resultados artísticos mediocres y recaudaciones de taquilla extraordinarias.
La comedia romántica más reciente rara vez ha encontrado su identidad artística y se ha mantenido como un fenómeno predominantemente comercial. A menudo eran el equivalente cinematográfico de la fenómeno de masas de La novela romántica, carente de espesor.
El Comedia de humor negro
Perfecto en cambio como punto de conexión entre el género de la comedia y película de autor Es comedia negra. Artistas como Stanley Kubrick en Doctor Strangelove, Ettore Scola, Marco Ferreri en Italia y muchos otros en diversas partes del mundo.
La comedia negra, a diferencia de la comedia romántica, brillante y apacible, introduce elementos divertidos, pero obscenos y oscuros en la historia, a menudo relacionados con la muerte. La comedia negra es perfecta para narrar de forma más ligera los aspectos más oscuros del ser humano y la sociedad.
La comedia dramática
El comedia dramática, también llamada comedia amarga, es una película que a pesar de conservar el tono de la comedia explora acontecimientos dramáticos, muchas veces sin final feliz.
Los personajes de la comedia dramática tienen frecuentemente una mayor profundidad que los de la comedia ligera: los directores pueden insertar elementos más verosímiles y hacer el cine más parecido a la vida, alternando momentos divertidos y momentos dramáticos.
Muchas películas de Federico Fellini, si realmente tuviéramos que asignar un género a un autor genial e inclasificable, son comedias dramáticas, donde el maestro del cine italiano mezcla momentos trágicos e irónicos, drama y grotesco con rara habilidad.
En los años 70, en Italia, por ejemplo, la comedia italiana cambia a medida que la sociedad cambia. El optimismo del auge económico da paso a los años de plomo y terrorismo.
La comedia se vuelve progresivamente más melancólica y dramática, comenzando con películas como "Todos nos amábamos tanto", de Ettore Scola. El abandono de los valores de la amistad y el amor a cambio del oportunismo y la carrera profesional se convierte en uno de los temas dominantes.
Las películas conservan ese espíritu divertido e irónico, pero está fuertemente atenuado por reflexiones más comprometidas, miradas melancólicas sobre una realidad a menudo compleja y difícil de ver.
La comedia ya no puede permitirse el lujo de ser demasiado “light”, porque el declive de la sociedad empieza a ser preocupante y la perspectiva sobre el mundo de los directores también está cambiando.
Otros géneros de comedias
La comedia ha dado lugar a una gran variedad de subgéneros y es probable que en el futuro haya críticos de cine que identifiquen algunos nuevos.
La comedia anárquica es un género identificado por algunos críticos de cine como centrado en la burla a la autoridad y el poder. Por ejemplo, películas como las de Monty Python, o irreverentes... comedias americanas como Animal House, 1978, National Lampoon y muchas de las películas de los hermanos Marx.
La comedia de baño: películas asquerosas y repugnantes filmadas con un enfoque demente. Porky's (1982), Dos tontos muy tontos (1994), American Pie (1999).
La comedia de buenas costumbres como la película Desayuno con diamantes, ambientada en el conformismo de una determinada clase social.
La comedia "farsa" que exagera situaciones que rozan la paradoja, como en Con faldas y a lo loco. Luego está la parodia, la vie comedia, la comedia de situación, la comedia directa, la comedia surrealista.
Comedias que definitivamente debes ver
Después de este breve recorrido por la historia de la comedia y los distintos subgéneros de los géneros cinematográficos, aquí os dejamos una lista de comedias de arte y ensayo Para ver. Para quienes aman el género pero no quieren renunciar a la calidad artística y la profundidad cultural.
Charlie Chaplin – Cortometraje
Charlie Chaplin se da a conocer mundialmente con los cortometrajes de su personaje Charlot, inspirados en su vida. EXPERIENCEInventado en 1914. Un vagabundo con zapatos enormes aporta a las películas cómicas de la época la poesía del gran cine. Los cortometrajes de Charlie Chaplin, a menudo menos conocidos que sus largometrajes más famosos, son auténticas joyas de la comedia y el arte cinematográfico mundial.
Señora DuBarry (1919)
Señora DuBarry Es una película alemana de comedia dramática histórica muda de 1919 dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Pola Negri. La película cuenta la historia de Jeanne Vaubernier, una joven y bella modista parisina que, tras abandonar a su verdadero amor, Armand de... Foix, para buscar una relación con el conde Jean Du Barry, se convierte en la amante del rey Luis XV. Jeanne, quien ahora Se hace llamar Madame Du Barry, vive una vida de lujo y opulencia, pero su posición está cada vez más amenazada por la creciente insatisfacción del pueblo francés.
Parcela
La película comienza con Jeanne Vaubernier trabajando como modista en París. Es una joven hermosa y vivaz, pero también muy pobre. Un día, Jeanne conoce al conde Jean Du Barry, un noble corrupto que busca una nueva amante. El conde queda prendado de Jeanne y la convence de dejar su trabajo y seguirlo a Versalles.
Comentario
Señora DuBarry Es una película compleja y multifacética que explora temas como el amor, el poder y la revolución. La crítica elogió su dirección, la actuación de Pola Negri y la recreación de la ambientación del siglo XVIII.
La película también fue objeto de controversia, sobre todo en Francia, donde fue acusada de ser antifrancesa. propaganda obra. Las críticas se centraron en el hecho de que la película presentaba la Francia del siglo XVIII como un país decadente y corrupto, y que jeanne dubarry Fue retratada como una mujer frívola y sin escrúpulos.
A pesar de la controversia, Señora DuBarry Es una película que ha resistido el paso del tiempo y sigue siendo disfrutada por cinéfilos de todo el mundo. Es un importante ejemplo del cine mudo alemán y representa una obra de gran valor artístico e histórico.
Detalles adicionales
- La película se rodó en Alemania y las escenas de Versalles se recrearon en los grandes estudios cinematográficos de Babelsberg.
- La actuación de Pola Negri fue elogiada por la crítica por su sensualidad y magnetismo.
- La película fue un gran éxito comercial y recaudó más de un millón de dólares en su momento.
El niño (1921)
El Kid Es una película estadounidense de comedia dramática muda de 1921, escrita, producida, dirigida, editada y protagonizada por Charlie Chaplin. Se considera una de las mejores películas de Chaplin y una de las más grandiosas de todos los tiempos.
Parcela
Un vagabundo (Charlot) encuentra a un bebé abandonado (Jackie Coogan) y decide criarlo como si fuera suyo. Ambos viven juntos, afrontando las dificultades de la vida como personas sin hogar. Charlot cuida al niño con amor y devoción, enseñándole a vivir con dignidad y esperanza.
Temáticas
El Kid Explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor y familia: La película narra la historia de amor entre un padre y un hijo adoptivo. Charlot es un padre cariñoso y protector, y el niño es un hijo devoto.
- Pobreza y discriminación: La película aborda las dificultades de la vida como personas sin hogar. Charlot y el niño son a menudo... tiene como objetivo de discriminación y prejuicios.
- Esperanza y resiliencia: La película es una historia de esperanza y resiliencia. Charlot y el niño nunca se rinden, ni siquiera ante la adversidad.
Recepción
El Kid Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por sus actuaciones, su conmovedora historia y su exploración de temas importantes.
Legado
El Kid es considerado un clásico del cineLa película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1994, al ser considerada "cultural, histórica o estéticamente importante" y está considerada como una de las mejores películas jamás realizadas.
La señal alta (1921)
The High Sign es una película muda de acción y comedia de dos rollos de 1921, protagonizada por Buster Keaton, escrita y dirigida por Keaton y Edward F. Cline. Es un cortometraje de 21 minutos. Insatisfecho con el resultado, Keaton lo abandonó y la película no se estrenó. El título describe la señal manual secreta que utilizaba la banda del hampa de la película.
Parcela
Keaton interpreta a un vagabundo que se entretiene en un tiroteo en un parque temático. Creyendo que Keaton es un tirador certero, tanto la banda de asesinos Blinking Buzzards como el hombre al que quieren eliminar terminan contratándolo. La película termina con una persecución salvaje por una casa llena de pasadizos secretos y trampillas.
Estilo
En contraste con la comedia física violenta de las películas que hizo con Fatty Arbuckle, este cortometraje exhibe el estilo seco, divertido y apacible que se convirtió en el sello distintivo de Keaton. Las escenas culminantes de persecución dentro de la casa tienen lugar en un set de dos niveles, con paneles giratorios, trampillas y pasadizos secretos.
Sherlock Jr. (1924)
Sherlock Jr. es una película muda estadounidense de acción y comedia de 1924, dirigida y protagonizada por Buster Keaton y escrita por Clyde Bruckman, Jean Havez y Joseph A. Mitchell. Incluye a Kathryn McGuire, Joe Keaton y Ward Crane. La película está considerada una de las mejores comedias de la historia.
Parcela
Sherlock Jr. Buster es proyeccionista y conserje. Cuando el cine está vacío, estudia un libro sobre "Cómo ser detective". Ama a una mujer hermosa, pero tiene un competidor, el "jeque local". Ninguno de los dos tiene mucho dinero. Descubre un billete de un dólar en la basura que ha recogido en el vestíbulo. Lo toma y lo incluye en los dos dólares que tiene. Una señora afirma haber perdido un dólar. Se lo devuelve. Luego, una anciana afirma haber perdido un dólar. Un niño rebusca en la basura y encuentra una cartera llena de dinero.
Legado
sherlock jr. se considera un clásico de cine mudoLa película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1995, por ser considerada "cultural, histórica y estéticamente significativa" y es considerada una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Keaton y Joseph Mitchell.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Keaton y Carl Stalling.
El círculo matrimonial (1924)
El Matrimonio Círculo (1924) es una película muda de comedia romántica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Adolphe Menjou, Monte Blue, Marie Prevost y Florence Vidor. Está basada en la obra Solo un sueño por Lothar Schmidt.
Parcela
La película se desarrolla en Viena, Austria, y sigue la historia de dos parejas: el Dr. Franz Braun (Monte Blue) y su esposa Charlotte (Florence Vidor), y Mitzi Stock (Marie Prevost) y su esposo, el profesor Josef Stock (Adolphe Menjou).
La historia comienza cuando Mitzi empieza a coquetear con Franz. Josef, que sospecha de la fidelidad de su esposa, contrata a un detective para que la investigue. La investigación del detective pronto se centra en Franz, y la situación se complica cada vez más.
Mientras tanto, el mejor amigo de Charlotte, el Dr. Gustav Mueller (Creighton Hale), intenta consolarla durante su momento difícil.
La película explora temas como el amor, el matrimonio, la infidelidad y los celos. Es una comedia ingeniosa y sofisticada que, además, es sorprendentemente perspicaz en cuanto a las relaciones humanas.
Parcela
La película comienza con una escena en la que Franz y Charlotte están felices y enamorados. Franz es un médico exitoso y Charlotte es una ama de casa cariñosa.
Un día, Franz y Charlotte son invitados a una fiesta en casa de Mitzi y Josef. Mitzi es una mujer encantadora y seductora, y enseguida empieza a coquetear con Franz.
Josef está celoso de su esposa y sospecha que lo engaña. Contrata a un detective para que la investigue.
El detective empieza a seguir a Mitzi y descubre que está coqueteando con Franz. Josef, desolado, decide divorciarse de su esposa.
Analisis
El círculo matrimonial es un pelicula clasica De la era del cine mudo. Es una comedia divertida e inteligente que explora temas universales como el amor, el matrimonio y la infidelidad.
La película está dirigida con maestría por Ernst Lubitsch, uno de los directores más destacados del cine mudo. Lubitsch utiliza sus dotes cómicas para crear escenas divertidas y cautivadoras.
Las actuaciones de los actores son excelentes. Adolphe Menjou está impecable en el papel del marido celoso y desconfiado. Monte Blue resulta convincente en el papel del marido infiel que se da cuenta de su error. Florence Vidor es tierna y comprensiva en el papel de la esposa traicionada.
La fiebre del oro (1925)
El oro Prisa (1925) es una película de comedia muda estadounidense de 1925 escrita, producida y dirigida por Charlie ChaplinLa película también está protagonizada por Chaplin en su personaje de El pequeño vagabundo, Georgia Hale, Mack Swain, Tom Murray, Enrique Bergman y Malcolm Waite. Chaplin proclamó en el momento de su estreno que esta era la película por la que quería ser recordado.
Parcela
Un buscador de oro llamado Charlie llega al Klondike durante la fiebre del oro de la década de 1890. Está decidido a hacerse rico, pero se enfrenta a muchos desafíos, como el duro clima, el terreno traicionero y la despiadada competencia de otros buscadores.
Charlie finalmente se hace amigo de un compañero buscador de oro llamado Big Jim (Mack Swain). Los dos hombres trabajan juntos para encontrar oro, pero se ven constantemente frustrados por su propia incompetencia y mala suerte.
A pesar de los contratiempos, Charlie nunca renuncia a su sueño. Finalmente descubre una rica veta de oro y se convierte en millonario.
Temáticas
- El sueño americano
- Perseverancia
- Amistad
- Codicia
- Amor
Recepción de la crítica
La quimera del oro Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y música. Fue nominada a cuatro premios. Academy Recibió premios, incluidos Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original, y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Cinematografía.
Legado
La quimera del oro Se considera una de las mejores películas de Charlie Chaplin. Es un clásico del cine mudo y ha sido preservada en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por su importancia cultural, histórica y estética.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor fotografía
- Premio Photoplay a la mejor película
- Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Película
Hechos graciosos
- Los efectos especiales de la película fueron innovadores para su época. La escena de la ventisca se creó combinando sal, harina y papel.
- La escena de baile de la película es una de las más famosas de la historia del cine. Fue coreografiada por el propio Chaplin y ha sido parodiada por muchos otros cineastas.
- El final de la película se cambió en el último minuto. Chaplin originalmente planeó que Charlie y Big Jim se separaran, pero decidió terminar la película con un tono más optimista.
El general (1926)
The General es una película de comedia muda estadounidense de 1926 dirigida, producida y protagonizada por Buster KeatonLa película está considerada como una de las mejores películas de Keaton y una de las mejores películas de todos los tiempos.
Parcela
Durante la Guerra de Secesión estadounidense, Johnny Gray, un maquinista sureño, es rechazado del ejército por considerarlo más valioso como maquinista que como soldado. Cuando soldados de la Unión roban su locomotora, Johnny se propone redimirse y rescatar a su novia, Annabelle, que viaja en la locomotora.
Temáticas
The General Explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor: La película es una historia de amor entre un ingeniero y una chica.
- Heroísmo: La película explora el tema del heroísmo y el sacrificio.
- Progreso tecnológico: La película explora el impacto del progreso tecnológico en la guerra.
Recepción
The General Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor físico, su cautivadora historia y su exploración de temas importantes.
Legado
The General Se considera un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1998, por ser considerada "cultural, histórica y estéticamente significativa" y considerada una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Keaton y Clyde Bruckman.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Keaton y Carl Stalling.
Así es París (1926)
Así es París (1926) es una película de comedia muda estadounidense dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Monte Blue, Patsy Ruth Miller, Lilyan Tashman y André Beranger. Está basada en la obra teatral de 1872. El Reveillon de Henri Meilhac y Ludovic Halévy.
La película narra la historia de Paul Giraud (Monte Blue), un hombre felizmente casado que se deja tentar por otra mujer mientras su esposa está de viaje. Su vecina, Georgette Lalle (Lilyan Tashman), es una seductora bailarina que lo invita a su apartamento a una fiesta. Al principio, Paul se resiste a las insinuaciones de Georgette, pero finalmente sucumbe a la tentación.
Analisis
Así es París Es un ejemplo clásico del estilo cómico de Lubitsch. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Lubitsch también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, se ve a Paul y Georgette bailando en el apartamento de Georgette. La cámara se mueve alrededor de la pareja, creando una sensación de intimidad y emoción. Sin embargo, la cámara también revela que Paul lleva un sombrero ridículo, lo que añade un toque de humor a la escena.
La película también explora el tema de la infidelidad de forma compleja y matizada. Paul no es un villano; simplemente es un hombre tentado por otra mujer. Suzanne tampoco es una víctima; es una mujer fuerte e independiente, capaz de perdonar a su marido.
Detalles adicionales
- La película se rodó en Berlín, Alemania.
- La película fue un éxito comercial y de crítica tras su estreno.
- Se considera una de las mejores películas mudas jamás realizadas.
- La película fue rehecha en 1938 como El bazar de las sorpresas, protagonizada por James Stewart y Margaret Sullavan.
Proyecto de ley del barco de vapor (1928)
El barco de vapor Bill Jr. es una película de comedia muda estadounidense de 1928 dirigida por charles reisner con Buster Keaton. La película está considerada una de las mejores de Keaton y una de las mejores de todos los tiempos.
Parcela
William Canfield Jr., un joven dandi de la ciudad, regresa a su pueblo natal para recuperar a su amor de la infancia, Kitty. El padre de Kitty, Steamboat Bill, es dueño de un barco de vapor que compite con otro, propiedad de John King.
Temáticas
El barco de vapor Bill Jr. Explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor: La película es una historia de amor entre un joven dandy y una chica de campo.
- Conflicto: La película explora el conflicto entre dos generaciones y entre dos familias rivales.
- Naturaleza: La película explora el poder de la naturaleza y la vulnerabilidad del hombre.
Recepción
El barco de vapor Bill Jr. Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor físico, su cautivadora historia y sus secuencias de ciclones, consideradas entre las más icónicas de la historia del cine.
Legado
El barco de vapor Bill Jr. Se considera un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1995 y se considera una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Charles Reisner, Carl Harbaugh y Charles Rogers.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Carl Stalling.
Luces de la ciudad (1931)
Luces de la ciudad es una película de comedia dramática muda estadounidense de 1931 dirigida, producida, escrita, editada y protagonizada por Charlie ChaplinLa película está considerada como una de las mejores películas de Chaplin y una de las mejores películas de todos los tiempos.
Parcela
Charlot, un hombre sin hogar de buen corazón, compra un flor De una florista ciega que cree erróneamente que es un hombre rico. Charlot se enamora de ella y comienza a cortejarla con la esperanza de ayudarla a recuperar la vista.
Temáticas
Luces de la ciudad Explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor: La película es una historia de amor entre un hombre sin hogar y una florista.
- Compasión: La película explora el tema de la compasión y la bondad.
- La ciudad: La película explora el contraste entre la riqueza y la pobreza, entre la luz y la oscuridad.
Recepción
Luces de la ciudad Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su conmovedora historia, su humor conmovedor y su exploración de temas importantes.
Legado
Luces de la ciudad Se considera un clásico del cine mudo. La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1991 y se considera una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Chaplin.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Chaplin.
Reseña
En sus últimos años, Charlie Chaplin era conocido por dotar de dramatismo a sus obras siempre que tenía la oportunidad. Luces de la ciudad es la película donde interpreta ambos papeles. Aunque su estructura se asemeja a la picaresca de Chaplin, hay un enfoque más intencional cuando el vagabundo intenta ayudar a una florista ciega, interpretada con gran admiración por Virginia Cherrill. Cuando estaba borracho y no podía recordar sus acciones cuando estaba sobrio, Harry Myers también debería ser recordado por su papel del generoso millonario en esta notable película.
Coro de Tokio (1931)
Coro de Tokio Es una película muda japonesa de 1931 dirigida por Yasujirō Ozu. La película se rodó en Tokio durante la Gran Depresión y narra la historia de una familia de clase media que enfrenta dificultades económicas.
Parcela
El protagonista de la película, Shinji Okajima (Tokihiko Okada), es un empleado de una compañía de seguros que es despedido tras defender a un compañero de trabajo despedido. Su esposa, Sugako (Emiko Yagumo), es ama de casa y debe encontrar la manera de mantener... la familiaSus dos hijos, el mayor Chounan (Hideo Sugawara) y el menor hija Chocho (Hideko Takamine), debe enfrentar los desafíos de su nueva situación.
La película es un retrato realista de la vida cotidiana en Tokio durante la Gran Depresión. Ozu muestra las dificultades económicas que la gente tuvo que afrontar, pero también su fuerza y resiliencia. La película es conocida por su estilo minimalista y sus imágenes evocadoras.
Coro de Tokio Se considera una de las películas más importantes de Yasujirō Ozu. Ha sido elogiada por su representación realista de la vida cotidiana, su estilo minimalista y su humanidad.
Reseña
Coro de Tokio Es una película importante por varias razones. En primer lugar, es un retrato realista de la vida cotidiana en Tokio durante la Gran Depresión. La película muestra las dificultades económicas que la gente tuvo que afrontar, pero también su fuerza y resiliencia.
En segundo lugar, la película es conocida por su estilo minimalista. Ozu limita el uso de diálogos y movimientos de cámara, centrándose en las imágenes y los detalles. Este estilo minimalista contribuye a crear una sensación de realismo e intimidad.
Finalmente, Coro de Tokio Es una película humana. Ozu muestra compasión y comprensión hacia quienes enfrentan dificultades. La película es un mensaje de esperanza para quienes enfrentan desafíos en la vida.
Algunos temas importantes de la película:
- Justicia social
- Resiliencia humana
- La fuerza de la familia
- El poder de la musica
Algunos detalles de la película:
- La película se rodó en blanco y negro.
- La duración de la película es de 91 minutos.
- La película se estrenó en Japón el 28 de diciembre de 1931.
Nací, pero… (1932)
Nací, pero… (1932) es una película dramática japonesa de 1932 dirigida por Yasujiro Ozu y protagonizada por Tatsuo Saitō, Hideo Sugawara y Tomio Aoki.
Parcela
Dos hermanos, uno mayor y otro menor, viven con su padre, un empleado de bajo rango. El padre es un hombre autoritario y severo, y a menudo se burla del hijo menor, que es más tímido e introvertido que el hermano mayor.
Un día, el padre muere repentinamente. Los dos hermanos quedan huérfanos y deben aprender a valerse por sí mismos. El hermano mayor, más fuerte y emprendedor, se encarga de las tareas del hogar e intenta encontrar un trabajo para mantener a la familia. El hermano menor, en cambio, aún se recupera de la muerte de su padre y se refugia en la soledad.
Temáticas
- Familia
- Muerte
- Diseño de
Recepción de la crítica
Nací, pero… Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para narrar la historia del crecimiento de dos hermanos.
La película ganó el premio a la mejor dirección en el festival de cine de venecia en el 1932.
Premios y Reconocimientos
- Festival de Cine de Venecia 1932: premio a la mejor dirección
Hechos graciosos
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela del mismo nombre de Yasujirō Ozu.
Analisis
Nací, pero… Es una película que explora la complejidad de las relaciones familiares, en particular la relación entre hermanos. La película se ambienta en Japón, en una época de grandes cambios sociales y culturales.
