Películas de drama son el género con mayor número de producciones realizadas así como en donde encontramos el mayor número de que hay que ver películas. Drama proviene de la palabra griega drama, que significa acción o historia. El género dramático, como la tragedia y comedia, también se originó en la cuna de la civilización, la antigua Grecia.
Su significado antiguo no estaba ligado a una historia dramática y trágica: por drama entendíamos cualquier texto para una representación teatral tanto de un hecho dramático como de uno trágico. género de comediaEl término drama tenía una conexión directa con dramatización y dramaturgia. Términos que significaban la escritura y representación escénica de un texto.
Los dramaturgos más antiguos que se conocen son Esquilo, Sófocles y Eurípides, Aristófanes y MenandroEl drama histórico de Esquilo, Los Persas, es el más antiguo que se conoce. Hoy en día, por drama, en cambio, sobre todo en el cine, nos referimos a una película con un conflicto dramático, sin ironía, donde la historia no tiene un tono ligero. Pero los matices y las excepciones son, obviamente, infinitos.
El género dramático en el cine
Las películas dramáticas son las que más se acercan a la experiencia de la vida y con las que es más fácil identificarse. De hecho, los dramas tratan historias de vida en las que el conflicto es algo más realista que... tipo de horror, películas de suspensoo películas de ciencia ficciónEn el drama, no hay monstruos asesinos ni naves espaciales que viajen a otros planetas. El cine dramático, al igual que la comedia, suele inspirarse en sucesos de las noticias, las costumbres o la vida real.
Puede ser un biopic O autobiográfica, en la que el escritor o director narra un fragmento de su propia vida o de la de personajes famosos en forma de ficción. Puede ser la historia dramática y trágica de un personaje que no encuentra redención.
Una película dramática puede tratar hechos excepcionales o sobre el mundo interior y onírico, pero una de sus peculiaridades es que la historia, aunque sea excepcional, es realista. El drama rara vez se percibe como cine de evasión. Incluso las comedias, aunque se basan en la realidad, suelen verse como entretenimiento.
El drama, por otro lado, enfrenta los conflictos directamente sin mitigarlos. Por el contrario, suele ser una peculiaridad de las mejores películas dramáticas adentrarse en el conflicto, profundizar en la naturaleza trágica y aparentemente irresoluble de los acontecimientos. El cine dramático es también el que ofrece una mayor variedad de experiencias humanas. Se pueden identificar numerosos subgéneros en el género dramático.
Obviamente, el drama, más que otros géneros, tiene un valor catártico: el valor catártico de la identificación con una historia. Observamos una historia para vivir otras vidas, para ir más allá de nuestro ego y para experimentar conflictos y miedos que aparentemente no nos conciernen en la realidad. Cuando experimentamos un drama a través de su narración, experimentamos nuestro drama. Por eso nos emocionamos tanto y nos involucramos tanto.
Al observar a un personaje de una película que experimenta su drama, observamos una parte de nosotros mismos, quizá nunca experimentada, pero que existe en algún lugar. El éxito de una película, y más generalmente de una historia, reside precisamente en esto. proceso de identificaciónCuando decimos que una película nos ha “enganchado”, estamos diciendo que el proceso de identificación ha tenido éxito.
Hemos vivido el drama en carne propia, hemos vivido el conflicto junto al protagonista. Nos convertimos en el protagonista de la película. La mente funciona así y no distingue mucho entre lo real y lo que vemos en la pantalla.
La lista de películas dramáticas que no se perderá
Aquí hay una lista de las mejores películas dramáticas del mundo. historia del cine:que seguramente verás al menos un giro en tu vida.
Avaricia (1924)
Codicia (1924) es una película muda de drama psicológico escrita y dirigida por Erich von Stroheim, basada en la novela McTeague de Frank Norris de 1899. Está protagonizada por Gibson Gowland, ZaSu Pitts y Alice Day.
La película cuenta la historia de McTeague, un dentista que gana una gran suma de dinero en la lotería. Su esposa, Trina, se obsesiona con el dinero y comienza a manipular y controlar a su esposo. La vida de McTeague se descontrola a medida que se vuelve cada vez más aislado y paranoico.
Greed fue un fracaso de crítica y taquilla tras su estreno. La película tenía una duración inicial de más de cuatro horas, pero el estudio la redujo a dos. La versión más corta se consideró demasiado larga y lenta, y no logró atraer al público.
En los últimos años, Greed ha sido redescubierta y elogiada por sus innovadoras técnicas cinematográficas y su exploración de la avaricia humana. Actualmente, se considera una de las mejores películas mudas de la historia.
El gran desfile (1925)
El gran desfile (1925) Es una película muda de drama bélico dirigida por King Vidor y protagonizada por John Gilbert, Renée Adorée y Hobart Bosworth. La película narra la historia de James Apperson, un joven estadounidense que se alista en el ejército para luchar en la Primera Guerra Mundial. Pronto es enviado al frente, donde experimenta en primera persona los horrores de la guerra.
El Gran Desfile fue un éxito crítico y comercial, y se considera uno de los más grandes películas de guerra La película fue elogiada por su realismo y su representación del coste humano de la guerra. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 25 millones de dólares.
El Gran Desfile fue nominada a cinco Premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Ganó dos premios: Mejor Fotografía y Mejor Montaje.
La película fue pionera en su uso del realismo. Vidor utilizó imágenes y lugares reales de la guerra, y también primeros planos para mostrar el impacto emocional de la guerra en sus personajes. La película también destacó por el uso de una cámara grúa, que le permitió a Vidor filmar tomas panorámicas del campo de batalla.
Una página de locura (1926)
Una página de locura (1926) es un japonés cine mudo Dirigida por Teinosuke Kinugasa. La película se considera una obra maestra del cine japonés y ha sido elogiada por sus innovadoras técnicas cinematográficas, su exploración de complejos temas psicológicos y su cautivadora belleza cinematográfica.
En un pais asiloBajo una lluvia torrencial, el cuidador se encuentra con pacientes con enfermedades mentales. Al día siguiente, llega una joven que se sorprende al encontrar a su padre trabajando como cuidador. La madre de la mujer se volvió loca por culpa de su marido, cuando era marinero. El marido decidió cambiar de trabajo para estar cerca de su esposa en el manicomio y cuidarla.
Una película onírica, antinarrativa y experimental que se convierte en un viaje a las pesadillas más profundas del protagonista. Las imágenes, sin embargo, parecen inspirarse en la simbología universal de un colectivo. inconsciente Eso nos afecta a todos. Una película dramática imperdible con incursiones constantes en el género del terror. Una obra maestra de vanguardia.
Ver Una página de locura
Amanecer: Una canción de dos humanos (1927)
Amanecer: Una canción de dos humanos (1927) es una película muda de drama romántico dirigida por Frente Marino Murnau Protagonizada por George O'Brien, Janet Gaynor y Margaret Livingston. La película narra la historia de un matrimonio en una aldea rural que se siente tentado por una mujer de la ciudad. Convencen al marido de matar a su esposa, pero finalmente cambia de opinión y regresa con ella.
Amanecer fue un éxito de crítica y taquilla, y se considera una de las mejores películas de Murnau. La película fue elogiada por su innovadora cinematografía, su uso del simbolismo y su exploración de las emociones humanas. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 3 millones de dólares.
Amanecer fue nominada a tres Premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Ganó el premio a la Mejor Producción Artística Única.
La película ahora se considera una de las mejores películas jamás realizadas. Está incluida en el... Cine británico La lista Sight & Sound del Instituto de las 50 mejores películas de todos los tiempos, y también está en la lista de los 100 años… 100 películas del AFI.
La multitud (1928)
La multitud (1928) Es una película muda de drama romántico dirigida por King Vidor y protagonizada por James Murray, Eleanor Boardman y Bert Roach. La película cuenta la historia de John Sims, un joven que se muda a Nueva York en busca de una vida mejor. Pronto se casa y forma una familia, pero le cuesta encontrar un buen trabajo y mantener a su familia.
Recepción de la crítica
La Multitud La crítica alabó su estreno. Se elogió su realismo y su representación de las luchas de la clase trabajadora. La película también fue un éxito de taquilla, recaudando más de un millón de dólares.
Legado
La Multitud Se considera una de las mejores películas mudas de la historia. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos, y también en la lista del AFI de las 100 películas de 100 años.
El hombre que ríe (1928)
el hombre que ríe Es una película dramática muda estadounidense de 1928 dirigida por Paul Leni y basada en la novela homónima de Victor Hugo de 1869. Está protagonizada por Conrad Veidt, Mary Philbin y Julius Molnar Jr.
La película narra la historia de Gwynplaine, un hombre cuyo rostro ha sido desfigurado quirúrgicamente, creando una sonrisa grotesca. Gwynplaine es criado por Ursus, un pregonero ambulante de feria, y se convierte en una estrella del carnaval. Gwynplaine se enamora de Dea, una mujer ciega que desconoce su deformidad.
La película fue un éxito comercial, pero no tuvo una buena acogida por parte de la crítica. Sus temas oscuros y perturbadores resultaron demasiado impactantes para el público de la época. Sin embargo, la película ha sido redescubierta en los últimos años y ahora se considera un clásico del cine mudo.
Recepción de la crítica
El Hombre que Ríe no tuvo una buena acogida por parte de la crítica en su estreno. La película fue criticada por sus temas oscuros y perturbadores, y su uso del maquillaje se consideró demasiado grotesco. Sin embargo, la película ha sido redescubierta en los últimos años y ahora se considera un clásico del cine mudo.
La Pasión de Juana de Arco (1928)
La Pasión de Juana de Arco (en francés: La Passion de Jeanne d'Arc) es una película muda francesa de 1928. pelicula historica Basada en el acta real del juicio de Juana de Arco. La película fue dirigida por Carl Theodor Dreyer y protagonizada por Renée Jeanne Falconetti como Juana. La película narra la historia de la transformación de Juana, de campesina a heroína nacional, y su posterior martirio a manos de los borgoñones y los ingleses.
La Pasión de Juana de Arco está considerada una de las mejores películas de la historia. Es elogiada por su realismo, sus actuaciones y su impactante cinematografía. La película también destaca por el uso de primeros planos, que Dreyer empleó para mostrar la intensidad emocional de las vivencias de Juana.
La película fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Ganó el Gran Premio en el Festival de Cannes en 1928 y fue nominada a dos premios Oscar.
La Pasión de Juana de Arco es una película impactante y conmovedora que explora la vida y la muerte de una mujer extraordinaria. Es una película que sigue vigente hoy en día y es imprescindible para cualquier aficionado al cine mudo.
El viento (1928)
El viento (1928) es una película muda de drama romántico dirigida por Victor Sjöström y protagonizada por Lillian Gish, Lars Hanson y Montagu Love. La película cuenta la historia de una bella sureña que se muda a las tierras salvajes del Oeste americano, donde es perseguida por... fantasma de un antiguo amante y las duras realidades del desierto.
El Viento fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su cinematografía y su exploración de temas como el aislamiento, la soledad y el poder de la naturaleza.
Recepción de la crítica
El Viento recibió elogios de la crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su cinematografía y su exploración de temas como el aislamiento, la soledad y el poder de la naturaleza.
