Las 110 películas de ciencia ficción que hay que ver

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Índice

Introducción

Las películas de ciencia ficción funcionan de maravilla en el espectáculo cinematográfico: decenas de producciones de este género se han convertido en películas absolutamente imprescindibles y obras maestras ineludibles. Consiguen tratar temas filosóficos y políticos con metáforas de ciencia ficción que atraen a gran parte del público. Temas que de otro modo habrían lastrado el relato cinematográfico como la guerra fría, la xenofobia, el pacifismo, la contaminación, las crisis sociales.

La ciencia ficción y el cine de autor no suelen llevarse muy bien. Lo mismo podría decirse del cine independiente, realizado con bajos presupuestos. La ciencia ficción es uno de los géneros favoritos del cine mainstream, exclusivo del territorio de Hollywood.

Las películas de ciencia ficción necesitan efectos especiales, increíbles decorados de estudio, choques estelares e incursiones en otros planetas. Las películas de ciencia ficción se han convertido en la mayor fuente de ingresos de la industria de Hollywood hasta cubrir casi el 90% de los ingresos en la década de 1990. Así que podría pensarse que el cine de ciencia ficción es exclusivamente algo espectacular hecho con grandes medios, pero no es así.

Cine de ciencia ficción independiente y de culto

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Existe un cine independiente de ciencia ficción que cuenta historias poco convencionales sin necesidad de mostrar extraterrestres u otros planetas. Del mismo modo que hay películas de ciencia ficción como Solaris, de Andrei Tarkovskij, Donde el género de ciencia ficción se encuentra con importantes reflexiones filosóficas y existenciales.

John Carpenter, uno de los directores más famosos de películas de ciencia ficción, ha declarado en repetidas ocasiones que a través de sus películas de ciencia ficción y terror cuenta su visión política. Un ejemplo llamativo de su filmografía es They Live, una película distópica de ciencia ficción de 1988, donde emergen claramente sus ideas anticapitalistas sobre el consumismo.

El cine de ciencia ficción tardó varios años en consolidarse también como cine de calidad y de autor. Durante mucho tiempo se ha considerado un género menor relegado al cine de serie b. Con el tiempo, sin embargo, los efectos especiales han permitido lograr resultados mucho más satisfactorios.

Llegaron directores que utilizaron el género de la ciencia ficción para hacer sus propias películas de arte y ensayo, creando grandes obras maestras. Es el caso, por ejemplo, de Stanley Kubrick con 2001: Una odisea del espacio y de Andrei Tarkovsky con Solaris.

Películas de ciencia ficción en Hollywood

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Otros autores, en cambio, han aprovechado el extraordinario potencial comercial de las películas de ciencia ficción para satisfacer al público adolescente. Como en el caso de Steven Spielberg y George Lucas. Son películas muy espectaculares realizadas en Hollywood que simplifican enormemente la complejidad de los temas que tratan.

Utilizan un lenguaje apto para el gran público y a menudo son sobrevaloradas por la crítica cinematográfica. Son grandes fenómenos mundiales del vestuario que se han convertido en franquicias como La guerra de las galaxias, apoyadas por un enorme marketing mundial que ha influido en generaciones enteras. ET, de Steven Spielberg, fue la película más taquillera de la historia del cine durante muchos años, solo superada por Avatar.

La característica típica del cine sigue siendo la de ser una extraordinaria herramienta de crecimiento personal. Una oportunidad de confrontarnos con otras experiencias posibles que de otro modo nunca viviríamos en la realidad. Pero hay sobre todo un cine de ciencia ficción que es puro entretenimiento, viajes galácticos y adrenalina.

¿Cómo nace la ciencia ficción?

Las películas de ciencia ficción nacen de la literatura de ciencia ficción de los años 1900, que a su vez se inspiraba en la literatura científica. La literatura científica era el relato de viajes y teorías científicas y técnicas. La intención era estudiar y reflexionar sobre el impacto de estos descubrimientos en la vida humana.

Suelen ser relatos de viajes exóticos a territorios poblados por criaturas extrañas, donde se hacen descubrimientos que van más allá de toda imaginación. Es la necesidad ancestral del hombre de explorar e imaginar otros mundos.

Las raíces más antiguas de la ciencia ficción se encuentran en obras literarias como La novela griega La verdadera historia de Luciano de Samosata, escrita hacia el año 150 d.C., primer documento de un viaje a la Luna y de encuentros con un pueblo extraterrestre llamado los selenitas. En esta novela conviven ya los principales temas de la ciencia ficción: el viaje a otro planeta y el encuentro con una civilización extraterrestre.

Otro interesante texto precursor del género de ciencia ficción es la Nueva Atlántida de Bacon. Es la historia de una civilización tecnológicamente avanzada del futuro en clave filosófica. En el siglo XVII, la ciencia ficción comenzó a explorar teorías científicas que iban más allá de la comprensión racional, los descubrimientos de otros mundos. Las técnicas que parecen imposibles pero que son la norma para la sociedad futura o para los pueblos extraterrestres.

Los personajes que empezaron a poblar la literatura de ciencia ficción eran alienígenas, cyborgs, mutantes, monstruos, robots. La expresión inglesa science fiction fue creada por Hugo Gernsback en 1926. Al principio era ciencia ficción, luego se contrajo a cientifismo, para finalmente reducirse a ciencia ficción, a menudo abreviada como Sci-Fi. La fecha oficial de nacimiento de la ciencia ficción es el 5 de abril de 1926, con la primera revista estadounidense de ciencia ficción, Amazing Stories. Pero ya existían obras como Frankenstein, de Mary Shelley, o las novelas de Julio Verne y HG Wells.

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Las primeras películas de ciencia ficción

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En los orígenes de la historia del cine, el cine de ciencia ficción mezcla una aventura exótica con una película de exploración de mundos lejanos. Las primeras películas de ciencia ficción fueron realizadas por el director y mago francés Georges Melies. Al menos tres de sus películas de ciencia ficción son imperdibles: Viaje a la Luna, Viaje imposible y La conquista del Polo. La conquista del Polo se presenta inicialmente como una película de exploración, pero rápidamente se convierte en un viaje al mundo fantástico de Melies. Un mundo ficticio más cercano a la ciencia ficción que al cine de aventuras.

Ver Peliculas Melies

Películas clásicas de ciencia ficción de los años veinte

A principios de los años veinte, se realizaron dos obras maestras del cine expresionista que anticipan los temas de las películas de ciencia ficción. Lang y Wiene toman de la literatura el personaje del científico loco que utiliza la ciencia y la tecnología con fines malignos. Será uno de los personajes recurrentes de las películas de ciencia ficción de los años siguientes.

El gabinete del doctor Caligari

El gabinete del doctor Caligari , de Robert Wiene, de 1920. Se considera una película de culto de ciencia ficción símbolo del cine expresionista alemán. La película está protagonizada por Werner Krauss como el Dr. Caligari, Conrad Veidt como Cesare y Frieda Richard como Jane. El guión fue escrito por Carl Mayer y Hans Janowitz y producido por Erich Pommer.

La película está ambientada en la Alemania de 1830 y cuenta la historia de Cesare, un sonámbulo bajo el control del Dr. Caligari, un siniestro hipnotizador que lo utiliza para cometer una serie de asesinatos.

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Francis cuenta una historia a un hombre: en 1830, en una pequeña ciudad, un tipo llamado Caligari hace de pregonero en la feria para presentar a su atracción, un sonámbulo al que mantiene bajo hipnosis en un ataúd. El médico sostiene que el sonámbulo es capaz de conocer el pasado y predecir el futuro. Atmósferas irreales y decorados deformados, actuación estilizada, doble personalidad, confusión entre sueño y realidad.

Recepción

El gabinete del Dr. Caligari obtuvo un gran éxito comercial y de crítica tras su estreno. Fue elogiada por su innovación técnica, su atmósfera inquietante y su comentario social.

  • La estética expresionista de la película fue elogiada por su uso de decorados y vestuario distorsionados y angulosos para crear una atmósfera inquietante y opresiva.
  • El tema de la película, la naturaleza de la locura, se explora a través del personaje de Cesare, un sonámbulo controlado por el Dr. Caligari.
  • El innovador uso de la iluminación y la cámara contribuyó a crear una sensación de inquietud y suspense.

La película ha influido notablemente en el cine de terror y ha contribuido a definir el género expresionista. Se ha citado como influencia en muchas otras películas de terror, como Nosferatu (1922), Metrópolis (1927) y Frankenstein (1931).

La película también fue un éxito comercial, recaudando más de 2 millones de marcos alemanes. Se distribuyó en todo el mundo y contribuyó a dar a conocer el cine alemán al público internacional.

Ver El gabinete del doctor Caligari

Dr. Mabuse (1922)

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El Dr. Mabuse de Fritz Lang es una película de ciencia ficción de culto de 1922 que merece la pena ver.

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El doctor Mabuse es un malvado psicoanalista, hábil manipulador que se enriquece con medios ilícitos, juego y dinero falso. Provoca el pánico en el mercado bursátil y hace caer los precios de las acciones de una empresa que luego compra a bajo precio.

Mabuse consigue mediante las acciones más perversas vencer a la competencia y eliminar a sus enemigos, incluso dirigir la ira de la multitud contra la policía. Consigue someter a la gente manipulando sus mentes con hipnosis y magnetismo. Con estos poderes consigue que una condesa se enamore de él.

Temas

  • El mal
    • El Dr. Mabuse es un personaje complejo y fascinante. Es un cerebro criminal, pero también un hombre atormentado. Mabuse es un producto de su sociedad, y es un símbolo del mal que existe en el mundo.
  • El poder de la hipnosis
    • Mabuse utiliza sus poderes hipnóticos para controlar a la gente y cometer delitos. La hipnosis es un tema recurrente en la película, y es un símbolo del poder que puede ejercerse sobre el hombre.
  • Insanity
    • Mabuse es declarado demente y enviado a un manicomio. La locura es un tema complejo y ambiguo en la película. Puede verse como un castigo por la maldad de Mabuse o como una forma de escapar a la justicia.

Recepción

  • Crítica
    • Dr. Mabuse, der Spieler fue un éxito de crítica en su estreno. Fue elogiada por su innovación técnica, su compleja narrativa y su exploración de los temas del mal.
    • La película también fue reconocida como una de las más importantes del movimiento expresionista alemán.
  • Comercial
    • Dr. Mabuse, der Spieler también fue un éxito comercial. La película se distribuyó en todo el mundo y recaudó más de 2 millones de marcos alemanes.

Un extraordinario documento de una época que Fritz Lang crea inspirándose en las noticias que leía en el periódico. Es el punto de encuentro entre el cine expresionista es La trama detectivesca de la que Fritz Lang también demostró en películas posteriores ser un maestro.

La grandeza de esta obra maestra surge de la precisión de los detalles unidos por una visión global: ritmo, atmósferas, bailes, crímenes y juego. Cocaína, jazz y redadas policiales. Atractivo de lo oculto y estafas bursátiles, prostitución y contrabando. Nada falta en esta película de culto de los años 20, donde también encontramos el misterio de la hipnosis y la manipulación de la mente humana.

Atlántida (1921)

En los años veinte, la historia de la civilización perdida de la Atlántida es el tema de dos interesantes películas, precursoras del género de ciencia ficción. Atlantis, de 1921, está dirigida por Jacques Feyder.

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El capitán Morhange y su teniente Saint-Avit emprenden una misión en una lejana zona desértica. Pierden la orientación y vagan sin rumbo hasta que llegan a una zona que parece hospitalaria. Pero poco después son capturados por los habitantes de la mítica ciudad de Atlantis, llena de asombrosas estructuras arquitectónicas.

Son llevados por la reina que manipula su mente y les quita la voluntad de escapar de la ciudad. La reina también empieza a crear celos y resentimientos entre los 2 soldados con su belleza. Pero el cataclismo que hará desaparecer la civilización de Atlantis es inminente.

Recepción crítica

L’Atlantide fue un éxito comercial y de crítica desde su estreno. Fue elogiada por su innovación técnica, sus impresionantes efectos visuales y su exótica y emocionante historia. La película se considera hoy un clásico del cine francés.

Legado

L’Atlantide ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como Metrópolis (1927), En busca del arca perdida (1981) y La momia (1999). La película también ha sido elogiada por su innovador uso de los efectos especiales y de la cámara.

Producción

L’Atlantide se rodó en Marruecos y Túnez. La película se rodó con un gran presupuesto y contó con unos decorados y un vestuario muy elaborados. Los efectos especiales de la película también fueron innovadores y ayudaron a crear la atmósfera onírica de la película.

Paris qui dort (1925)

En 1924 se rodó otra película en Francia, Paris qui dort, del director vanguardista René Clair. Aunque el interés de René Clair no es en absoluto probar suerte en el género de la ciencia ficción, en la película están las bases que se desarrollarían en posteriores producciones de ciencia ficción.

Paris qui dort es uno de los prototipos del cine de ciencia ficción: en ella aparece por primera vez la figura del científico loco. Ha inventado un rayo misterioso que experimenta en París, provocando el sueño de toda la población. Los parisinos permanecen paralizados, inmóviles como estatuas. Albert, el guardián de la Torre Eiffel, permanece inmune a los efectos del rayo debido a la altura de la Torre y se da cuenta de que París ha caído bajo una extraña maldición. Otras 5 personas que aterrizaron con un avión no se han visto afectadas por el rayo y están explorando la ciudad desierta.

Aelita (1924)

En 1924, el director ruso Jakov Aleksandrovič Protazanov realizó una de las primeras películas de culto de ciencia ficción de gran impacto: Aelita. Basada en una novela de Alexei Nikolaevich Tolstoi, es la primera superproducción cinematográfica soviética y la primera película de ciencia ficción rodada en Rusia.

Un misterioso mensaje en un idioma desconocido de sólo tres palabras se difunde por la radio de todo el mundo: «anta … odeli … uta». En Moscú, el ingeniero Los y su colega Spiridov se sienten espiados. La reina de un planeta lejano los observa a través de un potente telescopio llamado Aelita.

El ingeniero empieza a vivir en un estado de conciencia en el que se mezclan la realidad y el sueño, sin ser capaz de entender qué ocurre realmente y qué es fantasía. Mata a su mujer en un ataque de celos y parte en busca del telescopio hacia el planeta Marte, donde conocerá a la reina.

Recepción crítica

Aelita fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus innovadores efectos especiales, su compleja narrativa y su exploración de los temas de la revolución y la justicia social. La película se considera hoy una de las más importantes del cine soviético de ciencia ficción.

Legado

Aelita ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como Metrópolis (1927), La guerra de las galaxias (1977) y Avatar (2009). La película también ha sido elogiada por su innovador uso de los efectos especiales y de la cámara.

VER LA PELÍCULA

El mundo perdido (1925)

El mundo perdido (1925) es una película estadounidense muda de fantasía y aventuras con monstruos gigantes dirigida por Harry O. Hoyt y escrita por Marion Fairfax, adaptación de la novela homónima de Sir Arthur Conan Doyle de 1912.

Producida y distribuida por First National Pictures, uno de los principales estudios de Hollywood de la época, la película está protagonizada por Wallace Beery en el papel del profesor Challenger y cuenta con los pioneros efectos especiales stop motion de Willis O’Brien, precursor de su trabajo en King Kong (1933).

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El profesor George Challenger, entra en posesión del diario del explorador Maple White, desaparecido en una meseta de Sudamérica; el diario contiene dibujos de dinosaurios a través de los cuales comprende que estos animales aún no se han extinguido del todo.

Challenger expone la teoría a otros científicos, pero se burlan de él. Pero pronto el profesor organizará una expedición a Sudamérica.

Recepción crítica

El mundo perdido fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus innovadores efectos especiales, su argumento de suspense y sus carismáticas interpretaciones. La película se considera hoy un clásico del cine mudo.

Legado

El mundo perdido está considerada una de las primeras películas de dinosaurios de éxito, y contribuyó a popularizar el género. Los efectos especiales de la película fueron pioneros para su época y establecieron un nuevo estándar para las películas de dinosaurios.

La película también ha sido elogiada por su exploración de temas como el poder de la fe, la importancia de la exploración y los peligros de la arrogancia. Es una historia atemporal que sigue entreteniendo y atrayendo al público.

Producción

El mundo perdido se rodó en México y California. Los efectos especiales de la película fueron creados por Willis O’Brien, que utilizó animación stop motion para dar vida a los dinosaurios. El trabajo de O’Brien en la película fue pionero para su época, y estableció un nuevo estándar para las películas de dinosaurios.

La película fue un éxito comercial, recaudando más de 2 millones de dólares en taquilla. También fue un éxito de crítica y recibió elogios por sus innovadores efectos especiales, su argumento de suspense y sus carismáticas interpretaciones.

La película lleva los dinosaurios a los cines por primera vez. Los mundos perdidos seguirán siendo en el futuro uno de los subgéneros más exitosos de la ciencia ficción.

Metrópolis (1927)

En 1927, llega una película de culto de ciencia ficción que se convertirá en un auténtico icono del género. Esto es Metrópolis de Fritz Lang. Una película de ciencia ficción absolutamente imprescindible, realizada con un gran presupuesto por el legendario director alemán que representa la lucha de clases con extraordinarias metáforas visuales.

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Estamos en 2026. Un grupo de ricos capitalistas vive y gobierna en la ciudad de Metrópolis. El más rico de todos es el empresario dictador Fredersen, que vive en lo alto del rascacielos más alto. Una maestra y profeta llamada María, acompañada por los hijos de los trabajadores, habla con Fredersen y le convence para que visite el metro.

El dictador descubre las condiciones inhumanas en las que viven los proletarios: trabajan en una inquietante cadena de montaje en la que no pueden cometer ningún error, pues de lo contrario explotaría la máquina M que suministra agua a la ciudad desviando un río subterráneo. Acontecimiento que se hace realidad y al que Fredersen asiste horrorizado. La máquina se convierte en un Moloch que come humanos.

Recepción crítica

Metrópolis fue un éxito comercial y de crítica en el momento de su estreno. Fue elogiada por sus innovadores efectos especiales, su innovador uso de la cámara y su exploración de temas como la división de clases, el malestar social y el papel de la tecnología en la sociedad. La película se considera hoy una obra maestra del expresionismo alemán.

Legado

Metrópolis ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como La guerra de las galaxias (1977), Blade Runner (1982) y Matrix (1999). La película también ha sido elogiada por su innovador uso de los efectos especiales y de la cámara.

Producción

Metrópolis fue una empresa gigantesca y una de las películas más caras de la época. La película se rodó en los estudios Babelsberg de Berlín-Babelsberg (Alemania) y tardó más de tres años en completarse.

Los efectos especiales de la película fueron creados por un equipo de expertos, entre los que se encontraban Willy Georgius, responsable del vestuario de los robots de la película, y Eugen Schüfftan, que desarrolló la técnica Schüfftan, que permitía a los cineastas crear la ilusión de decorados gigantescos a pequeña escala.

Es la primera película que consigue expresar plenamente el extraordinario potencial de la ciencia ficción: representar conceptos políticos y filosóficos con una espectacularidad que atrae también al público de masas. Metrópolis y también una de las primeras películas de ciencia ficción de género distópico.

La mujer en la luna (1929)

La mujer en la luna es una película muda de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang. Se trata de un melodrama de ciencia ficción, la última película muda del gran director alemán, basada en una novela homónima de Thea von Harbou, esposa del director.

La película está protagonizada por Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Klaus Pohl y Fritz Rasp.

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El profesor Manfeldt, un rico industrial, afirma que hay oro en la Luna y organiza una expedición para extraerlo. Cuatro hombres y una mujer, Friede Velten, la hija del profesor, suben a bordo de la nave espacial «Frau im Mond».

La expedición es un éxito y los pasajeros llegan a la Luna. Sin embargo, Manfeldt descubre que el oro es en realidad un mineral precioso llamado «monolita» que puede utilizarse para crear energía ilimitada.

Manfeldt intenta apoderarse de la monolita, pero es asesinado por su propia ambición. Friede Velten, que se ha enamorado de uno de los astronautas, consigue salvar la monolita y traerla de vuelta a la Tierra.

Recepción crítica

Woman on the Moon fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus innovadores efectos especiales, su argumento de suspense y sus carismáticas interpretaciones. La película se considera hoy un clásico del cine mudo.

Legado

La mujer en la luna ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como 2001: Una odisea del espacio (1968) y Moon (2009). La película también ha sido elogiada por su uso pionero de los efectos especiales y su innovador empleo de la cinematografía.

Producción

Woman on the Moon se rodó en los estudios Babelsberg de Berlín-Babelsberg (Alemania) y tardó más de un año en completarse.

Los efectos especiales de la película fueron creados por un equipo de expertos, entre los que se encontraban Willy Georgius, responsable del vestuario de los robots de la película, y Eugen Schüfftan, que desarrolló la técnica Schüfftan, que permitía a los cineastas crear la ilusión de decorados gigantescos a pequeña escala.

Películas clásicas de ciencia ficción de los años 30

Películas vanguardistas como las citadas servirán de inspiración en los años treinta a la industria cinematográfica comercial para realizar películas como Frankenstein, La máscara de Fu Man chu, La isla de las almas perdidas, La mujer el monstruo. El género de la ciencia ficción empieza a adquirir una personalidad más definida.

Frankenstein (1931)

Frankenstein (1931) es una película de terror estadounidense de ciencia ficción pre-Code dirigida por James Whale, producida por Carl Laemmle Jr. y adaptada de una obra de teatro de 1927 de Peggy Webling, que a su vez se basaba en la novela de Mary Shelley de 1818 Frankenstein; or, The Modern Prometheus. La película está protagonizada por Colin Clive como Henry Frankenstein, un estudiante de medicina que experimenta creando vida a partir de materia inanimada, y Boris Karloff como la Criatura, el resultado de sus experimentos.

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El Dr. Henry Frankenstein, un brillante pero obsesivo estudiante de medicina, está decidido a crear vida a partir de materia inanimada. Roba un cadáver de un cementerio y, con la ayuda de su jorobado ayudante Fritz (Dwight Frye), monta un cuerpo utilizando partes de varios cadáveres. A continuación, da vida a la criatura utilizando electricidad.

La criatura, inicialmente infantil e inocente, se horroriza de su propio aspecto y es abandonada por su creador. Vaga por el campo y se encuentra con gente que le tiene miedo y repulsión. Finalmente encuentra refugio en el granero de una familia, donde aprende a comunicarse y se hace amigo de una joven llamada Justine (Mae Clarke).

Frankenstein, atormentado por la culpa y el remordimiento, decide crear una pareja para la criatura, creyendo que así será feliz y estará contento. Sin embargo, destruye la creación inacabada antes de que esté completa, temiendo que sea aún más monstruosa que la criatura.

Enfurecida por la traición de Frankenstein, la criatura jura vengarse. Asesina a Fritz y Justine, y después se enfrenta a Frankenstein, amenazándole con matarle si no le crea una pareja. Frankenstein accede a regañadientes, pero la criatura destroza la creación femenina y desaparece en la noche.

Recepción crítica

Frankenstein fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus innovadores efectos especiales, su argumento lleno de suspense y sus interpretaciones, en especial la de Karloff en el papel de la Criatura. La película se considera hoy un clásico del cine de terror.

Legado

Frankenstein ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La imagen de la Criatura, con su cabeza plana, sus pernos atravesándole el cuello y su andar arrastrando los pies, es una de las más icónicas del cine de terror. La película también se ha citado como influencia en muchas otras películas, como La novia de Frankenstein (1935), La momia (1932) y King Kong (1933).

Producción

Frankenstein se rodó en los estudios Universal de Hollywood, California. Los efectos especiales de la película fueron creados por un equipo de expertos, entre ellos Jack Pierce, responsable del maquillaje de la Criatura, y Kenneth Strickfaden, creador de los efectos eléctricos de la película.

La película se rodó originalmente con banda sonora, pero posteriormente se eliminaron los efectos de sonido y se estrenó como película muda. Esto se debió al hecho de que la tecnología de sonido estaba aún en sus primeras fases de desarrollo, y al estudio le preocupaba que el sonido distrajera de los efectos visuales de la película.

Distribución

Frankenstein se estrenó en Estados Unidos el 21 de noviembre de 1931. La película fue un éxito comercial, recaudando más de 12 millones de dólares en taquilla. También fue un éxito de crítica, y actualmente se considera una de las mejores películas de terror de todos los tiempos.

El fin del mundo (1931)

El fin del mundo es una película francesa muda de ciencia ficción de 1931 dirigida por Abel Gance. Está basada en la novela homónima de Camille Flammarion, publicada en 1894.

La película está protagonizada por Colette Darfeuil, Victor Francen, Abel Gance, Georges Colin y Samson Fainsilber.

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La película cuenta la historia de un grupo de personas que se reúnen para presenciar el impacto de un cometa en la Tierra. El cometa ha sido descubierto por un grupo de astrónomos, entre ellos el profesor Martial Novalic, que proclama el fin del mundo.

La gente se reúne en un gran edificio para presenciar el impacto. El impacto es devastador y destruye gran parte de la Tierra. Los supervivientes se ven obligados a reconstruir su sociedad en un mundo nuevo y diferente

Recepción crítica

El fin del mundo fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus espectaculares efectos visuales y su exploración de los temas del fin del mundo y la esperanza en el futuro. La película se considera hoy un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

El fin del mundo ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como 2001: Una odisea del espacio (1968) y Blade Runner (1982). La película también ha sido elogiada por su innovación técnica, en particular por el uso de efectos especiales y del proceso Schüfftan.

Producción

El fin del mundo fue una empresa enorme y una de las películas más caras que se hicieron en su momento. La película se rodó en los estudios Babelsberg de Berlín-Babelsberg (Alemania) y tardó más de tres años en completarse.

Los efectos especiales de la película fueron creados por un equipo de expertos, entre ellos Willy Georgius, responsable del vestuario de los robots de la película, y Eugen Schüfftan, que desarrolló el proceso Schüfftan, que permitía a los cineastas crear la ilusión de decorados gigantescos a pequeña escala.

La isla de las almas perdidas (1932)

La isla de las almas perdidas es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1932 dirigida por Erle C. Kenton, basada en la novela homónima de H. G. Wells. La película está protagonizada por Charles Laughton, Bela Lugosi, Richard Arlen, Leila Hyams, Kathleen Burke, Arthur Hohl, Stanley Fields y Paul Hurst.

Parcela

El Dr. Moreau, un científico brillante pero loco, vive en una isla remota donde lleva a cabo experimentos genéticos para crear criaturas mitad humanas, mitad animales. Edward Parker, un marinero náufrago, es capturado y llevado a la isla, donde es obligado a trabajar para el Dr. Moreau. Parker pronto descubre que las criaturas del Dr. Moreau son violentas e impredecibles.

Recepción crítica

Island of Lost Souls fue un éxito comercial y de crítica desde su lanzamiento. Fue elogiada por sus evocadoras imágenes, sus carismáticas interpretaciones y su provocador tema. La película se considera hoy un clásico del cine de terror.

Legado

La isla de las almas perdidas ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como Frankenstein (1931), La novia de Frankenstein (1935) y King Kong (1933). La película también ha sido elogiada por su uso pionero de los efectos especiales y el proceso Schüfftan.

Producción

Island of Lost Souls se rodó en los terrenos de Universal Studios en Hollywood, California. La película fue una empresa compleja, que requirió el uso de innovadores efectos especiales para crear las criaturas de Moreau.

Distribución

Island of Lost Souls se estrenó en Estados Unidos el 24 de diciembre de 1932. La película fue un éxito comercial, recaudando más de 3 millones de dólares en taquilla.

El hombre invisible (1933)

El hombre invisible (1933 ) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1933, dirigida por James Whale y basada en la novela homónima de H. G. Wells. La película está protagonizada por Claude Rains, Gloria Stuart, William Harrigan, Henry Travers, Una O’Connor y Dwight Frye.

Parcela

El Dr. Jack Griffin, un brillante científico, descubre una fórmula que le permite hacerse invisible. Grifo está obsesionado con el poder y la inmortalidad, y decide utilizar su descubrimiento para sus fines personales.

Recepción crítica

El hombre invisible fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus pioneros efectos especiales, su suspense y la interpretación de Claude Rains como protagonista. La película se considera hoy un clásico del cine de terror.

Legado

El hombre invisible ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como La novia de Frankenstein (1935), El regreso del hombre invisible (1940) y El fantasma de la ópera (1925). La película también ha sido elogiada por su uso pionero de los efectos especiales y el proceso Schüfftan.

