La sublimación del miedo
He aquí uno de los géneros fundamentales de la cinematografía que ha producido cientos de películas imperdibles¿Por qué? películas de terror¿Literatura de terror tan amada y que no conoce crisis? Porque resuelve una de las necesidades fundamentales del ser humano: la de sublimar lo más profundo y profundo. miedos irracionalesMiedos que escapan a la racionalidad de la conciencia. Porque con miedo no se vive bien y hay que deshacerse de él. Al contrario, no se vive con miedo en absoluto. ¿En qué sentido?
Muchos piensan que lo opuesto de amor Es odio. En realidad, el amor y el odio son dos caras de la misma moneda. Lo opuesto al amor es el miedo. Con miedo es imposible amar y ser feliz. El miedo también está conectado con algo que realmente no existe en... el presente momento: es un mal presentimiento de que está en un futuro hipotético.
Algo que tememos puede sucedernos. Puede que suceda o no. El miedo reside en nuestra imaginación en la mayoría de los casos: es una amenaza que surge de la imaginación del futuro. A través de una novela o una película de terror, nos enfrentamos a nuestros miedos. Se materializan en la pantalla o en la página escrita y los experimentamos como algo que realmente sucede, en el presente. Experimentar el miedo más grande significa conocerlo mejor, redimensionarlo y finalmente sublimarlo. Cuando el miedo deja de ser algo indefinido y toma forma, podemos definir sus límites, aceptarlo y superarlo.
El nacimiento del género del terror
El género de terror tiene sus raíces en la antigüedad, en la literatura de la antigua Grecia y la antigua Roma. Son cuentos inspirados en el folclore y la tradición religiosa, inspirados en el miedo a lo invisible, lo desconocido o lo monstruoso. Historias pobladas de seres sobrenaturales, fantasmas, vampiros, hombres lobo, asesinos y de todo tipo. relacionado al mal.
Uno de los primeros rastros del género de terror lo encontramos en Plutarco, en su obra Vidas paralelas describe la mal Espíritu del asesino Damone, asesinado en un baño público de Queronea. Plinio el Joven narra la historia de Atenodoro, quien se aísla en una casa embrujada para escribir su libro. La novela moderna de Frankenstein se inspira en la literatura griega clásica con los personajes de Prometeo e Hipólito.
Las películas de terror en los orígenes del cine
El cine de terror casi comienza con la invención del propio cine. La primera película de terror se atribuye a Georges Méliès y se tituló Le manoir du diable (La mano del diablo), seguida de otra. cortometrajes del director-mago francés La cueva maldita.
Las mejores películas de terror de la era muda han marcado el historia del cine Como Nosferatu el vampiro de Murnau, Vampyr de Dreyer o El gabinete del doctor Caligari, la película que inició el expresionismo cinematográfico. En aquellos años, el cine de terror habría tenido un gran auge entre directores alemanes.
Además de nuestras localidaded en cine de vanguardia, Hollywood También produce horror obras maestras que habría quedado grabado en la memoria, como el de James Whale. Frankenstein y Drácula de Tod Browning. En la década de 1920 apareció el primer monstruo deforme en el historia del cineEl jorobado de Notre Dame. En 1925, Hollywood produjo otra película. inolvidable para tus asistentes Película El fantasma de la ópera, protagonizada por el actor Lon Chaney.
Las mejores películas de terror de los años 30 y 40
En la década de 1930, Universal se especializó en películas de terror, creando una extensa colección de monstruos. Después de Drácula y Frankenstein, produjeron películas como La Momia y El Hombre Invisible. Otros estudios, como Paramount y Warner Bros. hermanos produjo menos películas de terror, pero con algunos buenos resultados como The Wax Mask y Dr. Jekyll.
En la década de 1940, Universal se centra en los hombres lobo con películas como El hombre lobo y una larga serie sobre Frankenstein. RKO produce El hombre leopardo, Caminé con un zombi y El beso de la pantera, dirigidas por Jacques Tourneur.
Las mejores películas de terror de los años 50 y 60
En los años 50, gracias a la tecnología y los efectos especiales, el cine de terror cruza la ciencia ficción para contar la atmósfera oscura de la guerra fría, con películas como La cosa de otro mundo de Howard Hawks y La invasión de los ladrones de cuerpos.
Entre finales de los años 50 y principios de los 60, nació la primera productora especializada exclusivamente en películas de terror: Hammer Film. Junto al director Terence Fisher, produjeron prototipos de lo que se convertiría en el cine de terror moderno. Algunos títulos para recordar son La máscara de Frankenstein, Drácula el vampiro y el remake de La momia.
Roger Corman produjo innumerables películas de terror, especializándose en las llamadas películas de serie By la incorporación de varios cuentos de Edgar Allan Poe a la pantalla. En la década de 1960, el cine de terror se vuelve más explícito y violento. Las películas de terror también se utilizan para describir miedos relacionados con la política y el desarrollo tecnológico y del consumo, por ejemplo, en la película Asalto a la Tierra.
A finales de los 60, los monstruos clásicos pasan a un segundo plano y el cine de terror se vuelve psicológico con películas como Psicosis, de Alfred Hitchcock, y El ojo asesino, de Michael Powell. Numerosas películas de bajo presupuesto... películas independientes También se realizan películas como Blood Feast (1963) y Two Thousand Maniacs! (1964), que marcan el comienzo del género de terror más sangriento. En 1968, George Romero impulsó el género zombi. Con un presupuesto muy bajo, realizó una de las películas de terror más importantes de la época: La noche de... alga viva muerto.
Películas de terror de los años 70
Sin embargo, en los años 70, el tema predominante del género de terror parece ser la posesión demoníaca de niños y adolescentes. Algunos títulos son Rosemary de Roman Polanski. BebéEl exorcista de William Friedkin, Audrey Rose, La profecía. Un subgénero de terror que continuará en las siguientes décadas. La guerra de Vietnam también afecta a películas como "No abras esa puerta" y "La última casa a la izquierda".
El creciente fenómeno del consumismo y el cambio de estilo de vida inspiraron numerosas películas de terror, como El demonio bajo tu piel, de David Cronenberg, y la secuela de La noche de los muertos vivientes, Zombie, de George Romero, en la que los protagonistas están atrapados en un centro comercial.
En Italia, el maestro del suspense es Dario Argento. Director italiano Realiza numerosas películas de terror de gran impacto, exportadas a todo el mundo. Mientras tanto, el joven y brillante director también se aventura en el género, Brian De Palma, creando una de las mayores obras maestras del terror. historia del cineCarrie. Incluso John Carpenter, a finales de los 70 y principios de los 80, implementó varias películas de terror. Una de ellas se convirtió en el mayor éxito del género slasher, una película de terror subprotagonizada por un grupo de jóvenes perseguidos por un... asesino múltiple. Es Halloween.
En 1979, el género de terror volvió a fusionarse con la ciencia ficción en la obra maestra Alien de Ridley Scott. Mientras tanto, una nueva y fructífera producción de películas de terror de serie B nació en Europa con directores italianos como Mario Bava, Lucio Fulci y Ruggero Deodato. directores españoles Como Paul Naschy, Amando de Ossorio y Jesús Franco. Incluso el cine de Hong Kong es muy prolífico en el género de terror.
Películas de terror de los años 1980
En la década de 1980, las películas de terror se convirtieron en éxitos comerciales con un lenguaje menos original y directores con menos personalidad. Películas de terror como Poltergeist, Viernes 13th Se estrenan Pesadilla, Hellraiser y muchas más. La excepción es la obra maestra El Resplandor de Stanley Kubrick, una película 100%... película de autor que también logra tener un gran éxito. John Carpenter crea una hermosa horror de ciencia ficción, ambientada en el hielo del polo, que, sin embargo, no tiene mucho éxito. Se trata de "The Thing", de 1982.
Inicio El vídeo contribuyó al crecimiento de un mercado floreciente en VHS con películas de terror comerciales y películas de serie B de diversos géneros. Muchos directores realizan películas de terror independientes de muy bajo presupuesto para el mercado del vídeo doméstico sin pasar por la distribución en salas. Películas como Motel Hell, de 1980, y Basket case, de 1982, retomaron temas de películas de terror anteriores, pero con un tono más irónico y grotesco. Algunos directores, como Sam Raimi y Peter Jackson, crean un nuevo tipo de películas de terror cómicas con títulos como House 2 y Out of the Head, ambas películas independientes de bajo presupuesto.
La producción independiente y económica del cine de terror de los años 1980 dio lugar a la creación de diferentes géneros para distintos nichos de público. El más exitoso es el... género salpicado, que muestra sangre y violencia de la forma más explícita y macabra. Nacen personajes inéditos en el cine de terror, como los Gremlins, los elfos malvados y las muñecas asesinas.
Películas de terror de los años 90
En los 90, el cine de terror no tuvo grandes novedades. Los subgéneros y los prototipos de los 80 continuaron. Se rodaron numerosas secuelas, como las de Halloween y Pesadilla. El director John Carpenter continuó su carrera con películas de terror con implicaciones sociales y políticas muy interesantes, como La Semilla de la Locura. La película Scream retomó el subgénero del cine de terror cómico.
Una de las pocas producciones originales, de 1997, es la película canadiense The Cube, que narra los miedos relacionados con problemas sociales como la burocracia. En los 90, el cine de terror pasó a un segundo plano en comparación con otros géneros. Demasiadas películas de vídeo domésticas mediocres, con escenas excesivamente sangrientas, habían saturado el mercado y hartado al público adolescente. Los jóvenes comenzaron a preferir... películas de ciencia ficción, cada vez más espectacular gracias al uso de modernos efectos especiales digitales.
Una excepción es Drácula de Francis Ford Coppola, que recupera el terror en la tradición clásica del cine de la Hammer. En 1999, la película independiente The Blair... Bruja El proyecto, rodado con unos pocos miles de euros por un grupo de niños estadounidenses, se convirtió en un éxito mundial, recaudando más de 200 millones de dólares en todo el mundo. Es una película mediocre, pero se lanzó mediante innovadoras estrategias de marketing digital dirigidas a un público adolescente.
Películas de terror de los años 2000
En la década de 2000, el género de terror decayó aún más e intentó perseguir el éxito de taquilla con una serie interminable de remakes y secuelas. Los videojuegos impulsan a las productoras a invertir en nuevos... películas de zombies y solo producen resultados mediocres. Se produce una larga lista de películas de terror comerciales sin personalidad, como Amityville, El Aro, El Exorcista: el génesis, Freddy contra Jason, Resident Evil, Destino Final, El... Exorcismo de Emily Rose, Saw, El Acertijo, Hostal, Recreación.
Una excepción a la estandarización, el creciente cine de terror de la década del 2000, es la película de Rob Zombie, como La Casa de los 1000 Cadáveres. Rob Zombie es uno de los pocos directores que nutre su cine de terror con interesantes referencias sociales y políticas, como las de John Carpenter. No hay distinción entre el bien y el mal. Los monstruos suelen ser víctimas de un mecanismo social monstruoso y violento.
Películas de terror de la década de 2010
En la década de 2010 se produce un renacimiento del cine de terror de autor con obras muy interesantes como Escape – Get out de Jordan Peele y películas del director Ari Aster como Hereditary – Las raíces del mal y Midsommar – El pueblo de los condenados.
Películas de terror que debes ver sin duda
Aquí hay una lista de películas de terror que definitivamente vale la pena ver al menos una vez: desde grandes clásicos, obras maestras y culto Películas a independientes menos conocidas y divertidas. películas de serie B que quizá nunca hayas visto o escuchado.
El gabinete del doctor Caligari (1920)
El Gabinete del Dr. Caligari (en alemán: El gabinete del Dr. Caligari) es una película de terror muda alemana de 1920 dirigida por Roberto Wiene Escrita por Hans Janowitz y Carl Mayer, la película está considerada una de las más influyentes de la historia del cine.
Parcela
La película se ambienta en Holstenwall, un pequeño pueblo alemán. El Dr. Caligari, hipnotizador, exhibe a Cesare, un asesino sonámbulo. Cesare asesina a varias personas, entre ellas al padre de Francis, un joven estudiante. Francis, junto con un amigo, comienza a investigar al Dr. Caligari y descubre que es un loco que ha secuestrado a Cesare y lo utiliza para cometer sus crímenes.
Estilo
La película se caracteriza por su escenografía expresionista, que utiliza líneas torcidas, formas distorsionadas y colores atrevidos para crear una atmósfera inquietante y surrealista. estilo expresionista También se evidencia en los ángulos de la cámara, que a menudo están inclinados o distorsionados.
Temáticas
La película explora una serie de temas, entre ellos:
- Locura: El Dr. Caligari es un personaje demente que se cree hipnotizador. Su locura se refleja en la escenografía distorsionada y los ángulos de cámara perturbadores.
- El poder de la hipnosis: Cesare es un sonámbulo que se encuentra bajo el control del hipnotizador. La hipnosis se presenta como un poder peligroso que puede usarse para controlar a las personas.
- Realidad e ilusión: La película juega con la realidad y la ilusión. Al final, se revela que el Dr. Caligari está loco y que sus historias son solo alucinaciones.
Ver El gabinete del doctor Caligari
El Golem: cómo llegó al mundo (1920)
El Golem: cómo llegó al mundo (en alemán: Der Golem, wie er in die Welt kam) es un alemán de 1920 cine mudo dirigido por Carl Boese y Paul Wegener, quien también interpreta el papel principal. Está basada en la novela homónima de 1915 de Gustav Meyrink.
La película narra la historia de un rabino en la Praga del siglo XVI que crea un gólem, una criatura de arcilla animada por arte de magia, para proteger a su pueblo de los pogromos. Al principio, el gólem es un sirviente leal, pero pronto se vuelve peligroso e incontrolable. El rabino se ve obligado a destruirlo para salvar la ciudad.
Parcela
En el gueto judío de Praga, en el siglo XVI, el rabino Loew (Paul Wegener) se preocupa por la seguridad de su pueblo, cada vez más amenazado por los pogromos. Loew decide crear un gólem, una criatura de arcilla animada por magia, para proteger a su pueblo.
Loew crea el gólem mediante un ritual cabalístico. Inicialmente, el gólem es un sirviente leal, pero pronto se vuelve peligroso e incontrolable. Comienza a matar a los enemigos del pueblo judío, pero pronto también a inocentes.
Temáticas
El Golem: cómo llegó al mundo explora diversos temas, entre ellos:
- El conflicto entre el bien y el mal: El gólem representa el lado oscuro de la naturaleza humana. Es un ser poderoso y destructivo que puede usarse para el bien o para el mal.
- Creación: El gólem es una obra de creación, tanto del rabino Loew como de Dios. La película explora el tema de la creación y sus consecuencias.
- Identidad: El gólem es un ser sin identidad. Es un ser artificial sin historia ni personalidad propia. La película explora el tema de la identidad y su importancia.
Recepción
El Gólem: Cómo llegó al mundo fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su estética expresionista, las actuaciones de Wegener y su cautivadora historia.
La película está considerada un clásico del cine alemán. cine expresionistaEs una de las películas más importantes del género y ha influido en muchas otras películas de terror y películas de fantasía.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Praga, Checoslovaquia.
- La película fue dirigida por Carl Boese y Paul Wegener, quien también protagoniza.
- La película está basada en la novela del mismo nombre de Gustav Meyrink, publicada en 1915.
- La película fue producida por Decla-Bioscop, una productora cinematográfica alemana.
Análisis:
El Gólem: Cómo Llegó al Mundo es una película que explora el conflicto entre el bien y el mal. El Gólem representa el lado oscuro de la naturaleza humana. Es un ser poderoso y destructivo que puede usarse para el bien o para el mal.
La película también explora el tema de la creación y sus consecuencias. El gólem es una obra de creación, tanto del rabino Loew como de Dios.
Finalmente, la película explora el tema de la identidad. El gólem es un ser sin identidad. Es un ser artificial sin historia ni personalidad propia. La película explora el tema de la identidad y su importancia.
La película se rodó en estilo expresionista, que enfatiza las formas y líneas angulares. Se caracteriza por una atmósfera oscura e inquietante que contribuye a crear una sensación de suspenso y miedo.
El carruaje fantasma (1921)
El Fantasma Carro (Körkarlen; literalmente "El conductor del carro") es una película muda sueca de 1921 dirigida por Victor Sjöström, basada en la novela homónima de 1912 de Selma Lagerlöf.
Parcela
La historia comienza con David Holm, un joven trabajador residente en Estocolmo. David es un hombre violento y rebelde que descuida a su esposa. Editar y su hijo pequeño. Una noche, mientras estaba borracho, David mata a un hombre.
El Next Un día, David despierta en el cementerio, donde se encuentra con un misterioso carruaje. Este le dice que está destinado a conducir su carruaje fantasma, que recoge las almas de los muertos que han vivido una vida de pecado.
David intenta escapar del conductor, pero en vano. Este lo lleva a un mundo de sombras y terror, donde deberá afrontar las consecuencias de sus actos.
Temáticas
El carro fantasma Explora una serie de temas, entre ellos:
- Pecado y redención: La película explora el tema del pecado y la redención. David es un hombre que ha cometido un grave pecado, pero aún tiene la oportunidad de redimirse.
- La muerte y el más allá: La película explora el tema de la muerte y el más allá. El carruaje fantasma representa el viaje del alma. después de la muerte.
- Naturaleza humana: La película explora la naturaleza humana, tanto la bondad como la maldad. David es un personaje complejo y multifacético que representa tanto el lado oscuro como el lado positivo de la naturaleza humana.
Recepción
El carro fantasma Fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su estética expresionista, la dirección de Sjöström y la interpretación de Victor Sjöström como David Holm.
La película se considera un clásico del cine mudo sueco. Es una de las películas más importantes del género y ha influido en muchas otras películas de ciencia ficción y terror.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Suecia.
- La película fue dirigida por Victor Sjöström, uno de los directores más importantes del cine mudo sueco.
- La película está basada en la novela homónima de Selma Lagerlöf, publicada en 1912.
- La película fue producida por Svensk Filmindustri, una productora cinematográfica sueca.
Análisis:
El carro fantasma Es una película que explora el tema del pecado y la redención. David es un hombre que ha cometido un grave pecado, pero aún tiene la oportunidad de redimirse.
La película se ambienta en un mundo oscuro y amenazador, que representa el mundo interior de David. El carruaje representa su conciencia, que lo obliga a confrontar sus actos.
La película tiene un final abierto que deja al público con una sensación de esperanza. David tiene la oportunidad de redimirse, pero debe afrontar un largo y difícil viaje.
Haxán (1922)
Una obra maestra de terror única en la historia del cine. Haxan es una película sobre brujas Y también una película de autor, un falso documental y una película de denuncia. Fue realizada por el brillante director sueco Benjamin Christensen, quien interpreta al diablo en la película.
La película se divide en dos partes. La primera parte, “La brujería como superstición”, examina los orígenes de la brujería en las creencias primitivas en demonios y espíritus malignos. La segunda parte, “La brujería como realidad”, examina la persecución de las brujas en la Edad Media y su relación con la psicología humana.
Häxan Es una película experimental que combina técnicas documentales y narrativas. La película utiliza material de archivo, actores y escenas reconstruidas para contar su historia.
La película fue un éxito de crítica y público tras su estreno. Fue elogiada por su originalidad y por su exploración de un tema complejo y controvertido.
Parcela
La primera parte de la película comienza con un repaso de la historia de la brujería. La película argumenta que la brujería tiene su origen en creencias primitivas en demonios y espíritus malignos. Estas creencias solían asociarse con las mujeres, a quienes se acusaba de brujería.
La primera parte de la película también examina las prácticas mágicas asociadas con la brujería. Estas prácticas incluían el uso de pociones, hechizos y rituales. La película argumenta que estas prácticas a menudo se utilizaban con fines benignos, como la curación o Protección.
La segunda parte de la película examina la persecución de las brujas en la Edad Media. La película argumenta que estas persecuciones a menudo estaban motivadas por el miedo y la ignorancia. A menudo se acusaba a las brujas de ser responsables de desastres como hambrunas y plagas.
La segunda parte de la película también examina la relación entre la brujería y la psicología humana. La película argumenta que la brujería puede considerarse un producto de la imaginación humana. Quienes creen en la brujería suelen proyectar sus propios deseos y miedos en los demás.
Interpretación
Häxan Es una película que puede interpretarse de diversas maneras. Una interpretación es que es una crítica a la superstición y la ignorancia. Argumenta que la brujería es producto de estas fuerzas.
Otra interpretación es que la película es una reflexión sobre la naturaleza humana. Argumenta que la brujería es producto de la imaginación humana. Quienes creen en la brujería suelen proyectar sus propios deseos y miedos en los demás.
Independientemente de su interpretación, Häxan es una película que permanece Relevante hoy. Es una película que nos invita a cuestionar nuestra naturaleza humana y nuestra relación con el mundo que nos rodea.
Profanación de tumbas, tortura, monjas poseídas por demonios y aquelarres: Haxan, Brujería a través de los tiempos es una película de terror increíblemente original y original que se ha convertido en leyenda con el tiempo. No es solo una película de terror, sino una película de increíble profundidad moral y espiritual.
Mira a Haxan
Nosferatu (1922)
Nosferatu (1922) es una película muda de terror alemana dirigida por Frente Marino Murnau y protagonizada por Max Schreck como el Conde Orlok. La película es una adaptación no autorizada de la novela de Bram Stoker. Drácula, con los nombres de los personajes y lugares cambiados.
Parcela
Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim) es enviado por su agente inmobiliario Knock (Alexander Granach) a Transilvania para cerrar un trato con el misterioso conde Orlok (Max Schreck). Cuando Hutter llega a la casa de Orlok... castilloLo recibe Krenk (Georg H. Schnell), el sirviente del Conde. Orlok es un vampiro horrible que se aprovecha de los vivos.
Hutter pronto se da cuenta de que está en peligro, pero no puede escapar del castillo. Orlok lo muerde y bebe su sangre, dejándolo débil y enfermo. Orlok viaja entonces a Wisborg, el pueblo natal de Hutter, donde comienza a propagar la plaga.
La esposa de Hutter, Ellen (Greta Schröder), sospecha que Orlok es un vampiro. Un sacerdote local le dice que la única manera de matar a un vampiro es clavarle una estaca en el corazón. Ellen confronta a Orlok y le clava una estaca en el corazón, matándolo.
Estilo
Nosferatu Se considera una de las películas de terror más influyentes de la historia. Fue una de las primeras en utilizar el expresionismo, un estilo cinematográfico que utiliza decorados e iluminación distorsionados para crear una sensación de inquietud y terror. La cinematografía también destaca por el uso de sombras y primeros planos.
Temáticas
Nosferatu Explora una serie de temas, entre ellos:
- Los peligros de la codicia: Hutter es enviado a Transilvania para cerrar un trato con Orlok, a pesar de que le advierten sobre la peligrosa reputación del Conde. Su avaricia lo lleva a la ruina.
- El poder del amor: El amor de Ellen por su marido le da la fuerza para enfrentarse a Orlok y matarlo.
- Los peligros de el desconocido: Orlok es una figura misteriosa y extraña. Representa los peligros de lo desconocido y el poder del mal.
Influir
Nosferatu Ha influido en innumerables cineastas, como Werner Herzog, Bela Lugosi y Christopher Lee. Sus imágenes y personajes icónicos se han arraigado en la cultura popular.
Legado
Nosferatu Se considera una obra maestra del cine de terror. Es una película bien hecha y que invita a la reflexión, que explora temas importantes como los peligros de la avaricia, el poder del amor y los peligros de lo desconocido. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.
Dato curioso: Max Schreck, el actor que interpretó al Conde Orlok, fue tan convincente en su papel que algunas personas creyeron que en realidad era un vampiro.
El Dr. Mabuse, el jugador (1922)
El Dr. Mabuse, el jugador (Alemán: Dr. Mabuse, der Spieler) es una película muda alemana de 1922 dirigida por Fritz LangBasada en la novela homónima de Norbert Jacques, la película narra la historia del Dr. Mabuse, un genio criminal que controla la ciudad de Berlín mediante una red de crimen y corrupción.
Parcela
La película comienza con la fuga del Dr. Mabuse de un hospital psiquiátrico. Mabuse es un genio criminal que ha controlado la ciudad de Berlín mediante una red de crimen y corrupción. Mabuse ha sido internado en un hospital psiquiátrico, pero ha logrado escapar.
Mabuse comienza a reconstruir su red criminal. Usa su poder para controlar la ciudad y enriquecerse. Mabuse también es un genio del crimen, y sus planes siempre están bien concebidos.
El comisario von Wenk recibe la misión de capturar a Mabuse. Wenk es un hombre astuto y decidido, pero Mabuse es un oponente formidable.
La película termina con la muerte del Dr. Mabuse. Mabuse muere en un accidente de coche, pero su espíritu sigue rondando la ciudad.
Temáticas
Doctor Mabuse, El jugador Explora una serie de temas, entre ellos:
- El bien contra el mal: La película explora el conflicto entre el bien y el mal. El Dr. Mabuse representa el mal, mientras que el Comisario von Wenk representa el bien.
- La naturaleza humana: La película explora la naturaleza humana, tanto la bondad como la maldad. El Dr. Mabuse es un personaje complejo y multifacético que representa tanto el lado oscuro como el lado positivo de la naturaleza humana.
- Potencia: La película explora el poder y su potencial maligno. El Dr. Mabuse usa su poder para controlar la ciudad y enriquecerse.
Recepción
El Dr. Mabuse, el jugador Fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por su estética expresionista, la dirección de Lang y la interpretación de Rudolf Klein-Rogge como el Dr. Mabuse.
La película se considera un clásico del cine expresionista alemán. Es una de las películas más importantes del género y ha influido en muchas otras películas de ciencia ficción y terror.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Alemania.
- La película fue dirigida por Fritz Lang, uno de los directores más importantes del cine expresionista alemán.
- La película está basada en la novela homónima de Norbert Jacques, publicada en 1921.