Legado
El Viento se considera un clásico del cine mudo. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos, y también en la lista del AFI de las 100 películas de 100 años.
La marcha nupcial (1928)
La Marcha Nupcial (1928) es una película muda de drama romántico dirigida por Erich von Stroheim y protagonizada por Erich von Stroheim, Fay Wray y ZaSu Pitts. La película narra la historia de un oficial del ejército mujeriego que se casa con una joven, pero continúa teniendo romances con otras mujeres. La película fue un éxito de taquilla y crítica tras su estreno y ahora se considera un clásico del cine mudo.
Recepción de la crítica
La Marcha Nupcial fue un éxito comercial y de crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su cinematografía y su exploración de temas como el adulterio, la traición y el matrimonio.
Legado
La Marcha Nupcial se considera un clásico del cine mudo. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos.
El Atalante (1934)
El Atalante (1934) Es una película dramática francesa dirigida por Jean Vigo. Se considera un clásico del cine francés y ha ganado numerosos premios, incluido el Premio Louis Delluc en 1934.
Jean, capitán de la barcaza L'Atalante, se casa con Juliette, y la pareja decide vivir a bordo del Atalante junto con la tripulación de Jean, el excéntrico padre Jules y el camarero. Viajan a París para entregar su cargamento, disfrutando de una luna de miel improvisada durante el viaje.
Obra maestra dramática de la Director francés Jean Vigo, película icónica de los años 30, es un viaje a través de los tormentos existenciales causados por los celos y la posesividad. Los dos jóvenes acaban de casarse, pero estos sentimientos contradictorios no tardan en manifestarse. Libertad ¿Y el ocio en el entretenimiento de la gran ciudad o la rutina de un largo viaje a bordo de un barco que parece no terminar nunca?
Una película dramática imperdible, una obra maestra del cine que, pensando en otros autores como Jean Epstein, podría definirse como impresionista. Pero esto es solo parcialmente cierto: se trata del estilo único e inclasificable de Jean Vigo.
Elegía de Osaka (1936)
Elegía de Osaka (1936) Es una película dramática japonesa dirigida por Kenji Mizoguchi. Se considera una obra maestra del cine japonés y ha sido elogiada por su representación realista de la vida en Osaka en la década de 1930, su exploración de los temas de la pobreza, la opresión y la lucha por la supervivencia, y la magistral actuación de Isuzu Yamada.
Ayako Murai es operadora telefónica de la compañía farmacéutica Asai, en la ciudad de Osaka en 1930. Para pagar las deudas de su padre, desempleado y amenazado de arresto por no devolver un préstamo, acepta convertirse en la amante de su empleador.
En una sociedad dominada por la carrera por el dinero y el poder, las mujeres no pueden hacer más que someterse a estos mecanismos machistas. Mizoguchi vuelve una vez más al tema de los derechos de las mujeres, esta vez describiendo la ciudad de Osaka de forma ejemplar. Las luces de neón de la modernidad son la metáfora de valores tradicionales que ya no existen. Las películas dramáticas se aprecian por su sensibilidad hacia el mundo femenino.
Ver Osaka Elegy
Ciudadano Kane (1941)
Ciudadano Kane es una película dramática de 1941 dirigida, producida, coescrita y protagonizada por Orson Welles, quien tenía solo 25 años en ese momento. La película es considerada una de las obras maestras en la historia del cine y a menudo se cita como la mejor película de todos los tiempos.
La trama de la película sigue la vida de Charles Foster Kane, un magnate de los medios que es encontrado muerto en su enorme propiedad, Xanadu, a la edad de 70 años. La película comienza con su muerte y luego retrocede en el tiempo, narrando su vida a través de una serie de flashbacks, entrevistas y recuerdos de quienes lo conocieron.
La película es conocida por su innovador uso de técnicas cinematográficas como la edición, la profundidad de campo y la iluminación, que se han convertido en un estándar en el cine moderno. En particular, es famosa por su introducción, que utiliza una secuencia de montaje para mostrar la muerte de Kane y su último aliento.
La película recibió nueve nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Orson Welles, pero solo ganó el premio al Mejor Guion Original. A pesar de ello, fue aclamada por la crítica y el público, e influyó en muchos directores y guionistas posteriores.
La película también ha sido objeto de un intenso escrutinio académico y cultural, y muchos académicos la consideran un reflejo de la soledad y la ambición estadounidenses. Además, se la ha asociado con el magnate de los medios William Randolph Hearst, quien supuestamente inspiró el personaje de Charles Foster Kane.
Obsesión (1943)
Obsesión es una película de 1943 dirigida por Luchino Visconti, considerada una de las obras maestras del cine italiano y una de las precursoras del Neorrealismo.
La película está basada en la novela “El Cartero Siempre Llama Dos Veces” de James M. Cain, pero la trama se ha modificado significativamente para adaptarse a la realidad italiana de la época. La historia gira en torno a la relación entre Gino, un vagabundo que llega a una posada en el campo, y Giovanna, la esposa del dueño de la posada. La pasión entre ambos es intensa pero también desesperada, y los llevará a cometer actos desesperados y trágicos.
La película fue controvertida en su momento debido a sus temas sexuales explícitos y su representación de una Italia rural pobre y desesperada. Además, fue la primera película censurada por el régimen fascista por razones morales, antes de su distribución. Sin embargo, fue aclamada por la crítica y contribuyó a transformar el panorama del cine italiano, allanando el camino para... Neorrealismo.
Obsesión es conocida por su impresionante y realista cinematografía, su evocadora banda sonora y su puesta en escena. La película influyó en muchos cineastas posteriores, como Federico Fellini y Michelangelo Antonioni, e influyó en el cine neorrealista italiano y en el cine francés. Nouvelle Vague movimiento.
Roma, ciudad abierta (1945)
Se trata de un Pelicula italiana de 1945 dirigida por el director Roberto Rossellini. Está considerada una de las películas más importantes de la historia del cine italiano y una de las obras maestras del cine neorrealista.
La trama de la película sigue la historia de un grupo de personas que viven en la Roma ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Entre estos personajes se encuentran un sacerdote, una mujer embarazada, un partisano y un comisario de policía que colabora con los alemanes. La película sigue sus vidas mientras intentan resistir la ocupación nazi y sus atrocidades.
La película se rodó principalmente en las calles de Roma, con actores no profesionales y creando un fuerte sentido del realismo. Además, «Roma, ciudad abierta» fue una de las primeras películas en abordar directa y crudamente las atrocidades cometidas por los nazis durante la ocupación.
La película recibió numerosos premios y reconocimientos internacionales, contribuyendo al lanzamiento del neorrealismo italiano. «Roma, ciudad abierta» está considerada una de las películas más importantes de la historia del cine italiano y ha influido en muchos directores posteriores.
El extraño (1946)
El extraño (1946) Es una película dramática dirigida, protagonizada y coescrita por Orson Welles. Está basada en la novela homónima de Albert Camus, publicada en 1942.
En el pequeño pueblo de Harper vive Charles Rankin, quien está a punto de casarse con la hija de un importante juez. Pero Charles Rankin es en realidad Frank Kindle, un criminal del Tercer Reich que ha creado una nueva identidad. Sin embargo, el inspector Wilson le sigue la pista.
El cine de drama y suspense es un género cinematográfico realizado por el genial Director estadounidense Orson Welles en una de sus atormentadas colaboraciones con Hollywood Para ganar dinero a casa. Los temas son bastante comunes y se ajustan a la línea editorial de Hollywood: el peligro del espía nazi, la familia y la tranquila provincia estadounidense en peligro, la pequeña iglesia del pueblo que sirve como símbolo de la justicia divina.
En la película, sin embargo, Orson Welles interpreta al protagonista, el hombre del Tercer Reich que se ha reinventado como figura de la buena sociedad estadounidense, lo cual basta para recomendar su visión. Incluso la dirección de Welles, a pesar de sus imperfecciones, está muy por encima del nivel promedio de este tipo de narrativa antinazi producida en Hollywood.
Mira El extraño
Sciusciá (1946)
Sciuscià es una película dramática italiana de 1946, dirigida por Vittorio De SicaLa película cuenta la historia de dos jóvenes niños de la calle de Roma, Giuseppe y Pasquale, que se ganan la vida como limpiabotas pero se ven envueltos en una red criminal.
La película se considera una de las obras maestras del neorrealismo italiano, un movimiento cinematográfico que pretendía representar la realidad social y política de la Italia de posguerra. Sciuscià se rodó con un presupuesto limitado y con actores no profesionales, entre ellos los dos jóvenes protagonistas Franco Interlenghi y Rinaldo Smordoni.
La película alcanzó un gran éxito internacional y ganó el Gran Premio del Festival de Cine de Cannes de 1946. Sciuscià también recibió una nominación al Oscar a la Mejor Película Extranjera.
La película explora temas universales como la amistad, la pobreza, la delincuencia, la desigualdad social y la infancia. La historia de los dos limpiabotas es una metáfora de la condición del pueblo italiano, sometido a la crudeza de la guerra y la pobreza.
Sciuscià es una película conmovedora, capaz de representar con delicadeza y realismo las dificultades y contradicciones de la vida cotidiana en aquel período histórico. Su final ha sido definido como uno de los más dramáticos e intensos de la historia del cine, dejando al espectador impresionado y conmovido.
Ladrones de bicicletas (1948)
Ladrones de bicicletas es una película dramática de 1948 dirigida por Vittorio De Sica, considerada una de las obras maestras del neorrealismo italiano.
La trama sigue la historia de Antonio Ricci (interpretado por Lamberto Maggiorani), un padre de familia desempleado que finalmente consigue trabajo como camorrista en Roma. Sin embargo, su trabajo requiere el uso de una bicicleta, que no posee. Su desesperación lo lleva a empeñar lo único de valor que tiene, su cama doble, para comprarse una bicicleta.
Desafortunadamente, le roban la bicicleta en su primer día de trabajo y, con la ayuda de su hijo Bruno (interpretado por Enzo Staiola), emprende una búsqueda desesperada para recuperarla. En el camino, ambos conocen a diversos personajes, incluyendo algunos que parecen haber robado la bicicleta de Antonio.
La película es conocida por su representación realista de la vida en la Italia de posguerra, donde la pobreza y el desempleo eran moneda corriente. La fotografía en blanco y negro y el uso de actores no profesionales (como Maggiorani y Staiola) refuerzan la sensación de autenticidad de la película.
La película ha sido aclamada por la crítica desde su estreno y ha ganado numerosos premios, incluido el Gran Premio del Festival de Cine de Cannes. Se ha convertido en un clásico del cine italiano y ha influido en numerosos directores de todo el mundo.
Señora Oyu (1951)
Señorita Oyu (1951) Es una película dramática japonesa en blanco y negro dirigida por Kenji Mizoguchi. Está basada en la novela corta de 1932 "El cortador de juncos" de Jun'ichiro Tanizaki.
La trama de la película sigue la historia de Oyu, una aristócrata viuda a quien se le prohíbe volver a casarse porque debe criar a su hijo como cabeza de familia. Se enamora de Shinnosuke, un joven que es presentado a su familia como posible esposo para su hermana menor.
