Las mejores películas de animación

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El cine de animación es un arte cinematográfico que utiliza la tecnología de la animación para crear películas animadas con personajes, objetos y escenarios dibujados a mano o generados por ordenador. Esta forma de arte combina ilustración, fotografía, gráficos digitales y tecnología de animación para crear películas que cuentan historias y crean mundos fantásticos e imaginarios. Entre las películas de animación hay algunas obras maestras que sin duda figuran entre las películas que hay que ver.

Orígenes del cine de animación

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La creación del cine de animación fue un proceso gradual en el que intervinieron muchas personas e inventos a lo largo de la historia. Sin embargo, aunque ha habido muchos pioneros de la animación, puede decirse que el cine de animación tal como lo conocemos hoy ha estado muy influido por las obras de Émile Cohl y Winsor McCay.

Emile Cohl, director francés de los primeros años del cine, fue uno de los primeros en crear películas de animación con dibujos hechos a mano. En 1908 realizó «Fantasmagorie», considerado el primer dibujo animado del mundo. La película presenta imágenes de objetos y personajes dibujados a mano que se mueven y transforman de formas extrañas y fantásticas.

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Winsor McCay, dibujante estadounidense, contribuyó de manera significativa al crecimiento del cine de animación en Estados Unidos. En 1911, creó «Little Nemo», una película de animación que utilizaba la técnica de la «rotoscopia», que consiste en dibujar imágenes sobre imágenes filmadas de actores reales. McCay creó después otras películas de animación pioneras, como «Gertie the Dinosaur», de 1914, que fue la primera película en utilizar al personaje animado como protagonista de un espectáculo de acción real.

A lo largo de las décadas de 1920 y 1930, el cine de animación siguió creciendo y evolucionando gracias al trabajo de muchos animadores y directores, entre ellos Walt Disney, que creó el personaje de Mickey Mouse y realizó la primera película d animación en color «Steamboat Willie» en 1928. Desde entonces, el cine de animación se ha convertido en una industria multimillonaria que produce películas y series de animación de éxito en todo el mundo.

El cine de animación se popularizó en la década de 1930 con el éxito de películas de Walt Disney como «Blancanieves y los siete enanitos» y «Pinocho». A lo largo de los años, el cine de animación ha seguido evolucionando y adoptando nuevas técnicas, convirtiéndose en una forma de arte cada vez más sofisticada y versátil.

Hoy en día, el cine de animación es muy popular y produce películas para públicos de todas las edades. Las películas de animación pueden ser divertidas y alegres, como «Toy Story» y «El Rey León», o más serias y serias, como «Persépolis» y «Vals con Bashir». Algunas películas de animación están destinadas a un público adulto, como «Akira» y «Waking Life», mientras que otras están creadas específicamente para niños, como «Buscando a Nemo» y «Los Increíbles».

Además, el cine de animación no se limita sólo a los largometrajes. También hay series de animación para televisión, cortometrajes, anuncios, vídeos musicales y mucho más.

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Películas de animación tradicionales

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El cine de animación puede dividirse en varias categorías según la técnica de animación utilizada. La animación tradicional, también conocida como animación clásica o animación celular, es una técnica de animación que consiste en crear dibujos en papel que luego se animan, fotograma a fotograma. A continuación, estos dibujos se transfieren a una película cinematográfica, lo que da lugar a una animación suave y envolvente.

La técnica de animación tradicional se utilizó por primera vez en la industria cinematográfica a principios del siglo XX. Durante aquellos años, Walt Disney fue uno de los pioneros de la animación tradicional y su empresa, la Walt Disney Company, se hizo famosa por sus largometrajes de animación clásicos, como «Blancanieves y los siete enanitos» y «Cenicienta».

La técnica de animación tradicional requiere gran habilidad y paciencia. Para crear una animación fluida, los animadores deben dibujar cada fotograma de la animación a mano, con lápices, bolígrafos o pinceles sobre papel de dibujo. A continuación, los dibujos se transfieren a una película y se unen para crear una animación en movimiento.

