Después del final de la Primera Guerra Mundial y antes de la Gran Depresión de 1929, la industria cinematográfica de Hollywood dominaba el mundo y el historia del cine Cambió radicalmente. Una industria que se presenta al público general como una fábrica de sueños que propone la realización del sueño americano. Una serie de personajes, héroes y heroínas casi siempre atractivos, con los que el público se identifica y que a menudo representan modelos a seguir.
Hollywood is a veritable factory of the imagination, an assembly line where films classified into easily codable genres are made. A way of making cinema very far from that of the European avant-gardes. The artistic research takes place in Hollywood sometimes almost by oportunidad, sometimes thanks to the merit of good directors who are put into making commercial films and also take advantage of it to experiment with their most daring ideas.
But Hollywood’s goal is essentially commercial business and to offer the public worlds of escapism in a universe of optimistic dreams. In fact, films rarely take a negative and nihilistic point of view that we often find in European cinema. Instead, they often offer an excessively sweetened and positivo vision of the world, both in the stories and in the style of the images.
The rise of Hollywood cinema is favored by the humanitaria following the end of the great war. The world economy is on its knees and the United States positions itself as a world leader in several key sectors. A policy of extreme liberalism is affirmed which allows American industrial products to impose themselves on foreign markets.
La década de 1920 fue una época de gran desarrollo económico, euforia y bienestar general. Sin embargo, algunos grupos sociales, como los inmigrantes campesinos y los mineros, se vieron excluidos o incluso penalizados por esta euforia consumista. Es lo que se conoce como la era del jazz o los locos años 20, en los que se consumía alcohol de contrabando y se buscaban nuevos sueños y mitologías.
El cine nació como un producto de consumo
El cine de Hollywood se ve favorecido por una gran disponibilidad de capital y una audiencia que pasa de 40 a 80 millones de espectadores en pocos años. Además, existe la posibilidad de exportar sus productos cinematográficos a todo el mundo.
La película se considera esencialmente un producto de consumo y su producción está rígidamente estructurada en un sistema vertical en el que los estudios controlan todas las etapas, desde la escritura hasta la distribución. Guionistas, actores y directores son empleados generosamente remunerados al servicio del productor, y la película solo tiene que existir si genera buenos beneficios.
Muchas productoras deciden construir sus propios cines en todo el país para maximizar sus ganancias. Desde entonces, las salas que no pertenecen a los grandes estudios se han visto obligadas a reservar las películas mediante un sistema llamado "Block Booking": los exhibidores se ven obligados a reservar paquetes completos de las películas de los estudios, que incluyen películas menores junto con los grandes éxitos. Esta práctica sigue siendo común entre los exhibidores de todo el mundo.
Oligopolio vertical de Hollywood
Los estudios unen fuerzas y se convierten en un auténtico oligopolio del sector cinematográfico, sin dejar espacio para la competencia ni para las producciones independientes, que, en cambio, habían sido fundamentales para el desarrollo del cine en Europa. Las salas se construyen como una arquitectura fabulosa, inspirada en un mundo exótico, barroco y rococó, para brindar al público la ilusión temporal de un viaje a un mundo rico y fantástico. Ese mundo que siempre le fue negado en la vida cotidiana.
El espectáculo también se enriqueció con noticieros, comedias, musical interludes and other vivir performances. The big three studios were Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer y First NationalLos estudios más pequeños eran Universal, Fox, Producer Distributing Corporation, Film Booking Office and Warner hermanosA ellos se suma United Artists Creada en 1919 por actores y directores como Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin y David Wark Griffith. Su objetivo era escapar del oligopolio y el dominio de las grandes productoras para seguir haciendo posible la existencia de un... Película independiente producción.
Las estrellas como herramienta de marketing
El cine de Hollywood nació, por lo tanto, como un organismo industrial y productivo, en un contexto laboral orientado a la eficiencia y la calidad de los productos. Sin embargo, opera en un contexto diferente al de la industria tradicional. Por ejemplo, es necesario controlar y romantizar la vida de las estrellas y su lado más áspero. Los chismes se convierten en una de las principales herramientas para atraer al público a ver las películas de las estrellas, y las vidas de ciertos actores comienzan a ser controladas por los productores, incluso fuera del set, para convertirlas en una herramienta de marketing.
Scandals, adulterers, the life of unbridled luxury and the amor affairs of the private life of the stars spread through the press, to create an aura of unattainable myth on the world of cinema. World of enormous wealth and adventurous lives that lower-class audiences can experience through the daydream of the big screen.