Oyu y Shinnosuke se enamoran perdidamente, pero su relación se ve frustrada por las convenciones sociales. Oyu se ve obligada a casarse con la hermana de Shinnosuke, pero sigue viendo al hombre que ama en secreto.
La relación entre Oyu y Shinnosuke es apasionada y atormentada. Los dos amantes están destinados a sufrir, pero no pueden evitar amarse.
La primera película dramática de Mizoguchi Lo que haría famoso al director en Occidente. Es una de sus mejores películas. Una representación diversa de la cultura japonesa en todas sus formas. El tema es uno de los más queridos del director: la mujer prisionera en una jaula social de la que no puede liberarse. La mujer humillada, en su más íntimo ser, por tabúes y tradiciones retrógradas.
Mira a la Sra. Oyu
Principios de verano (1951)
Principios del verano (麦秋, Bakushū, lit. “Tiempo de cosecha de cebada”) Es una película dramática japonesa de 1951 dirigida por Yasujirō Ozu. Se considera una de las obras maestras de Ozu y ha sido elogiada por su sutil exploración de la dinámica familiar, los cambios sociales de la posguerra y las complejidades de las relaciones humanas.
Parcela
Ambientada en el Tokio de la posguerra, la película sigue la vida de la familia Mamiya, en particular la de Noriko, la hija mayor, mientras lidia con las expectativas de su familia y la sociedad respecto al matrimonio. Con Noriko acercándose a los veintitantos, sus padres, hermanos y familiares se preocupan cada vez más por su soltería, sugiriéndole constantemente posibles pretendientes.
Noriko, sin embargo, resiste la presión y se mantiene selectiva, buscando una pareja que comparta sus valores y aspiraciones. Su indecisión e independencia chocan con las expectativas tradicionales de su familia y la sociedad, lo que genera momentos de tensión y reflexión.
Una película dramática imprescindible, una obra maestra de Yasujirō Ozu, que forma parte de la trilogía de Noriko, la protagonista. En esta historia cinematográfica, Ozu retoma el tema fundamental de su fotografía: la unidad familiar que se desmorona mientras los grandes cambios sociales construyen nuevos valores y un nuevo futuro.
Mira Early Summer
Humberto D. (1952)
Umberto D. es una película dramática italiana de 1952, dirigida por Vittorio De Sica, protagonizada por Carlo Battisti como Umberto Domenico Ferrari, un pensionista que intenta sobrevivir en la Roma de la posguerra.
La película narra la conmovedora historia de un anciano que intenta sobrellevar las dificultades de la vida cotidiana: el alquiler, una pensión insuficiente y el aislamiento social. Umberto D. vive con su fiel perro, Flike, y se esfuerza por conservar su apartamento a pesar de las constantes llamadas de su dueño.
A pesar de sus esfuerzos, Umberto D. no encuentra un trabajo que le permita mantener su nivel de vida. Intenta vender sus objetos de valor, pero se ve obligado a abandonar la idea debido a los precios demasiado bajos que le ofrecen.
La situación de Umberto D. empeora cuando es hospitalizado por una enfermedad y, a su regreso, descubre que el dueño ha decidido desalojarlo. Umberto D. busca la ayuda de sus amigos, incluida la joven institutriz María, pero se da cuenta de que nadie puede ayudarlo.
La película termina con Umberto D. quien, después de intentar en vano encontrar una solución a sus problemas, decide abandonar su apartamento e irse con su perro Flike.
Umberto D. es considerada una de las obras maestras del neorrealismo italiano, un movimiento cinematográfico que se desarrolló tras la Segunda Guerra Mundial y se caracterizó por la representación realista de la vida cotidiana y las dificultades económicas y sociales de la Italia de posguerra. La película fue apreciada por su delicadeza y profunda humanidad, lo que convirtió a Umberto D. en un icono del cine italiano y mundial.
Historia de Tokio (1953)
Historia de Tokio (1953) Es una película dramática japonesa dirigida por Yasujirō Ozu. Se considera una de sus obras maestras y ha sido elogiada por su sutil exploración de la dinámica familiar, el envejecimiento y la muerte.
Shukichi y Tomi, ya cerca de los setenta, viajan a Tokio para visitar a sus hijos antes de que sea demasiado tarde. Sin embargo, al llegar a la ciudad, el recibimiento no es el esperado: el hijo mayor, Koichi, y su hermana, Shige, tienen demasiados compromisos laborales y parecen vivir la visita de sus ancianos padres más como una molestia que como una alegría.
La película más famosa de Cadáver Es una de las mayores obras maestras de la historia del cine. Para toda una generación de directores y críticos de cine, la película más importante jamás realizada. De hecho, la sensibilidad con la que el maestro del cine japonés Ozu filmó un tema clave de la vida humana es increíble. Padres que envejecen y son relegados a un segundo plano por la prisa de la vida moderna, que ya no deja espacio para una comunicación auténtica.
El viaje de dos padres ancianos a la gran ciudad. Su serenidad y aparente ingenuidad, típicamente orientales, les permiten ignorar la indiferencia que perciben de sus hijos. Películas imprescindibles, para ver una y otra vez.
Ver Tokyo Story
Ugetsu (1953)
Ugetsu (1953) Es una película dramática japonesa dirigida por Kenji Mizoguchi. Se considera una de sus obras maestras y ha sido elogiada por su sutil exploración de los temas del amor, la pérdida y la naturaleza ilusoria de la realidad.
Japón, finales del siglo XVI: el alfarero Genjurō y su hermano Tobei viven con sus esposas Miyagi y Ohama en un pueblo de la región de Omi; Genjurō, convencido de que puede ganar mucho dinero vendiendo sus productos en la ciudad cercana, viaja al condado de Omizo junto con Tobei, quien se une a él con el único propósito de poder convertirse en samurái.
Otra obra maestra dramática, otra joya de la cinematografía japonesa. La historia del samurái Genjurō, cegado por la ambición y presa fácil de demonios y hechizos de amor, es una de las más memorables de la historia del cine. La dirección alcanza niveles excepcionales. Es una película dramática, onírica y... película surrealista sobre la vulnerabilidad del hombre a sus pasiones “más bajas”.
Y también un película de misterio, más que una película de misterio. Es decir, una película que revela con el lenguaje del cine. conocimiento esotérico Muy antiguo. Un libro entero no sería suficiente para exponer su contenido.
Mira a Ugetsu
La puerta del infierno (1953)
La puerta del infierno (1953) Es una película dramática japonesa dirigida por Teinosuke Kinugasa. Se considera una de las obras maestras del cine japonés y fue galardonada con el Gran Premio del Festival de Cine de Cannes de 1954 y el Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa.
El señor Kiyomori abandona su castillo para ir a luchar. Durante su ausencia, algunos señores locales intentan un golpe de Estado para tomar el control de su castillo. El samurái Endō Morito escolta a la dama de compañía Kesa cuando sale del palacio disfrazada de hermana del daimyō, lo que da tiempo a su padre y a su hermana real para escapar sin ser vistos.
Película de imágenes, decorados y vestuario impresionantes. Ganadora de un Óscar y del Gran Premio del Jurado en Cannes. El tema de esta dramática película es el conflicto de un hombre poseído por un amor enfermizo y violento que le hace perder la razón.
Un tema típico de algunos obras maestras japonesasComo la película Ugetsu de Kenji Mizoguchi. Las pasiones son fantasmas, demonios, que pueden transportarnos a un mundo de ilusiones y autodestrucción. Lee el artículo completo en Gate of Hell.
Ver La Puerta del Infierno
El hombre del brazo de oro (1955)
Es una película de drama y película negra Película de 1955 dirigida por Otto Preminger y protagonizada por Frank Sinatra, Kim Novak y Eleanor Parker. Está basada en la novela homónima de Nelson Algren.
La trama sigue las vicisitudes de Frankie Machine (Frank Sinatra), un exconvicto que intenta recomponerse tras salir de prisión. Frankie es un excelente músico y toca la batería, pero también tiene una adicción a la heroína que lo vuelve inestable. Su vida se complica aún más cuando intenta reconciliarse con su exesposa Zosh (Eleanor Parker), quien también es drogadicta.
Frankie intenta dejar su adicción a la heroína y comenzar una nueva vida como músico, pero se ve obligado a lidiar con las presiones de su entorno, incluido su viejo amigo Sparrow (Arnold Stang) y su empleador, el gángster Schwiefka (Robert Strauss).
La película aborda temas muy crudos y realistas, como la drogadicción, la violencia doméstica y la corrupción en el crimen organizado. Fue una de las primeras películas de Hollywood en abordar estos temas directamente y sin censura.
Fruta loca (1958)
Fruta loca (狂った果実, Kurutta Kajitsu) Es una película japonesa en blanco y negro de 1958 dirigida por Nobuo Nakagawa, basada en la novela homónima de Shintaro Ishihara. La película se considera un clásico de culto y es conocida por su estilo experimental y su representación de la generación de la tribu Sun, un grupo de jóvenes japoneses desilusionados con la sociedad tras la Segunda Guerra Mundial.
Parcela
La película sigue la historia de Ichiro, un joven que lidera un grupo de jóvenes desilusionados y sin rumbo. Ichiro y sus amigos pasan el día bebiendo, de fiesta y teniendo sexo casual. Son indiferentes al mundo que los rodea y carecen de metas y aspiraciones.
La vida de Ichiro da un giro inesperado al conocer a Keiko, una joven diferente a las demás que ha conocido. Keiko es inteligente e independiente, y desafía la visión del mundo de Ichiro. Ichiro se enamora de Keiko, pero su relación está condenada al fracaso desde el principio.
Reseña
El declive de la joven generación de la burguesía japonesa adinerada. La dulce vida de una de las tribus del sol, una juventud oriental alternativa que disfrutaba del estilo de vida occidental en un contexto completamente diferente. Este drama japonés está filmado de forma sublime, con una impresionante fotografía en blanco y negro de contraste. Aquí también el drama se funde con la tragedia.
Mira Crazed Fruit
Los 400 golpes (1959)
Es una película dramática francesa de 1959 dirigida por François Truffaut, que narra la historia de Antoine Doinel, un joven parisino que creció en una familia disfuncional y en un entorno escolar difícil. La película se considera una obra maestra del cine francés y una piedra angular del... Nouvelle Vague, un movimiento cinematográfico francés de los años 1950 y 60.
La película fue el primer largometraje de Truffaut y representó un punto de inflexión para el cine francés e internacional, al introducir una nueva estética y un nuevo enfoque narrativo. El título de la película hace referencia a una expresión francesa que significa "causar escándalo".
La película narra la historia de Antoine Doinel, interpretado por Jean-Pierre Léaud, un chico de 14 años que vive en un París gris y frío con su madre, que lo descuida, y su padrastro, que lo maltrata. Antoine es un chico rebelde y desilusionado que intenta escapar de las dificultades de su vida mediante pequeños actos de delincuencia.
La película destaca la alienación y el aislamiento que Antoine experimenta en la sociedad, tanto en su familia como en la escuela. Truffaut utiliza una técnica de rodaje a menudo descrita como "cinema verité", que le da a la película un... un documental sentir, mientras que la banda sonora de Jean Constantin le da a la película un toque emocional.