Para crear la ilusión de movimiento, los animadores utilizan una técnica llamada «principio de animación». Este principio implica el uso de técnicas de dibujo específicas, como la deformación, la anticipación y la superposición, para crear una animación fluida y realista.

A pesar de la llegada de las tecnologías digitales, la animación tradicional sigue utilizándose hoy en día, sobre todo en la animación artística y las producciones independientes. La animación tradicional sigue siendo una forma de arte apreciada por su belleza y su capacidad para transmitir emociones a través del movimiento y el color.

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Películas de animación stop-motion

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La técnica cinematográfica de animación stop-motion, también conocida como animación fotograma a fotograma, es una técnica de animación tradicional que se ha utilizado desde los albores del cine. Consiste en crear una secuencia de imágenes fotografiadas fotograma a fotograma, donde cada imagen se modifica ligeramente para crear la ilusión de movimiento.

En el caso de la técnica de animación stop-motion, los objetos se mueven y se fotografían fotograma a fotograma para crear la animación. Por ejemplo, para crear una película de animación con esta técnica, los animadores pueden utilizar marionetas, objetos, modelos o muñecos que se mueven y fotografían a intervalos regulares.

El proceso de creación de una película de animación stop-motion requiere mucho tiempo, paciencia y precisión. Los animadores deben crear cada personaje y objeto utilizando materiales como plastilina, tela, goma y otros materiales. A continuación, los animadores tienen que mover cada personaje y objeto a la posición deseada y luego fotografiar cada fotograma individual.

Una vez fotografiados todos los fotogramas, se montan en secuencia para crear la historia de la película. A veces, los animadores también pueden añadir efectos especiales o sonido para crear una experiencia visual más envolvente.

El resultado final es una película de animación con un aspecto muy particular, donde cada fotograma es una imagen en stop-motion que se mueve con un efecto único. Esta técnica se ha utilizado para crear muchas películas de animación de éxito, como «Coraline», de Henry Selick, «Wallace & Gromit: La maldición de los conejos», de Nick Park, y «Isla de perros», de Wes Anderson.

Películas de animación por ordenador

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Las películas animadas por ordenador, también conocidas como películas animadas de imágenes generadas por ordenador (CGI), son obras cinematográficas creadas íntegramente por ordenador mediante técnicas de animación por ordenador. Estas películas combinan gráficos por ordenador, animación y renderizado para crear imágenes en movimiento que parecen reales.

La primera película de animación totalmente generada por ordenador fue «Toy Story», de Pixar, en 1995, que marcó un punto de inflexión histórico en el mundo de la animación. Desde entonces, la tecnología y las técnicas de animación por ordenador se han utilizado para crear otras muchas películas de animación de éxito, como «Shrek», «Frozen», «Zootopia», «Coco» y «Soul», por nombrar solo algunas .

Las películas animadas por ordenador tienen varias ventajas sobre las técnicas tradicionales de animación dibujadas a mano. En primer lugar, ofrecen una mayor libertad creativa porque las imágenes pueden manipularse y modificarse con más facilidad que en la animación tradicional. En segundo lugar, la tecnología CGI permite crear personajes y entornos que parecen más reales y detallados, lo que proporciona al público una experiencia visual muy envolvente.

Sin embargo, la animación por ordenador también requiere una gran inversión de tiempo y recursos. Crear un solo fotograma puede llevar horas o incluso días de trabajo, lo que significa que producir una película entera animada por ordenador puede requerir años de trabajo de un equipo de artistas y técnicos.

En general, las películas de animación por ordenador se han convertido en un género cinematográfico muy popular por su capacidad de ofrecer al público historias envolventes y visualmente impactantes. Con el continuo desarrollo de la tecnología CGI, es probable que veamos cada vez más películas animadas por ordenador en las salas de cine y en las plataformas de streaming en línea.

He aquí una lista de las mejores películas de animación de autor, consideradas obras maestras del género.

Blancanieves y los siete enanitos (1937)

Blancanieves y los siete enanitos es una película de animación producida por Walt Disney y estrenada en 1937. Es el primer largometraje de animación producido y una de las películas de animación más populares de todos los tiempos.