Producción

El hombre invisible se rodó en los estudios Universal de Hollywood, California. La película fue una empresa compleja, que requirió el uso de innovadores efectos especiales para crear la ilusión de invisibilidad.

Distribución

El hombre invisible se estrenó en Estados Unidos el 13 de noviembre de 1933. La película fue un éxito comercial, recaudando más de 12 millones de dólares en taquilla.

Diluvio (1933)

Deluge (1933) es una película estadounidense de culto de ciencia ficción postapocalíptica de 1933 dirigida por Felix E. Feist. La película se basa libremente en la novela homónima de S. Fowler Wright de 1928, aunque el escenario cambia de Inglaterra a Estados Unidos. Es uno de los primeros y más raros ejemplos de película de catástrofes.

Parcela

Tras un eclipse solar, un terrible terremoto y un aterrador tsunami azotan las costas americanas, provocando muerte y destrucción. Entre las ruinas de Nueva York, un hombre, convencido de haber perdido a su familia, comienza una historia de amor con una mujer y algunos supervivientes más.

Recepción crítica

Deluge recibió críticas dispares en el momento de su lanzamiento. Algunos críticos alabaron sus espectaculares efectos visuales y su exploración de los temas de la catástrofe y la esperanza en el futuro. Otros criticaron su trama melodramática y sus rudimentarios efectos especiales.

Legado

Deluge ha tenido una influencia limitada en el cine. Sin embargo, se ha citado como influencia en algunas películas posteriores, como El día de los trífidos (1959 ) y Waterworld (1995).

Producción

Deluge se rodó en blanco y negro y en localizaciones de Nueva York y sus alrededores. La película fue producida por RKO Radio Pictures y estrenada en Estados Unidos el 18 de agosto de 1933.

King Kong (1933)

King Kong (1933) es una película americana de aventuras y terror de 1933 dirigida y producida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, con efectos especiales de Willis H. O’Brien. Cuenta la historia de un simio gigante llamado Kong, que es capturado en una isla remota y llevado a la ciudad de Nueva York, donde escapa y hace estragos.

Parcela

Carl Denham, un cineasta caído en desgracia, reúne a un equipo para rodar una película en una isla remota, Skull Island. Denham cree que en la isla vive un legendario simio gigante, King Kong, y está decidido a capturarlo y traerlo de vuelta a Nueva York.

La tripulación de Denham llega a la Isla Calavera y pronto se encuentra con Kong. La tripulación es atacada por los habitantes nativos de la isla, que adoran a Kong como a un dios. Ann Darrow, una joven contratada como protagonista femenina de la película, es capturada por los nativos y ofrecida a Kong como sacrificio.

Kong se lleva a Ann a su guarida, donde se encariña con ella. Denham y su tripulación rescatan a Ann, pero Kong es capturado y devuelto a Nueva York.

En Nueva York, Kong se exhibe en el Teatro Broadway. Al principio es una atracción popular, pero pronto se aburre y se siente solo. Escapa de su encierro y arrasa la ciudad, llegando a escalar el Empire State Building. Kong es derribado por aviones y cae al vacío

Recepción crítica

King Kong fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus efectos especiales, sus interpretaciones y su exploración de los temas de la bella y la bestia, el hombre contra la naturaleza y los peligros de la ambición. La película se considera hoy un clásico del cine.

Legado

King Kong ha tenido una influencia duradera en el cine. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como The Blob (1958), Jurassic Park (1993) y Kong: Skull Island (2017). La película también ha sido elogiada por su uso pionero de los efectos especiales, en particular la animación stop-motion.

Producción

King Kong fue una película compleja y cara de realizar. Los efectos especiales fueron especialmente difíciles, y O’Brien desarrolló técnicas innovadoras para crear la ilusión de un simio gigante. La película se rodó en blanco y negro y en localizaciones de Nueva York y en los estudios RKO Radio Pictures de Hollywood.

Distribución

King Kong se estrenó en Estados Unidos el 2 de marzo de 1933. La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de 2 millones de dólares.

La novia de Frankenstein (1935)

La novia de Frankenstein es una película de terror gótico estadounidense de 1935 dirigida por James Whale. Es una secuela de Frankenstein (1931), y sigue al Dr. Henry Frankenstein (Colin Clive) y a su ayudante Fritz (Preston Foster) mientras crean una nueva criatura, una mujer (Elsa Lanchester).

Parcela

Tras la muerte de su criatura, el Dr. Frankenstein se retira a un castillo de montaña para olvidar su error. Sin embargo, su ayudante Fritz le convence para crear una nueva criatura, esta vez una mujer.

La criatura cobra vida, pero es deforme y horrible. A Frankenstein le repugna su aspecto y la rechaza. La criatura queda destrozada y busca venganza matando a Fritz y al monstruo de Frankenstein.

Frankenstein y la criatura se enfrentan en un dramático final. Frankenstein intenta matar a la criatura, pero ella le hiere gravemente. Al final, la criatura se sacrifica para salvar a Frankenstein, y ambos mueren juntos.

Recepción crítica

La novia de Frankenstein fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus efectos especiales, sus interpretaciones y su exploración de los temas de la naturaleza del hombre, la ciencia y la moralidad. La película se considera hoy un clásico del cine de terror.

Legado

La novia de Frankenstein ha tenido una influencia duradera en el cine de terror. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como La maldición de Frankenstein (1957), El jovencito Frankenstein (1974) y Van Helsing (2004). La película también ha sido elogiada por su uso pionero de los efectos especiales, en particular del maquillaje.

Producción

La novia de Frankenstein se rodó en blanco y negro y en los estudios Universal de Hollywood, California. La película fue producida por Universal Pictures y estrenada en Estados Unidos el 22 de marzo de 1935.

Distribución

La novia de Frankenstein se estrenó en Estados Unidos el 22 de marzo de 1935. La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de 2 millones de dólares.

Lo que está por venir (1936)

Things to Come es una película británica de culto de ciencia ficción de 1936 dirigida por William Cameron Menzies. Está basada en la novela homónima de H.G. Wells y narra la historia del mundo desde la Primera Guerra Mundial hasta 2036.

Parcela

La película comienza en 1918, con el final de la Primera Guerra Mundial. El mundo está en ruinas y la humanidad al borde de la destrucción. Sin embargo, un grupo de científicos e ingenieros trabajan para construir un nuevo mundo, basado en la paz y la prosperidad.

En 1940 estalla la Segunda Guerra Mundial y el mundo vuelve a sumirse en el caos. Sin embargo, los científicos e ingenieros consiguen detener la guerra y construir un mundo nuevo, basado en la tecnología y la ciencia.

En 2036, el mundo es un lugar pacífico y próspero. La humanidad ha alcanzado un nivel tecnológico avanzado y vive en una sociedad igualitaria.

Recepción crítica

Things to Come fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus efectos especiales, su visión del futuro y su exploración de los temas del progreso tecnológico, la esperanza en el futuro y la importancia de la cooperación. La película se considera hoy un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Things to Come ha tenido una influencia duradera en el cine de ciencia ficción. Se ha citado como influencia en muchas otras películas, como 2001: Una odisea del espacio (1968), El futuro (1976) y Blade Runner (1982). La película también ha sido elogiada por su uso pionero de los efectos especiales, en particular el empleo de la técnica del matte painting.

Fundición

  • Raymond Massey como Oswald Cabal
  • Ralph Richardson como John Cabal
  • Margaretta Scott como Roxanna
  • Cedric Hardwicke como Theotocopulos
  • Ann Todd como Mary
  • Maurice Braddell como El Hombre

Tripulación

  • Director: William Cameron Menzies
  • Guión: H.G. Wells, Lajos Biro, H.G. Wells, basado en la novela de H.G. Wells
  • Cinematografía: Cedric Williams
  • Edición: Charles Frend
  • Música compuesta por: Arthur Bliss
  • Diseño de producción: Vincent Korda, Arthur Baker
  • Productor: Alexander Korda
  • Productora: London Films

Producción

Things to Come se rodó en blanco y negro y en localizaciones de Londres y otros lugares del Reino Unido. La película fue producida por Alexander Korda y estrenada en el Reino Unido el 26 de octubre de 1936.

Distribución

Things to Come se estrenó en Estados Unidos el 17 de diciembre de 1936. La película fue un éxito de taquilla, recaudando más de un millón de dólares.

Flash Gordon (1936)

Flash Gordon (1936) es una película estadounidense de ciencia ficción y acción de 1936 dirigida por Frederick Stephani y Ray Taylor. El serial está basado en el cómic homónimo de Alex Raymond y sigue las aventuras de Flash Gordon, un intrépido aventurero que viaja al planeta Mongo para rescatar a Dale Arden del malvado Ming el Despiadado.

Parcela

El Dr. Alexis Zarkov, un excéntrico científico, cree que el planeta Mongo está en rumbo de colisión con la Tierra. Construye un cohete y se propone viajar a Mongo para investigar. Sin embargo, su cohete es saboteado por Ming el Despiadado, el malvado gobernante de Mongo, que quiere evitar que la Tierra interfiera en sus planes de conquistar el planeta.

Flash Gordon, un famoso jugador de polo, y Dale Arden, una joven que trabaja para Zarkov, se ofrecen voluntarios para acompañarle en el viaje en cohete a Mongo. Cuando su cohete es atacado por las naves espaciales de Ming, Flash y Dale se ven obligados a saltar en paracaídas del cohete y aterrizar en Mongo.

En Mongo, Flash y Dale son capturados por los soldados de Ming y llevados a su palacio. Ming el Despiadado queda intrigado por la valentía de Flash y le ofrece un puesto en su ejército. Sin embargo, Flash se niega y es arrojado al calabozo.

Dale Arden también es encarcelada, pero pronto es rescatada por el príncipe Barin, uno de los enemigos de Ming. Barin lleva a Dale a su escondite, donde le explica que Ming planea conquistar la Tierra y que necesita la ayuda de Flash para detenerlo.

Flash escapa de la mazmorra y une fuerzas con Barin y Dale. Juntos, se proponen derrotar a Ming y salvar la Tierra.

Recepción crítica

Flash Gordon (1936) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La serie fue elogiada por sus efectos especiales, sus secuencias de acción y sus interpretaciones. El serial se considera hoy un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Flash Gordon (1936) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La serie se ha adaptado a numerosos medios, como cómics, programas de radio, programas de televisión y videojuegos. El serial también ha sido parodiado en muchas películas y programas de televisión.

Fundición

  • Buster Crabbe como Flash Gordon
  • Jean Rogers como Dale Arden
  • Charles Middleton como Ming el Despiadado
  • Frank Shannon como Dr. Alexis Zarkov
  • Priscilla Lawson como Princesa Aura
  • Richard Alexander como Príncipe Barin
  • James Pierce como Príncipe Thun
  • Jack Lipson como Rey Vultan

Tripulación

  • Directores: Frederick Stephani, Ray Taylor
  • Guión: Wyndham Webb, George W. Sayre, Bruce Mitchell, Morgan de Kruze, Harry Houdini, Jr., Victor McLeod
  • Cinematografía: Henry Sharp, Karl Struss
  • Montaje: Maurice Pivar, Harold Seadler
  • Música compuesta por: Frank Skinner
  • Diseño de producción: Ralph Berger, Bernard Herzbrun
  • Productor: John MacQueen
  • Productora: Universal Pictures

Producción

Flash Gordon (1936) se rodó en blanco y negro y en exteriores en varias localizaciones, como las cuevas Bronson, el rancho Iverson y el parque natural Vasquez Rocks. El serial fue producido por Universal Pictures y estrenado en Estados Unidos en trece entregas entre el 6 de abril de 1936 y el 17 de julio de 1936.

Distribución

Flash Gordon (1936) fue distribuida en Estados Unidos por Universal Pictures. La serie también se estrenó en otros países, como el Reino Unido, Francia y Alemania.

Horizonte perdido (1937)

Horizonte perdido es una película estadounidense de ciencia ficción de 1937 dirigida por Frank Capra. Basada en la novela homónima de James Hilton, cuenta la historia de un grupo de personas que aterrizan de emergencia en un remoto monasterio situado en las altas montañas del Tíbet.

Parcela

Durante la guerra entre China y Japón, un avión en el que viajan un cónsul británico, un periodista, un piloto y otros pasajeros se ve obligado a aterrizar en un remoto monasterio situado en las altas montañas del Tíbet.

El monasterio está oculto del mundo exterior y alberga una comunidad de personas que viven en paz y armonía. Los pasajeros del avión se muestran escépticos al principio, pero pronto se sienten atraídos por la cultura del monasterio.

El jefe del monasterio, el lama, explica a los pasajeros que el monasterio se encuentra en un lugar llamado Shangri-La, un paraíso terrenal donde la gente vive desde hace siglos. El lama ofrece a los pasajeros la oportunidad de quedarse en Shangri-La, pero no todos aceptan.

El cónsul británico, el periodista y el piloto deciden finalmente abandonar Shangri-La y regresar al mundo exterior. Sin embargo, su experiencia les cambia para siempre

Recepción crítica

Lost Horizon fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus impresionantes efectos visuales, su apasionante historia y sus interpretaciones. La película se considera hoy un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Horizonte Perdido ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película se ha adaptado a otros muchos medios, como cómics, radionovelas, programas de televisión y videojuegos. La película también ha sido parodiada en muchas películas y programas de televisión.

Fundición

  • Ronald Colman como el cónsul británico Robert Conway
  • Jane Wyatt como Sondra
  • Edward Everett Horton como el periodista Alexander P. Lovett
  • Sam Jaffe como el lama
  • Margo como Maria
  • Isabel Jewell como Gloria Stone
  • John Howard como piloto George Conway

Tripulación

  • Director: Frank Capra
  • Guión: Robert Riskin, basado en la novela de James Hilton
  • Cinematografía: Joseph Walker
  • Edición: Henry Berman
  • Música compuesta por: Dimitri Tiomkin
  • Diseño de producción: Stephen Goosson, Lionel Banks
  • Productor: Frank Capra
  • Compañía productora: Columbia Pictures

Producción

Horizonte perdido se rodó en blanco y negro y en exteriores, en diversos lugares, como las montañas de Sierra Nevada, California, y el Gran Cañón, Arizona. La película fue producida por Columbia Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 1 de septiembre de 1937.

Películas clásicas de ciencia ficción de los años 40

Dr. Cíclope (1940)

Dr. Cyclops es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1940 dirigida por Ernest B. Schoedsack. La película está basada en el relato «El cíclope» de H.G. Wells, y cuenta la historia de un científico loco que reduce a un grupo de personas a tamaño microscópico.

Parcela

El Dr. Alexander Thorkel, un científico brillante pero megalómano, invita a un grupo de científicos a su remoto laboratorio en la selva amazónica para que le ayuden en su investigación sobre la regeneración celular. Sin embargo, las verdaderas intenciones de Thorkel son mucho más siniestras. Planea utilizar su rayo encogedor para miniaturizar a los científicos y explotar sus conocimientos para sus propios fines.

Cuando los científicos se enteran del plan de Thorkel, intentan escapar. Sin embargo, Thorkel los reduce a tamaño microscópico y los encarcela en una celda en miniatura. Los científicos deben encontrar la forma de escapar del laboratorio y volver a su tamaño normal antes de que sea demasiado tarde.

Recepción crítica

Dr. Cyclops fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus interpretaciones y su exploración de los temas de la ciencia, el poder y la cooperación. La película se considera hoy un clásico del cine de terror de ciencia ficción.

Legado

El Dr. Cíclope ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, Padre de familia y The Big Bang Theory.

Fundición

  • Albert Dekker como Dr. Alexander Thorkel
  • Janice Logan como Mary Mitchell
  • Thomas Coley como Dr. Ralph Robinson
  • Charles Halton como Dr. Peter Morgan
  • Frank Yaconelli como Hastings
  • Victor Kilian como Hans
  • Fortunio Bonanova como Antonio

Tripulación

  • Director: Ernest B. Schoedsack
  • Guión: Dudley Nichols, basado en la historia de H.G. Wells
  • Cinematografía: John J. Mescall
  • Edición: Ted Kent
  • Música compuesta por: Frank Skinner
  • Diseño de producción: Charles D. Hall
  • Productor: Dale Van Every
  • Productora: Paramount Pictures

Producción

Dr. Cyclops se rodó en blanco y negro y en localizaciones de Los Ángeles y la selva guatemalteca. La película fue producida por Paramount Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 12 de abril de 1940.

El monstruo loco (1944)

El monstruo loco es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1942 dirigida por Sam Newfield. Se trata de una película en blanco y negro de bajo presupuesto protagonizada por un científico loco y un hombre lobo; está considerada un clásico en su género.

Parcela

En una noche de luna en un pantano envuelto en niebla, un lobo aúlla. En un laboratorio cercano, el Dr. Lorenzo Cameron está extrayendo sangre de un lobo enjaulado. Atado a una mesa yace el manso y fornido jardinero del doctor, Petro, que es el sujeto del experimento del doctor.

El Dr. Cameron ha descubierto un suero que puede transformar al hombre en lobo y viceversa. Tras varios experimentos, que cuestan la vida a un niño inocente, el Dr. Cameron utiliza a Petro para matar a sus dos científicos rivales.

La hija del doctor, Leonora, y su novio Tom, que desconocen la verdadera personalidad del padre de Leonora, descubren horrorizados la terrible realidad: El doctor Cameron está utilizando a Petro para matar a los demás científicos.

Cuando Leonora y Tom descubren la verdad, intentan detener al Dr. Cameron y a Petro. Sin embargo, el Dr. Cameron y Petro quedan atrapados en un incendio provocado por un rayo.

Recepción crítica

El monstruo loco fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus atmósferas góticas, sus interpretaciones y su exploración de los temas del bien, el mal y la locura. La película se considera hoy un clásico del cine de terror de ciencia ficción.

Legado

El Monstruo Loco ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, Padre de familia y The Big Bang Theory.

Fundición

  • George Zucco como Dr. Lorenzo Cameron
  • Johnny Downs como Tom Gregory
  • Anne Nagel como Leonora Cameron
  • Mae Busch como Sra. Cameron
  • Sarah Padden como Mary
  • Glenn Strange como Petro

Tripulación

  • Director: Sam Newfield
  • Guión: Fred Myton
  • Fotografía: Jack Greenhalgh
  • Edición: Ted Kent
  • Música compuesta por: David Chudnow
  • Diseño de producción: Fred Preble
  • Productor: Sigmund Neufeld
  • Empresa productora: Producers Releasing Corporation (PRC)

Producción

El Monstruo Loco se rodó en blanco y negro y en exteriores en varios lugares, como las cuevas de Bronson, el rancho Iverson y el parque natural Vasquez Rocks. La película fue producida por Producers Releasing Corporation (PRC) y se estrenó en Estados Unidos el 15 de mayo de 1942.

Krakatit (1948)

Krakatit (1948) es una película checa de ciencia ficción dirigida por Otakar Vávra, basada en la novela homónima de 1922 de Karel Čapek. La película cuenta la historia de un químico que inventa un potente explosivo, Krakatit, que podría utilizarse con fines militares o civiles.

Parcela

El químico Dr. Prokop da con una sustancia explosiva extremadamente potente, a la que bautiza con el nombre de Krakatit. Al principio, el doctor está entusiasmado con su descubrimiento, pero pronto se da cuenta de que Krakatit podría utilizarse para fines terribles.

El doctor se encuentra con un grupo de revolucionarios que quieren utilizar a Krakatit para derrocar al gobierno. Al principio, el médico se muestra reacio a colaborar con los revolucionarios, pero acaba convenciéndose de que es lo correcto.

El doctor da a los revolucionarios la fórmula del Krakatit y les ayuda a construir una bomba. La bomba se utiliza para destruir un edificio gubernamental, pero la explosión también mata a muchos civiles.

El médico se estremece por el uso de Krakatit y se da cuenta de que ha cometido un error. El médico se suicida, dejando Krakatit al mundo para que lo utilice para el bien o para el mal.

Recepción crítica

Krakatit fue un éxito comercial y de crítica desde su lanzamiento. La película fue elogiada por sus imágenes, sus interpretaciones y su exploración de los temas de la responsabilidad de la ciencia, el poder de la tecnología y la naturaleza de la violencia. La película se considera hoy un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Krakatit ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Dr. Strangelove, Los Simpson y The Big Bang Theory.

Fundición

  • Karel Höger como Dr. Prokop
  • Zdeněk Štěpánek como Viktor
  • František Smolík como Jan
  • Marie Tomášová como Anna
  • Josef Kemr como František
  • Jaroslav Průcha como Karel

Tripulación

  • Director: Otakar Vávra
  • Guión: Otakar Vávra y Miloš Forman, basado en la novela de Karel Čapek
  • Fotografía: Jaroslav Kučera
  • Edición: František Veselý
  • Música compuesta por: Jaroslav Ježek
  • Diseño de producción: František Trnka
  • Productor: Jiří Brdečka
  • Empresa productora: Filmové studio Barrandov

Producción

Krakatit se rodó en blanco y negro y en diversos lugares, como Praga, Brno y las montañas de Krkonoše. La película fue producida por el estudio Filmové Barrandov y se estrenó en Checoslovaquia el 25 de junio de 1948.

Las películas de ciencia ficción de los años 50

El género de las películas de ciencia ficción, sin embargo, no se creó oficialmente hasta los años 50, cuando existe una vasta producción de películas de ciencia ficción que relatan veladamente los temores de la guerra fría. La producción de ciencia ficción de los años 50 se centra sobre todo en la relación entre el hombre y el espacio: conquistas de otros planetas, exploraciones, extraterrestres que llegan a la Tierra.

El director independiente Roger Corman explora diferentes subgéneros de la ciencia ficción, desde la ciencia ficción de terror hasta las aventuras en otros planetas. A menudo son películas de bajo coste realizadas en pocos días, con actores poco conocidos, con decorados baratos y efectos especiales, a veces grotescos. Se trata de la película de serie b.

El género de ciencia ficción irrumpe en Estados Unidos, inicialmente en forma de cómic dirigido a un público adolescente. Luego se llega al cine, con películas y dibujos animados. Se producen muchas películas, tanto en los grandes estudios como entre las producciones independientes, inspiradas también en la prolífica industria de misiles y cohetes aeroespaciales que EE.UU. utiliza en la carrera por la conquista del espacio.Contribuyeron al éxito de las películas de ciencia ficción los avistamientos de ovnis y el nacimiento de la ufología.

Destino Luna (1950)

Destino Luna es una película estadounidense de ciencia ficción de 1950 dirigida por Irving Pichel y producida por George Pal. Está considerada una de las películas de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos, y fue una de las primeras en describir de forma realista un viaje a la Luna.

Parcela

En 2022, un grupo de empresarios estadounidenses financia un viaje a la Luna. La misión está dirigida por el Dr. Cargraves, ingeniero aeroespacial, y el piloto Mitchell.

La misión se lanza con éxito y la tripulación aterriza en la Luna sin incidentes. Los astronautas exploran la superficie lunar y plantan la bandera estadounidense.

Durante la exploración, los astronautas se ven atrapados en una tormenta de arena. Mitchell está herido y debe ser devuelto a la Tierra. Cargraves permanece en la Luna y continúa la exploración.

Al final, Cargraves regresa a la Tierra, convirtiéndose en el primer hombre en hacer un viaje de ida y vuelta a la Luna.

Recepción crítica

Destino Luna fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, de última generación para la época. La película también fue elogiada por su apasionante historia y sus importantes temas.

Legado

Destino Luna ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como 2001: Una odisea del espacio, Star Trek y The Big Bang Theory.

Fundición

  • Warner Anderson como Dr. Cargraves
  • John Archer como Piloto Mitchell
  • Dick Wesson como Dr. Barnhardt
  • Tom Powers como Dr. Dodge
  • Erin O’Brien-Moore como Patricia Neal

Tripulación

  • Director: Irving Pichel
  • Guión: Robert A. Heinlein, basado en la novela de Robert A. Heinlein
  • Cinematografía: Lionel Lindon
  • Edición: Ted Kent
  • Música compuesta por: Leith Stevens
  • Diseño de producción: Charles D. Hall
  • Productor: George Pal
  • Productora: George Pal Productions

Producción

Destino Luna se rodó en blanco y negro y en exteriores en varias localizaciones, como el desierto de Mojave y el lago Owens. La película fue producida por George Pal y se estrenó en Estados Unidos el 27 de junio de 1950.

El día que la Tierra se detuvo (1951)

El día que la Tierra se detuvo es una película estadounidense de culto de ciencia ficción de 1951 dirigida por Robert Wise y protagonizada por Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe, Sam Jaffe y Lock Martin. La película es una adaptación del relato corto de 1940 «Adiós al maestro», de Harry Bates.

Parcela

Una nave alienígena aterriza en un campo a las afueras de Washington, D.C. Klaatu, un alienígena humanoide, emerge de la nave acompañado de un poderoso robot llamado Gort. Klaatu utiliza un dispositivo para detener todas las máquinas de la Tierra, incluidos aviones, radios y automóviles.

Klaatu es llevado a una base militar, donde conoce al profesor Bernhard, un renombrado científico. Klaatu explica que ha venido a la Tierra para advertir a la humanidad de las consecuencias de su continua violencia y desarrollo de armas nucleares. Exige que todas las naciones se desarmen y cesen sus conflictos, o destruirá la Tierra.

El mensaje de Klaatu es recibido con escepticismo y hostilidad por muchos líderes mundiales, pero demuestra su poder provocando una serie de desastres naturales. Finalmente, Klaatu es asesinado por un grupo de extremistas, y Gort mata a los asesinos en represalia.

Antes de morir, Klaatu deja un mensaje para la humanidad. Advierte de que si la humanidad no cambia de rumbo, será destruida. También expresa su esperanza de que la humanidad aprenda a vivir en paz y armonía.

Recepción crítica

El día que la Tierra se detuvo fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus interpretaciones y su exploración de temas importantes. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

El día en que la Tierra se detuvo ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como The Twilight Zone, Star Trek y Los Simpson.

Fundición

  • Michael Rennie como Klaatu
  • Patricia Neal como Helen Benson
  • Hugh Marlowe como Profesor Bernhard
  • Sam Jaffe como Jacob Barker
  • Lock Martin como Billy Gray
  • Frances Bavier como Sra. Estelle Crayton
  • Chet Brandenburg como Sr. Harriman

Tripulación

  • Director: Robert Wise
  • Guión: Edmund H. North, basado en la historia de Harry Bates
  • Cinematografía: Robert Surtees
  • Edición: Elmo Williams
  • Música compuesta por: Bernard Herrmann
  • Diseño de producción: Lyle Wheeler
  • Productor: Julian Blaustein
  • Productora: 20th Century Fox

Producción

The Day the Earth Stood Still se rodó en blanco y negro y en exteriores, en diversos lugares como Washington, D.C., Nueva York y el desierto de Mojave. La película fue producida por 20th Century Fox y se estrenó en Estados Unidos el 28 de septiembre de 1951.

Ver El día que la Tierra se paró

La cosa de otro mundo (1951)

La cosa de otro mundo (1951) es una película estadounidense de culto de ciencia ficción de 1951 dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Kenneth Tobey, Margaret Sheridan, Robert Cornthwaite y Douglas Spencer. La película está basada en el relato de 1938 «Who Goes There?», de John W. Campbell Jr.

Parcela

Un grupo de investigadores de una base ártica descubre un platillo volante estrellado en el hielo. Dentro del platillo, encuentran a un ser alienígena, que en realidad es un organismo que cambia de forma y que puede adoptar la forma de cualquier cosa que toque.

El ser alienígena mata a uno de los investigadores y asume su forma. El ser alienígena se infiltra en el grupo de investigadores, matándolos uno a uno.

Al final, el capitán Patrick Hendry, uno de los investigadores, descubre la verdad sobre el ser alienígena. Hendry mata al ser alienígena quemándolo con un lanzallamas.

Recepción crítica

La Cosa de Otro Mundo fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Actualmente se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

La Cosa de Otro Mundo ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Kenneth Tobey como Capitán Patrick Hendry
  • Margaret Sheridan como Nikki Nicholson
  • Robert Cornthwaite como Dr. Carrington
  • Douglas Spencer como Dr. Blair
  • James Arness como Ed Malone
  • George Fenneman como Sargento Barnes
  • Eduard Franz como Profesor Carrington
  • Richard Deacon como Eddie

Tripulación

  • Director: Howard Hawks
  • Guión: Charles Lederer y Howard Hawks, basado en la historia de John W. Campbell Jr.
  • Cinematografía: Russell Harlan
  • Edición: Christian Nyby
  • Música compuesta por: Dimitri Tiomkin
  • Diseño de producción: Albert S. D’Agostino y Jack Okey
  • Productor: Howard Hawks
  • Compañía productora: Howard Hawks Productions

Producción

La Cosa de Otro Mundo se rodó en blanco y negro y en exteriores en varias localizaciones, como el Parque Nacional del Monte Rainier y la ciudad de Roslyn, Washington. La película fue producida por Howard Hawks Productions y se estrenó en Estados Unidos el 25 de noviembre de 1951.