- La película fue producida por Decla-Bioscop, una productora cinematográfica alemana.
Análisis:
El Dr. Mabuse, el jugador Es una película que explora el tema del bien y el mal. El Dr. Mabuse representa el mal, mientras que el Comisario von Wenk representa el bien.
La película se ambienta en un Berlín oscuro y amenazador, que representa el lado oscuro de la naturaleza humana. El Dr. Mabuse es un genio del crimen, y sus planes siempre están bien concebidos.
La película tiene un final abierto que deja al público con una sensación de inquietud. El Dr. Mabuse es un oponente formidable, y su espíritu sigue rondando la ciudad.
Las manos de Orlac (1924)
“Las manos de Orlac” es una película de 1924 dirigida por el director austriaco Roberto WieneEs una película muda de la época de cine expresionista Alemán, conocido por su trama inquietante y su uso de técnicas visuales distorsionadas.
La película narra la historia de Paul Orlac, un célebre pianista que pierde ambas manos en un accidente de tren. Presionado por su ambiciosa esposa, Yvonne, Orlac se somete a un trasplante de mano que le permite volver a tocar el piano. Sin embargo, Orlac empieza a temer que las nuevas manos sean las de un asesino, al tiempo que experimenta visiones y pesadillas inquietantes.
La película explora temas como la identidad, la psicología y el conflicto interno, utilizando un enfoque visual muy estilizado. La dirección de Wiene utiliza la iluminación y los ángulos de cámara para crear una sensación de tensión y desorientación, mientras que el diseño de interiores y vestuario es sumamente estilizado y surrealista.
La película ha sido objeto de numerosas nuevas tomas y adaptaciones, incluida una adaptación de 1935 protagonizada por Peter Lorre y una nueva versión de 1960 titulada "Las manos de Orlac". La película se considera un clásico del cine expresionista alemán e influyó en varios directores posteriores, incluidos Alfred Hitchcock y David Lynch.
El fantasma de la ópera (1925)
El fantasma de la ópera (1925) es una película muda dirigida por Ruperto Julián. Está basada en la novela homónima de Gastón Leroux, que cuenta la historia de Erik, un músico brillante pero desfigurado que vive escondido en las catacumbas de la Ópera de París; dispuesto a todo para llevar al éxito a la joven cantante Christine, de quien está secretamente enamorado.
La película está protagonizada por Lon Chaney como el Fantasma, Mary Philbin como Christine y Normando Kerry como Raoul, el prometido de Christine. Chaney fue elogiado por su actuación, que se ha calificado de "macabra y perturbadora". La película también fue elogiada por su cinematografía, que se ha calificado de "sofisticada y atrevida".
El Fantasma de la Ópera fue un éxito de crítica y taquilla tras su estreno. Se considera una de las películas más importantes del cine mudo y contribuyó a consolidar la reputación de Chaney como uno de los actores más destacados del cine.
Parcela
La película comienza con Christine Daaé, una joven soprano, audicionando para el papel de Christine Daaé en la Ópera de París. Inicialmente es rechazada, pero el Fantasma, una misteriosa figura que ronda la ópera, la oye cantar y queda impresionado por su talento. Empieza a darle clases particulares en secreto, y rápidamente se convierte en una de las cantantes más populares de la ópera.
El éxito de Christine despierta los celos de Carlotta Giudicelli, la prima donna de la ópera. Carlotta está decidida a destruir a Christine y la acusa de robarle su papel. El Fantasma, también enamorado de Christine, interviene y la salva.
Interpretación
El Fantasma de la Ópera es una película compleja y multifacética que puede interpretarse de diversas maneras. Una interpretación es que la película es una advertencia sobre los peligros de la obsesión. El Fantasma es un músico brillante, pero su obsesión con Christine lo lleva a la locura. Está dispuesto a hacer cualquier cosa para poseerla, incluso si eso significa hacerle daño a ella o a otros.
Otra interpretación es que la película es una metáfora del proceso creativo. El Fantasma es un artista atormentado que encuentra consuelo en su música. Es capaz de expresarse a través de ella de una forma que no le es posible en el mundo real. Christine es una musa para el Fantasma, y su voz lo inspira a crear.
Al final, el Fantasma es una figura trágica. Es víctima de su propia obsesión y de su propia... creatividadÉl es incapaz de encontrar la felicidad en el mundo real y finalmente se destruye a sí mismo.
Legado
El Fantasma de la Ópera es una pelicula clasica Que ha sido adaptada a muchas otras formas, incluyendo musicales, programas de televisión y videojuegos. Es una historia de amor, obsesión y el lado oscuro de la psique humana.
Una página de locura (1926)
Una página de locura (狂った一頁, Kurutta Ippeiji) es una película de terror experimental muda japonesa de 1926 dirigida por Teinosuke KinugasaLa película está considerada como una obra maestra del cine japonés y una de las películas mudas más influyentes jamás realizadas.
Parcela
La película narra la historia de un artista enloquecido por su obsesión con una mujer que se parece a su difunta esposa. Su locura se manifiesta en una serie de visiones cada vez más perturbadoras y surrealistas.
Estilo
Una página de locura es conocida por su cinematografía innovadora y revolucionaria. Kinugasa utilizó una variedad Se utilizan diversas técnicas, como superposiciones, exposiciones múltiples y edición rápida, para crear una sensación de desorientación e inquietud. Las imágenes de la película también son muy estilizadas, con un enfoque en colores vibrantes y formas geométricas.
Temáticas
Una página de locura Explora una serie de temas, entre ellos:
- Locura: La película es una poderosa exploración de la mente humana y su capacidad para la locura. El descenso del artista a la locura se muestra en una serie de imágenes cada vez más perturbadoras y surrealistas.
- Obsesión: El artista está obsesionado con una mujer que se parece a su difunta esposa. Esta obsesión lo lleva a la locura y, finalmente, a su destrucción.
- Arte y realidad: La película explora la relación entre el arte y la realidad. La locura del artista se manifiesta en su arte, y este comienza a difuminar los límites entre la realidad y la fantasía.
Influir
Una página de locura Es una de las películas mudas más influyentes de la historia. Ha inspirado a innumerables cineastas, como Akira Kurosawa, David Lynch y Martin Scorsese. También se considera una gran influencia en el desarrollo del cine japonés.
Legado
Una página de locura Se considera una obra maestra de cine japonés y una de las películas mudas más importantes de la historia. La película es elogiada por su innovadora cinematografía, su poderosa exploración de la locura y su influencia en innumerables cineastas.
Dato curioso: Se creyó que la película estaba perdida durante casi 50 años, pero fue redescubierta en 1971.
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Fausto (1926)
Faust es una película muda alemana dirigida por FW Murnau. Está basada en la obra clásica Fausto de Johann Wolfgang von Goethe, que cuenta la leyenda de Fausto, un erudito que hace un pacto con el diablo Mefistófeles a cambio de juventud y conocimiento.
La película está protagonizada por Gösta Ekman como Fausto, Emil Jannings como Mefistófeles y Camilla Horn como Gretchen, el interés amoroso de Fausto. Se considera una de las mejores películas mudas de la historia y es elogiada por sus innovadores efectos visuales, su cinematografía expresionista y su cautivadora banda sonora.
Parcela
La película comienza con Fausto, un anciano alquimista, lamentando su vejez y su falta de conocimiento. Implora la ayuda de Dios, y Mefistófeles se presenta ante él, ofreciéndole juventud y conocimiento a cambio de su alma. Fausto accede, y Mefistófeles lo transforma en un joven.
Fausto y Mefistófeles viajan juntos por el mundo, disfrutando de todo tipo de placeres. Fausto se enamora de Gretchen, una joven e inocente. Sin embargo, su relación está condenada al fracaso desde el principio, ya que el alma de Fausto pertenece a Mefistófeles.
Fausto (1926) es una película impactante y sugerente que explora los temas del bien y el mal, la tentación y la redención. Es una película imprescindible para los amantes del cine mudo y la literatura clásica.
Frankenstein (1931)
Frankenstein (1931) es una película de terror clásica dirigida por James Whale y protagonizada por Colin Clive como Henry Frankenstein y Boris Karloff como la criatura. La película está basada en la novela homónima de 1818 de Mary Shelley.
Parcela
El Dr. Henry Frankenstein es un brillante científico obsesionado con la creación de vida. Logra ensamblar una criatura con partes del cuerpo de un difunto, pero la criatura es deforme y monstruosa. Frankenstein, horrorizado por su creación, la abandona.
La criatura queda abandonada a su suerte y pronto aprende que la sociedad no la acepta. Todos con los que se topa la temen y la detestan. Se enfurece y se venga, y comienza a matar a quienes la han perjudicado.
Temáticas
Frankenstein Explora una serie de temas, entre ellos:
- Los peligros de la ambición científica: La ambición de Frankenstein por crear vida lo lleva a la ruina. Crea un monstruo que no puede controlar y que finalmente lo destruye.
- La importancia de la aceptación: La criatura es rechazada por la sociedad debido a su apariencia. Este rechazo la lleva a enojarse y a ser vengativa.
- La naturaleza del bien y del mal: Frankenstein es una buena persona que se deja llevar por su ambición. La criatura es un monstruo, pero también una víctima. La película sugiere que el bien y el mal no siempre están claramente definidos.
Influir
Frankenstein Es una de las películas de terror más influyentes de la historia. Ha sido rehecha y adaptada en numerosas ocasiones y ha inspirado innumerables películas, libros y programas de televisión. Sus imágenes y personajes icónicos se han arraigado en la cultura popular.
Legado
Frankenstein Se considera un clásico del cine de terror. Es una película bien hecha y que invita a la reflexión, que explora temas importantes como los peligros de la ambición científica, la importancia de la aceptación y la naturaleza del bien y del mal. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.
Dato curioso: Boris Karloff nunca habló en la película. Sus únicas líneas eran gruñidos y rugidos.
Drácula (1931)
Drácula (1931) es una película clásica de terror estadounidense dirigida por Tod Browning y protagonizada por Bela Lugosi como el Conde Drácula. La película está basada en la novela homónima de Bram Stoker de 1897.
Parcela
La película comienza con un joven abogado inglés, Renfield (Dwight Frye), que viaja a Transilvania para vender un castillo al Conde Drácula (Bela Lugosi). Los lugareños le advierten sobre Drácula, de quien se rumorea que es un vampiro, pero Renfield ignora sus advertencias.
Cuando Renfield llega al castillo de Drácula, es recibido por el mismísimo Conde. Drácula es un hombre encantador y sofisticado, pero también tiene un lado oscuro. Hipnotiza a Renfield y lo convierte en su esclavo.
Temáticas
Drácula Explora una serie de temas, entre ellos:
- La naturaleza del bien y del mal: Drácula es la personificación del mal. Es una criatura de la noche que se aprovecha de los inocentes. Van Helsing, en cambio, representa el bien. Es un hombre sabio y compasivo, decidido a destruir a Drácula.
- Los peligros de la lujuria y la tentación: Drácula es un seductor que usa su encanto y atractivo para atraer a sus víctimas. La película sugiere que la lujuria y la tentación pueden ser peligrosas.
- La importancia de la fe: Van Helsing es un hombre religioso que cree en el poder de Dios para protegerlo del mal. La película sugiere que la fe puede ser una fuerza poderosa contra el mal.
Influir
Drácula Es una de las películas de terror más influyentes de la historia. Ha sido rehecha y adaptada en numerosas ocasiones y ha inspirado innumerables películas, libros y programas de televisión. Sus imágenes y personajes icónicos se han arraigado en la cultura popular.
Legado
Drácula Se considera un clásico del cine de terror. Es una película bien hecha y que invita a la reflexión, que explora temas importantes como la naturaleza del bien y del mal, los peligros de la lujuria y la tentación, y la importancia de la fe. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.
Dato curioso: Bela Lugosi llevaba colmillos falsos en la película, pero eran tan incómodos que apenas podía hablar con ellos puestos.
El doctor Jekyll y el señor Hyde (1931)
Es una película de terror estadounidense de 1931, dirigida por Rouben Mamoulian y protagonizada por Fredric March, quien interpreta a un médico experto que descubre una nueva fórmula que puede liberar fuerzas satánicas en las personas.
La película es una adaptación de El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, la historia de Robert Louis Stevenson de 1886 sobre un hombre que se somete a una cura que lo transforma de un apacible hombre de ciencia en un lunático sanguinario. La película fue un éxito desde su estreno. Elegida para... 3 Premios de la Academia, marzo ganó Mejor Actor.
El Dr. Henry Jekyll (Fredric March), un discreto médico inglés del Londres victoriano, argumenta que en todo hombre se esconden impulsos buenos y malos. Está loco por su futura esposa, Muriel Carew (Rose Hobart), y desea casarse con ella.
Su padre, el general de brigada Sir Danvers Carew (Halliwell Hobbes), les ordena esperar. Una noche, mientras regresaba a casa con su colega, el Dr. John Lanyon (Holmes Herbert), Jekyll se encuentra con una cantante de bar, Ivy Pierson (Miriam Hopkins), quien recibe un disparo de un hombre a la salida de su casa. Jekyll ahuyenta al hombre y lleva a Ivy a su casa para que la cuide.
La momia (1932)
Es una película de terror estadounidense de 1932 dirigida por Carlos FreundEl guión cinematográfico de John L. Balderston fue adaptado de un guión escrito por Nina Wilcox Putnam y Richard Schayer.
Lanzada por Universal Studios como parte de la franquicia Universal Classic Monsters, la película está protagonizada por Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, Edward Van Sloan y Arthur Byron.
En la película, Karloff interpreta a Imhotep, una antigua momia egipcia que fue desechada por intentar revivir a su difunta amante, Ankh-esen-amun. Tras ser descubierto por un grupo de excavadores, se disfraza de un egipcio moderno llamado Ardeth Bey y busca a Ankh-esen-amun, quien cree que ha reencarnado en el mundo contemporáneo.
Aunque tuvo mucho menos impacto cultural que sus precursores, Drácula y Frankenstein, la película fue un gran éxito y generó numerosas secuelas, remakes y spin-offs.
Vampiro (1932)
“Vampyr” es una película de 1932 película de vampiros dirigido por carl theodor dreyerConsiderada una de las obras maestras del cine mudo europeo. La trama sigue a Allan Gray, un joven estudioso de lo sobrenatural, quien se ve envuelto en una serie de sucesos misteriosos y aterradores tras llegar a un pueblo aislado.
Gray se ve envuelto en la lucha entre dos hermanos y una vampira que tiene en la mira a una joven aldeana, Léone. La vampira y sus seguidores intentan secuestrarla para convertirla en su esclava y alimentarse de su sangre, pero Gray, con la ayuda del hermano de Léone, intenta detenerlos.
La película es conocida por su singular estilo visual, que combina el uso de sombras, efectos de iluminación y encuadres inusuales para crear una atmósfera de angustia y terror. El director también emplea el sonido de forma innovadora, con efectos de sonido como el crujido de un molino de viento y los gritos del vampiro que amplifican la ansiedad y la angustia del público.
"Vampyr" recibió críticas mixtas tras su estreno, pero desde entonces ha sido reevaluada y considerada un hito en el cine de terror. La película ha inspirado a numerosos directores e influido en el desarrollo del cine de autor y de terror durante décadas.
En “Vampyr”, hay una constante sensación de sufrimiento y elementos imperceptibles que acechan en cada rincón. La cinematografía de Rudolph Maté documenta cada matiz de luz y oscuridad en una danza extraordinaria.
Son famosas las tomas icónicas, como la de un hombre con una guadaña tocando una campana y la representación de una posada que se recorta contra un cielo oscuro. También son notables las escenas de culto, como aquella en la que Dreyer utiliza un plano subjetivo y claustrofóbico que permite al público "entrar" en el ataúd donde se coloca a Allan.
Freaks (1932)
Freaks (1932) es una película de terror dirigida por Tod Browning y producida por MGM. La película está protagonizada por Wallace Ford, Leila Hyams y un amplio elenco de artistas con discapacidades.
La película narra la historia de Hans (Ford), un enano que se enamora de Cleopatra (Hyams), una trapecista. A Cleopatra solo le interesa el dinero de Hans y planea matarlo con la ayuda de su amante, Hércules (Harry Earles).
Los demás artistas del circo, que son todos fenómenos, se enteran del plan de Cleopatra y deciden... venganzaAtraen a Hans y Cleopatra a la casa de la risa del circo, donde los atacan.
Al final, Cleopatra y Hércules se convierten en monstruos. Hans sale ileso, pero queda traumatizado por la experiencia.
Recepción de la crítica
Freaks fue un fracaso de crítica y taquilla tras su estreno. La película fue prohibida en muchos países debido a su contenido perturbador. Sin embargo, desde entonces ha sido reevaluada y ahora se considera un clásico del terror.
Impacto
Freaks ha tenido un profundo impacto en el género de terror. La película es una de las primeras en presentar a artistas con discapacidad. También ha sido elogiada por sus temas oscuros y subversivos.
Escena icónica
Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Cleopatra y Hércules se transforman en monstruos. La escena está filmada de forma que resulta a la vez perturbadora y sugerente. La escena de la transformación es un poderoso recordatorio de la fragilidad del cuerpo humano y la importancia de la aceptación.
Temáticas
Freaks explora diversos temas, como el prejuicio, la aceptación y la naturaleza humana. La representación que la película hace de los artistas circenses como personajes compasivos y complejos ha sido elogiada por su humanidad. Freaks también se ha interpretado como una advertencia sobre los peligros del prejuicio y la importancia de aceptar a los demás tal como son.
El hombre invisible (1933)
Es una película de terror de ciencia ficción estadounidense de 1933 dirigida por James Whale Basada en la novela de HG Wells de 1897 The Invisible Hombre, producida por Universal Pictures y protagonizada por Gloria Stuart, Claude Rains y William Harrigan.
La película presenta al Dr. Jack Griffin (Rains), cubierto de tiritas y con los ojos cubiertos por gafas oscuras, resultado de un experimento secreto que lo hace invisible, quien se instala en el pueblo de Iping, hasta que su casera no descubre el secreto. Lion regresa al laboratorio de investigación del Dr. Cranley (Henry Travers) y revela su invisibilidad al Dr. Kemp (William Harrigan) y a su esposa. Flora Cranley (Gloria Stuart) quien descubre que Griffin se ha vuelto peligroso, llegando incluso a cometer asesinato.
La película se mantuvo en promoción para Universal desde 1931, cuando Richard L. Schayer y Robert Florey recomendaron que la novela de Wells sería una excelente secuela de la película de terror Drácula. Universal optó por hacer Frankenstein en 1931. Esto provocó varios ajustes en el guion, así como la aparición de varios directores potenciales.
Tras su estreno en 1933, la película fue un gran éxito de taquilla para Universal y recibió excelentes críticas en numerosas revistas. En la década de 1940, la película dio lugar a varias secuelas sin relación con la primera. Es una de sus películas favoritas de los directores John Carpenter, Joe Dante y Ray Harryhausen.
El misterio del Museo de Cera (1933)
Se trata de un película de terror y misterio Película estadounidense de 1933 dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por Lionel Atwill, Fay Wray, Glenda Farrell y Frank McHugh. Fue estrenada por Warner Bros. y grabada en Technicolor a dos tintas.
Parcela
Ivan Igor (Lionel Atwill) es un escultor que dirige un museo de cera en Londres. Es un hombre cruel y sádico que disfruta torturando a sus víctimas. Su compañero, Joe Worth (Edwin Maxwell), quiere incendiar el museo y cobrar el seguro. Igor se niega, así que Worth prende fuego al museo él mismo. Igor queda atrapado dentro del museo en llamas y su rostro queda gravemente desfigurado.
Años después, Igor ha reconstruido su vida en Nueva York. Ha abierto un nuevo museo de cera y ahora está casado con una hermosa mujer llamada Florence (Dorothy Burgess). Sin embargo, sus viejas costumbres son difíciles de abandonar. Empieza a secuestrar personas y a crear estatuas de cera de ellas.
Temáticas
Los crímenes del museo de cera Explora una serie de temas, entre ellos:
- Los peligros de la obsesión: Igor está obsesionado con crear estatuas de cera. Su obsesión lo lleva a cometer asesinatos.
- La dualidad de la naturaleza humana: Igor es un personaje complejo. Es a la vez un artista brillante y un asesino sádico.
- El poder del amor: El amor de Florencia por su marido le da la fuerza para enfrentarlo y matarlo.
Influir
Los crímenes del museo de cera Fue un éxito de crítica y público. Fue una de las primeras películas de terror estrenadas en color. La película ha influido en innumerables películas de terror, incluyendo La casa de cera (1953) y Cámara de los Horrores (1966).
Legado
Los crímenes del museo de cera Se considera un clásico del cine de terror. Es una película de gran calidad y suspenso, con personajes memorables e imágenes icónicas. Ha tenido un impacto duradero en la cultura popular y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.
Dato curioso: Originalmente, la película iba a rodarse en 3D, pero en aquel momento el proceso era demasiado caro.
Gente gato (1942)
Gente gato (1942) es una película de terror estadounidense de 1942 dirigida por Jacques TourneurLa película cuenta la historia de Irena Dubrovna (Simone Simon), una joven maldita que se transforma en pantera cuando se excita o se siente amenazada. Irena se enamora de Oliver Reed (Kent Smith), un zoólogo, pero teme revelarle su secreto. Cuando la exnovia de Oliver, Alice Moore (Jane Randolph), llega a la ciudad, Irena se pone celosa y su lado oscuro comienza a emerger.
Parcela
Irena Dubrovna es una joven atormentada por un oscuro secreto: está maldita a convertirse en pantera cada vez que se excita o se siente amenazada. La maldición de Irena tiene sus raíces en la historia de su familia: su madre también era una mujer pantera, y su abuela fue asesinada por una pantera.
Irena conoce y se enamora de Oliver Reed, un zoólogo. Irena teme contarle a Oliver sobre su maldición, pero está decidida a comenzar una nueva vida con él. Sin embargo, el lado oscuro de Irena comienza a emerger cuando la exnovia de Oliver, Alice Moore, llega a la ciudad.
Irena siente celos de Alice y su relación con Oliver. Una noche, Irena sigue a Alice a casa y se enfurece tanto que se transforma en pantera. Alice es atacada y asesinada por la pantera, pero Irena escapa.
Temáticas
Cat People explora diversos temas, como la dualidad, la sexualidad y la naturaleza humana. La representación de Irena como una mujer que es a la vez humana y animal ha sido elogiada por su complejidad. Cat People también se ha interpretado como una metáfora de la experiencia femenina, donde la maldición de Irena representa los peligros y las complejidades de la sexualidad femenina.
Recepción de la crítica
Cat People fue un éxito de crítica y taquilla desde su estreno. La película fue elogiada por su atmósfera, suspenso y actuaciones. Cat People se considera actualmente una de las mejores películas de terror de la historia.
Impacto
Cat People tuvo un profundo impacto en el género de terror. La película contribuyó a popularizar el terror psicológico y se considera una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos. Cat People también ha sido referenciada y parodiada en numerosas películas, series de televisión y videojuegos.
Escena icónica
Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Irena se transforma en pantera por primera vez. La escena está filmada de forma que resulte a la vez emocionante y erótica. La transformación de Irena es una imagen poderosa y perturbadora que ha permanecido en la memoria del público durante décadas.
¡A ellos! (1954)
Es una película de ciencia ficción y terror estadounidense de 1954 de Warner Bros. Escrita por David Weisbart, dirigida por Gordon Douglas e interpretada por James Whitmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon y James Arness.
La película se basa en una adaptación de la historia de George W. Yates, que posteriormente se convirtió en el guion de una película de Ted Sherdeman y también fue adaptada por Russell Hughes. Esta película es solo una de las primeras sobre los monstruos nucleares de la década de 1950, y también el primer largometraje sobre el "gran insecto" que utiliza parásitos como monstruos.
Se descubre un nido de enormes hormigas irradiadas en el desierto de Nuevo México. Se convierten en una amenaza nacional cuando se descubre que dos hormigas reinas jóvenes han escapado para construir nuevos nidos. Una investigación nacional finalmente desemboca en una batalla en el sistema de escape de Los Ángeles.
Demencia (1955)
“Dementia” es una película de terror estadounidense independiente de 1955 dirigida por John Parker y protagonizada por Sally Todd. La película es una mezcla de cine negro, terror y ciencia ficción, con un tono altamente experimental.
La historia sigue a una mujer llamada Joan (Todd) que se despierta en un hotel sin recordar cómo llegó allí, comenzando un viaje de pesadilla por la ciudad.
“Dementia” es una película muy peculiar y única. Es una película experimental que rompe con las convenciones del género de terror. Está repleta de imágenes inquietantes y atmósferas claustrofóbicas. La actuación de Sally Todd es intensa y cautivadora.
“Dementia” es una película que ha tenido un importante Influencia en el género de terror. La película ha sido elogiada por su originalidad y visión única. «Dementia» es una película que aún hoy es apreciada por los entusiastas del género.
Aquí hay algunas razones por las que “Dementia” es una película tan importante:
- Es una de las primeras películas de terror experimental.
- Está lleno de imágenes inquietantes y atmósferas claustrofóbicas.
- La actuación de Sally Todd es intensa y cautivadora.
- La película ha tenido una influencia significativa en el género del terror.
Si te gusta el terror, te recomiendo ver «Dementia». Es una película única y experimental que te dejará sin aliento.
Ver Demencia
Los no muertos (1957)
Una mujer es sometida a un trance psíquico y enviada al pasado directamente al cuerpo de una de sus antepasadas medievales, condenada a morir como bruja. Escapa y se encuentra con una bruja real llamada Livia (Allison Hayes), que colabora con el diablo. También hay otra bruja, una pícara que ayuda a Livia, y una de las psíquicas que viaja en el tiempo con ella.
Producida y dirigida por Roger Corman, es una película B poco convencional y entretenida: violencia, reencarnación, viajes en el tiempo, comedia Y divertido. Hay escenas divertidas con la bruja y el duende transformándose en animales.