La película está basada en el cuento de los hermanos Grimm «Blancanieves y los siete enanitos». La trama sigue la vida de Blancanieves, una bella princesa que se ve obligada a huir del castillo donde vive por la envidia de su madrastra, la Reina Malvada. Blancanieves se refugia en una casa del bosque, donde vive con siete enanitos: Gruñón, Cachorro, Dotto, Eolo, Gongolo, Mammolo y Dormilón. La Reina Malvada descubre dónde se esconde Blancanieves e intenta matarla con una manzana envenenada, pero finalmente llega el príncipe del reino para salvarla con un cariñoso beso.

La película fue un gran éxito de taquilla y recibió una gran atención por parte de la crítica. También fue la primera película en ir acompañada de una banda sonora original, compuesta por música y canciones.

La película supuso un importante punto de inflexión en la historia de la animación y allanó el camino para la producción de varias otras películas de animación de éxito. La película también ha tenido un gran impacto cultural convirtiéndose en un icono popular en todo el mundo.

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Fantasía (1940)

Fantasía es una película de animación producida por Walt Disney Productions y estrenada en 1940. Se trata de una obra innovadora y experimental para la época, ya que la película mezcla animación y música clásica para crear una especie de «sinestesia» entre los sentidos del oído y la vista.

La película consta de ocho segmentos, cada uno de ellos acompañado por una banda sonora compuesta por grandes músicos como Beethoven, Chaikovski, Stravinski y Bach. Los segmentos, animados por algunos de los mejores artistas de la época, incluyen escenas de ballet, la danza de las hadas, la lucha entre el bien y el mal y mucho más.

Uno de los segmentos más famosos de Fantasía es probablemente «La Consagración de la Primavera» de Stravinsky, que narra la evolución de la vida en la Tierra, desde el nacimiento del sol hasta la aparición de los dinosaurios. El segmento fue criticado en su momento por su brutalidad y violencia, pero se ha convertido en una piedra angular de la animación moderna.

Fantasía fue un gran éxito de taquilla, pero suscitó reacciones encontradas entre la crítica. Sin embargo, en los años siguientes se ha convertido en una película de culto, apreciada tanto por su belleza visual como por su audacia artística. La película fue también muy influyente en la cultura popular, e inspiró muchas otras películas y producciones artísticas.

Pinocho (1940)

La película Pinocho, de 1940, es un clásico de la animación producido por Walt Disney Pictures y dirigido por Ben Sharpsteen y Hamilton Luske. La película está basada en la novela infantil de Carlo Collodi «Las aventuras de Pinocho».

La trama sigue las aventuras de la marioneta de madera Pinocho, creada por el carpintero Geppetto y entregada al Hada Azul. Pinocho tiene el deseo de convertirse en un niño de verdad y comienza así un viaje lleno de peligros y aventuras para demostrar que es digno de su humanidad.

A lo largo de la película, Pinocho conoce a personajes inolvidables como Pepito Grillo, el Gato y la Zorra, Stromboli y la temible Ballena. Cada personaje le enseña una importante lección sobre la vida y el valor de la verdad, la lealtad y el sacrificio.

La película fue un gran éxito de taquilla y recibió elogios de la crítica por su innovadora animación y su inolvidable banda sonora, que incluye canciones como «When You Wish Upon a Star». La película también ganó dos premios de la Academia, uno a la mejor banda sonora y otro a la mejor canción original.

Pinocho se ha convertido en un clásico de la cultura popular y sigue siendo apreciado por generaciones de espectadores de todas las edades.

Bambi (1942)

Bambi es una película de animación producida por Disney en 1942, basada en la novela homónima de Felix Salten. La película cuenta la historia de Bambi, un joven cervatillo que aprende a vivir en el bosque con sus amigos, el conejo Thumper y el mapache Faisán. Mientras crece, Bambi se enfrenta a muchos retos, entre ellos la pérdida de su madre a manos de unos cazadores.

La película fue dirigida por David Hand y producida por Walt Disney, y fue la quinta película de animación de Disney. Bambi destacó por su innovador uso de la tecnología de animación, como la creación de una gran variedad de fondos detallados y realistas, y por su representación precisa y conmovedora de la naturaleza y los animales.