La película fue aclamada por la crítica internacional y ganó el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Cannes de 1959, lo que contribuyó a su popularidad e influencia en el cine francés e internacional. La película también marcó el inicio de una larga colaboración entre Truffaut y Léaud, quien se convertiría en uno de los actores más importantes de la Nouvelle Vague.
La dulce vida (1960)
La Dolce Vita es una película de 1960. Película italiana dirigido por Federico Fellini Protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée, se considera una de las obras maestras del cine italiano y una de las más importantes de la cinematografía mundial.
La trama de la película sigue la vida de Marcello Rubini (interpretado por Mastroianni), un periodista romano que intenta encontrar la felicidad y la plenitud en la vida, pero en cambio se ve inmerso en una serie de experiencias vacías y superficiales. A lo largo de la historia, Marcello recorre diferentes etapas de la vida nocturna romana, desde fiestas lujosas hasta discotecas, conociendo a personajes excéntricos y desilusionados.
Uno de los elementos más memorables de la película es la escena en la que Marcello y la bella actriz sueca Sylvia (interpretada por Ekberg) se sumergen en la Fuente de Trevi de Roma, creando uno de los momentos más icónicos de la historia del cine.
La Dolce Vita es una película muy debatida y a menudo recibe interpretaciones diversas por parte de la crítica y el público. Algunos la interpretan como una crítica a la superficialidad y la decadencia de la sociedad italiana de los años 1960, mientras que otros la interpretan como un retrato del anhelo humano y la búsqueda de la felicidad.
Jules y Jim (1962)
“Jules y Jim” es una Película francesa Drama de 1962 dirigido por Francois TruffautLa película está basada en la novela homónima de Henri-Pierre Roché.
La trama de la película sigue la historia de Jules (interpretado por Oskar Werner) y Jim (interpretado por Henri Serre), dos amigos artistas que se enamoran de la misma mujer, Catherine (interpretada por Jeanne Moreau). Su amistad se pone a prueba cuando Catherine se casa con Jules, pero luego inicia una relación con Jim. La relación se vuelve cada vez más compleja e intensa, hasta desembocar en un trágico final.
La película es conocida por su innovadora narrativa no lineal y su representación de una relación a tres bandas. También fue aclamada por las actuaciones de los actores principales y la banda sonora de Georges Delerue.
«Jules et Jim» se ha convertido en un clásico del cine francés y una importante contribución al movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague. La película ha inspirado numerosas obras de arte, incluyendo la canción «Jules et Jim» de Carla Bruni.
8 ½ (1963)
8 1/2 es una película dramática italiana de 1963, dirigida por Federico FelliniLa película está considerada como una de las obras maestras del director y una de las películas más importantes de la historia del cine.
La película sigue la historia de Guido Anselmi, un director en crisis creativa que intenta rodar una nueva película. Guido se encuentra en una situación difícil, con la creciente presión de su productor, actores y financieros, pero no encuentra inspiración para su proyecto.
Mientras intenta resolver sus problemas, Guido recuerda diversos momentos de su vida, como su infancia, sus relaciones pasadas y su matrimonio. Sin embargo, la línea entre la realidad y la fantasía comienza a difuminarse hasta que Guido ya no puede distinguir entre lo real y lo falso.
La película fue aclamada por la crítica por su profundidad psicológica, su impactante estilo visual y su memorable banda sonora. Ganó varios premios, incluido el Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa en 1964.
8 1/2 es una película que explora la crisis creativa y la psicología de un director, ofreciendo una visión fascinante y conmovedora del mundo del cine.
El beso desnudo (1964)
El beso desnudo (1964) Es un melodrama neo-noir estadounidense escrito y dirigido por Samuel Fuller y protagonizado por Constance Towers, Anthony Eisley, Michael Dante y Virginia Grey. Fue la segunda película de Fuller para Allied Artists después de Shock Corridor (1963).
Parcela
Kelly, una exprostituta, mata a su proxeneta y abandona el pueblo tras robarle el dinero que le debía. Se muda a Grantville, un pequeño pueblo de California, y acepta un trabajo de enfermera en un hospital para niños con discapacidad.
Kelly está decidida a empezar una nueva vida y dejar atrás su pasado. Es amable y compasiva con los niños del hospital y rápidamente se gana su confianza.
Sin embargo, el pasado de Kelly la alcanza cuando un vecino la reconoce. Pronto es excluida por la comunidad y se ve obligada a enfrentarse a sus demonios.
Reseña
Película dramática sobre una mujer que intenta cambiar su vida y liberarse de su pasado. Sin embargo, los hombres con los que entra en contacto no parecen tener conciencia propia. Son, más bien, engranajes inconscientes de un... mecanismo social que decide cómo deben comportarse.
Son más bien personajes que buscan un chivo expiatorio para desahogar su frustración. Hombres que ya no conocen el perdón, la compasión ni la esperanza de un nuevo futuro, sino solo la represión.
Mira El beso desnudo
La vaca (1969)
La vaca (1969) (Persa: گاو, transliteración: Gāv) es una película dramática iraní de 1969 dirigida por Dariush Mehrjui, basada en los cuentos y novelas de Gholāmhoseyn Sa'edi. La película se considera una de las obras maestras de la nueva ola iraní y ha sido elogiada por su sutil exploración de los temas de la pobreza, la alienación y la búsqueda del sentido de la vida.
Parcela
La película se ambienta en un pequeño pueblo de Irán y cuenta la historia de Masht Hassan, un granjero pobre que ama a su vaca más que a nada en el mundo. Su vaca es su única fuente de ingresos y su única compañía. Pasa sus días cuidándola y conversándola.
Un día, la vaca de Hassan muere misteriosamente. Hassan está devastado y no puede creer que su querida vaca haya desaparecido. Empieza a creer que la vaca no ha muerto, sino que simplemente se ha transformado.
Hassan empieza a buscar a su vaca y deambula por el pueblo preguntando a la gente si la han visto. Es recibido con burlas y desprecio, y finalmente es expulsado del pueblo.
Reseña
Una película dramática inmensa, una obra maestra fundamental de la nueva ola iraní. Muchos lugares y narraciones son difíciles de olvidar. Una historia profundamente dramática sobre un hombre que identifica su vida con su única herencia: una vaca.
Una película dramática que hay que ver al menos una vez en la vida para entender lo que puede ser el cine lejos de los mecanismos del mainstream industrial, en un país pobre como Irán. Creatividad Es puro, actores del más alto nivel. Lee el artículo completo en The Cow.
Mira la vaca
La montaña sagrada (1973)
La montaña sagrada (1973) Es una obra surrealista, fantástica y película de aventuras Dirigida por Alejandro Jodorowsky. La película está basada en la novela homónima de Jodorowsky e incorpora elementos de alquimia, religión, esoterismo y cultura popular.
Parcela
Un hombre apodado el ladrón, que representa la carta del Loco en el Tarot, yace inconsciente en un desierto, entre enjambres de moscas. Al despertar, se encuentra con un enano sin pies ni manos, que representa el Cinco de Espadas. Ambos se hacen amigos y van al pueblo más cercano, donde ganan dinero entreteniendo a los turistas.
Reseña
No es fácil hablar de La Montaña Sagrada y un director como JodorowskyDos entidades ante las cuales uno se queda sin palabras. ¿Es una película dramática? La película se considera una película dramática, pero es mucho más que eso: es una de las películas donde el género cinematográfico se desmorona por completo. Es una de las películas más extrañas, absurdas y extremas de la historia del cine.
Una película visualmente impactante, a la altura del cine de Federico Fellini, en la que sin duda se inspira. Cada plano es una obra figurativa donde se cuidan hasta los más mínimos detalles. Cada detalle tiene un valor simbólico y esotérico. Imágenes de violencia inaudita se alternan con... momentos espirituales, con la presencia de un protagonista muy parecido a Jesucristo.
La película también es una interpretación, a través de imágenes, de los significados de la cábala y las cartas del tarot, así como una crítica feroz a la guerra, el consumismo y el capitalismo. Es imprescindible ver La Montaña Sagrada de Jodorowsky. Sus excesos y su estética barroca pueden resultar desagradables.
Pero realmente es obra de un hombre con una valentía extraordinaria. Parece una superproducción de Hollywood, pero se creó con financiación colectiva. Ningún gran estudio cinematográfico industrial habría financiado una película así.
Mira La Montaña Sagrada
Sebastián (1976)
Sebastián (1976) Es una película británica de drama histórico dirigida por Derek Jarman. Es una adaptación libre del martirio de San Sebastián, un soldado romano ejecutado por su fe cristiana. La película es conocida por sus temas homoeróticos y el uso de secuencias a cámara lenta.
Parcela
En el siglo III d. C., Sebastiano formó parte de la guardia del emperador Diocleciano. Al intentar evitar el asesinato de una de las prometidas del emperador, fue severamente castigado, destituido de su cargo y enviado al exilio a un lugar remoto.
Reseña
Una reelaboración extravagante y original de la historia de la vida de San Sebastián, extraída de los Evangelios Apócrifos. El director, ícono del mundo gay, Derek Jarman, opta por grabar los diálogos de la película en latín y mostrar la desnudez y las aventuras amorosas entre los soldados romanos sin filtros.
Esto le causó varios problemas con la censura y con el estreno de la película, pero también un gran reconocimiento del mundo gay de la época, que luchaba contra la discriminación por sus derechos. Una película dramática que narra la tragedia de la persecución contra los "diferentes", aquellos que se perciben como no alineados con el sistema dominante.
Lo que antes se percibía como criminal, perverso y vergonzoso, incluso digno de ser crucificado y torturado, se declara entonces digno de respeto y dignidad. Las dramáticas contradicciones del hombre y la historia de la humanidad en una película que, interpretada desde una perspectiva más amplia que el género LGBT, plantea... conciencia de cosas muy importantes.
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Conductor de taxi (1976)
“Taxi Driver” es una película dramática de 1976 dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro, Jodie Foster y Harvey Keitel. La película es considerada un clásico del cine estadounidense y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1976.
La trama de la película sigue la historia de Travis Bickle (interpretado por De Niro), un exmarine que trabaja como taxista nocturno en la ciudad de Nueva York. Travis es un hombre solitario y aislado, desilusionado con el mundo que lo rodea. Tras ser rechazado por una chica que trabaja en una cafetería, Travis se obsesiona cada vez más con la violencia y la corrupción de la ciudad.
Travis decide entonces tomar cartas en el asunto y se convierte en justiciero, planeando un intento de asesinato contra un político corrupto y su séquito. Mientras tanto, Travis se enamora de una joven prostituta llamada Iris (interpretada por Jodie Foster) e intenta salvarla de su turbulenta vida.
La película es conocida por la actuación de De Niro, aclamada por la crítica y nominada al Óscar a Mejor Actor. "Taxi Driver" también ha generado mucha discusión y debate sobre la violencia y la psicología del personaje de Travis.
La película fue un éxito comercial e inspiró muchas otras obras a lo largo de los años, como la serie de televisión "The Deuce" de David Simon y "Joker" de Todd Phillips. "Taxi Driver" está considerada una de las mejores películas de Scorsese y un hito del cine estadounidense de los años 70.
Toro salvaje (1980)
Toro salvaje es un biopic Drama de 1980 dirigido por Martin Scorsese, producida por Robert Chartoff e Irwin Winkler y adaptada por Paul Schrader y Mardik Martin de la historia de Jake LaMotta de 1970 Raging Bull: My Story.