Incluso el enterrador es entretenido con sus ingeniosas rimas y discusiones. Satanás es impresionante, con su risa constante y su enorme tridente. Los sábados, convoca a un trío de chicas muertas para que salgan de la tumba y bailen.
La película es particularmente notable por la apariencia de la actriz Hayes, con su vestido muy ajustado. Hayes era posiblemente una actriz de los años 1950. Película B Estrella joven, principalmente debido a su aparición en El ataque de la mujer de 50 pies. La película se rodó en seis días con un presupuesto de 70,000 dólares, en un viejo supermercado. Tiene seguidores de culto entre los fans de películas de miedoAutocines, películas independientes de bajo presupuesto. Si te gusta alguna de ellas, tienes que verla.
El vampiro (1957)
I Vampiri es una película de terror italiana de 1957 dirigida por Ricardo Freda Y el director de fotografía, Mario Bava, lo remató. En el reparto, Gianna Maria Canale, Carlo D'Angelo y Dario Michaelis.
La película trata sobre una serie de asesinatos de niñas que son descubiertas con tubos de drenaje de sangre. Los periódicos hablan de un asesino en serie llamado el Vampiro, lo que motiva al joven periodista Pierre Lantin a investigar los crímenes.
En su estreno, la película se percibió como una pieza original y extraña para los aficionados al género de terror. Las escenas realmente aterradoras se reducen a unas pocas secuencias.
La película estableció la necesidad de un diseño estético que sería el marco para muchas películas similares. películas de terror italianasTelarañas, puertas que crujen, degeneración e iluminación fantástica. Cualquiera que sienta curiosidad por el cine de terror italiano debería verla: una película ignorada y subestimada, con influencias del cine neorrealista.
Un cubo de sangre (1959)
Un cubo de sangre es una película de 1959 comedia americana película de terror dirigida por Roger CormanEstá protagonizada por Dick Miller y se introdujo en la cultura beatnik de la Costa Oeste a finales de la década de 1950. La película, producida con un presupuesto de 50,000 dólares, se rodó en 5 días y comparte muchos estilos cinematográficos de bajo presupuesto típicamente asociados con el trabajo de Corman.
La película es una sátira cómica y oscura sobre un joven camarero, algo tonto e impresionable, que trabaja en un café y es conocido por ser un excelente escultor. Sin querer, mata al gato de su casera y esconde su cuerpo en la arcilla de una escultura para ocultar las pruebas. El resultado es... asesino múltiple cuando se ven obligados a producir un trabajo similar.
A Bucket of Blood fue la primera de un trío de colaboraciones entre Corman y Griffith en la categoría de terror entretenido, que incluyen The Little Shop of Horrors, que se filmó en los mismos sets, y Creature from the Haunted Sea.
La película satiriza no solo las películas de Corman, sino también el mundo del arte abstracto, además del cine de bajo presupuesto de los años 1950. películas para adolescentesLa película fue aplaudida en muchos círculos como una representación sincera e indiscriminada de los muchos elementos de la cultura beatnik.
Ver Un cubo de sangre
La pequeña tienda de los horrores (1960)
Es un americano de 1960 comedia de terror película dirigida por Roger CormanEscrita por Charles B. Griffith, la película es una farsa sobre un florista que cultiva una planta que se alimenta de sangre humana.
Gravis Mushnick es dueño de una floristería y tienda de diseño, dirigida por él mismo y dos empleados, la dulce Audrey Fulquard y el torpe Seymour Krelboined. Ubicada en un barrio marginal, la tienda, destartalada, tiene poca organización.
Mushnick despide a Seymour cuando arruina un envío de flores para el malvado dentista Dr. Farb. Seymour le cuenta sobre una planta única que cultivó a partir de semillas que obtuvo de un "Entusiasta de la Jardinería Japonesa" en la Avenida Central. Seymour confiesa que la llamó "Audrey Jr.", lo que emociona a la verdadera Audrey.
Jack Nicholson, al describir la reacción a la proyección de la película, comentó que el público se rió tanto que apenas se oían los diálogos. El actor comentó que nunca antes había recibido una reacción tan favorable del público.
Entre las joyas de Corman, un tema descabellado que se escribió en una sola noche. Una película exitosa, con entretenidas actuaciones del elenco y una excelente dirección de Corman, trabajando bajo la presión autoimpuesta de un rodaje rápido y un presupuesto ajustado.
Ver La pequeña tienda de los horrores
Domingo negro (1960)
En la Moldavia del siglo XVII, la princesa Asa Vajda, sospechosa de brujería, es condenada por la Inquisición y muere maldiciendo a su propia familia, considerada responsable de su destino. En el siglo XIX, los doctores Kruvajan y Gorobec, camino a un congreso médico, se topan con el ataúd de Asa y la despiertan accidentalmente. Ella se propone vengarse sistemáticamente...
La película fue duramente criticada por la crítica italiana, pero inmediatamente apreciada en Francia como una obra maestra pictórica. Es, sin duda, una de... Mario BavaLas mejores películas de la saga, con secuencias de gran encanto y terror. La versión en inglés se vio perjudicada por un doblaje mediocre.
La crítica inglesa la elogió inicialmente por su bajo presupuesto. Años después, la película fue reevaluada y considerada una de las mejores películas de terror jamás realizadas: un festival de lo prohibido que despierta el interés adolescente por el mundo sobrenatural, aclamada como la obra maestra del terror gótico italiano.
La cinematografía en claroscuro, de hermosa composición, el estilo expresionista y la dirección confieren a la película una atmósfera única. Es cine en su forma más abundante y grandiosa, rebosante de imágenes impactantes.
Psycho (1960)
Psycho (1960) es un americano película de terror psicológico Dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Janet Leigh, Anthony Perkins, John Gavin y Vera Miles. La película está basada en la novela homónima de Robert Bloch de 1959.
Parcela
Marion Crane (Janet Leigh), secretaria de Phoenix, Arizona, roba 40,000 dólares a su jefe y conduce hasta California para empezar una nueva vida con su novio, Sam Loomis (John Gavin). De camino, se aloja en un motel remoto regentado por Norman Bates (Anthony Perkins), un joven que vive con su dominante madre.
Marion se registra en el motel y deja su dinero en el coche. Va a su habitación a ducharse, pero es brutalmente asesinada por un misterioso personaje. Norman descubre el cuerpo de Marion y lo arroja al pantano del motel.
Temáticas
Psicópata Explora una serie de temas, entre ellos:
- Enfermedad mental: Norman Bates es un personaje complejo que padece un trastorno de identidad disociativo. La película explora los peligros de las enfermedades mentales y la importancia de buscar ayuda.
- La naturaleza del bien y del mal: Norman Bates es un personaje al estilo Jekyll y Hyde. Es a la vez un joven amable y gentil y un asesino sádico. La película sugiere que el bien y el mal pueden coexistir en una misma persona.
- La importancia de la familia: La relación de Norman Bates con su madre es profundamente problemática. La película sugiere que las relaciones familiares pueden tener un gran impacto en nuestra salud mental.
Influir
Psicópata Se considera una de las películas de terror más influyentes de la historia. Fue una de las primeras en centrarse en las motivaciones psicológicas de un asesino. La escena de la ducha es una de las más icónicas de la historia del cine.
Legado
Psicópata Es una obra maestra del cine de terror. Es una película bien hecha y llena de suspenso, con personajes complejos e imágenes icónicas. Ha tenido un impacto duradero en la cultura popular y sigue siendo disfrutada por el público hoy en día.
Dato curioso: La escena de la ducha se filmó en solo 45 segundos, pero tardó siete días en editarse. Esta película de terror basada en una historia verdadera de Ed Gein y de los asesinatos en Wisconsin.
Ojos sin rostro (1960)
El instructor Génessier, un famoso cirujano especializado en trasplantes, es responsable de un accidente del que su hijo Christiane salió con vida, pero con el rostro terriblemente mutilado. Con la ayuda de un asistente, atrae a mujeres a su laboratorio para extraerles la piel del rostro y usarla para curar las heridas de su novio.
Una operación tan difícil que Génessier necesita repetirla continuamente, tras cada fracaso de los injertos. Christiane, con una máscara en la cara, aún no entiende absolutamente nada...
Los críticos franceses dijeron que se trataba de una repetición de Expresionismo alemán o simplemente una decepción por el salto del director de director de documentales A las películas de género. La prensa británica afirmó que cuando un director como Georges Franju hace una película de terror, no se puede intentar encontrar alegorías ni niveles de lectura.
Ojos sin rostro se estrenó en cines en septiembre de 1986 para acompañar las retrospectivas del National Film Theater de Londres y la Cinématèque Française. Con un renovado interés, la película ha comenzado a ser reevaluada.
La crítica francesa ha sido mucho más positiva que en su estreno. El público encontró la naturaleza poética de la película al compararla con la obra del poeta y director francés. Jean Cocteau.
El mirón (1960)
El mirón (1960) Es una película británica de terror psicológico dirigida por Michael Powell. Está protagonizada por Carl Boehm, Anna Massey y Moira Shearer.
La película narra la historia de Mark Lewis, un cineasta que asesina mujeres y graba sus reacciones con una cámara oculta. Mark es un hombre atormentado por traumas infantiles, y su obsesión por el cine es una forma de controlar y dominar a sus víctimas.
La película es conocida por su atmósfera inquietante y su innovador uso de la cámara. Powell utiliza la cámara para crear una sensación de suspenso y voyerismo, y para explorar la psicología del protagonista.
Parcela
Mark Lewis es un director de fotografía que trabaja para una productora de películas de serie B. Mark es un hombre solitario e introvertido, y tiene una obsesión con la muerte.
Una noche, Mark sigue a una prostituta llamada Helen y la filma mientras se prepara para una cita. Mark luego asesina a Helen y filma su reacción.
Mark, emocionado por su primera experiencia con un asesinato, comienza a matar a otras mujeres. Grababa a sus víctimas con una cámara oculta y las veía para masturbarse.
Mark se obsesiona cada vez más con la muerte y empieza a perder la cordura. Mark empieza a ver la fantasma de su madre, quien lo acusa de haberla matado.
Mark es finalmente capturado por la policía, pero se suicida antes de poder ser juzgado.
Analisis
Peeping Tom Es una película que explora el lado oscuro de la mente humana. Mark Lewis es un hombre atormentado por un trauma infantil, y su obsesión con el cine es una forma de controlar y dominar a sus víctimas.
La película puede interpretarse como una alegoría de la violencia de la sociedad moderna. Mark es producto de su cultura, y su violencia refleja la violencia que lo rodea.
La película ha sido elogiada por la crítica por su atmósfera inquietante y su innovador uso de la cámara. Powell utiliza la cámara para crear una sensación de suspenso y voyerismo, y para explorar la psicología del protagonista.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Londres, Inglaterra.
- La película fue dirigida por Michael Powell, director británico conocido por su trabajo en películas experimentales y atrevidas.
- La película fue escrita por Leo Marks, un criptógrafo y guionista británico.
- La película se proyectó en competición en el Festival de Cine de 1960. Festival de Cannes.
- La película fue nominada al premio BAFTA a la mejor película. Cine británico.
Carnaval de las almas (1962)
Carnaval de las almas (1962) es una película de terror independiente estadounidense dirigida por Herk Harvey Protagonizada por Candace Hilligoss, Sidney Berger y Frances Feist. La película sigue a Mary Henry (Hilligoss), una joven que sobrevive a un accidente de coche, pero que se queda con una sensación de fatalidad inminente. Se muda a una nueva ciudad para empezar de cero, pero pronto comienza a tener visiones extrañas e inquietantes.
Parcela
Mary Henry es una joven organista que sobrevive a un accidente de coche con sus dos amigos, quienes fallecen. Tras el accidente, Mary se siente aislada del mundo y atormentada por extrañas visiones. Se muda al pequeño pueblo de Salt Lake City para empezar un nuevo trabajo como organista en la iglesia local.
En Salt Lake City, Mary comienza a tener visiones extrañas e inquietantes de un hombre pálido con ojos hundidos y una mujer fantasmal vestida de blanco. También empieza a sentirse observada y seguida. Las visiones de Mary se vuelven cada vez más intensas y empieza a perder el contacto con la realidad.
Temáticas
Carnaval de las Almas Explora una serie de temas, entre ellos:
- La muerte y el más allá: Mary Henry muere en el accidente de coche al principio de la película, pero no es consciente de su propia muerte. La película explora los temas de la muerte y el más allá, y sugiere que podría haber algo más allá de este mundo.
- La naturaleza de la realidad: Las visiones de Mary de la mujer fantasmal y el hombre pálido ponen en tela de juicio la naturaleza de la realidad. La película sugiere que... la línea de La línea entre la realidad y la fantasía puede ser borrosa.
- Alienación y aislamiento: Mary se siente alienada y aislada del mundo tras el accidente de coche. Es incapaz de conectar con los demás y sus propios pensamientos y sentimientos la atormentan.
Influir
Carnaval de las Almas Es un clásico de culto del terror. Ha sido elogiada por su cinematografía atmosférica, sus imágenes perturbadoras y su singular exploración de temas como la muerte, el más allá y la naturaleza de la realidad. La película ha influido en varias otras películas de terror, incluyendo El resplandor (1980) y Dark Water (2005).
Legado
Carnaval de las Almas Es una película de terror única y atmosférica que ha resistido el paso del tiempo. Es una película que sin duda te acompañará mucho después de verla. Extraordinariamente exitosa y original, de bajo presupuesto. Película independiente, fuente de inspiración para directores como David Lynch.
El cerebro que no quería morir (1962)
Es una película de terror de ciencia ficción estadounidense de 1962. horror corporal contaminaciones dirigidas por Joseph green y escrita por Green y Rex Carlton. La película se terminó en 1959 con el título The Black Door, pero no se estrenó en cines hasta el 3 de mayo de 1962, cuando se estrenó con su nuevo título como película doble con Invasion of the Estrella Criaturas.
Parcela
El Dr. Bill Cortner (Jason Evers) es un científico exitoso comprometido con una bella mujer llamada Jan Compton (Virginia Leith). Un día, Bill y Jan sufren un accidente automovilístico. Jan es decapitada, pero Bill logra salvarle la cabeza.
Bill lleva la cabeza de Jan a su laboratorio y la mantiene viva en un frasco. Usa sus conocimientos científicos para mantener su cerebro funcionando y puede comunicarse con ella telepáticamente.
Bill está decidido a encontrar la manera de reconectar la cabeza de Jan con su cuerpo. Experimenta con varios animales, pero sin éxito. Finalmente, decide probar el procedimiento en un ser humano.
Bill secuestra a una joven llamada Doris Walker (Marilyn Hanold) y la lleva a su laboratorio. Realiza la operación y logra unir con éxito la cabeza de Jan al cuerpo de Doris.
Temáticas
El cerebro que no moriría Explora una serie de temas, entre ellos:
- La naturaleza de la vida y la muerte: La película plantea la cuestión de qué significa estar vivo. La cabeza de Jan está viva, pero ella no puede funcionar por sí sola. Necesita un cuerpo para sobrevivir.
- Los peligros de la ciencia: La película muestra cómo la ciencia puede usarse para bien o para mal. Bill usa sus conocimientos científicos para mantener viva la cabeza de Jan, pero también para experimentar con seres humanos.
- El poder del amor: Bill ama profundamente a Jan y está dispuesto a hacer lo que sea para devolverle la vida. Sin embargo, su amor finalmente lo lleva a la ruina.
Influir
El cerebro que no moriría Es un clásico de culto del terror. Ha sido elogiada por su premisa original, su trama de suspenso y sus imágenes perturbadoras. La película ha influido en varias otras películas de terror, incluyendo Re-Animator (1985) y Frankenstein (2004).
Legado
El cerebro que no moriría Es una película de terror única y llena de suspenso que sigue siendo disfrutada por los fans del género. Es una película bien hecha con una actuación memorable de Jason Evers. Sus imágenes perturbadoras y su exploración de la naturaleza de la vida y la muerte la convierten en una película imprescindible para los amantes del cine de terror.
Dato curioso: La película se tituló originalmente "Cabeza que no quería morir", pero el estudio cambió el título para evitar la censura. Comparte numerosos elementos históricos con la película de terror alemana del oeste, "La Cabeza" (1959).
Tres caras del miedo (1963)
Tres caras del miedo (1963) es una película antológica de terror dirigida por Mario Bava Bajo el seudónimo de John Old, la película se compone de tres historias independientes, cada una con su propia ambientación y reparto.
Parcela
La chica de los ojos verdes
Una joven llamada Mary (Barbara Steele) está de vacaciones con su novio, John (John Saxon). Una noche, Mary despierta de una pesadilla en la que un hombre le lanza un cuchillo en la cara.
Al día siguiente, Mary y John visitan un museo de cera. Mary queda intrigada por la estatua de un hombre que sostiene un cuchillo.
Más tarde, Mary despierta de nuevo de una pesadilla. Esta vez, el hombre del cuchillo es real y le lanza el cuchillo en la cara.
Mary sobrevive al ataque, pero su rostro queda desfigurado. John la abandona y Mary se refugia en un hospital psiquiátrico.
El látigo y el cuerpo
Un hombre llamado Paul (John Richardson) va camino a encontrarse con su novia, Elizabeth (Luana Anders). En el camino, conoce a una mujer llamada Irina (Barbara Steele).
Irina le ofrece a Paul un aventón y ambos se enamoran. Sin embargo, Irina guarda un secreto: es una vampira.
Paul descubre la verdadera naturaleza de Irina e intenta escapar de ella. Sin embargo, Irina lo captura y lo convierte en vampiro.
La máscara de Satanás
Un grupo de amigos, formado por un director, un productor, un actor y una actriz, van a una Castillo encantado rodar una película de terror.
Los chicos descubren que el castillo está embrujado por un demonio. Este posee a la actriz y la obliga a matar a sus amigos.
Temáticas
Las tres caras del miedo Explora una serie de temas, entre ellos:
- Temor: La película es una exploración de los diferentes aspectos del miedo, incluido el miedo a lo desconocido, el miedo a la muerte y el miedo a la transformación.
- La naturaleza del mal: La película explora la naturaleza del mal, tanto como fuerza externa como interna.
- Sexualidad: La película explora la sexualidad como fuente de miedo y deseo.
Lo más inquietante de la película es su escenografía, en particular sus interiores pictóricamente fantásticos. El guion y el doblaje son de un nivel superior al promedio. El episodio "La gota de agua" es el mejor de las tres historias y ha sido calificado como "la obra más aterradora de Bava".
“El Wurdalak” es una pequeña obra de arte gracias también a la interpretación de Karloff, que evoca la noche de los muertos vivientes. Es una fantástica antología de terror, llena de suspense y miedo de principio a fin.
Onibaba (1964)
Onibaba (1964) es un película de terror japonesa dirigido por Kaneto ShindoLa película narra la historia de una suegra y una nuera que sobreviven a la Guerra Genpei del siglo XII asesinando y robando a soldados samuráis. Cuando la nuera inicia una aventura con un desertor, la relación entre ambas mujeres se pone a prueba.
Parcela
Durante la Guerra Genpei, una suegra (Nobuko Otowa) y su nuera (Kei Satō) viven en una choza en medio de un pantano. Sus maridos se han ido a luchar en la guerra, y las dos mujeres se ven obligadas a sobrevivir solas.
Para subsistir, las mujeres matan y roban a los soldados samuráis que pasan por el pantano. Usan máscaras para ocultar su identidad y abandonan los cuerpos en el pantano para que los devoren los cangrejos.
Un día, la nuera conoce a un desertor llamado Hachi (Jitsuko Yoshimura). Hachi está herido y perdido, y la nuera lo lleva de vuelta a su cabaña.
Temáticas
Onibaba Explora una serie de temas, entre ellos:
- Guerra y violencia: La película muestra los efectos devastadores de la guerra en las personas y la sociedad. La suegra y la nuera se ven obligadas a convertirse en asesinas para sobrevivir.
- Celos y traición: La película explora los temas de los celos y la traición a través de la relación entre la suegra y su nuera. La suegra, celosa de la relación de su nuera con Hachi, la traiciona intentando matarlo.
- Locura y obsesión: La película muestra cómo la locura y la obsesión pueden ser causadas por el trauma y la pérdida. La nuera enloquece por la culpa de haber asesinado a su suegra, y finalmente la consume su obsesión con el fantasma.
Influir
Onibaba Es un clásico de culto del terror. Ha sido elogiada por sus impresionantes efectos visuales, su atmosférica cinematografía y su exploración de temas oscuros. La película ha influido en varias otras películas de terror, incluyendo Kwaidan (1964) y Audition (1999).
Legado
Onibaba Es una película de terror única e inquietante que sigue siendo disfrutada por los fans del género. Es una película bien hecha con una dirección y fotografía magistrales. Su exploración de temas oscuros y sus imágenes perturbadoras la convierten en una película imprescindible para los amantes del cine de terror.
Reseña
Onibaba Es una película de terror única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes impactantes. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Nobuko Otowa y Kei Satō.
La exploración de temas oscuros que realiza la película es al mismo tiempo estimulante y perturbadora. Onibaba Es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de haberla visto.
El último hombre en la tierra (1964)
El último hombre en la Tierra es un 1964 post-apocalíptico Película de terror y ciencia ficción basada en la película AM Legend de 1954, de Richard Matheson. La película fue dirigida por Ubaldo Ragona y Sidney Salkow. En el reparto participan Vincent Price y Franca Bettoia. El guion fue escrito en parte por Matheson, pero el resultado decepcionó al guionista.
Es 1968 y el Dr. Robert Morgan se encuentra en una tierra donde todos los demás han sido infectados por un virus que los ha transformado en animales vampíricos, no muertos, que no soportan el sol, les temen a los espejos y el ajo los rechaza. Sin duda, matarían a Morgan si pudieran, pero son poco inteligentes y débiles.
Todos los días, Morgan realiza el mismo ritual: se despierta, recoge sus herramientas y sale en busca de vampiros, eliminando a todos los que puede y quemando los cuerpos para evitar que regresen. Por la noche, se esconde en su casa.
La película no fue un éxito en su estreno, pero posteriormente se convirtió en un clásico, quizás el papel más interesante de Vincent Price. Hubo una nueva versión en 1971 con Charlton Heston, "El Hombre Omega", pero no está al mismo nivel.
Sangre y encaje negro (1964)
Sangre y encaje negro (1964) es un italiano amarillo Película dirigida por Mario Bava. La película se ambienta en una casa de moda en Roma, donde un misterioso asesino comienza a asesinar a las modelos. El inspector Silvestri investiga el caso, pero se ve envuelto en una red de mentiras y secretos.
Parcela
Massimo Morlacchi y la condesa Cristiana Cuomo son dueños de una casa de moda de lujo en Roma. Una de sus modelos, Isabella, es encontrada asesinada en su apartamento. El inspector Silvestri acude al lugar de los hechos para investigar el caso.
Silvestri descubre que Isabella mantenía una aventura con el anticuario Franco Scalo, quien también posee una máscara teatral hallada cerca del cuerpo de la modelo. Scalo es interrogado por la policía, pero niega tener nada que ver con el asesinato.
Mientras tanto, otra modelo, Nicole, encuentra el diario de Isabella, que contiene revelaciones comprometedoras sobre todos los miembros del taller. Nicole decide entregárselo a Franco, pero es asesinada antes de poder hacerlo.
Silvestri investiga el pasado de las modelos y descubre que todas guardan oscuros secretos. Al final, el inspector descubre que el asesino es Massimo Morlacchi, quien está celoso de la relación de Isabella con Franco.
Comentario
Sangre y Encaje Negro es una película giallo clásica, con una trama cautivadora y un elenco de personajes ambiguos. La película también es conocida por sus escenas de asesinatos, a menudo violentas y salpicadas de sangre.
Bava es un maestro del suspenso y la emoción, y la película está llena de momentos que mantendrán al espectador enganchado. el borde de su asiento. La película también es visualmente impresionante, con una cuidada cinematografía y un diseño de producción detallado.
Kwaidan (1968)
Kwaidan (1968) es una película antológica japonesa de terror dirigida por Masaki Kobayashi. Se basa en historias de las colecciones de cuentos populares japoneses de Lafcadio Hearn, principalmente Kwaidan: Historias y estudios de cosas extrañas (1904), de la que toma su nombre.
La película consta de cuatro historias separadas y no relacionadas:
- El cabello negro: Un hombre descuida a su esposa por una mujer más joven, pero el cabello negro de su esposa regresa para atormentarlo.
- La mujer en la nieve: Un leñador encuentra una hermosa mujer en la nieve, pero ella no es lo que parece.
- Hoichi el Sin Orejas: Un ciego monje Está atormentado por los fantasmas de los samuráis que mató en su vida pasada.
- En una taza de té: Un samurái tiene una visión de una mujer ahogándose en su taza de té, y luego la vuelve a ver en la vida real.
Kwaidan es una película visualmente impactante, con una cinematografía exuberante y una elaborada escenografía. Además, es una película profundamente atmosférica, con una sensación de terror y suspenso que impregna cada fotograma. Las cuatro historias de la película están bien narradas y son realmente aterradoras, y permanecen en la mente mucho después de los créditos finales.
Kwaidan se estrenó en Japón en 1964 y en Estados Unidos en 1968. Fue un éxito crítico y comercial, y ahora se considera una de las grandes películas. películas de terror japonesas jamás se ha hecho. Fue nominada a un Academy Premio a la Mejor Película en Habla No Inglesa en 1969 y ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1965.
Kwaidan es una visita obligada para los amantes del terror japonés y del cine en general. Es una película verdaderamente única y... película inolvidable.
La noche de los muertos vivientes (1968)
Es un Película independiente del género de terror estadounidense de 1968 dirigida y fotografiada por George A. Romero, con guión de John Russo y Romero, y también interpretados por Duane Jones y Judith O'Daa.