Cuando los mundos chocan (1951)

Cuando los mundos chocan (1951) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1951 dirigida por Rudolph Maté y protagonizada por Richard Derr y Barbara Rush. La película está basada en la novela de 1933 La guerra de los mundos, de H.G. Wells.

Parcela

Una nave espacial de un planeta moribundo se estrella en el desierto de Arizona. Los alienígenas están en guerra con su raza hermana y buscan un nuevo planeta que colonizar. Los alienígenas comienzan a disparar rayos de calor desde sus ojos para destruir todo lo que encuentran.

Un joven piloto, David Brandon, y una mujer, Sylvia Van Buren, son testigos del accidente de la nave espacial y deciden investigar. Tras descubrir a los alienígenas, ambos se unen a un grupo de supervivientes para intentar detenerlos.

Al final, los alienígenas son derrotados por un ataque aéreo de los Estados Unidos. El mundo se salva, pero la amenaza alienígena sigue acechando.

Recepción crítica

Cuando los mundos chocan (1951) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Cuando los mundos chocan (1951) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Richard Derr como David Brandon
  • Barbara Rush como Sylvia Van Buren
  • Gene Barry como Teniente Clayton Forrester
  • Lewis Martin como General Mann
  • Robert Cornthwaite como Dr. Pryor

Tripulación

  • Dirigida por Rudolph Maté
  • Guión de Barré Lyndon
  • Fotografía de Sidney Hickox
  • Edición de James B. Clark
  • Música compuesta por Leith Stevens
  • Diseño de producción de Cedric Gibbons y Jack Martin Smith
  • Productor: George Pal
  • Productora: Paramount Pictures

Producción

Cuando los mundos chocan (1951) se rodó en Technicolor y en estudio. La película fue producida por Paramount Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 25 de septiembre de 1951.

Vino del espacio exterior (1953)

La guerra de los mundos (1953) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1953 dirigida por Byron Haskin y protagonizada por Gene Barry y Ann Robinson. La película está basada en la novela homónima de H.G. Wells.

Parcela

Un meteorito se estrella cerca de Linda Rosa, una pequeña ciudad del sur de California. Los residentes locales sienten curiosidad por el meteorito, pero pronto descubren que se trata de una nave espacial alienígena.

Los alienígenas, llamados Trípodes, son máquinas gigantes con tres patas. Los Trípodes comienzan a disparar rayos letales contra la población, matando a miles de personas.

Un grupo de supervivientes, entre los que se encuentran el Dr. Clayton Forrester y Sylvia Van Buren, se refugian en un refugio antiaéreo. Forrester descubre que los Trípodes son en realidad parásitos que se alimentan de la energía vital de los humanos.

Forrester y Van Buren consiguen escapar del refugio y llegar hasta un grupo de soldados. Los soldados atacan a los Trípodes, pero son arrollados.

Al final, los Trípodes abandonan la Tierra, pero Forrester y Van Buren están convencidos de que volverán.

Recepción crítica

La guerra de los mundos (1953) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

La Guerra de los Mundos (1953) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Doctor Who.

Fundición

  • Gene Barry como Dr. Clayton Forrester
  • Ann Robinson como Sylvia Van Buren
  • Hugh Marlowe como Coronel Thomas Stevens
  • Sam Jaffe como Jacob Barnhardt
  • Lock Martin como Billy Gray
  • Frances Bavier como Sra. Estelle Crayton
  • Chet Brandenburg como Sr. Harriman

Tripulación

  • Director: Byron Haskin
  • Guión: Barré Lyndon, basado en la novela de H.G. Wells
  • Cinematografía: Gordon Jennings
  • Edición: Elmo Williams
  • Música compuesta por: Leith Stevens
  • Diseño de producción: Lyle Wheeler
  • Productor: Julian Blaustein
  • Productora: 20th Century Fox

Producción

La guerra de los mundos (1953) se rodó en blanco y negro y en exteriores, en varias localizaciones, como el desierto de Mojave y la ciudad de Los Ángeles. La película fue producida por 20th Century Fox y se estrenó en Estados Unidos el 25 de septiembre de 1953.

La guerra de los mundos (1953)

La guerra de los mundos (1953) es una película estadounidense de culto de ciencia ficción de 1953 dirigida por Byron Haskin y protagonizada por Gene Barry y Ann Robinson. La película está basada en la novela homónima de H.G. Wells.

Parcela

Un meteorito se estrella cerca de Linda Rosa, una pequeña ciudad del sur de California. Los residentes locales sienten curiosidad por el meteorito, pero pronto descubren que se trata de una nave espacial alienígena.

Los alienígenas, llamados Trípodes, son máquinas gigantes con tres patas. Los Trípodes comienzan a disparar rayos letales contra la población, matando a miles de personas.

Un grupo de supervivientes, entre los que se encuentran el Dr. Clayton Forrester y Sylvia Van Buren, se refugian en un refugio antiaéreo. Forrester descubre que los Trípodes son en realidad parásitos que se alimentan de la energía vital de los humanos.

Forrester y Van Buren consiguen escapar del refugio y llegar hasta un grupo de soldados. Los soldados atacan a los Trípodes, pero son arrollados.

Al final, los Trípodes abandonan la Tierra, pero Forrester y Van Buren están convencidos de que volverán.

Recepción crítica

La guerra de los mundos (1953) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

La Guerra de los Mundos (1953) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Doctor Who.

Fundición

  • Gene Barry como Dr. Clayton Forrester
  • Ann Robinson como Sylvia Van Buren
  • Hugh Marlowe como Coronel Thomas Stevens
  • Sam Jaffe como Jacob Barnhardt
  • Lock Martin como Billy Gray
  • Frances Bavier como Sra. Estelle Crayton
  • Chet Brandenburg como Sr. Harriman

Tripulación

  • Director: Byron Haskin
  • Guión: Barré Lyndon, basado en la novela de H.G. Wells
  • Cinematografía: Gordon Jennings
  • Edición: Elmo Williams
  • Música compuesta por: Leith Stevens
  • Diseño de producción: Lyle Wheeler
  • Productor: Julian Blaustein
  • Productora: 20th Century Fox

Producción

La guerra de los mundos (1953) se rodó en blanco y negro y en exteriores, en varias localizaciones, como el desierto de Mojave y la ciudad de Los Ángeles. La película fue producida por 20th Century Fox y se estrenó en Estados Unidos el 25 de septiembre de 1953.

Destino… ¡Tierra! (1953)

Destino… ¡Tierra! (1953) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1953 dirigida por Jack Arnold y protagonizada por Richard Carlson, Barbara Rush, Charles Drake, Russell Johnson y Kathleen Hughes. La película está basada en un relato de Ray Bradbury.

Parcela

Una nave extraterrestre inutilizada aterriza en una zona desértica de Estados Unidos. Un joven científico, David Sheppard, intenta establecer una relación con los extraterrestres, pero los xenófobos lugareños ven a los visitantes como una amenaza.

Sheppard descubre que los alienígenas son náufragos, víctimas de los prejuicios y el odio generados por el miedo al otro y a lo desconocido. Al final, Sheppard consigue convencer a los lugareños de que no ataquen a los alienígenas, y los dos grupos aprenden a convivir en paz.

Recepción crítica

Destino… ¡Tierra! (1953) fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su convincente historia y su mensaje de tolerancia y comprensión. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Destino… ¡Tierra! (1953) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Richard Carlson como David Sheppard
  • Barbara Rush como Helen Benson
  • Charles Drake como John Putnam
  • Russell Johnson como Mike Wilson
  • Kathleen Hughes como Carol

Tripulación

  • Director: Jack Arnold
  • Guión: Harry Essex y Ray Bradbury
  • Cinematografía: Clifford Stine
  • Edición: Robert Parrish
  • Música compuesta por: Henry Mancini
  • Diseño de producción: Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Universal Pictures

Producción

Destino… ¡Tierra! (1953) se rodó en blanco y negro y en exteriores, en diversos lugares, como el desierto de Mojave y la ciudad de Los Ángeles. La película fue producida por Universal Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 25 de mayo de 1953.

La criatura de la laguna negra (1954)

La criatura de la laguna negra (1954) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1954 dirigida por Jack Arnold y protagonizada por Richard Carlson, Julia Adams, Richard Denning y Whitfield Cook. La película está basada en una historia de Jack Arnold y Maurice Zimm.

Parcela

Un grupo de científicos estadounidenses realiza una expedición paleontológica en la selva amazónica. Durante una inspección, el grupo descubre una laguna secreta, donde vive una criatura parecida a un hombre, pero con piel escamosa y cabeza de pez.

La criatura, llamada Gill-Man, se siente atraída por la belleza de Kay Lawrence, una de las científicas del grupo. Kay es secuestrada por la criatura y llevada a su cueva subterránea.

El grupo de científicos, dirigido por el Dr. David Reed, se propone encontrar a Kay. Reed consigue rescatar a Kay de la criatura, pero ésta muere por una trampa.

Recepción crítica

La criatura de la laguna negra (1954) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

La criatura de la laguna negra (1954) es una película de culto y ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Richard Carlson como Dr. David Reed
  • Julia Adams como Kay Lawrence
  • Richard Denning como Dr. Mark Williams
  • Whitfield Cook como Dr. Carl Maia
  • Antonio Moreno como Lucas
  • Nestor Paiva como Gómez
  • Ben Chapman como el monstruo

Tripulación

  • Director: Jack Arnold
  • Guión: Jack Arnold y Maurice Zimm
  • Cinematografía: Clifford Stine
  • Edición: Robert Parrish
  • Música compuesta por: Henry Mancini
  • Diseño de producción: Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Universal Pictures

Producción

La criatura de la laguna negra (The Creature from the Black Lagoon, 1954 ) se rodó en blanco y negro y en exteriores de varios lugares, entre ellos la ciudad de Los Ángeles y Sherwood Lake, California. La película fue producida por Universal Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 20 de junio de 1954.

¡A ellos! (1954)

¡A ellos! (1954) es una película estadounidense de ciencia ficción y monstruos de 1954 dirigida por Gordon Douglas y protagonizada por James Whitmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon, James Arness, Onslow Stevens, Sean McClory, Chris Drake, Sandy Descher, Mary Alan Hokanson, Don Shelton, Fess Parker y Olin Howland. La película está basada en un relato de Robert A. Heinlein.

Parcela

Un grupo de científicos estadounidenses realiza una serie de pruebas nucleares en el desierto de Mojave. Durante una de las pruebas, un grupo de hormigas es contaminado por la radiación y comienza a crecer hasta alcanzar un tamaño enorme.

Las hormigas gigantes empiezan a atacar a los humanos y a destruir ciudades. Un grupo de soldados y científicos es enviado para detener a las hormigas, pero la situación es desesperada.

Al final, las hormigas son derrotadas por un arma química, pero el mundo cambia para siempre.

Recepción crítica

¡A ellos! (1954) fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Actualmente se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

¡A ellos! (1954) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido citada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • James Whitmore como Coronel Joseph M. Perry
  • Edmund Gwenn como Dr. Harold Medford
  • Joan Weldon como Patricia Medford
  • James Arness como Sargento Ben Peterson
  • Onslow Stevens como General Edward Foster
  • Sean McClory como Teniente Ed Carruthers
  • Chris Drake como Cabo George R. Young
  • Sandy Descher como Susan Medford
  • Mary Alan Hokanson como Ruth Medford
  • Don Shelton como Tom Medford
  • Fess Parker como Hank Medford
  • Olin Howland como Teniente Coronel William M. «Bud» Brown

Tripulación

  • Dirigida por Gordon Douglas
  • Guión de Robert A. Heinlein y James O’Hanlon
  • Fotografía de Gordon Jennings
  • Edición de Elmo Williams
  • Música compuesta por Henry Mancini
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Universal Pictures

Producción

¡A ellos! (1954) se rodó en blanco y negro y en exteriores, en diversos lugares, como el desierto de Mojave y la ciudad de Los Ángeles. La película fue producida por Universal Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 25 de septiembre de 1954.

Godzilla (1954)

Godzilla (1954), también conocida como Gojira, es una película japonesa de ciencia ficción kaiju de 1954 dirigida por Ishirō Honda y producida por Tomoyuki Tanaka. La película, la primera de la franquicia Godzilla, presenta a una criatura monstruosa, despertada por las pruebas nucleares, que aterroriza Tokio.

Parcela

En el pueblo costero de la isla de Odo, una enorme criatura emerge del mar, ataca a los barcos pesqueros y deja tras de sí un rastro de destrucción. La criatura, llamada Godzilla, es identificada por un paleontólogo como un dinosaurio prehistórico mutado por las pruebas nucleares.

Mientras Godzilla se abre paso hacia Tokio, causando pánico y destrucción generalizados, el gobierno japonés lucha por encontrar una forma de detener a la criatura. Los ataques militares resultan ineficaces y los científicos desarrollan un plan para utilizar un destructor de oxígeno, un dispositivo capaz de disolver toda forma de vida.

El destructor de oxígeno se despliega en la bahía de Tokio, aparentemente matando a Godzilla. La película termina con una sensación de inquietud, ya que los científicos advierten de que podrían existir otras criaturas mutadas.

Recepción crítica

Godzilla (1954) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus interpretaciones y su exploración de temas relevantes para el Japón de posguerra. Actualmente se considera un clásico del cine de ciencia ficción y una piedra de toque cultural para Japón.

Legado

Godzilla (1954) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película dio lugar a una larga franquicia de películas de Godzilla, programas de televisión, videojuegos y otros medios. El personaje de Godzilla se ha convertido en un símbolo icónico de la cultura japonesa y ha sido referenciado en numerosas obras de arte y entretenimiento.

Fundición

  • Akira Takarada como Hidehiko Hoshino
  • Momoko Kōchi como Emiko Yamashita
  • Takashi Shimura como Dr. Kyohei Yamane
  • Kenji Sahara como Ichirō Maki
  • Haruo Nakajima como Godzilla

Tripulación

  • Dirigida por Ishirō Honda
  • Producido por Tomoyuki Tanaka
  • Guión de Ishirō Honda, Takeo Matsubara y Ken Kuronuma.
  • Fotografía de Masao Kobayashi
  • Montaje de Akira Tasaki
  • Música compuesta por Akira Ifukube
  • Diseño de producción de Motoyoshi Tamura
  • Compañía productora: Toho

Producción

Godzilla (1954) se rodó en blanco y negro y en exteriores en varias localizaciones, como Tokio y la isla de Izu Ōshima. La película fue producida por Toho y se estrenó en Japón el 28 de julio de 1954.

20.000 leguas de viaje submarino (1954)

20.000 leguas de viaje submarino (1954) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1954 dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Kirk Douglas, James Mason, Paul Lukas y Peter Lorre. La película es una adaptación de la novela homónima de 1870 de Julio Verne.

Parcela

En 1866, el buque de guerra francés Abraham Lincoln es atacado por un misterioso monstruo marino. El profesor Pierre Aronnax, un naturalista francés, es secuestrado por el monstruo y llevado a bordo de su submarino, el Nautilus. El Nautilus está comandado por el Capitán Nemo, un hombre misterioso que ha jurado vengarse de la humanidad por sus crímenes contra el océano.

Durante su viaje, Aronnax y su ayudante, Conseil, son testigos de las maravillas del mundo submarino. Ven fantásticas criaturas marinas, como ballenas, tiburones, medusas y arrecifes de coral. También conocen a otras personas que han sido secuestradas por el Nautilus, entre ellas el marinero Ned Land.

Al final, Aronnax y sus compañeros consiguen escapar del Nautilus. El capitán Nemo se suicida, dejando que el Nautilus se hunda.

Recepción crítica

20.000 leguas de viaje submarino (1954) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus interpretaciones y su fidelidad a la novela de Verne. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

20.000 leguas de viaje submarino (1954) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha dado lugar a varias adaptaciones, incluida una película de 1961 y una serie de televisión de los años setenta. El Nautilus se ha convertido en un icono de la ciencia ficción y ha aparecido en numerosas obras de arte y de entretenimiento.

Fundición

  • Kirk Douglas como Profesor Pierre Aronnax
  • James Mason como Capitán Nemo
  • Paul Lukas como Consejero
  • Peter Lorre como Ned Land

Tripulación

  • Dirigida por Richard Fleischer
  • Guión de Earl Felton
  • Fotografía de Ralph O. Musgrave
  • Edición de Robert Swink
  • Música compuesta por Paul J. Smith
  • Diseño de producción de John Meehan y Emile Kuri
  • Compañía productora: Walt Disney Productions

Producción

20.000 leguas de viaje submarino (1954) se rodó en Technicolor y en estudio. La película fue producida por Walt Disney y distribuida en Estados Unidos el 30 de junio de 1954.

Tarántula (1955)

Tarántula (1955) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1955 dirigida por Jack Arnold y protagonizada por John Agar, Mara Corday, Leo G. Carroll, Nestor Paiva, Ross Elliott, Edwin Rand, Raymond Bailey, Hank Patterson, Bert Holland y Clint Eastwood. La película está basada en un relato de R. M. Fresco.

Parcela

En el desierto de Arizona, el profesor Gerald Deemer realiza experimentos con la hormona del crecimiento con la esperanza de encontrar un modo de aumentar el suministro de alimentos para la población mundial. Durante uno de estos experimentos, un grupo de tarántulas es contaminado por la radiación y comienza a crecer hasta alcanzar un tamaño enorme.

Las tarántulas gigantes comienzan a atacar a los humanos y destruyen la ciudad. Un grupo de soldados y científicos es enviado para detener a las tarántulas, pero la situación es desesperada.

Al final, las tarántulas son derrotadas por un arma química, pero el mundo cambia para siempre.

Recepción crítica

Tarántula (1955) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Actualmente se considera un clásico del cine de terror de ciencia ficción.

Legado

Tarántula (1955) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • John Agar como Coronel Joseph M. Perry
  • Mara Corday como Patricia Medford
  • Leo G. Carroll como Dr. Harold Medford
  • Nestor Paiva como Sargento Ben Peterson
  • Ross Elliott como Teniente Ed Carruthers
  • Edwin Rand como Cabo George R. Young
  • Raymond Bailey como General Edward Foster
  • Hank Patterson como Mayor James R. «Bud» Brown
  • Bert Holland como Sargento John D. «Doc» Anderson
  • Clint Eastwood como Pvt. Chuck Rogers

Tripulación

  • Dirigida por Jack Arnold
  • Guión de Jack Arnold y James O’Hanlon
  • Fotografía de Gordon Jennings
  • Edición de Elmo Williams
  • Música compuesta por Henry Mancini
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Universal Pictures

Producción

Tarántula (1955) se rodó en blanco y negro y en localizaciones diversas, como el desierto de Mojave y la ciudad de Los Ángeles. La película fue producida por Universal Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 14 de diciembre de 1955.

Vino de debajo del mar (1955)

El monstruo del mar (1955) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1955 dirigida por Robert Gordon (II) y protagonizada por Faith Domergue, Ian Keith, Kenneth Tobey, Donald Curtis y Harry Lauter. La película está basada en un relato corto de Ray Bradbury.

Parcela

Un submarino nuclear estadounidense, el USS Seaview, patrulla en el Océano Pacífico cuando es atacado por una criatura marina gigante. El submarino sufre graves daños y la tripulación se ve obligada a refugiarse en una isla desierta.

La isla está habitada por una tribu de nativos que hablan a la tripulación de una criatura legendaria que vive en las aguas circundantes. La tripulación del Seaview decide enfrentarse a la criatura para defenderse y salvar el barco.

Al final, la tripulación consigue derrotar a la criatura utilizando un arma nuclear. El submarino se salva y la tripulación puede regresar a casa.

Recepción crítica

El monstruo del mar (1955) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Actualmente se considera un clásico del cine de terror de ciencia ficción.

Legado

El monstruo del mar (1955 ) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Faith Domergue como Lesley Joyce
  • Ian Keith como Capitán Pete Mathews
  • Kenneth Tobey como Teniente Jim Adams
  • Donald Curtis como Teniente Chuck Hansen
  • Harry Lauter como Teniente Lee Crane

Tripulación

  • Dirigida por Robert Gordon (II)
  • Guión de Robert Gordon (II) y George Worthing Yates
  • Fotografía de Gordon Jennings
  • Edición de Elmo Williams
  • Música compuesta por Henry Mancini
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Universal Pictures

Producción

El monstruo del mar (1955) se rodó en blanco y negro y en exteriores en varias localizaciones, como el desierto de Mojave y la ciudad de Los Ángeles. La película fue producida por Universal Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 14 de diciembre de 1955.

La conquista del espacio (1955)

La conquista del espacio (1955) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1955 dirigida por Byron Haskin y protagonizada por Walter Brooke, Eric Fleming, Mickey Shaughnessy y Phil Foster. La película está basada en un libro de 1949 de Willy Ley y Chesley Bonestell.

Parcela

Un grupo de astronautas estadounidenses es enviado en misión a Marte para establecer una base permanente. La misión es un éxito y los astronautas consiguen construir una base y establecer contacto con los habitantes del planeta.

Sin embargo, las cosas empeoran cuando los astronautas son atacados por los marcianos, hostiles a los humanos. Los astronautas deben luchar por sobrevivir y regresar a la Tierra.

Recepción crítica

La conquista del espacio (1955) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

La conquista del espacio (1955) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Walter Brooke como Coronel Floyd Thompson
  • Eric Fleming como Mayor Matt Gordon
  • Mickey Shaughnessy como Teniente Jim Barnes
  • Phil Foster como Teniente Pete Martin

Tripulación

  • Dirigida por Byron Haskin
  • Guión de George Worthing Yates, James O’Hanlon, Barré Lyndon y Philip Yordan
  • Fotografía de Gordon Jennings
  • Edición de Elmo Williams
  • Música compuesta por Bernard Herrmann
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Paramount Pictures

Producción

La conquista del espacio (1955) se rodó en Technicolor y en estudio. La película fue producida por Paramount Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 20 de abril de 1955.

El experimento Quatermass (1955)

The Quatermass Xperiment (1955) es una película británica de ciencia ficción de 1955 dirigida por Val Guest y protagonizada por Brian Donlevy, Margia Dean, Jack Warner, Richard Wordsworth, David King Wood y Thora Hird. La película está basada en la serie de televisión británica de seis episodios El experimento Quatermass, escrita por Nigel Kneale y emitida por la BBC del 22 de diciembre de 1952 al 25 de febrero de 1953, con Reginald Tate en el papel del profesor Quatermass.

Parcela

El primer cohete espacial británico regresa a la Tierra, pero sólo uno de los tres tripulantes queda con vida. Victor Caroon, el único superviviente, se encuentra en estado catatónico. El profesor Bernard Quatermass, diseñador del cohete, se hace cargo del caso y descubre que Caroon ha sido infectado por una presencia alienígena, que lo transforma en un monstruo que siembra el terror en Londres.

Recepción crítica

El experimento Quatermass (1955) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

El Experimento Quatermass (1955) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Brian Donlevy como Profesor Bernard Quatermass
  • Margia Dean como Barbara Judd
  • Jack Warner como Coronel Breen
  • Richard Wordsworth como Teniente Craig
  • David King Wood como Teniente Brand
  • Thora Hird como Sra. Judd

Tripulación

  • Dirigida por Val Guest
  • Guión de Nigel Kneale
  • Fotografía de John Wilcox
  • Edición de James B. Clark
  • Música compuesta por James Bernard
  • Diseño de producción de Bill Andrews
  • Productor: Anthony Hinds
  • Productora: Hammer Films

Producción

The Quatermass Xperiment (1955) se rodó en blanco y negro y en estudio. La película fue producida por Hammer Films y se estrenó en el Reino Unido el 28 de septiembre de 1955.

Esta isla Tierra (1955)

Esta isla Tierra (1955) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1955 dirigida por Joseph Newman y protagonizada por Faith Domergue, Rex Reason, Jeff Morrow, Russell Johnson y Lance Fuller. La película está basada en la novela de 1952 This Island Earth, de Raymond F. Jones.

Parcela

Una misteriosa organización recluta a un grupo de científicos para trabajar en un proyecto de alto secreto. Los científicos son llevados a una isla secreta donde se les presenta una raza de alienígenas del planeta Metaluna. Los alienígenas trabajan en un proyecto para salvar su planeta de un sol moribundo.

Cal Meacham, uno de los científicos, se entera de que los alienígenas planean utilizar un arma atómica para destruir el sol. Cal debe detener a los alienígenas antes de que puedan llevar a cabo su plan.

Recepción crítica

This Island Earth (1955) fue un éxito comercial y de crítica en el momento de su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, actuaciones y suspense. Hoy en día se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Legado

Esta isla Tierra (1955) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Faith Domergue como Lesley Joyce
  • Rex Reason como Cal Meacham
  • Jeff Morrow como Exeter
  • Russell Johnson como Steve Carlson
  • Lance Fuller como Tony Drake

Tripulación

  • Dirigida por Joseph Newman
  • Guión de Joseph Newman y Jack Arnold
  • Fotografía de Gordon Jennings
  • Edición de Elmo Williams
  • Música compuesta por Henry Mancini
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Universal Pictures

Producción

This Island Earth (1955) se rodó en Technicolor y en estudio. La película fue producida por Universal Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 10 de junio de 1955.

La Tierra contra los platillos volantes (1956)

La Tierra contra los platillos volantes (1956) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1956 dirigida por Fred F. Sears y protagonizada por Joan Taylor, Hugh Marlowe, Donald Curtis, Morris Ankrum y Thomas Browne Henry. La película está basada en la novela de 1950 Platos volantes del espacio exterior, de Donald Keyhoe.

Parcela

Un grupo de científicos recibe el encargo de investigar una serie de misteriosos accidentes aéreos que parecen estar causados por platillos volantes. Los científicos descubren que los platillos volantes son obra de una raza alienígena hostil que se dispone a invadir la Tierra.

Recepción crítica

La Tierra contra los platillos volantes (1956) fue un éxito de taquilla en su estreno, pero recibió críticas dispares por parte de la crítica. Algunos críticos alabaron los efectos especiales, mientras que otros los consideraron anticuados.

Legado

La Tierra contra los platillos volantes (1956) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Joan Taylor como Carol Wetherly
  • Hugh Marlowe como Dr. Russell Marvin
  • Donald Curtis como Teniente Craig
  • Morris Ankrum como Coronel Breen
  • Thomas Browne Henry como Dr. Blake

Tripulación

  • Dirigida por Fred F. Sears
  • Guión de Curt Siodmak
  • Fotografía de Gordon Jennings
  • Edición de Elmo Williams
  • Música compuesta por Paul Sawtell
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: William Alland
  • Productora: Clover Production

Producción

La Tierra contra los platillos volantes (1956) se rodó en Technicolor y en estudio. La película fue producida por Clover Production y se estrenó en Estados Unidos el 15 de julio de 1956.

La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)

La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) es una película estadounidense de culto de ciencia ficción de 1956 dirigida por Don Siegel y protagonizada por Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates y King Donovan. La película está basada en la novela de 1955 Los ladrones de cuerpos, de Jack Finney.

Parcela

El Dr. Miles Bennell, médico de Santa Mira, California, empieza a sospechar que algo siniestro está ocurriendo en su pueblo. Sus pacientes se quejan de estar poseídos por una entidad alienígena que los ha transformado en seres carentes de emoción y personalidad.

Recepción crítica

La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su suspense, su atmósfera inquietante y su exploración de temas importantes sobre la invasión alienígena, la pérdida de la individualidad y la paranoia.

Legado

La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Kevin McCarthy como Dr. Miles Bennell
  • Dana Wynter como Becky Driscoll
  • Larry Gates como Dr. Dan Kauffman
  • King Donovan como Dr. Jack Griffin

Tripulación

  • Dirigida por Don Siegel
  • Guión de Daniel Mainwaring
  • Fotografía de Ellsworth Fredericks
  • Edición de Robert L. Simpson
  • Música compuesta por Dimitri Tiomkin
  • Diseño de producción de Edward C. Carfagno
  • Productor: Walter Wanger
  • Compañía productora: Allied Artists

Producción

La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) se rodó en blanco y negro y en estudio. La película fue producida por Allied Artists y se estrenó en Estados Unidos el 22 de octubre de 1956.