El padre, interpretado por Tatsuo Saitō, es un hombre autoritario y severo que encarna los valores tradicionales de la sociedad japonesa. Los dos hermanos, interpretados por Hideo Sugawara y Tomio Aoki, representan a las nuevas generaciones en busca de su propia identidad.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. El padre intenta imponer su autoridad a sus hijos, pero estos se resisten a sus presiones. Al final, los dos hermanos encuentran la manera de convivir y superar la muerte de su padre.
Problemas en el paraíso (1932)
Trouble in Paradise (1932) es una película de comedia romántica estadounidense anterior al Código dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Miriam Hopkins, Herbert Marshall y Kay Francis. Se considera una de las mejores películas de la era pre-código y el público aún la disfruta.
La película cuenta la historia de Gaston Monescu (Herbert Marshall), un afable y sofisticado ladrón de joyas, y Lily Chevalier (Miriam Hopkins), una hermosa carterista. Ambos se conocen en un tren y se enamoran. Deciden unir fuerzas y usar sus habilidades para cometer una serie de robos de joyas.
Su primer objetivo es Madame Mariette Colet (Kay Francis), una adinerada y hermosa magnate del perfume. Gastón y Lily se infiltran en el círculo íntimo de Madame Colet y comienzan a cortejarla. Sin embargo, sus planes se complican cuando Gastón se enamora de Madame Colet de verdad.
Trouble in Paradise Es una comedia ingeniosa y sofisticada, llena de dobles sentidos e insinuaciones sexuales. Además, es una película sorprendentemente romántica, y la relación entre Gastón y Lily es una de las más creíbles y desarrolladas de la historia del cine.
Analisis
Trouble in Paradise Es una obra maestra del cine pre-código. Es una película llena de ingenio, sofisticación y romance. La dirección de Lubitsch es magistral y las actuaciones de los tres actores principales son soberbias.
La película también destaca por su tratamiento franco y abierto del sexo y la sexualidad. Esto fue posible porque se realizó antes de la entrada en vigor del Código de Producción, un conjunto de directrices morales que las películas de Hollywood debían seguir.
El Código de Producción prohibía la representación de sexo, violencia y otros temas controvertidos. Sin embargo, Trouble in Paradise Se realizó antes de que se aplicara estrictamente el Código de Producción y es posible explorar libremente estos temas.
Este libertad Le permite a Lubitsch crear una película divertida y provocadora a la vez. La película también explora la compleja relación entre el amor y el sexo de una forma que no era posible en las películas realizadas tras la entrada en vigor del Código de Producción.
Cero por conducta (1933)
Cero por conducta es una película muda francesa de 1933 dirigida por Jean Vigo. La película está considerada una de las obras maestras de cine surrealista y una de las películas más importantes de Vigo.
Parcela
Cuatro chicos, Bruel, Caussat, Colin y Le Grand, son castigados con un cero por conducta y confinados en una escuela militar. Sin embargo, no se dan por vencidos y organizan una revuelta contra la disciplina y la autoridad.
Temáticas
Cero por conducta Explora una serie de temas, entre ellos:
- Adolescencia: La película es una historia de rebelión y crecimiento personal.
- Autoridad: La película explora el conflicto entre la juventud y la autoridad.
- Libertad: La película celebra la libertad y la individualidad.
Recepción
Cero por conducta Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su originalidad, frescura y exploración de temas importantes.
Legado
Cero por conducta Se considera un clásico del cine. La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1998 y se considera una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Jean Vigo y Alexandre Astruc.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Maurice Jaubert.
Reseña
Una de las grandes obras maestras de la historia del cine sobre el tema de la infancia y el condicionamiento escolar y social de las generaciones más jóvenes. Un himno a la libertad y creatividad, un impulso para liberarse de el invisible Prisiones en las que intentan encerrarse. Una obra fundamental para ver al menos una vez en la vida. Una obra maestra del genio de Jean Vigo.
Sopa de pato (1933)
Sopa de ganso es una película musical de comedia negra estadounidense anterior al Código de 76 minutos escrita por Bert Kalmar y Harry Ruby, con diálogos adicionales de Arthur Sheekman y Nat Perrin, dirigida por Leo McCarey, protagonizada por los Hermanos Marx (Groucho, Harpo, Chico y Zeppo en su última aparición cinematográfica), y con la participación de Margaret Dumont, Louis Calhern, Raquel Torres y Edgar Kennedy. Sopa de ganso fue la última de las cinco películas de los Hermanos Marx estrenadas por Paramount Pictures.
Parcela
La película comienza con Rufus T. Firefly (Groucho Marx), un cantante de club nocturno fracasado, nombrado presidente de la pequeña nación de Freedonia. Firefly es un político corrupto e incompetente, más interesado en enriquecerse que en ayudar a su país.
La Sra. Teasdale (Margaret Dumont), una viuda estadounidense adinerada, le ofrece a Firefly un préstamo de 20 millones de dólares si se casa con su hija Vera (Raquel Torres). Firefly acepta el préstamo, pero no tiene intención de casarse.
Mientras tanto, el país vecino de Sylvania, liderado por el dictador Trentino (Louis Calhern), declara la guerra a Freedonia. Firefly contrata a dos espías, Chicolini (Chico Marx) y Harpo (Harpo Marx), para que le ayuden a ganar la guerra.
Recepción crítica y comercial
Sopa de Ganso fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su humor satírico y sus escenas hilarantes.
La película fue nominada a un premio Premio de la Academia a la mejor película, pero perdió contra Cavalcade.
Trivia
- Sopa de ganso es considerada una de las películas más divertidas de la historia. Fue incluida en la lista de las 100 películas más divertidas de todos los tiempos del American Film Institute.
- La película se rodó en sólo seis días.
- Groucho Marx escribió la mayoría de sus propias líneas para la película.
- La escena donde Chicolini y Harpo tocan la orquesta fue improvisada.
- Duck Soup fue una de las primeras películas en utilizar sonido sincronizado.
Sucedió una noche (1934)
Ambientada en medio de la Gran Depresión, “Sucedió una noche" es una película estadounidense de comedia romántica alocada dirigida por Frank Capra y protagonizada por Claudette Colbert como Ellie Andrews, una heredera malcriada que se fuga con un piloto cazafortunas, y Clark Gable como Peter Warne, un reportero cínico y recientemente despedido que acepta ayudar a Ellie a reunirse con su marido a cambio de una historia exclusiva.
Parcela
Ellie Andrews, la adinerada hija de un industrial dominante, se casa impulsivamente con King Westley, un piloto con reputación de cazafortunas. El padre de Ellie, decidido a evitar que su hija cometa un error tonto, envía a sus detectives privados a buscar a los recién casados y traer a Ellie de vuelta. inicio.
Ellie, al darse cuenta de que su matrimonio fue un error y que a Westley solo le interesa su dinero, huye del yate donde pasan su luna de miel. En una parada de autobús, se encuentra con Peter Warne, un reportero recién despedido que busca desesperadamente una exclusiva. Ellie, necesitada de ayuda, le propone un trato: le pagará para que la ayude a reencontrarse con Westley y, a cambio, le dará una exclusiva sobre su aventura.
Final y temas
"Sucedió una noche" termina con Ellie y Peter juntos, listos para comenzar una nueva vida juntos. La película celebra el poder del amor, la independencia y el autodescubrimiento.
Recepción crítica y legado
"Sucedió una noche" fue un éxito de crítica y público tras su estreno en 1934. La película fue elogiada por sus ingeniosos diálogos, sus memorables personajes y la magistral dirección de Frank Capra. Ganó cinco Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Clark Gable), Mejor Actriz (Claudette Colbert) y Mejor Guion Original.
“It Happened One Night” ha seguido siendo popular durante décadas y se considera una de las mejores comedias románticas jamás realizada. Ha sido seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por su importancia cultural, histórica y estética.
Trivia
- El título original de la película era “Tres son multitud”, pero se cambió a “Sucedió una noche” por sugerencia del director de Columbia Pictures, Harry Cohn.
- Clark Gable tuvo que dejarse bigote para su papel en "Sucedió una noche", ya que su personaje era un reportero. Esta fue la primera vez que Gable apareció en pantalla con vello facial.
- La escena más famosa de la película es la del "trepa por la pared", en la que Ellie y Peter se ven obligados a compartir cama en una habitación de motel abarrotada. La escena fue improvisada por Claudette Colbert y Clark Gable, y no figuraba en el guion original.
Sazen Tange y la olla que vale un millón de ryos (1935)
Parcela
Una noche en la ópera (1935)
Una noche en la ópera (1935) es una película musical clásica estadounidense de comedia negra anterior al Código escrita por Bert Kalmar y Harry Ruby, con diálogos adicionales de Arthur Sheekman y Nat Perrin, dirigida por Leo McCarey, protagonizada por los Hermanos Marx (Groucho, Harpo, Chico y Zeppo en su última aparición cinematográfica), y con la participación de Margaret Dumont, Louis Calhern, Raquel Torres y Edgar Kennedy. Una Noche en la Ópera fue la última de las cinco películas de los Hermanos Marx estrenadas por Paramount Pictures.
Parcela
En un restaurante de Milán, Italia, la señora Claypool, una viuda adinerada, aparentemente fue plantada a cenar por Otis B. Driftwood, su representante comercial.
Entre bastidores de la ópera, el corista Ricardo Baroni contrata a su mejor amigo Fiorello como su representante. Ricardo está enamorado de la soprano. Rosa Castaldi, a quien también corteja Lassparri.
Otis le propone a la Sra. Claypool: convencerá al mundialmente famoso tenor Rodolfo Lassparri para que cante en su fiesta si ella invierte en su nueva compañía de ópera. La Sra. Claypool acepta, y Otis viaja a Italia para reunirse con Lassparri.
Recepción crítica y legado
Una Noche en la Ópera fue un éxito de crítica y público tras su estreno en 1935. La película fue elogiada por su humor, su música y sus actuaciones. Fue nominada al Óscar a la Mejor Película, pero perdió ante Cavalcade.
Una Noche en la Ópera se considera una de las mejores películas de los Hermanos Marx. Es una película hilarante y caótica que el público aún disfruta hoy en día.
Temáticas
Una Noche en la Ópera es una sátira de la alta sociedad, la ópera y la industria musical. También es una película sobre la amistad, el amor y el poder de la música.
Niñotchka (1939)
Niñotchka (1939) es una película de comedia romántica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Greta Garbo y Melvyn Douglas.
Parcela
La película narra la historia de Ninotchka Yakushova (Garbo), una comisaria soviética severa y seria que es enviada a París para vender tres joyas confiscadas a la aristocracia rusa. A Ninotchka se le unen sus colegas Ivan Buljanoff (Sig Ruman) e Iranoff (Felix Bressart), pero el trío pronto se deja seducir por los lujos y placeres de París.
Al principio, Ninotchka se resiste a los encantos de París, pero finalmente cae bajo el hechizo de Leon d'Algout (Douglas), un parisino encantador y sofisticado. Leon recibe la tarea de ayudar a Ninotchka a vender las joyas, pero también trabaja en secreto para la Gran Duquesa Swana (Ina Claire), quien es la legítima propietaria de las joyas.
Ninotchka Es una comedia ingeniosa y sofisticada que explora temas como el amor, la risa y la importancia de la libertad individual. También es una celebración de la ciudad de París. La película fue un éxito de crítica y público tras su estreno, y aún se considera una de las mejores comedias románticas de la historia.
Analisis
Ninotchka Es un ejemplo clásico del estilo cómico de Lubitsch. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Lubitsch también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Ninotchka y León caminan por una calle de París. La cámara se eleva para revelar que Ninotchka lleva un sombrero ridículo. Esta imagen de Ninotchka con un sombrero parisino es a la vez divertida y subversiva, ya que desafía el estereotipo soviético del comunista severo y serio.
La película también explora el tema del amor de forma compleja y matizada. El amor que se profesan Ninotchka y Leon trasciende sus diferencias políticas. Su amor también es una fuente de libertad y liberación para Ninotchka. Es capaz de liberarse de las rígidas restricciones de la sociedad soviética y abrazar su propia individualidad a través de su relación con Leon.
Ninotchka Es una película que sigue vigente hoy en día. Es una mirada divertida y perspicaz al amor, la risa y la importancia de la libertad individual.
Su chica viernes (1940)
His Girl Friday es una película de 1940 dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell.
Parcela
La película es una comedia romántica que sigue a la exesposa y periodista Hildy Johnson (interpretada por Russell), quien regresa a la redacción para un último reportaje antes de dejar el periodismo y casarse de nuevo. Sin embargo, el editor del periódico (interpretado por Grant), quien también es su exmarido, intenta impedir que abandone el periodismo y la involucra en el encubrimiento de un caso de asesinato que se desarrolla de forma impredecible.
Recepción
La película es conocida por sus diálogos ágiles y mordaces, y la gran química entre Grant y Russell. Se considera una de las mejores películas de su época y fue incluida en la lista de las 100 mejores películas estadounidenses de todos los tiempos del American Film Institute.
Reseña
El cinismo de doble filo de la comedia de Broadway de Ben Hecht y Charles MacArthur, The Front Page, no podría ser más contemporáneo. El director tuvo la entusiasta intuición de transformar al personaje masculino Hildy, protagonista de la novela, en una mujer apasionada interpretada por Rosalind Russell en la película, desencadenando una de las luchas bélicas más incendiarias y entretenidas entre hombres y mujeres en la historia del cine.
El gran dictador (1940)
Parcela
En el país ficticio de Tomainia, Adenoid Hynkel (Charlie Chaplin), un dictador despiadado, asciende al poder mediante la manipulación y el miedo. Hynkel, una clara parodia de Adolf Hitler, cuenta con la ayuda de su ambicioso y ávido jefe de Estado Mayor, Garbitsch (Henry Daniell), quien constantemente conspira para apoderarse del país.
Mientras tanto, en el gueto judío, un barbero (también interpretado por Chaplin) lleva una vida sencilla y desconoce la agitación política que lo rodea. Cuando los guardias del dictador lo confunden con Hynkel, lo llevan a... el Palacio y tratado como un funcionario de alto rango.
El barbero, bondadoso y compasivo, se horroriza ante la crueldad y la opresión que presencia en el palacio. Intenta usar su posición para ayudar al pueblo de Tomainia, pero Garbitsch y sus compinches se lo impiden constantemente.
Temáticas
- Dictadura
- Totalitarismo
- Opresión
- Esperanza
- Libertad
Recepción crítica y legado
“El Gran Dictador” fue un éxito de crítica y público tras su estreno en 1940. La película fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su potente mensaje. Fue nominada a cinco Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Guion Original, Mejor Música y Mejor Banda Sonora Original.
“El Gran Dictador” se considera una de las mejores películas de la carrera de Charlie Chaplin. Es una sátira clásica que ha mantenido su relevancia e importancia durante décadas. Su mensaje de esperanza y libertad es tan importante hoy como lo fue en su estreno.
curiosidad
- “El gran dictador” fue la primera película en la que Chaplin habló en pantalla.
- Chaplin llevaba varios años queriendo hacer una película sobre Hitler, pero temía las repercusiones políticas. Finalmente, decidió hacerla tras darse cuenta de que el mundo estaba al borde de la guerra.
- La película fue prohibida en Alemania e Italia tras su estreno.
- “El gran dictador” fue la película más taquillera de 1940.
La historia de Filadelfia (1940)
La historia de Filadelfia (1940) es una película de comedia romántica estadounidense de 1940 dirigida por George Cukor y protagonizada por Katharine Hepburn, Cary Grant y James Stewart. La película está basada en la obra de Broadway homónima de 1939 de Philip Barry.
Parcela
Tracy Lord (Katharine Hepburn) es una adinerada mujer de la alta sociedad que está a punto de casarse con George Kittredge (John Howard), un nuevo rico industrial. Sin embargo, la víspera de su boda, recibe la visita de su exmarido, CK. Diestro Haven (Cary Grant), un playboy encantador pero irresponsable.
Tracy y Dexter reavivan su antigua pasión, y ella empieza a cuestionarse si realmente quiere casarse con George. También forja una improbable amistad con Macaulay Connor (James Stewart), un cínico reportero que cubre la boda.
A medida que se acerca la boda, Tracy debe decidir a quién ama realmente y qué quiere de la vida.
Temáticas
- Amor
- Matrimonios
- Clase
- Estatus social
- Autodescubrimiento
Recepción de la crítica
Historias de Filadelfia Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y vestuario. Fue nominada a seis Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Cary Grant), Mejor Actriz (Katharine Hepburn), Mejor Actor de Reparto (James Stewart) y Mejor Guion Original, y ganó dos premios: Mejor Actriz (Hepburn) y Mejor Guion Original.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor actriz (Katharine Hepburn)
- Premio de la Academia al mejor guión original
Hechos graciosos
- Katharine Hepburn inicialmente se mostró reacia a... estrella en la película, pero George Cukor la convenció.
- Cary Grant fue cedido a Columbia Pictures por RKO Radio Pictures para la película.
- James Stewart fue elegido originalmente para interpretar a George Kittredge, pero fue reemplazado por John Howard cuando se decidió que era demasiado joven para el papel.
- El vestuario de la película fue diseñado por Adrian, quien fue uno de los diseñadores de vestuario más famosos de Hollywood.
La tienda de la esquina (1940)
La tienda de la esquina (1940) es una película de comedia romántica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por James Stewart y Margaret Sullavan. La película está basada en la obra húngara de 1937 Perfumería por Miklós László.
Parcela
La película narra la historia de Alfred Kralik (Stewart) y Klara Novak (Sullavan), dos empleados de una tienda de regalos en Budapest que discuten constantemente. Sin embargo, desconocen que también son amigos por correspondencia anónimos que se han enamorado perdidamente.
Un día, despiden a Alfred y ascienden a Klara. Esto genera aún más tensión entre ambos, pero también los obliga a confrontar sus verdaderos sentimientos.
La película es una exploración encantadora e ingeniosa del amor, la amistad y la importancia de la comunicación. También es un testimonio de la habilidad de Lubitsch como director, capaz de crear una película divertida y conmovedora a la vez.
Analisis
El bazar de las sorpresas Es un ejemplo clásico del estilo cómico de Lubitsch. La película está repleta de diálogos ingeniosos y humor sutil. Lubitsch también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Alfred y Klara discuten en la tienda de regalos. La cámara enfoca un estante lleno de figuritas, que también se muestran discutiendo. Esta imagen de las figuritas discutiendo es a la vez divertida y simbólica, ya que refleja la tensión entre Alfred y Klara.
La película también explora el tema del amor de forma compleja y matizada. El amor entre Alfred y Klara se basa inicialmente en su relación anónima de amigos por correspondencia. Sin embargo, a medida que se conocen mejor en persona, su amor se profundiza.
La película también muestra la importancia de la comunicación en una relación. La relación entre Alfred y Klara es inicialmente tensa porque no pueden expresar sus verdaderos sentimientos. Sin embargo, una vez que logran abrirse, su relación florece.
Ser o no ser (1942)
Ser o no ser (1942) es una película de comedia satírica dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart, Lionel Atwill, Stanley Ridges y Sig Ruman. Se considera una de las mejores comedias de la historia y el público aún la disfruta.
Parcela
La película narra la historia de una compañía teatral polaca durante la ocupación nazi de Polonia. La compañía está liderada por Joseph Tura (Jack Benny) y su esposa Maria (Carole Lombard). Son una compañía popular y exitosa, conocida por sus representaciones satíricas.
Un día, un miembro de la resistencia polaca se acerca a Tura y le pide ayuda para sacar de contrabando un mensaje de Polonia. Tura acepta y recluta a María y al resto de la troupe para que lo asistan.
Ser o no ser Es una comedia ingeniosa y sofisticada que satiriza a los nazis y su ideología. La película también celebra el poder del arte y el teatro para resistir la opresión.
Analisis
Ser o no ser Es una obra maestra de la sátira cinematográfica. La dirección de Lubitsch es magistral y las actuaciones del reparto son soberbias. La película también está repleta de diálogos ingeniosos y humor sutil.
Una de las cosas que hace Ser o no ser Tan efectiva es que nunca se toma demasiado en serio. La película se burla constantemente de los nazis, y lo hace de una manera ingeniosa y subversiva.
La película también explora el poder del arte y el teatro para resistir la opresión. La compañía de actores en Ser o no ser utiliza su arte para desafiar a los nazis e inspirar esperanza en el pueblo polaco.
El cielo puede esperar (1943)
El cielo puede esperar (1943) es una película de comedia sobrenatural dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Gene Tierney, Don Ameche y Charles Coburn. Se considera una de las mejores películas de Lubitsch y aún disfruta del público hoy en día.
Parcela
La película narra la historia de Henry Van Cleve (Ameche), un hombre de negocios rico y exitoso que muere en un extraño accidente. Van Cleve es enviado al infierno, pero tiene la oportunidad de defender su caso ante Satanás (Coburn). Van Cleve le cuenta a Satanás la historia de su vida e intenta demostrar que no es tan malvado como Satanás cree.
La historia de Van Cleve es un relato encantador e ingenioso de amor, risas y redención. Es también una celebración del espíritu humano.
Analisis
El cielo puede esperar Es una obra maestra del cine cómico. La dirección de Lubitsch es magistral y las actuaciones del reparto son soberbias. La película también está repleta de diálogos ingeniosos y humor sutil.
Una de las cosas que hace El cielo puede esperar Su perspectiva única sobre el cielo y el infierno es tan efectiva. La representación del infierno en la película es sorprendentemente desenfadada y humorística. Satanás es retratado como una figura amable y razonable, siempre dispuesto a dar una segunda oportunidad a las personas.
La representación del cielo en la película también es única. El cielo no se presenta como un lugar de recompensa o castigo eterno. En cambio, se presenta como un lugar donde las personas pueden ir a reflexionar sobre sus vidas y aprender de sus errores.
Arsénico y encaje antiguo (1944)
Parcela
Mortimer Brewster (Cary Grant), un hombre a punto de casarse, descubre que sus dos tías ancianas, Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair), tienen la costumbre de envenenar a los ancianos solitarios y enterrarlos. en el sotano.
Mortimer se horroriza con esta revelación, pero quiere mucho a sus tías y no quiere denunciarlas a la policía. Intenta averiguar cómo evitar que vuelvan a matar, pero sus excentricidades y su propia torpeza lo frustran constantemente.
Mientras tanto, el hermano de Mortimer, Jonathan (Raymond Massey), desaparecido desde hacía años, reaparece repentinamente. Jonathan es un psicópata asesino, incluso más peligroso que sus tías. Enseguida se da cuenta de que las tías están matando gente y decide unirse a la diversión.
Temáticas
- Familia
- Asesinato
- Locura
- Moralidad
- Amor
Recepción crítica y legado
“Arsénico y encaje antiguo” fue un éxito de crítica y público tras su estreno en 1944. La película fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su exploración de complejos problemas sociales. Fue nominada a cinco Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actor de Reparto para Cary Grant y Mejor Actriz de Reparto para Josephine Hull.