La historia sigue a siete personas atrapadas en una granja rural en el oeste de Pensilvania, atacadas por un grupo de zombis carnívoros. Tras numerosos borradores, el guion final de Russo y Romero se inspiró en la novela "Soy Leyenda" de Richard Matheson, de 7.
El rodaje principal tuvo lugar entre julio de 1967 y enero de 1968 en la zona de Evans City. Los actores y el equipo incluían a familiares del director, amigos, actores locales y aficionados, así como propietarios de viviendas locales.
La película fue el lanzamiento de la dirección de Romero quien utilizó muchas de las estrategias de dirección guerrillera que había perfeccionado en su trabajo comercial y logró terminar la película con un presupuesto de unos 100,000 dólares.
Tras su preestreno en Pittsburgh el 1 de octubre de 1968, La noche de los muertos vivientes acabó recaudando 12 millones de dólares a nivel local y 18 millones de dólares a nivel mundial, superando su presupuesto en más de 250 veces y convirtiéndola en una de las producciones cinematográficas más gratificantes jamás realizadas en su momento.
La violencia y la sangre de la película se consideraron revolucionarias para la época, lo que provocó un amplio debate y críticas negativas en su estreno. Con el tiempo, se ganó la adhesión y el reconocimiento de los más escépticos, y figuró en las listas de las mejores películas de la historia.
Regularmente reconocido como el primer moderno película de zombies y también un ejemplo en el progreso del género de terror, la película contiene una crítica a la sociedad de los Estados Unidos durante los años 60, y fue una de las primeras películas en tener a un afroamericano en el papel principal.
Kuroneko (1968)
Kuroneko (1968) Es una película de terror japonesa dirigida por Kaneto Shindō. La película narra la historia de dos mujeres que son violadas y asesinadas por un grupo de samuráis. Tras su muerte, regresan como fantasmas y buscan vengarse de los samuráis.
Parcela
La película se ambienta en Japón durante el período Heian. Una suegra y una nuera viven solas en una casa en el bosque cuando son atacadas por un grupo de samuráis. Los samuráis violan y matan a las dos mujeres, abandonándolas a su suerte.
La suegra y la nuera regresan de entre los muertos como fantasmas y comienzan a aterrorizar a la aldea. Matan y se comen a los samuráis que las atacaron, y también matan a otros inocentes.
Temáticas
Kuroneko Explora una serie de temas, entre ellos:
- Venganza: La película narra la venganza y la naturaleza destructiva del odio. Los dos fantasmas, consumidos por el deseo de vengar sus muertes, están dispuestos a matar a cualquiera que se interponga en su camino.
- La naturaleza del mal: La película también explora la naturaleza del mal. Los samuráis que atacan a las dos mujeres son malvados porque cometen violaciones y asesinatos. Sin embargo, los fantasmas de las dos mujeres también se vuelven malvados porque están consumidos por el odio.
- Lo sobrenatural: La película también aborda lo sobrenatural. Los dos fantasmas logran resucitar y vengarse de sus atacantes. Esto sugiere que existe un mundo más allá del físico y que existen fuerzas que no podemos controlar.
Influir
Kuroneko Es un clásico de culto del terror. Ha sido elogiada por sus impresionantes efectos visuales, su atmosférica cinematografía y su exploración de temas oscuros. La película ha influido en varias otras películas de terror, incluyendo Kwaidan (1964) y Audición (1999).
Legado
Kuroneko Es una película de terror única e inquietante que sigue siendo disfrutada por los fans del género. Es una película bien hecha con una dirección y fotografía magistrales. Su exploración de temas oscuros y sus imágenes perturbadoras la convierten en una película imprescindible para los amantes del cine de terror.
Reseña
Kuroneko Es una película de terror única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes impactantes. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Nobuko Otowa y Kei Satō.
La exploración de temas oscuros que realiza la película es al mismo tiempo estimulante y perturbadora. Kuroneko Es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de haberla visto.
Dato curioso: El título de la película, “Kuroneko”, significa “gato negro” en japonés.
La hora del lobo (1968)
La hora del lobo (1968) es sueco horror psicológico película dirigida por Ingmar Bergman Protagonizada por Max von Sydow y Liv Ullmann, la película narra la historia de un artista y su esposa que se retiran a una isla remota para trabajar en una nueva pintura, pero el artista comienza a sufrir extrañas alucinaciones y pesadillas.
Parcela
Johan Borg (Max von Sydow) y su esposa, Alma (Liv Ullmann), son artistas que se retiran a una isla remota para trabajar en una nueva pintura. Johan lucha por encontrar inspiración y comienza a tener extrañas alucinaciones y pesadillas.
En sus visiones, Johan ve a un grupo de personas misteriosas que intentan hacerle daño. También ve a Alma, pero esta se ha transformado en una criatura aterradora.
Johan se vuelve cada vez más paranoico y retraído. Empieza a descuidar su trabajo y su relación con Alma.
Temáticas
Hora del lobo Explora una serie de temas, entre ellos:
- Enfermedad mental: La película explora los efectos de la enfermedad mental en el individuo y sus seres queridos. Las visiones y alucinaciones de Johan son una manifestación de sus profundos miedos e inseguridades.
- El proceso creativo: La película también explora el proceso creativo y los desafíos que enfrentan los artistas. Johan lucha por crear una nueva pintura, y sus visiones podrían ser un reflejo de su propia confusión interior.
- La naturaleza de la realidad: La película cuestiona la naturaleza misma de la realidad. Las visiones de Johan pueden ser reales o imaginarias, y Alma se pregunta qué está sucediendo realmente.
Influir
Hora del lobo Es un clásico de culto del terror. Ha sido elogiada por su cinematografía atmosférica, sus imágenes perturbadoras y su compleja exploración de temas psicológicos. La película ha influido en varias otras películas de terror, incluyendo El resplandor (1980) y Dark Water (2005).
Legado
Hora del lobo Es una película de terror única y perturbadora que sigue siendo disfrutada por los fans del género. Es una película bien hecha con una dirección y fotografía magistrales. Su compleja exploración de temas psicológicos y sus imágenes perturbadoras la convierten en una película imprescindible para los amantes del cine de terror.
Reseña
Hora del lobo Es una película de terror única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes perturbadoras. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Max von Sydow y Liv Ullmann.
La exploración de temas psicológicos que realiza la película es al mismo tiempo estimulante y perturbadora. Hora del lobo Es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de haberla visto.
El bebé de Rosemary (1968)
El bebé de Rosemary (1968) es una película de terror estadounidense dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon y Sidney Blackmer. La película narra la historia de una joven pareja que se muda a un nuevo edificio de apartamentos en la ciudad de Nueva York y pronto se encuentra rodeada de vecinos extraños y sucesos inquietantes. Cuando Rosemary queda embarazada, empieza a sospechar que sus vecinos forman parte de un grupo satánico y que planean robarle el bebé.
Parcela
Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) y su esposo, Guy (John Cassavetes), son una joven pareja que se muda a un nuevo edificio de apartamentos en la ciudad de Nueva York. El edificio es propiedad de una pareja mayor, Minnie y Roman Castevet (Ruth Gordon y Sidney Blackmer), y sus vecinos son todos extraños y excéntricos.
Una noche, Rosemary y Guy son invitados a una cena En el apartamento de los Castevet. Después de la cena, Rosemary se siente drogada y es violada por un grupo de personas, entre ellas Guy.
Rosemary queda embarazada, y su embarazo es difícil y complicado. Empieza a tener sueños y visiones extrañas, y sospecha que sus vecinos planean robarle el bebé.
La carrera de Guy empieza a despegar y se distancia cada vez más de Rosemary. Sus amigos y familiares empiezan a comportarse de forma extraña con ella, y ella se siente cada vez más aislada.
Temáticas
El bebé de Rosemary Explora una serie de temas, entre ellos:
- Paranoia y aislamiento: Rosemary está cada vez más aislada y paranoica a medida que comienza a sospechar que sus vecinos planean robarle a su bebé.
- Los peligros de la maternidad: El embarazo de Rosemary es difícil y complicado, y ella está constantemente amenazada por el aquelarre satánico.
- La naturaleza del mal: La película explora la naturaleza del mal y cómo puede manifestarse en la gente común.
Influir
El bebé de Rosemary Es un clásico de culto del terror. Ha sido elogiada por su atmósfera de suspenso, sus imágenes perturbadoras y su exploración de temas oscuros. La película ha influido en varias otras películas de terror, incluyendo El exorcista (1973) y Presagio (1976).
Legado
El bebé de Rosemary Es una película de terror única e inquietante que sigue siendo disfrutada por los fans del género. Es una película bien hecha con una dirección y fotografía magistrales. Su exploración de temas oscuros y sus imágenes perturbadoras la convierten en una película imprescindible para los amantes del cine de terror.
Reseña
El bebé de Rosemary Es una película de terror única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes perturbadoras. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Mia Farrow.
La exploración de temas oscuros que realiza la película es al mismo tiempo estimulante y perturbadora. El bebé de Rosemary Es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de haberla visto.
curiosidad:
- La película está basada en la novela homónima de Ira Levin.
- La película fue nominada a dos premios Oscar, incluyendo Mejor Actriz para Mia Farrow y Mejor Guión Adaptado para Roman Polanski.
- La película fue dirigida por Roman Polanski, quien en ese momento estaba casado con Sharon Tate. Tate fue asesinada por la Familia Manson en 1969, poco después de que Polanski terminara de filmar. El bebé de Rosemary.
El diablo cabalga (1968)
El diablo cabalga (1968) es una película de terror británica basada en la novela homónima de 1934 de Dennis Wheatley. Fue escrita por Richard Matheson y dirigida por Terence FisherLa película está protagonizada por Christopher Lee, Charles Gray, Niké Arrighi y Leon Greene.
Parcela
La película comienza con la muerte del padre de Simon Aron. Simon es un joven criado por su tío, el duque de Richleau. El duque es un estudioso del ocultismo y le preocupa el creciente interés de Simon por el satanismo.
El Duque descubre que Simón ha estado asistiendo a sesiones de espiritismo dirigidas por un hombre llamado Mocata. Mocata es un satanista que intenta invocar a un demonio. El Duque interviene y salva a Simón, pero Mocata jura venganza.
Temáticas
The Devil Rides salida Explora una serie de temas, entre ellos:
- El bien contra el mal: La película es una batalla clásica entre el bien y el mal, con el Duque representando el bien y Mocata representando el mal.
- Fe: La película explora el poder de la fe, tanto religiosa como espiritual. La fe del Duque en Dios lo ayuda a vencer a Mocata.
- Lo oculto: La película explora los peligros de lo oculto y la importancia de tener cuidado al tratar con fuerzas oscuras.
Recepción
The Devil Rides salida Fue un éxito de crítica y público tras su estreno. La película fue elogiada por sus actuaciones, en particular por la de Lee como el Duque, su dirección y sus efectos especiales.
La película se considera un clásico del cine de terror británico. Es una película imprescindible para los amantes del género.
Detalles adicionales
- La película se rodó en los estudios Bray en Inglaterra.
- La película fue dirigida por Terence Fisher, quien es mejor conocido por dirigir varias películas de terror de Hammer Films, entre ellas Drácula (1958) y Frankenstein creó a la mujer (1967).
- La película está protagonizada por Christopher Lee, mejor conocido por sus papeles en películas de terror de Hammer Films, como Drácula (1958) y la momia (1959).
- Los efectos especiales de la película fueron creados por Jim Danforth, quien es mejor conocido por su trabajo en la James Bond películas.
El pájaro con el plumaje de cristal (1970)
Es una película de terror italiana. Película giallo de 1970 dirigida por Dario ArgentoEn su lanzamiento, la película fue la precursora del ranking de películas amarillas italianas. Tras su estreno, tuvo un éxito considerable, recaudando 1,650,000,000 de liras italianas. También fue un éxito fuera de Italia.
El pájaro con el plumaje de cristal (1970) Es una película giallo italiana dirigida por Dario Argento. La película narra la historia de un joven escritor estadounidense, Sam Dalmas, quien presencia el asesinato fallido de una mujer. La mujer es apuñalada por un hombre misterioso que viste un guante y una capa de cuero negros.
Parcela
Sam Dalmas (Tony Musante) es un joven escritor estadounidense residente en Roma. Una noche, mientras paseaba por las calles de la ciudad, Sam presencia el asesinato fallido de una mujer. La mujer es apuñalada por un hombre misterioso que lleva un guante y una capa de cuero negros. Sam persigue al hombre, pero no puede detenerlo.
La policía comienza a investigar el asesinato, pero no encuentra ninguna pista. Sam decide investigar por su cuenta y descubre que el misterioso hombre es un asesino en serie que mata mujeres con un cuchillo de carnicero.
Sam rastrea al asesino y, tras una serie de persecuciones y giros inesperados, logra detenerlo. Se revela que el asesino es un hombre llamado Bruno Berti (Enrico Maria Salerno), obsesionado con la pintura de un pájaro con plumaje de cristal.
Temáticas
El pájaro con el plumaje de cristal Explora una serie de temas, entre ellos:
- Temor: La pelicula es una thriller psicológico Que juega con los miedos del público. El asesino es un personaje misterioso y escurridizo, que representa el miedo a lo desconocido.
- Paranoia: Sam empieza a sospechar de todos, incluso de sus allegados. Esta paranoia lo lleva a cometer errores que ponen en riesgo su vida.
- Amor: Sam está enamorado de una mujer llamada Gianna (Suzy Kendall), quien también es una de las posibles víctimas del asesino. Este amor lo impulsa a arriesgar su vida para salvarla.
Influir
El pájaro con el plumaje de cristal Es un clásico de culto del cine giallo. Ha sido elogiada por su suspenso, atmósfera e imágenes icónicas. La película ha influido en muchos otros... películas giallo, incluyendo Rojo Profundo (1975) y Suspiria (1977).
Legado
El pájaro con el plumaje de cristal Es una película única e inquietante que sigue siendo disfrutada por los fans del género. Es una película bien hecha, con una dirección magistral y una cinematografía atmosférica. Su exploración de temas oscuros e imágenes perturbadoras la convierten en una película imprescindible para los fans del giallo.
Reseña
El pájaro con el plumaje de cristal Es una película única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes icónicas. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Tony Musante y Suzy Kendall.
La exploración de temas oscuros que realiza la película es al mismo tiempo estimulante y perturbadora. El pájaro con el plumaje de cristal Es una película que permanecerá contigo mucho tiempo después de haberla visto.
Hechos graciosos:
- La película se rodó en blanco y negro, pero posteriormente fue coloreada.
- El título de la película, "El pájaro con el plumaje de cristal", hace referencia a una pintura que aparece en la película. La pintura es una obra de arte enigmática que parece poseer poderes sobrenaturales. poderes.
- La película entró en competición en el Festival de Cine de Cannes en 1970.
Noche de paz, noche sangrienta (1972)
Padre del género de terror-slasher estadounidense, incluso antes de Halloween: La noche de las brujas, Noche de paz, Noche sangrienta, de John Carpenter, fue filmada en 1972 por Teodoro Gershuny.
Silent Night, Bloody Night (1972) es una película estadounidense de terror dirigida por Theodore Gershuny y coproducida por Lloyd Kaufman. La película está protagonizada por Patrick O'Neal y la actriz de culto Mary Woronov, con John Carradine en un papel secundario.
Parcela
La película comienza con la muerte de un hombre adinerado llamado Wilfred Butler (James Patterson) en su mansión la víspera de Navidad. La policía considera que Butler fue un suicidio, pero su joven esposa, Diane (Woronov), cree que fue asesinado.
Diez años después, Diane se volvió a casar con Jeff Parker (O'Neal) y se mudaron a la antigua mansión de Butler. En Nochebuena, Diane empezó a tener pesadillas sobre la muerte de su primer marido. También empezó a recibir llamadas amenazantes de un misterioso desconocido.
Temáticas
Silent Night, Bloody Night Explora una serie de temas, entre ellos:
- Dolor y pérdida: Diane todavía está de duelo por la muerte de su primer marido, y este dolor la hace vulnerable al asesino.
- La naturaleza del mal: El asesino es una figura misteriosa y sin rostro, que representa el miedo al mal desconocido.
- La importancia de la familia: A pesar de sus diferencias, Diane y Jeff deben aprender a trabajar juntos para sobrevivir a los ataques del asesino.
Influir
Silent Night, Bloody Night Es uno de los primeros ejemplos del género slasher. Ha sido elogiada por su atmósfera de suspenso y sus asesinatos espeluznantes. La película ha influido en varias otras películas slasher, incluyendo Viernes 13 (1980) y Pesadilla en Elm Street (1984).
Legado
Silent Night, Bloody Night Es un clásico de culto del género slasher que sigue siendo disfrutado por los fans. Es una película bien hecha, con una dirección magistral y una cinematografía atmosférica. Su atmósfera de suspense y sus espeluznantes asesinatos la convierten en una película imprescindible para los fans del género.
Reseña
Silent Night, Bloody Night Es una película de terror única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes impactantes. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Mary Woronov y Patrick O'Neal.
La atmósfera de suspenso de la película y sus horribles asesinatos seguramente mantendrán a los espectadores al borde de sus asientos. Silent Night, Bloody Night Es una película imprescindible para los amantes del cine slasher.
Dato curioso: La película se tituló originalmente Noche de luna llena oscura, pero fue renombrado Silent Night, Bloody Night para aprovechar la popularidad de la fiesta de Navidad.
Película independiente con una dirección muy particular que deslumbra y sorprende al espectador. Filmada con colores apagados y plomizos en una atmósfera invernal sombría, con medios improvisados, no es en absoluto una película de embalaje, lo que la convierte en un relato auténtico, que te sumerge directamente en los lugares donde se desarrolla.
Ver Noche de paz, noche sangrienta
La última casa a la izquierda (1972)
Es una película de terror de 1972 dirigida por Wes CravenLa película, escrita por Craven, narra la historia de dos adolescentes, Mari y Phyllis, secuestradas por un grupo de delincuentes fugitivos. Durante el secuestro, sufren graves agresiones físicas y psicológicas, incluyendo tortura y violencia sexual.
Los criminales, al final, se esconden en casa de los padres de las niñas, sin percatarse de su presencia. Al descubrir la verdad sobre sus huéspedes, los padres deciden vengar la muerte de sus hijas.
La trama está llena de giros inesperados y momentos intensos y perturbadores, y la película se ha considerado una crítica social a la violencia y la impunidad. Sin embargo, la representación de la violencia ha suscitado numerosas críticas y controversias. La película fue aclamada como una de las primeras películas de terror e inspiró muchas otras de la misma categoría.
Imágenes (1972)
Imágenes (1972) es una película de terror psicológico escrita y dirigida por Robert AltmanEstá protagonizada por Susannah York, René Auberjonois y Marcel Bozzuffi.
Parcela
Cathryn (York), autora de literatura infantil, tiene problemas de salud mental. Empieza a alucinar y a ver imágenes de ella y su esposo, Hugh (Auberjonois), en situaciones diferentes y perturbadoras.
Al principio, Cathryn cree que sus alucinaciones son producto de su imaginación. Sin embargo, a medida que se intensifican, empieza a cuestionar su cordura y la realidad de sus circunstancias.
La película llega a su clímax cuando Cathryn se da cuenta de que no está sola en sus alucinaciones y que hay una fuerza malévola en acción.
Comentario
Images es una película visualmente impactante, en la que Altman utiliza diversas técnicas para crear una sensación de inquietud y suspenso. La película también destaca por sus sólidas actuaciones, en particular las de York.
Images es una película desafiante y perturbadora, pero también gratificante. Explora el lado oscuro de la mente humana y te acompañará mucho después de verla.
Además del resumen argumental mencionado anteriormente, Images también es una película que explora los temas de la realidad y la ilusión. Cathryn vive en un mundo en el que cada vez es más difícil distinguir entre lo real y lo imaginario. Este tema se hace evidente en las escenas en las que Cathryn se encuentra en situaciones que parecen imposibles o improbables.
La película también explora la naturaleza de la locura. Cathryn es una mujer inteligente y racional, pero sus alucinaciones la llevan a cuestionar su propia identidad. Este tema se hace evidente en la escena en la que Cathryn se encuentra en una institución psiquiátrica.
Images es una película compleja y sugerente que invita a la reflexión. Es una película difícil de olvidar.
Hermanas (1972)
Hermanas es una película de terror psicológico dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Margot Kidder, Jennifer Salt y Charles Durning.
La película cuenta la historia de Danielle (Kidder) y Dominique (Kidder), gemelas siamesas que son separadas tras una cirugía arriesgada. Sin embargo, la cirugía no tiene éxito y Danielle queda con un psíquico. conexión A Dominique.
Danielle comienza a tener visiones de Dominique cometiendo asesinatos y se da cuenta de que su hermana Sigue viva. Danielle y su novio, Philip (William Finley), se unen a un investigador privado (Durning) para encontrar a Dominique y evitar que vuelva a matar.
Sisters es una película elegante y llena de suspenso, con una sólida actuación de Kidder. La película explora temas como la identidad, la dualidad y el lado oscuro de la naturaleza humana. Se considera una de las mejores películas de De Palma.
Detalles adicionales
Sisters se estrenó en 1973 y fue un éxito de crítica y taquilla. Desde entonces, se ha convertido en un clásico de culto y está considerada una de las mejores películas de terror de la década de 1970.
La película fue elogiada por su elegante dirección, su trama llena de suspenso y sus sólidas actuaciones. Kidder fue especialmente elogiada por su doble papel como Danielle y Dominique.
Sisters es una película visualmente impactante, en la que De Palma utiliza diversas técnicas para crear una sensación de inquietud y suspenso. La película también destaca por su banda sonora de Bernard Herrmann, una de las mejores del compositor.
Sisters es una película desafiante y perturbadora, pero también gratificante. Es una película que te acompañará mucho después de verla.
Analisis
Sisters es una película llena de simbolismo y ambigüedad. La película puede interpretarse de muchas maneras, pero algunos de sus temas clave incluyen:
- Identidad: La película explora el concepto de identidad y cómo puede ser fluido y fragmentado. Danielle y Dominique son dos personas conectadas física y mentalmente, pero también muy diferentes. Danielle es la hermana más inocente e ingenua, mientras que Dominique es la hermana más manipuladora y peligrosa.
- Dualidad: La película también explora el tema de la dualidad. Danielle y Dominique son dos caras de la misma moneda y representan el bien y el mal que todos llevamos dentro.
- El lado oscuro de la naturaleza humana: La película explora el lado oscuro de la naturaleza humana y cómo puede conducir a la violencia y la destrucción. Dominique es una representación de la maldad que existe en todos nosotros, y sus asesinatos son una manifestación de esa maldad.
El hombre lobo de Washington (1973)
Es una película de comedia de terror de 1973 dirigida por Milton Moses GinsbergLa trama sigue al periodista Jack Whittier, quien es enviado a Budapest como enviado presidencial durante la presidencia de Nixon.
Tras ser mordido por un hombre lobo, Jack se transforma en un hombre lobo y debe luchar para mantener el control de sus acciones. La película ha sido criticada por su actuación y su... inconsciente trama, pero se considera una película de culto de los 70s.
La trama sigue al periodista Jack Whittier, quien es enviado a Budapest como enviado presidencial durante la presidencia de Nixon. Durante su estancia, Jack es mordido por un hombre lobo y comienza a desarrollar síntomas de transformación. Con el tiempo, Jack empieza a perder el control de sus acciones y a tener pesadillas nocturnas.
A pesar de sus esfuerzos por ocultar su condición, Jack es investigado por una serie de asesinatos y debe luchar por mantener el control de sus acciones antes de que sea demasiado tarde. Mientras tanto, también intenta resolver el misterio de su transformación y descubrir quién o qué está detrás de su condición de hombre lobo.
El exorcista (1973)
El exorcista (1973) es una película de terror dirigida por William Friedkin Basada en la novela homónima de William Peter Blatty, la película cuenta la historia de Regan McNeil, una niña de doce años poseída por el demonio Pazuzu.
Parcela
La película comienza con la familia McNeil mudándose a Georgetown, Washington, D. C. Regan, la hija de doce años, empieza a comportarse de forma extraña. Habla en idiomas que no conoce, maldice y vomita un líquido verde.
Los padres de Regan, Chris y Burke, buscan ayuda de varios médicos, pero ninguno logra diagnosticar el problema. Finalmente, Chris consulta a un sacerdote, el padre Karras, quien se encuentra en... humanitaria de la fe.
El Padre Karras y el Padre Merrin, un exorcista experto, le practican un exorcismo a Regan. El exorcismo es un proceso largo y difícil, y finalmente el demonio Pazuzu es expulsado de Regan.
Temáticas
El exorcista Explora una serie de temas, entre ellos:
- Fe: La película es una historia de fe y la lucha contra el mal. El padre Karras atraviesa una crisis de fe, pero finalmente encuentra la fuerza para luchar contra el demonio Pazuzu.
- Familia: La película también explora el tema familiar. La familia McNeil se ve sometida a una dura prueba por la posesión de Regan, pero finalmente logran superar la crisis.
- Mal: La película representa el mal como una fuerza real y poderosa que puede poseer a las personas.
Influir
El exorcista Es una de las películas de terror más famosas e influyentes de todos los tiempos. Ha sido elogiada por su suspenso, atmósfera e imágenes icónicas.
Legado
El exorcista Es una película que ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. Ha inspirado una serie de secuelas, remakes y otras películas de terror.
Reseña
El exorcista Es un clásico del terror que sigue siendo disfrutado por los fans del género. La película es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes impactantes. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Ellen Burstyn, Linda Blair y Max von Sydow.
La atmósfera de suspenso de la película y sus imágenes icónicas la convierten en una visita obligada para los fanáticos del cine de terror.
Trivialidades:
- La película se rodó en Georgetown, Washington, DC y otros lugares de Maryland.
- La película fue prohibida en varios países, incluidos Irlanda y España.
- La película fue un éxito comercial masivo, recaudando más de 441 millones de dólares en todo el mundo.