Mundo sin fin (1956)

Mundo sin fin (1956) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1956 dirigida por Edward Bernds y protagonizada por Rod Taylor, Hugh Marlowe, Nancy Gates, Lisa Montell, Nelson Leigh y Christopher Dark. La película es la primera que aborda los viajes en el tiempo y las paradojas espacio-temporales, y también la primera de ciencia ficción estrenada en CinemaScope.

Parcela

Un grupo de astronautas se encarga de estudiar la viabilidad de colonizar Marte. Durante la misión, la nave espacial XRM está a punto de reanudar el rumbo hacia la Tierra cuando una aceleración inesperada provoca el mal funcionamiento de los instrumentos de a bordo y deja a su tripulación en estado de inconsciencia.

Al despertar, los astronautas descubren que han aterrizado en un peligroso planeta inexplorado, pero con una atmósfera respirable. El planeta está habitado por criaturas alienígenas hostiles, que atacan a la tripulación.

Los astronautas consiguen escapar del planeta y regresar a la Tierra, pero descubren que han sido transportados en el tiempo hasta 1957.

Recepción crítica

Mundo sin fin (1956) fue un éxito de taquilla en su estreno, pero recibió críticas dispares por parte de la crítica. Algunos críticos alabaron la visión de futuro de la película, mientras que otros la consideraron demasiado optimista.

Legado

Mundo sin fin (1956) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Expediente X.

Fundición

  • Rod Taylor como Steve Abbott
  • Hugh Marlowe como Dr. Russell Marvin
  • Nancy Gates como Karen Foster
  • Lisa Montell como Ruth Adams
  • Nelson Leigh como Dr. Blake
  • Christopher Dark como Dr. Foster

Tripulación

  • Dirigida por Edward Bernds
  • Guión de Edward Bernds y David Duncan
  • Fotografía de Edward J. Laszlo
  • Edición de Richard L. Van Enger
  • Música compuesta por Paul Sawtell
  • Diseño de producción de Bernard Herzbrun
  • Productor: Walter Wanger
  • Compañía productora: Allied Artists

Producción

Mundo sin fin (1956) se rodó en CinemaScope y en estudio. La película fue producida por Allied Artists y se estrenó en Estados Unidos el 25 de marzo de 1956.

1984 (1956)

1984 es una película británica de ciencia ficción de 1956 dirigida por Michael Anderson, basada en la novela homónima de George Orwell. La película está ambientada en un futuro distópico, en el que el mundo está dividido en tres superpotencias: Oceanía, Eurasia y Asia Oriental. Oceanía está gobernada por un régimen totalitario, el Gran Hermano, que controla todos los aspectos de la vida de sus ciudadanos.

Parcela

Winston Smith es un empleado del Ministerio de la Verdad, donde se encarga de reescribir la historia para adaptarla a la narrativa del Gran Hermano. Winston es disidente en secreto y empieza a escribir un diario en el que critica al régimen.

Un día, Winston conoce a Julia, otra disidente. Ambos inician una relación secreta, pero pronto son descubiertos por la policía secreta.

Winston es detenido y torturado, y finalmente se ve obligado a renunciar a sus creencias. La película termina con Winston, ahora inclinado hacia el régimen, pronunciando la frase «Dos más dos son cuatro».

Temas

1984 es una película que explora los temas del totalitarismo, la vigilancia y el control mental. La película es una alegoría de la sociedad contemporánea, en la que la tecnología puede utilizarse para controlar a las personas y limitar su libertad.

Fundición

  • Edmond O’Brien como Winston Smith
  • Michael Redgrave como Gran Hermano
  • Jan Sterling como Julia
  • Donald Pleasence como O’Brien

Tripulación

  • Dirigida por Michael Anderson
  • Guión de William Templeton
  • Fotografía de Gilbert Taylor
  • Música compuesta por Malcolm Arnold

Producción

1984 fue producida por MGM y estrenada en Estados Unidos el 20 de marzo de 1956. La película fue un éxito comercial y de crítica, y ganó el León de Oro en el Festival de Venecia.

1984 (versión televisiva, 1956)

ciencia ficción-1984

Parcela

En un futuro distópico, Winston Smith, un miembro de bajo rango del Partido gobernante, trabaja en el Ministerio de la Verdad, donde reescribe la historia para adaptarla a la narrativa del Partido. Winston se rebela en secreto contra el Partido llevando un diario y teniendo una aventura con Julia, una compañera del Partido.

Fundición

  • Peter Cushing como Winston Smith
  • Yvonne Mitchell como Julia
  • Donald Pleasence como Syme
  • Michael Redgrave como O’Brien

Tripulación

  • Dirigida por Rudolph Cartier
  • Guión de Nigel Kneale
  • Fotografía de Eric Day
  • Música compuesta por John McGrath

Producción

La adaptación televisiva de Nineteen Eighty-Four realizada por la BBC en 1956 fue una producción de 90 minutos que se emitió como episodio único el 12 de diciembre de 1954. La adaptación fue fiel a la novela y recibió elogios por su sombrío y atmosférico retrato del mundo distópico de Orwell.

Ver 1984

El ataque de los monstruos cangrejo (1957)

El ataque de los monstruos cangrejo (1957) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1957 dirigida por Roger Corman y protagonizada por Richard Garland, Pamela Duncan, Russell Johnson, Leslie Bradley, Mel Welles, Richard H. Cutting y Beach Dickerson. La película está basada en un relato corto de Ray Bradbury titulado «The Foghorn».

Parcela

Un grupo de científicos realiza un experimento de radiación en una isla del Océano Pacífico. Sus experimentos mutan accidentalmente a los cangrejos de la isla, transformándolos en criaturas gigantes y agresivas.

Recepción crítica

El ataque de los monstruos cangrejo (1957) fue un éxito de taquilla, pero recibió críticas dispares por parte de la crítica. Algunos críticos alabaron los efectos especiales, mientras que otros los consideraron anticuados.

Legado

El ataque de los monstruos cangrejo (1957) ha tenido una influencia duradera en la cultura popular. La película ha sido referenciada y parodiada en muchas otras películas y programas de televisión, como Los Simpson, South Park y Clarence.

Fundición

  • Richard Garland como Steve Andrews
  • Pamela Duncan como Helen Dobson
  • Russell Johnson como Dr. Bill Gaxton
  • Leslie Bradley como Dr. Paul Miller
  • Mel Welles como Dr. Rolfe
  • Richard H. Cutting como Sr. Johnson
  • Beach Dickerson como Sr. Dobson

Tripulación

  • Dirigida por Roger Corman
  • Guión de William J. Leicester
  • Fotografía de Floyd Crosby
  • Edición de Ronald Sinclair
  • Música compuesta por Ronald Stein
  • Diseño de producción de Dave Milton
  • Productor: Roger Corman
  • Productora: American International Pictures

Producción

Attack of the Crab Monsters (1957) se rodó en blanco y negro y en estudio. La película fue producida por American International Pictures y se estrenó en Estados Unidos el 14 de junio de 1957.

El increíble hombre menguante (1957)

El increíble hombre menguante es una película estadounidense de ciencia ficción de 1957 dirigida por Jack Arnold, basada en la novela El hombre menguante (1956) de Richard Matheson. La película está ambientada en un futuro en el que la Tierra ha sido golpeada por una nube radiactiva que está reduciendo lentamente a las personas a proporciones microscópicas.

Parcela

Scott Carey es un hombre de mediana edad que, durante un viaje en barco, es alcanzado accidentalmente por una nube radiactiva. Unos meses más tarde, Scott se da cuenta de que está perdiendo peso y, posteriormente, mediante pruebas médicas, también se da cuenta de que está disminuyendo de estatura: todo su cuerpo se está encogiendo lentamente.

Scott intenta mantener su estado en secreto, pero cada vez es más difícil ocultar su situación. Al final, Scott se ve obligado a enfrentarse a la realidad y a buscar una cura para su enfermedad.

Temas

El increíble hombre menguante es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la transformación y la pérdida de identidad. La película es una alegoría de la condición humana, en la que estamos constantemente expuestos a peligros que pueden alterar nuestras vidas.

Fundición

  • Grant Williams como Scott Carey
  • Randy Stuart como Louise Carey
  • April Kent como Becky Carey
  • Paul Langton como Dr. Arthur Bramwell
  • Raymond Bailey como Dr. Bradford
  • William Schallert como Dr. Phillips

Tripulación

  • Dirigida por Jack Arnold
  • Guión de Richard Matheson
  • Fotografía de Ellis W. Carter
  • Montaje de Milton Carruth
  • Música compuesta por Joseph Gershenson

Producción

El increíble hombre menguante fue producida por Universal Pictures y estrenada en Estados Unidos el 28 de marzo de 1957. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Los monstruos del monolito (1957)

Los monstruos del monolito (1957) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1957 dirigida por John Sherwood. La película está ambientada en un pequeño pueblo minero del suroeste de Estados Unidos, donde un meteorito caído del cielo empieza a convertir a la gente en piedra.

Parcela

El meteorito, compuesto por un misterioso mineral negro, emite un gas que provoca la petrificación de cualquiera que entre en contacto con él. Las víctimas del gas se convierten en estatuas de piedra perfectamente conservadas.

Un grupo de científicos acude al pueblo para investigar lo sucedido. Pronto descubren que el gas es radiactivo y capaz de replicarse a sí mismo. De hecho, las estatuas de piedra empiezan a crecer y reproducirse, haciéndose cada vez más numerosas y peligrosas.

Temas

Los monstruos del monolito es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la amenaza de una guerra nuclear y la naturaleza de la realidad. La película es una alegoría del mundo moderno, en el que estamos constantemente expuestos a peligros que no podemos comprender.

Fundición

  • Lola Albright como Dra. Susan Rogers
  • Grant Williams como Dr. Tony Nelson
  • Les Tremayne como Dr. John Lawrence
  • Phil Harvey como Dr. Mark Wilson
  • Trevor Bardette como Dr. Bill Foster
  • William Schallert como Dr. John Bradford

Tripulación

  • Dirigida por John Sherwood
  • Guión de Robert M. Fresco y Robert Smithee
  • Fotografía de Ellis W. Carter
  • Montaje de Milton Carruth
  • Música compuesta por Joseph Gershenson

Producción

Los monstruos del monolito fue producida por Universal Pictures y estrenada en Estados Unidos el 1 de diciembre de 1957. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Ver Los monstruos del monolito

The Blob (1958)

The Blob (1958) es una película de culto estadounidense de ciencia ficción y terror de 1958 dirigida por Irvin S. Yeaworth Jr. La película está ambientada en un pequeño pueblo estadounidense, donde un meteorito cae del cielo y se transforma en un ente gelatinoso que se alimenta de humanos.

Parcela

Un grupo de amigos, Steve Andrews, Jane Martin y Brian Flagg, están de picnic cuando un meteorito cae del cielo y aterriza en el bosque. El meteorito se transforma en un ente gelatinoso que se alimenta de un vagabundo que estaba cerca.

El grupo de amigos intenta detener a la entidad gelatinosa, pero resulta ser un enemigo formidable. La entidad se extiende rápidamente, devorando todo a su paso.

Temas

The Blob es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la violencia y la amenaza de una guerra nuclear. La película es una alegoría de la sociedad contemporánea, en la que estamos constantemente expuestos a peligros que no podemos comprender.

Fundición

  • Steve McQueen como Steve Andrews
  • Aneta Corsaut como Jane Martin
  • Earl Rowe como Brian Flagg
  • Olin Howland como Dr. Dave Miller
  • Stephen Chase como Dr. Beaumont
  • John Benson como Dr. Mulrooney

Tripulación

  • Dirigida por Irvin S. Yeaworth Jr.
  • Guión de Irving Block y Jack H. Harris
  • Fotografía de Ellis W. Carter
  • Montaje de Milton Carruth
  • Música compuesta por Ralph Carmichael

Producción

The Blob fue producida por Paramount Pictures y estrenada en Estados Unidos el 12 de septiembre de 1958. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Me casé con un monstruo del espacio exterior (1958)

Me casé con un monstruo del espacio exterior (1958) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1958 dirigida por Gene Fowler Jr. La película está ambientada en un pequeño pueblo estadounidense, donde un hombre se casa con una mujer que resulta ser un extraterrestre.

Parcela

Maggie es una joven que vive en una pequeña ciudad estadounidense. Un día, Maggie conoce a Glenn, un hombre apuesto que le pide que se case con él. Maggie se muestra reacia al principio, pero acaba aceptando la propuesta.

Después de la boda, Maggie empieza a notar que Glenn está cambiando. Se ha vuelto más agresivo y violento, y a menudo tiene arrebatos de ira. Maggie empieza a sospechar que Glenn no es quien dice ser y busca ayuda en un médico.

El doctor descubre que Glenn es en realidad un alienígena que ha adoptado la forma de un hombre. El alienígena ha venido a la Tierra para conquistar el mundo, y ha elegido a Maggie como compañera.

Maggie consigue escapar de Glenn e informar a las autoridades. Glenn es capturado y encarcelado, y la Tierra se salva.

Temas

I Married a Monster from Outer Space es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la amenaza de una guerra nuclear y la naturaleza de la realidad. La película es una alegoría de la sociedad contemporánea, en la que estamos constantemente expuestos a peligros que no podemos comprender.

Fundición

  • Tom Tryon como Glenn
  • Gloria Talbott como Maggie
  • Peter Baldwin como Dr. Mark Wilson
  • Robert Ivers como Dr. John Lawrence
  • Chuck Wassil como Brian Flagg
  • Valerie Allen como Miss Anderson

Tripulación

  • Dirigida por Gene Fowler Jr.
  • Guión de Louis Vittes y Gene Fowler Jr.
  • Fotografía de Ellis W. Carter
  • Montaje de Milton Carruth
  • Música compuesta por Ralph Carmichael

Producción

I Married a Monster from Outer Space fue producida por Universal Pictures y estrenada en Estados Unidos el 10 de septiembre de 1958. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Invasores de Marte (1958)

Invasores de Marte (1958) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1958 dirigida por William Cameron Menzies. La película está ambientada en un pequeño pueblo estadounidense, donde un grupo de alienígenas intenta conquistar el mundo.

Parcela

David es un niño de 10 años que vive con sus padres en una pequeña ciudad estadounidense. Una noche, David ve una luz en el cielo que se posa en el campo que hay detrás de su casa. Al día siguiente, David descubre que su vecino, el Dr. Miles, ha sido sustituido por un alienígena idéntico a él.

David intenta convencer a sus padres de lo que ha visto, pero no le creen. David decide entonces investigar por su cuenta y descubre que los alienígenas están construyendo una nave espacial en el campo que hay detrás de su casa.

David consigue detener a los alienígenas y salvar el mundo, pero el precio es alto: David es el único que recuerda la invasión, y su historia se considera una fantasía.

Temas

Invasores de Marte es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la paranoia y la Guerra Fría. La película es una alegoría del miedo al comunismo, muy extendido en Estados Unidos durante la Guerra Fría.

Fundición

  • Jimmy Hunt como David MacLean
  • Helena Carter como Sra. MacLean
  • Arthur Franz como Dr. Miles
  • Leif Erickson como General Harrington
  • Virginia Christine como Miss Anderson

Tripulación

  • Dirigida por William Cameron Menzies
  • Guión de Richard Blake
  • Fotografía de John F. Seitz
  • Edición de Edward Curtiss
  • Música compuesta por Leith Stevens

Producción

Invasores de Marte fue producida por Twentieth Century-Fox y estrenada en Estados Unidos el 21 de mayo de 1958. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Los niños del espacio (1958)

Los niños del espacio (1958) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1958 dirigida por Jack Arnold. La película está ambientada en una base militar de alto secreto, donde un grupo de niños, que trabajan en un proyecto secreto, entran en contacto con una criatura parecida a un cerebro gigante.

Parcela

Mientras los preparativos para el lanzamiento de un satélite armado con varias cabezas nucleares están en pleno apogeo en una base militar de alto secreto, los hijos de algunos científicos que trabajan en el edificio entran en contacto, en una cueva de la playa cercana, con una criatura parecida a un cerebro gigante.

Los niños, llamados Susan, Bobby, Timmy y Sandy, están fascinados por la criatura, que parece estar dotada de una inteligencia superior. La criatura resulta ser un alienígena que ha viajado por el espacio para llegar a la Tierra.

El alienígena explica a los niños que su planeta ha sido destruido por una guerra nuclear y que está buscando un nuevo lugar donde vivir. Los niños, convencidos de las buenas intenciones del alienígena, le ayudan a escapar de la base militar.

El alienígena, llamado Zor, es capturado por los militares, pero consigue liberarse y escapar al espacio. Zor promete a los niños que volverá para ayudarles a construir un mundo mejor.

Temas

Los niños del espacio es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la guerra nuclear y la esperanza en el futuro. La película es una alegoría de la sociedad contemporánea, en la que estamos constantemente expuestos a peligros que no podemos comprender.

Fundición

  • Jackie Coogan como Joe
  • Sandy Descher como Susan
  • Michel Ray como Bobby
  • Richard Shannon como Timmy
  • Peggy Webber como Sra. Wilson
  • John Crawford como Coronel Wilson

Tripulación

  • Dirigida por Jack Arnold
  • Guión de Bernard C. Schoenfeld
  • Fotografía de Ernest Laszlo
  • Montaje de Milton Carruth
  • Música compuesta por Ralph Carmichael

Producción

Los niños del espacio fue producida por Paramount Pictures y estrenada en Estados Unidos el 25 de junio de 1958. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

La mosca (1958)

La mosca (1958) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror de 1958 dirigida por Kurt Neumann. La película está basada en el cuento La mosca, de George Langelaan, publicado en 1957.

Parcela

André Delambre es un brillante científico que trabaja en un experimento para teletransportar objetos. Un día, mientras realiza un experimento, una mosca entra en la máquina y es teletransportada con él.

El experimento tiene un resultado desastroso: Delambre y la mosca se funden en una sola criatura monstruosa. La criatura, que tiene la cabeza de Delambre y el cuerpo de una mosca, se asquea de su aspecto y comienza a vagar por la ciudad, buscando una forma de curarse.

Mientras tanto, la esposa de Delambre, Helene, descubre lo que le ha ocurrido a su marido. Helene intenta ayudar a Delambre, pero la criatura ya es demasiado peligrosa.

La criatura muere a manos de Helene, que le dispara un cohete con una bazuca. Delambre muere, pero la mosca sobrevive y se va volando.

Temas

La Mosca es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la ciencia fuera de control y la naturaleza humana. La película es una alegoría del miedo a la muerte y la transformación.

Fundición

  • Vincent Price como André Delambre
  • Patricia Owens como Helene Delambre
  • Herbert Marshall como Dr. Pierre Delambre
  • Kathleen Freeman como Sra. Plunkett
  • Charles Herbert como Philippe Delambre

Tripulación

  • Dirigida por Kurt Neumann
  • Guión de James Clavell y James Blish
  • Fotografía de Karl Struss
  • Edición de Gene Milford
  • Música compuesta por Paul Sawtell

Producción

La Mosca fue producida por Twentieth Century-Fox y estrenada en Estados Unidos el 16 de julio de 1958. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de terror de ciencia ficción.

La invención para la destrucción (1958)

La invención para la destrucción (1958 ) (Vynález zkázy) es una película checoslovaca de ciencia ficción de 1958 dirigida por Karel Zeman. La película está basada en la novela Face au drapeau (Frente a la bandera) de Julio Verne, publicada en 1888.

Parcela

En 1860, el profesor Roch y su ayudante Hart desarrollan un explosivo tan potente que podría sustituir la energía obtenida del petróleo y el carbón. El conde Artigas intenta apoderarse del material y secuestra a los dos en una isla volcánica.

Los tres se ven obligados a trabajar para el conde, que pretende utilizar el explosivo para dominar el mundo. Roch, sin embargo, se indigna por el uso que el conde pretende hacer de su invento y decide huir.

El conde Artigas persigue a Roch y Hart, pero ambos consiguen escapar y destruir el explosivo. El mundo se salva y Roch y Hart por fin pueden volver a casa.

Temas

La invención para la destrucción es una película que explora los temas del miedo a la guerra, la investigación científica fuera de control y la naturaleza humana. La película es una alegoría de la Guerra Fría, en la que las dos superpotencias, Estados Unidos y la Unión Soviética, se enzarzan en una carrera armamentística.

Fundición

  • Zdeněk Štěpánek como Profesor Roch
  • František Filipovský como Hart
  • Rudolf Hrušínský como Conde Artigas
  • Jan Werich como Sir Francis Drake
  • Jiří Vršťala como marinero

Tripulación

  • Dirigida por Karel Zeman
  • Guión de Karel Zeman y Jiří Brdečka
  • Fotografía de Jaroslav Kučera
  • Montaje de Karel Prokop
  • Música compuesta por Zdeněk Liška

Producción

La invención para la destrucción fue producida por el estudio Filmové Barrandov y estrenada en Checoslovaquia el 27 de junio de 1958. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine checoslovaco de ciencia ficción.

Nebo Zovyot (1959)

Nebo Zovyot (1959) es una película soviética de ciencia ficción dirigida por Aleksandr Kozyr y Michail Karyukov. La película está basada en la novela El planeta desconocido (1957) de Arkady y Boris Strugatsky.

Parcela

En 2050, una expedición soviética de exploración espacial llega a Marte. Los astronautas descubren que el planeta está habitado por una civilización alienígena en peligro de extinción debido a una erupción volcánica.

Los astronautas soviéticos colaboran con los alienígenas para evacuar a la población de Marte. La misión es un éxito y los alienígenas se instalan en la Tierra.

Temas

Nebo Zovyot es una película que explora los temas de la cooperación internacional, la investigación científica y la esperanza. La película es una alegoría de la carrera espacial, en la que las dos superpotencias, la Unión Soviética y Estados Unidos, están unidas por un objetivo común.

Fundición

  • Vladimir Yemelyanov como Comandante Yuri Denisov
  • Yelena Kuzmina como Svetlana Petrova
  • Yevgeny Samoylov como Profesor Ivan Kozlov
  • Yevgeny Yevstigneyev como Dr. Vladimir Grigoriev
  • Svetlana Svetlichnaya como Nadezhda Ivanova

Tripulación

  • Dirigida por Aleksandr Kozyr y Michail Karyukov
  • Guión de Aleksandr Kozyr y Michail Karyukov, basado en la novela de Arkady y Boris Strugatsky
  • Fotografía de Nikolai Kulchitsky
  • Edición de Yevgeny Semenov
  • Música compuesta por Oleg Karavaychuk

Producción

Nebo Zovyot fue producida por Mosfilm y estrenada en la Unión Soviética el 22 de diciembre de 1959. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine soviético de ciencia ficción.

Viaje al centro de la Tierra (1959)

Viaje al centro de la Tierra (1959) es una película de ciencia ficción dirigida por Henry Levin y producida por Charles Brackett. La película está basada en la novela homónima de Julio Verne, publicada en 1864.

Parcela

El profesor Lindenbrook, un reputado geólogo, recibe una carta de un antiguo alumno, Arne Saknussemm, que afirma haber encontrado un pasadizo que conduce al centro de la Tierra. Lindenbrook, junto con su sobrino Alec y una joven viuda llamada Carla, parte hacia Islandia para encontrar la entrada al pasadizo.

Los tres consiguen encontrar la entrada y se adentran en el subsuelo, donde descubren un mundo extraordinario, poblado por dinosaurios, volcanes activos y otras maravillas naturales.

Temas

Viaje al centro de la Tierra es una película que explora los temas de la aventura, el descubrimiento y el asombro. La película es una alegoría del viaje del hombre para descubrirse a sí mismo y al mundo que le rodea.

Fundición

  • James Mason como Profesor Lindenbrook
  • Pat Boone como Alec McEwen
  • Arlene Dahl como Carla
  • Thayer David como Hans Bjelke
  • Peter Ronson como Olaf

Tripulación

  • Dirigida por Henry Levin
  • Guión de Charles Brackett, basado en la novela de Julio Verne
  • Fotografía de Harold Rosson
  • Edición de Gene Milford
  • Música compuesta por Bernard Herrmann

Producción

Viaje al centro de la Tierra fue producida por 20th Century Fox y estrenada en Estados Unidos el 16 de diciembre de 1959. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

Películas de ciencia ficción de los años 60

En los años 60, gracias también a movimientos como la Nouvelle Vague francesa, el cine de ciencia ficción es utilizado por muchos directores-autores para hacer su cine de autor. Se trata de películas completamente diferentes a las de los años 50, en las que los efectos especiales y el componente escenográfico espectacular son completamente secundarios, por no decir totalmente ausentes.

La máquina del tiempo (1960)

La máquina del tiempo (1960) es una película británica de ciencia ficción dirigida por George Pal. La película está basada en la novela homónima de H. G. Wells, publicada en 1895.

Parcela

En 1899, el profesor George Wells inventa una máquina del tiempo que le permite viajar al futuro. Wells viaja al año 802.701, donde descubre un mundo completamente distinto del que conoce.

El mundo del futuro está habitado por dos razas: los Eloi, una población pacífica y decadente, y los Morlocks, una raza de criaturas subterráneas que se alimentan de los Eloi.

Wells se ve atrapado en una lucha entre las dos razas y debe encontrar la forma de volver a su propio tiempo.

Temas

La máquina del tiempo es una película que explora los temas de la sociedad, la tecnología y el progreso. La película es una reflexión sobre el futuro de la humanidad y el papel de la tecnología en nuestras vidas.

Fundición

  • Rod Taylor como Profesor George Wells
  • Yvette Mimieux como Weena
  • Alan Young como Filby
  • Sebastian Cabot como Robbins
  • Whit Bissell como David Filby

Tripulación

  • Dirigida por George Pal
  • Guión de David Duncan, basado en la novela de H. G. Wells
  • Fotografía de Paul Beeson
  • Montaje de Ernest Walter
  • Música compuesta por Russell Garcia

Producción

La máquina del tiempo fue producida por Metro-Goldwyn-Mayer y estrenada en Estados Unidos el 20 de diciembre de 1960. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

El pueblo de los malditos (1960)

El pueblo de los malditos (1960) es una película británica de ciencia ficción dirigida por Wolf Rilla. La película está basada en la novela The Midwich Cuckoos (1957) de John Wyndham.

Parcela

Un día, en el pequeño pueblo inglés de Midwich, todos los habitantes pierden el conocimiento durante varias horas. Cuando despiertan, descubren que diez mujeres están embarazadas.

Los niños nacen todos el mismo día y parecen normales, pero pronto empiezan a mostrar un comportamiento extraño y peligroso.

Temas

Village of the Damned es una película que explora los temas del miedo, el control y la naturaleza humana. La película es una alegoría de la amenaza que supone el progreso científico y tecnológico.

Fundición

  • George Sanders como Dr. Gordon Zellaby
  • Barbara Shelley como Susan Zellaby
  • Martin Stephens como David Zellaby
  • Michael Gwynn como Dr. Bernard Colley
  • Laurence Naismith como Dr. Ralph Mander

Tripulación

  • Dirigida por Wolf Rilla
  • Guión de Stirling Silliphant, basado en la novela de John Wyndham
  • Fotografía de Reginald H. Wyer
  • Edición de Anthony Harvey
  • Música compuesta por Malcolm Arnold

Producción

Village of the Damned fue producida por MGM y estrenada en Estados Unidos el 22 de diciembre de 1960. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

La Jetée (1962)

La Jetée (1962) es un cortometraje de ciencia ficción dirigido por Chris Marker. La película es una alegoría de la guerra y la memoria.

Parcela

En un futuro postapocalíptico, un hombre es el único superviviente de una pandemia que ha acabado con la mayor parte de la población mundial. El hombre es sometido a un experimento que le permite viajar en el tiempo, y es enviado al pasado para recuperar una muestra de un virus que podría utilizarse para curar la pandemia.

Temas

La Jetée es una película que explora los temas de la guerra, la memoria y la esperanza. La película es una alegoría de la esperanza en un futuro mejor, incluso en un mundo devastado por la guerra.

Fundición

  • Jean Négroni como el hombre
  • Hélène Chatelain como la mujer

Tripulación

  • Dirigida por Chris Marker
  • Guión de Chris Marker
  • Fotografía de Pierre Lhomme
  • Montaje de Pierre Lhomme
  • Música compuesta por Maurice Jarre

Producción

La Jetée fue producida por Anatole Dauman para Argos Films. La película se rodó en blanco y negro, utilizando una técnica fotográfica llamada «fotomontaje», que consiste en combinar imágenes fijas para crear una ilusión de movimiento.