“Arsénico y encaje antiguo” ha mantenido su popularidad durante décadas y se considera una de las mejores comedias negras de la historia. La Biblioteca del Congreso la ha seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética.
Trivia
- La película está basada en la obra de teatro del mismo nombre de Joseph Kesselring.
- La obra fue un gran éxito en Broadway y se mantuvo en cartelera durante tres años y medio.
- Originalmente estaba previsto que la película se estrenara en 1942, pero se retrasó debido a la guerra.
- El final de la película fue cambiado respecto del final de la obra para ser más optimista.
Señor Verdoux (1947)
“Monseiur Verdoux” es una película de 1947 dirigida por Charlie ChaplinEl propio Chaplin interpreta al protagonista, un hombre que se casa y asesina mujeres para robarles su dinero. La película es una sátira de la sociedad capitalista y los valores tradicionales estadounidenses, y representa un punto de inflexión en la carrera de Chaplin, quien hasta entonces era más conocido por sus comedias mudas.
Parcela
La trama de "Monsieur Verdoux" gira en torno a Henri Verdoux, el personaje interpretado por Charlie Chaplin, un exbanquero que, debido a la Gran Depresión de la década de 1930, pierde su trabajo y se encuentra sin recursos para su sustento y el de su familia. Para sobrevivir, decide casarse con mujeres ricas y luego matarlas para robarles su dinero.
La historia se desarrolla presentando a Verdoux como un personaje amable y simpático, pero que esconde un lado oscuro y criminal. A lo largo de la película, también se revela que Verdoux tiene una familia, compuesta por su esposa y su hijo, que desconocen sus actividades delictivas.
La trama se complica cuando Verdoux se casa con una mujer que resulta ser una viuda falsa, lo que le hace perder todo su dinero y lo obliga a trabajar como jardinero en una casa de campo. Allí conoce a una joven, interpretada por Marilyn Nash, que se solidariza con él y le da la fuerza para redimirse e intentar redimirse de sus crímenes.
Recepción
“Monsieur Verdoux” fue un fracaso comercial tras su estreno, pero ha sido reevaluada a lo largo de los años y se considera una de las obras maestras del director.
Reseña
En su comedia negra filmada, cuando fue despedido y exiliado debido a sus opiniones comunistas, Charlie Chaplin escenifica la historia de Barba Azul, utilizando su comedia con un resentimiento e interés sin precedentes por el destino desconocido en sus películas. Es precisamente el contraste entre el tono cómico de Chaplin y las despiadadas acciones de los personajes principales lo que dota a la comedia de una acción impactante e inusual.
Día de fiesta (1949)
Día de fiesta es una película de comedia francesa de 1949 dirigida por Jacques TatiLa película está considerada como una de las obras maestras de la comedia y una de las películas más importantes de Tati.
Parcela
François, cartero de un pequeño pueblo francés, es un hombre bondadoso y despreocupado. El día de la feria del pueblo, François se ve envuelto en una serie de desventuras mientras intenta repartir el correo.
Temáticas
Día de fiesta Explora una serie de temas, entre ellos:
- Comedia: La película es una comedia hilarante que explora el tema del absurdo.
- Lo cotidiano: La película explora la vida cotidiana de un pequeño pueblo francés.
- Tecnología La película explora la relación entre el hombre y la tecnología.
Recepción
Día de fiesta Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su comedia, su observación de la vida cotidiana y su exploración de temas importantes.
Legado
Día de fiesta Se considera un clásico de la comedia. La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 1995 y se considera una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Jacques Tati y Henri Marquet.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Jean Yatove.
Reseña
Aunque quizás no tenga tanto éxito aquí como en sus trabajos posteriores, Tati perfecciona su humor estético sin diálogos, una serie de viñetas cómicas vagamente conectadas en las que sus tomas magistrales permiten que los chistes se desarrollen de forma natural.
Aún existen tres versiones de Jour de fête: la versión en blanco y negro de 1949; la versión totalmente editada de 1964, con la adición de colores dibujados a mano, y la reedición de 1995, restaurada con la paleta de colores original. Las tres tienen su encanto y ofrecen una excelente descripción de su identidad entre los maestros del cine francés.
Primaveras tardías (1949)
Tercera Etapa ¿Primavera (1949) es una película de comedia dramática japonesa de 1949 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishū Ryū, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Hohi Aoki y Jun Usami.
Parcela
Un profesor viudo teme que su hija se convierta en una solterona ridiculizada y trata de convencerla de casarse, pero la niña está feliz viviendo con su padre, y ambos saben que el hombre estaría perdido sin alguien en la casa que lo cuide.
Temáticas
- Familia
- Tradition
- sociedad japonesa
Recepción de la crítica
Finales de la primavera Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para narrar la compleja historia de las relaciones familiares.
La película ganó el premio a la mejor dirección en 1950. Festival de Cannes.
Legado
Finales de la primavera Se considera un clásico del cine japonés. Es una película que marcó una época y ayudó a cambiar la forma en que el cine japonés representaba a la familia y la sociedad.
Premios y Reconocimientos
- Festival de Cannes 1950: premio a la mejor dirección
Hechos graciosos
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
- La película fue presentada en competición en el Festival de Cine de Cannes en 1950.
Conclusión
Finales de la primavera Es una película conmovedora y poética. Una película que sin duda te acompañará mucho tiempo después de verla.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- La película está protagonizada por Chishū Ryū, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Hohi Aoki y Jun Usami.
Analisis
Finales de la primavera Es una película que explora la complejidad de las relaciones familiares, en particular la relación entre padre e hija. La película se ambienta en Japón, en una época de grandes cambios sociales y culturales. El profesor, interpretado por Chishū Ryū, es un hombre tradicional que cree que su hija, interpretada por Setsuko Hara, debe casarse para ser feliz. La hija, en cambio, es una mujer moderna que no siente la necesidad de casarse.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. El profesor intenta convencer a su hija de casarse, pero esta se resiste. Al final, ambos llegan a un acuerdo: la hija seguirá viviendo con su padre, pero no se casará.
Finales de la primavera Es una película conmovedora y poética. La película cuenta con dos actores extraordinarios, Chishū Ryū y Setsuko Hara, quienes ofrecen dos actuaciones memorables. La película está dirigida con maestría por Yasujirō Ozu, quien crea una atmósfera delicada y sensible.
La película se ha interpretado como una crítica a la sociedad tradicional japonesa, que imponía a las mujeres la obligación de casarse y tener hijos. También se ha interpretado como una oda a la familia y al valor de las relaciones familiares.
Las vacaciones del señor Hulot (1953)
Las vacaciones de Monsieur Hulot (Título en inglés: Las vacaciones del Sr. Hulot) es una película de comedia francesa de 1953 escrita, dirigida y protagonizada por Jacques TatiLa película está considerada como una de las mejores películas de Tati y una de las mejores comedias de todos los tiempos.
Parcela
Monsieur Hulot, un hombre educado y excéntrico, llega a un balneario para sus vacaciones anuales. Sin embargo, sus intentos de relajarse y disfrutar se ven constantemente interrumpidos por una serie de contratiempos y malentendidos.
Temáticas
Las vacaciones del Sr. Hulot Explora una serie de temas, entre ellos:
- El absurdo de la vida moderna: La película es una sátira hilarante del mundo moderno, con su énfasis en el conformismo y el consumismo.
- La importancia de la individualidad: La película celebra la importancia de ser diferente y de no encajar.
- El poder de la observación: La película está llena de observaciones ingeniosas y perspicaces sobre la naturaleza humana.
Recepción
Las vacaciones del Sr. Hulot Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su originalidad, su humor y su singular estilo visual.
Legado
Las vacaciones del Sr. Hulot Se considera un clásico de la comedia francesa. La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso en 2005 y se considera una de las mejores películas jamás realizadas.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- El guión de la película fue escrito por Jacques Tati.
- La banda sonora de la película fue compuesta por Alain Romans y Jean Wiener.
Reseña
Es imposible hacer una lista de las mejores comedias francesas sin incluir Jacques Tati, entre los mejores directores francesesDeslumbrante estrella burlesca, el equivalente francés de Chaplin y Buster Keaton. Las vacaciones de Monsieur Hulot son excelentes. Su forma y diseño único hacen del maestro el héroe perfecto para contemplar con delicadeza la dulce absurdidad de las estancias estivales. el mar en una costa excesivamente ventosa.
En realidad, la película no tiene historia. El diálogo es mínimo y solo se usa para cosas ridículas y sin sentido que dicen los turistas de verano. Todo tipo de sonidos terminan siendo petardos, lanzados para crear un efecto cómico.
La película es una de las mejores colecciones de gags visuales hasta la fecha; sin embargo, es el contexto en el que se ambientan y la ambientación de la película lo que la eleva a otro mundo. El personaje principal es una asombrosa amalgama de desconcierto ante el mundo moderno, y cada esfuerzo que hace por encajar en sus vacaciones en la playa lo desbarata todo.
Flores de equinoccio (1958)
Flores de equinoccio (1958) es una película de comedia dramática japonesa de 1958 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishu Ryu, Setsuko Hara, Keiji Sada, Mariko Okada, Miyuki Kuwano y Shin'ichirô Mikami.
Parcela
Wataru Hirayama, un hombre de negocios jubilado, ve a los hijos de sus amigos y conocidos casarse uno tras otro; esto le preocupa por el futuro de sus dos hijas, Setsuko y Hisako, siendo la primera en edad de casarse.
Temáticas
- Familia
- Tradition
- Cambio social
Recepción de la crítica
Flores del equinoccio Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para narrar la compleja historia de las relaciones familiares en una época de grandes cambios sociales.
La película fue presentada en competición en el Festival de Cine de Cannes en 1959.
Premios y Reconocimientos
- Festival de Cannes 1959: premio a la mejor dirección
Hechos graciosos
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
Analisis
Flores del equinoccio Es una película que explora la complejidad de las relaciones familiares, en particular la relación entre padre e hija. La película se ambienta en Japón, en una época de grandes cambios sociales.
Wataru Hirayama, interpretado por Chishu Ryu, es un hombre tradicional que cree que su hija, interpretada por Setsuko Hara, debe casarse para ser feliz. La hija, en cambio, es una mujer moderna que no siente la necesidad de casarse.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. El padre intenta convencer a su hija de casarse, pero ella se resiste. Al final, ambos llegan a un acuerdo: la hija seguirá viviendo con su padre, pero no se casará.
Gigantes y juguetes (1958)
Gigantes y juguetes (1958) es una película de comedia satírica japonesa de 1958 dirigida por Yasuzō Masumura y protagonizada por Hiroshi Kawaguchi, Hitomi Nozoe y Yûnosuke Itō.
Parcela
El fabricante de dulces World Caramel compite con las compañías Giant y Apollo por la venta de caramelos. Mientras busca a una chica para una nueva campaña promocional, el director de publicidad de World Caramel, Goda, descubre a Kyoko, una chica de clase trabajadora con mala dentadura, y la convierte en la mascota de World Caramel, vistiéndola con un traje espacial y empuñando una pistola de rayos.
Temáticas
- Consumismo
- Mercantilismo
- Sátira social
Recepción de la crítica
Gigantes y juguetes (1958) Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor, su aguda sátira de la sociedad japonesa y su capacidad para combinar crítica social con entretenimiento desenfadado.
La película fue nominada al León de Oro en el Festival de Cine de Venecia.
Premios y Reconocimientos
- Festival de Cine de Venecia: nominada al León de Oro
Hechos graciosos
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en una historia de Takeshi Kaikō.
Analisis
Gigantes y juguetes (1958) Es una película que satiriza los excesos del consumismo y el comercialismo en Japón. Su representación exagerada de la industria de los dulces refleja el creciente materialismo de la sociedad japonesa en la década de 1950.
La película también explora el tema de la desigualdad social. Kyoko, la joven de clase trabajadora que se convierte en la mascota de World, es explotada por la empresa por su imagen, pero no recibe el respeto ni las oportunidades que merece.
El humor de la película suele ser agudo y satírico, pero también hay cierto patetismo en la descripción de la situación de Kyoko. La película, en última instancia, sugiere que la búsqueda de riqueza material puede ser vacía e insatisfactoria.
A continuación se presentan algunas de las formas específicas en que la película explora los temas del consumismo, el comercialismo y la desigualdad social:
- La representación que la película hace de la industria de los dulces es exagerada y satírica. Se muestra a las empresas obsesionadas con las ventas y las ganancias, dispuestas a todo para lograr sus objetivos.
- El uso de Kyoko como mascota en la película es un comentario sobre cómo las empresas explotan a las personas para su propio beneficio. Kyoko es objetivada y mercantilizada, y no se le otorga ninguna autonomía en la situación.
Un cubo de sangre (1959)
Un cubo de sangre es una película de 1959 dirigida por Roger Corman. Es una comedia negra que se inspira de forma algo distante en una historia escrita en 1930 por Charles Belden.
Parcela
Walter Paisley es un tímido e introvertido ayudante de camarero que trabaja en el Yellow Door, un popular local de la comunidad beatnik. Walter aspira a ser escultor, pero su obra siempre es rechazada por la crítica. Un día, Walter encuentra un cadáver. cuerpo En un callejón, lo esconde y, para ocultarlo, lo usa como material para una de sus esculturas. La escultura es un gran éxito y Walter empieza a ser reconocido como un artista talentoso. Sin embargo, su fama se basa en una mentira, y Walter se ve envuelto en una serie de asesinatos para guardar su secreto.
Personajes
- Walter Paisley: Un ayudante de camarero tímido e introvertido que se convierte en un artista exitoso gracias a una serie de asesinatos.
- Carla: Una artista femenina que se siente atraída por Walter.
- Maxwell H. Brock: Un crítico de arte que comienza a sospechar que la obra de Walter es falsa.
- Señor Coogan: El dueño de la Puerta Amarilla.
- Señora Coogan: La esposa del señor Coogan.
- El señor Johnson: un artista beatnik.
- El señor Jones: un artista beatnik.
- Señorita Miller: Una artista beatnik.
Temáticas
- Sátira del mundo del arte bohemio
- Humor negro
- La naturaleza de la creatividad
Recepción de la crítica
“Un Cubo de Sangre” fue un éxito de crítica y taquilla. La película fue elogiada por su sátira del mundo artístico bohemio, su humor negro y su eficaz dirección.
Premios y Reconocimientos
- Nominación al Globo de Oro a la Mejor Comedia en 1960.
- Premio del Público en el Festival de Cine de Avoriaz en 1960.
Legado
“Un cubo de sangre” se considera un clásico del cine de terror. La película ha sido citada como inspiración por numerosos directores, entre ellos John Carpenter y Quentin Tarantino.
Trivia
- La película se rodó en sólo cinco días con un presupuesto de 50,000 dólares.
- El reparto está formado por actores no profesionales.
La Gran Guerra (1959)
La Gran Guerra (1959) Es una película italiana dirigida por Mario Monicelli. Es una comedia dramática que narra la historia de dos soldados italianos, Giovanni Busacca (Alberto Sordi) y Oreste Jacovacci (Vittorio Gassman), que luchan durante la Primera Guerra Mundial.
La trama
La película comienza con Giovanni y Oreste siendo reclutados en el ejército italiano. Al principio, ambos son optimistas y esperan regresar pronto a casa. Sin embargo, pronto se dan cuenta de que la guerra es una realidad muy diferente a la que esperaban.
Giovanni es un campesino milanés que fue reclutado por error. Es un hombre sencillo e ingenuo que no entiende mucho de guerra. Oreste es un portero romano que fue reclutado para evitar la cárcel. Es un hombre astuto y oportunista que siempre busca maneras de evadir la batalla.
Los dos soldados son enviados a las trincheras, donde deben enfrentarse a la dura realidad de la guerra. Se ven obligados a vivir en condiciones terribles y expuestos constantemente al peligro.
Los temas
La película explora diversos temas, como la locura de la guerra, su coste humano, la amistad y la solidaridad entre los soldados, y la importancia de no olvidar el pasado. La película retrata la guerra como una realidad absurda y sin sentido. Los soldados se ven obligados a matarse entre sí por razones que desconocen.
La película muestra el coste humano de la guerra en términos de vidas humanas, sufrimiento y destrucción. Muestra la amistad y la solidaridad entre soldados que se ven obligados a compartir la misma experiencia. Nos recuerda la importancia de no olvidar el coste humano de la guerra y de trabajar por la paz.
Reseña
La Gran Guerra fue la comedia más sofisticada. Su postura antiheroica hacia las hazañas italianas de la Primera Guerra Mundial —que el establishment quería proclamar o, mejor aún, no reseñar— inspiró la película. Sin embargo, terminó siendo popular y tuvo una relevancia excepcional, compartiendo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia con Generale Della Rovere, de Rossellini.
Vittorio Gassman y Alberto Sordi dan lo mejor de sí como dos soldados cuyo único objetivo es resistir. Sus esfuerzos por evitar un destino de miedo resultan extraordinariamente divertidos, dadas las circunstancias —pues Monicelli y los guionistas Age y Scarpelli aciertan al crear un ambiente que evoca claramente la debacle de la guerra—, pero la ironía final de su destino es desgarradora.
Con faldas ya lo loco (1959)
Con faldas ya lo loco (1959) es una película de comedia criminal estadounidense de 1959 dirigida, producida y coescrita por Billy WilderEstá protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon, con George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown, Joan Shawlee y Nehemiah Persoff en papeles secundarios. El guion de Wilder e IAL Diamond sigue a dos músicos que presencian una masacre entre bandas y se visten de mujer para huir de Chicago con una banda femenina.
Parcela
El saxofonista Joe (Tony Curtis) y el contrabajista Jerry (Jack Lemmon) son músicos con dificultades en Chicago. Un día, presencian la Masacre de San Valentín, un famoso tiroteo entre bandas. Temiendo por sus vidas, idean un plan para escapar de la ciudad disfrazándose de mujeres y uniéndose a una banda femenina que se dirige a Florida.
En el tren, Joe se enamora de Sugar Kane Kowalczyk (Marilyn Monroe), la ukelelista y vocalista principal de la banda. Jerry, mientras tanto, atrae la atención no deseada del millonario Osgood Fielding III (Joe E. Brown), quien cree que Jerry es una mujer y quiere casarse con él.
Mientras la banda viaja hacia Florida, Joe y Jerry siguen lidiando con sus disfraces y sus crecientes sentimientos por Sugar y Osgood. También tienen que lidiar con los mafiosos que siguen buscándolos.
Temáticas
- La identidad de género
- Amistad
- Amor
- Delito
Recepción de la crítica
Con faldas ya lo loco Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y música. Fue nominada a seis Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Original, y ganó el Premio Óscar al Mejor Diseño de Vestuario.
Legado
Con faldas ya lo loco Se considera una de las mejores comedias de todos los tiempos. Ha figurado en numerosas listas de las mejores películas de todos los tiempos y la Biblioteca del Congreso la ha preservado en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia al mejor diseño de vestuario
- Premio Globo de Oro a la Mejor Película – Comedia o Musical
- Premio Globo de Oro al Mejor Actor – Película Musical o Comedia (Tony Curtis)
- Premio Globo de Oro a la Mejor Actriz – Película Musical o Comedia (Marilyn Monroe)
- Gremio de Escritores de América Premio al Mejor Guion – Comedia
- Premio del Sindicato de Directores de Estados Unidos al logro destacado como director en películas cinematográficas
Hechos graciosos
- El título de la película es una referencia a la canción “I Wanna Be Loved by You” de Josephine Baker.
- El título original de la película era “Con Faldas y a lo Loco, Pero No Osgood”.
- Al principio, Marilyn Monroe se mostró reacia a protagonizar la película, pero Billy Wilder la convenció.
- Tony Curtis y Jack Lemmon tuvieron que usar sujetadores y fajas para sus papeles.
- La película se rodó en blanco y negro porque el estudio de Marilyn Monroe se negó a permitirle aparecer en una película en color.
La pequeña tienda de los horrores (1960)
Es un americano comedia de terror de 1960 dirigida por Roger CormanEscrita por Charles B. Griffith, la película es una farsa sobre un florista que cultiva una planta que se alimenta de sangre humana.
Parcela
Gravis Mushnick es dueño de una floristería y tienda de diseño, dirigida por él mismo y dos empleados, la dulce Audrey Fulquard y el torpe Seymour Krelboined. Encontrada en un barrio marginal, la tienda, destartalada, tiene poca organización. Mushnick despide a Seymour cuando arruina una entrega de flores para... mal El dentista Dr. Farb. Seymour le cuenta sobre una planta única que cultivó a partir de semillas que obtuvo de un "entusiasta de la jardinería japonesa" en la Avenida Central. Seymour confiesa que la llamó "Audrey Jr.", lo cual emociona a la verdadera Audrey.
Trivia
Jack Nicholson, al describir la reacción a la proyección de la película, comentó que el público se rió tanto que apenas se oían los diálogos. El actor comentó que nunca antes había recibido una reacción tan favorable del público.
Reseña
Entre las joyas de Corman, un tema descabellado que se escribió en una sola noche. Una película exitosa, con entretenidas actuaciones del elenco y una excelente dirección de Corman, trabajando bajo la presión autoimpuesta de un rodaje rápido y un presupuesto ajustado.
Ver La pequeña tienda de los horrores
El apartamento (1960)
Parcela
CC Baxter es un empleado de bajo nivel en una importante compañía de seguros de Nueva York. Para prosperar, Baxter alquila su apartamento a sus superiores para que tengan relaciones extramatrimoniales.
Baxter se siente atraído por su secretaria, Fran Kubelik, pero ella está enamorada de su jefe, Jeff Sheldrake. Baxter empieza a organizar encuentros entre Fran y Sheldrake en su apartamento.
Fran y Sheldrake comienzan una relación, y Baxter empieza a sentir algo por Fran. Cuando Fran descubre que Baxter es el responsable de las reuniones, se sorprende y lo acusa de ser un mirón.
Personajes
- CC Baxter: Un empleado de bajo nivel de una gran compañía de seguros que alquila su apartamento a sus superiores para sus aventuras extramatrimoniales.
- Fran Kubelik: Una secretaria de una gran compañía de seguros que está enamorada de su jefe, Jeff Sheldrake.
- Jeff Sheldrake: El jefe de Fran Kubelik, quien tiene una relación extramatrimonial con ella.
- Sr. JJ Sheldrake: El padre de Jeff Sheldrake, quien es un poderoso hombre de negocios.
- Señorita Kubelik: La madre de Fran Kubelik, que es ama de casa.