La censura y la moralidad de las películas de Hollywood
La iglesia y los grupos religiosos no ven con buenos ojos las noticias ni la exagerada riqueza del mundo hollywoodense y, junto con los estadounidenses de ideas acertadas de la época, comienzan a oponerse a él. Por eso, Hollywood, sintiéndose en peligro y en busca de legitimidad, decide implementar una política editorial moralista y censurada para sus películas.
En 1922, los principales estudios se unieron para crear la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas con el objetivo de establecer un conjunto de normas que regularan el contenido moral de las películas. El republicano William Hays, un poderoso ministro que podía servir de enlace con Washington, fue nombrado presidente de la MPPD. Sus reformas impusieron restricciones al contenido cinematográfico hasta que se concretaron en 1934 con la promulgación de una ley conocida como el «Código Hays». Este código estandarizó y reguló la producción de todas las películas estadounidenses, clasificadas en géneros bien definidos, dentro de estrechos límites morales inspirados por la Iglesia Católica.
Los elementos distintivos del cine de Hollywood se convirtieron así en un modelo espectacular repetitivo y fácilmente reconocible con la presencia de excelentes cualidades técnicas y formales. servicios socialesContenido moralmente correcto, según la cultura dominante de la gente sensata. La espera del espectador antes del estreno de las películas se ve impulsada por campañas de marketing estudiadas a fondo y difundidas por los medios de comunicación.
Los directores-emprendedores de Hollywood
El contexto de Hollywood permitirá el éxito de ciertas figuras del cine y del arte. Muchos grandes directores de la vanguardia europea no habrían tenido la más mínima oportunidad de trabajar en una industria cinematográfica de este tipo, que operaba en antítesis con sus motivaciones de investigación y experimentación.
El padre del cine estadounidense espectacular y de gran presupuesto es sin duda David Wark Griffith, quien con sus películas colosales El nacimiento de una nación y la intolerancia Está atrayendo la atención mundial. Las películas de Griffith inventan nuevos códigos del lenguaje cinematográfico en un contexto de gran producción industrial.
Su alumno continuará su tendencia, Erich Von Stroheim, con su poética del exceso de la ascendencia decadente europea. El cine cómico, por otro lado, se ve profundamente renovado por personalidades excepcionales como Charlie Chaplin y Buster KeatonUno de los directores que abraza plenamente la lógica industrial de la producción hollywoodense es Cecil B. De Mille, un director con indudables cualidades de empresario y productor.
Cecil B. De Mille
Sus películas se centran en la espectacularidad y en hilos dramáticos muy concretos, como los de la comedia brillante con fondo erótico y la mujer fatal y sin escrúpulos a menudo interpretada por Gloria Swanson. Hasta la década posterior al gran espectáculo películas históricas como Los Diez Mandamientos de 1923, que narra el episodio bíblico alternando con una parábola moderna. La película aparentemente condena el desenfreno sexual y los vicios desde todos los ángulos, en línea con la estricta censura estadounidense. Pero aprovecha esta situación para mostrar orgías y escenas pecaminosas que atraen al público en busca de transgresiones.
De Mille’s brilliant entrepreneurial formula can be summarized in blood, vie and the Bible, and is the basis of subsequent blockbusters such as El Rey de Reyes y la Señal de la Cruz, hasta varios años después en Sansón y Dalila en 1949. De Mille es el director perfecto para Hollywood que consigue canalizar su talento artístico. creatividad en una idea de negocio rentable y grande. Otros directores como Frank Borzage están en inicio in the politics of the Studios, which continued to produce a filmography of glitzy blockbusters until the 1950s.
Uno de los mayores éxitos de la película. Ben Hur De 1926, producida por Metro-Goldwyn-Mayer. Una obra colosal con decenas de miles de extras, para la que se tuvo que construir todo el Circo Máximo de Roma como escenografía. Rodada con técnicas innovadoras, como las aplicadas a las carreras de cuadrigas, que implicaban el uso simultáneo de numerosas cámaras, ubicadas desde diferentes puntos de vista.
King Vidor
Otro gran director del sistema de Hollywood de la década de 1920 fue King Vidor quien creó una gran epopeya pacifista titulada El gran desfile, de 1925, en la que alternaba hábilmente escenas de conflicto bélico con situaciones sentimentales: cánones y estereotipos todavía muy extendidos en el cine de Hollywood.