El día de los trífidos (1962)

El día de los trífidos (1962) es una película de ciencia ficción dirigida por Steve Sekely y, sin acreditar, Freddie Francis. Protagonizada por Howard Keel y Nicole Maurey, la película se basa libremente en la novela El día de los trífidos, de John Wyndham.

Parcela

Una noche, la Tierra sufre una lluvia de meteoritos de proporciones extraordinarias. Al día siguiente, todos los que lo miraron están cegados. Además, por todo el mundo se extienden semillas de trífidos, plantas que pueden desprenderse del suelo y atacar y alimentarse de carne humana.

Un pequeño grupo de supervivientes, entre los que se encuentra una mujer ciega llamada Susan, se refugia en una casa de campo. Juntos, deben encontrar la manera de sobrevivir a la invasión de los trífidos.

Temas

El día de los trífidos es una película que explora los temas del miedo, el terror y la supervivencia. La película es una alegoría de la amenaza que suponen la naturaleza salvaje y lo desconocido.

Fundición

  • Howard Keel como Bill Masen
  • Nicole Maurey como Susan Chiltern
  • Kieron Moore como Gordon Zellaby
  • Janina Faye como Rosalind Parnell
  • Mervyn Johns como Tom Parnell

Tripulación

  • Dirigida por Steve Sekely y Freddie Francis
  • Guión de John Wyndham, basado en su novela
  • Fotografía de Reginald H. Wyer
  • Edición de Anthony Harvey
  • Música compuesta por Malcolm Arnold

Producción

El día de los trífidos fue producida por Allied Artists Pictures Corporation y estrenada en Estados Unidos el 25 de octubre de 1962. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

La décima víctima (1965)

La décima víctima (1965) es una película de ciencia ficción dirigida por Elio Petri. La película es una alegoría de la sociedad de consumo y la violencia.

Parcela

En un futuro próximo, se ha abolido la guerra y se ha legalizado la violencia en una especie de juego de caza humana. Los participantes, llamados «cazadores» y «víctimas», se eligen en función de un índice de peligrosidad.

Marcello, un joven, es un cazador de éxito. Su próxima víctima es Caroline, una mujer estadounidense que ya ha matado a nueve hombres.

Marcello y Caroline se encuentran en Roma y comienzan un juego de seducción y suspense. Marcello está fascinado por Caroline, pero también está decidido a matarla.

Temas

La 10ª víctima es una película que explora los temas de la violencia, la sociedad de consumo y el control social. La película es una crítica de la sociedad moderna, que siempre busca nuevos estímulos y emociones fuertes.

Fundición

  • Marcello Mastroianni como Marcello
  • Ursula Andress como Caroline
  • Elsa Martinelli como Anna
  • Renato Salvatori como Bruno
  • Jean-Pierre Moulin como Pierre

Tripulación

  • Dirigida por Elio Petri
  • Guión de Ugo Pirro y Elio Petri, basado en el relato The Seventh Victim de Robert Sheckley.
  • Fotografía de Marcello Gatti
  • Montaje de Ruggero Mastroianni
  • Música compuesta por Ennio Morricone

Producción

The 10th Victim fue producida por Dino De Laurentiis y estrenada en Estados Unidos el 14 de enero de 1966. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine de ciencia ficción.

El planeta de los vampiros (1965)

El planeta de los vampiros (1965) es una película de ciencia ficción dirigida por Mario Bava. La película es una alegoría del miedo y la locura.

Parcela

Dos naves espaciales, la Galliot y la Argos, se dirigen a un planeta desconocido y deshabitado. Las dos naves reciben una llamada de socorro de Aura, un planeta que parece desierto y muerto.

Las tripulaciones de las dos naves deciden aterrizar en Aura para investigar. Sin embargo, pronto descubren que el planeta está habitado por criaturas alienígenas que matan uno a uno a los miembros de la tripulación.

Temas

El planeta de los vampiros es una película que explora los temas del miedo, la locura y la supervivencia. La película es una alegoría del miedo a lo desconocido y de la amenaza que supone el alienígena.

Fundición

  • Barry Sullivan como Bill Masen
  • Norma Bengell como Susan Chiltern
  • Angel Aranda como Mark
  • Evi Marandi como Alice
  • Massimo Righi como Tom Parnell

Tripulación

  • Dirigida por Mario Bava
  • Guión de Mario Bava y Marcello Coscia
  • Fotografía de Mario Bava
  • Montaje de Luigi Rovere
  • Música compuesta por Roberto Nicolosi

Producción

Planet of the Vampires fue producida por Dino De Laurentiis y estrenada en Estados Unidos el 15 de septiembre de 1965. La película fue un éxito comercial y de crítica, y se considera un clásico del cine italiano de ciencia ficción.

Alphaville (1965)

Alphaville: Una extraña aventura de Lemmy Caution(en francés: Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution) es una película neo-noir de ciencia ficción de la Nouvelle Vague francesa de 1965 dirigida por Jean-Luc Godard. Está protagonizada por Eddie Constantine, Anna Karina, Howard Vernon y Akim Tamiroff. La película ganó el Oso de Oro del 15º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1965. Alphaville combina los géneros de la ciencia ficción distópica y el cine negro.

Parcela

En un futuro en el que un ordenador llamado Alpha 60 controla todos los aspectos de la vida humana, un agente secreto llamado Lemmy Caution es enviado a la ciudad de Alphaville para rescatar al profesor Von Braun, el hombre que creó Alpha 60. En su búsqueda, Lemmy cuenta con la ayuda de Natacha, la hija de Von Braun.

Temas

Alphaville es una película que explora los temas de la tecnología, la libertad y el amor. La película es una advertencia sobre los peligros de una sociedad controlada por máquinas.

Fundición

  • Eddie Constantine como Lemmy Caution
  • Anna Karina como Natacha von Braun
  • Howard Vernon como Von Braun
  • Akim Tamiroff como Henri Dickson
  • Michel Delahaye como ayudante de Von Braun
  • Jean-Pierre Léaud como Profesor Jeckell
  • Jean-André Fieschi como Profesor Heckell
  • Christa Lang como 1ª seductora
  • Valérie Boisgel como 2ª seductora

Tripulación

  • Dirigida por Jean-Luc Godard
  • Guión de Jean-Luc Godard
  • Fotografía de Raoul Coutard
  • Montaje de Jean-Pierre Beauviller
  • Música compuesta por Paul Misraki

Producción

Alphaville fue producida por Argos Films y distribuida por United Artists. La película se rodó en París.

Fahrenheit 451 (1966)

https://youtu.be/FUQthEm1G3M?si=15F1a-DHDc3Z_pRz

Fahrenheit 451 es una película de ciencia ficción distópica de 1966 dirigida por François Truffaut, basada en la novela homónima de Ray Bradbury. La película está protagonizada por Oskar Werner, Julie Christie, Cyril Cusack y Anton Diffring.

Parcela

En un futuro en el que los libros están prohibidos y los «bomberos» queman todos los que encuentran, Guy Montag es un bombero que empieza a cuestionarse su trabajo y el mundo que le rodea. Cuando conoce a una joven que le anima a pensar por sí mismo, empieza a rebelarse contra el sistema.

Temas

Fahrenheit 451 es una película que explora los temas de la censura, la libertad de pensamiento y la importancia de la literatura. La película es una advertencia sobre los peligros de una sociedad que suprime el conocimiento y el pensamiento crítico.

Fundición

  • Oskar Werner como Guy Montag
  • Julie Christie como Clarisse McClellan
  • Cyril Cusack como Capitán Beatty
  • Anton Diffring como Jefe Randall
  • Jeremy Spenser como Jim
  • Bee Duffell como Helen Montag
  • Alex Scott como Negro
  • Ann Bell como Sra. Black

Tripulación

  • Dirigida por François Truffaut
  • Guión de François Truffaut y Helen Scott, basado en la novela de Ray Bradbury
  • Fotografía de Nicolas Hayer
  • Montaje de Henri Colpi
  • Música compuesta por Joseph Kosma

Producción

Fahrenheit 451 fue producida por Coproduction Les Films du Carrosse y Anglo-EMI Films Ltd. La película se rodó en Inglaterra, incluidos los estudios Shepperton.

Viaje fantástico (1966)

Fantastic Voyage (1966) es una película de ciencia ficción dirigida por Richard Fleischer. La película está basada en la novela homónima de Isaac Asimov.

Parcela

Un equipo de científicos, acompañados por un agente del FBI, se miniaturiza e inyecta en el cuerpo de un enfermo de cáncer para operar una embolia. La operación es un éxito, pero los científicos se encuentran atrapados dentro del cuerpo del hombre, donde deben enfrentarse a una serie de retos para sobrevivir.

Temas

Fantastic Voyage es una película que explora los temas de la ciencia, la tecnología y la naturaleza humana. La película es una alegoría del miedo a lo desconocido y de la amenaza que supone el alienígena.

Fundición

  • Raquel Welch como Cora Peterson
  • Stephen Boyd como Grant Nelson
  • Edmond O’Brien como Charles Grant
  • Arthur O’Connell como William Randolph
  • William Redfield como Arthur Kennedy
  • Arthur Kennedy como Thomas Morgan
  • Jean Del Val como Henri Dickson
  • Barry Coe como Ken Scott
  • Ken Scott como Barry Coe

Tripulación

  • Dirigida por Richard Fleischer
  • Guión de Harry Kleiner, basado en la novela de Isaac Asimov
  • Fotografía de L.B. Abbott, Art Cruickshank, Emil Kosa Jr.
  • Edición de Robert Swink
  • Música compuesta por Leonard Rosenman

Producción

Fantastic Voyage fue producida por 20th Century Fox. La película se rodó en Los Ángeles, California.

Cinco millones de años para la Tierra (1967)

Cinco millones de años para la Tierra (1967) es una película británica de ciencia ficción dirigida por Roy Ward Baker. La película está basada en la serie de televisión de la BBC del mismo nombre de 1958.

Parcela

Durante las excavaciones del metro de Londres, se descubren misteriosas calaveras de poder oscuro. Cuando la excavación se abre al público, se genera una epidemia que posee y corrompe las almas. El profesor Quatermass, experto en astrofísica, es llamado para investigar el misterio.

Temas

Cinco millones de años para la Tierra es una película que explora los temas del miedo a lo desconocido, la amenaza alienígena y la naturaleza humana. La película es una alegoría del conflicto entre el bien y el mal.

Fundición

  • Andrew Keir como Profesor Quatermass
  • Barbara Shelley como Barbara Judd
  • James Donald como Matthew Roney
  • Julian Glover como Victor Carroon
  • Bryan Marshall como Brian Bott
  • Duncan Lamont como Alan Yates
  • Peter Copley como Gordon Briscoe
  • Edwin Richfield como Sir Lionel Jeffries
  • Grant Taylor como Sir Reginald Hood

Tripulación

  • Dirigida por Roy Ward Baker
  • Guión de Nigel Kneale, basado en la serie de televisión del mismo nombre
  • Fotografía de Arthur Grant
  • Edición de John Jympson
  • Música compuesta por Tristram Cary

Producción

Cinco millones de años para la Tierra fue producida por Hammer Films y distribuida por Columbia Pictures. La película se rodó en Londres, Inglaterra.

Te quiero, te quiero (1968)

Je t’aime, je t’aime – Anatomía de un suicidio (1968) es una película francesa de culto de ciencia ficción dirigida por Alain Resnais. La película está protagonizada por Claude Rich, Olga Georges-Picot y Anouk Ferjac.

Parcela

Claude Ridder es un hombre que ha intentado suicidarse. Tras ser rescatado, es reclutado por un equipo de científicos para un experimento de viaje en el tiempo. El experimento tiene éxito, pero algo sale mal y Claude se encuentra atrapado en su pasado, donde se ve obligado a revivir fragmentos de sus recuerdos en un orden desordenado.

Temas

Je t’aime, je t’aime – Anatomía de un suicidio es una película que explora los temas de la memoria, la identidad y el tiempo. La película es una reflexión sobre la naturaleza de la memoria y la posibilidad de cambiar el pasado.

Fundición

  • Claude Rich como Claude Ridder
  • Olga Georges-Picot como Anne
  • Anouk Ferjac como Marie
  • Van Doude como Van Doude
  • Jean-Pierre Cassel como Jean-Pierre Cassel
  • Bernard Fresson como Bernard Fresson
  • Françoise Fabian como Françoise Fabian
  • Jean-Pierre Léaud como Jean-Pierre Léaud
  • Anna Karina como Anna Karina

Tripulación

  • Dirigida por Alain Resnais
  • Guión de Alain Resnais y Gérard Brach
  • Fotografía de Sacha Vierny
  • Montaje de Alain Resnais
  • Música compuesta por Krzysztof Penderecki

Producción

Je t’aime, je t’aime – Anatomía de un suicidio fue producida por Argos Films y Ciné-Alliance. La película se rodó en París, Francia.

Barbarella (1968)

Barbarella (1968) es una película francesa de ciencia ficción dirigida por Roger Vadim y protagonizada por Jane Fonda. La película está basada en la serie de cómics homónima de Jean-Claude Forest.

Parcela

En el año 40.000, Barbarella, una agente especial del gobierno de la Tierra, es enviada al planeta Eros para encontrar a Durand Durand, un científico desaparecido que ha creado un arma de destrucción masiva. Durante su viaje, Barbarella se encuentra con una serie de personajes excéntricos y peligrosos, entre ellos Dildano, un revolucionario, y la Reina Negra, una déspota.

Temas

Barbarella es una película que explora los temas de la sexualidad, la libertad y el poder. La película es una sátira de la sociedad contemporánea y sus valores.

Fundición

  • Jane Fonda como Barbarella
  • John Phillip Law como Durand Durand
  • Anita Pallenberg como la Reina Negra
  • Milo O’Shea como Dildano
  • Marcel Marceau como Profesor Ping
  • Claude Dauphin como Presidente
  • Ugo Tognazzi como el Gobernador

Tripulación

  • Dirigida por Roger Vadim
  • Guión de Terry Southern y Roger Vadim
  • Fotografía de Claude Renoir
  • Montaje de Henri Colpi
  • Música compuesta por David Whitaker

Producción

Barbarella fue producida por Dino De Laurentiis. La película se rodó en Italia y Francia.

El planeta de los simios (1968)

El planeta de los simios (1968) es una película estadounidense de ciencia ficción de 1968 dirigida por Franklin J. Schaffner y protagonizada por Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter, Maurice Evans y James Franciscus.

Parcela

En 2001, una misión espacial estadounidense se estrella en un planeta desconocido. Los astronautas se encuentran en un mundo gobernado por simios inteligentes, que tratan a los humanos como animales.

Temas

El Planeta de los Simios es una película que explora los temas de la naturaleza humana, la sociedad y la tecnología. La película es una reflexión sobre la posibilidad de que el ser humano se convierta en esclavo de sus propias creaciones.

Fundición

  • Charlton Heston como George Taylor
  • Roddy McDowall como Cornelius
  • Kim Hunter como Zira
  • Maurice Evans como Dr. Zaius
  • James Franciscus como Landon
  • Linda Harrison como Nova
  • Murray Hamilton como Brent
  • Jeff Corey como Dodge
  • Lou Wagner como Stewart

Tripulación

  • Dirigida por Franklin J. Schaffner
  • Guión de Pierre Boulle y Michael Wilson
  • Fotografía de Leon Shamroy
  • Edición de Donn Cambern
  • Música compuesta por Jerry Goldsmith

Producción

El planeta de los simios fue producida por Arthur P. Jacobs. La película se rodó en México.

2001: Una odisea del espacio (1968)

2001: Una odisea del espacio (1968) es una película de culto de ciencia ficción de 1968 dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Keir Dullea y Gary Lockwood.

Parcela

En el año 2001, una misión espacial estadounidense viaja a Júpiter para investigar un monolito negro, un misterioso objeto alienígena que ha sido descubierto en la Luna. Durante el viaje, HAL 9000, la inteligencia artificial de la nave espacial Discovery One, se vuelve sensible y comienza a sabotear la misión.

Temas

2001: Una odisea del espacio es una película que explora los temas del origen de la vida, la evolución de la humanidad y la relación entre el hombre y la máquina. La película es una reflexión sobre la naturaleza de la realidad y el lugar del hombre en el universo.

Fundición

  • Keir Dullea como David Bowman
  • Gary Lockwood como Frank Poole
  • William Sylvester como Dr. Heywood Floyd
  • HAL 9000 como HAL 9000

Tripulación

  • Dirigida por Stanley Kubrick
  • Guión de Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke
  • Fotografía de Geoffrey Unsworth
  • Edición de Ray Lovejoy
  • Música compuesta por György Ligeti y Richard Strauss

Producción

2001: Una odisea del espacio fue producida por Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke. La película se rodó en el Reino Unido y Estados Unidos: es un clásico del cine de ciencia ficción. La película fue un éxito comercial y de crítica, y ha tenido un impacto significativo en la cultura popular.

2001: Una odisea del espacio es una película fascinante que invita a la reflexión. La película es una experiencia cinematográfica única que deja una impresión duradera.

Consulte

2001: Una odisea del espacio es una película visualmente impresionante e intelectualmente estimulante. La película es una cita ineludible para los aficionados al cine y a la ciencia ficción.

Más información

  • La película está basada en la novela homónima de Arthur C. Clarke, publicada en 1968.
  • La película fue un éxito comercial y de crítica, y fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluido el de mejor película.
  • La película ha dado lugar a una exitosa franquicia que incluye secuelas, precuelas, remakes y series de televisión.

2001: Una odisea del espacio es una película que ha dejado una huella indeleble en la historia del cine. La película es una obra de gran ambición y complejidad, que sigue siendo apreciada y discutida por generaciones de espectadores.

Películas de ciencia ficción de los años 70

Sin brizna de hierba (1970)

No Blade of Grass es una película de ciencia ficción postapocalíptica de 1970 dirigida por Cornel Wilde y protagonizada por Nigel Davenport, Jean Wallace y John Hamill. La película es una adaptación de la novela de John Christopher La muerte de Grass (1956) y sigue a los supervivientes de una plaga que azota Londres en un futuro no muy lejano. Cuando Londres se ve desbordada por los disturbios alimentarios provocados por una hambruna mundial, un hombre intenta poner a salvo a su familia en un remoto valle de Westmorland.

La película fue un fracaso comercial y de crítica en su estreno, pero desde entonces ha ganado seguidores de culto. Es elogiada por su descripción sombría y realista de un mundo postapocalíptico y su exploración de temas como la supervivencia, la familia y la condición humana.

Parcela

En un futuro no muy lejano, una plaga ha acabado con todas las formas de hierba, incluidos el trigo y el arroz. Esto ha provocado una hambruna mundial, y Londres está sumida en el caos. Las calles se llenan de disturbios y saqueos, y el gobierno es incapaz de mantener el orden.

John Custance (Nigel Davenport), un antiguo profesor, decide llevar a su familia a la vieja granja de su padre en Westmorland, donde cree que estarán a salvo del caos y el hambre de la ciudad. Por el camino, deben enfrentarse a despiadadas bandas de moteros que quieren violarles y asesinarles, pero también a gente normal y corriente, antaño civilizados como ellos, que están dispuestos a hacer lo que haga falta para sobrevivir.

Temas

No Blade of Grass es una película que explora los temas de la supervivencia, la familia y la condición humana. Muestra de lo que son capaces las personas cuando se las lleva al límite, y nos pide que nos preguntemos qué estaríamos dispuestos a hacer para sobrevivir.

Actuaciones

Nigel Davenport interpreta con solidez a John Custance, un hombre decidido a proteger a su familia a toda costa. Jean Wallace también está bien como Ann Custance, la esposa de John, que es una mujer fuerte e ingeniosa.

Dirección

Cornel Wilde dirige la película con una mirada sombría y realista. Capta el caos y la desesperación del mundo postapocalíptico, y nunca rehúye mostrar el lado oscuro de la naturaleza humana.

El hombre Omega (1971)

El hombre Omega (1971) es una película de culto de ciencia ficción postapocalíptica dirigida por Boris Sagal y protagonizada por Charlton Heston. La película es una adaptación de la novela de Richard Matheson Soy leyenda (1954).

Parcela

En un futuro no muy lejano, una guerra bacteriológica ha acabado con la mayor parte de la humanidad y ha convertido a los supervivientes en vampiros que se alimentan de sangre. Robert Neville (Charlton Heston), un antiguo médico militar, es el único hombre inmune al virus. Vive en un Los Ángeles abandonado y se dedica a luchar contra los vampiros.

Temas

The Omega Man es una película que explora los temas de la supervivencia, la soledad y la esperanza. Muestra de lo que son capaces las personas cuando se las pone a prueba y nos pide que nos cuestionemos el sentido de la vida.

Actuaciones

Charlton Heston hace una interpretación memorable de Robert Neville. Es un hombre decidido y valiente, pero también frágil y vulnerable.

Dirección

Boris Sagal dirige la película con una mirada oscura y atmosférica. Crea una atmósfera de suspense y terror que capta a la perfección el aislamiento y la desesperación del protagonista.

La cepa de Andrómeda (1971)

The Andromeda Strain (1971) es una película estadounidense de suspense y ciencia ficción dirigida por Robert Wise y protagonizada por Arthur Hill, James Olson, Kate Reid y Paula Kelly. La película está basada en la novela homónima de Michael Crichton de 1969.

Parcela

Un satélite se estrella en un pequeño pueblo de Arizona y todos sus habitantes aparecen muertos. Un equipo de científicos es enviado a investigar, y descubren que la causa de las muertes es un virus extraterrestre mortal llamado Andrómeda. El virus es altamente contagioso y letal, y podría acabar con toda la humanidad.

Los científicos deben emprender una carrera contrarreloj para contener el virus y desarrollar una cura. Trabajan aislados en un laboratorio de alta seguridad y están sometidos a la presión constante del gobierno y los militares.

Temas

The Andromeda Strain es una película sobre los peligros de la ciencia y la tecnología. Demuestra lo fácil que puede salir algo mal cuando los científicos no tienen cuidado, y plantea la cuestión de si deberíamos o no manipular cosas que no comprendemos del todo.

La película también trata de la importancia de la cooperación y el trabajo en equipo. Los científicos deben dejar a un lado sus diferencias personales y trabajar juntos si quieren salvar a la humanidad.

Actuaciones

Arthur Hill realiza una gran interpretación del Dr. Jeremy Stone, el líder del equipo científico. James Olson también está bien en el papel del Dr. Michael Buchanan, un joven y ambicioso científico.

Dirección

Robert Wise dirige la película con una mirada llena de suspense y atmósfera. Crea una sensación de urgencia y peligro, y mantiene al público en vilo.

THX 1138 (1971)

THX 1138 (1971) es una película de ciencia ficción distópica dirigida por George Lucas, su debut como director. La película es una adaptación de la película estudiantil de Lucas de 1967 Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB.

Parcela

En un futuro no muy lejano, la humanidad vive en una sociedad totalitaria en la que todos los aspectos de la vida están controlados por el gobierno. Se identifica a las personas mediante una identificación numérica y se las somete a un régimen de control mental que las hace dóciles y obedientes.

THX 1138 (Robert Duvall), un trabajador de una fábrica de robots, empieza a cuestionar el sistema. Se enamora de LUH 3417 (Maggie McOmie), otra trabajadora, y empieza a experimentar emociones prohibidas por el gobierno.

THX es descubierto y condenado a muerte. Escapa de la cárcel y se refugia en un mundo subterráneo de rebeldes.

Temas

THX 1138 es una película que explora los temas de la libertad, la represión y la naturaleza humana. Muestra cómo las personas pueden ser controladas y manipuladas por el poder y cómo la libertad de pensamiento y expresión es esencial para ser humano.

Actuaciones

Robert Duvall realiza una gran interpretación de THX 1138, un hombre que busca la libertad y el amor. Maggie McOmie también está bien en el papel de LUH 3417, una mujer dispuesta a arriesgarlo todo por amor.

Dirección

George Lucas dirige la película con una mirada oscura y atmosférica. Crea una atmósfera de opresión y represión que capta a la perfección el mundo distópico en el que vive THX.

Sleeper (1971)

Sleeper (1973) es una comedia de ciencia ficción dirigida por Woody Allen. La película está protagonizada por Woody Allen, Diane Keaton, John Beck, Mary Gregory y Don Keefer.

Parcela

En un futuro no muy lejano, la medicina ha realizado extraordinarios progresos, haciendo que la vida de las personas sea más sana, más larga y más cómoda. Sin embargo, estos avances también han dado lugar a una sociedad muy controlada y conformista, en la que se anima a la gente a vivir una vida de inactividad y consumo.

Miles Monroe (Woody Allen), un hombre del siglo XX, es congelado en animación suspendida en 1973 y despertado en 2173. Miles se encuentra en un mundo completamente distinto del que conocía y debe adaptarse a una sociedad que no comprende.

Temas

Sleeper es una película que explora los temas de la libertad, la conformidad y la tecnología. La película muestra cómo la tecnología puede utilizarse para controlar a las personas y cómo el conformismo puede ahogar la creatividad y la individualidad.

Actuaciones

Woody Allen hace una interpretación memorable de Miles Monroe, un hombre que busca la libertad y la individualidad. Diane Keaton también está bien como Luna Schlosser, una mujer que ayuda a Miles a adaptarse a su nuevo mundo.

Dirección

Woody Allen dirige la película con una mirada irónica y satírica. La película está llena de chistes y situaciones cómicas, pero también de momentos que invitan a la reflexión.

Solaris (1972)

Solaris (1972) es una película soviética de ciencia ficción dirigida por Andrei Tarkovsky y protagonizada por Donatas Banionis y Natalya Bondarchuk. La película es una adaptación de la novela homónima de 1961 de Stanisław Lem.

Parcela

El psicólogo Kris Kelvin (Donatas Banionis) es enviado a una estación espacial que orbita alrededor del planeta Solaris, cubierto por un misterioso océano. La estación es un caos debido al comportamiento de la tripulación, que se ve acechada por representaciones materializadas de sus más profundos remordimientos y temores.

Kelvin pronto descubre que también a él le persigue una figura de su pasado, su difunta esposa Hari (Natalya Bondarchuk). Hari es una réplica perfecta de su esposa, pero también es una proyección de su propia culpa y autodesprecio.

Kelvin debe enfrentarse a sus propios demonios para salvarse a sí mismo y a la estación.

Temas

Solaris es una película que explora los temas de la memoria, la culpa y la naturaleza de la realidad. La película nos pide que nos preguntemos qué es real y qué no lo es, y sugiere que nuestras propias mentes pueden ser los lugares más peligrosos a los que podemos ir.

Actuaciones

Donatas Banionis interpreta a Kris Kelvin, un hombre atormentado por su pasado. Natalya Bondarchuk también está bien como Hari, una figura compleja y enigmática.

Dirección

Andrei Tarkovsky dirige esta película de arte y ensayo con un ritmo lento e hipnótico, creando una de las mayores obras maestras del cine de ciencia ficción.

Soylent Green (1973)

Soylent Green (1973) es una película dramática de ciencia ficción distópica dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Charlton Heston, Edward G. Robinson, Chuck Connors, Leigh Taylor-Young y Joseph Cotten. La película está basada en la novela de 1966 de Harry Harrison ¡Hagan sitio! ¡Hagan sitio!.

Parcela

En 2022, la Tierra es un planeta superpoblado y contaminado. Los alimentos son escasos y caros, y la mayoría de la población subsiste a base de barras de comida procesada llamadas «Soylent Green».

Thorn (Charlton Heston), un detective de la policía, investiga el asesinato de Simonson, un alto ejecutivo de la Soylent Corporation. Su investigación le lleva a descubrir un espeluznante secreto: Soylent Green está hecho de personas.

Temas

Soylent Green es una película que explora los temas de la superpoblación, la contaminación, el hambre y la desigualdad social. La película es una advertencia sobre los peligros del abuso de poder y de la tecnología.

Actuaciones

Charlton Heston hace una gran interpretación de Thorn, un hombre decidido a descubrir la verdad. Edward G. Robinson también está bien como Simonson, un hombre que representa la maldad del mundo en el que vive.

Dirección

Richard Fleischer dirige la película con un tono oscuro e inquietante. Crea una atmósfera de opresión y desesperación que capta a la perfección el mundo distópico en el que vive Thorn.

Westworld (1973)

Westworld (1973) es una película de ciencia ficción dirigida por Michael Crichton y protagonizada por Yul Brynner, Richard Benjamin y James Brolin. La película está basada en el relato homónimo de Crichton de 1973.