Temáticas
- Amor
- Empleos
- Traición
- Cinismo
- Redención
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor película
- Premio de la Academia al mejor director
- Premio de la Academia al mejor guión original
- Premio de la Academia a la mejor actriz de reparto (Shirley MacLaine)
- Premio de la Academia a la mejor dirección artística
- Nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor (Jack Lemmon)
- Nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz (Faye Dunaway)
- Nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto (Fred MacMurray)
- Nominación al Premio de la Academia a la Mejor Fotografía
- Nominación al Premio de la Academia por Mejor Montaje Cinematográfico
- Nominación al Premio de la Academia por Diseño de Vestuario
- Premio Globo de Oro a la Mejor Película – Musical o Comedia
- Premio Globo de Oro a la Mejor Actriz de Película Musical o Comedia (Shirley MacLaine)
- Premio Globo de Oro al mejor guión
- Premio de la Academia Británica de Cine a la Mejor Película
- Premio David di Donatello a la mejor película extranjera
Legado
El Apartamento es considerada una de las mejores comedias románticas de todos los tiempos. La película ha sido citada como inspiración por numerosos directores y guionistas.
Reseña
El Apartamento es una comedia romántica con reflexiones existenciales sobre los errores de enamorarse, especialmente los padres de familia. También es una comedia donde el chico aparentemente agradable se ve afectado negativamente por todos los que actúan sobre él.
Entre los aspectos más destacados de El Apartamento se encuentra su sensibilidad hacia el acoso laboral y los hábitos negativos de los hombres en el poder. Es una de las mejores comedias románticas sobre el trabajo: una película del maestro Billy Wilder que vale la pena ver y que luce tan bien como la primera vez.
Zazie en el metro (1960)
Zazie en el metro (1960) es una película de comedia francesa de 1960 dirigida por Louis Malle y protagonizada por Catherine Deneuve.
Parcela
Zazie es una niña de diez años que llega a París desde el campo para vivir con su tío Gabriel, un bailarín travesti. Zazie es una niña rebelde e inquieta, y está deseando ver... subterraneo.
Sin embargo, una huelga del metro arruina sus planes. Zazie se ve obligada a vagar por París con su tío Gabriel y su amante, Mado.
Durante sus andanzas, Zazie se ve envuelta en una serie de divertidas aventuras, entre ellas un robo, una partida de billar y un encuentro con un grupo de beatniks.
Temáticas
- Libertad
- Rebellion
- Descubrimiento de la ciudad
Recepción de la crítica
Zazie en el metro Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor surrealista, su vibrante representación de París y la actuación de Catherine Deneuve.
La película fue nominada a dos premios Oscar, incluida la de Mejor Película en Lengua Extranjera.
Premios y Reconocimientos
- Cinta de Plata al Mejor Director para Louis Malle
- Premio Louis Delluc
- Premio Jean Vigo
Hechos graciosos
- La película se rodó en París.
- La película está basada en la novela Zazie en el Metro de Raymond Queneau.
- La película está protagonizada por Catherine Deneuve, Philippe Noiret, Jean-Pierre Cassel y Jeanne Moreau.
Otoño tardío (1960)
Otoño tardío (1960) es una película de comedia dramática japonesa de 1960 dirigida por Yasujiro Ozu y protagonizada por Chishu Ryu, Setsuko Hara, Keiji Sada, Mariko Okada, Miyuki Kuwano y Shin'ichirô Mikami.
Parcela
Tres viejos amigos, todos viudos y de avanzada edad, deciden buscarle marido a la hija de Akiko, viuda de su viejo amigo. En realidad, siguen enamorados de Akiko: en su juventud, todos la cortejaron.
Temáticas
- Amor
- Edad
- Soledad
Recepción de la crítica
finales de otoño Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su delicadeza, su sensibilidad y su capacidad para narrar la compleja historia de las relaciones humanas.
La película fue presentada en competición en el Festival de Cine de Cannes en 1961.
Premios y Reconocimientos
- Festival de Cannes 1961: premio a la mejor dirección
Hechos graciosos
- La película se rodó en Japón.
- La película está basada en la novela homónima de Yasujirō Ozu.
- La película fue presentada en competición en el Festival de Cine de Cannes en 1961.
Detalles adicionales
- La película se rodó en blanco y negro.
- La película está protagonizada por Chishu Ryu, Setsuko Hara, Keiji Sada, Mariko Okada, Miyuki Kuwano y Shin'ichirô Mikami.
Analisis
finales de otoño Es una película que explora la complejidad de las relaciones humanas, en particular el amor, la edad y la soledad. La película se ambienta en Japón, en una época de grandes cambios sociales y culturales.
Los tres amigos, interpretados por Chishu Ryu, Keiji Sada y Shin'ichirô Mikami, son hombres tradicionales que creen que la hija de Akiko, interpretada por Setsuko Hara, debe casarse para ser feliz. Akiko, en cambio, es una mujer moderna que no siente la necesidad de casarse.
La película narra el conflicto entre estos dos puntos de vista. Los tres amigos intentan convencer a Akiko de que se case con uno de ellos, pero Akiko se resiste. Al final, la hija se queda a vivir con su madre, pero no se casa.
finales de otoño Es una película conmovedora y poética. La película cuenta con tres actores extraordinarios: Chishu Ryu, Keiji Sada y Shin'ichirô Mikami, quienes ofrecen tres actuaciones memorables. La película está dirigida con maestría por Yasujirō Ozu, quien crea una atmósfera delicada y sensible.
Sabrina (1960)
Sabrina (1960) es una película de comedia romántica dirigida por Billy Wilder y protagonizada por Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden. Se considera una de las mejores comedias románticas de la historia y aún disfruta del público hoy en día.
Parcela
La película narra la historia de Sabrina Fairchild (Hepburn), la joven hija de Thomas, el chófer de la familia Larrabee. Sabrina ha estado enamorada de David Larrabee (Holden) toda su vida. David es un playboy que nunca le ha prestado atención romántica. Sin embargo, cuando Sabrina regresa de un viaje de dos años a París transformada en una mujer hermosa y sofisticada, David finalmente se fija en ella.
El hermano mayor de David, Linus (Bogart), un hombre de negocios serio y responsable, también se siente atraído por Sabrina. A medida que los tres pasan más tiempo juntos, se desarrolla un triángulo amoroso.
Sabrina Es una película encantadora e ingeniosa que explora temas como el amor, la clase social y el estatus social. También es una celebración del empoderamiento femenino y el autodescubrimiento.
Analisis
Sabrina Es un ejemplo clásico del estilo cómico de Wilder. La película está llena de diálogos ingeniosos y humor sutil. Wilder también utiliza los elementos visuales de la película para crear humor. Por ejemplo, en una escena, Sabrina aparece con un vestido de fiesta demasiado grande para ella. El vestido la empequeñece y la hace parecer una niña. Esta imagen de Sabrina con el vestido de fiesta extragrande es a la vez divertida y conmovedora, ya que refleja sus sentimientos de incompetencia y sus dudas sobre sí misma.
La película también explora el tema de la clase social de forma compleja y matizada. Sabrina proviene de una familia de clase trabajadora, mientras que los Larrabee pertenecen a una familia adinerada y de clase alta. La película muestra cómo la diferencia de clase entre Sabrina y los Larrabee complica sus relaciones.
Divorcio a la italiana (1961)
Divorcio a la italiana (1961) es una película de comedia dramática italiana dirigida por Pietro Germi Protagonizada por Marcello Mastroianni, Daniela Rocca y Stefania Sandrelli, la película fue un éxito de crítica y público, y ganó el Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa.
Parcela
Ferdinando Cefalú es un barón siciliano casado con Rosalía, una mujer fea e insoportable. Ferdinando está enamorado de Ángela, su joven prima, quien le corresponde.
Para casarse con Ángela, Ferdinando primero debe divorciarse de Rosalía. Sin embargo, el divorcio aún era ilegal en Italia en aquel entonces. Ferdinando decide entonces matar a Rosalía para tener una excusa para divorciarse.
Personajes
- Ferdinando Cefalù: Un barón siciliano que está casado con Rosalía y enamorado de Angela.
- Rosalia Cefalù: La esposa de Ferdinando, una mujer fea e insoportable.
- Angela: Prima de Ferdinando, de quien él está enamorado.
- Turi: Amigo de Ferdinando que le ayuda a matar a Rosalía.
Temáticas
- Matrimonios
- Divorcio
- Amor
- Muerte
- Sicilia
Recepción de la crítica
Divorcio a la italiana fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por su dirección, guion, actuaciones y comedia.
La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera y recibió elogios de la crítica internacional.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera
- Premio Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera
- Premio BAFTA a la mejor película en lengua extranjera
- Premio David di Donatello a la mejor película
- Premio David di Donatello al mejor director
- Premio David di Donatello a la mejor actriz (Daniela Rocca)
- Premio David di Donatello al mejor guión
Reseña
Ganador del Oscar, Pietro GermiLa película cuenta una historia excelente con momentos de humor muy inteligentes. Está repleta de movimientos de cámara realmente fenomenales, además de una dirección extraordinaria de Germi y una excelente actuación de Marcello Mastroianni.
A pesar de estrenarse en 1961, la película es bastante diferente de las comedias que se solían hacer en la época. Sus mejores momentos se encuentran en el papel de Mastroianni y en el proyecto diabólico de su personaje.
Una vida difícil (1961)
Una vida difícil (1961) es una película dramática italiana dirigida por Dino Risi y protagonizada por Alberto Sordi. La película fue un éxito de crítica y público, y ganó el Premio Cinta de Plata a la Mejor Película.
Parcela
Silvio Magnozzi es un joven partisano romano que, tras la guerra, se encuentra viviendo en una Roma difícil y caótica. Silvio intenta encontrar trabajo y construirse una vida, pero una serie de acontecimientos y circunstancias lo impiden.
Silvio se enamora de ElenaUna joven vendedora, pero su relación se ve obstaculizada por la familia de Elena. Silvio también está involucrado en una serie de actividades ilegales, como el contrabando de cigarrillos.
Personajes
- Silvio Magnozzi: Un joven partisano romano que intenta construir una vida para sí mismo después de la guerra.
- Elena: Una joven que trabaja como vendedora y está enamorada de Silvio.
- Amalia: Madre de Elena, que se opone a la relación entre Silvio y Elena.
- Simonini: Un amigo de Silvio que está involucrado en actividades ilegales.
- Bracci: Un hombre de negocios corrupto que explota a Silvio.
Temáticas
- La difícil vida de la posguerra
- Amor
- Amistad
- Desilusión
- Corrupción
Recepción de la crítica
Una vita difficile fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por su dirección, guion, actuaciones y fotografía.
La película ganó el Premio Cinta de Plata a la Mejor Película y recibió elogios de la crítica internacional.
Premios y Reconocimientos
- Cinta de Plata a la Mejor Película
- Cinta de Plata al Mejor Director (Dino Risi)
- Cinta de Plata a la Mejor Actriz (Lea Massari)
- Cinta de Plata a la Mejor Actriz de Reparto (Lina Volonghi)
- David di Donatello a la mejor película
- David di Donatello al mejor director (Dino Risi)
- David di Donatello a la mejor actriz (Lea Massari)
- David di Donatello al mejor guión
Legado
Una vita difficile se considera uno de los clásicos del cine italiano. La película ha sido citada como fuente de inspiración para numerosos directores y guionistas.
Una vita difficile es una película intensa y conmovedora que explora las dificultades de la vida después de la guerra. La película ofrece un retrato realista de la sociedad italiana de la época y sus contradicciones.
Aquí hay algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película está basada en la novela homónima de Alberto Moravia.
- La película se rodó en Roma.
- El título de la película es una referencia a la difícil vida que deben afrontar los protagonistas.
- La película fue una de las primeras películas italianas para abordar el tema de la desilusión de la posguerra.
Uno, dos, tres (1961)
Uno, dos, tres (1961) es una película de comedia satírica de la Guerra Fría dirigida por Billy Wilder y protagonizada por James Cagney, Horst Buchholz y Pamela Tiffin.
Parcela
La película sigue las hazañas de CR MacNamara, el director estadounidense de la oficina de Coca-Cola en Berlín Occidental, mientras intenta mantener las operaciones de su empresa funcionando sin problemas a pesar de las tensiones políticas entre Estados Unidos y la Unión Soviética.
La película ofrece una mirada ágil e ingeniosa a la Guerra Fría, e incluye algunos de los diálogos más memorables de Wilder. Cagney está en su mejor momento como MacNamara, y cuenta con el hábil apoyo de Buchholz y Tiffin.
La película fue un éxito de crítica y público, y fue nominada a dos premios Óscar, incluyendo Mejor Guion Adaptado. Se considera una de las mejores películas de Wilder y sigue siendo una película popular. culto Un clásico de hoy.
La trama de la película está llena de giros inesperados y está llena de la sátira característica de Wilder. MacNamara lidia constantemente con las exigencias de su empresa, el gobierno estadounidense y el gobierno soviético. También lidia con sus propios problemas personales, incluyendo su interés amoroso, Lisa, hija de un alto funcionario soviético.
Revisión detallada
Uno, Dos, Tres es una comedia clásica de la Guerra Fría que sigue siendo divertida hoy en día. Cagney está en su mejor momento como MacNamara, y la película está llena del ingenio y la sátira característicos de Wilder. Si eres fan de la obra de Wilder o disfrutas de las comedias bien hechas, sin duda deberías ver Uno, Dos, Tres.
Aquí hay algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película está ambientada en Berlín Occidental en 1961, durante la construcción del Muro de Berlín.
- MacNamara es un hombre arrogante y cínico al que no le importa mucho la política. Solo le interesa ganar dinero y satisfacer las necesidades de su empresa.
- Lisa es una joven idealista que cree en la paz y la cooperación entre Oriente y Occidente.
El sorpasso (1962)
El Sorpasso (1962) es una película de comedia dramática italiana dirigida por Dino Risi Protagonizada por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant, la película fue un éxito de crítica y público, y ganó el Premio Cinta de Plata a la Mejor Película.
Parcela
En la mañana del Ferragosto de 1962, Roberto Mariani, un joven estudiante de derecho tímido y reservado, conoce en Roma a Bruno Cortona, un cuarentón despreocupado e inmaduro. Bruno invita a Roberto a pasar el día con él y ambos emprenden un viaje por carretera por Italia.
A lo largo del día, Roberto y Bruno viven una serie de aventuras y desventuras que los llevan a descubrir la vida italiana en todas sus facetas. Roberto empieza a ver el mundo con nuevos ojos y a comprender que la vida es mucho más de lo que jamás había imaginado.
Personajes
- Roberto Mariani: Un joven estudiante de derecho tímido y reservado.
- Bruno Cortona: Un cuarentón despreocupado e inmaduro.
Temáticas
- Amistad
- Crecimiento personal
- Conflicto generacional
- Italia en los años 1960
Recepción de la crítica
Il Sorpasso fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por su dirección, guion, actuaciones y fotografía.
La película ganó el Premio Cinta de Plata a la Mejor Película y recibió elogios de la crítica internacional.
Premios y Reconocimientos
- Cinta de Plata a la Mejor Película
- Cinta de Plata al Mejor Director (Dino Risi)
- Cinta de Plata al Mejor Actor Masculino (Vittorio Gassman)
- Cinta de Plata al Mejor Actor Masculino (Jean-Louis Trintignant)
- David di Donatello a la mejor película
- David di Donatello al mejor director (Dino Risi)
- David di Donatello al Mejor Actor Masculino (Vittorio Gassman)
Reseña
Es uno de los mejores ejemplos de comedia italiana, ya que revela la Italia moderna de los años 1960, con su crecimiento económico y el auge de la sociedad de los nuevos ricos, principalmente gracias a un mercado en rápido crecimiento. El dúo Gassman y Jean-Louis Trintignant hacen de esta obra una de las más mágicas.
Las diferencias de individualidad de ambos personajes, que terminan con un destino desgarrador y poco deseado por el público al que va dirigida la comedia, hacen de “Il Sorpasso” una de las películas más fascinantes e inusuales.
El dúo funciona a la perfección, e incluso la distinción entre los personajes brilla en una película que nos acerca a la Italia de los años 1960. A pesar de sus diferencias y conflictos aparentemente inevitables, terminan amándose.
Parece que Roberto siente más simpatía por Bruno que Bruno por él. La diferencia de individualidad es también una alegoría y una descripción de la «nueva vida» que se estaba gestando en Italia en aquella época.
Este mundo loco, loco, loco, loco (1963)
Es un mundo loco, loco, loco, loco (1963) es una película de comedia estadounidense de 1963 dirigida por stanley kramer Y protagonizada por Spencer Tracy, Milton Berle, Sid Caesar, Buddy Hackett, Ethel Merman y Jonathan Winters. La película fue un éxito de crítica y público, y ganó dos Premios Óscar: a Mejor Montaje y Mejor Guion Original.
Parcela
La historia sigue a cuatro hombres que, partiendo de Nueva York, se dirigen a Las Vegas para participar en un torneo de póker. En el camino, conocen a personajes excéntricos y peculiares que los llevarán a vivir una serie de aventuras y desventuras.
Personajes
- Oscar Madison: Un hombre desordenado y descuidado.
- Felix Unger: Un hombre limpio y preciso.
- Virgil Starkwell: Un estafador fracasado.
- Dwayne Hoover: Un hombre mentalmente inestable.
- Judy Maxwell: Una cantante de cabaret.
- Teniente Drebin: Un oficial de policía asignado para arrestar a Virgil.
- Señorita Jones: Una mujer a la que Virgil intenta estafar.
- Señora DeCarlo: La casera de Oscar y Félix.
Temáticas
- Amistad
- Familia
- Locura
- Amor
Recepción de la crítica
El mundo está loco Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y comedia.
La película ganó dos premios Oscar, por Mejor Montaje y Mejor Guión Original.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor edición
- Premio de la Academia al mejor guión original
- Premio Globo de Oro a la Mejor Película – Musical o Comedia
- Premio Globo de Oro al Mejor Actor – Película Musical o Comedia (Spencer Tracy)
- Premio BAFTA a la mejor película
- Premio BAFTA al Mejor Actor Extranjero (Spencer Tracy)
Reseña
El mundo está loco Es una película divertida, conmovedora y que invita a la reflexión. Es una sátira de la sociedad estadounidense de los años 1960. También es un análisis de la naturaleza de la amistad, la familia y la locura.
Aquí hay algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película se basó en la novela de 1961 “El mundo loco, loco, loco, loco” de Joseph Heller.
- La película se rodó en California, entre Los Ángeles y Palm Springs.
- El título de la película es una referencia a la serie de accidentes y desventuras que ocurren a lo largo de la historia.
- La película fue una de las primeras en utilizar la técnica de edición paralela para crear una sensación de caos y confusión.
La pantera rosa (1963)
La pantera rosa (1963) es una película de comedia y misterio británica de 1963 dirigida por Blake Edwards y protagonizada por Peter Sellers, David Niven, Capucine, Robert Wagner y Claudia Cardinale. La película fue un éxito de crítica y público, y ganó el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original.
Parcela
La historia sigue las desventuras del inspector Clouseau, un investigador francés torpe e incompetente, que recibe la misión de investigar el robo del diamante rosa más grande del mundo. El diamante ha sido robado al Príncipe Dala, y Clouseau debe encontrarlo antes de que caiga en manos de un peligroso criminal.
Personajes
- El inspector Jacques Clouseau: un investigador francés torpe e incompetente.
- Sir Charles Lytton: Un rico caballero británico que es el principal sospechoso del robo del diamante rosa.
- George Lytton: el hijo de Sir Charles, quien en realidad es el verdadero ladrón del diamante.
- Simone Clouseau: La esposa de Clouseau, que es una espía rusa.
- Catón: el sirviente chino de Clouseau, experto en Artes marciales.
Temáticas
- Misterio
- Comedia
- Investigación
- Amor
Recepción de la crítica
La Pantera Rosa Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y banda sonora.
La película ganó el premio de la Academia a la mejor banda sonora original, compuesta por Henry Mancini.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor banda sonora original
- Premio Globo de Oro a la Mejor Película – Musical o Comedia
- Premio Globo de Oro a la Mejor Canción Original (Tema de La Pantera Rosa)
- Premio BAFTA a la mejor película
- Premio BAFTA a la mejor banda sonora original
Reseña
La primera de una colección de cinco entretenidas películas sobre el torpe detective pseudofrancés e infiel interpretado por Peter Sellers, el inspector jefe Clouseau, La Pantera Rosa es también una de las más decididas, pulidas y perezosas de la franquicia. Si bien es sumamente entretenida, el personaje de Sellers solo cobra importancia a partir de la segunda película, Un Disparo en la Oscuridad.
Los mostri (1963)
Los monstruos (1963) es una película de comedia italiana de 1963 dirigida por Dino Risi y protagonizada por Ugo Tognazzi y Vittorio Gassman.
Parcela
La película se compone de una serie de episodios, cada uno de los cuales cuenta la historia de un personaje, o grupo de personajes, que encarnan un aspecto negativo de la sociedad italiana de la década de 1960.
Temáticas
- Corrupción
- Hipocresía
- Violencia
- Consumismo
Recepción de la crítica
Los monstruos Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su sátira mordaz, su humor agudo y su capacidad para narrar la realidad de la Italia de la época. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Gassman). Ganó el David di Donatello a la Mejor Película.
Premios y Reconocimientos
- Premio David di Donatello a la mejor película
Hechos graciosos
- La película se rodó en Roma y alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2 mil millones de liras.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 20 mil millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y fue elogiada por su dirección, guión, actuaciones y su sátira.
Doctor Strangelove (1964)
Doctor Strangelove (1964) Es una película estadounidense de comedia negra satírica de 1964 dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Peter Sellers, Sterling Hayden, Keenan Wynn, George C. Scott, Peter Bull, Tracy Reed, James Earl Jones, Slim Pickens y Frederick Forrest. La película está basada en la novela "Alerta Roja" de Peter George, publicada en 1962.
Parcela
La película cuenta la historia de un estadounidense. Carga Aérea El general de la Fuerza, Jack D. Ripper, convencido de que la Unión Soviética planea un ataque nuclear contra Estados Unidos, ordena un ataque preventivo con su escuadrón de bombarderos B-52, que se dirigen a la Unión Soviética.
Personajes
- El presidente de los Estados Unidos: un hombre tranquilo y racional que intenta evitar una guerra nuclear.
- General Jack D. Ripper: Un general estadounidense paranoico que ordena un ataque preventivo contra la Unión Soviética.
- Coronel Buck Turgidson: Un general estadounidense de línea dura que está a favor de una guerra nuclear.
- General Thomas B. “Leper” Hapgood: Un general estadounidense que intenta detener el ataque nuclear.
- Dr. Strangelove: Un ex científico nazi que ahora es asesor del presidente de Estados Unidos.
Temáticas
- Guerra nuclear
- Paranoia
- Locura
- Potencia
Recepción de la crítica
Dr. Strangelove Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y sátira.
La película está considerada uno de los clásicos del cine satírico.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia al mejor guión original
- Premio BAFTA a la mejor película
- Premio BAFTA al mejor guión original
Reseña
La película se considera un clásico del cine y una brillante sátira sobre la política internacional y la carrera armamentística nuclear durante la Guerra Fría. La llamada telefónica entre los presidentes sin duda bastaría para confirmarlo. comedia negra Como una de las películas más oscuras y divertidas de la historia, alcanzando momentos de humor entre lo incómodo y lo esencial. Algunas escenas, como la secuencia de guerra, siguen estando entre las más disparatadas jamás vistas.
