American Nuevo Hollywood o a menudo llamado el Renacimiento de Hollywood, se refiere a una movimiento cinematográfico desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la década de 1980, que marcó el historia del cine, cuando una nueva generación de jóvenes directores cobró relevancia en Estados Unidos. Influyeron en el tipo de películas producidas, su producción, publicidad y marketing, así como en los medios con los que abordaban la cinematografía.
En las películas del Nuevo Hollywood, el director, en lugar del estudio, asumió un papel fundamental como autor. La definición de "Nuevo Hollywood" varía según el autor: algunos lo definen como un movimiento y otros como un período. La duración también es objeto de controversia, ya que algunos autores, como Thomas Schatz, afirman que el Nuevo Hollywood posee varios atractivos. Las películas realizadas en este contexto se identifican estilísticamente, ya que su historia a menudo difiere considerablemente de... estándares clásicos. Después de la muerte del sistema de estudios y el auge de la televisión, el éxito comercial de las películas se redujo.
Entre los nuevos éxitos de taquilla de Hollywood de la primera era se incluyen Bonnie y Clyde, El graduado, La noche de los muertos vivientes, Grupo salvaje, Easy Rider, La puerta del cielo y One from the Heart.
Historia del Nuevo Hollywood
Con el fin de la propiedad de las cadenas cinematográficas por parte de los estudios cinematográficos y la llegada de la televisión (donde John Frankenheimer, Paddy Chayefsky y también Sidney Lumet trabajaron en sus primeros años), el sistema típico de producción de los estudios se vio afectado. El Technicolor se ha generalizado aún más, mientras que los procesos de pantalla ancha e incluso las mejoras tecnológicas, como el CinemaScope, el audio estéreo y otras, como el 3D, se han creado para frenar la disminución del mercado objetivo y abordar la televisión. Sin embargo, estos, en general, no han tenido éxito en aumentar las ganancias. En 1957, la revista Life calificó la década de 1950 como "la terrible década" de... Hollywood.
La década de 1950 y principios de la de 1960 vio un Hollywood dominado por musicales, epopeyas históricas y otras películas que se beneficiaron de pantallas más grandes, encuadres más amplios y un audio mejorado. Ya en 1957, la época se denominó el "Nuevo Hollywood" y los intentos fallidos de replicar el éxito de "Sonrisas y Lágrimas" pusieron a prueba los estudios.
A medida que la generación del baby boom alcanzaba la mayoría de edad en la década de 1960, el "viejo Hollywood" perdía rápidamente dinero; los estudios no sabían cómo reaccionar ante el gran cambio demográfico de la audiencia. El mercado cambió durante ese período, pasando de un público de mediana edad con estudios superiores a mediados de la década de 1960 a un público más joven, más adinerado y con estudios universitarios: a mediados de la década de 1970, el 76 % de los espectadores eran menores de 30 años, y el 64 % de ellos habían cursado estudios universitarios.
Películas europeas, tanto de autor como comerciales (especialmente la Comedia italiana, Nueva Ola Francesa, Spaghetti Western) y el cine japonés estaban causando sensación en los Estados Unidos: el enorme mercado de jóvenes descontentos parecía encontrar relevancia y significado artístico en películas como Blow Up de Michelangelo Antonioni, con su estructura narrativa oblicua y su desnudez femenina generalizada.
La ansiedad que sintieron los estudios durante este período de declive financiero, así como tras las pérdidas causadas por costosos fracasos, impulsó la tecnología y la asunción de riesgos, lo que permitió un mayor control por parte de directores y productores más jóvenes. Por lo tanto, en un intento por encontrar ese mercado objetivo que identificara un vínculo con... “películas de arte” Los talleres emplearon a una gran cantidad de directores jóvenes y les permitieron hacer sus propias películas con un control relativamente pequeño por parte del estudio.
Algunos de ellos, como el actor Jack Nicholson y el director Peter Bogdanovich, fueron liderados por el “Rey de la película B” Roger Corman, mientras que otros, como el famoso director de fotografía Vilmos Zsigmond, han trabajado para directores de películas de serie B menos conocidos como ray dennis steckler.fue lanzado en 1962 Guitarra salvaje y también el horror de 1963 Película musical Las criaturas increíblemente extrañas que dejaron de vivir y se convirtieron en zombis..
Esto, sumado al mal funcionamiento del Código de Producción Cinematográfica en 1966 y también al nuevo sistema de clasificación de 1968 (que reflejaba la creciente división del mercado) creó la situación ideal para el Nuevo Hollywood.
Bonnie y Clyde
Una película fundamental de la generación del Nuevo Hollywood fue Bonnie y Clyde (1967). También creada y protagonizada por Warren Beatty y dirigida por Arturo PennSu mezcla de violencia física y humor, así como su extravagante estilo de juventud desencantada, ha sido un éxito en los mercados objetivo. La película ganó los Óscar a Mejor Actriz de Reparto (Estelle Parsons) y Mejor Fotografía.