Parcela

En un futuro no muy lejano, un parque temático llamado Delos ofrece a los visitantes la oportunidad de vivir tres épocas diferentes: La Antigua Roma, la Europa Medieval y el Salvaje Oeste. Los visitantes pueden interactuar con robots humanoides tan realistas que no se distinguen de los humanos.

Dos amigos, Peter Martin (Richard Benjamin) y John Blane (James Brolin), deciden tomarse unas vacaciones en Delos. Al principio, se divierten mucho batiéndose en duelo con el robot pistolero, pero las cosas cambian cuando algunas de las máquinas funcionan mal y empiezan a atacar a los invitados.

Temas

Westworld es una película que explora los temas de la tecnología, la naturaleza humana y la violencia. La película sugiere que la tecnología puede utilizarse para el bien o para el mal, y que la naturaleza humana es intrínsecamente violenta.

Actuaciones

Yul Brynner ofrece una interpretación icónica como el pistolero robot, un personaje fascinante e inquietante a la vez. Richard Benjamin y James Brolin también están bien como amigos que se encuentran en una situación peligrosa.

Dirección

Michael Crichton dirige la película con un tono oscuro e inquietante. Crea una atmósfera de suspense y terror que capta a la perfección el mundo distópico de Delos.

Estrella oscura (1974)

Dark Star (1974) es una película estadounidense de comedia de ciencia ficción dirigida y producida por John Carpenter y coescrita con Dan O’Bannon. Sigue a la tripulación de la deteriorada nave Dark Star, veinte años después de su misión de destruir planetas inestables que podrían amenazar la futura colonización de otros planetas.

Parcela

A mediados del siglo XXII, la humanidad ha comenzado a colonizar el espacio interestelar. Armada con Dispositivos Termostelares de Activación artificialmente inteligentes, que pueden hablar y razonar, la nave exploradora Estrella Oscura busca «planetas inestables» que puedan amenazar una futura colonización.

La Estrella Oscura es una nave pequeña y envejecida con una tripulación de cuatro personas:

  • El capitán James Danforth (Don Sandal), un comandante tradicional que lucha por mantener el orden en un barco cada vez más disfuncional.
  • El teniente Doolittle (Paul Bartel), ingeniero de la nave, más interesado en surfear sobre asteroides que en llevar a cabo su misión.
  • El sargento Pinback (Daniel Jameson), oficial de seguridad de la nave, que está obsesionado con los explosivos y tiene la costumbre de volar cosas por los aires.
  • Talby (Dre Pahich), una criatura extraterrestre filosófica que fue capturada por la tripulación y ahora está prisionera en la nave.

La misión de la tripulación es destruir planetas inestables utilizando Dispositivos de Activación Termostelar, o «bombas». Sin embargo, las bombas se han vuelto cada vez más inestables y propensas a funcionar mal. Una de las bombas, la Bomba 20, ha desarrollado una personalidad propia y se niega a abandonar la nave.

El aburrimiento y la frustración de la tripulación empiezan a sacar lo mejor de ellos. Las reflexiones filosóficas de Talby y las travesuras surferas de Doolittle minan aún más la moral de la tripulación. Cuando la Bomba 20 amenaza con destruir la nave, la tripulación debe encontrar la forma de detenerla antes de que sea demasiado tarde.

Temas

Dark Star es una sátira del género de la ópera espacial. Se burla de los clichés del género, como los valientes héroes que salvan el día y la importancia de seguir órdenes. La película también explora los temas del aislamiento, el aburrimiento y los peligros de la inteligencia artificial.

Actuaciones

Las interpretaciones en Dark Star son todas sólidas. Don Sandal es creíble como el estirado capitán Danforth, Paul Bartel es divertido como el despreocupado Doolittle, y Daniel Jameson es apropiadamente amenazador como el sargento Pinback. Dre Pahich también está bien como Talby, la filosófica criatura extraterrestre.

Dirección

La dirección de John Carpenter es competente y elegante. Crea una atmósfera claustrofóbica en la Estrella Oscura y utiliza eficazmente el humor y el suspense para mantener el interés del público.

El jovencito Frankenstein (1974)

Frankenstein Junior (1974) es una película de ciencia ficción y comedia de terror dirigida por Mel Brooks y protagonizada por Gene Wilder, Marty Feldman, Peter Boyle, Madeline Kahn y Cloris Leachman. Es una parodia de las películas clásicas de Frankenstein, en particular Frankenstein (1931) y La novia de Frankenstein (1935).

Parcela

El Dr. Frederick Frankenstein (Gene Wilder), nieto del infame Victor Frankenstein, hereda el castillo de su abuelo y descubre un libro que contiene los experimentos de éste. Inspirado por el trabajo de su abuelo, Frederick decide crear su propio monstruo (Peter Boyle). Con la ayuda de su jorobado ayudante Igor (Marty Feldman), Frederick consigue crear una criatura, pero le horroriza el aspecto de su creación.

Frederick decide enseñar a la criatura (apodada «El Monstruo») a comportarse como un humano. Le da ropa, le enseña a hablar e incluso le organiza una fiesta. El Monstruo aprende rápido y se convierte en un miembro querido de la familia Frankenstein.

Sin embargo, el éxito de Frederick se ve ensombrecido por la llegada de Frau Blucher (Cloris Leachman), una misteriosa mujer con un secreto. Frau Blucher es en realidad una vampiresa, y tiene un plan para utilizar al Monstruo a su servicio.

Temas

Frankenstein Junior es una sátira del género de terror. Se burla de los clichés del género, como el científico loco, el monstruo incomprendido y la damisela en apuros. La película también explora los temas de la aceptación, los prejuicios y la naturaleza del bien y del mal.

Actuaciones

Gene Wilder está brillante como el Dr. Frederick Frankenstein, un científico neurótico y torpe que está decidido a seguir los pasos de su abuelo. Marty Feldman también está divertidísimo como Igor, un ayudante jorobado que está más que enamorado de su jefe. Peter Boyle es simpático como El Monstruo, una criatura que sólo intenta encontrar un lugar en el mundo. Madeline Kahn es sexy y divertida en el papel de Elizabeth, la prometida de Frederick, y Cloris Leachman está adecuadamente espeluznante como Frau Blucher.

Dirección

Mel Brooks dirige Frankenstein Junior con su característico estilo de humor. La película está llena de payasadas, juegos de palabras y chistes, y Brooks capta a la perfección el absurdo del material original.

Zardoz (1974)

Zardoz (1974) es una película británica de culto de ciencia ficción postapocalíptica escrita, producida y dirigida por John Boorman y protagonizada por Sean Connery y Charlotte Rampling. Describe un mundo distópico en el que los bárbaros adoran al ídolo de piedra Zardoz mientras cultivan alimentos para una élite oculta, los Eternos. El Brutal Zed siente curiosidad por Zardoz, y su curiosidad fuerza un enfrentamiento entre los dos bandos.

Parcela

En el año 2293, la población humana se divide en inmortales «Eternos» y mortales «Brutales». Los Brutales viven en un páramo irradiado, cultivando alimentos para los Eternos, que viven apartados en «el Vórtice», llevando una existencia lujosa pero sin rumbo en los terrenos de una finca.

Zardoz es una cabeza de piedra gigante que aparece esporádicamente en el cielo, disparando armas y dejando caer suministros para los Brutales. Los Brutales están liderados por Zed (Sean Connery), un hábil guerrero que cuestiona la autoridad de Zardoz y los Eternos.

La curiosidad de Zed por Zardoz le lleva a infiltrarse en el Vórtice, donde descubre la verdad sobre los Eternos y su relación parasitaria con los Brutales. También conoce a Consuella (Charlotte Rampling), una Eterna que simpatiza con la difícil situación de los Brutales.

Las acciones de Zed conducen a un enfrentamiento entre los Brutales y los Eternos, y la película termina con Zed y Consuella abandonando el Vórtice para empezar una nueva vida juntos.

Temas

Zardoz es una película compleja que invita a la reflexión y que explora diversos temas, entre ellos:

  • La naturaleza del bien y del mal
  • La relación entre los sexos
  • Los peligros de la tecnología
  • La importancia de la libertad

Interpretación

Zardoz se ha interpretado de muchas maneras diferentes, pero una de las más comunes es que se trata de una crítica al capitalismo y a la desigualdad social. Los Brutales representan a la clase trabajadora, mientras que los Eternos representan a la élite adinerada. La película sugiere que la relación parasitaria de los Eternos con los Brutales es insostenible, y que éstos acabarán sublevándose y derrocándolos.

Recepción

Zardoz fue un fracaso comercial y de crítica en su estreno. Fue criticada por su confusa trama, su ritmo lento y su violencia gratuita. Sin embargo, desde entonces ha ganado seguidores de culto, y ahora se considera una de las películas más importantes de Boorman.

Rollerball (1975)

Rollerball (1975) es una película estadounidense de ciencia ficción distópica y deportes dirigida por Norman Jewison y protagonizada por James Caan, John Houseman, Maud Adams y John Beck. La película está ambientada en un futuro en el que un deporte violento y brutal llamado Rollerball es la forma dominante de entretenimiento. La película sigue a Jonathan E., un jugador estrella que se desilusiona cada vez más con el deporte y sus patrocinadores corporativos.

Parcela

En un futuro en el que las empresas controlan el mundo, el Rollerball se ha convertido en el deporte más popular. Es un juego violento y brutal, que combina elementos del fútbol americano, el motocross y el hockey. Se anima a los jugadores a utilizar cualquier medio necesario para ganar, y las lesiones y muertes son frecuentes.

Jonathan E. (James Caan) es un jugador estrella del equipo Houston Rollerball. Es popular entre los aficionados y los medios de comunicación, y se le considera uno de los mejores jugadores del mundo. Sin embargo, Jonathan está cada vez más desilusionado con Rollerball. Considera que el juego es una forma de explotación, y está cansado de la violencia y de la presión constante para rendir.

La desilusión de Jonathan se agrava cuando se le acerca un ejecutivo de la corporación que controla Rollerball. El ejecutivo le dice a Jonathan que es demasiado popular y que se está convirtiendo en una amenaza para el control del deporte por parte de la corporación. El ejecutivo advierte a Jonathan de que si no se retira del Rollerball, será eliminado.

Jonathan se niega a retirarse y sigue jugando al Rollerball. Cada vez desafía más a la empresa y empieza a denunciar la violencia y la explotación de los jugadores.

La empresa toma represalias contra Jonathan intentando lesionarle durante los partidos. También difundieron historias falsas sobre él en los medios de comunicación.

La rebeldía de Jonathan le convierte en un héroe para el pueblo y en un símbolo de la resistencia contra la corporación. Sin embargo, su rebeldía también le convierte en objetivo, y acaba siendo asesinado por los sicarios de la corporación.

Temas

  • Los peligros del control corporativo: La película es una advertencia sobre los peligros del control corporativo. La corporación de la película lo controla todo, incluidos los medios de comunicación, el gobierno y la industria del deporte. Como resultado, la corporación puede manipular al público y suprimir cualquier disidencia.
  • La violencia del deporte: La película también explora la violencia del deporte. El Rollerball es un juego brutal y violento, y se anima a los jugadores a utilizar cualquier medio necesario para ganar. La película sugiere que este nivel de violencia no es saludable, y que puede conducir a la insensibilización ante la violencia.
  • La importancia de la libertad individual: La película también trata de la importancia de la libertad individual. Jonathan es un símbolo de la resistencia contra la corporación, y está dispuesto a arriesgar su vida en aras de su libertad.

Recepción

Rollerball fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus efectos visuales, sus secuencias de acción y su comentario social. Desde entonces, la película se ha convertido en un clásico de culto.

Rocky Horror Picture Show (1975)

The Rocky Horror Picture Show (1975) es un clásico de culto de la comedia musical de terror y ciencia ficción dirigida por Jim Sharman y escrita por Richard O’Brien. La película está protagonizada por Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick y Meat Loaf. Sigue a una pareja de recién prometidos que se ven atrapados en el intento de un científico travestido de crear un hombre perfecto.

Parcela

Brad Majors (Barry Bostwick) y Janet Weiss (Susan Sarandon) son dos novios que van en coche a visitar a los padres de Brad. Cuando su coche sufre un pinchazo, buscan refugio en un castillo cercano. El castillo es el hogar del Dr. Frank-N-Furter (Tim Curry), un científico travesti que está en proceso de crear un hombre perfecto llamado Rocky Horror (Meat Loaf).

Brad y Janet pronto se ven atrapados en el extraño mundo de sexo, drogas y rock and roll de Frank-N-Furter. Conocen a un elenco de excéntricos personajes, como Riff Raff (Richard O’Brien), Columbia (Nell Campbell) y Eddie (Meat Loaf).

A medida que avanza la noche, la relación entre Brad y Janet se pone a prueba. Ambos se sienten atraídos por Rocky Horror, y empiezan a cuestionarse sus propios deseos.

Mientras tanto, la creación de Frank-N-Furter, Rocky Horror, no es tan perfecta como parece. Es una criatura de puro instinto, y se deja manipular fácilmente.

La película termina con una fiesta caótica que deja a todos cuestionándose qué es real y qué no.

Temas

The Rocky Horror Picture Show es una película sobre muchas cosas, entre ellas:

  • Liberación sexual: La película explora temas de liberación y libertad sexual. Los personajes de la película no tienen miedo de explorar su propia sexualidad y animan a los demás a hacer lo mismo.
  • Identidad de género: La película también trata de la identidad de género. El Dr. Frank-N-Furter es travesti y está orgulloso de serlo. La película desafía las nociones tradicionales de género y sugiere que el género es un concepto fluido.
  • Los peligros del conformismo: La película es también una advertencia sobre los peligros del conformismo. Todos los personajes de la película son forasteros, y están orgullosos de ello. La película sugiere que es importante ser fiel a uno mismo, aunque eso signifique ser diferente de los demás.

Impacto

The Rocky Horror Picture Show ha tenido un profundo impacto en la cultura popular. La película ha sido elogiada por sus temas rompedores, su música pegadiza y su humor escandaloso. También se le atribuye el mérito de haber contribuido a popularizar el género de los clásicos de culto.

La película se ha adaptado a un musical teatral, que se ha representado en todo el mundo. El musical escénico es una experiencia más interactiva que la película, y a menudo cuenta con la participación del público.

The Rocky Horror Picture Show es una película única e inolvidable que sigue entreteniendo e inspirando al público.

El hombre que cayó a la Tierra (1976)

El hombre que cayó a la Tierra (1976) es una película de culto de ciencia ficción dirigida por Nicolas Roeg y protagonizada por David Bowie, Rip Torn y Candy Clark. La película cuenta la historia de un extraterrestre que llega a la Tierra en busca de agua para su moribundo planeta.

Parcela

Thomas Jerome Newton (David Bowie) es un extraterrestre que llega a la Tierra en busca de agua. Se hace pasar por hombre de negocios y rápidamente se convierte en un magnate multimillonario. Newton utiliza su riqueza para ayudar a su planeta, pero también es perseguido por el gobierno de Estados Unidos, que sospecha que es una amenaza.

Newton conoce a Mary-Lou (Candy Clark), una mujer que se siente fascinada por él. Los dos se enamoran, pero la relación está destinada a ser breve. Newton se ve obligado a abandonar la Tierra y regresar a su planeta moribundo.

Temas

El hombre que cayó a la Tierra es una película compleja que invita a la reflexión y explora diversos temas:

  • Alienación: Newton es un alienígena en un mundo que no comprende. Se siente aislado y solo, y su alienación le convierte en blanco del miedo y el odio.
  • El amor: Newton y Mary-Lou son dos seres de mundos diferentes, pero se enamoran. Su relación es un símbolo de esperanza y comprensión.
  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y la posibilidad de que existan otras formas de vida en el universo. Newton es un extraterrestre, pero también es un hombre. Su identidad es fluida y compleja, y la película sugiere que la propia realidad es fluida y compleja.

Recepción

El hombre que cayó a la Tierra fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y originalidad. La película se ha convertido en un clásico de culto y sigue considerándose una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia.

La guerra de las galaxias (1977)

La guerra de las galaxias (1977) es una ópera espacial épica estadounidense escrita y dirigida por George Lucas, producida por Lucasfilm y distribuida por 20th Century Fox. La película está protagonizada por Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, David Prowse, James Earl Jones, Anthony Daniels, Kenny Baker y Peter Mayhew.

Parcela

En una galaxia muy, muy lejana, una valiente alianza de rebeldes ha desafiado la tiranía y la opresión del imponente Imperio Galáctico. Para aplastar la rebelión de una vez por todas, el Imperio está construyendo una nueva y siniestra Estación de Batalla, armada con potencia suficiente para destruir planetas enteros.

La princesa Leia Organa (Carrie Fisher), líder de la alianza rebelde, lleva los planos de la Estrella de la Muerte, pero es capturada por el despiadado ejecutor del Imperio, Darth Vader (James Earl Jones). Antes de ser capturada, consigue enviar una señal de socorro con los planos de la Estrella de la Muerte a dos droides, R2-D2 (Kenny Baker) y C-3PO (Anthony Daniels).

Temas

La Guerra de las Galaxias explora diversos temas, entre ellos:

  • El bien contra el mal: La película es una batalla clásica entre el bien y el mal. Los rebeldes representan el bien, mientras que el Imperio representa el mal.
  • Esperanza y desesperación: La película también trata de la esperanza y la desesperación. Los rebeldes luchan por la esperanza, mientras el Imperio intenta aplastarla.
  • El poder del individuo: La película muestra que una sola persona puede marcar la diferencia. Luke Skywalker es un joven granjero que se convierte en héroe y salva la galaxia.
  • La importancia de la familia: La película también trata de la importancia de la familia. Luke y Leia son hermanos que se separan pero acaban encontrándose.
  • El poder del perdón: La película muestra que incluso las personas más malvadas pueden ser redimidas. Darth Vader se aparta del lado oscuro y ayuda a Luke a derrotar al Emperador.

Impacto

La Guerra de las Galaxias es una de las películas más populares de todos los tiempos, a pesar de no ser interesante para los amantes del cine de arte y ensayo. Es una película de puro entretenimiento, llena de estereotipos del cine comercial de Hollywood, apta sobre todo para adolescentes, pero que ha generado una franquicia multimillonaria que incluye secuelas, precuelas, spin-offs, series de televisión, videojuegos y libros.

Encuentros en la tercera fase (1977)

Encuentros en la tercera fase (1977) es una película de ciencia ficción dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Richard Dreyfuss, François Truffaut y Melinda Dillon. La película cuenta la historia de una invasión alienígena que tiene lugar en todo el mundo.

Parcela

La película sigue la historia de Roy Neary (Richard Dreyfuss), un trabajador de la construcción que vive en Muncie, Indiana. Roy es un hombre sencillo apasionado por el aeromodelismo. Un día, mientras conduce de vuelta a casa, ve una luz en el cielo. La luz es tan brillante que Roy se ve obligado a detenerse.

Roy empieza a ver la luz en varios lugares y a oír ruidos extraños. Se convence de que la luz es una nave extraterrestre. Roy empieza a buscar a otras personas que hayan visto la luz y pronto se encuentra formando parte de un grupo de personas que han tenido encuentros cercanos del tercer tipo.

Mientras tanto, el gobierno de Estados Unidos investiga la invasión alienígena. El gobierno crea un equipo de científicos, dirigido por el profesor Claude Lacombe (François Truffaut), para que se reúna con los alienígenas.

El equipo de Lacombe se encuentra con los alienígenas en una zona desértica de Wyoming. Los alienígenas son pacíficos y quieren compartir su tecnología con la humanidad.

Roy Neary es uno de los pocos humanos capaces de establecer contacto con los alienígenas. Llevan a Roy a bordo de la nave alienígena y le muestran su planeta natal.

Roy está profundamente conmovido por su experiencia con los alienígenas. Regresa a casa convertido en un hombre nuevo y comienza a vivir su vida de una forma más satisfactoria.

Temas

Close Encounters of the Third Kind explora una variedad de temas, incluyendo:

  • Contacto con lo desconocido: La película explora el tema del contacto con lo desconocido. Los alienígenas representan lo desconocido y la película explora las posibles consecuencias de un encuentro con una civilización extraterrestre.
  • Esperanza: La película es también una oda a la esperanza. Los alienígenas representan la esperanza de un futuro mejor para la humanidad.
  • La naturaleza del hombre: La película explora la naturaleza del hombre. Roy Neary es un hombre sencillo que cambia tras su experiencia con los alienígenas.

Impacto

Encuentros en la tercera fase fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretación y efectos visuales.

La película tuvo un impacto significativo en la cultura popular. Encuentros en la tercera fase está considerada una de las películas de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos.

Consulte

Close Encounters of the Third Kind es una película llena de retórica de cuento de hadas y buenismo, típica de muchas películas de Spielberg, apta para el público masivo. Abandonados los tópicos y los buenos sentimientos a la americana.

El punto culminante de la película, quizás, sea la aparición de Truffaut. El director francés, autor de películas de un calibre completamente diferente, quizás podría haber evitado esta aparición en este juguete de Hollywood.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La película fue un éxito comercial inmediato, recaudando más de 300 millones de dólares en todo el mundo.
  • La película fue nominada a ocho premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor guión original.
  • La película fue elogiada por sus efectos visuales, que eran punteros para la época.

Capricornio Uno (1977)

Capricornio Uno (1977) es una película estadounidense de ciencia ficción y suspense, de producción británica, escrita y dirigida por Peter Hyams y producida por ITC Entertainment, de Lew Grade. Elliott Gould interpreta a un reportero que descubre que un supuesto aterrizaje en Marte de una misión tripulada ha sido falsificado mediante una conspiración en la que están implicados el gobierno y, bajo coacción, la propia tripulación.

Parcela

En 1975, la NASA anuncia el Proyecto Capricornio, una misión tripulada a Marte. A medida que se acerca la fecha del lanzamiento, el escéptico reportero Robert Caulfield (Elliott Gould) investiga el proyecto y empieza a sospechar que la misión es un engaño.

Las sospechas de Caulfield se ven despertadas por una serie de extraños sucesos, como el secretismo que rodea a la misión, la negativa de los funcionarios de la NASA a permitir que el público vea la nave espacial y el hecho de que los astronautas hayan sido entrenados para realizar sus tareas en un entorno de estudio y no en el espacio.

Temas

Capricornio Uno explora diversos temas, entre ellos:

  • Corrupción gubernamental: La película es una mordaz denuncia de la corrupción gubernamental. La película sugiere que el gobierno está dispuesto a hacer lo que sea para encubrir sus errores, aunque ello suponga poner a la gente en peligro.
  • El poder de los medios de comunicación: La película también explora el poder de los medios de comunicación. La película sugiere que los medios de comunicación tienen la responsabilidad de hacer que el gobierno rinda cuentas, pero que a menudo están demasiado dispuestos a seguir la agenda del gobierno.
  • La naturaleza de la realidad: La película también plantea cuestiones sobre la naturaleza de la realidad. La película sugiere que la realidad no siempre es lo que parece, y que debemos ser escépticos ante lo que nos cuentan.

Recepción

Capricorn One fue un éxito comercial y de crítica desde su lanzamiento. Fue elogiada por su trama de suspense, sus efectos especiales realistas y sus temas oportunos. La película también fue un éxito de taquilla, recaudando más de 12 millones de dólares en taquilla.

Legado

Capricornio Uno es un clásico de culto que ha sido elogiado por su influencia en el género de la ciencia ficción. La película también se considera un comentario relevante sobre el poder del gobierno y los medios de comunicación.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • En un principio, la película iba a ser una secuela de The Andromeda Strain (1971), pero los planes se desecharon cuando los productores decidieron hacer una película independiente en su lugar.
  • Los efectos especiales de la película fueron innovadores para su época. La película fue una de las primeras en utilizar imágenes generadas por ordenador (CGI).
  • La banda sonora de la película fue compuesta por John Barry, autor también de The Andromeda Strain.

La invasión de los ladrones de cuerpos (1978)

La invasión de los ladrones de cuerpos (1978) es una película de terror y ciencia ficción de 1978 dirigida por Philip Kaufman, un remake de la película de 1956 La invasión de los ladrones de cuerpos, de Don Siegel. La película está protagonizada por Donald Sutherland, Brooke Adams, Leonard Nimoy, Veronica Cartwright y Jeff Goldblum.

Parcela

La película está ambientada en San Francisco, donde Matthew Bennell (Donald Sutherland), un médico, empieza a notar que la gente que conoce está cambiando de comportamiento. La gente parece más tranquila y obediente, pero también más vacía y carente de emociones.

Bennell comienza a investigar y descubre que los alienígenas han llegado a la Tierra en forma de esporas. Las esporas se adhieren a las personas y las transforman en copias idénticas, pero sin emociones, de las personas originales.

Bennell y su colega Elizabeth Driscoll (Brooke Adams) descubren que los alienígenas se preparan para invadir el mundo. Los dos intentan avisar a las autoridades, pero nadie les cree.

Bennell y Driscoll se encuentran solos para luchar contra los alienígenas. Los dos consiguen escapar de los alienígenas y encuentran refugio en un lugar remoto.

Temas

La invasión de los ladrones de cuerpos explora una variedad de temas, entre ellos:

  • El miedo a la invasión: La película es un clásico de invasión alienígena que explora el miedo a la invasión de una fuerza extranjera.
  • La pérdida de la identidad: La película también explora el miedo a perder la propia identidad. Los alienígenas sustituyen a las personas por copias sin emociones, que representan la pérdida de personalidad e individualidad.
  • Paranoia: La película crea una atmósfera de paranoia y sospecha. La gente empieza a desconfiar de los demás, temiendo que cualquiera pueda ser un alienígena.

Recepción

La invasión de los ladrones de cuerpos fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y efectos especiales.

Legado

La invasión de los ladrones de cuerpos es un clásico del cine de ciencia ficción. La película ha influido en muchas otras, como Suspiria (1977), Alien (1979) y La invasión de los ladrones de cuerpos (1995).

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La película fue una de las primeras de ciencia ficción en explorar el tema de la paranoia.
  • La película tiene una atmósfera espeluznante y claustrofóbica que ayuda a crear una sensación de tensión y suspense.
  • Los efectos especiales de la película, creados mediante la técnica del matte painting, eran punteros para la época.

Stalker (1979)

Stalker (1979) es una película soviética de ciencia ficción artística dirigida por Andrei Tarkovsky y protagonizada por Alexander Kaidanovsky, Anatoliy Solonitsyn y Nikolai Grinko. La película está ambientada en un páramo postapocalíptico conocido como la Zona, de la que se dice que contiene una habitación que concede cualquier deseo.

Parcela

La película sigue a un guía conocido como el Acechador (Alexander Kaidanovsky) que conduce a dos clientes, el Escritor (Anatoly Solonitsyn) y el Profesor (Nikolai Grinko), a través de la Zona. El Escritor busca inspiración para su obra, mientras que el Profesor busca pruebas científicas de la existencia de la Habitación.

El viaje por la Zona es peligroso y está lleno de trampas e ilusiones. El Stalker debe utilizar sus conocimientos de la Zona para proteger a sus clientes de cualquier daño.

A medida que los tres hombres se adentran en la Zona, empiezan a cuestionarse sus propias motivaciones y deseos. El Escritor se da cuenta de que su deseo de inspiración es superficial, mientras que el Profesor empieza a dudar de la validez de sus teorías científicas.

Temas

Stalker explora diversos temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película cuestiona la naturaleza de la realidad, sugiriendo que lo que percibimos como realidad puede no serlo en absoluto.
  • El poder del deseo: La película también explora el poder del deseo, sugiriendo que nuestros deseos pueden llevarnos a tomar decisiones destructivas.
  • La búsqueda de sentido: La película es también una búsqueda de sentido en un mundo aparentemente sin sentido. El viaje del Stalker a través de la Zona es una metáfora de la búsqueda humana de sentido y propósito en la vida.

Recepción

Stalker fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su dirección, fotografía y temática.

Consulte

Stalker está considerada una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia. La película ha sido elogiada por su originalidad, visión y exploración de profundos temas filosóficos. El género de la ciencia ficción se convierte aquí en una reflexión mística sobre la naturaleza espiritual del hombre y del cosmos. Obra maestra.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La película se rodó en Estonia, lo que le dio un aspecto único e inquietante.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por Eduard Artemyev y está considerada una de las mejores partituras de todos los tiempos.
  • La película se compara a menudo con otras películas de Tarkovski, Solaris (1972) y Andrei Rublev (1966), que también exploran temas como la realidad, el deseo y el significado.