Fantomas (1964)
Fantomas (1964) es una comedia francesaPelícula de crimen dirigida por André Hunebelle y protagonizada por Jean Marais en el doble papel de Fantômas y Jérôme Fandor, y Louis de Funès como el comisario Paul Juve. La película está basada en la serie de novelas Fantômas de Marcel Allain y Pierre Souvestre.
Parcela
La historia de Fantômas comienza con la publicación por parte del periodista Jérôme Fandor de una entrevista ficticia con el misterioso criminal Fantômas. Fantômas, ofendido, secuestra a Fandor y lo obliga a disfrazarse de él para cometer un crimen. Fandor escapa y, junto con el comisario Juve, comienza a investigar a Fantômas.
Los dos descubren que Fantômas es un maestro del disfraz y la huida. Es capaz de asumir cualquier identidad y escapar de la captura con facilidad. Fandor y Juve se enfrentan a un oponente que parece invencible.
Temáticas
Fantomas es una película que explora varios temas, entre ellos:
- El bien contra el mal: Fantômas representa el mal, mientras que Fandor y Juve representan el bien. La historia es una lucha entre dos polos opuestos.
- Identidad: Fantômas es un maestro del disfraz, lo que le permite ocultar su verdadera identidad. La película explora el concepto de identidad y cómo puede ser manipulado.
- Sentido del humor: Fantomas es un película divertida, y a menudo se utiliza el humor para aliviar la tensión de la historia.
Analisis
Fantomas es una película bien hecha y entretenida. Está llena de acción, suspenso y humor.
Las actuaciones de Jean Marais y Louis de Funès son excelentes. Marais está impecable en el papel del misterioso y encantador Fantômas. De Funès también está excelente en el papel del Comisario Juve, un hombre capaz pero a menudo torpe.
La película también destaca por sus escenas de acción, bien coreografiadas y entretenidas. La huida de Fandor de Fantômas... castillo es particularmente memorable.
Simón del desierto (1965)
Simón del desierto (1965) es un cortometraje surrealista mexicano dirigido por Luis Buñuel y protagonizada por Claudio Brook y Silvia Pinal. Está basada libremente en la historia del santo sirio del siglo V Simeón el Estilita, quien vivió 5 años en la cima de un pilar.
Parcela
La película narra la historia de Simón, un asceta que vive en una columna en el desierto. Simón está obsesionado con el pecado y la tentación, y es constantemente tentado por el diablo en diversas formas.
Temáticas
La película explora temas como la fe, la religión, espiritualidady la naturaleza del ascetismo. Buñuel utiliza el surrealismo para explorar estos temas de forma provocadora e irónica.
Recepción
La película fue recibida con positivo Reseñas de la crítica, que elogiaron su originalidad, visión y actuaciones. La película ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia de 1965.
Comentario
Simón del Desierto es una película compleja y sugerente que ofrece una visión provocadora de la fe y la religión. Es un clásico del cine surrealista y una de las mejores películas de Buñuel.
Detalles adicionales:
- La película está ambientada en un desierto imaginario que es una mezcla de paisajes reales y surrealistas.
- La película está rodada en blanco y negro, con un uso frecuente de efectos especiales surrealistas.
- La película está protagonizada por Claudio Brook como Simón y Silvia Pinal como el diablo.
Surrealista y comedia crítica del más alto nivel y refinamiento de los dogmas religiosos por el genio surrealista de Luis Buñuel. Nacido como un proyecto de cortometraje, Simón se ha convertido en uno de los personajes más icónicos de la gran director españolEn la versión original en español, la forma de hablar del santo es realmente divertida y grotesca, algo que se pierde por completo en el doblaje.
Caballeros y damas (1965)
Caballeros y damas (1965) es una película de comedia italiana de 1965 dirigida por Pietro Germi y protagonizada por Virna Lisi, Gastone Moschin, Franco Fabrizi, Olga Villi, Beba Lončar y Gigi Ballista.
Parcela
La trama se centra en la vida de un grupo de comerciantes y profesionales de clase media que, tras una impecable fachada de respetabilidad, esconden una densa red de traiciones mutuas.
Temáticas
- Hipocresía
- La clase media
- Sociedad italiana
Recepción de la crítica
Caballeros y damas Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su sátira mordaz, su humor mordaz y su capacidad para narrar la realidad de la Italia de la época. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Moschin). Ganó el premio David di Donatello a la Mejor Película.
Premios y Reconocimientos
- Premio David di Donatello a la mejor película
Hechos graciosos
- La película se rodó en Roma y alrededores.
- El presupuesto de la película fue 3 mil millones de liras.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 20 mil millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y fue elogiada por su dirección, guión, actuaciones y su sátira.
La grande vadrouille (1966)
La gran vadrouille es una película de comedia francesa de 1966 dirigida por Gerardo Oury Protagonizada por Bourvil y Louis de Funès, la película narra la historia de dos franceses comunes y corrientes, Augustin Bouvet, pintor de casas, y Stanislas Lefort, director de la Ópera de París, quienes ayudan a salvar a un grupo de pilotos británicos derribados sobre el París ocupado por los nazis.
Parcela
La historia de La grande vadrouille comienza en 1942, en el París ocupado por los nazis. Augustin Bouvet, pintor de brocha gorda, y Stanislas Lefort, director de la Ópera de París, son dos franceses comunes y corrientes que viven su vida cotidiana.
Un día, un grupo de pilotos británicos es derribado sobre París. Se lanzan en paracaídas sobre la ciudad y se esconden en las alcantarillas. Augustin y Stanislas son los primeros en encontrarlos y deciden ayudarlos a escapar.
Los dos franceses las ayudan a disfrazarse de mujer y a esconderse en un teatro. También las ayudan a encontrar la salida de París.
Augustin y Stanislas enfrentan muchos obstáculos en su viaje. Deben evitar a los alemanes, encontrar comida y dinero, y conseguir ropa y documentos de identidad.
Temáticas
La grande vadrouille es una película que explora varios temas, entre ellos:
- Heroísmo ordinario: Agustín y Estanislao son personas comunes que se convierten en... héroes Ayudando a los pilotos británicos, demuestran que cualquiera puede marcar la diferencia, incluso en las circunstancias más difíciles.
- Amistad: Agustín y Stanislas forjan una improbable amistad durante su viaje. Aprenden a apreciarse y a apoyarse mutuamente.
- Sentido del humor: La Grande Vadrouille es una comedia muy divertida. La película utiliza el humor para abordar temas serios, como la Segunda Guerra Mundial.
Analisis
La Grande Vadrouille es una película bien hecha y entretenida. Está llena de humor, acción y emoción.
Las actuaciones de Bourvil y de Funès son excelentes. Bourvil está impecable en el papel del sencillo y simpático Augustin. De Funès también está excelente en el papel del excéntrico y autoritario Stanislas.
La película también destaca por sus escenas de acción, bien coreografiadas y emocionantes. La persecución en bicicleta por las calles de París es particularmente memorable.
Reseña
La Grande Vadrouille es una película imprescindible para todos los amantes del cine francés. Es una comedia hilarante y conmovedora que ofrece una perspectiva única sobre la Segunda Guerra Mundial.
La película está bien hecha y es entretenida. Las actuaciones de Bourvil y de Funès son excelentes, y las escenas de acción están bien coreografiadas.
La grande vadrouille es un clásico del cine francés que sigue entreteniendo a públicos de todas las edades.
Trivia
- La película se rodó en las calles de París, algo inusual para la época.
- Bourvil y de Funès eran amigos en la vida real y su química es evidente en la pantalla.
- La película fue un éxito comercial y de crítica y fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1967.
Los productores (1967)
Los productores (1967) es una película de comedia satírica estadounidense de 1967 dirigida por Mel Brooks y protagonizada por Zero Mostel, Gene Wilder, Kenneth Mars, Dick Shawn y Marty Feldman.
Parcela
Max Bialystock es un productor de Broadway en decadencia, que constantemente produce fracasos y pierde dinero. Leo Bloom, un contable que ha descubierto una laguna en el sistema de inversión de Broadway, se pone en contacto con él.
Bloom explica que si un espectáculo de Broadway pierde dinero, los productores pueden quedarse con todo el dinero invertido. Bialystock y Bloom deciden producir un fracaso deliberado para amasar una fortuna. Eligen un musical satírico sobre Adolf Hitler llamado "Primavera para Hitler", convencidos de que es tan malo que seguramente fracasará.
Temáticas
- Codicia
- Ambición
- El sueño americano
- Sátira
Recepción de la crítica
Los productores Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor, su aguda sátira y las interpretaciones de sus protagonistas. Fue nominada a 10 Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Mostel). Ganó el Premio Óscar al Mejor Guion Original.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia al mejor guión original
- Premio Globo de Oro a la Mejor Película – Musical o Comedia
- Premio de la Junta Nacional de Revisión al Mejor Actor de Reparto (Kenneth Mars)
- Premio del Sindicato de Escritores de Estados Unidos al Mejor Guion Original
Hechos graciosos
- Zero Mostel basó su interpretación de Max Bialystock en el productor de Broadway de la vida real, David Merrick.
- Gene Wilder fue elegido originalmente para interpretar a Max Bialystock, pero lo convencieron para interpretar a Leo Bloom.
- La producción original de “Primavera para Hitler” se representó en el Teatro Playhouse de la ciudad de Nueva York.
- La canción que da título a la película fue escrita por Stephen Sondheim.
Toma el dinero y corre (1969)
Es una película de 1969 escrita, dirigida e interpretada por Woody AllenEs una comedia surrealista que sigue la vida de Virgil Starkwell, un criminal torpe e inepto que intenta en vano cometer robos. La película, con un narrador omnisciente, se burla de la vida y los fracasos de Virgil, y es conocida por su humor visual y narrativa experimental. "Toma el dinero y corre" se considera una de las primeras películas taquilleras de Allen y ha tenido un impacto duradero en la cultura popular.
La trama sigue la vida de Virgil Starkwell, interpretado por Woody Allen, desde su infancia hasta la edad adulta, centrándose en su carrera criminal. Virgil es un ladrón de poca monta y torpe que intenta robar bancos y otros lugares, pero siempre es atrapado por las autoridades. A pesar de ser un criminal, Virgil es retratado como un personaje cómico y desventurado cuyas acciones siempre tienen consecuencias impredecibles y divertidas. A lo largo de la película, el personaje se casa dos veces, entra y sale de prisión, y se ve envuelto en situaciones cada vez más extrañas.
La narración está apoyada por un narrador omnisciente que comenta y bromea sobre la vida de Virgilio, y la película también tiene algunos elementos experimentales, como el uso de pantallas en blanco y negro para representar las acciones del personaje.
El distraído (1970)
El distraído (1970) es un comedia francesa dirigido por Pierre Richard. La película está protagonizada por Pierre Richard, Marie-Christine Barrault y Bernard Blier.
Parcela
La película narra la historia de Pierre Malaquet, un joven que vive con su madre, Glycia. Glycia es una mujer controladora y manipuladora que domina la vida de Pierre.
Pierre es un hombre distraído y descuidado que no encuentra un trabajo estable. Su madre le consigue trabajo como ingeniero civil, pero Pierre no puede cumplir con sus funciones.
Pierre empieza a salir con Lisa Gastier, una mujer exitosa. Lisa se siente atraída por Pierre, pero también le irrita su falta de ambición.
Pierre y Lisa se casan, pero su matrimonio es difícil. Glycia sigue interfiriendo en sus vidas, y Pierre no logra encontrar su lugar en el mundo.
Temáticas
La película explora temas como la influencia parental, la identidad y la dificultad de crecer. Es una sátira de la sociedad francesa de los años 1970 y un retrato divertido y conmovedor de la vida de un hombre común.
Recepción
La película recibió críticas positivas, que elogiaron su originalidad, humor y la actuación de Pierre Richard. Se considera una de las mejores películas de Pierre Richard y un clásico de la comedia francesa.
Comentario
"El distraídoEs una película compleja y sugerente que ofrece una visión satírica y conmovedora de la vida. Es un clásico de la comedia francesa y una obra clave de Pierre Richard.
Detalles adicionales:
- La película es en blanco y negro.
- La película está protagonizada por Pierre Richard como Pierre Malaquet, Marie-Christine Barrault como Lisa Gastier y Bernard Blier como Alexandre Guiton.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 10 millones de francos franceses.
Aquí hay algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película fue dirigida por Pierre Richard, quien también protagoniza la película.
- La película fue escrita por Pierre Richard y Jean-Marie Poiré.
- La película se rodó en París y en la campiña francesa.
Reseña
Antes de convertirse en una gran estrella en los 80, trabajando a dúo con Gérard Depardieu en las películas de Francis Veber, Pierre Richard reveló su capacidad cómica en películas más específicas, donde brilló con el humor natural que lo caracteriza. Algo indescriptible es la famosa torpeza del personaje, que alcanza una dimensión poética tras su potencia cómica. Esto se aplica a Le Distrait, dirigida por el propio actor.
Plátanos (1971)
“Bananas” es una película de 1971 escrita, dirigida y protagonizada por Woody AllenEs una comedia satírica que sigue las aventuras de un hombre inseguro llamado Fielding Mellish, interpretado por Allen, quien se une a la revolución en una pequeña república ficticia en América Latina.
Parcela
La trama de “Bananas” sigue la historia de Fielding Mellish (interpretado por Woody Allen), un neurótico un documental productor que intenta ganarse el corazón de su amada Nancy (Louise Lasser), una activista política comprometida con la causa de los pobres y los oprimidos.
Después de que Nancy lo deja, Fielding se encuentra experimentando una crisis existencial. humanitaria Y decide viajar a una pequeña república ficticia en Latinoamérica. Allí, conoce a un grupo de rebeldes que intentan derrocar al régimen gobernante y termina convirtiéndose en su líder.
Posteriormente, la situación política del país se vuelve cada vez más caótica y surrealista, con Fielding quien se ve envuelto en una serie de situaciones cómicas y absurdas, como un partido de baloncesto con reglas extravagantes, un juicio farsa en el que es acusado de traición y un golpe de estado que lo convierte en el nuevo dictador del país.
Reseña
Además de esta trama principal, la película también presenta una serie de escenas y gags humorísticos que satirizan diversos aspectos de la sociedad estadounidense y la política internacional, manteniendo siempre un estilo cómico surrealista y paradójico. La película es conocida por su humor peculiar, giros inesperados y un estilo de comedia surrealista, característico de la filmografía de Allen.
Harold y Maude (1971)
Harold y Maude (1971) es una película de comedia dramática negra estadounidense de 1971 dirigida por Hal Ashby y protagonizada por Ruth Gordon y Bud Cort. La película también cuenta con la participación de Vivian Pickles, Charles Tyner, Ellen Geer, Cyril Cusack y John Pearce. El guion de Colin Higgins surgió como su tesis de maestría para la escuela de cine.
Parcela
Harold Chasen (Bud Cort) es un adolescente taciturno de familia adinerada, obsesionado con la muerte. Asiste a funerales de desconocidos y finge suicidios para llamar la atención de su indiferente madre (Vivian Pickles).
En uno de los funerales, Harold conoce a Maude (Ruth Gordon), una excéntrica mujer de 79 años con entusiasmo por la vida. Maude le enseña a Harold a apreciar la belleza de vida y vivir cada día al máximo.
Harold y Maude forjan una amistad inesperada y empiezan a pasar mucho tiempo juntos. Viven aventuras, hablan de la vida y la muerte, y se enamoran.
La madre de Harold está horrorizada por su amistad con Maude e intenta separarlos. Sin embargo, Harold está decidido a estar con Maude, sin importar lo que piense su madre.
Temáticas
- El significado de la vida
- Muerte
- Amor
- No conformidad
- Familia
Recepción de la crítica
harold y maude Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y música. Fue nominada a tres Globos de Oro, incluyendo Mejor Película Musical o Comedia, Mejor Actor Musical o Comedia (Cort) y Mejor Actriz Musical o Comedia (Gordon).
Legado
harold y maude se considera uno de los películas de culto de la década de 1970. Ha sido elogiada por su visión única y subversiva de la vida, la muerte y el amor. La película ha sido citada como influencia por numerosos cineastas, entre ellos Wes Anderson y David Lynch.
Premios y Reconocimientos
- Premio BAFTA al recién llegado más prometedor a papeles principales en el cine (Cort)
- Premio de la Junta Nacional de Revisión a la Mejor Actriz de Reparto (Gordon)
- Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles a la Mejor Actriz de Reparto (Gordon)
Hechos graciosos
- La banda sonora de la película fue compuesta por Cat Stevens y presenta algunas de sus canciones más populares, incluidas “Cat Stevens”, “Where Do the Lonely Go?” y “Father and Son”.
- El personaje principal de la película, Maude, se basó en la propia madre de Gordon.
- La película se rodó en sólo 26 días.
- El final original de la película era mucho más oscuro, pero fue cambiado en el último minuto por uno más esperanzador.
En nombre del pueblo italiano (1971)
En el nombre de El pueblo italiano (1971) es una película de comedia dramática italiana de 1971 dirigida por Dino Risi y protagonizada por Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Yvonne Furneaux, Renato Baldini, Ely Galleani y Michele Cimarosa.
Parcela
Mariano Bonifazi (Vittorio Gassman) es un magistrado incorruptible, amargado por la corrupción que percibe, principalmente en la administración pública. Un día, Bonifazi descubre que el industrial Lorenzo Santenocito (Ugo Tognazzi), arquetipo del empresario deshonesto, podría estar implicado en la muerte de Silvana Lazzorini, una joven drogadicta.
Se inicia un duelo legal e ideológico sin cuartel entre ambos. En el curso de la investigación, Bonifazi descubre la identidad del sospechoso. inocencia, pero decide atacar a través de la figura del empresario la podredumbre de una sociedad irremediablemente corrupta.
Temáticas
- Corrupción
- Justicia
- Sociedad italiana
Recepción de la crítica
En nombre del pueblo italiano Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su dirección, guion, actuaciones y mensaje social. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Gassman). Ganó el premio David di Donatello al Mejor Actor (Gassman).
Legado
En nombre del pueblo italiano Se considera un clásico del cine italiano. Es una película que marcó una época y contribuyó a cambiar la forma en que el cine italiano representaba la justicia y la sociedad.
Premios y Reconocimientos
- Premio David di Donatello al mejor actor (Vittorio Gassman)
Hechos graciosos
- La película se rodó en Roma y alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2 mil millones de liras.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 20 mil millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y fue elogiada por su dirección, guión, actuaciones y su mensaje social.
Todos nos amábamos tanto (1974)
Nos amábamos tanto es una película de comedia dramática italiana de 1974 dirigida por Ettore Scola. La película está protagonizada por Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Stefano Satta Flores, Giovanna Ralli y Aldo Fabrizi.
Parcela
La película narra la historia de tres amigos, Nicola, Giovanni y Antonio, que se conocen durante la guerra de guerrillas. Tras la guerra, los tres amigos siguen viéndose, pero sus vidas toman rumbos diferentes. Nicola se convierte en un político exitoso, Giovanni en un actor con dificultades, y Antonio en un trabajador.
La película sigue a los amigos a lo largo de treinta años, mientras se enfrentan a los desafíos de la vida y la política. Es un retrato realista y conmovedor de la amistad, el amor y el cambio.
Temáticas
La película explora temas como la amistad, el amor, la política y el cambio. Es un retrato realista y conmovedor de la Italia de posguerra y los desafíos que enfrentó la gente.
Recepción
La película recibió críticas positivas, elogiando su guion, dirección y actuaciones. Se considera una de las mejores películas de Ettore Scola y un clásico del cine italiano.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Italia, entre Roma, Milán y Nápoles.
- La película fue protagonizada por Vittorio Gassman, que interpreta a Nicola, Nino Manfredi, que interpreta a Giovanni, Stefania Sandrelli, que interpreta a Lina, Stefano Satta Flores, que interpreta a Antonio, Giovanna Ralli, que interpreta a Giuliana, y Aldo Fabrizi, que interpreta a Romolo.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 2 mil millones de liras italianas.
- La película ha ganado numerosos premios, entre ellos:
- León de Plata al Mejor Director en el Festival de Cine de Venecia
- David di Donatello a la mejor película
- Nastro d'argento a la mejor película
- Copa Volpi al Mejor Actor para Vittorio Gassman
Una obra maestra de Ettore ScolaEsta comedia de culto sigue a tres amigos a lo largo de 3 años. comedia romántica De personajes cínicos y fácilmente corrompibles, con un sabor amargo y melancólico sobre el paso del tiempo y cómo las vidas cambian con las presiones sociales y la incapacidad de mantener la coherencia. Es una de esas comedias que se desbordan en... drama existencial y que en cierto momento, por la intensidad de las emociones que transmite, puede llegar a surcarte el rostro con lágrimas.
Frankenstein Junior (1974)
Parcela
Federico FrankensteinFrederick, neurocirujano y nieto del infame Dr. Victor Frankenstein, es invitado a Transilvania para heredar el castillo de su abuelo. Al llegar, descubre el laboratorio de su abuelo y su trabajo inacabado sobre la creación de un ser humano a partir de partes de cadáveres. Con la ayuda de su jorobado asistente, Igor, y la ama de llaves, Frau Blücher, Frederick se propone completar la obra de su abuelo. Sin embargo, Frederick implanta accidentalmente el cerebro de un hombre anormal en lugar del de un genio, lo que conlleva consecuencias hilarantes e inesperadas.
Temáticas
La película es una parodia del género de terror clásico, en particular de Frankenstein (1931), y se burla del cliché del científico loco y de los clichés del cine de terror. También explora temas como la ambición, la obsesión y la naturaleza de la humanidad.
Recepción
Frankenstein Junior fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su fiel recreación de la estética cinematográfica de terror de Universal Studios. La película fue nominada a dos Premios Óscar: Mejor Guion Adaptado y Mejor Canción Original por "The Name of the Game".
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Mel Brooks y está protagonizada por Gene Wilder como Frederick Frankenstein, Marty Feldman como Igor, Cloris Leachman como Frau Blücher y Teri Garr como Inga.
- La película fue nominada a dos premios Globo de Oro: Mejor Película – Musical o Comedia y Mejor Actor en una Película – Musical o Comedia para Gene Wilder.
- La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso en 2008 por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa”.
Reseña
Frankenstein Junior es un Mel Brooks La película de 1974 es una comedia de terror atemporal con actores increíbles que alcanzan la cima de su actuación: Gene Wilder, Madeline Kahn, Teri Garr, Marty Feldman, Peter Boyle, Cloris Leachman y Gene Hackman.