El éxito de la película le dio al jefe de MGM, Irving Thalberg, confianza en Vidor: el director pudo hacer una película más comprometida y no conformista como La MultitudDe 1928. Una película poco común en el Hollywood de la época, que indaga en la parábola existencial de un hombre desde su infancia hasta la madurez en una gran metrópolis como Nueva York. Una reflexión sobre el conformismo y la pérdida de individualidad del hombre de aquel momento histórico en la nueva dimensión de... homologación masiva y una mirada irónica y desencantada a la ideología falsamente optimista del hombre hecho a sí mismo y del sueño americano.
La multitud Es quizás la cumbre del cine mudo estadounidense y muestra soluciones técnicas y estilísticas audaces que representan con extraordinaria fuerza simbólica la relación entre el individuo y la multitud y el pérdida de identidad. Una película que está inspirada y tiene la fuerza del alemán. expresionismo utilizando movimientos de cámara y luces como símbolos poderosos de su contenido narrativo.
Nacimiento de un cine comercial capaz también de funcionar como herramienta de indagación social y política que continuó en los años siguientes, en 1929, con Aleluya Una película sobre la difícil situación de los hombres negros en las plantaciones de algodón del sur. Nuestro pan de cada día, 1934, que se enfrenta al flagelo del desempleo y que relata la crisis de la gran depresión de 1929.
Vidor continuará su carrera en ese sistema de géneros clásicos que propondrá Hollywood en los siguientes años para consolidar sus estrategias de producción y se impone en todo el mundo como una codificación de los géneros a los que corresponden los distintos públicos objetivos y negocios.
John Ford
Dentro del género nacen algunas vetas típicas de aquellos años como la vena pacifista, la Película de guerraEl humor slapstick y el western. Los westerns también se hacían a bajo costo para el público provincial. Uno de los directores que debutó con este tipo de películas baratas, John Ford con su película de 1924 El Hor de HierroEn los años siguientes, John Ford se convertiría en el autor más importante del género western, capaz de visualizar la dimensión arquetípica de la naturaleza y el paisaje y de encarnar la mitología y la ideología de Occidente.
Los nuevos géneros cinematográficos en Hollywood
Gracias al éxito El gabinete del doctor Caligari of Roberto Wiene Llegado a Estados Unidos en 1921, nació el interés del estudio por el género de terror, que será abordado principalmente por Universal. El actor Lon Chaney se especializa en el género, realizando películas como El jorobado de Notre Dame y El Fantasma ofOpera de 1925. Sin embargo, MGM firmará la famosa sociedad entre Lon Chaney y el director Tod Browning con la que el actor hará las películas más importantes como El extrañoEl de 1927.
Película de gánsteres Nació también por razones sociológicas, vinculadas al aumento de la delincuencia y el contrabando de alcohol en la época de la prohibición. Algunas películas como Chicago Nights (Inframundo) De Joseph von Sternberg 1927 hecha para Paramount, Marruecos en 1930 y El expreso de Shanghai 1932 matar the foundations and prototypes of the gangster genre.
The various genres reflect the moods and evolving society of the Roaring Twenties as the Estrella System shapes itself to interpret the moods, desires and aspirations of the mass audience. Divas like Nace Rodolfo Valentino, Encarnando la virilidad latina de una fotonovela. John Gilbert Intérprete del gran desfile que encarna el Romanticismo más libre y despiadado. Un nuevo modelo de actrices vampirescas como... Gloria Swanson, lo opuesto de americano novias como Mary Pickford en el estilo puritano y victoriano del cine de Griffith. El atlético Douglas Fairbanks, quien interpretó al notable El ladrón de Bagdad Raul Walsh de 1924, que representa el impulso optimista y positivo de la década, un nuevo tipo de estadounidense que aborda la alegría y la reconstrucción positiva de la sociedad estadounidense después de la guerra.
Finalmente, estrellas e intérpretes de sí mismos como Charlie Chaplin y Erich Von StroheimIntérpretes de personajes recurrentes como el vagabundo y el oficial cínico, que expresan un estilo de cine más independiente y de gusto europeo. Muestran las contradicciones de la sociedad estadounidense y sus frágiles valores, que pronto se verán abrumados por la Gran Depresión.
Hollywood y Peliculas clasicas
The classic Hollywood style will reach its full maturity with the advent of sound in the 30s and 40s. Sound will make it possible to get out of an idea of cinema as a partial and non-self-sufficient language accompanied by live shows and sound performances with a totally self-sufficient language. The world inside the big screen will become a world without any conexión to the reality off the screen to be enjoyed independently.