La película fue un gran éxito comercial y recibió críticas positivas de la crítica. Bambi se ha convertido en uno de los clásicos más queridos de Disney, conocido por su impresionante animación y su poderosa historia que ha llegado al corazón de muchas generaciones de cinéfilos. El personaje de Bambi y su drama personal se han convertido en un icono cultural, y muchos elementos de la película se han hecho mundialmente famosos, como la canción «Here’s Bambi».

El príncipe rana (1954)

El Príncipe Rana se produjo en 1986 y es una adaptación del famoso cuento de hadas de los hermanos Grimm. La trama sigue la historia de una princesa que, tras perder su preciada bola dorada en un estanque, acepta la ayuda de una rana que le devuelve el objeto con la condición de que se convierta en su pareja.

La princesa acepta, pero luego se niega a cumplir su promesa, por lo que la rana la sigue hasta su castillo e insiste en que se le permita dormir en su cama. De la noche a la mañana, la rana se transforma en un apuesto príncipe gracias a la lealtad de la princesa y a su promesa cumplida.

La película fue dirigida por Brian Henson, hijo del famoso diseñador de marionetas Jim Henson, y utilizó efectos especiales de criaturas animatrónicas para crear el personaje de la rana. En el reparto figuraban actores como John Cleese, que ponía voz al rey, y Robin Wright, que interpretaba a la princesa.

El Príncipe Rana» recibió críticas generalmente positivas de la crítica por su innovadora animación y su reparto estelar, pero sólo tuvo un éxito moderado en taquilla. Sin embargo, la película se ha convertido en una especie de película de culto y ha ganado seguidores a lo largo de los años.

La reina de las nieves (1957)

La Reina de las Nieves es una película de animación soviética basada en el famoso cuento de hadas de Hans Christian Andersen. Fue dirigida por Lev Atamanov y producida por el estudio de animación Soyuzmultfilm.

La trama de la película sigue la historia de dos amigos, Kai y Gerda, que viven en un pueblo del norte de Rusia. Un día, Kai es secuestrada por la Reina de las Nieves y Gerda sale en su busca. Por el camino, conoce a varios personajes fantásticos que la ayudan en su misión.

La película ha recibido muchos elogios por su animación y su banda sonora, que incluye algunas de las canciones más famosas de la historia del cine de animación soviético. En particular, la canción «Snegurochka» («La doncella de las nieves») se ha hecho muy popular en la Unión Soviética y en todo el mundo.

La película tuvo un gran éxito en la Unión Soviética y ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Animación de Karlovy Vary en 1959. También se estrenó en varios países del mundo, recibiendo críticas positivas.

La película está considerada una de las obras maestras del cine de animación soviético y una de las mejores adaptaciones del cuento de Andersen a la gran pantalla.

La Bella Durmiente (1959)

La Bella Durmiente es una película de animación clásica producida por Walt Disney Pictures en 1959. Se basa en el cuento de hadas «La Bella Durmiente» de los hermanos Grimm y Charles Perrault.

La película cuenta la historia de la princesa Aurora, que es maldecida al nacer por la malvada bruja Maléfica. Según la maldición, Aurora morirá tras tocar el huso de una rueca antes de cumplir dieciséis años. Sin embargo, gracias al hada buena Flora, Aurora no muere, sino que cae en un profundo sueño que sólo puede romper el beso del amor verdadero.

La película es conocida por ser una de las obras maestras de la animación clásica de Disney, gracias a la belleza de las animaciones, las canciones y la banda sonora, compuesta por Tchaikovsky. La película también recibió un Oscar a la mejor banda sonora original.

La película fue un gran éxito de taquilla y consolidó la posición de Disney como líder de la animación. La película inspiró numerosos imitadores y remakes, y el personaje de Maléfica se ha convertido en una de las villanas más icónicas de todos los tiempos en la cultura popular.