La película está protagonizada por Robert De Niro como Jake LaMotta, un boxeador italoamericano de peso mediano cuya rabia compulsiva y autodestructiva, celos y hambre animal han dañado la relación con su esposa y su familia. En la película aparecen Joe Pesci como Joey, hermano de LaMotta, y Cathy Moriarty como Vikki, su pareja. Nicholas Colasanto, Theresa Saldana y Frank Vincent interpretan papeles secundarios.
Durante la fotografía principal, cada escena de boxeo se coreografió con un diseño visual particular, y De Niro engordó unos 50 kilos para representar a LaMotta en sus últimos años postboxeo. La película recibió críticas mixtas tras su estreno, pero fue nominada a ocho Premios Óscar. Tras su estreno, la película continuó cosechando grandes elogios y ahora se considera una de las mejores películas de la historia.
El hombre elefante (1980)
El Hombre Elefante es una película biográfica dramática de 1980 sobre Joseph Merrick, un hombre gravemente deforme del Londres de finales del siglo XIX. La película fue dirigida por David Lynch, producida por Mel Brooks y Jonathan Sanger, y protagonizada por John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Michael Elphick, Hannah Gordon y Freddie Jones.
A finales del siglo XIX en Londres, John Merrick, un hombre gravemente desfigurado por una rara enfermedad ósea, vive aislado en los túneles subterráneos de la ciudad. Es descubierto por Frederick Treves, un joven y ambicioso médico, quien lo lleva al Hospital de Londres.
Al principio, Treves queda fascinado por la condición de Merrick y lo exhibe ante los profesionales médicos. Sin embargo, pronto desarrolla un afecto genuino por Merrick y comienza a tratarlo como un ser humano.
Merrick se introduce en la sociedad londinense, donde al principio se muestra curioso e incluso cruel. Sin embargo, con el tiempo, conquista a mucha gente gracias a su carácter amable e inteligencia.
El guión de la película fue adaptado por Lynch, Christopher De Vore y Eric Bergren de El hombre elefante y otras reminiscencias (1923) de Frederick Treves y El hombre elefante: un estudio sobre la dignidad humana (1971) de Ashley Montagu.
Filmada en blanco y negro y con maquillaje de Christopher Tucker, El Hombre Elefante fue un éxito comercial y ganó ocho premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado y Mejor Actor.
El hombre de la lluvia (1988)
Rain Man es una película dramática de 1988 dirigida por Barry Levinson y protagonizada por Dustin Hoffman y Tom Cruise.
La película cuenta la historia de Charlie Babbitt (Tom Cruise), un joven y ambicioso comerciante de coches de Los Ángeles, que descubre que tiene un hermano mayor autista llamado Raymond (Dustin Hoffman) que vive en una institución psiquiátrica. Tras la muerte de su padre, Charlie intenta obtener una parte de la herencia, pero descubre que Raymond ha heredado toda la herencia. Desesperado, Charlie decide secuestrar a Raymond y llevarlo de viaje por carretera a través de Estados Unidos, con la esperanza de convencer a su hermano de compartir la herencia con él.
Durante el viaje, Charlie aprende más sobre Raymond y su condición, y con el tiempo desarrolla una profunda empatía por él. Raymond demuestra tener habilidades asombrosas, como la de memorizar números y resolver acertijos matemáticos complejos. Su relación evoluciona, y Charlie se da cuenta de que Raymond no es solo una carga, sino una persona con personalidad y vida propia.
La película fue un gran éxito comercial y de crítica, y ganó cuatro Premios Óscar, incluyendo el de Mejor Actor para Dustin Hoffman por su interpretación de Raymond. "Rain Man" también contribuyó significativamente a la concienciación pública sobre el autismo y la difícil situación de las personas que lo padecen.
Redención Shawshank (1994)
Es una película de 1994, dirigida by Frank Darabont Basada en el cuento de Stephen King "Rita Hayworth y Cadena Perpetua", la película está considerada una de las obras maestras del cine estadounidense contemporáneo y ha recibido numerosos premios, incluyendo siete nominaciones a los Premios Óscar.
La trama de la película sigue la historia de Andy Dufresne, interpretado por Tim Robbins, un banquero injustamente condenado a cadena perpetua por el asesinato de su esposa y su amante. Andy es enviado a la cárcel de Shawshank, donde conoce a Red, interpretado por Morgan Freeman, un recluso que se gana la vida en la cárcel. Red se convierte en su mejor amigo y lo ayuda a sobrevivir a la dura realidad de la prisión.
La película narra la lucha de Andy por recuperar su libertad y demostrar su inocencia, pero también su lucha por encontrar esperanza y redención en un lugar tan desesperado y deprimente como la cárcel de Shawshank. Gracias a su inteligencia y perseverancia, Andy logra ganarse la confianza del director de la prisión y de otros reclusos, y finalmente, tras años de prisión, logra escapar.
Es una película muy conmovedora y emotiva, que aborda temas como la amistad, la esperanza, la redención y la lucha por la libertad. Fue elogiada tanto por el público como por la crítica por su capacidad para contar una historia intensa y cautivadora, y por las extraordinarias actuaciones de Tim Robbins y Morgan Freeman.
Trainspotting (1996)
Trainspotting es una película dramática de 1996 dirigida por Danny BoyleBasada en la novela homónima de Irvine Welsh de 1993, la película narra la historia de un grupo de jóvenes drogadictos que viven en Edimburgo, Escocia, durante la década de 1980.
El protagonista de la película es Mark Renton, interpretado por Ewan McGregor, un joven drogadicto que intenta escapar del círculo de drogas y crimen que lo rodea. La historia sigue a Mark y sus amigos, incluyendo a Spud, Sick Boy y Begbie, mientras intentan evitar la cárcel, la muerte y la adicción.
La película aborda temas como la drogadicción, la pobreza, la violencia, el aislamiento social y la búsqueda de un sentido de pertenencia. El director Danny Boyle emplea diversas técnicas visuales innovadoras, como el uso de fotografía de ritmo rápido, secuencias oníricas y una banda sonora ecléctica, para crear una experiencia cinematográfica única.
Trainspotting fue un gran éxito de crítica y público y se ha convertido en una película de culto, principalmente por su representación realista de la vida de jóvenes drogadictos. La película también impulsó las carreras de actores como Ewan McGregor, Robert Carlyle y Kelly Macdonald. En 2 se estrenó una secuela titulada "Trainspotting 2017".
Un Domingo Cualquiera (1999)
Es una película de drama deportivo de 1999 dirigida por Oliver Stone Escrita por John Logan y el propio Stone, la película gira en torno a la vida y la carrera de un entrenador de fútbol americano profesional, Tony D'Amato (interpretado por Al Pacino), y su equipo de Miami, los Miami Sharks.
La película es conocida por su cruda y realista representación del mundo del fútbol profesional, centrándose en la presión constante, la competencia y la violencia física que los jugadores enfrentan a diario. En la película, D'Amato se enfrenta a diversos problemas, como el declive de su equipo, la presión de los dueños para ganar y los problemas personales de sus jugadores.
El elenco de la película está compuesto por varias figuras importantes, como Cameron Diaz, Dennis Quaid, James Woods y Jamie Foxx, quien interpreta al mariscal de campo del equipo. La película tuvo una excelente acogida de crítica y público, especialmente por las interpretaciones de los actores y su representación realista del mundo del fútbol americano.
La película está considerada como un clásico del género deportivo y una película importante por su descripción honesta de las presiones y los conflictos del fútbol profesional.
Traffic (2000)
Traffic Es una película estadounidense de drama criminal del año 2000 escrita por Stephen Gaghan, basada en su novela homónima de 1989 y dirigida por Steven Soderbergh. El reparto incluye a Michael Douglas, Benicio del Toro, Catherine Zeta-Jones, Dennis Quaid, Don Cheadle, Luis Guzmán, Miguel Ferrer y Steven Bauer.
Tráfico sigue las vidas entrelazadas de varias personas involucradas en el tráfico ilegal de drogas, desde un jefe de un cártel en México hasta un agente de la DEA en Estados Unidos. La película explora las complejas y trascendentales consecuencias del narcotráfico, desde la violencia y la corrupción en México hasta la adicción y la desesperación que causa en Estados Unidos.
Recepción de la crítica
Traffic recibió elogios de la crítica tras su estreno. Fue elogiada por su ambicioso alcance, sus complejos personajes y su representación realista del narcotráfico. La película tiene un 93% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 223 reseñas, con una calificación promedio de 8/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Soderbergh logra con éxito la ambiciosa Traffic, una película con tres historias diferentes y un elenco muy numeroso».
Tráfico ganó cuatro Premios Óscar, incluyendo Mejor Guion Adaptado, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto para Benicio del Toro y Mejor Actriz de Reparto para Catherine Zeta-Jones. También fue nominada a Mejor Película.
Taquilla
Traffic fue un éxito de taquilla, recaudando más de 207 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 75 millones de dólares.
Réquiem por un sueño (2000)
Requiem por un sueño Es una película estadounidense de drama psicológico del año 2000, escrita y dirigida por Darren Aronofsky, basada en la novela homónima de 1978 de Hubert Selby Jr. La película está protagonizada por Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly y Marlon Wayans. Sigue las vidas interconectadas de cuatro personas que luchan contra la adicción y la autodestrucción en la ciudad de Nueva York.
Recepción de la crítica
Réquiem por un sueño recibió elogios de la crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, su dirección y su oscuro y crudo retrato de la adicción. La película tiene un 83% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 123 reseñas, con una calificación promedio de 7.80/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Réquiem por un sueño es una película desgarradora e implacable, a la vez perturbadora y cautivadora. Ellen Burstyn ofrece una interpretación magistral como una mujer consumida por la adicción, y la dirección es elegante y efectiva».
Taquilla
Réquiem por un sueño fue un fracaso de taquilla, recaudando solo 4.4 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de producción de 4 millones. Sin embargo, desde entonces se ha convertido en una película de culto y ahora se considera una de las mejores películas de la década del 2000.
Premios y Reconocimientos
Réquiem por un sueño fue nominada a dos premios Independent Spirit, incluyendo Mejor Actriz de Reparto para Ellen Burstyn y Mejor Fotografía. También ganó el Premio Espiga de Oro en el Festival de Cine de Valladolid.
Kandahar (2001)
Kandahar Es una película dramática de 2001 escrita y dirigida por Mohsen Makhmalbaf, ambientada en Afganistán durante el régimen talibán. La película cuenta la historia de Nafas, una mujer afgano-canadiense que regresa a Afganistán para encontrar a su hermana, quien quedó abandonada cuando la familia huyó del país años atrás.
La película está basada en una historia real de Nelofer Pazira, periodista afgano-canadiense que regresó a Afganistán por primera vez tras la caída del Talibán. Pazira interpretó a Nafas en la película, rodada en Afganistán con un elenco y equipo técnico afganos.
Kandahar es una película impactante y conmovedora que ofrece una visión de la vida bajo el régimen talibán. La crítica la elogió por su representación realista de la realidad afgana y por la actuación de Pazira.
La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2001, donde ganó el Premio del Jurado Ecuménico. También recibió una nominación al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa.