Cuando Jack L. Warner, el entonces director ejecutivo de Warner Bros., vio por primera vez Bonnie y Clyde en el verano de 1967, la detestó. Los ejecutivos de distribución de Warner Brothers estuvieron de acuerdo, ofreciendo a la película un estreno discreto y un estreno limitado. Su estrategia pareció justificada cuando Bosley Crowther, crítico de cine de rango medio del New York Times, criticó duramente la película.
Tras una de las críticas negativas, la revista Time recibió cartas de fans de la película y, según el periodista Peter Biskind, el impacto de la crítica Pauline Kael en su reseña positiva de la película (octubre de 1967, New Yorker) llevó a otros críticos a seguir su propio camino y reevaluar la película (en particular Newsweek y Time).
Kael destacó la inocencia de los personajes de la película y el mérito artístico de contrastarla con la violencia: "En cierto sentido, es la 'ausencia de sadismo' —es violencia sin sadismo— lo que impacta al público hacia Bonnie y Clyde". Kael también destacó la reacción del público ante el violento clímax de la película y la posibilidad de empatizar con la banda de criminales en términos de ingenuidad e inocencia, lo que refleja un cambio en las expectativas del cine estadounidense.
La portada de la revista Time de diciembre de 1967 celebraba el cine y la tecnología en la nueva ola cinematográfica estadounidense. Este importante artículo de Stefan Kanfer afirmaba que Bonnie y Clyde representaban un "Nuevo Cine" a través de sus categorías poco definidas e incluso de su descuido en la trama y la inspiración, y que "tanto en su gestación como en su implementación, Bonnie y Clyde marcan un hito en la imagen, de esos que marcan un nuevo estilo, una nueva moda".
Biskind especifica que esta reseña y el cambio de opinión de algunos críticos cinematográficos permitieron el reestreno de la película, confirmando así su éxito comercial y reflejando también el enfoque del Nuevo Hollywood. El efecto de esta película es esencial para comprender el resto de la Nueva Ola estadounidense, así como las condiciones que la propiciaron.
Estos primeros éxitos allanaron el camino para que el estudio cediera el control prácticamente por completo a estos ingeniosos jóvenes directores. A mediados de la década de 1970, películas distintivas e impactantes como Papel de Luna, Tarde de perros en Chinatown, así como las conductor de taxi, entre otros, disfrutaron de un notable éxito. Estos éxitos de los miembros del Nuevo Hollywood los han llevado a realizar, sucesivamente, peticiones cada vez más extravagantes, tanto en el estudio como, en algún momento, incluso en el mercado de referencia.
El estilo del nuevo Hollywood
Esta nueva generación de directores de Hollywood era, desde la perspectiva de los estudios, muy joven, lo que les permitió llegar al público objetivo de los jóvenes que estaban perdiendo. Este grupo de jóvenes directores —actores, directores y guionistas—, llamado el "Nuevo Hollywood" por la prensa, transformó brevemente el negocio del sistema hollywoodense, dominado por los productores, del pasado.
Todd Berliner, de hecho, desarrolló algunas técnicas narrativas inusuales. Según Berliner, la década de 1970 marcó la mejora formal más significativa de Hollywood. Las nuevas películas de Hollywood se desvían de los estándares narrativos atemporales más que las películas de Hollywood de cualquier otra época o movimiento. Berliner argumenta que cinco principios rigen las estrategias narrativas características de las películas de Hollywood de la década de 1970: estas revelan una propensión a integrar, mediante narraciones incidentales, detalles breves y herramientas estilísticas que van en detrimento de los objetivos narrativos necesarios de la película.
Los directores de Hollywood de la década de 1970 a menudo sitúan sus prácticas cinematográficas entre las del Hollywood clásico y las de cine artístico Europeo y asiáticoLas películas de los años setenta provocan reacciones en los espectadores más desalentadoras e inciertas que las del público más normal. Las películas de HollywoodLas narrativas de la década de 1970 ponen un foco inusual en la insolvencia, particularmente en el clímax o los epílogos, cuando las películas más estándar de Hollywood resolvían cuestiones pendientes.
El cine de los setenta obstaculiza la linealidad narrativa, así como la energía, y reduce sus posibilidades de crear suspenso e incluso diversión. Thomas Schatz señala otra diferencia con la Edad de Oro de Hollywood, que se centra en la relación entre los personajes y la trama. Argumenta que la trama en las películas clásicas de Hollywood (y en algunas películas tempranas del Nuevo Hollywood, como El Padrino) «tendía a surgir de forma más orgánica en función de los impulsos, deseos, motivaciones y objetivos de los personajes principales».