Muchas grandes obras cinematográficas surgieron en esta época y se realizaron con una técnica de producción extremadamente disciplinada. Dado que se producían muchas películas, no todas tenían por qué ser un éxito. Un estudio podía apostar por un presupuesto promedio con un gran guion y actores desconocidos. Esto ocurrió con Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada una de las mejores películas de la historia. Otros supervisores tenaces, como Howard Hawks, Alfred Hitchcock y Frank Capra, lucharon contra los estudios de Hollywood para hacer realidad sus imaginativas visiones.
El apogeo del éxito del principal sistema de estudios de Hollywood puede haber sido el año 1939, cuando se produjo el lanzamiento de peliculas clasicas más famoso en el historia del cineEl diseño visual-narrativo del cine de Hollywood estuvo fuertemente influenciado por los conceptos del Renacimiento y también por su concepto del renacimiento de la raza humana como objetivo principal.
Producción cinematográfica en Hollywood
The classic Hollywood style is differentiated into 3 basic degrees: devices, systems, and relations of systems. The most fundamental tools for classical Hollywood cinema are those of the relationship between viewer and scene on the screen. The 180-degree rule maintains the framing of the filmed scene by producing an imaginary 180-degree axis between the scene and the audience, allowing viewers to clearly orient themselves within the setting and actions in a scene. According to the 30-degree rule, the editar cuts from which the next shot is viewed would have to be adjusted for the viewer to recognize a point of view adjustment. Cuts that do not adhere to the 30 degree guideline should be avoided in order to maintain the impression of temporal connection between the moving images. The 30 and 180 degree guidelines are fundamental standards in cinema that were invented in early cinema, as seen in the 1902 Película francesa by George Méliès Un viaje a la Luna. Estas reglas sirvieron para mantener la conexión, como en el corte transversal, que desarrolla la secuencia de acciones en diferentes lugares. Se permiten cortes de inmersión, como el corte axial, que no alteran el ángulo de disparo completo, pero tienen el claro objetivo de revelar un punto de vista más detallado o más lejano del sujeto y, por lo tanto, no interfieren con la conexión temporal.
La narrativa de las películas de Hollywood
The classic storytelling of Hollywood movies steadily advances through the psychology of characters, that is, by the will of a human personality and in dealing with obstacles in the direction of a specific goal. This narrative component typically consists of a key story (such as a amor story) linked to one or more additional stories. This story is structured with a distinct beginning, middle, and end, and there is usually a well-defined resolución. The use of actors, events, causal actions, main and secondary narrative turns are fundamental attributes of the classic Hollywood film. Characters in classic Hollywood cinema have clearly defined characteristics, are energetic and very goal-oriented. They are motivated by psychological rather than social motivations. History is a chain of dominó effects with causal agents: In a classic Hollywood film, occasions don’t just happen arbitrarily.
Tiempo y espacio de Hollywood Películas
Hollywood movies time is linear without time jumps, for the reason that non-linearity calls attention to the artificiality of the cinematic medium. The only acceptable time manipulation in classic Hollywood movies is the escena retrospectiva. It is mainly used to present a series of memories of a character, such as in Casablanca.
La regla temporal más importante del cine clásico es la duración de los temas filmados: el público debe creer que la escena existe fuera del encuadre para mantener el realismo de la historia. La técnica de gestión del espacio en el Hollywood clásico busca ocultar la bidimensionalidad de las pantallas de proyección y, además, se centra en el cuerpo de los personajes. La mayoría de los planos de una película clásica se centran en el movimiento o los rostros, y son planos medios y planos medios-largos. Una película clásica de Hollywood se asemeja a una obra de teatro filmada en que los eventos parecen durar lo suficiente y los planos nos ofrecen el ángulo de visión ideal de toda la obra. Por lo tanto, las reglas del cine clásico de Hollywood contradicen profundamente la visión de... cine aerthouse, experimental y vanguardista, en la que el director busca ángulos de cámara subjetivos e impredecibles.
This rule of space contains 4 main elements: focus, depth, balance and frontality. The important subjects or things are mainly in the central part of the image and always clearly visible, well lit and perfectly focused. Balance is the rule according to which the characters and objects filmed are equally distributed throughout the frame. The action is filmed in the direction of the viewer, frontally, it is the set of the scene, the light and costumes are created to divide the foreground from the background of the image. Photography mainly uses the three-point lighting technique, especially high-key lighting, quite free of dark shadows, smooth and diffuse. It is a type of light that suggests an optimistic mood. Time and space are always subordinated to the narrative component.