Magdalena (2002)
Es una película de 2002 sobre violencia contra la mujer dirigida por Peter Mullan, que cuenta la historia de tres jóvenes que están encarceladas en uno de los llamados “Asilos de la Magdalena”, instituciones religiosas dirigidas por monjas católicas en Irlanda desde el siglo XIX hasta finales de la década de 1800.
Las tres mujeres, interpretadas por Anne-Marie Duff, Nora-Jane Noone y Dorothy Duffy, terminan en estas instituciones por diferentes motivos: una por ser acosada por un primo, otra por ser violada por un chico del pueblo y la tercera por ser considerada demasiado atractiva y pecadora por los hombres de su país.
En estas instituciones, las mujeres son sometidas a castigos corporales, trabajos forzados y humillaciones, todo ello impuesto por las monjas que las dirigen. La película sigue la vida de las tres protagonistas mientras intentan encontrar la fuerza para resistir la opresión que sufren y encontrar una salida de esta prisión religiosa.
La película fue aclamada por la crítica por exponer el sistema de abusos perpetrado por monjas católicas en Irlanda y ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2002. Sin embargo, también fue criticada por la Iglesia católica irlandesa, que consideró que la película presentaba una imagen injusta y negativa de su institución.
El pianista (2002)
El pianista es una película biográfica dramática de 2002 producida y dirigida por Roman Polanski, con guion de Ronald Harwood y protagonizada por Adrien Brody. Está basada en el libro autobiográfico El pianista (1946), una narración del Holocausto del pianista y autor judío polaco Władysław Szpilman, un sobreviviente del Holocausto. La película fue una coproducción de Francia, Reino Unido, Alemania y Polonia. El pianista se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2002 el 24 de mayo de 2002, donde ganó la Palma de Oro. La película obtuvo un gran reconocimiento, con la crítica elogiando la dirección de Polanski, la actuación de Brody y el guion cinematográfico de Harwood. En la 75.ª edición de los Premios Óscar, la película ganó los premios a Mejor director (Polanski), Mejor guion adaptado (Harwood) y Mejor actor (Brody).
La hora 25 (2002)
Es una película dramática de 2002 dirigida por Spike Lee Basada en la novela de David Benioff, la película es un drama que sigue la historia de Monty Brogan, interpretado por Edward Norton, un narcotraficante que acaba de cumplir una condena de siete años de prisión.
La historia transcurre durante el último día de libertad de Monty, mientras reflexiona sobre su vida y las decisiones que lo han llevado a su situación actual. Junto a él están sus viejos amigos, Jacob Elinsky (interpretado por Philip Seymour Hoffman) y Francis Xavier Slaughter (interpretado por Barry Pepper), quienes intentan ayudarlo a afrontar el futuro.
La película explora temas como la amistad, la responsabilidad y el racismo, con algunas escenas centradas en los conflictos entre las comunidades blanca y negra en Nueva York tras los atentados del 9-S. La actuación de Norton es especialmente notable, y la película recibió en general una buena acogida por parte de la crítica por su dirección, reparto y banda sonora.
Es una película impactante y conmovedora que explora temas profundos y complejos a través de la vida de un solo individuo. Si te gustan las películas dramáticas y los personajes bien desarrollados, podría gustarte esta película.
La película recaudó aproximadamente 13.1 millones de dólares en taquilla en Estados Unidos, mientras que el presupuesto de producción fue de aproximadamente 5 millones. Aunque no tuvo grandes ingresos de taquilla, la película recibió grandes elogios de la crítica y, con el tiempo, se ha convertido en una... película de culto Para muchos fanáticos del cine.
Golpes del Destino (2004)
“Million Dollar Baby” es una película de 2004 dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por él mismo, Hilary Swank y Morgan Freeman. La historia se basa en un cuento de FX Toole y sigue la vida de Maggie Fitzgerald (interpretada por Hilary Swank), una joven que sueña con convertirse en campeona profesional de boxeo.
Maggie recurre a la ayuda de un entrenador de boxeo mayor y malhumorado llamado Frankie Dunn (interpretado por Clint Eastwood), quien al principio se muestra reacio a entrenarla, pero con el tiempo se encariña con ella y le enseña todo lo que sabe. Juntos, Maggie y Frankie luchan por alcanzar el éxito en el ring, pero la vida no les resulta fácil. La película aborda temas como la soledad, la amistad, la familia, la muerte y la dignidad. El final es muy emotivo y ha suscitado diversas reacciones entre el público y la crítica.
“Million Dollar Baby” recibió numerosas nominaciones y premios, incluyendo cuatro Premios Óscar, entre ellos Mejor Película, Mejor Director para Clint Eastwood, Mejor Actriz para Hilary Swank y Mejor Actor de Reparto para Morgan Freeman. La película también fue un gran éxito comercial y recibió críticas positivas.
Diario de una Pasión (2004)
Se trata de un película romántica en 2004 dirigida por Nick CassavetesBasada en la novela homónima de Nicholas Sparks, la película narra la historia de amor entre Allie (interpretada por Rachel McAdams) y Noah (interpretado por Ryan Gosling), dos jóvenes que se enamoran perdidamente durante el verano de 1940 en Carolina del Norte.
El drama se desarrolla a través de un flashback, en el que un Noah anciano (interpretado por James Garner) le lee la historia de su amor a Allie (interpretada por Gena Rowlands), quien padece Alzheimer y ya no recuerda el pasado. La película es conocida por su conmovedor final y su emotiva banda sonora.
La película obtuvo un gran éxito de crítica y público, convirtiéndose en una auténtica película de culto romántico. También impulsó la carrera de Rachel McAdams y consolidó la de Ryan Gosling, quienes posteriormente se convertirían en dos de las estrellas más queridas de Hollywood.
Se considera una película que marcó una época para el género romántico, gracias a su capacidad de tocar las fibras emocionales de los espectadores y representar el amor de forma intensa y apasionada.
La vida de los demás (2006)
Es un drama alemán de 2006 dirigido por Florian Henckel de DonnersmarckLa película se ambienta en Alemania Oriental en 1984, justo antes de la caída del Muro de Berlín, y sigue la historia de un oficial de la Stasi, el servicio de seguridad de Alemania Oriental, llamado Hauptmann Gerd Wiesler. Wiesler recibe la misión de espiar al famoso dramaturgo Georg Dreyman y a su novia, la actriz Christa-Maria Sieland, bajo sospecha de disidente político. Wiesler comienza a escuchar a escondidas sus conversaciones y a observar sus vidas privadas, pero con el tiempo, se involucra cada vez más en sus vidas y empieza a reevaluar sus convicciones políticas.
La película fue aclamada por la crítica por su representación realista de la vida en Alemania del Este y las interpretaciones de sus actores, en particular las de Ulrich Mühe como Wiesler y Sebastian Koch como Dreyman. Ganó numerosos premios, incluido el Óscar a la mejor película extranjera en 2007, y está considerada una de las mejores películas alemanas de las últimas décadas.
“La vida de los otros” es un impactante drama humano que explora los temas de la opresión política, la libertad personal y la esperanza. La película ofrece una crítica al régimen comunista de Alemania Oriental, pero al mismo tiempo muestra la complejidad de los personajes involucrados y su lucha por preservar su integridad y humanidad en un mundo hostil.
Gran Turín (2008)
Gran Torino es una película dramática de 2008 dirigida por Clint Eastwood, quien también interpretó al personaje principal, Walt Kowalski.
La trama gira en torno a la vida de Walt Kowalski, un veterano de la Guerra de Corea que vive en un barrio obrero de Detroit. Walt es un hombre brusco y racista que nunca ha entablado amistad con sus vecinos inmigrantes, especialmente con una familia de origen hmong, un grupo étnico del sudeste asiático.
Tras la muerte de su esposa, Walt se encuentra solo y alejado de su familia, que lo considera un anciano racista e incomprensible. Pero cuando la familia hmong vecina es atacada por una pandilla de jóvenes del barrio, Walt se ve obligado a actuar para protegerlos, usando su experiencia y habilidad con las armas para defender a sus nuevos amigos.
Gran Torino aborda numerosos temas delicados, como el racismo, la inmigración y la violencia en zonas urbanas. La película también ofrece una profunda reflexión sobre la soledad y la vejez, y cómo estas realidades pueden impulsar a las personas a encontrar un nuevo sentido a la vida y a reconciliarse con su pasado.
Gran Torino fue aclamada por la crítica por sus actuaciones, dirección y su valiente mensaje contra el racismo. La película se convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla de Clint Eastwood, recaudando más de 270 millones de dólares en todo el mundo.
Precious (2009)
“Preciosa” es una película sobre la abuso de mujeres de 2009 dirigida por Lee Daniels y basada en la novela "Push" de Sapphire. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2009 y recibió críticas positivas de los críticos, obteniendo múltiples premios de la Academia y nominaciones, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz.
La trama sigue la vida de Claireece “Precious” Jones, una joven afroamericana de 16 años que vive en el Harlem de la década de 1980. Precious sufrió abusos sexuales por parte de su padre y tiene dos hijos, uno de ellos con síndrome de Down, que fue dado en adopción. Su madre la maltrata física y emocionalmente. Precious, analfabeta, se matricula en una escuela alternativa, donde conoce a una profesora de literatura, la Sra. Rain. Gracias al apoyo de la Sra. Rain y otros personajes, incluyendo a su trabajadora social, Precious comienza a superar los obstáculos de su vida y a perseguir sus sueños.
La película aborda temas complejos como el abuso sexual, la violencia doméstica, la pobreza, la discriminación racial y la discapacidad, pero lo hace con sensibilidad y respeto por los personajes. El elenco está compuesto por actores talentosos, como Gabourey Sidibé, Mo'Nique, Paula Patton y Mariah Carey, quienes han recibido elogios por sus actuaciones. La interpretación de Mo'Nique como la madre de Precious le valió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto. Es una película conmovedora y poderosa que aborda temas complejos con delicadeza y humanidad.
Reina del lote (2010)
Una tobillera electrónica y el arresto domiciliario no son suficientes para impedir que la aspirante a actriz Maggie Chase (Tanna Frederick) persiga sus objetivos: alcanzar la fama en el mundo del cine y encontrar una relación romántica. Maggie quiere protagonizar películas de la más alta calidad y dejar el mundo de... Películas de serie B.
El director Henry Jaglom parece haber experimentado en carne propia las frustraciones y los absurdos de la industria cinematográfica convencional de Los Ángeles y cómo esta vampiriza el alma de quienes la integran. Otra de las cualidades de Jaglom como guionista y director es su capacidad para contar una historia dramática y, al mismo tiempo, amar a sus personajes sin sentimentalismos.
La reina del lote es una Película independiente Con un estilo claramente reconocible de autora innovadora y la banalidad del cine comercial, Tanna Frederick vuelve a ser una actriz apasionada y talentosa al servicio de Jaglom.
Tournèe (2010)
Joachim Zand, un productor de televisión en crisis, regresa a Francia tras una larga estancia en Estados Unidos. Joachim había cortado todos sus lazos en Francia: amigos, enemigos, hijos. Llega con un grupo de bulliciosas strippers californianas que realizan espectáculos burlescos que él quiere presentar en París.