El patito feo (1959)

El patito feo es una película danesa de animación de 1959 dirigida por Jannik Hastrup y Flemming Quist Møller, basada en el cuento de Hans Christian Andersen.

La historia sigue a un pollito feo que es marginado y objeto de burla por los demás animales de la granja debido a su aspecto diferente. Sin embargo, tras muchas dificultades y aventuras, el polluelo descubre que en realidad es un hermoso cisne, y finalmente es aceptado por los demás animales y por su familia.

La película es conocida por sus animaciones sencillas pero eficaces, que captan a la perfección la atmósfera del cuento de hadas original. La banda sonora fue compuesta por Bent Fabricius-Bjerre y cuenta con una canción icónica titulada «Den grimme ælling (El patito feo)».

El patito feo se ha convertido en un clásico del cine de animación y ha recibido numerosos premios y galardones, entre ellos la nominación al Oscar al mejor cortometraje de animación en 1960. También se ha adaptado a otras formas, como una serie de televisión y un musical teatral.

La línea (1969)

«La Linea» es una serie de cortometrajes de animación italianos creados por Osvaldo Cavandoli en 1969.

La serie consta de episodios de corta duración, aproximadamente 2-3 minutos cada uno, y sigue las aventuras de un personaje llamado «La Línea», que es esencialmente una línea sólida con dos ojos y una nariz.

La Línea se mueve divertidamente por la pantalla, encontrando obstáculos y situaciones cómicas mientras intenta encontrar la manera de superarlos. El personaje no habla, pero emite sonidos cómicos y sus expresiones faciales son divertidísimas.

La serie se ha emitido en muchos países de todo el mundo y ha conseguido un gran número de seguidores internacionales. Se ha convertido en un icono de la animación italiana y en un ejemplo de cómo un personaje sencillo pero creativo puede divertir y entretener a espectadores de todas las edades.

Vinni-Pukh (1969)

La película soviética de 1969 «Vinni-Pukh» es una versión animada de los cuentos de Winnie the Pooh, producida por el estudio de animación Soyuzmultfilm de la Unión Soviética y dirigida por Fyodor Khitruk. La película se ha convertido en un clásico de la animación rusa y ha sido muy apreciada en todo el mundo por su animación distintiva y única, así como por su tono ligero y humorístico.

El argumento de la película sigue las aventuras del oso melero Vinni-Pukh y sus amigos Tigger, Piglet, Conejo, Búho, Kanga y Roo en el Bosque de los Sueños. Como en la versión de Disney, la historia principal se centra en el intento de Vinni-Pukh de encontrar miel, pero la película soviética destaca por su uso del humor inteligente y la ironía. El tono de la película es muy sutil y hace hincapié en la belleza y la poesía de la naturaleza, así como en la importancia de la amistad y la ayuda mutua.

Los gráficos de la película se realizaron con una animación única e innovadora que utiliza colores vivos y una fuerte estilización de los personajes. El uso de técnicas avanzadas de animación permitió a la película crear una atmósfera muy especial, capaz de implicar a espectadores de todas las edades.

La película soviética «Vinni-Pukh» recibió numerosos premios y galardones internacionales y se convirtió en un clásico de la animación rusa. Su éxito ha dado lugar a varias secuelas y adaptaciones televisivas y cinematográficas a lo largo de los años.

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Érase una vez un perro (1982)

Érase una vez un perro es una película de animación soviética de 1988, dirigida por Eduard Nazarov y producida por el estudio de animación Soyuzmultfilm.

La película cuenta la historia de un cachorro de perro callejero que es separado de su madre y debe aprender a sobrevivir en las calles de una gran ciudad. Por el camino, conoce a otros animales callejeros y se hace amigo de un perro anciano llamado Charik.

La película es conocida por su argumento emotivo y conmovedor, así como por su descripción realista de la vida de los perros callejeros en la URSS. «Érase una vez un perro» se ha convertido en un clásico del cine de animación soviético y ha recibido numerosos premios en su país y en el extranjero.

Mi vecino Totoro (1988)

Mi vecino Totoro es una película de animación japonesa de 1988 dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película cuenta la historia de dos hermanas, Satsuki y Mei, que se trasladan con su padre a una casa de campo para estar más cerca del hospital donde su madre se recupera de una enfermedad.