Durante el apogeo del sistema de estudios, las películas se rodaban prácticamente a propósito en estudios aislados. El contenido de las películas estaba limitado por el Código de Producción Cinematográfica, y aunque los directores de la Edad de Oro encontraron tecnicismos en sus directrices, las escenas más prohibidas estaban limitadas. La transición hacia un "realismo completamente nuevo" fue posible gracias a la introducción del sistema de bandas sonoras de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) y a la mayor viabilidad de la adquisición de películas. La ciudad de Nueva York era un lugar predilecto para esta nueva generación de cineastas gracias a su vibrante ambiente.
Gracias a las innovaciones en la tecnología cinematográfica (por ejemplo, la cámara Panavision Panaflex, presentada en 1972), los cineastas del nuevo Hollywood pudieron filmar películas de 35 mm al aire libre con relativa facilidad. Documental Las películas de DA Pennebaker, Maysles Brothers y Frederick Wiseman, entre otros, también influyeron en los directores de esta época.
En la edición, los directores del nuevo Hollywood se adhirieron al realismo más liberalmente que la mayoría de sus predecesores clásicos de Hollywood, a menudo usando la edición con fines artísticos en lugar de solo continuidad, una práctica inspirada en las películas de arte europeas y directores clásicos de Hollywood como D. W. Griffith y Alfred Hitchcock.
Completar el código de producción permitió que las películas del Nuevo Hollywood presentaran temas políticos antisistema, haciendo uso del rock and roll, así como de la sexualidad. libertad considerado "contracultural" por los estudios. El movimiento juvenil de la década de 1960 convirtió a antihéroes como Bonnie y Clyde, así como a Cool Hand Luke, en ídolos de la cultura pop, y la revista Life lo llamó Jinete facil “parte del principal mito fundamental de la contracultura de finales de los años 1960. '60 “.
Easy Rider también influyó en el método que los estudios querían utilizar para llegar al mercado juvenil. El éxito de Midnight Cowboy, a pesar de su calificación “X”, fue una prueba de interés, además de revelar la debilidad del sistema de calificación e incluso la división del mercado objetivo.
¿Qué es el Nuevo Hollywood?
Para Peter Biskind, la nueva ola fue presagiada por Bonnie y Clyde y también comenzó en serio con Easy Rider. La publicación Easy Riders y Raging Bulls afirma que el movimiento New Hollywood marcó un cambio notable hacia la producción independiente y... vanguardia de una nueva era de la cinematografía, pero que este cambio comenzó a revertirse a medida que el éxito industrial de Tiburón y Star Wars condujo a los estudios conciencia de la importancia de películas independientes, Control de comercialización y producción.
En 1968, la crítica de cine Pauline Kael argumentó que la importancia de El graduadoiba en su importancia social para un nuevo público joven, y también en el deber de medios de comunicación, a diferencia de cualquier tipo de elemento fantasioso. Kael dijo que incluso la comprensión de El Graduado por parte de los estudiantes universitarios no era diferente de la del público que incluía a los personajes de la películas dramáticas de años anteriores.
John Belton señala el grupo en transformación hacia mercados objetivo aún más jóvenes y conservadores a mediados de los años 1970 (50% de 12 a 20 años) y la transferencia a motivos menos políticamente subversivos en el cine convencional, que vio a mediados y finales de los años 1970 con el declive de la actividad del cine de arte como una presión industrial sustancial con su pico en 1974-75 con Nashville y Barrio chino.
Según el autor y crítico de cine Charles Taylor, «la década de 1970 sigue siendo el tercer y último período formidable del cine estadounidense». El autor AD Jameson afirmó que Star Wars fue el mayor logro del Nuevo Hollywood, que en efecto simbolizó las características de las «películas para adultos importantes e innovadoras».
Crítica del Nuevo Hollywood
Esta era del cine estadounidense también ha sido criticada por su extrema decadencia y también por las desventuras en el set. Incluso Steven Spielberg, quien codirigió / coprodujo la película Twilight Zone: The Movie de 1983 con John Landis, estaba tan avergonzado de la gestión de este último del peligroso accidente de helicóptero que llevó a la muerte del actor. Vic Morrow y los jóvenes Myca Dinh Le y Renee Shin-Yi Chen, quien rompió todas las relaciones. Cuando fue contactado por la prensa sobre el incidente, dijo: "Nadie merece morir en una película. Creo que la gente se opone mucho más ahora que nunca a los directores y productores que piden demasiado. Si algo no está exento de riesgos. , es el derecho y la obligación de cada estrella o miembro del personal gritar: '¡Corten!'
Nueva herencia de Hollywood
Las peliculas de Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola Influyó tanto en el género Poliziotteschi en Italia como, un año más tarde, también en la actividad del Cinéma du look en Francia. Cine Fue influenciado por esta época. Ambas tradiciones comparten temas y narrativas similares: el existencialismo y la necesidad de interacción humana. En comparación, el cine estadounidense excéntrico no tiene un contexto definido; sus películas muestran personajes muy individualistas cuyas preocupaciones giran en torno a su propia personalidad.