El drama existencial de un hombre que desea romper con su pasado y debe lidiar con el vacío y la alienación. Un camino interior común para muchas personas que deciden alejarse de su lugar de origen para buscar una nueva vida y eliminar el sufrimiento. Una película dramática imperdible que aborda un tema fundamental de la vida: el deseo de escapar, reinventarse y la comparación con las cuentas pendientes.
El monje (2011)
En la España del siglo XVII, un niño es abandonado a la puerta de un monasterio. De adulto, se convertirá en el padre capuchino de Ambrosio. Criado entre frailes, Ambrosio es un ejemplo para los demás. Sin embargo, de repente se ve tentado por la llegada de un hombre al convento.
Drama imperdible, oscuro y lleno de matices. horrorCon atmósferas mefistofélicas. La ambientación en un convento recuerda vagamente a El nombre de la rosa. La interpretación de Vincent Cassel es soberbia. La película aborda el tema de la tentación y el fanatismo religioso, que a veces resulta más demoníaco que los pecados materiales. Una de esas películas dramáticas donde el drama se tiñe de tragedia.
Hugo (2011)
Hugo Es una película dramática estadounidense de 2011 escrita y dirigida por Martin Scorsese. La película está protagonizada por Asa Butterfield como Hugo Cabret, un huérfano de 12 años que vive entre los muros de una estación de tren en París en 1931. Hugo está fascinado por los relojes y sueña con reparar un autómata que le dejó su difunto padre.
Recepción de la crítica
Hugo recibió elogios de la crítica, con muchos elogiando su dirección, actuaciones, fotografía y efectos visuales. Tiene un 93% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 257 reseñas, con una calificación promedio de 8.40/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Hugo es una película visualmente impactante y emotiva, que es a la vez entretenida y estimulante. La dirección de Martin Scorsese es magistral y las actuaciones son excelentes».
Taquilla
Hugo fue un éxito de taquilla, recaudando más de 210 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 150 millones de dólares.
Premios y Reconocimientos
Hugo ganó cinco Premios Óscar, incluyendo Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Mezcla de Sonido, Mejores Efectos Visuales y Mejor Banda Sonora Original. También recibió nominaciones a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado y Mejor Montaje.
La quinta temporada (2012)
En un pequeño pueblo de las Ardenas, una comunidad está a punto de celebrar el fin del invierno con la tradicional hoguera. La alegría de la celebración se desvanece cuando ocurre un extraño suceso, interpretado por los aldeanos como un mal presagio: el fuego de la hoguera no enciende.
Película dramática imperdible, con un valor metafórico que nos habla de la condición humana. Una historia inspiradora para reflexionar sobre un momento en el que el hombre y la naturaleza parecen haber perdido la armonía. Debido, por supuesto, al comportamiento y al egoísmo del hombre.
Cautivo (2012)
Es el 27 de mayo de 2001. El grupo de separatistas islámicos de Abu Sayyaf, asesinos fanáticos y ladrones que se creen revolucionarios y luchan por una causa noble, toma como rehenes a doce personas en un centro turístico de la isla de Dos Palmas, al sur de Filipinas. Pero hubo un error: no eran las personas a quienes querían capturar.
Basada en una terrible historia real, Captive es una película rodada con la participación de actores no profesionales. Un drama imperdible del director filipino Brillante Mendoza con tintes de thriller y acción. Rodada en la naturaleza salvaje y agreste de la isla de Palawan.
La caza (2012)
Es una película dramática de 2012 dirigida por Thomas Vinterberg Escrita por Tobias Lindholm, la trama sigue a Lucas (interpretado por Mads Mikkelsen), un hombre que vive en una pequeña comunidad de Dinamarca y es falsamente acusado de abusar sexualmente de una adolescente.
La historia gira en torno a la reacción de la comunidad ante la noticia de la acusación, que se convierte en un verdadero linchamiento público contra Lucas. La película explora la psicología de las pandillas. bruja las cacerías y la violencia psicológica y física que la sociedad puede infligir a un individuo inocente.
Mads Mikkelsen ofrece una interpretación intensa y emotiva como Lucas, cuyo personaje intenta desesperadamente demostrar su inocencia, pero es rechazado constantemente por la comunidad que lo rodea. La tensión de la película es alta de principio a fin, y su temática universal y actual invita a reflexionar sobre los peligros del juicio sumario y la vulnerabilidad del individuo en la sociedad.
La película fue un éxito de crítica y público, ganando el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes de 2012 y recibiendo una nominación al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. La película fue elogiada por su dirección reflexiva, su guion bien estructurado y las interpretaciones de los actores, y sigue siendo una importante contribución al debate sobre las consecuencias del linchamiento mediático y la justicia sumaria.
Locke (2013)
La película Locke es un drama psicológico británico de 2013 dirigido por Steven Knight E interpretado por Tom Hardy. La trama de la película se desarrolla íntegramente en una autopista, donde el personaje de Hardy, Ivan Locke, conduce de Birmingham a Londres, enfrentándose a una serie de llamadas telefónicas que cambiarán su vida para siempre.
La historia transcurre en tiempo real y sigue a Locke mientras intenta resolver diversos problemas, incluyendo una crisis familiar y profesional, mientras viaja a Londres para asistir al nacimiento de su bebé con una mujer con la que ha mantenido una relación intermitente. Durante el viaje, Locke habla por teléfono con varios personajes, incluyendo a su familia, su jefe, su asistente y la mujer embarazada, intentando resolver los problemas de forma ética y responsable.
La actuación de Tom Hardy como Ivan Locke es notable, ya que es el único actor presente en pantalla y transmite sus emociones principalmente a través de su voz, ya que no podemos ver su rostro. La dirección de Steven Knight se centra en la intensidad emocional del personaje y su lucha interior, más que en la acción o los efectos especiales.
La película Locke fue aclamada por la crítica por su originalidad y la actuación de Tom Hardy. Se la ha descrito como una obra minimalista, que prioriza la fuerza narrativa y los matices emocionales, más que el espectáculo visual. En resumen, Locke es una película que explora los temas de la responsabilidad, la moral y la lealtad, presentando a un personaje que lucha por encontrar una solución justa a sus problemas personales y profesionales.
El lobo de Wall Street (2013)
El lobo de Wall Street es un drama estadounidense de 2013 comedia negra Película dirigida por Martin Scorsese y escrita por Terence Winter, basada en las memorias homónimas de Jordan Belfort, publicadas en 2007. La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio como Belfort, un corredor de bolsa neoyorquino que dirige una firma involucrada en la corrupción rampante de Wall Street en la década de 1990. Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jean Dujardin, Jon Favreau, Shea Whigham, Cristin Milioti y Matthew McConaughey también aparecen.
La película fue un éxito de crítica y público, recaudando más de 400 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de producción de 100 millones. Fue nominada a cinco premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actor (DiCaprio) y Mejor Actor de Reparto (Hill).
Recepción de la crítica
El Lobo de Wall Street recibió críticas positivas, y muchos elogiaron su dirección, actuaciones, guion y montaje. Tiene un 85% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 272 reseñas, con una calificación promedio de 8.10/10. El consenso de la crítica del sitio web dice: «El Lobo de Wall Street es una aventura desenfrenada, una comedia oscura y una crítica mordaz a la avaricia y el exceso, tan emocionante como agotadora. Leonardo DiCaprio está en su mejor momento como el carismático y moralmente desmoralizado Jordan Belfort, y la dirección de Martin Scorsese es aguda y enérgica».
Taquilla
El Lobo de Wall Street fue un éxito de taquilla, recaudando más de 400 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de producción de 100 millones. Fue la película más taquillera de la carrera del director Martin Scorsese hasta que fue superada por El Irlandés en 2019.
Latigazo (2014)
Whiplash Es una película estadounidense de drama psicológico de 2014, escrita y dirigida por Damien Chazelle, protagonizada por Miles Teller y J.K. Simmons. La película sigue al ambicioso estudiante de música y aspirante a baterista de jazz Andrew Neiman (Teller), quien es llevado al límite por su abusivo instructor Terence Fletcher (Simmons) en el prestigioso Conservatorio Shaffer de Nueva York.
Recepción de la crítica
Whiplash recibió elogios de la crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus actuaciones, dirección, montaje y sus secuencias de batería de jazz. La película tiene un 98% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 264 reseñas, con una calificación promedio de 8.80/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Whiplash es una película visceral, electrizante y sumamente absorbente, técnicamente brillante y emocionalmente impactante».
Taquilla
Whiplash fue un éxito de taquilla, recaudando más de 83 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 3.3 millones de dólares.
Premios y Reconocimientos
Whiplash ganó cinco Premios de la Academia, incluyendo Mejor Actor de Reparto para J.K. Simmons, Mejor Guion Adaptado, Mejor Montaje, Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Película. También recibió nominaciones a Mejor Director y Mejor Actor para Miles Teller.
Hombre pájaro (2014)
Birdman es una película dramática de 2014 dirigida por Alejandro González Iñárritu y está protagonizada por Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton y Emma Stone.
La trama sigue a Riggan Thomson (interpretado por Michael Keaton), un actor que interpretó al famoso superhéroe Birdman y que ahora intenta revitalizar su carrera teatral escribiendo, dirigiendo y protagonizando una obra en Broadway. A lo largo de la obra, Riggan se enfrenta a diversos desafíos, como dificultades para gestionar las relaciones con su entorno, su exesposa y su hija recién salida de rehabilitación.
Lo que hace única a Birdman es su innovador estilo de rodaje. Gran parte de la película se rodó en una sola toma continua, creando una sensación de inmersión en la vida teatral de Riggan. Además, la película explora temas como la identidad, la fama, creatividad, y la locura, a menudo usando el humor y la ironía para comentar las industrias del cine y el teatro.
La película fue un gran éxito de crítica y recibió numerosos premios, incluyendo cuatro Premios Óscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Original y Mejor Fotografía. Además, las actuaciones de los actores fueron ampliamente elogiadas, especialmente la de Michael Keaton, quien recibió una nominación a Mejor Actor en los Premios Óscar.
mami (2014)
'Mommy' es una película dramática de 2014 escrita y dirigida por el canadiense director Xavier DolanLa película se presentó en competición en el Festival de Cine de Cannes de 2014, donde ganó el Premio del Jurado.
La película narra la historia de una madre viuda, Diane “Die” Després (interpretada por Anne Dorval), quien intenta afrontar la educación de su hijo de 15 años, Steve (interpretado por Antoine Olivier Pilon), quien padece trastorno por déficit de atención e hiperactividad. La relación entre madre e hijo es compleja y a menudo conflictiva, pero Die hace todo lo posible por controlar el comportamiento problemático de Steve.
La trama de la película se cuenta a través de una técnica de filmación particular, que utiliza una relación de aspecto 1:1 (es decir, cuadrada) y una fotografía muy brillante, que enfatiza el dramatismo de las escenas.
“Mommy” fue elogiada por la crítica por su sensibilidad, intensidad emocional y la brillantez de las interpretaciones de los actores principales. La película también fue vista como una reflexión sobre la dificultad de la crianza, el amor incondicional y la complejidad de las relaciones familiares.
“Mommy” es una película potente y atrapante, que consigue transmitir al público una fuerte empatía hacia los personajes y sus historias.