A lo largo de la película, las hermanas se encuentran con diversas criaturas mágicas, entre ellas un ser gigante y peludo llamado Totoro, que se convierte en un amigo imaginario para las niñas. Totoro los lleva a vivir una serie de aventuras que incluyen descubrir un árbol mágico, rescatar a un joven bambú y ayudar a su madre enferma.

La película se ha convertido en un clásico de la cultura popular japonesa y ha sido aclamada por la crítica internacional por su detallada animación, su atractiva narración y su encantadora atmósfera. Mi vecino Totoro suele considerarse una de las mejores películas de animación de la historia y es una visita obligada para los aficionados al género y más allá.

La tumba de las luciérnagas (1988)

La tumba de las luciérnagas es una película de animación japonesa de 1988 dirigida por Isao Takahata y producida por Studio Ghibli. La película está basada en la novela semiautobiográfica de 1967 de Akiyuki Nosaka y cuenta la historia de dos hermanos, Seita y Setsuko, durante el Japón de la Segunda Guerra Mundial.

La película comienza con el bombardeo de Kobe en 1945, en el que Seita y Setsuko pierden a su madre y su hogar. Los dos hermanos se refugian en casa de su tía, pero su situación empeora cuando ésta se queja del impacto que tienen en su vida cotidiana. Seita y Setsuko deciden entonces irse a vivir solos a un refugio abandonado.

El resto de la película narra la angustiosa lucha de los dos hermanos por sobrevivir en un Japón devastado por la guerra, donde el hambre y las enfermedades son moneda corriente. A pesar de sus esfuerzos por encontrar comida y cuidar de Setsuko, el bebé acaba muriendo de inanición y Seita fallece poco después en un refugio.

Es una película conmovedora y a menudo considerada una de las obras más tristes y conmovedoras de la historia del cine. La película fue aclamada por la crítica por su extraordinaria animación y su descripción realista de la guerra y sus secuelas. Aunque fue un fracaso comercial en su estreno, la película ha ganado seguidores de culto a lo largo de los años y está considerada una de las obras maestras del cine de animación japonés.

Akira (1988)

«Akira» es una película de animación japonesa de 1988 dirigida por Katsuhiro Otomo. La película está basada en la serie de manga de Otomo del mismo nombre, y se ha convertido en una de las películas de animación japonesas más influyentes e icónicas de todos los tiempos.

La trama de la película se sitúa en un futuro distópico en 2019, después de que la Tercera Guerra Mundial haya destruido Tokio. La ciudad ha sido reconstruida en una megaciudad llamada Neo-Tokio, donde un grupo de jóvenes motoristas, entre los que se encuentra el protagonista Kaneda, se ven envueltos en una serie de acontecimientos relacionados con poderes psíquicos, un gobierno autoritario y misteriosos experimentos científicos.

La película fue aclamada por su innovadora animación, su impresionante banda sonora y su atrevida y compleja narrativa. También contribuyó a extender la popularidad del anime japonés por todo el mundo.

«Akira» fue una de las primeras películas de animación estrenadas internacionalmente y tuvo un impacto duradero en la cultura popular, inspirando muchas otras obras de ciencia ficción y anime.

El servicio de reparto de Kiki (1989)

Kiki’s Delivery Service es una película de animación japonesa de 1989 dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película está basada en la novela infantil «Majo no Takkyūbin» de la escritora Eiko Kadono.

La trama sigue a la joven bruja Kiki, que tiene que abandonar el hogar familiar y comenzar su formación como bruja. Kiki decide instalarse en una ciudad costera, donde abre un servicio de reparto en una escoba voladora. Por el camino conoce a varios personajes, entre ellos su gato negro Jiji y un joven panadero llamado Tombo.

La película explora temas como la amistad, la autonomía, la madurez y la autoaceptación. Kiki se enfrenta a muchas dificultades durante su aventura, pero aprende a crecer y a tener más confianza en sí misma, al tiempo que descubre su verdadero potencial como bruja.