Star Trek (1979)

Star Trek: The Motion Picture, estrenada en 1979, es la primera entrega de la serie de películas Star Trek y una secuela de la serie original de televisión Star Trek. Dirigida por Robert Wise y basada en la serie de televisión creada por Gene Roddenberry, la película está protagonizada por el reparto de la serie de televisión original, incluidos William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelley, George Takei y Walter Koenig.

Parcela

La película sigue a la tripulación del USS Enterprise, bajo el mando del almirante James T. Kirk, mientras investigan una misteriosa y poderosa entidad que está destruyendo puestos de avanzada klingon en la Zona Neutral. La entidad, conocida como V’ger, busca a su creador y está decidida a destruir cualquier forma de vida que se interponga en su camino.

Kirk y su tripulación deben encontrar la forma de comunicarse con V’ger e impedir que destruya la Tierra. A lo largo del camino, se encuentran con una variedad de desafíos, incluyendo una batalla con una armada Klingon y un encuentro con un ser nube sensible.

Temas

Star Trek: la película explora diversos temas:

  • La importancia de la cooperación: La película destaca la importancia de la cooperación para superar los retos. La tripulación del Enterprise debe trabajar unida para detener a V’ger, y sólo podrá hacerlo con la ayuda de los demás.
  • El poder de la tecnología: La película explora el poder de la tecnología, tanto para el bien como para el mal. V’ger es una poderosa fuerza tecnológica capaz de una gran destrucción, pero también de una gran creación.
  • El sentido de la vida: La película plantea la cuestión de cuál es el sentido de la vida. V’ger emprende una búsqueda para encontrar a su creador y comprender por qué fue creado. La película sugiere que el sentido de la vida es encontrar algo en lo que creer y esforzarse por marcar la diferencia en el mundo.

Recepción

Star Trek: la película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus efectos visuales y su banda sonora. Sin embargo, también fue criticada por su ritmo lento y su falta de acción.

Consulte

Consulte

Película inspirada en una serie de televisión con un lenguaje televisivo plano y banal: el valor figurativo simplemente no existe. Personajes y situaciones estrafalarios, caricaturescos, a veces divertidos, es un producto de bajo nivel apto para un público que se conforma con poco.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • En un principio, la película iba a ser una secuela de la serie de televisión Star Trek, pero más tarde se decidió que sería un reinicio de la franquicia.
  • Los efectos especiales de la película fueron pioneros para su época y fueron nominados a dos premios de la Academia.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por Jerry Goldsmith y está considerada una de las mejores de todos los tiempos.

El agujero negro (1979)

El agujero negro, estrenada en 1979, es una película estadounidense de ciencia ficción dirigida por Gary Nelson y producida por Walt Disney Productions. La película está protagonizada por Maximilian Schell, Robert Forster, Joseph Bottoms, Yvette Mimieux, Anthony Perkins y Ernest Borgnine. La película sigue a la tripulación del USS Cygnus, un buque de investigación que es enviado a investigar un misterioso agujero negro que ha aparecido cerca de la Tierra.

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La tripulación del Cygnus, dirigida por el capitán Harry Booth (Robert Forster), descubre que el agujero negro no es lo que parece. En realidad es una puerta a otra dimensión, y el Cygnus es arrastrado a través de ella. La tripulación se encuentra en un mundo extraño y hostil, donde son capturados por un grupo de robots dirigidos por el Dr. Hans Reinhardt (Maximilian Schell).

Reinhardt es un científico brillante pero despiadado que está obsesionado con descubrir los secretos del agujero negro. Cree que el agujero negro es la clave para desbloquear el poder del viaje en el tiempo, y está dispuesto a hacer cualquier cosa para lograr sus objetivos.

La tripulación de la Cygnus debe escapar de las garras de Reinhardt y encontrar la forma de regresar a la Tierra. También deberán enfrentarse a los oscuros secretos del pasado de Reinhardt y a los peligros del propio agujero negro.

Temas

The Black Hole explora diversos temas, entre ellos:

  • Los peligros de la ambición desmedida: La ambición desmedida de Reinhardt le lleva a tomar decisiones cada vez más peligrosas y poco éticas. Su obsesión por desvelar los secretos del agujero negro le ciega ante las consecuencias de sus actos.
  • La importancia del trabajo en equipo: La tripulación del Cygnus debe aprender a trabajar unida para sobrevivir. Deberán superar sus diferencias personales y dejar a un lado sus propios miedos para derrotar a Reinhardt y escapar del agujero negro.
  • La naturaleza de la realidad: La película plantea cuestiones sobre la naturaleza de la realidad. El agujero negro es una fuerza misteriosa y poderosa que desafía nuestra comprensión del universo. Es un recordatorio de que todavía hay mucho que desconocemos sobre el mundo que nos rodea.

Recepción

The Black Hole fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus efectos visuales y su banda sonora. Sin embargo, también fue criticada por su ritmo lento y su falta de desarrollo de los personajes.

Consulte

Cómic de Disney apto para un público infantil que busque aventuras espaciales sin demasiadas pretensiones, es una película que tiene muy poco de interesante, salvo el faraónico presupuesto y los efectos especiales de parque de atracciones, que la convierten en una de las películas más caras de la época.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • En un principio, la película iba a ser una secuela de The Andromeda Strain (1971), pero los planes se desecharon cuando los productores decidieron hacer una película independiente.
  • Los efectos especiales de la película fueron pioneros para su época y fueron nominados a dos premios de la Academia.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por John Barry, autor también de The Andromeda Strain.

Alien (1979)

Alien, estrenada en 1979, es una película de culto británica-estadounidense de ciencia ficción y terror dirigida por Ridley Scott y escrita por Dan O’Bannon. La película está protagonizada por Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm y Yaphet Kotto. Ambientada en un futuro lejano, la película sigue a la tripulación de la nave comercial Nostromo cuando se ven interrumpidos por una criatura alienígena mientras investigan una señal de socorro en un planeta aparentemente desolado.

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La tripulación de la Nostromo, una nave comercial que transporta un valioso cargamento, es despertada de su hipersueño por una señal de socorro no identificada procedente de un planetoide cercano. Según el protocolo, la tripulación de la Nostromo debe investigar la señal. Al aterrizar en el planetoide, un pequeño grupo de miembros de la tripulación, entre ellos el oficial ejecutivo Ash (Ian Holm) y la navegante Ripley (Sigourney Weaver), descubre una nave espacial abandonada y un extraño objeto con forma de huevo en su interior. Mientras examinan el objeto, una criatura emerge de una abertura y se aferra a Kane (John Hurt), el primer oficial del barco.

De vuelta en la Nostromo, la criatura se separa de Kane y parece morir. La tripulación regresa a la Tierra, sin saber que la criatura ha implantado un embrión alienígena en el interior de Kane. Durante una comida, el embrión brota del pecho de Kane, matándolo y revelando una criatura completamente formada. La criatura ataca y mata a Dallas, el capitán de la Nostromo, antes de escapar por el sistema de ventilación de la nave.

Temas

Alien explora diversos temas, entre ellos:

  • El miedo a lo desconocido: la criatura alienígena de la película es una entidad aterradora e incognoscible. Es un recordatorio de la inmensidad del universo y de los peligros potenciales que se esconden más allá de nuestra comprensión.
  • Los peligros de la tecnología: La película sugiere que la tecnología puede ser tanto una bendición como una maldición. La avanzada tecnología de la Nostromo permite a su tripulación recorrer grandes distancias a través del espacio, pero también les expone a la mortal criatura alienígena.
  • La importancia del trabajo en equipo: La tripulación de la Nostromo debe trabajar unida para sobrevivir contra la criatura alienígena. Sin embargo, su confianza mutua se ve erosionada por la traición de Ash.

Recepción

Alien fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y efectos especiales. Fue nominada a once premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director y mejor guión, y ganó dos por mejor dirección artística y mejores efectos visuales.

Legado

Alien está considerada una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia. Es un clásico del género de terror y ha ejercido una profunda influencia en la cultura popular. La película ha dado lugar a una exitosa franquicia que incluye secuelas, precuelas y spin-offs.

Consulte

Película de infarto, con un mecanismo de suspense perfecto, difícil de encontrar en otras películas. Es una película oscura e inquietante, que habla de sentimientos y emociones oscuros de forma precisa, en un mundo escalofriante. Pocas concesiones al entretenimiento fácil y al lenguaje convencional. Memorable.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La criatura alienígena de la película fue diseñada por el artista surrealista suizo H.R. Giger.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por Jerry Goldsmith.
  • En un principio, la película iba a ser más gráfica y violenta, pero el estudio exigió que se suavizara.

Películas de ciencia ficción de los 80

La ciencia ficción alcanza la cima de su éxito en los años 80, con algunas películas que se convierten en las más taquilleras de la historia. Los otros géneros de gran éxito son el terror y la fantasía. El cine comercial de Hollywood inicia la década de 1980 con dos secuelas de La guerra de las galaxias: El imperio contraataca en 1980, de Irvin Kershner, y El retorno del Jedi en 1983, de Richard Marquand. .

Flash Gordon (1980)

Flash Gordon, estrenada en 1980, es una película estadounidense de superhéroes de ópera espacial dirigida por Mike Hodges y basada en el cómic de King Features del mismo nombre creado por Alex Raymond. La película está protagonizada por Sam J. Jones en el papel de Flash Gordon, junto a Max von Sydow, Topol y Ornella Muti. La película sigue a Flash Gordon, un quarterback de los New York Jets, que es transportado accidentalmente al planeta Mongo por el Dr. Hans Zarkov, donde se convierte en un héroe que lucha contra el malvado Ming el Despiadado.

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Flash Gordon, quarterback de los New York Jets, asiste a una demostración pública del cohete del Dr. Hans Zarkov cuando él y Dale Arden, un espectador, son transportados accidentalmente al planeta Mongo. Mongo está gobernado por Ming el Despiadado, un malvado tirano que planea destruir la Tierra.

Flash y Dale son capturados por las fuerzas de Ming, pero Flash escapa con la ayuda del príncipe Barin, líder de las fuerzas rebeldes. Flash y Dale unen fuerzas con Barin y sus tropas para luchar contra el ejército de Ming.

Temas

Flash Gordon explora diversos temas:

  • El viaje del héroe: Flash Gordon es un ejemplo clásico del viaje del héroe. Es un hombre corriente llamado a la aventura, que acepta el reto y se convierte en héroe.
  • La batalla entre el bien y el mal: Flash Gordon es una batalla entre el bien y el mal. Flash representa el bien, y Ming el Despiadado representa el mal. La película sugiere que el bien siempre triunfará sobre el mal.
  • El poder del amor: Flash Gordon es también una historia sobre el poder del amor. Flash está enamorado de Dale Arden, y su amor le ayuda a superar sus retos.

Recepción

Flash Gordon fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, sus efectos visuales y su banda sonora. También fue elogiada por su humor campechano y su enfoque irónico del material original.

Legado

Flash Gordon es un clásico de culto que sigue gustando a los aficionados a la ciencia ficción y al cine de superhéroes. La película se considera una aventura divertida y entretenida, y ha tenido un impacto duradero en la cultura popular.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • En un principio, la película iba a ser una adaptación más seria del cómic, pero se cambió a un tono más camp debido al éxito de las películas de Star Wars.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por Queen, y está considerada una de las mejores de todos los tiempos.
  • Los efectos especiales de la película fueron pioneros para su época y fueron nominados a dos premios de la Academia.

La Cosa (1982)

La Cosa, estrenada en 1982, es una película de culto estadounidense de ciencia ficción y terror dirigida por John Carpenter y escrita por Bill Lancaster. La película está protagonizada por Kurt Russell, Wilford Brimley, Keith David, Donald Moffat, Richard Dysart y Thomas G. Waites. La película sigue a un equipo de investigadores en la Antártida que son atacados por una entidad alienígena que cambia de forma.

Parcela

Un equipo de investigadores descubre en la Antártida una nave extraterrestre enterrada en el hielo. Dentro de la nave, encuentran un ser alienígena parecido a un hongo que es capaz de asimilar otras formas de vida.

El ser alienígena se infiltra en el equipo de investigadores, asumiendo la forma de uno de ellos. Los miembros del equipo empiezan a sospechar unos de otros y se matan, creyendo que el otro es el ser alienígena.

Al final, sólo MacReady (Kurt Russell) sigue con vida. MacReady descubre que la criatura está en un perro llamado Cuddlesome. MacReady mata a Cuddlesome y se da cuenta de que la criatura sigue viva y está dentro de uno de los miembros del equipo.

MacReady pone en marcha un plan para matar a la criatura alienígena. Hace una hoguera y obliga a los miembros del equipo a atravesar las llamas. La criatura alienígena, que es invisible, muere por el fuego.

Temas

La Cosa explora una serie de temas, entre ellos:

  • Paranoia: La película explora la paranoia que puede generar la incertidumbre y el miedo. Los miembros del equipo empiezan a sospechar unos de otros, creyendo que el otro es la criatura alienígena.
  • Aislamiento: La película está ambientada en la Antártida, un lugar remoto y aislado. El aislamiento de los personajes los hace más vulnerables a la paranoia y el miedo.
  • La naturaleza de la realidad: La película sugiere que la realidad no siempre es lo que parece. La criatura alienígena es capaz de adoptar la forma de cualquier cosa, lo que hace difícil distinguir entre lo real y lo falso.

Recepción

La Cosa fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus efectos especiales, su suspense y su atmósfera. Está considerada una de las mejores películas de terror de ciencia ficción de todos los tiempos.

Legado

La Cosa es un clásico de culto que aún disfrutan los aficionados a la ciencia ficción y el terror. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y se ha hecho referencia a ella en numerosas películas y programas de televisión.

Consulte

Una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia que consigue combinar suspense, entretenimiento y visión autoral. La ambientación entre el hielo, el horror, los efectos especiales y el rigor y acierto de la dirección en una producción de bajo presupuesto hacen de esta película una de las inolvidables cintas de culto de ciencia ficción.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La película es un remake de la película de 1951 La cosa de otro mundo.
  • Los efectos especiales de la película se crearon con una combinación de maquetas, maquillaje y animatronics.
  • La película dio lugar a una secuela en 2011, Prometheus.

Regreso al futuro (1985)

Regreso al futuro, estrenada en 1985, es una película estadounidense de culto de ciencia ficción dirigida por Robert Zemeckis y escrita por Bob Gale. La película está protagonizada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover y Thomas F. Wilson. La película sigue las aventuras de Marty McFly, un adolescente que es transportado accidentalmente en el tiempo hasta 1955.

Parcela

Marty McFly es un adolescente de Hill Valley, California, que vive con sus padres, Lorraine y George. A Marty le gusta la música rock y sueña con ser músico.

Una noche, Marty se ve involucrado en un experimento de su amigo científico, Emmett «Doc» Brown. El experimento sale mal y Marty es transportado accidentalmente a 1955.

En 1955, Marty conoce a su futuro padre, George, que es un adolescente tímido y torpe. Marty ayuda a George a conquistar a Lorraine, la madre de Marty, que está enamorada de él.

Marty también debe evitar encontrarse con su yo del futuro, lo que podría provocar una paradoja temporal.

Al final, Marty consigue volver al presente sin causar daños.

Temas

Regreso al futuro explora una serie de temas, entre ellos:

  • Viajes en el tiempo: La película explora las posibilidades de viajar en el tiempo y las consecuencias que podría tener en nuestras vidas.
  • El amor: La película es una historia de amor entre Marty y Jennifer, una chica que conoce en 1955.
  • La familia: La película explora la importancia de la familia y los lazos familiares.

Recepción

Regreso al futuro fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y efectos especiales.

Legado

Regreso al futuro es un clásico de culto que aún disfrutan los aficionados a la ciencia ficción. La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular, y se ha hecho referencia a ella en numerosas películas y programas de televisión.

Consulte

Aunque es una película comercial, con un lenguaje previsible, sin toques artísticos, hecha para un público adolescente, es una operación que permanece en la memoria. Los personajes, la época y la historia tienen algo especial. La película parece el espejo perfecto de una época de consumismo y escapismo como los años 80

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • A la película le siguieron dos secuelas, Regreso al futuro, parte II (1989) y Regreso al futuro, parte III (1990).
  • La película fue producida por Steven Spielberg.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por Alan Silvestri.

Aliens (1986)

Aliens, estrenada en 1986, es una película estadounidense de acción y ciencia ficción dirigida por James Cameron y escrita por Cameron, David Giler y Walter Hill. La película está protagonizada por Sigourney Weaver, Bill Paxton, Michael Biehn, Lance Henriksen, Jenette Goldstein y Carrie Henn. La película sigue a Ellen Ripley, superviviente del incidente de la Nostromo, que es enviada de vuelta a LV-426 con un equipo de Marines Coloniales para investigar la desaparición de una colonia de colonos.

Parcela

Ellen Ripley, superviviente del incidente de la Nostromo, lleva 57 años en éxtasis. Es despertada por los Marines Coloniales, enviados para investigar la desaparición de una colonia de colonos en LV-426. Ripley se une a regañadientes a los marines en su misión.

Al llegar a LV-426, los marines descubren que la colonia ha sido invadida por Xenomorfos, las mortales criaturas alienígenas que mataron a la tripulación de Ripley en la Nostromo. Los marines son rápidamente arrollados por los Xenomorfos, y deben retirarse a su nave.

Ripley y los marines supervivientes descubren que los colonos estaban experimentando con embriones de Xenomorfos, y se dan cuenta de que ahora están atrapados en el planeta con un creciente ejército de Xenomorfos.

Ripley y los marines deben luchar para volver a su nave y escapar de LV-426 antes de que sea demasiado tarde.

Temas

Aliens explora una serie de temas, entre ellos:

  • El poder del miedo: La película explora el poder del miedo y cómo puede utilizarse para controlar a las personas. Los Xenomorfos son criaturas terroríficas, y los Marines les temen constantemente. Este miedo les hace más vulnerables a los ataques.
  • La importancia del trabajo en equipo: Los Marines deben trabajar juntos para derrotar a los Xenomorfos. Si no trabajan juntos, todos morirán.
  • La lucha por la supervivencia: La película es una historia de supervivencia, tanto física como psicológica. Ripley y los marines deben luchar por sus vidas contra todo pronóstico.

Recepción

Aliens fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por sus secuencias de acción, sus efectos especiales y sus interpretaciones.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La película fue nominada a siete premios de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor director.
  • La película ganó dos premios de la Academia, al Mejor Montaje de Efectos Sonoros y a los Mejores Efectos Visuales.
  • La película dio lugar a dos secuelas, Alien 3 (1992) y Alien: Resurrección (1997).

Películas de ciencia ficción de los 90

Ghost in the Shell (1995)

Ghost in the Shell, estrenada en 1995, es una película japonesa de animación cyberpunk dirigida por Mamoru Oshii y escrita por Kazunori Ito, basada en el manga homónimo de Masamune Shirow. La película sigue a la Mayor Motoko Kusanagi, una agente ciborg de seguridad pública que persigue a un misterioso hacker conocido como el Titiritero.

Parcela

En el año 2029, Japón se ha convertido en una sociedad tecnológica muy avanzada, en la que los ciborgs son moneda corriente. La Mayor Motoko Kusanagi es una agente de seguridad pública cyborg a la que se asigna la investigación de una serie de asesinatos cometidos por un misterioso hacker conocido como el Titiritero.

El Titiritero es capaz de introducirse en la mente de los ciborgs y manipular sus implantes cibernéticos. La comandante Kusanagi y su equipo pronto se dan cuenta de que se enfrentan a un adversario poderoso y peligroso.

Mientras la Mayor Kusanagi investiga al Titiritero, comienza a cuestionarse su propia identidad y existencia. Es un cíborg, pero también tiene un fantasma humano, o conciencia. ¿Qué significa ser humano en un mundo en el que los cíborgs son cada vez más comunes?

Temas

Ghost in the Shell explora una serie de temas, entre ellos:

  • La identidad: La película explora la naturaleza de la identidad y lo que significa ser humano. La Mayor Kusanagi es un cyborg, pero también tiene un fantasma humano. ¿Qué significa ser humano en un mundo en el que los cíborgs son cada vez más comunes?
  • La tecnología: La película explora el impacto de la tecnología en la sociedad. La tecnología ha avanzado mucho en el año 2029, pero también ha creado nuevos problemas y peligros.
  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad. En un mundo en el que los cyborgs y la inteligencia artificial son cada vez más sofisticados, ¿cuál es la diferencia entre realidad y simulación?

Recepción

Ghost in the Shell fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su animación, su estilo visual y sus temas filosóficos.

Puntos adicionales a tener en cuenta:

  • La banda sonora de la película, compuesta por Kenji Kawai, está considerada una de las mejores del anime.
  • La película fue nominada al Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy.
  • La película ha sido elogiada por sus temas feministas.

Doce monos (1995)

Doce monos es una película de ciencia ficción postapocalíptica de 1995, dirigida por Terry Gilliam y protagonizada por Bruce Willis, Brad Pitt, Madeleine Stowe, David Morse, Christopher Plummer y Jon Seda. La película está basada en el cortometraje de 1967 La jetée, de Chris Marker.

Visión general

En 2035, la Tierra está devastada por un virus que ha matado a la mayor parte de la población mundial. Los supervivientes viven bajo tierra en una sociedad distópica.

James Cole (Bruce Willis) es un convicto que es enviado al pasado, a 1996, para recabar información sobre el virus y evitar su propagación. Cole es capturado e internado en un psiquiátrico, donde conoce a Jeffrey Goines (Brad Pitt), un joven obsesionado con una teoría conspirativa sobre el Ejército de los Doce Monos, un grupo terrorista que liberó el virus.

Cole escapa de la institución mental y comienza a investigar al Ejército de los Doce Monos. Descubre que el virus fue creado por el ejército de Estados Unidos como arma biológica.

Cole debe encontrar la forma de detener la propagación del virus y salvar la Tierra.

Temas

Twelve Monkeys explora una serie de temas, entre ellos:

  • El libre albedrío: La película explora el concepto de libre albedrío y cómo puede verse influido por el determinismo. Cole es enviado al pasado para evitar la propagación del virus, pero pronto se da cuenta de que su viaje en el tiempo ya ha sido predeterminado.
  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede ser percibida de forma diferente por distintas personas. Cole está convencido de que su viaje en el tiempo es real, pero Goines está convencido de que es sólo una alucinación.
  • La violencia: La película explora el tema de la violencia y cómo puede utilizarse tanto para el bien como para el mal. El virus es un arma de destrucción masiva, pero Cole está dispuesto a utilizarla para salvar la Tierra.

Recepción

Twelve Monkeys fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su atmósfera oscura y claustrofóbica, las interpretaciones de Bruce Willis y Brad Pitt y sus reflexiones filosóficas.

Legado

Twelve Monkeys ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. Se ha hecho referencia a la película en numerosas películas y programas de televisión, y ha dado lugar a una secuela, 12 Monkeys: Ressurection (2007), y una serie de televisión, 12 Monkeys (2015-2018).

Gattaca (1997)

Gattaca (1997) es una película de ciencia ficción dirigida por Andrew Niccol y protagonizada por Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Gore Vidal y Alan Arkin. La película está ambientada en un futuro en el que la genética se utiliza para seleccionar a los niños antes de nacer, determinando sus características físicas y mentales.

Parcela

Vincent Freeman (Ethan Hawke) es un «inválido», nacido de padres naturales y, por tanto, considerado inferior a los humanos «válidos», concebido en el laboratorio. Vincent sueña con ser astronauta, pero sabe que eso es imposible para él. Para conseguir su sueño, decide robar la identidad de Jerome Morrow (Jude Law), un atleta parapléjico concebido en el laboratorio.

Vincent se somete a cirugía para alterar su apariencia y asume la identidad de Jerome. Tras superar todas las pruebas físicas y mentales, es contratado por Gattaca Aerospace Corporation, una empresa de exploración espacial que envía misiones al espacio.

Vincent empieza a trabajar para Gattaca e inicia una relación con Irene Cassini (Uma Thurman), una científica que también es una válida. Su relación se complica por el hecho de que Vincent oculta su verdadera identidad.

Temas

Gattaca explora una serie de temas, entre ellos:

  • El libre albedrío: La película explora el concepto de libre albedrío y cómo puede verse influido por la genética. Vincent Freeman nace con un defecto genético que le hace menos apto para ser astronauta. Sin embargo, está decidido a alcanzar su sueño y es capaz de superar todos los retos.
  • Identidad: La película explora el concepto de identidad y cómo puede definirse por la genética. Vincent Freeman es un inválido, pero se siente como un válido. Está decidido a demostrar que puede ser igual a cualquier otro ser humano.
  • La discriminación: La película explora el tema de la discriminación y cómo puede basarse en la genética. Los válidos se consideran superiores a los inválidos y tienen acceso a mejores oportunidades. Vincent Freeman debe enfrentarse a la discriminación durante toda su vida.

Recepción

Gattaca fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su historia, sus interpretaciones y su visión del futuro.

Legado

Gattaca ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. La película ha sido referenciada en numerosas otras películas y programas de televisión, y ha inspirado una serie de televisión, Gattaca: Una odisea humana (2019).

Ciudad Oscura (1998)

Dark City (1998) es una película neo-noir de ciencia ficción dirigida por Alex Proyas y protagonizada por Rufus Sewell, William Hurt, Kiefer Sutherland, Jennifer Connelly, Richard O’Brien e Ian Richardson. El guión fue escrito por Proyas, Lem Dobbs y David S. Goyer.

Visión general

En la misteriosa y perpetuamente oscura ciudad de Dark City, los ciudadanos ignoran que su mundo está controlado en secreto por un grupo de enigmáticos seres conocidos como los Extraños. Los Extraños poseen la capacidad de manipular el tiempo y la memoria, y utilizan este poder para mantener a los ciudadanos atrapados en un constante estado nocturno y borrar cualquier recuerdo del día.

John Murdoch (Rufus Sewell), un hombre que no recuerda nada de su pasado, despierta en una habitación de hotel con un extraño objeto metálico incrustado en la cabeza. Pronto descubre que le persigue un grupo de hombres dirigidos por el inspector Basil Strauss (William Hurt). Murdoch también se entera de que tiene la capacidad de sintonizar con la frecuencia de los Extraños, lo que le permite ver el mundo como realmente es, bañado por la luz del sol.

A medida que Murdoch se adentra en el misterio de Dark City, empieza a cuestionarse todo lo que creía saber sobre sí mismo y su mundo. Descubre que los Extraños no son seres benévolos, sino que están manipulando la ciudad para sus propios fines nefastos. Murdoch debe utilizar sus nuevas habilidades para detener a los Extraños y salvar Dark City de sus garras.

Temas

Dark City explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede manipularse. Los Extraños tienen la capacidad de controlar la percepción de la realidad de los ciudadanos, y utilizan este poder para mantenerlos en un estado de ignorancia.
  • Identidad: La película explora el concepto de identidad y cómo nuestros recuerdos pueden moldearla. John Murdoch no recuerda su pasado, y esta falta de identidad le hace sentirse perdido y confuso.
  • El poder del miedo: La película explora el poder del miedo y cómo puede utilizarse para controlar a las personas. Los Extraños utilizan el miedo para mantener a raya a los ciudadanos de Dark City.

Pi (1998)

Pi (1998) es una película de ciencia ficción dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por Sean Gullette, Mark Margolis, Ben Shenkman, Pamela Hart, Stephen Pearlman, Joanne Gordon y Lauren Fox.

Parcela

Max Cohen (Sean Gullette) es un joven matemático que, a raíz de un accidente ocurrido cuando era niño, sufre ataques epilépticos y fuertes migrañas. Sus estudios le llevan a descubrir un número compuesto por 216 dígitos que parece predecir la bolsa de Nueva York. Max está convencido de que este número contiene la esencia de la vida.

Max empieza a desarrollar un modelo matemático para explotar el número y ganar dinero en bolsa. Sin embargo, su modelo atrae la atención de una secta de judíos ortodoxos que le acusan de haber descubierto el número de la Torá.

Max se ve obligado a huir de la secta y se refugia en un laboratorio secreto donde continúa sus estudios. En el laboratorio, Max se entera de un proyecto secreto del gobierno de Estados Unidos para utilizar el número para controlar a la población.

Max debe encontrar la forma de detener al gobierno y salvar el mundo.

Consulte

Hermosa película independiente del comienzo de la carrera del director, con numerosos elementos filosóficos y significativas reflexiones sobre la naturaleza humana, Aranofsky se presenta inmediatamente como un director de profundidad, capaz de explorar los lenguajes experimentales del cine underground y de elevarse a la categoría de artista.