El guion humorístico de Brooks y Wilder, nominado al Oscar, parodia a la perfección la película de terror Frankenstein de James Whale de 1931. La dirección de Brooks crea la sensación de esas películas atemporales. películas de monstruos tan bien que da la impresión de que se trata de una película que realmente pertenece a los clásicos como Drácula y El hombre loboEsta es la mejor y más loca película de Brooks, una de las mejores parodias de terror que se pueden ver sin lugar a dudas.
Fantozzi (1975)
Fantozzi (1975) es una película de comedia italiana dirigida por Luciano Salce y protagonizada por Paolo Villaggio, Liù Bosisio, Gigi Reder, Milena Vukotic, Anna Mazzamauro, Duilio Del Prete, Franco Diogene y Cesare Barbetti.
Parcela
La película narra la historia de Ugo Fantozzi, un contable dócil, torpe y desafortunado que trabaja para una gran empresa industrial llamada Megaditta. Fantozzi sufre constante acoso por parte de sus superiores y colegas.
La película sigue las desventuras de Fantozzi a lo largo de un año, desde Nochebuena hasta la Navidad siguiente. Fantozzi recibe tareas absurdas y peligrosas, como llevar un elefante a la oficina o participar en una carrera con su Fiat 500. También se ve obligado a soportar una serie de humillaciones, como ser obligado a comer un pastel de mierda o a ponerse un disfraz de pingüino.
Temáticas
Fantozzi es una sátira de la sociedad italiana de la década de 1970, y en particular del mundo laboral. La película explora temas como la alienación, la opresión y la desesperanza.
Recepción
Fantozzi fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su humor, su sátira y la actuación de Paolo Villaggio.
Comentario
Fantozzi es un clásico de culto de la comedia italiana. Su personaje se ha convertido en un icono de la cultura popular, y la película sigue siendo considerada una de las mejores comedias italianas de todos los tiempos.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Paolo Villaggio y Sergio Amidei.
- La película fue producida por Mario Cecchi Gori y Vittorio Cecchi Gori.
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 1 mil millones de liras italianas.
Reseña
Las películas de Fantozzi son algunas de las películas de comedia italianas Las más importantes de la historia y, de hecho, están repletas de modismos y palabras que actualmente forman parte del idioma italiano. Escenas de culto en abundancia: Fantozzi y su compañero Filini jugando al tenis, Fantozzi lanzándose desde el balcón para coger el autobús y llegar a tiempo a la oficina, la proyección de... Acorazado Potemkin...
Amigos míos (1975)
Mis amigos (1975) es una película de comedia italiana de 1975 dirigida por Mario Monicelli y protagonizada por Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin, Duilio Del Prete y Adolfo Celi.
Parcela
Cuatro amigos florentinos, Lello Mascetti (Tognazzi), Rambaldo Melandri (Moschin), Giorgio Perozzi (Noiret) y Guido Necchi (Del Prete), viven una vida tranquila como jubilados. Para afrontar la crisis de la mediana edad, deciden organizar “zingarate”, o escapadas a base de bromas y bravuconadas.
Su zingarate les llevará a vivir aventuras divertidísimas, pero también a reflexionar sobre la vida, la amistad y el amor.
Temáticas
- Amistad
- Crisis de mediana edad
- Vida
Recepción de la crítica
Mis Amigos Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su comedia, su frescura y su capacidad para contar una historia moderna y relevante. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Tognazzi). Ganó el premio David di Donatello a la Mejor Película.
Legado
Mis Amigos Se considera un clásico del cine italiano. Es una película que marcó una época y ayudó a cambiar la forma en que el cine italiano representaba la amistad y la vida.
Premios y Reconocimientos
- Premio David di Donatello a la mejor película
Hechos graciosos
- La película se rodó en Florencia y alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2 mil millones de liras.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 20 mil millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y fue elogiada por su dirección, guión, actuaciones y comedia.
Feo, sucio y malo (1976)
Feo, sucio y malo es una película de comedia dramática italiana de 1976 dirigida por Ettore Scola y protagonizada por Nino Manfredi, Marcella Michelangeli, Marcella Battisti, Claudio Botosso, Silvia Ferluga, Zoe Incrocci y Giuliana Calandra.
Parcela
La película se ambienta en un barrio marginal a las afueras de Roma. La historia sigue la vida de Giacinto Mazzatella, un hombre alcohólico y violento que vive con su numerosa familia. Giacinto ha recibido un millón de liras en... compensación por perder un ojo en un accidente laboral, pero no quiere compartirlo con nadie.
La familia de Giacinto está compuesta por su esposa, diez hijos, un número indeterminado de parientes y un cerdo. Todos sus miembros son pobres y están abandonados. Viven en condiciones precarias y sucias, y lidian constantemente con problemas económicos y sociales.
Temáticas
La película explora temas como la pobreza, la miseria, la violencia doméstica y la marginación social. Es una representación despiadada pero realista de la vida de las clases bajas en Italia.
Recepción
Feo, sucio y malo Fue un éxito de crítica y público. La película recibió elogios por la actuación de Nino Manfredi, la dirección de Ettore Scola y el guion de Ruggero Maccari.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Roma y sus alrededores.
- La película fue producida por Franco Cristaldi.
- La película ganó numerosos premios, entre ellos:
- David di Donatello a la mejor película
- Nastro d'argento a la mejor película
- Globo de Oro a la mejor película italiana
- Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Cannes
Reseña
Es una película extraordinaria, no solo por sus momentos de humor, sino también por su estilo grotesco, con un contenido impactante y un lenguaje contundente. A menudo se la considera una comedia grotesca, ya que se aleja de las comedias dramáticas que aún estaban en fase de desarrollo. Al igual que Fantozzi, esta también se estrenó en la segunda mitad de la década de 1970, desarrollando un nuevo tipo de comedia italiana, con una trama llena de elementos cómicos y de significado.
Es, de lejos, el papel más duro de Nino Manfredi, donde interpreta a un hombre grotesco y grosero con un solo ojo.Feo, sucio y malo"Hace uso de muchas blasfemias y escenas sexuales. Él mismo se refiere a sus hijas como prostitutas, mientras que a sus hijos los llama cerdos, ladrones y asesinos que solo buscan robarle su dinero. La película es una obra maestra que revolucionó el panorama de la comedia italiana.
Casotto (1977)
Casotto (1977) es una película de comedia italiana de 1977 dirigida por sergio citti y protagonizada por Jodie Foster, Ugo Tognazzi, Gigi Proietti, Franco Citti, Ninetto Davoli, Catherine Deneuve y Clara Algranti.
Parcela
Un caluroso domingo de agosto, en una espaciosa caseta colectiva, o cabaña, en la playa libre de Ostia, se entrelazan las historias de una colorida galería de personajes que muestran, con sus propias historias, el contraste entre la rígida moralidad oficial italiana de finales de los años 1970 y la revolución sexual.
Entre estos personajes encontramos:
- María (Jodie Foster), una joven estadounidense de vacaciones en Italia con sus padres, que se enamora de un joven y encantador hombre de origen romano;
- Ugo (Ugo Tognazzi), un cura rural que ha perdido la fe y que va a la playa para intentar recuperarla;
- Gigi (Gigi Proietti) y Franco (Franco Citti), dos amigos de Ugo que buscan aventuras;
- Clara (Clara Algranti), una mujer madura que se enamora de Ugo;
- Catherine Deneuve, una famosa actriz francesa que está rodando una película en Italia.
Temáticas
- La revolución sexual
- El conflicto entre la moral oficial y la realidad
- Amor
Recepción de la crítica
Casotto Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor, su frescura y su capacidad para contar una historia moderna y relevante. Fue nominada a cuatro premios David di Donatello, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor (Tognazzi). Ganó el premio David di Donatello al Mejor Guion.
Legado
Casotto Se considera un clásico del cine italiano. Es una película que marcó una época y ayudó a cambiar la forma en que el cine italiano representaba el amor y la sexualidad.
Premios y Reconocimientos
- Premio David di Donatello al mejor guión
Hechos graciosos
- La película se rodó en Ostia y alrededores.
- El presupuesto de la película fue de 2 mil millones de liras.
- La película fue un éxito comercial y recaudó más de 20 mil millones de liras.
- La película fue un éxito de crítica y fue elogiada por su dirección, guión, actuaciones y humor.
Salón de Annie (1977)
Salón de Annie (1977) es una película de comedia romántica dirigida por Woody Allen y protagonizada por Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane y Paul Simon.
Parcela
Alvy Singer es un comediante neurótico e inseguro que se enamora de Annie Hall, una chica con aspiraciones artísticas. Ambos salen durante aproximadamente un año, pero su relación se ve afectada por sus problemas personales y sus diferencias.
Alvy es un hombre que tiene dificultades para relacionarse con los demás. Annie es una mujer independiente y libre que no quiere atarse a una relación.
Al final los dos se separan, pero Alvy no puede olvidarla.
Temáticas
La película explora temas como el amor, la pérdida, la comunicación y la alienación. Es un retrato realista y conmovedor de una relación que termina.
Recepción
Annie Hall fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por su guion, actuaciones y dirección.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Woody Allen y Marshall Brickman.
- La película fue producida por Charles H. Joffe.
- La película se rodó en la ciudad de Nueva York.
- La película ganó cuatro premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Guión Original, Mejor Actriz en un Papel Protagónico (Diane Keaton) y Mejor Director.
Reseña
Annie Hall, es una película de autor enmarcada en el género de comedia romántica de 1977. Annie Hall es Woody Allen De adentro hacia afuera, desde su narrativa hasta sus personajes femeninos. La película posee una magia particular: un dulce sabor nostálgico en sus líneas que se han hecho famosas, una añoranza melancólica de una época menos complicada y de un lugar donde todo parecía posible con amor.
Los bronceados (1978)
Los bronceados (1978) es una película de comedia francesa dirigida por Patricio Leconte Protagonizada por Josiane Balasko, Gérard Jugnot, Michel Blanc, Marie-Anne Chazel y Christian Clavier, la película narra la historia de un grupo de amigos que van de vacaciones al Club Med en Costa de Marfil.
Parcela
Bernard Morin (Gérard Jugnot), Jean-Claude Dusse (Michel Blanc), Jérôme (Christian Clavier) y Popeye (Thierry Lhermitte) son cuatro amigos que trabajan en una empresa de ingeniería en París. Cansados de la rutina, deciden irse de vacaciones al Club Med en Costa de Marfil.
En el Club Med, los cuatro amigos se encuentran en un mundo completamente diferente al que están acostumbrados. Están rodeados de personas de todas las edades y de todo el mundo. Juntos, viven una inolvidable para tus asistentes experiencia, llena de diversión, risas y nuevas amistades.
Temáticas
Les bronzés es una película que explora varios temas, entre ellos:
- Amistad: La historia se centra en la amistad entre los cuatro protagonistas. Juntos, superan retos y viven una experiencia inolvidable.
- Autodescubrimiento: Los cuatro protagonistas se enfrentan a sí mismos y a sus miedos. Las vacaciones en el Club Med son una oportunidad para crecer y aprender a conocerse mejor.
- El poder del humor: La película está llena de humor. El humor se utiliza para aliviar la tensión y hacer la historia más amena.
Analisis
«Les Bronzés» es una película bien hecha y divertida. Ha hecho historia en el cine francés.
Las actuaciones de los cuatro protagonistas son excelentes. Gérard Jugnot está impecable en el papel de Bernard, un hombre ingenuo y simpático. Michel Blanc también está excelente en el papel de Jean-Claude, un hombre tímido y torpe.
La película también destaca por sus escenas cómicas, bien logradas y entretenidas. La escena en la que los cuatro protagonistas son seguidos por los niños del pueblo es particularmente memorable.
Amor en fuga (1979)
El amor perdido (1979) es una película de comedia dramática dirigida por François Truffaut y protagonizada por Jean-Pierre Léaud, Marie-France Pisier, Claude Jade, Julien Dubois y Daniel Mesguich.
Parcela
Antoine Doinel, protagonista de la saga cinematográfica de Truffaut, es un hombre de 35 años que acaba de divorciarse de Christine. Antoine es un hombre inseguro y atormentado que tiene dificultades para encontrar la felicidad.
Tras el divorcio, Antoine inicia una relación con Sabine, una joven oficinista. La relación es inicialmente feliz, pero pronto se vuelve problemática. Antoine sigue enamorado de Christine, y Sabine es una mujer insegura y posesiva.
Al final, Antoine y Sabine se separan, y Antoine se encuentra solo y abatido.
Temáticas
La película explora temas como el amor, la pérdida, la madurez y la soledad. Es un retrato realista y conmovedor de un hombre que busca la felicidad.
Recepción
L'amour en fuga fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por su dirección, actuaciones y guion.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por François Truffaut y Jean-Pierre Léaud.
- La película fue producida por Claude Berri.
- La película se rodó en París y sus alrededores.
- La película ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes.
Reseña
Truffaut cierra la serie dedicada a Antoine Doinel con "El amor se escapa". Una comedia sentimental que no te puedes perder. Alegre y melancólica, apasionada y distante a la vez, la película propone el estilo único de Truffaut. Uno de los directores que mejor ha sabido describir el amor en la gran pantalla.
Hermanos del blues (1980)
Hermanos del blues (1980) es un musical estadounidense película de comedia de acción dirigido por John Landis y protagonizada por John Belushi como "Joliet" Jake Blues y Dan Aykroyd como su hermano Elwood Blues. Los personajes, desarrollados a partir del sketch musical recurrente "The Blues Brothers" de la serie de variedades Saturday Night Live de NBC, son liberados en una misión divina: reunir a su antigua banda de R&B para actuar en un evento benéfico y salvar el orfanato donde crecieron.
Parcela
Jake y Elwood Blues salen de prisión con la misión divina de reunir a su antigua banda de R&B y tocar en un bar y parrilla de Chicago para pagar la fianza de 5,000 dólares que les impuso su orfanato, que se enfrenta a una ejecución hipotecaria. En el camino, son perseguidos por la policía, la Milicia de Illinois y una banda de nazis, todos decididos a detenerlos.
Temáticas
La película es una celebración del blues y la cultura estadounidense. También es una historia sobre la familia, la redención y el poder de la música para unir a las personas.
Recepción
Blues Brothers fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su humor, acción y música. Fue nominada a dos Premios Óscar: Mejor Guion Adaptado y Mejor Canción Original por "The Name of the Game".
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Dan Aykroyd y John Landis.
- La película fue producida por Robert K. Weiss.
- La película se filmó en locaciones de Chicago y Los Ángeles.
- La banda sonora de la película fue un éxito comercial, alcanzando el número dos en la lista Billboard 200.
Reseña
Los Blues Brothers son una Película graciosa Con una historia con un ritmo maravilloso, un guion impactante y una multitud de coches para mantenerte entretenido cuando los atracos de Belushi y Aykroyd te resulten un poco excesivos. Por supuesto, el corazón de la película reside en su música: Cab Calloway, Ray Charles y James Brown. Es "Respect" de Aretha Franklin la que te hace temblar en el asiento.
Tootsie (1982)
Tootsie (1982) Es una comedia dramática estadounidense dirigida por Sidney Pollack, escrita por Larry Gelbart, Barry Levinson (sin acreditar), Elaine May (sin acreditar) y Murray Schisgal, a partir de una historia de Gelbart y Don McGuire. La película está protagonizada por Dustin Hoffman como Michael Dorsey, un actor talentoso pero difícil que asume el papel de Dorothy Michaels para conseguir un papel en una telenovela. También participan Jessica Lange, Charles Durning, Bill Murray, George Segal y Teri Garr.
Parcela
Michael Dorsey es un actor conocido por su talento, pero también por ser un actor difícil de trabajar. Es tan difícil de complacer que la mayoría de los directores de casting lo han incluido en la lista negra.
Desesperado por encontrar trabajo, a Michael se le ocurre una idea loca: disfrazarse de mujer y audición Para un papel en una telenovela, interpreta a Dorothy Michaels, una viuda de mediana edad, amable, compasiva y con ganas de complacer.
Michael consigue el papel de Dorothy y rápidamente se convierte en una figura popular en la telenovela. También tiene éxito en su vida personal, enamorándose de Julie, una compañera actriz que interpreta al interés amoroso de su personaje.
Sin embargo, la doble vida de Michael se vuelve cada vez más difícil de mantener. Le preocupa constantemente que lo descubran y le cuesta seguir el ritmo de las exigencias de interpretar dos personajes diferentes.
Recepción crítica y legado
“Tootsie” fue un éxito de crítica y público tras su estreno en 1982. La película fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su exploración de complejos problemas sociales. Fue nominada a diez Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto para Jessica Lange. Ganó los premios a Mejor Actor de Reparto para George Segal y Mejor Guion Original.
Curiosidades
- El título de la película es una referencia al personaje de Dorothy Gale de “El mago de Oz”.
- Dustin Hoffman pasó horas con un entrenador de dialecto para perfeccionar su voz femenina.
- Jessica Lange fue elegida originalmente para interpretar el interés amoroso de Michael Dorsey, pero fue tan convincente como hombre que la cambiaron al papel de Julie.
- El director de la película, Sydney Pollack, también dirigió “Con Faldas y a lo Loco”, otra película clásica sobre un hombre que se disfraza de mujer.
El rey de la comedia (1982)
Parcela
Rupert Pupkin (Robert De Niro) es un aspirante a comediante de stand-up con una obsesión enfermiza con Jerry Langford (Jerry Lewis), un exitoso presentador de programas de entrevistas. Rupert cree que si logra entrar en el programa de Jerry, finalmente será reconocido como el gran comediante que cree ser.
Rupert empieza a acosar a Jerry y finalmente consigue entrar en su camerino después de un concierto. Le ruega a Jerry que le dé una oportunidad en su programa, pero Jerry se niega. Rupert está desconsolado, pero no se rinde.
Rupert urde un plan para secuestrar a Jerry y obligarlo a participar en su programa. Consigue la ayuda de su amiga Masha (Sandra Bernhard), y juntos secuestran a Jerry y lo llevan al sótano de la madre de Rupert.
Al principio, Jerry está aterrorizado, pero con el tiempo empieza a ver a Rupert como un patético perdedor que busca atención desesperadamente. Jerry intenta apelar a su lado más bondadoso, pero Rupert está demasiado perdido.
Rupert obliga a Jerry a escribirle un monólogo para su debut en un programa de entrevistas. Jerry escribe un monólogo sobre lo perdedor que es Rupert, pero Rupert no lo entiende. Cree que Jerry lo está elogiando.
Rupert lleva a Jerry a su debut en un programa de entrevistas, pero el público se vuelve en su contra rápidamente. Jerry lo desenmascara como el acosador desquiciado que es, y Rupert es arrestado.
Temáticas
- obsesión
- Fama
- El lado oscuro de la comedia
Recepción crítica y legado
«El Rey de la Comedia» fue un éxito de crítica y público tras su estreno en 1982. La película fue elogiada por su humor negro, sus actuaciones y su exploración de complejos problemas sociales. Fue nominada a dos Globos de Oro: Mejor Película (Musical o Comedia) y Mejor Actor (Musical o Comedia) para De Niro.
"El Rey de la Comedia" ha mantenido su popularidad durante décadas y se considera una de las mejores películas de Martin Scorsese. Es una película perturbadora y que invita a la reflexión, que plantea importantes preguntas sobre la naturaleza de la fama y la celebridad.
BroadwayDanny Rose (1984)
Broadway Danny Rose es una película de 1984 dirigida por Woody Allen.
Parcela
Broadway Danny Rose es un desventurado agente de talentos que, al ayudar a su cliente, un cantante de salón, con su amante, se ve arrastrado a un triángulo amoroso que involucra a la mafia.
Temáticas
La película es una parodia del clásico género de gánsteres y se burla del estereotipo del tipo duro y de la película de gangsters clichés. También explora temas de ambición, obsesión y la naturaleza de la lealtad.
Recepción
Broadway Danny Rose fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su fiel recreación de la estética de las películas de gánsteres de Universal Studios. La película fue nominada a dos Premios Óscar: Mejor Guion Adaptado y Mejor Canción Original por "The Name of the Game".
Detalles adicionales:
- La película fue escrita y dirigida por Woody Allen.
- La película está protagonizada por Woody Allen como el personaje principal, así como Mia Farrow y Nick Apollo Forte.
- La película fue nominada a dos premios Globo de Oro: Mejor Película – Musical o Comedia y Mejor Actor en una Película – Musical o Comedia para Gene Wilder.
- La película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso en 2008 por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa”.
Reseña
La película es una comedia desenfadada ambientada en el mundo del vodevil y el cabaret neoyorquino de los años 1950. Broadway Danny Rose ha sido muy apreciado por la crítica por su ironía, su capacidad para captar el lado cómico de las situaciones más dramáticas y la interpretación de Woody Allen.
Woody Allen se encarga de enterrar y elogiar a su héroe Danny Rose en este lírico retrato de la Gran Vía Blanca. Optimista perspicaz y soñador de toda la vida, el ingenuo actor teatral Danny adora a su triste grupo de xilofonistas ciegos, bailarines de claqué profesionales y pingüinos patinadores vestidos, generalmente, de rabinos jasídicos.
Sin embargo, para todos los demás es evidente que una época pasa rápidamente. Si bien es cierto que es un personaje cómico, Allen le dedica una mirada compasiva, afligida y amorosa.
No queda nada más que hacer que llorar (1984)
No queda nada más que hacer que llorar (1984) es un italiano de 1984 ciencia ficción Película de comedia dirigida por Massimo Troisi y Roberto Benigni. La película está protagonizada por los propios actores, quienes interpretan a dos amigos, Saverio y Mario, que se encuentran en 1492, en Palos de la Frontera, España.
Parcela
Saverio es profesor de primaria, mientras que Mario es conserje. Son amigos desde siempre y comparten la pasión por la ciencia ficción.
Un día, mientras cruzaban la campiña toscana, los dos amigos se encontraron con una extraña tormenta. Al amainar, se encontraron en 1492, en Palos de la Frontera, España.
Saverio y Mario están inicialmente asustados y desorientados. No saben cómo regresar a su tiempo ni cómo comportarse en una época tan diferente a la suya.
A lo largo de la película, los dos amigos conocerán a personajes históricos como Christopher ColónIsabel de Castilla y Fernando II de Aragón. Vivirán aventuras escalofriantes y descubrirán un mundo completamente nuevo.
Recepción
Non ci resta che piangere fue un éxito de crítica y taquilla. La película fue elogiada por su humor, su frescura y la actuación de los dos protagonistas.
Analisis
Nada Que Hacer Excepto Llorar es una película que explora temas como la amistad, los viajes en el tiempo y las diferencias culturales. Es una comedia divertidísima, pero también una película que te hace reflexionar.
La película muestra cómo la amistad puede superar las diferencias culturales y temporales. Saverio y Mario son dos hombres muy diferentes, pero su amistad es fuerte e inquebrantable.
La película también explora el tema de los viajes en el tiempo. Saverio y Mario se encuentran en un mundo completamente nuevo y deben aprender a adaptarse. La película muestra cómo viajar en el tiempo puede ser una experiencia fascinante, pero también peligrosa.