- La película ganó dos premios Oscar, por Mejor Banda Sonora Original y Mejor Edición de Sonido.
Controversias:
El exorcista Ha sido objeto de controversia, en particular por su violencia y su representación del demonio Pazuzu. La película ha sido acusada de blasfema y de incitar al odio religioso.
A pesar de la controversia, El exorcista sigue siendo una de las películas de terror más importantes e influyentes de todos los tiempos.
El Exorcista es el progenitor y la mejor película del horror de exorcismo Subgénero, una emocionante película de arte que ha asombrado al público mundial. Algunos espectadores incluso enfermaron durante las proyecciones.
Incluso aquellos que no lo han visto lo asocian con el La película más aterradora jamás realizadaOtras ni siquiera son películas de exorcismo; simplemente son películas que no son «El exorcista». Cualquier otra cosa es una imitación.
Carne para Frankenstein (1973)
Carne para Frankenstein (1973) es una película de terror grotesca dirigida por Pablo Morrissey y protagonizada por Udo Kier, Joe Dallesandro, Monique van Vooren y Arno Juerging. La película es una adaptación libre de la novela de Mary Shelley de 1818. Frankensteiny está ambientada en Serbia a principios del siglo XIX.
Parcela
El barón Victor Frankenstein (Kier), un nacionalista serbio con delirios de grandeza, está obsesionado con crear una raza perfecta de superhombres. Con la ayuda de su asistente Otto (Juerging), crea un hombre y una mujer a partir de partes de cuerpos, pero los dos monstruos son estériles.
Frankenstein entonces decide aparear al monstruo masculino con una mujer humana, y elige a la bella Katrin (van Vooren) como su víctima.
Reseña
Carne para Frankenstein Es una película controvertida, pero también una obra de gran impacto visual y narrativo. Es conocida por sus escenas de violencia y depravación sexual, que pueden resultar muy perturbadoras para algunos espectadores.
La película fue elogiada por la crítica por su originalidad y su sentido de la provocación. También fue un éxito comercial y contribuyó al lanzamiento de la carrera de Joe Dallesandro, quien interpreta a Nicholas.
Curiosidades
- La película fue producida por Andy Warhol, quien contribuyó a financiar y supervisar su producción.
- La película se rodó en Italia y algunas escenas se rodaron en el Castillo Orsini-Odescalchi en Bracciano.
- La película fue prohibida en algunos países, incluido Estados Unidos. Reino Y Australia.
Además del resumen de la trama proporcionado anteriormente, Carne para Frankenstein También es una película que explora los temas de la locura, la perversión y la violencia. Frankenstein es un personaje complejo y ambiguo, a la vez un genio y un loco. Su deseo de crear una raza perfecta lo lleva a cometer actos de violencia y depravación.
La película también es una sátira de la sociedad contemporánea. Frankenstein es un símbolo de la locura del hombre, dispuesto a todo para alcanzar sus objetivos.
marihuana y hess (1973)
marihuana y hess (1973) es una película de terror estadounidense de 1973 dirigida por Bill Gunn y protagonizada por Duane Jones, Marlene Clark y Bill Gunn. La película es una adaptación libre de la novela Frankenstein de Mary Shelley de 1818, ambientada en la ciudad de Nueva York en la década de 1970.
Parcela
El Dr. Hess Green (Jones), un destacado antropólogo negro, es apuñalado con una daga maldita por su inteligente pero inestable asistente, George Meda (Gunn). Hess se convierte en vampiro y comienza a alimentarse de sangre humana.
Hess conoce a Ganja Meda (Clark), la esposa de George, quien también se convierte en vampira. Ambos se enamoran y comienzan una relación.
La historia se desarrolla en un mundo distópico donde los negros son oprimidos por los blancos. Hess y Ganja son vistos como una amenaza y perseguidos por la policía.
Reseña
Ganja & Hess es una película controvertida, pero también una obra de gran impacto visual y narrativo. Es conocida por sus escenas de violencia y depravación sexual, que pueden resultar muy perturbadoras para algunos espectadores.
La película fue elogiada por la crítica por su originalidad y su sentido de la provocación. También fue un éxito comercial y contribuyó al lanzamiento de la carrera de Duane Jones, quien interpreta a Hess.
La película se estrenó inicialmente en Estados Unidos con el título Blackenstein. Posteriormente, se estrenó con el título Ganja & Hess.
La película fue un fracaso comercial en su momento de estreno, pero desde entonces ha sido redescubierta y ahora se considera un clásico del cine de terror estadounidense. Es elogiada por su innovadora exploración de la raza y la sexualidad, así como por sus visuales estilizados y sus impactantes interpretaciones.
The Texas Chainsaw Massacre (1974)
The Texas Chain Saw Massacre es una película de terror estadounidense de 1974 dirigida por Tobe HooperLa película cuenta la historia de un grupo de cinco amigos que emprenden un viaje por carretera a través de la Texas rural. En el camino, se topan con una familia de caníbales, liderada por Leatherface, un hombre con una motosierra y una máscara de piel humana.
La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera una de las películas de terror más importantes de todos los tiempos. Ha sido elogiada por su violencia realista, su atmósfera claustrofóbica y su crítica a la sociedad estadounidense.
Parcela
La película comienza con un grupo de cinco amigos: Sally Hardesty, su hermano Franklin, Jerry, el novio de Sally, Pam, su mejor amiga, y Kirk, el novio de Pam, quienes emprenden un viaje por carretera a través de la Texas rural. En el camino, se detienen en un cementerio para visitar la tumba del abuelo de Sally y Franklin. Mientras están allí, se les acerca un grupo de adolescentes que les advierten que no sigan adelante, pero los adolescentes ignoran la advertencia.
Más tarde, los adolescentes pasan la noche en una casa abandonada. Durante la noche, Franklin es atacado por un hombre enmascarado con una motosierra. Sally y los demás huyen, pero son perseguidos por la familia caníbal, liderada por Leatherface.
Recepción de la crítica
La Matanza de Texas fue un éxito comercial y de crítica, y se considera una de las películas de terror más importantes de todos los tiempos. La película ha sido elogiada por su violencia realista, su atmósfera claustrofóbica y su crítica a la sociedad estadounidense.
La violencia de la película ha sido criticada con frecuencia, pero también elogiada por su autenticidad. La película se rodó con un bajo presupuesto y los efectos especiales se diseñaron para parecer realistas. La atmósfera claustrofóbica de la película se creó utilizando técnicas como la cámara en mano y una música inquietante. La película también ha sido criticada por su crítica a la sociedad estadounidense. Presenta una visión cínica y oscura de la vida rural. América.
Impacto
La Matanza de Texas tuvo un profundo impacto en el cine de terror. La película contribuyó a definir el género slasher, caracterizado por asesinos enmascarados que acechan y matan a un grupo de adolescentes. También contribuyó a popularizar el uso de la violencia realista en el cine de terror.
La película ha tenido numerosas secuelas, remakes y spin-offs. La película más reciente, La Matanza de Texas (2022), es una secuela directa de la película original.
Rojo Profundo (1975)
Color rojo oscuro es un 1975 giallo italiano película dirigida por Dario ArgentoLa película narra la historia de Marcus Daly, un pianista de jazz británico, quien presencia el asesinato de su vecina, la psíquica Helga Ullman. Marcus decide investigar por su cuenta, pero pronto se da cuenta de que todos los que podrían ayudarlo a resolver el misterio están siendo asesinados.
Parcela
La película comienza con Marcus Daly, un pianista de jazz británico, que se muda a Roma por trabajo. Una noche, Marcus presencia el asesinato de Helga Ullman, una vidente que vive en su edificio. Marcus, conmocionado por el suceso, decide investigar por su cuenta.
Marcus contacta a Gianna Brezzi, periodista que también investiga el caso. Juntos, descubren que Helga había sido contactada por varios hombres antes de ser asesinada. Todos ellos estaban conectados por un oscuro secreto.
Recepción de la crítica
Rojo Profundo fue un éxito comercial y de crítica, y se considera una de las obras maestras del cine de terror. La película ha sido elogiada por su suspenso, atmósfera y banda sonora.
El suspenso de la película se creó mediante técnicas como la cámara en mano y la edición rápida. La atmósfera de la película se creó con colores vibrantes y una banda sonora inquietante. La banda sonora, compuesta por Goblin, se ha convertido en una de las bandas sonoras de terror más icónicas de todos los tiempos.
Impacto
Rojo Profundo tuvo un profundo impacto en el cine de terror. La película contribuyó a definir el género giallo, caracterizado por un fuerte componente psicológico y una atmósfera oscura e inquietante. También contribuyó a popularizar el uso de colores vibrantes en el cine de terror.
Secuencia icónica
Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que Marcus Daly presencia el asesinato de Helga Ullman. La secuencia está filmada para crear una atmósfera de suspenso y terror. La víctima es asesinada a martillazos y su cuerpo es enterrado bajo el suelo de su apartamento.
Carrie (1976)
Carrie (1976) Es una película de terror dirigida por Brian De Palma y basada en la novela homónima de Stephen King. La película está protagonizada por Sissy Spacek como Carrie White, una adolescente tímida que sufre acoso escolar y posee poderes telequinéticos.
La película comienza con Carrie siendo acosada en el vestuario después de su primera menstruación. Es humillada y traumatizada, y sus poderes telequinéticos comienzan a manifestarse.
Carrie también sufre acoso en casa por parte de su autoritaria madre, Margaret (Piper Laurie). Margaret es una fanática religiosa que cree que Carrie es malvada debido a sus poderes telequinéticos.
Un día, Carrie es invitada a el baile de graduación Por Tommy Ross (William Katt). Carrie está rebosante de alegría, pero su felicidad dura poco. Sus compañeros de clase planean una broma cruel contra ella y es humillada públicamente en el baile de graduación.
Carrie Es una película clásica de terror que explora temas como el acoso escolar, el extremismo religioso y los peligros de la ira reprimida. La película también es una historia de madurez sobre una joven que aprende a aceptar su poder.
La película fue un éxito de crítica y público, y ha sido elogiada por sus actuaciones, dirección y cinematografía. Carrie también ha influido en otras películas de terror, como Carrie (2013) y It (2017).
Carrie Es una película impactante y perturbadora que sigue vigente hoy en día. Es una advertencia sobre los peligros del acoso escolar y la importancia de la aceptación.
Temáticas
Carrie Explora una serie de temas, entre ellos:
- Acoso: La película explora los efectos devastadores del acoso escolar en la víctima. Carrie sufre acoso escolar y familiar, lo que la lleva a desarrollar una ira reprimida que finalmente se desata.
- Extremismo religioso: Margaret es una fanática religiosa que cree que Carrie es malvada debido a sus poderes telequinéticos. Esta creencia extremista la lleva a tratarla con crueldad y a contribuir a su aislamiento.
- Ira reprimida: Carrie es una chica tímida e insegura que reprime su ira. Esta ira finalmente se desencadena en un acto de violencia que destruye su vida y la de quienes la rodean.
Influir
Carrie Es una de las películas de terror más famosas e influyentes de todos los tiempos. Ha sido elogiada por su suspenso, atmósfera e imágenes icónicas.
Legado
Carrie Es una película que ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. Ha inspirado una serie de secuelas, remakes y otras películas de terror.
Reseña
Carrie Es un clásico del terror que sigue siendo disfrutado por los fans del género. La película es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes impactantes. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Sissy Spacek y Piper Laurie.
La atmósfera de suspenso y las imágenes icónicas de la película la convierten en una visita obligada para los fanáticos del cine de terror.
Trivialidades:
- La película se rodó en Toronto, Canadá.
- La película fue prohibida en varios países, incluidos Irlanda y España.
- La película fue un gran éxito comercial, recaudando más de 33 millones de dólares en todo el mundo.
- La película ganó un premio de la Academia al mejor maquillaje.
Controversias:
Carrie Ha sido objeto de controversia, en particular por su violencia y su representación del acoso escolar. La película ha sido acusada de blasfemar e incitar al odio religioso.
A pesar de la controversia, Carrie sigue siendo una de las películas de terror más importantes e influyentes de todos los tiempos.
La casa de las ventanas que ríen (1976)
La casa de la risa Ventanas (1976) Es una película de terror italiana dirigida por Pupi Avati. La película cuenta la historia de Stefano, un joven restaurador que es enviado a un pequeño pueblo del valle del Po para restaurar un fresco de un pintor que se suicidó.
La película comienza con la llegada de Stefano al pueblo y su encuentro con el alcalde, quien le explica la historia del fresco. El fresco es una obra macabra que representa el martirio de San Sebastián entre dos figuras risueñas. El alcalde cree que el fresco está maldito y que es la causa de la muerte de varias personas del pueblo.
Stefano empieza a trabajar en el fresco y pronto empieza a notar cosas extrañas. Los aldeanos empiezan a comportarse de maneras cada vez más extrañas e inquietantes. Stefano empieza a temer por su seguridad.
Temáticas
La casa de las ventanas que ríen Explora una serie de temas, entre ellos:
- Mal: La película explora el tema del mal como una fuerza real y poderosa que puede poseer a las personas.
- Temor: La película es de terror y, por lo tanto, el miedo es un tema central. Explora las diferentes formas de miedo, desde el miedo al demonio hasta el miedo a lo desconocido.
- Misterio: La película es de misterio y, por lo tanto, el misterio es un tema central. La película explora el misterio de la muerte del pintor, el significado del fresco y la identidad del demonio.
Influir
La casa de las ventanas que ríen Es un clásico del terror italiano que ha tenido un gran impacto en el género. Ha sido elogiada por su suspenso, atmósfera e imágenes icónicas.
Reseña
La casa de las ventanas que ríen Es una película de terror bien hecha que aún logra asustar y perturbar al público moderno. La película es visualmente impactante, con una cinematografía atmosférica e imágenes impactantes. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Gianni Cavina, Lino Capolicchio y Francesca Marciano.
La atmósfera de suspenso y las imágenes icónicas de la película la convierten en una visita obligada para los fanáticos del terror.
Trivialidades:
- La película se rodó en un pequeño pueblo del valle del Po, en la provincia de Ferrara, Italia.
- La película fue inicialmente prohibida para menores de 18 años.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 2 mil millones de liras en Italia.
- La película ganó el premio de la crítica en el Festival de Cine Fantástico de París.
Controversias:
La casa de las ventanas que ríen Ha sido objeto de controversia, en particular por su violencia y su representación del mal. La película ha sido acusada de blasfemar y de incitar al odio religioso.
A pesar de la controversia, La casa de las ventanas que ríen sigue siendo una de las películas de terror italianas más importantes e influyentes de todos los tiempos.
Suspiria (1977)
Suspiria (1977) Es una película de terror sobrenatural dirigida por Dario Argento y protagonizada por Jessica Harper, Alida Valli y Stefania Casini. Es la primera entrega de la trilogía "Las Tres Madres" de Argento, seguida de "Infierno" (1980) y "La Madre de las Lágrimas" (2007).
La película sigue a Suzy Bannion (Harper), una joven bailarina estadounidense que viaja a Friburgo, Alemania, para asistir a una prestigiosa academia de ballet. Sin embargo, pronto descubre que la academia es la fachada de un aquelarre de brujas, liderado por Madame Blanc (Valli).
Suzy se ve envuelta en los oscuros secretos del aquelarre y debe luchar por sobrevivir mientras las brujas comienzan a asesinar a los estudiantes uno a uno. La película es conocida por sus exuberantes efectos visuales, su evocadora banda sonora y su violencia gráfica.
Temáticas
Suspiria explora una serie de temas, entre ellos:
- Brujería: La película se ambienta en un mundo donde la brujería es real y poderosa. Las brujas son retratadas como bellas y peligrosas a la vez, y sus poderes son seductores y aterradores a la vez.
- Madres: El título de la película deriva de la palabra latina «suspirium», que significa «suspiro». El suspiro simboliza tanto el nacimiento como la muerte, y refleja los temas de la película: la maternidad y el matriarcado.
- Danza: La película, ambientada en una academia de ballet, sirve como metáfora del cuerpo femenino y las formas en que puede ser controlado y explotado. Las secuencias de danza son a la vez hermosas y perturbadoras, y reflejan los temas de sexualidad y violencia que aborda.
Influir
Suspiria es una película muy influyente, elogiada por sus innovadores efectos visuales, su innovador diseño de sonido y sus subversivos temas feministas. Ha inspirado varias otras películas, como El Resplandor (1980), El Cisne Negro (2010) y la nueva versión de Suspiria de 2018.
Reseña
Suspiria es un clásico del terror que resulta visualmente impactante y emocionalmente perturbador. Su exuberante cinematografía en Technicolor, su evocadora banda sonora y su violencia gráfica contribuyen a su atmósfera única e inolvidable.
Las actuaciones son excelentes, en particular las de Jessica Harper, Alida Valli y Stefania Casini. Harper se muestra convincentemente vulnerable como Suzy Bannion, y Valli, escalofriantemente majestuosa como Madame Blanc.
Suspiria es una película imprescindible para los amantes del cine de terror, y seguro que permanecerá en tu memoria mucho tiempo después de haberla visto.
Trivialidades:
- La icónica banda sonora de la película fue compuesta por la banda italiana de rock progresivo Goblin.
- La película fue originalmente prohibida en el Reino Unido por su violencia gráfica.
- La película fue rehecha en 2018 por Luca Guadagnino, protagonizada por Dakota Johnson, Tilda Swinton y Chloë Grace Moretz.
Suspiria ha sido mencionado por los críticos como un película de culto, un prototipo de terror extremo aplaudido por historiadores y críticos cinematográficos por su trabajo de intrincados colores y escenografía: cada fotograma está compuesto por una creativa y sorprendente atención al color, considerado entre los las películas más aterradoras de la historia.
Casa (1977)
Casa (1977) es una película de terror de comedia experimental japonesa dirigida y producida por Nobuhiko Obayashi. Está protagonizada por Kimiko Ikegami, Saho Sasazawa, Kumiko Óba, Yōko Minamida, Asei Kobayashi y Miki Jinbo.
La película cuenta la historia de Oshare (Ikegami), una colegiala que lleva a sus seis compañeros a la casa de campo de su tía. Allí, se enfrentan a espíritus malignos, un gato doméstico y un piano embrujado.
La película es conocida por sus visuales extraños y surrealistas, su humor negro y sus temas feministas. Ha sido elogiada por la crítica por su originalidad y creatividad, y se considera una de las mejores películas de terror japonesas jamás realizadas.
Detalles adicionales
House se estrenó en Japón en 1977 y fue un éxito de crítica y taquilla. Desde entonces, se ha estrenado en muchos otros países y se ha convertido en un clásico de culto.
La película ha sido elogiada por su originalidad, creatividad e impacto visual. También ha sido elogiada por su humor negro y sus temas feministas.
Analisis
House es una película compleja y desafiante que puede interpretarse de muchas maneras diferentes. Algunos de sus temas clave incluyen:
- Llegar a la edad adulta: La película puede verse como una historia de mayoría de edad, ya que las siete chicas se ven obligadas a enfrentar sus miedos y aprender a confiar unas en otras.
- Feminismo: La película también puede verse como una película feminista, ya que las siete chicas son personajes fuertes e independientes que luchan contra los espíritus malignos.
- La naturaleza de la realidad: La película también explora la naturaleza de la realidad y la distinción entre lo real y lo irreal.
Halloween (1978)
Halloween (1978) Es una película de terror dirigida por John Carpenter y protagonizada por Donald Pleasence, Jamie Lee Curtis y Nancy Loomis. Se considera una de las películas de terror más importantes e influyentes de todos los tiempos.
La película sigue a Michael Myers, un niño de seis años que asesina a su hermana mayor, Judith. Tras quince años internado, Michael escapa y regresa a su ciudad natal, Haddonfield, Illinois, la noche de Halloween.
Michael comienza a matar a las personas que encuentra, incluida Laurie Strode, una estudiante de secundaria que cuida a dos niños.
Temáticas
Halloween explora una variedad de temas, entre ellos:
- Mal: La película explora el tema del mal como una fuerza real y poderosa que puede poseer a las personas. Michael Myers es un símbolo de la maldad pura, y su violencia es inexplicable e incontrolable.
- Temor: La película es de terror, y por lo tanto, el miedo es un tema central. Explora las diferentes formas de miedo, desde el miedo a lo desconocido hasta el miedo a la muerte.
- Venganza: La película puede verse como una historia de venganza. Michael Myers mata a quienes lo humillaron o lo lastimaron en el pasado.
Influir
Halloween fue un éxito de crítica y taquilla, y tuvo un impacto significativo en el género de terror. La película fue elogiada por su suspenso, atmósfera y representación del mal.
Halloween ha inspirado varias otras películas de terror, entre ellas Halloween II (1981), Halloween III: Season of the Witch (1982) y la serie de televisión Halloween (2018-presente).
Reseña
Halloween es un clásico del terror que sigue siendo una experiencia aterradora y perturbadora hasta el día de hoy. La película es visualmente impactante, con una cinematografía en blanco y negro que crea una atmósfera de suspenso y miedo.
Las actuaciones son todas excelentes, particularmente la de Donald Pleasence como el Dr. Loomis, el único que parece entender la verdadera naturaleza de Michael Myers.
Halloween es una visita obligada para los fanáticos del terror y seguramente permanecerá contigo mucho tiempo después de haberlo visto.
Trivialidades:
- La película se rodó en un solo lugar, la ciudad de South Pasadena, California.
- La película fue originalmente clasificada R por violencia.
- La película recaudó más de 70 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en una de las películas de terror más taquilleras de todos los tiempos.
Mira Halloween
La furia (1978)
La furia (1978) es una película de terror sobrenatural estadounidense pelicula de suspenso dirigido por Brian De Palma y protagonizada por Kirk Douglas, Amy Irving y John Cassavetes. La película está basada en la novela homónima de John Farris.
La película sigue a Peter Sandza (Douglas), un exagente de la CIA que cría a su hijo telépata, Robin (Andrew Stevens), en la clandestinidad. Peter es perseguido por una agencia gubernamental encubierta llamada "El Instituto", dirigida por Ben Childress (Cassavetes). El Instituto quiere capturar a Robin y usar sus poderes para sus propios fines.
Robin también es perseguido por una misteriosa asesina telepática llamada Gillian Bellaver (Irving). Bellaver puede controlar la mente de las personas y obligarlas a obedecer sus órdenes. Quiere matar a Robin y convertirse en el ser telepático más poderoso del mundo.
Temáticas
- Paranoia: La película explora el tema de la paranoia y el miedo a ser observado. Peter Sandza se mueve constantemente, temiendo que el Instituto lo encuentre y capture a su hijo.
- Potencia: La película también explora el tema del poder y su influencia corruptora en las personas. El Instituto está dispuesto a todo para apoderarse de los poderes de Robin, incluso si eso implica matarlo.
- La familia: La película también explora el tema de la familia y la importancia de proteger a los seres queridos. Peter Sandza está dispuesto a arriesgarlo todo para proteger a su hijo, Robin.
Influir
La Furia ha sido elogiada por su atmósfera de suspenso, su elegante apartado visual y sus sólidas actuaciones. También se le atribuye la influencia de otras películas, como Carrie, Altered States y Scanners.
Reseña
La Furia es un thriller bien hecho y lleno de suspenso que explora temas interesantes. La película es visualmente impactante, con imágenes realmente memorables. Las actuaciones son excelentes, en particular las de Kirk Douglas, Amy Irving y John Cassavetes.
La película no está exenta de defectos. La trama puede resultar algo enrevesada a veces y el final es algo abrupto. Sin embargo, sus virtudes superan a sus defectos. The Fury es una película imprescindible para los amantes del thriller.
Trivialidades:
- La película se rodó en la ciudad de Nueva York, Los Ángeles y Toronto.
- Los efectos especiales de la película fueron innovadores para la época.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 33 millones de dólares en todo el mundo.
Zombis (1978)
Zombis (1978), también conocido como Amanecer de los muertos, es una película de terror estadounidense de 1978 dirigida por George A. RomeroLa película es la secuela de la película de Romero de 1968. Noche de los muertos vivientes, y está considerada como una de las mejores películas de terror jamás realizadas.
Parcela
La película comienza con un reportaje sobre una misteriosa plaga que está convirtiendo a la gente en zombis. Cuatro supervivientes, Stephen, Fran, Roger y Peter, se refugian en un centro comercial con la esperanza de estar a salvo de los zombis. Sin embargo, el centro comercial pronto es invadido por zombis, y los supervivientes deben luchar por sus vidas.
Temáticas
Zombi explora diversos temas, como el consumismo, el capitalismo y la naturaleza de la humanidad. La representación que la película hace del centro comercial como un microcosmos de la sociedad ha sido elogiada por la crítica por su crítica social.
Recepción de la crítica
Zombi fue un éxito de crítica y taquilla, y se considera una de las mejores películas de terror de la historia. Ha sido elogiada por su suspenso, atmósfera y crítica social.
Impacto
Zombi tuvo un profundo impacto en el género de terror. La película contribuyó a popularizarlo y se considera una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos. También ha sido referenciada y parodiada en numerosas películas, series de televisión y videojuegos.
Secuencia icónica
Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que los supervivientes se atrincheran en el centro comercial y observan cómo los zombis se congregan afuera. La secuencia está filmada de forma que crea una atmósfera de suspenso y terror. Los zombis se muestran implacables y Imparable, y los sobrevivientes se sienten indefensos y vulnerables.
El asesino del perforador (1979)
El asesino del taladro (1979) es una actriz estadounidense explotación película de terror dirigida por Abel Ferrara Y protagonizada por el propio Ferrara, Carolyn Marz y Baybi Day. La película sigue a Reno Miller (Ferrara), un artista en apuros que cae en la locura y comienza a matar gente con un taladro eléctrico.
La película es conocida por su violencia gráfica, imágenes perturbadoras y atmósfera surrealista. Algunos críticos la han elogiado por su originalidad y energía cruda, pero otros la han criticado por su explotación de la violencia.