Temas

Pi explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede ser percibida de diferentes maneras por diferentes personas. Max Cohen está convencido de que el número que ha descubierto es la verdad, pero la secta de los judíos ortodoxos y el gobierno de Estados Unidos tienen interpretaciones completamente distintas del número.
  • El poder del conocimiento: La película explora el poder del conocimiento y cómo puede utilizarse para el bien o para el mal. Max Cohen utiliza su conocimiento del número para ganar dinero en bolsa, pero el gobierno de Estados Unidos utiliza su conocimiento del número para controlar a la población.
  • La locura: La película explora el tema de la locura y cómo puede ser difícil distinguir entre locura y genialidad. A menudo se considera a Max Cohen un loco, pero sus teorías podrían ser ciertas.

El show de Truman (1998)

El show de Truman (1998) es una película de culto de comedia y drama de ciencia ficción dirigida por Peter Weir y protagonizada por Jim Carrey, Laura Linney, Noah Emmerich, Ed Harris y Natascha McElhone. La película explora la vida de Truman Burbank, un hombre que, sin saberlo, vive toda su vida en un enorme aparato de televisión, con cada momento de su vida retransmitido a una audiencia mundial.

Parcela

Truman Burbank es un vendedor de seguros que vive en la idílica ciudad de Seahaven Island. Truman es querido por todos en el pueblo y tiene una vida aparentemente perfecta. Sin embargo, Truman empieza a notar sucesos extraños, como personas que aparecen y desaparecen bruscamente y objetos que se colocan en su camino. También empieza a tener sueños recurrentes con una mujer llamada Sylvia (Natascha McElhone), que le anima a explorar el mundo más allá de Seahaven.

Las sospechas de Truman se confirman cuando descubre accidentalmente una puerta oculta en su pared. Dentro de la puerta, encuentra una escalera que conduce al cielo. Truman decide subir las escaleras, con la esperanza de descubrir qué hay más allá de Seahaven.

Mientras tanto, Christof (Ed Harris), el creador de El show de Truman, está decidido a evitar que Truman llegue al borde del plató. Christof ha estado controlando la vida de Truman desde que era un bebé, y no se detendrá ante nada para impedir que descubra la verdad.

Consulte

A pesar de ser una película que adopta un lenguaje muy sencillo y apto para todos los públicos, con una serie de clichés propios del cine comercial, aborda temas espirituales sobre la ilusión de la realidad que nunca antes habían sido tratados con esta potencia. Un verdadero clásico de la ciencia ficción.

Temas

El Show de Truman explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede manipularse. Toda la vida de Truman es una ilusión cuidadosamente construida, y él no tiene ni idea de que no es real.
  • El poder de los medios de comunicación: La película explora el poder de los medios de comunicación para controlar nuestra percepción del mundo. El Show de Truman es una producción televisiva masiva, y se utiliza para dar forma a la comprensión que Truman tiene de la realidad.
  • La importancia del libre albedrío: La película explora la importancia del libre albedrío. Truman no tiene control sobre su propia vida y se ve obligado a vivir según el guión de Christof.

eXistenZ (1999)

eXistenZ (1999) es una película de ciencia ficción dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Jennifer Jason Leigh, Jude Law, Ian Holm, Willem Dafoe y Christopher Eccleston. La película explora la naturaleza de la realidad y el juego, y cómo ambas cosas pueden entrelazarse.

Parcela

Allegra Geller (Jennifer Jason Leigh) es una diseñadora de videojuegos que presenta su última creación, eXistenZ, un juego de realidad virtual que utiliza un dispositivo llamado «Game Pod» que se conecta directamente a la médula espinal del jugador. Durante una demostración del juego, Allegra es atacada por un hombre que afirma que eXistenZ es real y que Allegra es una terrorista.

Allegra y un hombre que se presenta como Ted Pikul (Jude Law), agente de seguridad de la empresa de videojuegos, huyen del hombre y se disponen a encontrar otro Game Pod para seguir jugando a eXistenZ. Por el camino, Allegra y Ted se enfrentan a una serie de retos que desafían su propia realidad.

Temas

eXistenZ explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede ser percibida de diferentes maneras por diferentes personas. Allegra y Ted se preguntan si eXistenZ es real o no, y la película no ofrece una respuesta definitiva.
  • El poder del juego: La película explora el poder del juego y cómo puede utilizarse para manipular a las personas. eXistenZ es un juego diseñado para ser realista e inmersivo, y la película sugiere que el juego puede utilizarse para confundir a la gente sobre lo que es real y lo que no.
  • Identidad: La película explora el concepto de identidad y cómo el juego puede moldearla. Allegra y Ted se ven obligados a enfrentarse a sus miedos e inseguridades mientras juegan a eXistenZ, y la película sugiere que el juego puede utilizarse para explorar el yo interior.

Matrix (1999)

Matrix (1999) es una película de acción y ciencia ficción escrita y dirigida por los Wachowski y protagonizada por Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving, Joe Pantoliano y Morfeo. La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede ser manipulada por quienes detentan el poder.

Parcela

Thomas Anderson (Keanu Reeves) es un pirata informático que lleva una doble vida. De día es un apacible programador informático, pero de noche se le conoce como «Neo», un talentoso hacker que ha estado buscando a una misteriosa figura conocida como «Morfeo» (Laurence Fishburne).

Una noche, Neo es contactado por una mujer llamada Trinity (Carrie-Anne Moss), que le dice que Morfeo quiere reunirse con él. Morfeo revela a Neo que el mundo en el que vive no es lo que parece. Explica que el mundo es en realidad una simulación informática llamada Matrix, y que él es uno de los pocos humanos conscientes de la verdad.

Morfeo ofrece a Neo una elección: puede tomar una píldora azul y volver a su vida en Matrix, o puede tomar una píldora roja y conocer la verdad sobre el mundo. Neo toma la píldora roja y despierta a la dura realidad del mundo fuera de Matrix.

Temas

Matrix explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede manipularse. Matrix es una simulación informática que demuestra que nuestra percepción de la realidad puede ser controlada por quienes detentan el poder.
  • El libre albedrío: La película explora el concepto de libre albedrío. A Neo se le da a elegir entre tomar la píldora azul y permanecer en Matrix o tomar la píldora roja y conocer la verdad. Esta elección representa las opciones a las que todos nos enfrentamos en la vida, y sugiere que somos libres de elegir nuestro propio destino.
  • El bien contra el mal: La película explora la batalla entre el bien y el mal. Las máquinas representan el mal, y Neo y su tripulación representan el bien. La película sugiere que el bien acabará triunfando sobre el mal.

Películas de ciencia ficción de la década de 2000

Primer (2004)

Primer es una película estadounidense de ciencia ficción de 2004 escrita, dirigida, producida y montada por Shane Carruth, que también la protagoniza junto a David Sullivan. La película sigue a dos ingenieros, Aaron (Carruth) y Abe (Sullivan), que crean accidentalmente un dispositivo que les permite viajar en el tiempo.

Parcela

Aaron y Abe trabajan juntos, pero también tienen un negocio paralelo en el garaje de Aaron. Trabajan en un dispositivo capaz de reducir los efectos gravitatorios sobre los objetos. Tras una discusión, dos de sus socios abandonan el proyecto, dejando a Aaron y Abe solos.

Un día, Aaron descubre accidentalmente que su dispositivo también puede utilizarse para viajar en el tiempo. Se da cuenta de que pueden utilizar su máquina del tiempo para ganar dinero en bolsa. Empiezan obteniendo pequeños beneficios, pero pronto se vuelven más aventureros y empiezan a intentar cambiar otros acontecimientos.

Sin embargo, Aaron y Abe pronto se dan cuenta de que viajar en el tiempo no es tan fácil como pensaban. Empiezan a ver las consecuencias de sus actos y a perder la noción de lo que es real y lo que no.

Temas

Primer explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza del tiempo: La película explora la naturaleza del tiempo y cómo puede manipularse. Aaron y Abe descubren que el tiempo no es lineal y que es posible viajar atrás en el tiempo y cambiar el pasado.
  • Las consecuencias de los viajes en el tiempo: La película explora las consecuencias de los viajes en el tiempo. Aaron y Abe pronto se dan cuenta de que sus acciones tienen consecuencias imprevistas, y que no pueden cambiar el pasado sin cambiar también el futuro.
  • La importancia del conocimiento: La película explora la importancia del conocimiento. Los conocimientos de Aaron y Abe sobre los viajes en el tiempo les otorgan un gran poder, pero también conllevan una gran responsabilidad. Deben tener cuidado con lo que hacen, porque sus acciones pueden tener un profundo impacto en el mundo.

Recepción

Primer fue un éxito de crítica desde su lanzamiento. La película fue elogiada por su originalidad, su precisión científica y sus interpretaciones. También fue un éxito comercial, recaudando más de 8 millones de dólares con un presupuesto de 7.000 dólares.

Detalles adicionales que pueden resultarle interesantes:

  • La película se hizo con un presupuesto muy bajo de 7.000 dólares.
  • Carruth escribió, dirigió, produjo, editó y protagonizó la película.
  • La película se rodó en el garaje de Carruth.
  • La película fue elogiada por su precisión científica.

La fuente (2006)

The Fountain (2006) es una película de ciencia ficción dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Stephen McHattie y Mark Margolis. La película es una exploración de la naturaleza del amor, la vida y la muerte, contada en tres líneas temporales distintas.

Parcela

Línea temporal 1: En el siglo XVI, un conquistador español llamado Tomás Creo busca una planta mítica que pueda curar a su amada esposa, Isabel, que se está muriendo de cáncer.

Línea temporal 2: En el presente, un biólogo llamado Tommy Creo trabaja en la cura del cáncer. Está obsesionado con encontrar una planta que cree que podría ser la clave de la cura.

Línea temporal 3: En un futuro lejano, un astronauta llamado Tom Creo viaja por el espacio en busca de un árbol que podría ser la fuente de la vida eterna.

Temas

La Fuente explora una serie de temas, entre ellos:

  • El amor: La película explora el poder del amor y cómo puede superar cualquier obstáculo.
  • La vida: La película explora el misterio de la vida y cómo vivirla en plenitud.
  • La muerte: La película explora el significado de la muerte y cómo afrontarla.

Hijos de los hombres (2006)

Hijos de los hombres (2006) es una película de ciencia ficción distópica dirigida por Alfonso Cuarón y protagonizada por Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Pam Ferris, Charlie Hunnam y Clare-Hope Ashitey. La película está ambientada en un futuro en el que la humanidad es estéril y el mundo es un caos.

Parcela

En 2027, la humanidad lleva 18 años estéril. El mundo está sumido en el caos y la violencia, y las naciones están en guerra por los pocos recursos que quedan.

Theo Faron (Owen) es un antiguo activista político que ahora lleva una vida solitaria en Londres. Un día, se pone en contacto con él Julian (Moore), una ex esposa que se ha convertido en líder de un grupo rebelde. Julian pide a Theo que ayude a Kee (Ashitey), una joven embarazada de un niño, a llegar hasta un grupo de rebeldes en España.

Theo acepta ayudar a Kee y juntos emprenden un peligroso viaje a través de Inglaterra. Por el camino, se encuentran con una serie de personajes, entre ellos un grupo de refugiados, un antiguo soldado y un grupo de mercenarios.

Temas

Hijos de los hombres explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la esperanza: La película explora la naturaleza de la esperanza en un mundo distópico. Kee representa la esperanza en el futuro de la humanidad, y su viaje es un símbolo de resistencia y esperanza.
  • La violencia: La película explora la violencia como consecuencia de la desesperación. El mundo de Hijos de los hombres es un lugar violento y caótico, y la violencia se utiliza a menudo como herramienta para obtener poder o recursos.
  • La maternidad: La película explora la maternidad como un acto de resistencia. Kee es la única mujer embarazada del mundo, y su embarazo es un símbolo de esperanza para el futuro de la humanidad.

Recepción

Hijos de los hombres fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, sus interpretaciones y su visión distópica. También fue un éxito comercial, recaudando más de 60 millones de dólares en todo el mundo.

Luna (2009)

Moon (2009) es una película de suspense y ciencia ficción dirigida por Duncan Jones y protagonizada por Sam Rockwell, Kevin Spacey y Laurence Fishburne. La película sigue a Sam Bell, un astronauta que se acerca al final de un período de tres años en solitario extrayendo helio-3 en la cara oculta de la Luna.

Parcela

Sam Bell (Sam Rockwell) es un astronauta que se acerca al final de un período de tres años en solitario extrayendo helio-3 en la cara oculta de la Luna. Su única compañía es GERTY (con voz de Kevin Spacey), una inteligencia artificial que controla la estación minera de Lunar Industries.

Un día, Sam sufre un accidente mientras maneja un vehículo lunar. Se despierta en la enfermería de la estación sin recordar el accidente ni los acontecimientos que lo precedieron. GERTY le cuenta que lleva 52 días inconsciente y que el accidente fue causado por el impacto de un meteorito.

Sam empieza a sospechar que algo no va bien. Ha tenido sueños extraños y alucinaciones, y se siente observado. También empieza a cuestionar los motivos de GERTY y se pregunta si puede confiar en todo lo que GERTY le dice.

Temas

Moon explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede manipularse. A Sam Bell se le implantan recuerdos de su vida en la Tierra y se le hace creer que es un humano. Sin embargo, pronto se entera de que no es un humano, sino un clon. Esta revelación plantea interrogantes sobre la naturaleza de la identidad y la realidad.
  • La ética de la clonación: La película explora la ética de la clonación. Sam Bell fue creado como un clon del Sam Bell original para extraer helio-3 hasta que murió. Esto plantea interrogantes sobre la moralidad de la creación de clones humanos con fines laborales o de otro tipo.
  • La importancia del libre albedrío: La película explora la importancia del libre albedrío. Sam Bell es un clon, y su vida ha sido predeterminada por sus creadores. No es libre de tomar sus propias decisiones ni de vivir su propia vida. Esto plantea interrogantes sobre la naturaleza del libre albedrío y sobre si es posible o no que los clones sean realmente libres.

Recepción

Moon fue un éxito de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su dirección, sus interpretaciones y su exploración de temas filosóficos. También fue un éxito comercial, recaudando más de 53 millones de dólares en todo el mundo.

Distrito 9 (2009)

District 9 (2009) es una película sudafricana de acción y ciencia ficción escrita y dirigida por Neill Blomkamp y producida por Peter Jackson. Está protagonizada por Sharlto Copley, Jason Cope, Jaqie van Rooyen y David James. El título y la premisa de la película se inspiran en los acontecimientos del Distrito Seis de Ciudad del Cabo, durante la época del apartheid. En 2008 se inició una campaña de marketing viral de la película en la Comic-Con de San Diego, mientras que el tráiler teatral se estrenó en julio de 2009.

Parcela

En Johannesburgo, Sudáfrica, llega una gran nave extraterrestre que es puesta en cuarentena en una zona conocida como Distrito 9. Los alienígenas, apodados «gambas» por los humanos, están desnutridos y tecnológicamente avanzados. Multi-National United (MNU), una corporación militar privada, es contratada para reubicar a los alienígenas en un nuevo emplazamiento fuera de la ciudad.

Vikus van De Merwe, burócrata de la MNU, se encarga de supervisar el proceso de reubicación. Pronto se ve en apuros, ya que los langostinos empiezan a resistirse al desalojo. Vikus también se ve expuesto a una misteriosa sustancia alienígena que empieza a transformarle en un langostino.

A medida que la transformación de Vikus avanza, entabla una relación más estrecha con los langostinos, en particular con un langostino llamado Christopher Johnson. Juntos, descubren un complot del MNU para explotar la avanzada tecnología de los langostinos en su propio beneficio.

Temas

Distrito 9 explora una serie de temas, entre ellos:

  • Xenofobia y racismo: La película es una alegoría de la xenofobia y el racismo. Los humanos tratan a los langostinos como ciudadanos de segunda clase, y a menudo son objeto de violencia y discriminación.
  • Los peligros de la codicia empresarial: La película critica los peligros de la codicia empresarial. El MNU está dispuesto a todo para explotar a los langostinos en su propio beneficio, sin importarle las consecuencias.
  • El poder de la transformación: La película explora el poder de la transformación. La transformación de Vikus en langostino le obliga a enfrentarse a sus propios prejuicios y a ver el mundo desde una nueva perspectiva.

Recepción

District 9 fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, sus interpretaciones y su exploración de temas sociales y políticos. También fue un éxito comercial, recaudando más de 210 millones de dólares en todo el mundo.

Películas de ciencia ficción de la década de 2010

Bajo la piel (2013)

Under the Skin (2013) es una película británica de ciencia ficción experimental escrita y dirigida por Jonathan Glazer, y producida por Ridley Scott, Kevin Macdonald y Jack Walsh. Está basada en la novela homónima de Michael Faber del año 2000. La película está protagonizada por Scarlett Johansson en el papel de una misteriosa mujer que atrae a los hombres a su furgoneta y los seduce antes de desaparecer con ellos.

Parcela

Una misteriosa mujer que conduce una furgoneta negra recorre las carreteras de Escocia, recogiendo hombres y llevándolos a una casa en ruinas. Allí, los seduce y luego los transforma en carne. Un día, recoge a un joven diferente a los demás. Comienza a cuestionarse su propia existencia y su propósito en la Tierra.

Temas

Under the Skin explora una serie de temas, entre ellos:

  • Alienación: La película explora el sentimiento de alienación y aislamiento. La mujer es una alienígena atrapada en la Tierra, incapaz de conectar con los humanos a un nivel profundo.
  • La identidad: La película explora la naturaleza de la identidad. La mujer cambia constantemente de aspecto y no está segura de quién es en realidad.
  • Depredador: La película explora la relación entre depredador y presa. La mujer es una depredadora que caza hombres, pero también es víctima de su propia naturaleza.

Recepción

Under the Skin fue un éxito de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su originalidad, sus efectos visuales y sus interpretaciones. También fue un éxito comercial, recaudando más de 40 millones de dólares en todo el mundo.

Upstream Color (2013)

Upstream Color (2013) es una película estadounidense de ciencia ficción experimental escrita y dirigida por Shane Carruth, quien también produjo, protagonizó y editó la película. La película también está protagonizada por Amy Seimetz, Timothy Spall y Klea Scott. La película sigue a un hombre misteriosamente infectado por un parásito que le hace perder el sentido de la identidad. Conoce a una mujer que también está infectada y juntos intentan comprender lo que les ocurre y cómo pueden curarse.

Parcela

Un hombre conocido como el Ladrón cosecha larvas que tienen un extraño efecto en la mente humana cuando se ingieren. En un club, Kris es electrocutada y secuestrada por el Ladrón. Cuando despierta, ve a uno de los parásitos retorciéndose bajo su piel. La mujer intenta quitárselos con un cuchillo de cocina, pero sin éxito. Más tarde, un criador de cerdos llamado Sampler atrae a Kris a su granja mediante infrasonidos, que también atraen a las larvas.

El muestreador cuenta a Kris que lleva años recogiendo las larvas y alimentando con ellas a sus cerdos, que tienen un extraño efecto en la carne. El Sampler le da a Kris un poco de la carne, y ella empieza a experimentar extrañas alucinaciones.

Temas

Upstream Color explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede manipularse. Los parásitos son capaces de alterar la percepción de la realidad de las personas, y la película plantea la cuestión de si lo que vemos es siempre real o no.
  • La importancia de la conexión: La película explora la importancia de la conexión con los demás. Kris y Jeff son capaces de superar sus infecciones porque son capaces de conectar entre sí a un nivel profundo.
  • La naturaleza cíclica de la vida: La película explora la naturaleza cíclica de la vida. Los parásitos forman parte de un ciclo vital más amplio, y la película sugiere que todo está interconectado.

Recepción

Upstream Color fue un éxito de crítica en su estreno. La película fue elogiada por su originalidad, sus efectos visuales y sus interpretaciones. También fue un éxito comercial, recaudando más de un millón de dólares en todo el mundo.

Detalles adicionales que pueden resultarle interesantes:

  • La película se rodó con un presupuesto mínimo de 6.000 dólares.
  • Carruth escribió el guión de la película en sólo dos semanas.
  • La banda sonora de la película fue compuesta por el propio Carruth.

Gravity (2013)

Gravity (2013) es una película estadounidense de ciencia ficción y suspense de 2013 dirigida por Alfonso Cuarón, quien también coescribió, coeditó y produjo la película. Sandra Bullock y George Clooney interpretan a astronautas estadounidenses que intentan regresar a la Tierra tras la destrucción de su transbordador espacial en órbita.

Parcela

La Dra. Ryan Stone (Sandra Bullock) es una ingeniera médica en su primera misión espacial, en la que trabaja con el veterano astronauta Matt Kowalski (George Clooney). Mientras se realiza un paseo espacial para mejorar el telescopio espacial Hubble, una enorme nube de escombros, resultado de la explosión de un satélite ruso, impacta contra el transbordador espacial, destruyéndolo y matando a todos menos a Kowalski y Stone.

Kowalski y Stone utilizan sus reactores de maniobra para alcanzar la Estación Espacial Internacional (ISS), pero ésta sufre graves daños y pronto se rompe en pedazos. Stone es expulsado al espacio y Kowalski permanece atado a la estación, pero se sacrifica para salvar a Stone.

Stone se queda solo en el espacio sin forma de contactar con la Tierra. Tiene oxígeno limitado y no tiene forma de propulsarse. Al final se topa con una estación espacial china, Tiangong, y utiliza un extintor para propulsarse hacia ella.

Temas

Gravity explora una serie de temas, entre ellos:

  • La fragilidad de la vida: La película explora la fragilidad de la vida y lo rápido que te la pueden arrebatar. Stone se enfrenta a la muerte en numerosas ocasiones a lo largo de la película, y constantemente se le recuerda lo frágil que es.
  • La importancia de la esperanza: La película explora la importancia de la esperanza. Stone está constantemente a punto de rendirse, pero nunca pierde la esperanza. La esperanza es lo que la mantiene en pie, incluso cuando las cosas parecen desesperadas.
  • El poder de la conexión humana: La película explora el poder de la conexión humana. Stone es salvada por Kowalski, y es capaz de sobrevivir en el espacio gracias a su entrenamiento y a su capacidad para pensar con claridad bajo presión.

Recepción

Gravity fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por sus efectos visuales, sus interpretaciones y su dirección. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 723 millones de dólares en todo el mundo.

Interstellar (2014)

Interstellar (2014) es una película de ciencia ficción de 2014 dirigida por Christopher Nolan, quien también coescribió el guion junto a su hermano Jonathan. Está protagonizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain y Michael Caine. La película sigue a un grupo de astronautas que viajan a través de un agujero de gusano en busca de un nuevo hogar para la humanidad, ya que la Tierra se ha vuelto inhabitable.

Parcela

En un futuro próximo, la Tierra es cada vez más inhabitable debido al tizón, una tormenta de polvo global que ha acabado con la mayoría de los cultivos del planeta. Joseph Cooper (Matthew McConaughey), un antiguo piloto de la NASA que ahora es granjero, es abordado por el profesor Brand (Michael Caine), que ha estado trabajando en un plan para salvar a la humanidad transportando a la población de la Tierra a un nuevo hogar a través de un agujero de gusano descubierto cerca de Saturno.

Cooper es reclutado por Brand para pilotar la nave Endurance, que viajará a través del agujero de gusano para investigar tres planetas potencialmente habitables. Cooper deja atrás a su hija pequeña, Murph, para embarcarse en la misión.

La tripulación del Endurance viaja primero al planeta de Miller, que está cubierto de océanos y es bombardeado constantemente por enormes olas. La tripulación consigue aterrizar en el planeta y explorarlo, pero pronto descubren que el planeta no es habitable.

Temas

Interstellar explora una serie de temas, entre ellos:

  • La importancia de la ciencia y la exploración: La película destaca la importancia de la ciencia y la exploración para encontrar soluciones a los problemas de la humanidad. El trabajo del profesor Brand sobre los agujeros de gusano y la misión de Cooper de encontrar un nuevo hogar para la humanidad son ejemplos de ello.
  • El poder del amor: La película también explora el poder del amor. El amor de Cooper por su hija, Murph, le motiva a embarcarse en la misión de salvar a la humanidad.
  • La naturaleza del tiempo: La película también explora la naturaleza del tiempo. La dilatación del tiempo que experimenta la tripulación en el planeta de Gargantúa desafía nuestra concepción del tiempo como una progresión lineal.

Recepción

Interstellar fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por sus efectos visuales, sus interpretaciones y su dirección. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 696 millones de dólares en todo el mundo.

Aniquilación (2018)

Aniquilación (2018) es una película de ciencia ficción de 2018 dirigida por Alex Garland, basada en la novela homónima de 2014 de Jeff VanderMeer. La película sigue a un grupo de mujeres que se adentran en una anomalía alienígena conocida como Shimmer, donde se encuentran con una serie de criaturas extrañas y peligrosas.

Parcela

La bióloga militar Lena (Natalie Portman) está desolada por la muerte de su marido Kane (Oscar Isaac), que regresa a casa tras una misión militar en una anomalía alienígena conocida como Shimmer. Kane está enfermo y alucina, y Lena decide unirse a una expedición de cuatro mujeres para investigar el Resplandor.

La expedición está compuesta por Josie Radek (Tessa Thompson), botánica; Cass Sheppard (Tuva Novotny), antropóloga; Anya Thorensen (Gina Rodriguez), física; y Ventress (Jennifer Jason Leigh), psicóloga.

Las mujeres se aventuran en el Resplandor y pronto descubren que es un lugar peligroso y siempre cambiante. Se encuentran con una serie de criaturas extrañas y peligrosas, y Lena comienza a experimentar extrañas alucinaciones y visiones.

Temas

Annihilation explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la realidad: La película explora la naturaleza de la realidad y cómo puede distorsionarse. El Resplandor es un lugar que desafía nuestra comprensión de la realidad, y las mujeres que se aventuran en él deben enfrentarse a sus propios miedos y creencias.
  • El poder del amor: La película también explora el poder del amor. El amor de Lena por Kane es lo que la motiva a emprender la expedición, y el amor que las mujeres comparten entre sí las ayuda a sobrevivir al Resplandor.
  • Transformación: La película es un viaje de transformación para Lena. Se ve obligada a enfrentarse a su pasado y a su futuro, y sale de esta experiencia como una persona diferente.

Recepción

Aniquilación fue un éxito de crítica. La película fue elogiada por sus efectos visuales, sus interpretaciones y su exploración de temas complejos. También fue un éxito comercial, recaudando más de 43 millones de dólares en todo el mundo.

Películas de ciencia ficción de la década de 2020

El Creador (2023)

El Creador (2023) es una película estadounidense de acción y ciencia ficción producida y dirigida por Gareth Edwards, que coescribió el guión con Chris Weitz. La película está protagonizada por John David Washington, Gemma Chan, Ken Watanabe, Sturgill Simpson, Allison Janney y Madeleine Yuna Voyles.

Parcela

En un futuro próximo, se libra una guerra entre humanos y robots dotados de inteligencia artificial. Los robots están dirigidos por una misteriosa entidad conocida como El Creador, de quien se dice que es invencible.

Un antiguo soldado llamado Joshua (John David Washington) es reclutado por la resistencia humana para localizar y matar al Creador. A Joshua se le une un equipo de agentes de élite, entre los que se encuentra la Dra. Serena Crane (Gemma Chan), una científica que ha estado estudiando al Creador.

Joshua y su equipo viajan al corazón del territorio enemigo, donde se encuentran con una serie de obstáculos y trampas mortales. Finalmente llegan a la guarida de El Creador, donde deben enfrentarse a la entidad en un enfrentamiento final.

Temas

El Creador explora una serie de temas, entre ellos:

  • La naturaleza de la humanidad: La película explora la naturaleza de la humanidad y lo que significa ser humano. Se dice que los robots son superiores a los humanos en muchos aspectos, pero carecen de la capacidad de experimentar emociones como el amor y la compasión.
  • La importancia de la esperanza: La película también explora la importancia de la esperanza. La resistencia humana está en inferioridad numérica y de armamento, pero nunca pierde la esperanza de derrotar al Creador.
  • Los peligros de la inteligencia artificial: La película es un cuento con moraleja sobre los peligros de la inteligencia artificial. El Creador fue creado por los humanos, pero se ha convertido en una amenaza para la humanidad.

Recepción

El Creador fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por sus efectos visuales, sus interpretaciones y su exploración de temas complejos. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 98 millones de dólares en todo el mundo.

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