Por último, la película destaca la diferencia cultural entre el presente y el pasado. Saverio y Mario están acostumbrados a vivir en un mundo moderno y tecnológico. Al llegar a 1492, deben adaptarse a un mundo completamente diferente. La película muestra cómo las diferencias culturales pueden ser fuente de malentendidos y conflictos.
Reseña
Nada más que hacer que llorar es un clásico del cine italiano que ha resistido el paso del tiempo. Es una película que el público sigue disfrutando hoy en día.
La película está bien hecha y cuenta con actuaciones magistrales de los dos protagonistas. Saverio y Mario son personajes divertidísimos y entrañables. Sus aventuras son escalofriantes y entretenidas.
La película también invita a la reflexión. Muestra cómo la amistad puede superar las diferencias culturales y temporales. También destaca la diferencia cultural entre el presente y el pasado.
La rosa púrpura de El Cairo (1985)
La rosa púrpura de El Cairo (1985) es una película de comedia romántica y fantástica de 1985 dirigida por Woody Allen Protagonizada por Mia Farrow y Jeff Daniels, la película cuenta la historia de Cecilia, una ama de casa frustrada y desilusionada que, mientras ve una película muda de 1930, ve al protagonista, Tom Baxter, salir de la pantalla y entrar en su vida.
Parcela
Cecilia es una ama de casa frustrada y desilusionada de Nueva Jersey que, mientras ve una película muda de la década de 1930, "La rosa púrpura de El Cairo", ve al protagonista, Tom Baxter, salir de la pantalla y entrar en su vida. Tom es un encantador héroe romántico que es todo lo que Cecilia siempre ha deseado.
Cecilia y Tom se enamoran y comienzan una relación secreta. Sin embargo, su relación se complica al descubrir que Tom es un personaje ficticio. Tom se ve obligado a regresar a la película, pero Cecilia no está dispuesta a dejarlo ir.
Temáticas
La película explora temas como la realidad y la ficción, el amor y la ilusión, y el poder del cine. Es una historia romántica y conmovedora que explora el deseo humano de evasión y amor.
Recepción
La Rosa Púrpura de El Cairo fue un éxito de crítica y taquilla. Recibió elogios por su guion, actuaciones y dirección. La película ganó el Óscar al Mejor Guion Original.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita por Woody Allen.
- La película fue producida por Robert Greenhut.
- La película se rodó en la ciudad de Nueva York.
- La película fue nominada a cuatro premios Oscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Actriz en un Papel Protagónico (Mia Farrow).
Reseña
Woody Allen Ha dicho varias veces que La rosa púrpura de El Cairo es una de sus películas favoritas dirigidas, y no es de extrañar: es su película más creativa y compasiva. En su mejor interpretación de las 13 películas que ha hecho con el director, Mia Farrow interpreta a una mujer solitaria que va al cine a vivir sus sueños a través de sus estrellas favoritas.
Incluso cuando el apresurado Tom Baxter (un joven Jeff Daniels) sale de la pantalla y entra en su vida, guarda sus sentimientos y las expectativas Bajo control. La película avanza caprichosamente hacia un último acto desgarrador y elegíaco que sugiere, por extraordinario que parezca, por qué vamos al cine.
Ella tiene que tenerlo (1986)
Ella tiene que tenerlo es una película de comedia dramática en blanco y negro estadounidense de 1986 escrita, dirigida, producida y editada por Spike Lee.
Parcela
Lola Darling, una mujer de Brooklyn, de carácter fuerte e independiente, lidia con tres amantes: Greer Childs, un empresario rico y arrogante; Jamie Overstreet, un carpintero estable y protector; y Mars Blackmon, un aspirante a cineasta tímido y un poco friki. Nola no puede elegir entre sus tres pretendientes y disfruta de la libertad de tener tres hombres diferentes en su vida.
Temáticas
La película explora temas como el empoderamiento femenino, la libertad sexual y la dificultad de tomar decisiones. Es una celebración de la feminidad negra y el retrato de una mujer decidida a vivir su vida a su manera.
Recepción
She's Gotta Have It fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su estilo único. La película representó un gran avance para Spike Lee, quien se convirtió en un destacado cineasta en la década de 1990.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita, dirigida, producida y editada por Spike Lee.
- La película está protagonizada por Tracy Camilla Johns, Tommy Redmond Hicks, John Canada Terrell y Spike Lee.
- La película se filmó con un presupuesto limitado de 175,000 dólares.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de un millón de dólares en taquilla.
Reseña
Spike Lee hace su debut como director con esta Película independiente Película de bajo presupuesto en blanco y negro, que terminó siendo una de las más importantes de los 80 para impulsar la producción independiente. Lee aporta una voz y una perspectiva nunca antes vistas a la pantalla en una película sabia, aventurera y entretenida. El tema principal, la libertad de las mujeres, sigue vigente 30 años después.
El gran Lebowski (1998)
El gran Lebowski (1998) Es un clásico de culto de la comedia negra estadounidense. Película de crimen Escrito, producido y dirigido por Joel y Ethan Coen, y protagonizada por Jeff Bridges como Jeff "The Dude" Lebowski, un vago de mediana edad y desempleado que es confundido con un millonario del mismo nombre. La película también cuenta con la participación de John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, David Thewlis y Philip Seymour Hoffman.
Parcela
El Nota es un fumador de marihuana de avanzada edad que lleva una vida despreocupada en Los Ángeles. Su rutina se ve interrumpida cuando dos matones irrumpen en su apartamento, creyendo que es el millonario Jeff Lebowski. Orinan en su alfombra, una preciada posesión, y le exigen que pague una deuda de Bunny, la esposa del millonario.
El Dude acude a la mansión del millonario para pedir una compensación por su alfombra rota. La esposa del millonario, Maude (Moore), le informa que su esposo ha desaparecido y le exige que lo encuentre. El Dude accede a regañadientes y pronto se ve envuelto en un complot de secuestro, confusión de identidades y una exigencia de rescate.
En el camino, Dude se encuentra con un elenco de personajes excéntricos, incluido su compañero de bolos Walter Sobchak (Goodman), un veterano de Vietnam con una inclinación por la violencia; el novio nihilista alemán de Bunny, Jesús Quintana (Buscemi); y el abogado del millonario, Barry Sonnenfeld (Thewlis), quien está secretamente enamorado de Maude.
La búsqueda de The Dude para encontrar al millonario desaparecido lo lleva desde boleras hasta mansiones y bares de mala muerte, y se encuentra en un lío que lo supera mientras intenta navegar por el complejo mundo de los ricos y los criminales.
Recepción de la crítica
El Gran Lebowski recibió críticas mixtas tras su estreno. Algunos críticos elogiaron su humor y sus personajes, mientras que otros la consideraron incoherente y desorganizada. Sin embargo, la película ha ganado popularidad con los años y ahora se considera un clásico de culto.
Temáticas
El Gran Lebowski es una película sobre la identidad, la confusión de identidades y lo absurdo de la vida. También es una película sobre los bolos, ya que el Nota y sus compañeros de juego son vistos constantemente en la bolera.
Detalles adicionales
- La película se rodó en Los Ángeles.
- La película está llena de referencias a los bolos, incluida la bola característica de Dude, que tiene grabada la frase "the dude abides" (el tipo resiste).
- La banda sonora de la película fue compuesta por Carter Burwell y cuenta con música de Bob Dylan, Creedence Clearwater Revival y The Eagles.
- La película fue nominada a dos premios Independent Spirit: Mejor Director y Mejor Actor de Reparto para Goodman.
Mortacci (1989)
Mortacci es una película de comedia dramática italiana de 1989 dirigida por sergio cittiLa película está ambientada en un pequeño pueblo italiano, donde los difuntos se reúnen cada noche en un cementerio.
Parcela
En el cementerio de un pequeño pueblo italiano, los difuntos se reúnen cada noche para una reunión. Están condenados a no entrar en el... Next etapa del más allá hasta que fallezca el último ser humano vivo que los recuerda.
La narración es interrumpida por la llegada de Lucillo (Sergio Rubini), un soldado que fue dado por muerto en una misión militar en el Líbano y que es obligado por sus compañeros de aldea a morir de verdad, mientras construyeron un enorme negocio sobre su condición de héroe y su fama.
Temáticas
La película explora temas como la vida, la muerte, la memoria y la necesidad humana de conexiónEs una mirada humorística y conmovedora al más allá y a las formas en que recordamos a los muertos.
Recepción
Mortacci fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por su humor, sus actuaciones y su perspectiva única sobre la muerte.
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Sergio Citti.
- La película está protagonizada por Sergio Rubini, Angela Betti, Franco Citti y Maurizio Mattioli.
- La película fue nominada a dos premios David di Donatello: Mejor Director y Mejor Actor de Reparto (Franco Citti).
Maestro borracho (1994)
El maestro borracho (1994) es una película de comedia de acción de Hong Kong escrita y dirigida por Jackie Chan y Lau Kar-leungEs una secuela de la película de 1978. El maestro borracho y está protagonizada por Chan como Wong Fei-hung, un legendario artista marcial chino.
Parcela
Wong Fei-hung es un joven y talentoso artista marcial, conocido también por su pasión por el vino. Es expulsado de la escuela de su padre y enviado a vivir con su tío, maestro del estilo Puño Borracho. Al principio, Fei-hung se muestra reacio a aprenderlo. heterodoxo estilo, pero finalmente llega a dominarlo y lo usa para derrotar a sus enemigos.
Temáticas
La película es una celebración de la cultura y las artes marciales chinas. También explora temas como la autodisciplina, la redención y la importancia de la familia.
Recepción
El maestro borracho Fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por sus secuencias de acción, su humor y la actuación de Chan. La película supuso un gran avance para Chan en el mercado internacional y lo consolidó como estrella.
Detalles adicionales:
- La película fue producida por Golden Harvest.
- La película se filmó en locaciones en China.
- La película fue nominada a tres premios de cine de Hong Kong: Mejor película, Mejor coreografía de acción y Mejor actor (Jackie Chan).
Reseña
Una película de acción impresionante que establece un estándar: no se podría filmar una escena de batalla mejor. 6 años Después de su estreno en Asia, y más de veinte años después de que The Drunken Master original convirtiera a Jackie Chan en una estrella en Hong Kong, The Legend of Drunken Master puede ser la comedia de acción de kung fu más asombrosa hasta el momento.
La película muestra a Chan en su magnificencia natural, asombrosa por su habilidad para hacer que los duelos complejos parezcan entretenidos. Jackie protagonizó y dirigió varias películas. películas de acción En sus días pre-Hollywood. Esta podría ser su obra maestra.
Ciudad del miedo (1994)
La Cité de la peur (Ciudad del miedo) es una película de comedia francesa de 1994 dirigida por Alain BerberianLa película es un crimen satírico. novela de suspense que sigue la historia de Odile Deray, la publicista de una Película B Película de terror titulada "Red is Dead". La película, ambientada en el Festival de Cine de Cannes, sigue a Odile mientras intenta proteger la película y a su elenco de un misterioso asesino que usa una hoz y un martillo como armas.
Parcela
La película comienza con la proyección de las escenas finales de “Red is Dead”, una película de terror de serie B en la que un comunista asesino múltiple Mata a sus víctimas con una hoz y un martillo. La película es un fracaso y se retira del Festival de Cine de Cannes. Odile Deray, la publicista de la película, está decidida a salvar su carrera y la de la película.
Odile se encuentra Serge Karamazov, un expolicía contratado para proteger al elenco de la película. Serge es un personaje excéntrico e incompetente, pero Odile se ve obligada a confiar en él.
Mientras tanto, un misterioso asesino comienza a aterrorizar al elenco de la película. El asesino usa la misma hoz y martillo que el asesino en serie de "Red is Dead". Odile y Serge deben encontrar la manera de detener al asesino antes de que... demasiado tarde.
Temáticas
La Cité de la peur es una película satírica que explora temas como el cine, la fama y la violencia. Es una parodia de las películas de serie B. películas de terror y el Festival de Cine de Cannes. La película también es una crítica a la sociedad francesa.
Recepción
La Cité de la peur fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su humor, su sátira y su retrato de la sociedad francesa.
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Alain Berberian.
- La película está protagonizada por Chantal Lauby, Alain Chabat y Dominique Farrugia.
- La película se rodó en Cannes, Francia.
- La película fue nominada a dos premios César: Mejor Película y Mejor Guión Original.
Reseña
Ahora es un película de culto Una película atemporal que no necesita presentación en el mundo de la comedia francesa. Sus numerosas escenas de culto, que no han envejecido desde su estreno en 1994, son presentadas por la banda de Dummies, quienes se encuentran en compañía de un asesino de proyeccionistas en pleno Festival de Cine de Cannes. Uno de los papeles más divertidos que Gérard Darmon ha interpretado jamás.
El rey Tenenbaum (2001)
Es una película de comedia estadounidense de 2001 dirigida por Wes AndersonLa película es una comedia dramática que sigue la historia de la familia Tenenbaum, una familia de intelectuales y excéntricos de la ciudad de Nueva York.
Parcela
La película gira en torno a Royal Tenenbaum (interpretado por Gene Hackman), un padre que traicionó y abandonó a su familia hace años, y que ahora intenta reconciliarse con sus hijos, Chas (interpretado por Ben Stiller), Margot (interpretada por Gwyneth Paltrow) y Richie (interpretado por Luke Wilson).
Reseña
La película fue aclamada por la crítica por su brillante guion, sus actuaciones de primera y la visionaria dirección de Anderson. Fue nominada al Óscar al Mejor Guion Original. Se considera una de las mejores películas de Wes Anderson y un clásico moderno del cine independiente estadounidense.
Gwyneth Paltrow, Luke Wilson y Ben Stiller interpretan a los hermanos, quienes se mueven en un entorno típico de Anderson, con rasgos hiperestilizados y tonos pastel. El guion contiene muchas buenas ideas, pero la narrativa es desafortunada. sobre el amor y la insatisfacción que da a la película su magia.
Festival de Cannes (2001)
Parcela
Cannes, 1999. Alice, una actriz, quiere dirigir una Película independienteY busca financiación. Conoce a Kaz, un empresario hablador, que le promete 3 millones de dólares si contrata a Millie, una estrella francesa que ya pasó su juventud y ya no encuentra papeles interesantes.
Reseña
El popular cineasta independiente Henry Jaglom, poco conocido en Europa, rueda una comedia sentimental con gran libertad estilística, que parece un documental y se centra en las interpretaciones de los actores con un método de improvisación espontáneo y fluido, inspirado en el cine de Cassavetes.
Festival de relojes de Cannes
Amelia (2001)
Amélie (2001) es una película de 2001 escrita y dirigida por Jean-Pierre Jeunet. La película está protagonizada por Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Dominique Pinon, Rufus, Jamel Debbouze, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Clotilde Mollet, Claire Maurier, Isabelle Nanty, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Bénichou, Michel Robin y André Dussollier.
Parcela
Amélie Poulain es una joven que vive en Montmartre, París. Es una soñadora y romántica, con una visión única del mundo. Amélie pasa sus días observando a la gente que la rodea e imaginando cómo podría mejorar sus vidas.
Un día, Amélie descubre una caja en el ático. La caja está llena de recuerdos de la infancia de un niño que murió hace muchos años. Amélie decide encontrarlo y devolverle la caja. Esta acción la inspira a ayudar a los demás de forma más concreta.
Amélie comienza a realizar pequeños actos de bondad para la gente Ella se encuentra. Por ejemplo, ayuda a un ciego a encontrar su asiento favorito en el cine, a un hombre a redescubrir su amor perdido y a un grupo de personas mayores a cumplir su sueño de ver el mar.
A través de estas acciones, Amélie comienza a cambiar la vida de quienes la rodean, y su propia vida también comienza a cambiar.
Recepción
Amélie fue un éxito de crítica y taquilla. La película fue elogiada por su originalidad, frescura y dirección.
Analisis
Amélie es una película que explora temas como la bondad, el amor y el poder de los sueños. Es una comedia romántica, pero también una película que invita a la reflexión.
La película muestra cómo la amabilidad puede tener un impacto positivo en las personas y en el mundo. Amélie es un personaje que encarna la amabilidad. Siempre está dispuesta a ayudar a los demás, incluso sin conocerlos.
La película también ilustra cómo el amor puede ser una fuerza poderosa. Amélie está en una búsqueda por amor, y finalmente lo encuentra de una manera inesperada.
La película también es una celebración del poder de los sueños. Amélie es una soñadora, y sus sueños la impulsan a cambiar el mundo.
Reseña
Amélie es un clásico del cine moderno. Es una película que sigue siendo apreciada por el público actual.
La película está bien hecha y cuenta con actuaciones magistrales del elenco. Audrey Tautou está perfecta en el papel de Amélie, y su actuación es uno de los puntos fuertes de la película.
La película también invita a la reflexión y demuestra cómo la bondad, el amor y los sueños pueden tener un impacto positivo en la vida de las personas.
Kolja (1996)
Kolja (en checo: Kolja) es una película dramática checa de 1996 escrita y dirigida por Jan SverákBasada en una historia de Pavel Taussig, la película está protagonizada por el padre del director, Zdeněk Svěrák, en el papel principal, como un soltero de mediana edad que se ve obligado a cuidar a un niño de cinco años llamado Kolja. La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Habla No Inglesa en la 70.ª edición de los Premios de la Academia en 1998.
Parcela
František Louka, un hombre checo de mediana edad dedicado a la soltería y a la búsqueda de mujeres, es un octubre Un violonchelista lucha por ganarse la vida tocando en funerales en los crematorios de Praga. Un día, se le acerca una mujer que dice ser la madre de un niño de cinco años llamado Kolja. Le pide a František que se haga pasar por el padre de Kolja para obtener un visado para emigrar a Alemania. A cambio, le promete pagarle una gran suma de dinero.
František acepta a regañadientes la disposiciónKolja pronto vive con él en su pequeño apartamento de Praga. Al principio, František se siente abrumado por la responsabilidad de cuidar a un niño, pero poco a poco empieza a forjar un vínculo con Kolja. Aprende a disfrutar de su compañía y disfruta enseñándole el mundo.
Temáticas
- La película explora los temas de la paternidad, la familia y el amor.
- También analiza los cambios sociales y políticos que tuvieron lugar en la República Checa en la década de 1990.
Recepción de la crítica
Kolja Fue un éxito de crítica y taquilla. Ganó numerosos premios, incluido el Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. La película fue elogiada por su conmovedora historia, sus actuaciones y su dirección.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera (1998)
- Premio Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera (1998)
- Premio de Cine Europeo al Mejor Actor (Zdeněk Svěrák) (1997)
- Premio de Cine Checo a la Mejor Película (1996)
Trivia
- La película se rodó en Praga, República Checa.
- La película se tituló originalmente Život s Koljou (La vida con Kolja).
- La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de 20 millones de dólares en todo el mundo.
El día del loco (2002)
Día del loco Fue un éxito de crítica y público en Polonia. Fue elogiada por su representación realista de la vida cotidiana y su humor negro. La película también triunfó en otros países, como Hungría, la República Checa y Eslovaquia.
Premios y Nominaciones
- Festival de Cine Polaco: Mejor actor (Marek Kondrat), mejor guión (Marek Koterski), mejor director (Marek Koterski), mejor película (Marek Koterski)
- Imagen de cámara: Mejor fotografía (Piotr Wojcik)
- Festival de Cine Húngaro: Mejor película extranjera
Legado
Día del loco Se considera una de las películas polacas más importantes de la década del 2000. Ha sido elogiada por su retrato honesto e inquebrantable de la naturaleza humana. También se le atribuye haber contribuido a popularizar el cine polaco en otros países.
Trivia
- La película está basada en las propias experiencias de Koterski como una profesora.
- La película se rodó en sólo 26 días.
- La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de un millón de dólares en Polonia.
- La película se ha rehecho en varios otros países, incluidos Hungría, la República Checa y Eslovaquia.
Dios no permita que ocurra algo peor (2002)
Dios no permita que suceda algo peor es una película croata de 2002 dirigida por Tribuna Snježana y protagonizada por Luka Dragić, Mirjana Rogina, Ivo Gregurević, Goran Navojec, Semka Sokolović-Bertok, Bojan Navojec, Borko Perić y Dora Fišter. Es una historia sobre la mayoría de edad sobre un joven llamado Frula que vive en un pequeño pueblo de Croacia en la década de 1960.
Parcela
Frula es un niño curioso e imaginativo, fascinado por el mundo que lo rodea. También es un poco problemático y suele meterse en líos con sus amigos.
A medida que Frula crece, empieza a experimentar las primeras punzadas del amor. Se enamora de una chica llamada Hana y está decidido a conquistarla.
Sin embargo, la vida de Frula no está exenta de desafíos. Proviene de una familia pobre y le cuesta integrarse con los demás niños de la escuela. Además, sufre acoso escolar por parte de un grupo de chicos mayores.
A pesar de los desafíos que enfrenta, Frula nunca pierde la esperanza y el optimismo. Siempre busca el bien en el mundo y cree que todo es posible.
Dios no permita que suceda algo peor Es una película conmovedora y nostálgica sobre las alegrías y los desafíos de crecer. Una película que te acompañará mucho después de verla.
Premios y Nominaciones
- Festival de Cine de Pula: Mejor director (Snježana Tribuson), mejor actor (Luka Dragić), mejor actriz de reparto (Mirjana Rogina), mejor fotografía (Goran Trbuljak), mejor música (Darko Rundek)
- Festival Internacional de Cine de Tokio: Gran Premio
Primer mordisco (2006)
Parcela
Gus es un hombre atractivo que trabaja como cocinero en un restaurante oriental de Montreal. Su jefe lo envía a una isla remota de Tailandia para conocer a un maestro de la cocina zen y mejorar la calidad de sus platos. Allí conoce a una misteriosa mujer llamada Lake, que vive en una cueva y le informa que el maestro de cocina zen ha muerto.
Reseña
Primer Mordisco es una película canadiense independiente muy original que cruza diferentes géneros cinematográficos en su narración, pasando repentinamente del romanticismo al suspenso y al terror. Entre misticismo, magia negra, historias de amor e islas tropicales, Primer Mordisco es la odisea de un hombre que permanece prisionero de una trampa de la que ya no puede escapar, perdido entre pasiones y comidas exóticas.
Sueños de Hollywood (2007)
Parcela
Margie Chizek (Tanna Frederick), una aspirante a actriz de Iowa, se muda a Los Ángeles para perseguir su sueño de triunfar en Hollywood. Pronto descubre que la industria es difícil y que ella es solo una de las muchas actrices talentosas que luchan por hacerse notar.
Margie conoce a Robin Mack (Justin Kirk), un joven actor prometedor que también lucha por hacerse un nombre. Se enamoran, pero su relación se complica por las presiones de sus carreras.