Temáticas
El asesino del taladro Explora una serie de temas, entre ellos:
- Enfermedad mental: Es evidente que Reno Miller padece una enfermedad mental, pero la película no ofrece respuestas ni soluciones fáciles. Es una cruda exploración del lado oscuro de la psique humana.
- Violencia: La película es extremadamente violenta y ha sido criticada por explotar la violencia. Sin embargo, también puede verse como una crítica a la violencia y sus efectos destructivos.
- Arte: Reno Miller es artista, y su arte suele ser violento y perturbador. La película puede verse como una exploración de la relación entre el arte y la violencia.
Influir
El asesino del taladro Se le atribuye haber influido en varias otras películas de terror, entre ellas American Psycho (2000) y taxidermia (2006). La película también ha sido referenciada en varias otras obras de cultura popular, como el videojuego Grand Theft Auto IV y la canción “Driller Killer” de la banda The Dillinger Escape Plan.
Reseña
El asesino del taladro Es una película desafiante y perturbadora, no apta para cardíacos. Es una mirada gráfica e implacable al lado oscuro de la psique humana. La película no está exenta de defectos, pero es una experiencia única e inolvidable.
Trivialidades:
- La película se rodó con un presupuesto limitado de 20,000 dólares.
- La película fue originalmente prohibida en el Reino Unido por su violencia.
- La película ha sido elogiada por algunos críticos por su originalidad y energía cruda, pero también ha sido condenada por otros por su explotación de la violencia.
Extraterrestres (1979)
Extranjero (1979) Es una película de terror y ciencia ficción dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt e Ian Holm. La película sigue a la tripulación de la nave espacial comercial Nostromo mientras investigan una señal de socorro de un planeta lejano. Pronto descubren una criatura alienígena mortal que comienza a perseguirlos uno por uno.
Alien Se considera una de las mejores películas de terror y ciencia ficción de todos los tiempos. Es elogiada por su atmósfera de suspenso, sus innovadores efectos especiales y su icónica imaginería. La película también cuenta con un elenco excepcional, encabezado por la innovadora interpretación de Sigourney Weaver como Ellen Ripley.
Temáticas
Alien Explora una serie de temas, entre ellos:
- Aislamiento: La tripulación del Nostromo está aislada del resto de la humanidad, tanto física como psicológicamente. Este aislamiento contribuye a la atmósfera de suspense de la película y aumenta la vulnerabilidad de la tripulación ante la criatura alienígena.
- Tecnología La película presenta varios dispositivos tecnológicos avanzados, como la nave espacial Nostromo y la propia criatura alienígena. Sin embargo, la tecnología también se muestra falible y peligrosa.
- Maternidad: Ellen Ripley es una figura materna para el resto de la tripulación. También es la única capaz de derrotar a la criatura alienígena. Esto sugiere que la maternidad es una fuente de fortaleza y resiliencia.
Influir
Alien Ha sido muy influyente tanto en el cine de ciencia ficción como en el de terror. Ha inspirado numerosas secuelas, precuelas y spin-offs, así como otras películas como La cosa (1982), Depredador (1987) y Horizonte de sucesos (1997).
Reseña
Alien Es una película clásica de terror y ciencia ficción que sigue siendo emocionante y aterradora hasta el día de hoy. Los efectos especiales siguen siendo impresionantes y las imágenes son icónicas. El reparto también es excelente, encabezado por la innovadora interpretación de Sigourney Weaver como Ellen Ripley.
Alien Es una película imprescindible para los amantes de la ciencia ficción y el terror. Es una película de suspenso, aterradora y visualmente impactante que ha marcado el género a lo largo de su historia.
Trivialidades:
- La criatura alienígena de la película fue diseñada por HR Giger, quien ganó un premio de la Academia a los mejores efectos visuales por su trabajo en la película.
- La película fue originalmente prohibida en el Reino Unido por su violencia y horror.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 104 millones de dólares en todo el mundo.
Entre películas de terror alienígenas Nada supera el suspenso de “Alien” de Ridley Scott.
La prole (1979)
La prole (1979) es un psicólogo canadiense horror corporal Película escrita y dirigida por David Cronenberg Protagonizada por Oliver Reed, Samantha Eggar y Art Hindle. La película sigue a un hombre y a su exesposa con problemas mentales, quien ha sido recluida por un psiquiatra conocido por sus controvertidas técnicas de terapia. Una serie de brutales asesinatos sin resolver sirve de telón de fondo para la narrativa principal.
Parcela
Frank Carveth (Hindle) lucha por obtener la custodia de su hija de cinco años, Candice, de manos de su exesposa, Nola (Eggar), quien ha sido internada por el Dr. Raglan (Reed). Raglan experimenta con una nueva terapia llamada "psicoplasma", que, según él, puede aflorar recuerdos y emociones reprimidas.
Nola es una de las pacientes de Raglan y ha dado a luz a una serie de criaturas monstruosas a las que Raglan llama "la prole". La prole son pequeñas criaturas humanoides que protegen ferozmente a Nola. Empiezan a atacar y matar a los amigos y familiares de Frank, y Frank debe encontrar la manera de detenerlos antes de que lleguen a Candice.
Temáticas
The Brood Explora una serie de temas, entre ellos:
- Enfermedad mental
- La familia
- Violencia
- La naturaleza de la realidad
La película es una mirada inquietante al lado oscuro de la naturaleza humana y sigue siendo una de las películas más aclamadas de Cronenberg.
La venganza es mía (1979)
La venganza es mía (1979) es un crimen japonés drama película dirigida por Shohei ImamuraBasada en el libro homónimo de Ryūzō Saki, narra la historia real del asesino en serie Akira Nishiguchi, cambiando el nombre del protagonista a Iwao Enokizu.
Parcela
La película comienza con Enokizu siendo llevado a una comisaría, donde es recibido por una multitud enfurecida y una gran multitud de periodistas. La policía lo interroga, pero se niega a responder. La película luego pasa a una serie de... escena retrospectiva secuencias, comenzando con los asesinatos iniciales.
Enokizu es un hombre profundamente perturbado, con un historial de violencia y enfermedades mentales. Además, es un católico devoto, lo que añade complejidad a su personaje. Todas sus víctimas son desconocidos, y parece no tener ningún motivo particular para matarlas.
La película sigue a Enokizu en su frenética matanza, eludiendo a la policía durante 78 días. Durante este tiempo, también se le ve interactuando con su familia y amigos, quienes desconocen sus crímenes.
Reseñas
Vengeance Is Mine es una película perturbadora y desafiante. La dirección de Imamura es firme, y la película no rehúye mostrar la violencia y la brutalidad de los crímenes de Enokizu. La película también explora temas complejos como el bien y el mal, la fe y la duda, y la naturaleza de la violencia.
Vengeance Is Mine fue un éxito crítico y comercial, y se considera una de las grandes películas japonesas jamás realizada. Ganó numerosos premios, incluido el Premio de Oro en el Festival Internacional de Cine de Moscú de 1979.
La película ha sido elogiada por su representación realista y sin sensacionalismo de los asesinatos en serie, así como por su análisis complejo y matizado de la psicología del asesino. También ha sido criticada por su violencia gráfica y su visión sombría y nihilista del mundo.
Curiosidades
- La película está basada en la historia real de Akira Nishiguchi, un asesino en serie japonés que mató a 16 mujeres entre 1971 y 1972.
- La película se rodó durante un período de gran agitación social y política en Japón.
- La película fue censurada en algunos países, incluido Estados Unidos.
El resplandor (1980)
“El resplandor” es una película de 1980 dirigida por Stanley Kubrick Basada en la novela homónima de Stephen King, la película se considera un clásico del género de terror y a menudo se la menciona como una de las mejores películas de todos los tiempos.
La historia sigue a Jack Torrance, interpretado por Jack Nicholson, quien acepta un trabajo como guardián de invierno en un gran hotel aislado en las montañas. Con su esposa Wendy (interpretada por Shelley Duvall) y su hijo Danny (interpretado por Danny Lloyd), Jack se instala en el hotel durante el invierno, pero pronto comienza a experimentar alucinaciones y a perder la salud mientras el hotel es invadido por fuerzas sobrenaturales.
“El Resplandor” es famosa por su excelente dirección, su impresionante cinematografía y la aterradora música de Kubrick. Jack Nicholson ofrece una interpretación icónica e intensa, al igual que Jack Torrance, y la película se ha convertido en un símbolo de su carrera. La escena en la que Jack rompe la puerta de la habitación de Danny con un hacha se ha convertido en una imagen icónica y aterradora de la cultura popular.
El Resplandor, que se celebró el primer viernes 13 del mes, no es solo una película de terror de los 80. Es una película que ha dejado una huella imborrable, como casi todas las películas del maestro Stanley Kubrick. Una película de artículos con una fotografía extraordinaria, la maestría de las estrellas Shelley Duvall y Jack Nicholson. Es la única película de terror filmada por Kubrick en toda su carrera. El Resplandor sigue siendo una película de culto perturbadora y escalofriante con un gran impacto en el cine moderno.
Inferno (1980)
Inferno es una película de 1980. película de terror sobrenatural Escrito y dirigido por Dario Argento e interpretado por Irene Miracle, Leigh McCloskey, Eleonora Giorgi, Daria Nicolodi y Alida Valli.
La trama sigue la investigación de una niña sobre la desaparición de su hermana, que vivía en un apartamento en la ciudad de Nueva York que también sirvió como hogar para una bruja centenaria.
Secuela temática de Suspiria (1977), la película es la segunda parte de la trilogía de las tres madres de plata, aunque es la primera de la trilogía que explica el concepto de las tres madres. Las tres películas se basan en parte en la obra de Thomas de Quincey, Suspiria de Profundis (3), una colección de poemas en prosa que propone el principio de las tres "Damas de Dolor" (Mater Lachrymarum, Mater Suspiriorum y Mater Cartebarum), en conjunción con los tres parques y agradecimientos del folclore griego.
Rose Elliot, una poeta que vive sola en el Upper West Side de Nueva York, adquiere un libro de un anticuario titulado "Las tres madres". El libro, escrito por un alquimista llamado Varelli, narra la historia de tres hermanas malvadas que gobiernan el mundo con dolor, lágrimas y oscuridad, y viven en varias casas que el alquimista construyó para ellas.
Mater Suspiriorum, la madre de los suspiros, vive en Friburgo. Mater Lachrymarum, la madre de las lágrimas, vive en Roma, y Mater Cartebarum, la madre de la oscuridad, reside en Nueva York. Rose cree que residía en la estructura de Mater Scherum y le escribe a su hermano Mark, aprendiz de música en Roma, instándolo a visitarla.
Utilizando las ideas ofrecidas en el libro, Rose explora el sótano del edificio y encuentra un agujero en el suelo al que se puede acceder a una sala de baile llena de agua.
Un hombre lobo americano en Londres (1981)
Un hombre lobo americano en Londres (1981) Es una película estadounidense de comedia de terror de 1981, escrita y dirigida por John Landis y protagonizada por David Naughton, Griffin Dunne y Jenny Agutter. La película sigue a dos amigos estadounidenses, David y Jack, quienes son atacados por un hombre lobo mientras viajan de mochilero por Inglaterra. David sobrevive, pero descubre que ha sido infectado por el hombre lobo y se transforma en una criatura similar a un lobo cada noche de luna llena.
La película es conocida por sus innovadores efectos especiales, que contribuyeron a que el hombre lobo fuera el más realista jamás visto en el cine. También fue elogiada por su humor negro y su sátira de la cultura británica.
Temáticas
Un hombre lobo americano en Londres Explora una serie de temas, entre ellos:
- El miedo al otro: La película explora el miedo al otro, tanto en términos de raza como de especie. David es estadounidense en Inglaterra y a menudo se le considera un forastero. El hombre lobo es una criatura alienígena y aterradora que representa el miedo a lo desconocido.
- La naturaleza de la identidad: La película explora la naturaleza de la identidad y cómo una experiencia traumática puede cambiarla. David es un hombre normal, pero el ataque de un hombre lobo lo transforma en una criatura monstruosa. Este cambio lo obliga a reconsiderar su identidad y su lugar en el mundo.
- Amor y amistad: La película explora la importancia del amor y la amistad. David y Jack son amigos inseparables, y su vínculo se pone a prueba cuando David se transforma en hombre lobo. La película sugiere que el amor y la amistad pueden superar incluso los mayores desafíos.
Reseña
Un hombre lobo americano en Londres Es una película clásica de terror que sigue siendo divertida y aterradora a la vez. Está bien hecha, con efectos especiales innovadores y un elenco excelente. Además, está llena de humor negro y sátira, lo que la convierte en una experiencia única e inolvidable.
Trivialidades:
- La película se rodó en Londres y Yorkshire.
- Los efectos especiales de la película fueron creados por el equipo de Rick Baker, que ganó un premio de la Academia al mejor maquillaje.
- La película fue un éxito comercial, recaudando más de 33 millones de dólares en todo el mundo.
Gracias a Un hombre lobo americano en Londres, comenzó la tradición de escenas de transformación aterradoras y bares inhóspitos, que se repitió en muchas películas posteriores. Para un director con una amplia trayectoria en... películas de comedia“Un hombre lobo americano en Londres” es una novela perfecta para John Landis.
Es una comedia de terror con un gran corazón de comedia negra, que supera los títulos de los mismos años. La transformación de Rick Baker a la luz de la luna fue un gran avance, una escena increíble donde... huesos Y la piel se estiró hasta desgarrarse. Es una película de terror con una profundidad genuina, fiel al disfraz de hombre lobo, pero con un toque vanguardista.
Los muertos malvados (1981)
Los muertos malvados (1981) es una película estadounidense de terror sobrenatural de 1981 escrita y dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Richard DeManicor, Betsy Baker y Theresa Tilly. La película sigue a un grupo de cinco Universidad Estudiantes que viajan a una cabaña remota en el bosque para pasar unas vacaciones, solo para descubrir un libro que contiene antiguos hechizos sumerios que despiertan a un demonio malévolo.
La película se rodó con un presupuesto ajustado de 350,000 dólares durante 21 días en una cabaña en el bosque de Tennessee. Fue un éxito de crítica y público, recaudando más de 50 millones de dólares en todo el mundo. La película dio origen a una franquicia que incluye dos secuelas, una película crossover, un remake y una serie de televisión.
Influir
The Evil Dead Ha tenido una gran influencia en el género de terror. Su producción de bajo presupuesto, su uso de elementos sangrientos y violentos, y su enfoque en el desarrollo de personajes han inspirado varias películas de terror posteriores, entre ellas Re-Animator (1985), The Cabin in the Woods (2011) y No respires (2016).
Reseña
The Evil Dead Es un clásico del terror que sigue siendo aterrador e inquietante hasta el día de hoy. La película está bien hecha, con excelentes actuaciones del elenco y efectos especiales innovadores. Además, es sorprendentemente llena de suspenso y atmósfera, creando una sensación de terror y claustrofobia.
Trivialidades:
- La película se tituló originalmente Libro de los Muertos, pero el título fue cambiado a The Evil Dead para evitar confusiones con George A. Romero Noche de los muertos vivientes (1968).
- Los efectos especiales de la película fueron creados por Tom Sullivan y Greg Nicotero, quienes luego trabajaron en varias otras películas de terror exitosas, entre ellas La cosa (1982) y Ejército de las tinieblas (1992).
- La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 50 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 350,000 dólares.
- La película generó una franquicia, que incluye dos secuelas, una película crossover, una nueva versión y una serie de televisión.
Scanners (1981)
Scanners es una película de ciencia ficción con elementos de Body Horror de 1981 dirigida por David Cronenberg. La película sigue la historia de un hombre que descubre que tiene la capacidad de leer los pensamientos de los demás y que se ve envuelto en una lucha entre dos facciones de escáneres que luchan por el control de su mente.
La película ha ganado popularidad por sus escenas violentas y por sus imágenes perturbadoras y también ha llamado a Cronenberg como uno de los principales directores del género de terror/ciencia ficción.
Scanners sigue la historia de Cameron Vale, un hombre que descubre su capacidad de leer los pensamientos de los demás e influir en sus mentes. Vale es reclutado por una organización secreta que quiere usar sus habilidades para combatir a otra facción de escáneres que intentan tomar el control del mundo.
La historia se centra en la lucha entre Vale y los líderes de la facción malvada, quienes controlan numerosos escáneres e intentan aumentar su poder. Vale debe encontrar la manera de detener los planes de la facción y salvar al mundo de su destructiva influencia mental.
Scanners fue recibido con críticas mixtas cuando se estrenó en 1981. Algunos críticos elogiaron la película por su enfoque distópico de la tecnología y por sus escenas violentas y perturbadoras, mientras que otros criticaron la trama confusa y la actuación poco convincente.
A pesar de las críticas mixtas, Scanners tuvo un éxito comercial considerable en taquilla y ganó cierta popularidad en los años siguientes. La película destacó a David Cronenberg como un director talentoso e influyó en muchas otras películas de terror y ciencia ficción.
Hoy en día, Scanners se considera un clásico y a menudo se menciona como una de las mejores películas de ciencia ficción de los años 80.
El aullido (1981)
El aullido es una película de terror estadounidense de 1981 dirigida por Joe DanteBasada en la novela homónima de Gary Brandner de 1977. La película está protagonizada por Dee Wallace, Patrick Macnee, Dennis Dugan y Kevin McCarthy.
Parcela
Karen White, reportera de noticias de Los Ángeles, queda traumatizada tras presenciar un brutal asesinato. Su terapeuta, el Dr. George Waggner, le sugiere que se vaya a un remoto centro turístico de montaña llamado The Colony para recuperarse.
En la Colonia, Karen conoce a un grupo de personas que se recuperan de experiencias traumáticas. Sin embargo, Karen pronto se da cuenta de que la Colonia no es lo que parece. Todos los habitantes de la Colonia son hombres lobo y planean convertir a Karen en uno de ellos.
Karen debe luchar por su vida contra los hombres lobo, y también debe encontrar una manera de escapar de la Colonia.
Recepción de la crítica
Aullidos fue un éxito crítico y comercial, y se considera una de las mejores películas de hombres lobo jamás realizada. La película fue elogiada por sus efectos especiales, su atmósfera de suspenso y su humor negro.
Secuencia icónica
Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que Karen se transforma en hombre lobo. La secuencia está filmada de forma que resulta a la vez espeluznante y llena de suspense. Esta escena de transformación es una de las más memorables de la historia del cine de terror.
Posesión (1981)
Posesión (1981) es una película de terror psicológico dirigida por Andrzej Żuławski Protagonizada por Isabelle Adjani y Sam Neill, la película narra la historia de una pareja cuyo matrimonio se desintegra y comienza a experimentar sucesos extraños y perturbadores.
Parcela
Anna (Adjani) y Mark (Neill) son un matrimonio que vive en Berlín. Su matrimonio está en crisis y Anna pide el divorcio. Mark se queda inicialmente impactado, pero finalmente accede. A medida que comienzan los trámites de divorcio, el comportamiento de Anna se vuelve cada vez más errático y perturbador. Empieza a tener pesadillas y afirma estar viendo una criatura misteriosa.
Mark contrata a un investigador privado para que siga a Anna y pronto descubre que tiene una aventura con Heinrich (Heinz Bennent), un científico alemán. Mark está furioso, pero también aliviado de tener ahora una explicación para el extraño comportamiento de Anna.
Sin embargo, el alivio de Mark dura poco. Pronto se da cuenta de que la aventura de Anna es solo un síntoma de un problema mucho más profundo. Anna está siendo poseída por una fuerza maligna y se está transformando en algo monstruoso.
Reseñas
Posesión es una película perturbadora y desafiante. Es una exploración visceral de la ruptura de un matrimonio y la oscuridad que puede acechar la psique humana. La película también es una reflexión sobre el poder del subconsciente y la fragilidad de la mente humana.
La película fue un fracaso de crítica y taquilla tras su estreno, pero desde entonces ha sido revalorizada como una obra maestra del cine de terror. La película ha sido elogiada por su implacable representación de la violencia y la sexualidad, sus imágenes surrealistas y las impactantes interpretaciones de Adjani y Neill.
Curiosidades
- La película se rodó en Berlín, Alemania, durante la Guerra Fría.
- La escena donde Anna es poseída por una fuerza malévola fue filmada en una sola toma.
- La película fue prohibida en algunos países, incluida Alemania, por su violencia y sexualidad explícitas.
La cosa (1982)
La cosa (1982) Es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1982 dirigida por John Carpenter y protagonizada por Kurt Russell, Wilford Brimley, T. K. Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart, Charles Hallahan, Peter Maloney, Richard Masur, Donald Moffat, Joel Polis y Thomas Waites. La película sigue a un grupo de investigadores en una estación de investigación antártica que son atacados por una entidad parásita alienígena capaz de adoptar la forma de cualquier ser vivo.
La película fue un éxito de crítica y público, recaudando más de 104 millones de dólares en todo el mundo. Fue elogiada por su atmósfera de suspenso, sus innovadores efectos especiales y las actuaciones del reparto.
Temáticas
- Aislamiento: La película se ambienta en una remota estación de investigación antártica, lo que aísla a los investigadores del resto del mundo. Este aislamiento contribuye a la atmósfera de suspense de la película y los hace más vulnerables a la Cosa.
- Sospecha: La película explora el tema de la sospecha. Los investigadores no saben en quién confiar, ya que la Cosa puede adoptar la forma de cualquiera. Esta sospecha genera paranoia y violencia entre los investigadores.
- Identidad: La película explora el tema de la identidad. La Cosa puede adoptar la forma de cualquiera, lo que cuestiona la identidad misma de los personajes. Este tema también se explora a través del personaje de MacReady, un hombre solitario y aislado.
Reseña
La cosa Es una película clásica de terror que sigue siendo emocionante y aterradora hasta el día de hoy. La película está bien hecha, con efectos especiales innovadores y un elenco excelente. Además, está llena de suspenso y tensión, creando una atmósfera de terror y terror.
Trivialidades:
- La película está basada en el cuento “¿Quién anda ahí?” de John W. Campbell Jr., que también sirvió de base para la película. La cosa de otro mundo (1951) por Howard Hawks.
- Los efectos especiales de la película fueron creados por Rob Bottin, quien ganó un premio de la Academia al mejor maquillaje.
- La película se rodó en Canadá, principalmente en Alberta y Columbia Británica.
- La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 104 millones de dólares en todo el mundo.
Videodromo (1983)
“Videodrome” es una película de terror corporal de 1983 dirigida por David CronenbergEs un thriller de ciencia ficción que explora los peligros de la tecnología y la distorsión de la realidad a través de la medios de comunicación.
La película se considera un clásico del cine de ciencia ficción y a menudo se cita como un ejemplo de “horror corporal"película que explora los temas de la tecnología y la manipulación de la realidad.
La trama de "Videodrome" sigue al productor de televisión Max Renn, quien busca una programación extrema para su cadena. Al descubrir "Videodrome", un programa que parece mostrar torturas y asesinatos en vivo, Max queda cautivado al instante y está decidido a transmitirlo.
Sin embargo, pronto descubre que "Videodrome" tiene un efecto alucinógeno en su mente y manipula su percepción de la realidad. Max se ve obligado a luchar contra fuerzas oscuras que quieren usar "Videodrome" como arma para controlar las mentes de las masas.
La trama se vuelve cada vez más surrealista e inquietante, y Max tiene que enfrentarse no sólo a la amenaza de “Videodrome”, sino también a su propia identidad y a la naturaleza de la realidad.
El hambre (1983)
The Hunger es una película de terror erótico de 1983 dirigida por Tony Scott en su debut como director. La película está protagonizada por Catherine Deneuve, David Bowie y Susan Sarandon.
La película narra la historia de Miriam Blaylock (Deneuve), una vampiresa centenaria que debe alimentarse de la sangre de hombres jóvenes para sobrevivir. Su amante, John Blaylock (Bowie), es un hombre mortal que comienza a envejecer rápidamente tras ser mordido por ella.
Miriam busca la ayuda de Sarah Roberts (Sarandon), una reconocida gerontóloga, para encontrar una cura para la enfermedad de John. Sin embargo, Miriam también se siente atraída por Sarah y comienza a seducirla.
El Hambre es una película visualmente impactante y elegante, con un elenco sólido. Sin embargo, también tiene un ritmo lento y le falta un poco de enfoque. El Hambre es una película que probablemente dividirá al público, pero en definitiva es una experiencia única e inolvidable.
Temáticas
El Hambre explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor y pérdida
- Inmortalidad y mortalidad
- Atracción entre personas de diferentes edades.
- El poder de Eros
Recepción
El Hambre fue un fracaso de crítica y taquilla tras su estreno. Sin embargo, la película ha sido revalorizada como un clásico de culto. Ha sido elogiada por su dirección, sus actuaciones y su singular combinación de terror, erotismo y ciencia ficción.
Reseña
El Hambre es una película única e inolvidable. Es visualmente impactante, con una cinematografía elegante y una banda sonora memorable. Las actuaciones de Deneuve, Bowie y Sarandon son excelentes.
Sin embargo, la película también tiene un ritmo lento y le falta un poco de enfoque. La trama suele ser confusa y la película no siempre sabe qué pretende ser. A pesar de sus defectos, The Hunger es una película que vale la pena ver.
Pesadilla en Elm Street (1984)
Pesadilla en Elm Street es una película de terror estadounidense de 1984 dirigida por Wes CravenLa película cuenta la historia de Nancy Thompson, una joven que es acosada y asesinada por Freddy Krueger, un espíritu vengativo que puede entrar en los sueños de las personas y matarlas.
Parcela
Tina Grey, una joven de 15 años, despierta gritando tras una pesadilla en la que la persigue un hombre monstruosamente desfigurado con un sombrero marrón y cuchillos en lugar de dedos. Su novio, Rod Lane, es acusado del asesinato de Tina, pero Nancy Thompson, su mejor amiga, está convencida de que Freddy Krueger, un asesino en serie quemado vivo por los padres de Tina y Nancy, ha regresado de entre los muertos para vengarse.