Mi hijo (2017)
Julien siempre viaja por trabajo. Sus constantes ausencias de casa y la incapacidad de cuidar de su hijo Mathys destruyeron su matrimonio con Marie. Estando en Francia, recibe una inquietante llamada de su exesposa: su hijo, que ahora tiene siete años, ha desaparecido mientras acampaba en los Alpes. Julien llega de inmediato al lugar de la desaparición y, con gran tenacidad y determinación, emprende la búsqueda de su hijo, investigando personalmente.
Partiendo de una narrativa consolidada en el género del thriller, Mi hijo, del director francés Christian Carion, es una película imperdible, especialmente por su estilo de rodaje. Concebida desde el principio como una película para rodarse casi en tiempo real, durante seis días de rodaje, el director utiliza un método radical de improvisación con su actor principal, Guillaume Canet.
Charlie dice (2018)
Karlene Faith es una trabajadora social que trabaja en la prisión de mujeres donde se encuentran encarceladas Leslie Van Houten, conocida como Lulu, Patricia Krenwinkel, conocida como Katie, y Susan Atkins, conocida como Sadie. Son tres "Chicas Manson", las chicas de la secta de Charles Manson, culpables de participar en crímenes atroces y condenadas a muerte por el asesinato de nueve personas, entre ellas la actriz Sharon Tate.
La guionista Guinevere Turner escribe una historia conmovedora, a partir de una experiencia personal de su adolescencia, en la que ella y su familia se vieron involucrados en una secta en la comunidad de Mel Lyman, cuyos seguidores aspiraban a vivir en el planeta Venus. La directora Mary Harron no describe a Charles Manson como la personificación del mal, un personaje enigmático y maldito. En cambio, lo describe como un vagabundo mediocre y racista, un hombre frustrado que no ha logrado alcanzar sus sueños y vive al margen de la sociedad. Charlie Manson es, de hecho, un hombre con una personalidad fuerte, capaz de plagiar la voluntad de otros con falsos ideales, un falso misticismo fruto de su locura.
Primer hombre (2018)
'First Man' es una película biográfica de 2018 dirigida por Damien Chazelle y escrita por Josh Singer, que cuenta la historia del astronauta estadounidense Neil Armstrong y su histórica misión para convertirse en el primer hombre en caminar sobre la luna.
La película está basada en la biografía “First Man: The Life of Neil A. Armstrong” de James R. Hansen y está protagonizada por Ryan Gosling como Neil Armstrong, con un reparto que incluye a Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll y muchos otros.
La película sigue la vida de Neil Armstrong desde principios de la década de 1960, cuando era piloto de pruebas de la NASA, hasta el momento histórico de la misión Apolo 11 en 1969. La película ha sido elogiada por su precisión histórica y la actuación de los actores, especialmente de Gosling, quien recibió elogios por su interpretación de Armstrong.
La película también fue elogiada por su dirección, su impresionante cinematografía y la banda sonora de Justin Hurwitz, que ganó el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original. "First Man" fue nominada a cuatro Óscar, incluyendo el de Mejor Actor para Ryan Gosling, pero no ganó en ninguna categoría.
“First Man” es una película cautivadora y bien elaborada que ofrece una inmersión total en la vida del astronauta Neil Armstrong y su histórica misión de convertirse en el primer hombre en la luna.
Casa ocupada (2020)
Una habitación grande, un pianista solitario, una presencia misteriosa y el mundo exterior, entre calles solitarias, alrededor de una piscina, junto a un río, siempre ella, aún ella. Recuerdos vacíos de una historia de amor. Un asiduo juego de espejos aguarda al hombre cuando una extraña mujer, demasiado parecida al alma que habita en su hogar, llama a su puerta.
Una obra poética de estructura linealmente inteligible que remite a las imágenes del cine gótico-romántico, de la vida más allá de la muerte y del amor más allá de cualquier obstáculo concreto para vivir, con su misterio indisoluble y la transitoriedad del amor terrenal en el centro.
Nika (2020)
La película "Nika" narra la historia de una joven de Los Ángeles que perdió a sus padres en un accidente automovilístico. Aunque se ha embarcado en una carrera como modelo, Nika siente un vacío en la existencia y el peso del tiempo que pasa. Aunque ha estudiado diversas disciplinas artísticas, no ha alcanzado el éxito que esperaba, y su amiga, quien se ha convertido en una estrella popular, no parece feliz. Nika, en una situación financiera desesperada, se enfrenta a una decisión vital que podría ser su gran éxito o su fracaso: convertirse en acompañante.
La película representa un mundo de fragilidad y personajes que buscan significado en una sociedad aparentemente hostil. La directora Leilani Amour Arenzana, a través de inspiraciones surrealistas y oníricas, narra la historia de personajes atrapados en una trampa del oeste, donde los vicios, la fragilidad psicológica y el materialismo se imponen. Nika es una película que mezcla drama y romance, narrando un período de transformación y redención para la protagonista.
La ballena (2022)
'The Whale' es una película de drama psicológico estadounidense de 2022 dirigida por Darren Aronofsky y escrita por Samuel D. Hunter, basada en su obra de teatro homónima de 2012. La película está protagonizada por Brendan Fraser, quien interpreta a Charlie, un hombre obeso que se está muriendo de enfermedad e intenta reconciliarse con su hija adolescente.
La película se estrenó en el Festival de Cine de Telluride en septiembre de 2022 y recibió críticas generalmente positivas. En particular, la actuación de Fraser fue elogiada como una de las mejores de su carrera.
La trama de "La Ballena" gira en torno a Charlie, un hombre obeso que se está muriendo de enfermedad y vive solo en una vieja casa en el noroeste del Pacífico. Tiene una relación difícil con su familia, especialmente con su hija adolescente, quien lo desprecia por su estilo de vida y las decisiones que ha tomado en el pasado.
A pesar de sus dificultades, Charlie intenta reconstruir su vida y reconciliarse con su hija. A lo largo de la historia, la película explora la relación entre padre e hija, la culpa y la redención, y el impacto que las decisiones del pasado pueden tener en el presente.
La película es un retrato intenso y conmovedor de un hombre que lucha consigo mismo y con sus decisiones de vida, y su intento de encontrar una forma de redención y reconciliación con su familia.
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades (2022)
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades es una película de 2022 dirigida por Alejandro González Iñárritu. La película está protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Griselda Siciliani, Fernando Grediaga, Irene Azuela, Leonardo Ortizgris y Andrés Almeida.
La película narra la historia de Silverio Pérez, un reconocido periodista y documentalista mexicano que regresa a su país tras pasar muchos años en Estados Unidos. Silverio atraviesa una crisis existencial, dividido entre su identidad mexicana y su vida estadounidense.
La película se ambienta en varias ciudades de México, incluyendo la Ciudad de México, Guadalajara y Tijuana. La historia se narra de forma no lineal, con flashbacks y flashforwards entrelazados.
Recepción de la crítica
Bardo, Falsa Crónica de un Puñado de Verdades fue un éxito de crítica. La película recibió elogios por su dirección, guion, actuaciones y fotografía.
Premios y Reconocimientos
La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 2022. También recibió cuatro nominaciones a los Premios Ariel, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Daniel Giménez Cacho.
Reseña
Bardo, Falsa Crónica de un Puñado de Verdades es una película compleja y sugerente que ofrece una perspectiva original sobre la condición humana. La película está bien hecha y es cautivadora, con actuaciones memorables de todo el elenco.
La película logra un retrato particularmente acertado de la crisis existencial de Silverio. El personaje de Silverio es un hombre que se siente perdido y desorientado, en busca de un sentido de pertenencia. La película explora las diferentes facetas de esta crisis, mostrando cómo puede estar causada por factores personales, sociales y culturales.
Babilonia (2022)
Babilonia es una epopeya estadounidense de 2022 de época negra comedia dramática Película escrita y dirigida por Damien Chazelle. Está protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie, Diego Calva, Jovan Adepo, Li Jun Li, Jean Smart, Tobey Maguire, Katherine Waterston, Samara Weaving, Flea y Max Minghella. La película sigue a un grupo de soñadores ambiciosos en Los Ángeles en la década de 1920, mientras la industria cinematográfica comienza la transición del cine mudo al sonoro.
Recepción de la crítica
Babylon recibió críticas mixtas, con algunos elogiando su ambición y actuaciones, mientras que otros criticaron su duración y excesos. Tiene un 61% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 277 reseñas, con una calificación promedio de 6.5/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Babylon es una película épica y ambiciosa, emocionante y agotadora a la vez. La dirección de Chazelle es enérgica y elegante, y las actuaciones son sólidas, pero la duración de la película y sus excesos pueden hacer que sea difícil de ver».
Taquilla
Babylon fue un fracaso de taquilla, recaudando 63.4 millones de dólares frente a un presupuesto de producción de 78-80 millones.
Premios y Reconocimientos
Babylon fue nominada a tres Premios Óscar: Mejor Banda Sonora Original, Mejor Diseño de Producción y Mejor Diseño de Vestuario. También recibió una nominación a Mejor Banda Sonora Original en los Globos de Oro.
El imperio de la luz (2023)
Imperio de la Luz (2023) es una película británica de drama psicológico escrita y dirigida por Sam Mendes. Está protagonizada por Olivia Colman, Michael Ward, Tom Brooke y Toby Jones. Se ambienta en un pueblo costero inglés a principios de los 1980 y sigue a un grupo de personas que trabajan en un cine mientras la industria comienza la transición del cine mudo al sonoro.
Recepción de la crítica
Empire of Light recibió críticas mixtas, con algunos elogiando sus actuaciones y cinematografía, mientras que otros criticaron su ritmo lento y su falta de enfoque. Tiene un 63% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 206 reseñas, con una calificación promedio de 6.6/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Empire of Light es un drama visualmente impactante y bien interpretado que a veces divaga, pero la sutil interpretación de Olivia Colman lo mantiene a flote».
Taquilla
El Imperio de la Luz fue una decepción de taquilla, recaudando 11.4 millones de dólares frente a un presupuesto de producción de 30 millones de dólares.
Napoleón (2023)
Napoleon Es una película dramática histórica de 2023 dirigida por Ridley Scott y escrita por David Scarpa. Está protagonizada por Joaquin Phoenix como Napoleón Bonaparte, el líder militar y político francés que alcanzó prominencia durante la Revolución Francesa y se convirtió en emperador de Francia entre 1804 y 1815.
La película narra el ascenso de Napoleón desde oficial de artillería corso hasta gobernante de Francia, así como sus campañas militares y su relación con su esposa, Joséphine de Beauharnais.
Recepción de la crítica
Napoleón recibió críticas mixtas. Algunos elogiaron sus actuaciones, en particular la interpretación de Phoenix de Napoleón, mientras que otros criticaron su guion y ritmo. La película tiene un 70% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 124 reseñas, con una calificación promedio de 6.7/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Joaquin Phoenix ofrece una actuación imponente como Napoleón en el épico drama histórico de Ridley Scott, que, aunque en ocasiones irregular, ofrece un retrato cautivador del ascenso y la caída de una figura compleja y controvertida».
Taquilla
Napoleón recaudó 95 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de entre 130 y 200 millones de dólares.