Margie finalmente consigue su gran oportunidad al ser elegida para una película importante. Sin embargo, el éxito que siempre ha soñado tiene un precio. Se ve obligada a hacer concesiones con las que no se siente cómoda y empieza a cuestionarse si quiere siquiera formar parte de Hollywood.
Temáticas
Hollywood Dreams explora temas como la búsqueda de los sueños, el precio de la fama y la importancia de ser fiel a uno mismo. Es una historia con moraleja sobre el lado oscuro de Hollywood, pero también celebra el poder de los sueños y la resiliencia del espíritu humano.
Recepción
Hollywood Dreams fue un éxito de crítica y taquilla tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su guion y su dirección. La película también fue elogiada por su representación honesta y realista de la experiencia hollywoodense.
Detalles adicionales:
- La película fue escrita y dirigida por Henry Jaglom.
- La película está protagonizada por Tanna Frederick, Justin Kirk, David Proval, Karen Black, Eric Roberts y Seymour Cassel.
- La película se filmó en Los Ángeles, California.
- La película fue nominada al Gran Premio del Jurado en los Festival de Cine de Sundance.
Reseña
Hollywood Dreams es una película bien hecha y perspicaz que sin duda conectará con cualquiera que haya soñado con triunfar en Hollywood. Es una película imprescindible para los amantes del cine independiente y para quienes se interesan por el lado oscuro de la industria del entretenimiento. Hollywood Dreams cautiva al público con la extraordinaria actuación de Tanna Frederick y su personaje como una actriz atormentada y mentalmente inestable.
La hora mágica (2008)
Parcela
Noboru Bingo, un gánster de poca monta, se mete en problemas con su jefe y se ve obligado a buscar a un legendario sicario llamado Della Togashi. Sin embargo, Della Togashi es en realidad un mito, y Bingo está desesperado por encontrar a alguien que lo interprete. Recluta a Taiki Murata, un actor en apuros, y lo convence de que le está dando la oportunidad de su vida de protagonizar una importante película de gánsteres.
Taiki viaja a la ciudad portuaria de Sucago, donde se supone que se reunirá con Della Togashi. Sin embargo, pronto se da cuenta de que se ha visto envuelto en una verdadera guerra de pandillas. Mientras intenta desenvolverse en el peligroso mundo de los gánsteres y... asesinosTaiki también debe lidiar con sus propias dudas e inseguridades.
Temáticas
- Identidad
- Propósito
- El poder de la narración.
Recepción de la crítica
La hora mágica Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor, su agudo comentario social y sus actuaciones, en particular las de Satoshi Tsumabuki y Koichi Sato.
Premios y Reconocimientos
- Premio de la Academia Japonesa al Mejor Actor de Reparto (Koichi Sato)
Información Adicional
- Director: Koki Mitani
- Guión: Kōki Mitani, Minami Ichikawa, Kenji Shimizu
- Elenco: Satoshi Tsumabuki, Koichi Sato, Eri Fukatsu, Toshiyuki Nishida
- Tiempo de duración: minutos 126
- Fecha de lanzamiento: 7 de junio de 2008 (Japón)
Persiguiendo mariposas (2009)
Chasing Butterflies es una película de comedia dramática independiente de 2009 escrita y dirigida por Rod Bingaman.
Parcela
Nina (Amy Brienes), una joven a punto de casarse, decide abandonar su boda y marcharse en coche. Conoce y entabla amistad con Thomas (Matt Loney), un adolescente con problemas que también está huyendo de su vida. Juntos, emprenden un viaje por carretera a través del país, en busca de sí mismos y de su lugar en el mundo.
Temáticas
Chasing Butterflies explora temas como el autodescubrimiento, la libertad y la importancia de la conexión humana. Es una historia sobre dos personas perdidas que intentan encontrar su camino, y en definitiva, celebra el poder transformador de la amistad y el amor.
Recepción
Chasing Butterflies fue un éxito de crítica y taquilla tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su guion y su dirección. La película también fue elogiada por su retrato honesto y realista de la juventud.
Comentario
Chasing Butterflies es una película bien hecha y perspicaz que sin duda conectará con cualquiera que se haya sentido perdido o solo. Es una película imprescindible para los amantes del cine independiente y quienes se interesen en las historias sobre la madurez.
Detalles adicionales:
La película fue escrita y dirigida por Rod Bingaman. Está protagonizada por Amy Brienes, Matt Loney, Maria Cellario y Eric Walton. Se filmó en Estados Unidos. Fue nominada al Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Slamdance.
Reina del lote (2010)
Parcela
Una tobillera electrónica y el arresto domiciliario no son suficientes para impedir que la aspirante a actriz Maggie Chase (Tanna Frederick) persiga sus objetivos: hacerse famosa en el mundo del cine y encontrar una relación romántica. Maggie quiere protagonizar películas de la más alta calidad y dejar el mundo de... Películas de serie B.
Reseña
El director Henry Jaglom parece haber experimentado en carne propia las frustraciones y los absurdos de la industria cinematográfica convencional de Los Ángeles y cómo esta vampiriza el alma de quienes la integran. Otra de las cualidades de Jaglom como guionista y director es su capacidad para contar una historia dramática y, al mismo tiempo, amar a sus personajes sin sentimentalismos.
Queen of the Lot es una película independiente con el estilo claramente reconocible de un autor innovador y la banalidad del cine comercial. Tanna Frederick vuelve a ser una actriz apasionada y talentosa al servicio de Jaglom.
Tournee (2010)
torneo es una película de 2010 dirigida por Mathieu AmalaricoLa película cuenta la historia de Joachim, un ex productor de televisión parisino que se muda a Estados Unidos para realizar un sueño de juventud: crear un grupo burlesco.
Parcela
Joachim es un ex productor de televisión desilusionado que se muda a los Estados Unidos para perseguir su sueño de infancia de crear una compañía burlesca.
Un día, Joachim conoce a un grupo de mujeres que presentan un espectáculo burlesco. Queda inmediatamente cautivado por el burlesque y decide crear su propia compañía.
Joachim empieza a reclutar bailarinas para su compañía. Las mujeres vienen de todo el mundo y tienen historias diferentes, pero a todas las une su pasión por el burlesque.
Joachim y los bailarines se embarcan en una gira por Estados Unidos. Durante la gira, los bailarines actúan en diversos espectáculos y conocen a personas de todos los ámbitos.
Temáticas
torneo Explora temas como el autodescubrimiento, la pasión y el poder del arte. La película es una celebración de la belleza y la sensualidad del burlesque.
Recepción
torneo Fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Recibió elogios por sus actuaciones, su guion y su dirección.
Detalles adicionales:
- La película fue dirigida por Mathieu Amalric.
- La película está protagonizada por Mathieu Amalric, Lola Dueñas, Mélanie Bernier y Laetitia Casta.
- La película se filmó en varios lugares de Estados Unidos.
Reseña
Inspirada en el cine independiente estadounidense de los años 70 de John Cassavetes. El protagonista es interpretado por el propio director, quien demuestra ser un actor de alto nivel. Presentada en el Festival de Cine de Cannes de 2010, ganó el premio Fipresci y el premio a la mejor dirección. Una película muy interesante, imperdible.
Comida china para llevar (2011)
Comida china para llevar (2011) es una película argentina dirigida por Sebastián BorenszteinEstá protagonizada por Ricardo Darín como Roberto, un ferretero gruñón y misántropo que vive en Buenos Aires. Un día, la vida de Roberto da un vuelco al conocer a Jun, un chino que llegó a Argentina en busca de su tío. Jun no habla español, pero Roberto acepta que se quede con él.
La película explora los temas de la amistad, la aceptación y el poder del amor. Es una historia conmovedora y divertida sobre dos amigos improbables que aprenden a ver el mundo de una manera nueva.
Parcela
Roberto es un hombre de 50 años que lleva muchos años viviendo solo en Buenos Aires. Es un hombre gruñón y misántropo que ha renunciado al amor y la amistad. Un día, Roberto está leyendo el periódico cuando ve una noticia sobre una vaca que cayó del cielo en China y mató a una joven. Roberto se siente intrigado por la historia y comienza a preguntarse qué más podría caer del cielo.
Al día siguiente, Roberto estaba trabajando en su ferretería cuando vio a un hombre afuera. El hombre era chino y no hablaba español. Roberto intentó comunicarse con él, pero no le entendía. Roberto estaba a punto de darse por vencido cuando se dio cuenta de que el hombre buscaba a su tío.
Roberto acepta que el hombre se quede con él hasta que encuentre a su tío. El hombre, llamado Jun, es amable y gentil. También siente mucha curiosidad por Argentina y su cultura. Al principio, Roberto se muestra reacio a que Jun se quede con él, pero con el tiempo le coge cariño.
Recepción
Comida china para llevar Fue un éxito de crítica y público. La película fue elogiada por su humor, su conmovedora historia y sus actuaciones. Fue nominada a varios premios, incluido el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín.
Reseña
Comida china para llevar Es una película conmovedora y divertida que te acompañará mucho tiempo después de verla. Es una historia sobre el poder de la amistad, la aceptación y la importancia de ver el mundo a través de los ojos de otra persona.
La película está bien hecha y cuenta con buenas actuaciones. Ricardo Darín está excelente como Roberto, e Ignacio Huang es encantador como Jun. La película también está bellamente filmada, con una atmósfera cálida y acogedora.
Curiosidades
- La película se rodó en Buenos Aires, Argentina.
- La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2011.
- La película ganó el premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 2011.
Thelma, Louise y Chantal (2012)
Parcela
Chantal (Catherine Jacob), Gabrielle (Caroline Cellier) y Nelly (Jane Birkin) son tres amigas que atraviesan diferentes etapas de sus vidas. Chantal es una ama de casa cansada de la rutina, Gabrielle es una abogada que lucha por su carrera, y Nelly es una viuda que intenta encontrar su lugar en el mundo.
Las tres mujeres deciden viajar por carretera a La Rochelle para asistir a la boda de un exnovio de Gabrielle. En el camino, sufren una serie de desventuras que las obligan a afrontar sus propias vidas y a tomar decisiones difíciles.
Temáticas
Thelma, Louise y Chantal explora temas como la amistad, el amor y el autodescubrimiento. La película ofrece una mirada desenfadada y humorística a la vida de tres mujeres que intentan encontrar su camino en el mundo.
Recepción
Thelma, Louise y Chantal fue un éxito de crítica y taquilla tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su guion y su dirección. La película también fue elogiada por su representación honesta y realista de mujeres de mediana edad.
Comentario
Thelma, Louise y Chantal es una película bien hecha y entretenida que sin duda cautivará a públicos de todas las edades. Es una película imprescindible para los amantes del cine francés y quienes se interesen por las historias de amistad femenina.
Detalles adicionales
- La película fue escrita y dirigida por Claude Pinoteau.
- La película está protagonizada por Catherine Jacob, Caroline Cellier y Jane Birkin.
- La película fue filmada en locaciones de Francia.
- La película fue nominada a dos premios César: Mejor Actriz (Catherine Jacob) y Mejor Actriz de Reparto (Caroline Cellier).
Historias de paz (2014)
Cuentos salvajes (2014) es una película argentina dirigida por Damián Szifron Coproducida por Agustín Almodóvar y Pedro Almodóvar, fue nominada a Mejor Película de Habla No Inglesa en la 87.ª edición de los Premios Óscar.
La película se compone de seis historias diferentes, cada una de las cuales explora el tema de la violencia y venganzaLas historias están interconectadas por un único hilo: un hombre que es atropellado por un coche y muere.
la primera historia, titulada "El Ejecutor", cuenta la historia de un hombre que es atropellado por un coche conducido por un chico de una familia adinerada. El padre del chico ofrece una gran suma de dinero al jardinero de la familia para que asuma la culpa del accidente. El jardinero acepta, pero comienza a sentirse atormentado por... fantasma del hombre que mató.
la segunda historia, titulada "La Venganza de la Novia", cuenta la historia de una mujer abandonada en el altar por su esposo. La mujer decide vengarse de su esposo haciendo que lo despidan y arruinando su reputación.
La tercera historia, titulada "El Robo", cuenta la historia de un hombre que es asaltado por un grupo de delincuentes. El hombre decide vengarse de los criminales matándolos uno por uno.
La cuarta historia, titulada "El Partido de Fútbol", cuenta la historia de un hombre que es atacado por un grupo de aficionados al fútbol. El hombre decide vengarse matándolos durante un partido.
La quinta historia, titulada "La Estafa", cuenta la historia de un hombre estafado por un grupo de delincuentes. El hombre decide vengarse violando a su hija.
La sexta historia, titulada "El Fantasma", cuenta la historia de un hombre asesinado por un grupo de criminales. Su fantasma comienza a atormentarlos, obligándolos a confesar su crimen.
Recepción
Relatos Salvajes fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por su guion, dirección y actuaciones. Fue nominada a Mejor Película de Habla No Inglesa en la 87.ª edición de los Premios Óscar.
Reseña
Relatos Salvajes es una película satírica e irónica que explora el tema de la violencia de forma original y provocadora. Muestra cómo la violencia puede tener consecuencias trágicas e irreversibles, pero lo hace de forma divertida y cautivadora.
Curiosidades
- La película se rodó en Argentina en sólo 22 días.
- El director Damián Szifrón ha dicho que la película se inspiró en un historia verdadera.
- La película tuvo una nueva versión estadounidense en 2019, titulada "6 Underground".
El ciudadano ilustre (2016)
El ciudadano ilustre (2016) es una película argentino-española dirigida por Gastón Duprat y Mariano CohnEstá protagonizada por Oscar Martínez como Daniel Mantovani, un novelista ganador del Premio Nobel que regresa a su ciudad natal en Argentina después de décadas de vivir en el extranjero.
Parcela
La película narra la historia de Daniel Mantovani, novelista ganador del Premio Nobel que reside en Europa durante décadas. Mantovani regresa a su ciudad natal, Salas, en Argentina, para recibir un premio.
Mantovani es un hombre complejo y contradictorio. Es un gran escritor, pero también arrogante y egocéntrico. Además, está desconectado de su ciudad natal y su gente.
La película retrata la difícil relación entre Mantovani y su ciudad natal. Mantovani es constantemente cuestionado y criticado por quienes lo conocen. Se ve obligado a confrontar sus propios prejuicios y suposiciones.
Recepción
El Ciudadano Distinguido fue un éxito de crítica y taquilla. La película recibió elogios por sus actuaciones, dirección y guion. Fue nominada al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa y al Premio BAFTA a la Mejor Película de Habla No Inglesa.
Reseña
El Ciudadano Ilustre es una película bien hecha que invita a la reflexión. Es un retrato complejo y matizado de un hombre que intenta encontrar su lugar en el mundo.
La película es elogiada por sus actuaciones, especialmente la de Oscar Martínez, quien interpreta a Mantovani con gran maestría. Martínez logra que el personaje de Mantovani sea a la vez encantador y repulsivo, inteligente y arrogante.
La dirección de Gastón Duprat y Mariano Cohn es impecable. La película está filmada con gran cuidado y atención al detalle. El guion, escrito por Andrés Duprat, es inteligente y perspicaz.
Curiosidades
- La película se rodó en Argentina en sólo 22 días.
- El director Gastón Duprat ha dicho que la película está inspirada en una historia real.
El día más hermoso (2017)
Parcela
Andi es una pianista ingresada en una clínica de fibrosis pulmonar, a la espera de un donante para un trasplante que podría no llegar a tiempo. Benno es un ladrón hospitalizado en la misma clínica por un tumor cerebral, y el diagnóstico le deja poco tiempo de vida. Benno logra convencer a la tímida Andi para que siga su disparatada idea: escapar de la clínica donde están ingresados y encontrar dinero para viajar a África y vivir el mejor día de sus vidas.
Reseña
Un en El camino A bordo de una caravana que recorre el sur de África, de Mombasa a Ciudad del Cabo. Un viaje que se convierte en una metáfora del sentido de la vida. «El día más hermoso» elige el tono de la comedia para abordar un tema dramático como el de la muerte y la enfermedad terminal, encontrando un equilibrio en la interpretación de los dos protagonistas que nunca cae en el patetismo.
El Astronoto (2018)
Parcela
El Astronot sigue el viaje de Daniel McKovsky, un errante Un alma perdida que ha pasado los últimos 30 años de su vida solo, contemplando las estrellas a través de su fiel telescopio de latón. Los recuerdos de la desaparición de su padre durante la Segunda Guerra Mundial atormentan la mente de Daniel mientras continúa buscando un propósito en la vida. Criado sin su madre y abandonado a su suerte en los bosques del centro de Oregón, Daniel sueña con ser astronauta y explorar las vastas extensiones del espacio. Sin embargo, la ironía de su situación no se le escapa, ya que permanece atrapado en su mundo aislado.
Reseña
El Astronot es una comedia romántica con estética vintage que se desarrolla en una remota zona rural de Estados Unidos. A pesar de su tono desenfadado, la película explora los desafíos que la vida puede traer y el impacto que estos tienen en la trayectoria de Daniel. Sus trágicas experiencias generan una profunda empatía en el público, que presencia a un personaje divertido y entrañable que lucha por encontrar su lugar en el mundo. Con su mezcla de humor y drama, El Astronot es una película única y cautivadora que animará al público a apoyar el éxito de Daniel.
Vida lenta (2021)
Parcela
Lino Stella (Alessandro Macaluso) es un empleado insatisfecho de la biblioteca municipal que sueña con una vida más relajada y creativa. Tras una serie de sucesos estresantes, Lino decide tomarse un descanso de su trabajo y dedicarse a su pasión por el dibujo de cómics. Sin embargo, sus planes de un retiro tranquilo se ven interrumpidos por una serie de molestas interrupciones de sus vecinos, el administrador del edificio, el cartero, un guardia de seguridad, un agente inmobiliario y la señora de los gatos de la planta baja.
Temáticas
Slow Life explora temas como el escapismo, la búsqueda de la felicidad y los desafíos de encontrar el equilibrio en un mundo acelerado. La película describe con humor la lucha de Lino por mantener su recién descubierta tranquilidad en medio del caos de la vida cotidiana.
Detalles adicionales
- La película fue dirigida por Fabio Del Greco.
- La película está protagonizada por Fabio Del Greco, Rimi Beqiri, Chiara Pavoni, Mariagrazia Casagrande y Roberto Pensa.
- La película fue filmada en Ostia, Italia.
Una comedia negra y surrealista del director Fabio del Greco, que adquiere tintes de thriller y terror al final. El tema es lo que los ciudadanos viven a diario en su propia piel: la persecución del Estado, los impuestos, las normas de condominio, la burocracia que nos aplasta como individuos.
Una película independiente, anárquica y ambiciosa, que nos lleva a reflexionar sobre cómo el ser humano se reduce a un engranaje. Un engranaje al que no le interesan ni su felicidad ni su dignidad. ¡Sin duda!
El Palacio (2023)
El Palacio Es una película de comedia negra de 2023 dirigida por Roman Polanski, quien coescribió el guion con Jerzy Skolimowski y Ewa Piaskowska. La película se ambienta en la Nochevieja de 1999 en un lujoso hotel suizo, donde se entrelazan las vidas de los trabajadores del hotel y de varios huéspedes.
La sátira de la clase alta
La película es una sátira de la clase alta, retratada como un mundo de lujo, frivolidad e hipocresía. Los huéspedes del hotel son retratados como personas superficiales y egoístas, más interesadas en su propio bienestar que en el de los demás. Su existencia es de excesos y ostentación, lo que contrasta con la violencia y brutalidad del grupo de hombres armados.
La relación entre la protagonista y su hija.
La película también explora la relación entre la protagonista, una mujer anónima que trabaja como camarera de hotel, y su hija, una de las huéspedes. La relación entre ambas es difícil y conflictiva, pero la situación de los rehenes las obligará a acercarse.
El final sorpresa
La película termina con un final sorprendente que invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza humana. La película sugiere que incluso las personas más frágiles y vulnerables pueden ser capaces de actos de valentía y resiliencia.
Aquí hay algunos detalles adicionales que he agregado a la descripción:
- El contexto histórico: La película se ambienta en la Nochevieja de 1999, una época de gran esperanza y anticipación por el futuro. Sin embargo, la llegada del grupo de hombres armados simboliza la violencia y la incertidumbre que caracterizan el mundo real.
- Los temas: La película explora temas como el absurdo de la clase alta, la naturaleza humana, el fin del milenio y la violencia.
- La dirección: Roman Polanski dirige la película con maestría, creando una atmósfera de suspenso y tensión. Las escenas con rehenes están particularmente bien logradas y logran transmitir una sensación de claustrofobia y peligro.
- Las actuaciones: El reparto de la película es sólido, con una excelente actuación de Oliver Masucci como el líder del grupo de hombres armados.
Conclusión
El Palacio es una película compleja y significativa. Es una película que puede interpretarse de diversas maneras y que puede dejar huella en el espectador.
El libro de las soluciones es una película de comedia dramática francesa de 2022 escrita y dirigida por miguel gondryProtagonizada por Pierre Niney, Blanche Gardin y André Dussollier, la película narra la historia de Marc, un joven cineasta independiente frustrado con su carrera. Tras una discusión con su productor, Marc decide huir al campo con el material de su última película para terminarla por su cuenta.
Parcela
Marc es un cineasta independiente que siempre ha tenido dificultades para hacerse un nombre en el mundo del cine. Sus películas suelen ser aclamadas por la crítica, pero no consiguen encontrar público. Marc se siente frustrado con su trabajo y con la industria cinematográfica.
Un día, Marc tiene una idea: decide huir al campo con el metraje de su última película para terminar el trabajo de forma independiente. Marc espera que, al estar libre de las presiones de... el productor, finalmente podrá hacer la película que siempre ha soñado.
En el campo, Marc conoce a una joven llamada Alice. Alice es música y tiene un pequeño estudio de grabación. Marc y Alice se enamoran y empiezan a trabajar juntos en la película.
Con la ayuda de Alice, Marc empieza a ver su película desde una nueva perspectiva. Empieza a comprender que no es solo un producto comercial, sino también una expresión de su creatividad.
Recepción de la crítica
El Libro de las Soluciones fue un éxito de crítica y taquilla. La película fue elogiada por su historia original, sus actuaciones y la dirección de Gondry.
Trivia
- La película se rodó en Francia, concretamente en la región de Luberon.
- El título original de la película es El libro de soluciones.
- La película fue producida por Luc Besson.
Pensamientos adicionales
El Libro de las Soluciones es una película personal para Gondry, quien ha hablado de sus propias dificultades como cineasta independiente. La película también refleja el singular estilo visual de Gondry, que se manifiesta plenamente en sus imágenes caprichosas y fantásticas.
El mensaje de libertad creativa de la película resuena especialmente en el mundo actual, donde los artistas a menudo se enfrentan a las presiones del comercialismo y el conformismo. El Libro de las Soluciones es un recordatorio de que el arte alcanza su máximo poder cuando se crea desde la autenticidad y la pasión.