Nancy comienza a investigar a Freddy y descubre que puede entrar en sus sueños y matarla. Nancy debe encontrar la manera de derrotar a Freddy y salvar su vida.
Recepción de la crítica
Pesadilla en Elm Street fue un éxito de crítica y taquilla. La película fue elogiada por su suspenso, atmósfera e innovación.
Escena icónica
Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Nancy despierta cuando Freddy Krueger la apuñala en el pecho. La escena está filmada de forma que resulte aterradora y llena de suspense.
La mosca (1986)
El Fly (1986) Es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1986 dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Jeff Goldblum y Geena Davis. Es una nueva versión de la película homónima de 1958, basada en el cuento homónimo de 1957 de George Langelaan.
En la película, Seth Brundle (Goldblum) es un científico brillante pero excéntrico que inventa un par de dispositivos de teletransportación. Mientras los prueba, una mosca entra accidentalmente en uno de ellos con Brundle, y su ADN se fusiona. Brundle comienza a transformarse en un híbrido entre humano y mosca, y su estado físico y mental se deteriora rápidamente.
The Fly Es una película visualmente impactante con efectos especiales innovadores de Chris Walas. La película también destaca por su representación perturbadora y sugerente del horror corporal y la ética de la experimentación científica.
Temáticas
- Horror corporal: La Mosca es un ejemplo clásico de horror corporal, un subgénero del terror que se centra en la transformación grotesca del cuerpo humano. La transformación de Brundle en un híbrido entre humano y mosca es aterradora tanto física como psicológicamente, y plantea preguntas sobre la naturaleza de la identidad y lo que significa ser humano.
- La ética de la experimentación científica: La Mosca también explora la ética de la experimentación científica. El trabajo de Brundle sobre la teletransportación es sumamente ambicioso y potencialmente peligroso, y al final paga un alto precio por su arrogancia. La película sugiere que los científicos tienen la responsabilidad de considerar las posibles consecuencias de su trabajo, tanto para sí mismos como para los demás.
- El miedo a la muerte: La Mosca también puede verse como una reflexión sobre el miedo a la muerte. La transformación de Brundle es irreversible, y él sabe que está condenado a morir. La película explora sus intentos de afrontar su inminente mortalidad y de encontrarle sentido a su sufrimiento.
Reseña
La Mosca es un clásico del terror que sigue siendo emocionante y aterrador hasta el día de hoy. La película está bien hecha, con excelentes actuaciones del elenco y efectos especiales innovadores. Además, está llena de suspenso y tensión, creando una atmósfera de terror y terror.
La Mosca no es para todos. Los elementos de terror corporal de la película son extremadamente gráficos y perturbadores. Sin embargo, para los espectadores capaces de soportar la violencia y el gore de la película, La Mosca es una experiencia gratificante e inolvidable.
Extraterrestres (1986)
“Aliens” es una película de 1986 dirigida por James Cameron y protagonizada por Sigourney Weaver, Michael Biehn y Paul Reiser. Es la secuela de la película de Ridley Scott de 1979, «Alien».
La película sigue a la oficial de la nave, Ellen Ripley, quien se une a un equipo de marines para enfrentarse a una amenaza alienígena en la remota colonia de LV-426. Tras 57 años de hibernación, Ripley se une a la misión para derrotar a los alienígenas y sobrevivir.
«Aliens» fue aclamada por la crítica por su espectacular realismo, su excepcional dirección y la intensa actuación de sus actores. La película también tuvo un gran éxito comercial y ganó dos Premios Óscar a la Mejor Fotografía y al Mejor Sonido.
Además, «Aliens» está considerada una de las mejores secuelas de todos los tiempos y una pieza clave del género de ciencia ficción. Su mezcla de acción, aventura y terror ha influido en muchas otras películas del género y ha convertido la franquicia «Alien» en una de las más populares y longevas de la historia del cine.
Trasladando la ambientación principal de una casa embrujada a la Guerra de Vietnam, "Aliens" destaca por seguir narrando el personaje de Ripley tanto como la película original. Simplemente aumenta su alcance y escala. Los Xenomorfos han vuelto, pero esta vez traen a su madre.
Gracias a una escena eliminada de "Alien", el ciclo de vida de las feroces bestias nunca se reveló por completo. Así que aquí llega un monstruo mucho más aterrador: la Reina Alien. "Aliens" también tiene un guion perfecto, sin un solo fotograma ni línea de diálogo desperdiciado.
Evil Dead 2 (1987)
Mal muerto II (1987) es una película de comedia de terror estadounidense de 1987 dirigida por Sam Raimi, quien la coescribió con Scott Spiegel. La segunda entrega de la saga cinematográfica Evil Dead se considera tanto un remake como una secuela de The Evil Dead (1981).
Parcela
Ash Williams, aún traumatizado por los sucesos de la primera película, conduce por el Medio Oeste cuando es atacado por un árbol poseído. Ash es transportado a una dimensión alternativa, donde es perseguido por demonios. Conoce a un grupo de supervivientes, entre ellos Annie Knowby, la hija del profesor que escribió el Necronomicón.
Ash y los supervivientes se unen para luchar contra los demonios. Sin embargo, estos son demasiado fuertes y los supervivientes comienzan a morir uno a uno. Ash es el único que puede detenerlos y regresar a su mundo.
Recepción de la crítica
Evil Dead II fue un éxito de crítica y taquilla. La película fue elogiada por su acción, humor y efectos especiales.
Secuencia icónica
Una de las secuencias más icónicas de la película es aquella en la que Ash lucha contra un demonio con su motosierra. La secuencia está filmada de forma que resulta divertida y aterradora a la vez.
Ellos viven (1988)
Ellos viven (1988) es un película de ciencia ficción distópica Escrita, dirigida y protagonizada por John Carpenter, la película cuenta la historia de Nada (Roddy Piper), un trabajador desempleado que descubre que la sociedad está controlada por alienígenas parásitos que controlan las mentes humanas mediante mensajes subliminales en televisión y otros medios.
Nada descubre la verdad tras ponerse unas gafas especiales que le permiten ver a los extraterrestres tal como son. Los extraterrestres son criaturas malévolas que se alimentan de la energía humana y mantienen a la humanidad esclavizada. Nada decide... rebelde contra los extraterrestres y liberar a la humanidad de su control.
They Live es una película satírica que explora los temas del control social, propagandaY manipulación. La película también es un thriller de acción lleno de suspenso y giros inesperados. They Live es una película de culto que ha sido elogiada por fans y críticos de todo el mundo.
Estas son algunas de las razones por las que They Live se considera una película de culto:
- La historia es original y provocativa.
- Los personajes están bien desarrollados y son carismáticos.
- La dirección de John Carpenter es excelente.
- Las escenas de acción son emocionantes y llenas de adrenalina.
- El mensaje de la película es importante y relevante.
Ellos viven es un película imperdible Que aún es apreciada por fans y críticos de todo el mundo. Es una película que te hace reflexionar y te invita a mirar el mundo con otros ojos.
La desaparición (1988)
The Vanishing (1988) es un thriller psicológico de terror dirigido por Jorge SluizerLa película cuenta la historia de Rex Hofman, un hombre que, estando de vacaciones en Francia con su novia Saskia, la ve desaparecer misteriosamente. Tres años después, Rex recibe una carta de un hombre que dice saber dónde está Saskia. Rex acepta reunirse con él, pero el encuentro terminará de forma trágica e inesperada.
Temáticas
The Vanishing explora una serie de temas, entre ellos:
- Pérdida y dolor
- La locura y la depravación humanas
- La naturaleza de la realidad
Influencias
La desaparición fue influenciada por una serie de obras, entre ellas:
- La novela “El huevo de oro” de Tim Krabbé
- La película “El silencio de los corderos” de Jonathan Demme
- La película “El exorcista” de William Friedkin
Reseña
La Desaparición es una película que no deja indiferente a nadie. Es difícil de olvidar, por su inquietante historia y su dramático desenlace.
Tetsuo: El hombre de hierro (1989)
“Tetsuo: The Iron Man” es una película japonesa de 1989 dirigida por Shinya TsukamotoEs una película de ciencia ficción cyberpunk que explora los temas de la tecnología, la mutación humana y la subjetividad.
La trama sigue a un hombre que, tras sufrir un accidente con un cíborg, comienza a desarrollar gradualmente características metálicas. A medida que su cuerpo se transforma, el personaje se vuelve cada vez más loco y violento, sembrando el caos y la destrucción allá donde va.
La película fue aclamada por su surrealista e inquietante visión de la tecnología y su relación con la humanidad, así como por su excepcional dirección, cinematografía y montaje. «Tetsuo: El Hombre de Hierro» también ha tenido un gran impacto en la cultura popular y ha inspirado muchas otras obras de ciencia ficción y terror.
El viaje desordenado y sensual del director japonés Shinya Tsukamoto lleva el cyberpunk a algunos lugares nuevos y extraordinarios, utilizando efectos innovadores de bajo presupuesto para contar la historia surrealista de un "fetichista del metal" cuya muerte en un accidente de automóvil y camión desencadena un capítulo escandaloso en el progreso humano.
Fuego camina conmigo (1992)
Lanzado como una precuela de la serie de televisión Twin Peaks, Fire Walk with Me es una película de terror de los 90 que lleva al público a través de la historia de Laura Palmer (Sheryl Lee), hasta el punto donde comienza la serie anterior.
La película fue dirigida por Lynch y está protagonizada por Sheryl Lee como Laura PalmerKyle MacLachlan como Dale Cooper y Ray Wise como Leland Palmer. Fue un fracaso de crítica y taquilla, pero desde entonces ha sido reevaluada y elogiada por su atmósfera lynchiana y su exploración de temas oscuros.
Parcela
La película comienza con Laura Palmer (Sheryl Lee) despertando en la habitación de un motel con un desconocido. Está confundida y desorientada, y no recuerda cómo llegó allí. Regresa a casa, pero sus recuerdos aún la perturban.
Laura es una estudiante popular de secundaria, pero también es drogadicta y prostituta. Su padre, Leland Palmer (Ray Wise), abusa de ella y está poseído por el espíritu de BOB, una entidad demoníaca.
Influir
twin Peaks:El fuego camina conmigo Ha tenido una influencia significativa en la cultura popular. El estilo oscuro y atmosférico de la película ha sido elogiado tanto por la crítica como por los cineastas. La película también ha sido elogiada por su exploración de temas oscuros, a menudo evitados en el cine convencional.
Recepción de la crítica
Twin Peaks: fuego camina conmigo Fue un fracaso comercial y de crítica tras su estreno en 1992. La película fue criticada por su ritmo lento, su violencia y su falta de cierre. Sin embargo, desde entonces ha sido reevaluada y elogiada por su atmósfera lynchiana y su exploración de temas oscuros.
Legado
Twin Peaks: fuego camina conmigo Es un clásico de culto elogiado por críticos y cineastas. Se considera una de las obras más importantes de David Lynch y ha tenido una gran influencia en la cultura popular.
En los años siguientes el “caos” se convirtió en la mejor cualidad del cine: el estilo visionario y onírico de David LynchUna película de vanguardia realizada en formato serial, veinte años antes en streaming Serie de televisión. Solo Lynch podría ser tan brillante.
Drácula de Bram Stoker (1992)
'Drácula' es una película de drama de terror de 1992 dirigida por Francis Ford Coppola Basada en la novela homónima de Bram Stoker de 1897, la película presenta una versión reimaginada de la historia original de Drácula, centrándose en la relación entre el Conde Drácula y la joven escritora Mina Harker.
Gary Oldman interpreta al Conde Drácula, mientras que Winona Ryder interpreta a Mina Harker. El reparto también incluye a Anthony Hopkins, Keanu Reeves y Richard E. Grant. La película fue elogiada por sus excelentes actuaciones, la dirección visualmente cautivadora de Coppola y su elaborada interpretación del Conde Drácula.
La película también recibió muchas críticas por su interpretación imprecisa y controvertida de la historia original, así como por la naturaleza romántica y sexual de la relación entre Drácula y Mina. A pesar de ello, "Drácula" de 1992 se considera un clásico del género de terror y sigue contando con seguidores en todo el mundo. Esta película de culto de los 90 reinventa la historia decimonónica de Stoker. Su fotografía, vestuario y uso del color la convierten en un terror gótico caprichoso.
Tesis (1996)
“Tesis” es una película de terror española de 1996 dirigida por Alejandro AmenábarEs un thriller que explora el mundo académico y las consecuencias que pueden surgir de una investigación universitaria.
La protagonista, Angelika, es una joven estudiante de cine que trabaja en su tesis sobre las representaciones de la muerte en el cine. Durante su investigación, conoce a un estudiante que trabaja en un tema similar, pero centrado en el cine snuff, es decir, películas que representan la muerte real de personas. A medida que Angelika continúa adentrándose en el oscuro mundo del cine snuff, se enfrenta a muchas dificultades y se topa con personas que intentan impedirle continuar su investigación. También comienza a recibir amenazas y a temer por su vida.
“Tesis” fue muy bien recibida por la crítica y considerada una de las mejores películas españolas De los años 90. Ha ganado numerosos premios, incluyendo cuatro Goya, los galardones más importantes del cine español. La película es interesante porque ofrece una perspectiva de los peligros del mundo académico y de cómo la investigación puede tener consecuencias impredecibles. Además, su cautivadora trama y sus enigmas psicológicos hicieron de «Tesis» una película que quedó grabada en la memoria de muchos. Esta película ganó siete Goya en 7, incluyendo los premios a mejor película, mejor guion original y mejor dirección.
Viejo (2003)
Viejo (2003) es una película surcoreana de suspenso y acción de 2003 dirigida por Park Chan-wook y protagonizada por Choi Min-sik, Yoo Ji-tae y Kang Hye-jung. La película es una nueva versión de la película japonesa de 1999. Chico mayor, pero se considera una obra original por derecho propio.
Parcela
Oh Dae-su (Choi Min-sik) es un hombre que es secuestrado y encarcelado en un habitación de hotel Durante 15 años sin saber quién lo secuestró ni por qué. Después de 15 años, finalmente es liberado y se propone encontrar a su captor para vengarse.
Durante su búsqueda, Dae-su descubre que su captor es un empresario llamado Lee Woo-jin (Yoo Ji-tae). Lee Woo-jin le revela que lo secuestró porque su esposa tenía una aventura con él. Lee Woo-jin secuestró a Dae-su para vengarse de su esposa y hacerle sentir el dolor que él mismo sintió.
Temáticas
Chico mayor Explora una serie de temas, entre ellos:
- Venganza: La película explora la naturaleza de la venganza y sus consecuencias. Dae-su está obsesionado con vengarse de su captor, y esta obsesión lo lleva a la ruina.
- Identidad: La película también explora el tema de la identidad. Dae-su es secuestrado y encarcelado durante 15 años, tiempo durante el cual pierde su identidad. Al ser liberado, debe reconstruirla y descubrir quién es realmente.
- Victoria y derrota: La película termina con una escena ambigua en la que es difícil discernir quién ganó y quién perdió. Dae-su se ha vengado, pero también ha perdido su humanidad.
Influir
Chico mayor Fue un éxito crítico y comercial, y tuvo una influencia significativa. sobre el cineLa película fue elogiada por su dirección, su guión, sus actuaciones y su atmósfera. Chico mayor es considerado uno de los más grandes películas de acción de todos los tiempos.
Recepción de la crítica
Chico mayor Recibió elogios de la crítica por su dirección, guion, actuaciones y atmósfera. La película ganó numerosos premios, incluido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 2003.
Conclusión
Chico mayor Es una película compleja y provocadora que explora temas oscuros y perturbadores. Es una obra de arte visionaria que ha dejado una huella imborrable en el cine.
Si buscas encontrar algo atemporal Terror coreano, revisa Parque Chan-wookEl thriller de venganza de 2003, “Oldboy”.
Los rechazos del diablo (2005)
Es en 2005 película salpicada dirigido por Rob ZombieEs una película de terror que sigue la historia de la familia Firefly, un grupo de criminales que es perseguido por un sheriff decidido a detenerlos.
La película es conocida por su intensa y cruda representación de la violencia, así como por su dirección audaz y su cautivadora trama. Tuvo una recepción mixta por parte de la crítica y el público.
Muchos elogiaron la dirección de Zombie y su intensa y cruda representación de la violencia, pero otros criticaron la película por su libre representación de la violencia y por su contenido perturbador.
Es una película que dividió al público y a la crítica por su intensa y cruda representación de la violencia y por su contenido perturbador. Sin embargo, muchos fanáticos del género de terror elogiaron la dirección de Zombie y su cautivadora trama.
Primer mordisco (2006)
Primer mordisco (2006) Es un drama canadiense-tailandés dirigido por Hunt Hoe. Está protagonizado por David La Haye, Leah Pinsent y Napakpapha Nakprasitte. La película cuenta la historia de un chef canadiense que se enamora de una misteriosa tailandesa y viaja a Tailandia para estar con ella. Sin embargo, pronto descubre que ella no es quien parece y se adentra en un mundo de magia oscura y rituales ancestrales.
La película se rodó en Tailandia y fue elogiada por su hermosa cinematografía y su auténtica representación de la cultura tailandesa. Sin embargo, también fue criticada por su ritmo lento y su trama confusa.
Parcela
La película comienza con David (La Haye), un chef canadiense que trabaja en un prestigioso restaurante de Montreal. Es un chef talentoso, pero también está inquieto e insatisfecho con su vida.
Un día, David conoce a una misteriosa tailandesa llamada Mai (Nakprasitte). Mai es hermosa y enigmática, y David se siente inmediatamente atraído por ella. Comienzan una apasionada aventura, y David pronto decide dejar su trabajo y viajar a Tailandia para estar con ella.
Cuando David llega a Tailandia, inicialmente queda cautivado por la belleza del país y la calidez de su gente. Sin embargo, pronto se da cuenta de que Mai no es quien parece. Es reservada y retraída, y parece tener un pasado oscuro.
David también descubre que Mai está involucrada en una secta que practica magia negra y rituales ancestrales. David queda horrorizado, pero también se siente atraído por el poder y el misterio de la secta.
David finalmente se involucra en uno de los rituales del culto y es mordido por una serpiente. La mordedura le otorga poderes especiales, pero también comienza a transformarlo en algo menos que humano.
David ahora debe elegir entre su amor por Mai y su humanidad. También debe encontrar la manera de impedir que la secta lleve a cabo sus malvados planes.
Temáticas
primer bocado Explora una serie de temas, entre ellos:
- Amor y obsesión: El amor de David por Mai es el motor de la película. Sin embargo, este amor también lo lleva a tomar decisiones peligrosas y destructivas.
- El bien contra el mal: David se encuentra en una lucha entre el bien y el mal. Debe elegir entre su humanidad y los poderes oscuros que ha adquirido.
- Identidad: La identidad de David se ve cuestionada por sus experiencias en Tailandia. Debe decidir quién quiere ser y qué tipo de vida quiere vivir.
primer bocado es una película independiente canadiense que cruza varios géneros cinematográficos en su narrativa, pasando repentinamente del romance al thriller. terror fantasmalLa dirección, el montaje y el guión nunca son banales, apoyados por tomas con lentes gran angular que aumentan la tensión y por actores en magnífica forma.
Mira el primer bocado
Mártires (2008)
Mártires (2008) es una película de terror francesa dirigida por pascal laugier Protagonizada por Mylène Jampanoï y Morjana Alaoui, la película sigue a Lucie, una joven que es secuestrada y torturada durante un año antes de ser rescatada. Tras su rescate, Lucie está atormentada por sus experiencias y busca vengarse de sus captores.
Parcela
Lucie es secuestrada y llevada a un almacén abandonado, donde la torturan durante un año. Finalmente la rescatan, pero queda con cicatrices físicas y emocionales.
Lucie está decidida a encontrar a sus captores y vengarse. Los rastrea y los mata uno por uno. Sin embargo, su venganza no le trae la paz que anhelaba.
Temáticas
Mártires Explora una serie de temas, entre ellos:
- Trauma: La película explora los efectos del trauma en la mente y el cuerpo humano. Lucie está profundamente traumatizada por sus experiencias en cautiverio, y su trauma se manifiesta tanto física como psicológicamente.
- Venganza: La película también explora el tema de la venganza. Lucie está obsesionada con vengarse de sus captores, pero finalmente se da cuenta de que la venganza no trae la paz.
- Religión: La película también aborda temas de religión y fe. Lucie se crio en un hogar católico, pero sus experiencias en cautiverio la llevaron a cuestionar su fe.
Influir
Mártires Es una película controvertida que ha recibido tanto elogios como críticas de la crítica y el público. Ha sido elogiada por su representación realista del trauma y sus imágenes perturbadoras. Sin embargo, también ha sido criticada por su violencia y su desolador final.
Recepción de la crítica
Mártires Recibió críticas mixtas. Algunos elogiaron el realismo de la película y sus imágenes perturbadoras, mientras que otros criticaron su violencia y su desolador final. La película fue un éxito de taquilla en Francia, pero no tuvo el mismo éxito en otros países.
Sed (2009)
Sed (2009) es una película de terror de vampiros de Corea del Sur dirigida por Parque Chan-wookLa película está protagonizada por Song Kang-ho como Sang-hyun, un sacerdote católico que se ofrece como voluntario para un experimento médico para desarrollar una cura para un virus mortal. El experimento fracasa y Sang-hyun se transforma en vampiro.
Tras su transformación, Sang-hyun lucha por mantener su humanidad mientras lidia con su nueva sed de sangre. Se enamora de Tae-ju (Kim Ok-bin), la esposa de su mejor amigo. Tae-ju también se siente atraída por Sang-hyun, pero le repugna su naturaleza vampírica.
Temáticas
Sed Explora una serie de temas, entre ellos:
- Tentación: La película trata sobre la tentación del pecado y la lucha por mantener la humanidad ante la tentación. Sang-hyun se siente tentado por su sed de sangre, pero también intenta resistirla y vivir una vida moral.
- Amor: La película también es sobre el amor Y el poder del amor para superar incluso los obstáculos más oscuros. Sang-hyun y Tae-ju están profundamente enamorados, pero su amor es prohibido y peligroso.
- Religión: Sed También explora el tema de la religión y el conflicto entre la fe y la ciencia. Sang-hyun es un católico devoto, pero su fe se pone a prueba al transformarse en vampiro.
Recepción
Sed Fue un éxito de crítica y público. Ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 2009 y fue elogiada por sus sólidas actuaciones, su elegante dirección y su exploración de temas complejos.
Conclusión
Sed Es una película impactante y perturbadora que explora temas oscuros y desafiantes. No es para todos los públicos, pero es una experiencia gratificante para los espectadores dispuestos a sumergirse en sus complejas ideas y su representación inquebrantable de la naturaleza humana.
La Isla Siniestra (2010)
Leonardo DiCaprio protagoniza esta thriller de terror ambientado en un manicomioShutter Island de Martin Scorsese es una película intrigante llena de conspiraciones y miedo que deja la verdad en el aire.
Parcela
Teddy Daniels y su compañero Chuck Aule (Mark Ruffalo) son enviados a Shutter Island para investigar la desaparición de Rachel Solando (Emily Mortimer), paciente del Hospital Ashecliffe, un centro psiquiátrico para criminales con problemas mentales. Teddy también está decidido a encontrar a su esposa, Dolores Chanal (Michelle Williams), fallecida en un incendio cinco años antes.
Mientras Teddy investiga el hospital, empieza a descubrir secretos inquietantes. También experimenta extrañas alucinaciones y flashbacks, que lo llevan a cuestionar su propia cordura. Teddy finalmente descubre que el hospital es en realidad una fachada para un experimento gubernamental de control mental. Los médicos del hospital usan una droga llamada D-67 para borrar la memoria de los pacientes y luego implantarles una nueva.
Temáticas
Shutter Island Explora una serie de temas, entre ellos:
- Cordura versus locura: La película explora la naturaleza de la cordura y la locura. Teddy/Andrew es un personaje complejo que lucha por distinguir entre la realidad y el delirio. La película también plantea interrogantes sobre la ética del control mental y la naturaleza de la identidad.
- Trauma: La película también explora el tema del trauma. Andrew está traumatizado por el asesinato de su esposa, y este trauma lo lleva a crear un mundo delirante donde puede escapar de su dolor.
- Culpa y redención: La película también explora los temas de la culpa y la redención. Andrew, consumido por la culpa por el asesinato de su esposa, busca redención intentando encontrar a Rachel Solando y salvarla.
Recepción
Shutter Island Fue un éxito de crítica y público. Recibió elogios por sus actuaciones, dirección y guion. La película también fue nominada a cuatro Premios Óscar, incluyendo Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Fotografía y Mejor Banda Sonora Original.
A pesar de todos sus éxitos previos desde la década de 1970, Shutter Island terminó siendo la película más taquillera de Martin Scorsese hasta que fue superada por El lobo de Wall Street. El impacto de la película en los sentidos es devastador.
Cisne negro (2010)
Cisne Negro es una película de terror y suspenso psicológico de 2010 dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey y Winona Ryder. La película sigue a Nina Sayers (Portman), una joven bailarina quien interpreta tanto al Cisne Blanco como al Cisne Negro en una producción de El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky, pero comienza a perder el contacto con la realidad a medida que se obsesiona con el papel.
Parcela
Nina es una perfeccionista que ha dedicado su vida al ballet. Vive con su madre sobreprotectora, Erica (Hershey), quien también fue bailarina, pero se vio obligada a retirarse debido a una lesión. Nina interpreta al Cisne Blanco, el personaje inocente y frágil, en una producción de El Lago de los Cisnes. Sin embargo, el director artístico, Thomas Leroy (Cassel), cree que no es la adecuada para el papel del Cisne Negro, el personaje sensual y oscuro.
Temáticas
El cisne negro explora una serie de temas, entre ellos:
- Perfeccionismo: Nina es una perfeccionista que se esfuerza por triunfar a toda costa. Su obsesión por la perfección la lleva a la ruina.
- Obsesión: Nina se obsesiona con el papel del Cisne Negro, que representa su lado oscuro. Su obsesión la lleva a perder el contacto con la realidad.
- Dualidad: La película explora la dualidad de la naturaleza humana. Nina representa la inocencia del Cisne Blanco, pero también tiene un lado oscuro, representado por el Cisne Negro.
- Relaciones madre-hija: La relación entre Nina y su madre es compleja y poco saludable. Erica es sobreprotectora y controladora, y sus expectativas sobre Nina son poco realistas.
Recepción de la crítica
Cisne Negro fue un éxito de crítica y público, recaudando más de 333 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 13 millones. La película fue elogiada por sus actuaciones, en particular la de Portman, su dirección y su atmósfera oscura y llena de suspense. Fue nominada a cinco Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz para Portman.
La piel que habito (2011)
La piel que habito (2011) (La piel que habito) es una película española de suspenso psicológico y ciencia ficción dirigida por Pedro Almodóvar y protagonizada por Antonio Banderas y Elena Anaya. La película está basada en la novela. Tarántula (Mygale) por Thierry Jonquet.
Parcela
El Dr. Robert Ledgard (Banderas) es un brillante cirujano plástico que ha desarrollado un nuevo tipo de piel sintética resistente a los daños. La utiliza para crear una nueva identidad para Vera Cruz (Anaya), una mujer que sufrió quemaduras graves en un accidente de coche.
Vera permanece cautiva en la mansión de Ledgard, donde se ve obligada a usar una máscara para ocultar su verdadera identidad. También es sometida a los experimentos de Ledgard, quien intenta perfeccionar su nueva piel.
Un día, Vera escapa de la mansión de Ledgard con la ayuda de su hijo, Zeca (Jan Cornet). Vera y Zeca se enamoran, pero su relación se complica porque Vera sigue siendo perseguida por Ledgard.
Temáticas
La piel que habito Explora una serie de temas, entre ellos:
- Identidad: La película explora la naturaleza de la identidad y cómo se construye y reconstruye. La identidad de Vera está en constante cambio, pues se ve obligada a asumir diferentes roles para sobrevivir.
- Trauma: La película también explora el tema del trauma y cómo puede influir en nuestras vidas. Vera está profundamente traumatizada por sus experiencias, y este trauma la lleva a tomar decisiones peligrosas.
- Venganza: La película también explora el tema de la venganza. Vera está decidida a vengarse de Ledgard por el dolor que le ha causado.
Recepción
La piel que habito Fue un éxito de crítica y público. Recibió elogios por sus actuaciones, dirección y guion. La película también fue nominada a cuatro Premios Goya, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Guion Original.
Conclusión
La piel que habito Es una película compleja e inquietante que explora temas oscuros y desafiantes. No es para todos los públicos, pero es una experiencia gratificante para los espectadores dispuestos a conectar con sus ideas y su representación directa de la condición humana.
Detalles adicionales
- La película está ambientada en un mundo futurista donde la tecnología ha avanzado hasta el punto que los humanos pueden ser modificados de maneras que antes eran inimaginables.
- Los aspectos visuales de la película son impresionantes y el uso del color y del simbolismo por parte de Almodóvar es magistral.
- Las actuaciones de la película son todas excelentes, pero la actuación de Anaya como Vera es particularmente notable.
The Babadook (2014)
The Babadook (2014) es una película australiana de terror psicológico de 2014 escrita y dirigida por Jennifer KentLa película está protagonizada por Essie Davis como Amelia Vanek, una madre soltera que cría a su hijo Samuel (Noah Wiseman), de seis años, tras la muerte de su esposo. Amelia lucha por sobrellevar el dolor y las exigencias de la maternidad, y su relación se vuelve cada vez más tensa.
Una noche, Samuel encuentra en casa un misterioso libro desplegable llamado "El Babadook". El libro cuenta la historia de una criatura malévola que atormenta a quienes lo leen. Al principio, Amelia lo descarta como un cuento inofensivo para dormir, pero Samuel se obsesiona cada vez más con él, y Amelia empieza a experimentar cosas extrañas y perturbadoras.
Amelia pronto se da cuenta de que Babadook no es solo un cuento; es una criatura real que ha venido a atormentarlos. Mientras Amelia y Samuel luchan por sobrevivir, también deben enfrentarse a sus propios demonios internos.
Recepción de la crítica
Babadook fue un éxito de crítica y público, con elogios por su atmósfera oscura, complejidad psicológica y actuaciones. La película fue nominada a seis premios AACTA, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y ganó el premio al Mejor Guion Original.
Impacto
Babadook ha sido elogiada por su visión única e innovadora del género de terror. Otros cineastas la han citado como una influencia y se le atribuye haber contribuido a revitalizar el género de terror psicológico.
Escena icónica
Una de las escenas más icónicas de la película es aquella en la que Amelia se enfrenta a Babadook en su cocina. La escena está rodada de forma que resulte a la vez emocionante y aterradora, y Amelia usa diversos objetos domésticos para defenderse de la criatura.
La bruja del amor (2016)
Elaine, una joven y hermosa bruja, se dirige a Arcata, California, un pueblo donde la brujería es aceptada, para comenzar una nueva vida tras la muerte de su esposo Jerry. Quizás Elaine podría haberlo matado.
Allí, alquila una casa victoriana propiedad de Barbara, la maestra de Elaine, amueblada por su decoradora de interiores, Trish Manning. En un intento de hacerse amiga de la chica, Trish lleva a Elaine a una casa de té, donde conoce a su esposo Richard, quien enseguida se enamora de Elaine.
Con el deseo de encontrar un nuevo amante, Elaine realiza un ritual para encontrarlo y conoce a Wayne, profesor de literatura de la universidad. Ambos viajan a casa de Wayne, donde ella le hace consumir un brebaje con alucinógenos. Cuando hacen el amor, Wayne se vuelve posesivo, lo que pone ansiosa a Elaine.
Muere al día siguiente, y Elaine entierra su cuerpo con un amuleto contra la brujería que contiene su orina. Decide que el próximo hombre al que intentará seducir será Richard, ya que está casado y no puede ser posesivo.
La Bruja del Amor, de Anna Biller, es diferente a cualquier otra comedia de terror reciente. La película se apoya en gran medida en su maravillosa cinematografía de los años 60, que en algunas escenas evoca las películas de Dario Argento.
Hay una belleza en el look que Anna Biller ha creado en todo su esplendor tecnicolor que te hechiza de inmediato. La Bruja del Amor se encarga de ser tanto oscura como luminosa, es... película de brujas con algunas líneas realmente maravillosas e irónicas gracias a la actriz perfecta para la historia, Samantha Robinson.
La doncella (2016)
La doncella (2016) (아가씨, Ah-ga-ssi) es una película de terror y suspenso psicológico de Corea del Sur dirigida por Parque Chan-wook y protagonizada por Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo y Cho Jin-woong. La película está basada en la novela de 2002. Fingersmith de Sarah Waters, ambientada en la Inglaterra victoriana. Sin embargo, Park Chan-wook adaptó la historia a Corea durante el período colonial japonés (1910-1945).
Parcela
La película narra la historia de Sook-hee (Kim Tae-ri), una joven carterista contratada para hacerse pasar por doncella de Lady Hideko (Kim Min-hee), una heredera japonesa que vive con su adinerado tío, Kouzuki (Ha Jung-woo). Sook-hee, en realidad, colabora con un estafador llamado Fujiwara (Cho Jin-woong), quien planea casarse con Hideko e internarla en una institución psiquiátrica para poder reclamar su herencia.
Sin embargo, Sook-hee y Hideko desarrollan una atracción inesperada entre sí, y comienzan a conspirar contra Fujiwara.
Temáticas
La sierva Explora una serie de temas, entre ellos:
- Sexualidad: La película es una celebración de la sexualidad y el deseo femeninos. La relación entre Sook-hee y Hideko es apasionada e intensa, y la película desafía las nociones tradicionales de género y sexualidad.
- Poder y control: La película también explora los temas del poder y el control. Kouzuki intenta controlar a Hideko a través de su riqueza y su estado mental. Sin embargo, Sook-hee y Hideko finalmente toman las riendas de sus propias vidas y destinos.
- Identidad: La película también explora el tema de la identidad. Sook-hee y Hideko se ven obligados a asumir identidades diferentes para sobrevivir. Sin embargo, finalmente aceptan su verdadero yo y encuentran su propia voz.
Recepción
La sierva Fue un éxito de crítica y taquilla. Recibió elogios por sus actuaciones, dirección, guion y fotografía. La película también fue nominada a varios premios, incluyendo la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2016.
Conclusión
La sierva Es una película compleja y visualmente impactante que explora temas oscuros y desafiantes. No es para todos los públicos, pero es una experiencia gratificante para los espectadores dispuestos a conectar con sus ideas y su retrato inquebrantable de la naturaleza humana.
Detalles adicionales
- La película destaca por sus escenas eróticas, que son a la vez explícitas y hermosas.
- La cinematografía de la película es impresionante y Park Chan-wook utiliza una variedad de técnicas visuales para crear una sensación de atmósfera y suspenso.
- Las actuaciones de la película son todas excelentes, pero las actuaciones de Kim Min-hee y Kim Tae-ri como Hideko y Sook-hee, respectivamente, son particularmente notables.
Una cura desde el bienestar (2016)
Es una película que sigue la tradición de los dioses de una manera original. película de asilo, filmada en 2016 dirigida por Montañas VerbinskiLa película sigue la historia de un hombre llamado Lockhart, interpretado por Dane DeHaan, quien es enviado a una clínica de bienestar remota en Suiza para recuperar al director ejecutivo de su empresa.
Una vez allí, Lockhart descubre que la clínica es extraña y misteriosa, y que sus pacientes están atrapados allí contra su voluntad. Con la ayuda de una joven enfermera, interpretada por Mia Goth, Lockhart comienza a investigar la clínica y a su misteriosa fundadora, quien parece tener la capacidad de curar las enfermedades más graves.
La película recibió críticas dispares: algunos la elogiaron por su atmósfera inquietante y su narrativa enmarañada, mientras que otros la criticaron por su falta de coherencia y su desenlace confuso. A pesar de ello, «The Cure for Wellness» se considera una película de culto entre los aficionados al género de terror y suspense y sigue contando con un público fiel.
Una cura para el bienestar se filmó en un centro médico real de la Primera Guerra Mundial donde el propio Hitler podría haber sido ingresado. thriller psicológico Ambientada principalmente en un remoto balneario de “salud” en los Alpes que tiene todas las características visuales de la era de la tuberculosis. asilo.
¡Madre! (2017)
¡Madre! es una película de terror psicológico de 2017 escrita y dirigida por Darren Aronofsky, protagonizada por Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson, Brian Gleeson y Kristen Wiig. Sigue la historia de una joven cuya tranquila vida con su esposo en su casa de campo se ve perturbada por la llegada de una misteriosa pareja.
La película ha sido interpretada de muchas maneras diferentes, pero algunas de las interpretaciones más comunes incluyen:
- Una metáfora del proceso creativo: La película puede verse como una metáfora del proceso de creación artística, donde la madre representa a la artista y la pareja al público. La película explora los temas de la inspiración, la creatividad y el poder destructivo del arte.
- Una alegoría de la relación entre Dios y la humanidad: La película también puede interpretarse como una alegoría de la relación entre Dios y la humanidad, donde la Madre representa a la Madre Tierra y la pareja representa a la humanidad. La película explora los temas de la creación, la destrucción y la relación entre lo divino y lo humano.
- Un análisis de la violencia y el abuso: La película también puede verse como un análisis de la violencia y el abuso, donde Madre representa a una víctima de abuso. La película explora los temas del trauma, el poder y el ciclo de la violencia.
La película fue un éxito comercial, recaudando más de 44 millones de dólares en todo el mundo. También fue nominada a varios premios, incluido el León de Oro en el festival de cine de venecia y el León de Plata – Gran Premio del Jurado.
Aquí hay un resumen más detallado de la trama de la película:
Parcela
La película comienza con una joven llamada Madre (Lawrence) que vive en una casa aislada con su esposo, un exitoso poeta llamado Él (Bardem). Su vida es idílica, y Madre se dedica a cuidar de la casa y de Él.
Un día, un misterioso desconocido (Él) llega a la puerta. Se presenta como fan suyo y pregunta si puede quedarse un rato. Él acepta, y el hombre empieza a frecuentar la casa.
Pronto, el hombre trae a su esposa (Her) y a sus dos hijos. La presencia de estos nuevos invitados empieza a agobiar a la Madre. La casa se llena de caos, y la Madre se siente cada vez más abandonada y oprimida.
La situación se agrava aún más cuando el hombre comienza a comportarse violentamente. La madre se ve obligada a defenderse, y la casa se convierte en un lugar de violencia y destrucción.
Recepción de la crítica
La película fue un éxito de crítica y taquilla, recaudando más de 44 millones de dólares en todo el mundo. Además, fue nominada a varios premios, entre ellos el León de Oro del Festival de Cine de Venecia y el León de Plata del Gran Premio del Jurado.
Suspiria (2018)
Más de cuarenta años después de su estreno, el clásico de películas de terror italianas de Dario Argento tiene un remake, dirigido por Luca Guadagnino.
Suspiria (2018) Es una película de terror sobrenatural dirigida por Luca Guadagnino y escrita por David Kajganich. Es una nueva versión de la película de 1977. Película italiana del mismo nombre de Dario Argento.
Parcela
Susie Bannion es una joven bailarina estadounidense que llega a Berlín para asistir a la prestigiosa escuela de danza Markos Tanztheater. Desde su audición, Susie demuestra ser una bailarina talentosa y decidida, tanto que llama la atención de Madame Blanc, la coreógrafa de la escuela.
Pronto, Susie empieza a sospechar que la escuela esconde un terrible secreto. Una serie de misteriosos asesinatos sacude la escuela, y Susie descubre que Markos Tanztheater es en realidad un aquelarre de brujas que intentan resucitar a su líder, Helena Markos.
Estilo
Suspiria es una película muy estilizada, con una cinematografía desaturada y una banda sonora ambiental. Guadagnino crea una atmósfera inquietante y opresiva, que se refleja en la historia y los personajes.
Recepción
Suspiria recibió una gran aclamación de la crítica, con elogios por su dirección, fotografía, actuaciones y banda sonora. La película fue nominada a dos Premios Óscar: a Mejor Fotografía y a Mejor Maquillaje y Peluquería.
Conclusión
Suspiria es una película de terror compleja y ambiciosa que ofrece mucho que ver y reflexionar. Es una película que permanecerá en la memoria del público mucho después de verla.
Detalles adicionales
La película se ambienta en Berlín en 1977, durante la Guerra Fría. El clima político y social de la época se refleja en la película, donde el aquelarre de brujas representa una fuerza oscura y opresiva que amenaza con socavar la estabilidad de la ciudad.
La banda sonora de la película, compuesta por Thom Yorke de Radiohead, también es notable. Es una banda sonora evocadora y atmosférica que complementa a la perfección el apartado visual de la película.
Entre las películas de terror más esperadas de 2018 se encuentra una película que transforma la película original de Dario Argento en algo completamente diferente, con un lenguaje de dirección riguroso que la convierte en mucho más que un simple horror sobrenatural: una película extraordinaria. película de autor.
A Quiet Place (2018)
Un lugar tranquilo es un americano de 2018 post-apocalíptico Película de terror escrita y dirigida por John Krasinski, quien protagoniza la película junto a su esposa Emily Blunt. La película sigue a una familia de cuatro que debe vivir en silencio mientras se esconde de criaturas ciegas que cazan por el sonido.
Parcela
La familia Abbott —Lee (Krasinski), Evelyn (Blunt), Regan (Millicent Simmonds) y Marcus (Noah Jupe)— vive en una granja aislada en un mundo postapocalíptico donde criaturas ciegas, pero sensibles al ruido, cazan humanos. La familia se comunica en lenguaje de señas para evitar hacer ruido y ha desarrollado una serie de reglas para sobrevivir, como caminar sobre arena senderos para no dejar huellas y utilizar el fuego solo por la noche.
Un día, Evelyn da a luz a un bebéLee se sacrifica para salvar a la familia de las criaturas. Evelyn y los niños deben encontrar la manera de sobrevivir por sí solos, y Regan finalmente descubre que las criaturas son vulnerables a los ruidos de alta frecuencia. Usa su audífono para amplificar el sonido de su implante coclear, lo que mata a las criaturas.
La familia finalmente abandona la granja en busca de un lugar más seguro donde vivir.
Recepción de la crítica
Un Lugar Tranquilo fue un éxito de crítica y público, recaudando más de 340 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 17 millones. La película fue elogiada por su atmósfera de suspense, sus actuaciones (en particular la de Simmonds) y su diseño de sonido. Fue nominada a varios premios, incluyendo el Globo de Oro a la Mejor Película Dramática y el Óscar a la Mejor Edición de Sonido.
Temáticas
Un lugar tranquilo explora una serie de temas, entre ellos:
- Supervivencia: La película es, en definitiva, una historia de supervivencia, tanto física como emocional. La familia Abbott debe encontrar la manera de sobrevivir en un mundo peligroso y también afrontar la pérdida de sus seres queridos.
- Comunicación: La película también explora la importancia de la comunicación. La familia Abbott debe comunicarse entre sí para sobrevivir y también debe aprender a comunicarse con el mundo exterior.
- Familia: La película es una celebración de la familia. La familia Abbott es muy unida y está dispuesta a sacrificarlo todo por los demás.
Hereditario (2018)
Hereditario (2018) es una película de terror sobrenatural escrita y dirigida por Ari Aster en su debut como director. Está protagonizada por Toni Collette, Alex Wolff, Milly Shapiro y Gabriel Byrne.
La película sigue a la familia Graham, atormentada por una misteriosa presencia tras la muerte de su abuela, Ellen. Annie Graham (Collette), una artista de miniaturas, aún de luto por la pérdida de su madre cuando comienza a experimentar sucesos extraños en su hogar. Su hijo, Peter (Wolff), es un adolescente con problemas que lucha por superar la muerte de su abuela. Su hija, Charlie (Shapiro), es una joven que guarda un secreto inquietante.
A medida que la vida de los Graham se sale de control, se ven obligados a enfrentarse a los oscuros secretos de la historia de su familia y a las fuerzas siniestras que amenazan con consumirlos.
Temáticas
Hereditary explora una serie de temas, entre ellos:
- Pena y pérdida
- Trauma hereditario
- La naturaleza del mal
- Lo oculto
Estilo
Hereditary es una película de terror de ritmo lento que se basa en la atmósfera y el suspense para generar tensión. Aster utiliza diversas técnicas cinematográficas, como amplios movimientos de cámara y primeros planos, para crear una sensación de inquietud y terror. La banda sonora de la película, compuesta por Colin Stetson, también es muy eficaz para crear una atmósfera perturbadora e inquietante.
Recepción
Hereditary recibió elogios de la crítica, con elogios por su dirección, fotografía, actuación y guion. También fue un éxito comercial, recaudando más de 79 millones de dólares en todo el mundo.
Conclusión
Hereditary es una película de terror compleja y perturbadora que ofrece mucho que ver y reflexionar. Es una película que permanecerá en la memoria del público mucho después de verla.
Detalles adicionales
El título de la película hace referencia al concepto de rasgos hereditarios, tanto físicos como psicológicos. Los Graham están atormentados por los oscuros secretos de su historia familiar, y estos secretos tienen un profundo impacto en sus vidas.
pleno verano (2019)
pleno verano (2019) es una película de terror psicológico dirigida por Ari Aster Protagonizada por Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, Vilhelm Blomgren y William Jackson Harper. La película narra la historia de Dani Ardor, una joven que atraviesa un momento difícil tras la muerte de su familia. Su novio, Christian, la invita a acompañarlo a él y a sus amigos en un viaje a Suecia para celebrar un festival pagano de Midsommar.
Al llegar a Suecia, Dani y su grupo de amigos son recibidos por la comunidad local, que parece hospitalaria y amigable. Sin embargo, Dani pronto empieza a sospechar que algo no es lo que parece. La comunidad celebra rituales paganos que se vuelven cada vez más inquietantes, y Dani se encuentra reconciliándose con su pasado y su relación con Christian.
Personajes
- Dani Ardor (Florence Pugh): una joven que está pasando por un momento difícil después de la muerte de su familia.
- Cristianas (Jack Reynor): El novio de Dani.
- Josh (Will Poulter): El mejor amigo de Christian.
- Cuero (Vilhelm Blomgren): un amigo de Christian que es de la comunidad sueca.
- Marcar (William Jackson Harper): un amigo de Christian.
- Connie (Ellora Torchia): La novia de Mark.
Temáticas
Midsommar explora una serie de temas, entre ellos:
- Pérdida y dolor
- La relación entre el amor y el control
- La naturaleza de la locura
Estilo
Midsommar es una película visualmente impactante, con una cinematografía exuberante y una banda sonora cautivadora. Aster crea una atmósfera opresiva e inquietante que se refleja en la historia y los personajes.
Recepción
Midsommar recibió una gran aclamación de la crítica, con elogios por su dirección, fotografía, actuación y guion. La película fue un éxito comercial, recaudando más de 40 millones de dólares en todo el mundo.
Santa Maud (2019)
Saint maud es una película británica de terror psicológico de 2019 escrita y dirigida por Vidrio rosa En su debut como directora de largometrajes, Morfydd Clark interpreta a Maud, una enfermera católica devota que se obsesiona con salvar el alma de su paciente moribunda, Amanda (Jennifer Ehle).
La película comienza con Maud practicando RCP a un paciente que fallece bajo su cuidado. La experiencia la traumatiza profundamente y refuerza su convicción de que su misión en la vida es salvar almas.
Maud es contratada entonces para cuidar de Amanda, una bailarina adinerada y solitaria que se encuentra en fase terminal de cáncer. Amanda es una figura compleja y contradictoria. Es a la vez profundamente religiosa y profundamente hedonista. También se siente profundamente sola y aislada.
Al principio, Maud se siente atraída por la vulnerabilidad de Amanda, pero pronto se obsesiona con ella. Empieza a creer que Dios la ha elegido para salvar su alma.
Saint maud Es una película oscura y perturbadora que explora temas como la fe, la obsesión y la locura. Es un debut impactante e inolvidable de Rose Glass.
La película ha sido elogiada por la crítica por sus actuaciones, en particular la de Clark como Maud, su dirección y su atmósfera única e inquietante. Ha sido nominada a varios premios, incluido el Premio del Cine Independiente Británico a la Mejor Película.
Boda 93 (2021)
Boda 93 (2021) Es una película camboyana de ficción documental dirigida por Davy Chou. Narra la historia de una joven llamada Rah, quien se ve obligada a contraer un matrimonio concertado en 1993, dos años después del fin del régimen de los Jemeres Rojos.
La película comienza con el día de la boda de Rah. Luce un vestido de novia tradicional camboyano y permanece sentada tranquilamente en el escenario mientras llegan su novio y su familia. Rah se resiste a seguir adelante con... el matrimonio, pero se siente presionada a hacerlo por su familia y su comunidad.
Tras la boda, Rah y su nuevo esposo se mudan a su casa. Rah se siente infeliz en su nuevo matrimonio y comienza a tener extrañas visiones y alucinaciones. También la atormenta el recuerdo de su... primer amor, que fue asesinado durante el régimen de los Jemeres Rojos.
Boda 93 Es una película impactante y perturbadora que explora los temas del trauma, el duelo y la posesión. También es una película sobre la resiliencia del espíritu humano. Rah es una figura compleja y trágica, pero también es una superviviente.
La película ha sido elogiada por su singular estilo cinematográfico y su mirada directa a un capítulo oscuro de la historia camboyana. Ha ganado varios premios, incluido el Premio al Mejor Documental en el Festival de Cine de Tribeca.
Boda 93 Es una película que te acompañará mucho tiempo después de verla. Es una película desafiante y gratificante a la vez.
Detalles adicionales:
- La película se rodó en Camboya, utilizando una combinación de material documental y escenas de ficción.
- La protagonista de la película, Rah, es interpretada por una mujer camboyana real llamada Rah.
- La película se realizó en colaboración con la familia de Rah.
Análisis:
Boda 93 Es una película que explora el trauma psicológico y sus consecuencias. Rah es una joven que ha experimentado un trauma significativo en su vida: la muerte de su primer amor durante el régimen de los Jemeres Rojos. Este trauma la lleva a desarrollar síntomas de trastorno de estrés postraumático (TEPT), incluyendo pesadillas, flashbacks y alucinaciones.
El matrimonio concertado de Rah es un factor adicional que contribuye a su trauma. Rah no quiere casarse con el hombre elegido para ella, pero se siente obligada a hacerlo por su familia y su comunidad. Este conflicto interno la lleva a sentirse aún más aislada y sola.
Háblame (2022)
Talk to Me Es una película australiana de terror sobrenatural dirigida por Danny y Michael Philippou. Está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Miranda Otto, Zoe Terakes, Chris Alosio, Marcus Johnson y Alexandria Steffensen.
La película sigue a un grupo de adolescentes que descubren que pueden contactar con espíritus usando una misteriosa mano embalsamada. Al principio, usan la mano como un juego de fiesta, pero cuando uno de ellos se excede, desatan aterradoras fuerzas sobrenaturales.
La película se estrenó en Australia el 27 de julio de 2023 y se estrenará en Estados Unidos el 13 de octubre de 2023. Ha recibido críticas mixtas de los críticos, algunos elogian su atmósfera y sustos, mientras que otros critican su trama y personajes.
En general, Háblame (2022) Es una película de terror llena de suspenso y atmósfera, con algunos sustos efectivos. Sin embargo, no está exenta de defectos, y algunos críticos critican su trama y personajes.
Aquí hay algunos detalles adicionales sobre la película:
- La película se rodó en Sydney, Australia.
- La mano embalsamada fue creada por artistas de efectos especiales.
- La banda sonora de la película fue compuesta por la banda australiana The Jezabels.