Los gráficos de la película presentan efectos visuales brillantes y detallados, mientras que la banda sonora fue compuesta por el aclamado compositor Joe Hisaishi. «Kiki’s Delivery Service» se ha convertido en una de las películas de animación más queridas e icónicas de la cultura popular japonesa, y también ha ganado gran popularidad fuera de Japón.

La princesa Mononoke (1997)

La princesa Mononoke es una película de animación japonesa de 1997 dirigida por Hayao Miyazaki, producida por Studio Ghibli y distribuida en Italia por Lucky Red. La película se ha convertido en un clásico del género y en una de las más célebres de Miyazaki.

La historia está ambientada en el Japón medieval, y sigue la historia del joven guerrero Ashitaka, que busca una cura para su maldición tras matar a un dios poseído por un demonio. Durante su búsqueda, Ashitaka conoce a la princesa Mononoke, una joven criada entre lobos y aliada con los animales del bosque en la lucha contra los humanos que destruyen la naturaleza para construir sus ciudades.

La película es conocida por su fuerte mensaje ecológico y su capacidad para explorar temas complejos como la relación entre el hombre y la naturaleza, la violencia, la espiritualidad y la mortalidad. La Princesa Mononoke también destaca por su detallada y precisa animación, que representa una obra de arte visual que combina tradición e innovación.

La película alcanzó un gran éxito de crítica y público, convirtiéndose en uno de los filmes más emblemáticos de la historia del cine de animación japonés y ganando numerosos premios en todo el mundo. Su influencia cultural ha sido enorme, influyendo en muchas obras posteriores del cine de animación e inspirando a artistas de distintos campos.

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Azul perfecto (1997)

Perfect Blue es una película japonesa de animación psicológica de 1997 dirigida por Satoshi Kon y basada en la novela Perfect Blue: Metamorfosis completa de Yoshikazu Takeuchi.

La película sigue la historia de Mima Kirigoe, una estrella del pop japonés que decide abandonar el mundo de la música para convertirse en actriz. Sin embargo, su transición al mundo del cine no es fácil, ya que se ve envuelta en una serie de sucesos extraños e inquietantes que amenazan su salud mental.

El tema central de Perfect Blue es la identidad y cómo la percepción de uno mismo puede verse influida por la opinión de los demás. La película también explora las consecuencias negativas de la obsesión de los aficionados y del mundo del espectáculo sobre los implicados.

Perfect Blue es una película que destaca por su estilo visual único, que mezcla elementos de la animación tradicional japonesa con la cinematografía occidental. Además, la banda sonora de la película, compuesta por Masahiro Ikumi, contribuye a crear una atmósfera inquietante y perturbadora.

La película fue aclamada por la crítica por su complejo argumento y la forma en que aborda temas serios como la salud mental, la sexualidad y la violencia. Perfect Blue se ha convertido en una película de culto y ha inspirado a muchos directores y artistas a lo largo de los años.

Lucky y Zorba (1998)

Lucky y Zorba es una película de animación italiana de 1998 dirigida por Enzo D’Alò y basada en el libro infantil homónimo de Luis Sepúlveda.

La historia se desarrolla en una colonia de gaviotas en la costa de Sudamérica. El protagonista es Kengah, una joven gaviota que sueña con volar cada vez más alto. Un día conoce a Zorba, un gato callejero que ha sido perseguido por su banda. Zorba, que busca un lugar donde pasar la noche, conoce a Kengah y ambos se hacen amigos. Cuando Kengah descubre que sus padres han sido capturados por un grupo de humanos, Zorba se ofrece a ayudarla a liberarlos.

La película trata temas como la amistad, la solidaridad, la libertad y la naturaleza. La banda sonora, compuesta por Ennio Morricone, fue muy elogiada y la película recibió numerosos galardones, entre ellos el premio a la mejor película de animación en el Festival de Annecy de 1998.

La película se ha convertido en un clásico del cine de animación italiano y ha dado a conocer la historia de Luis Sepúlveda a un público más amplio.

Ghost in the Shell (1995)

Ghost in the Shell es una película de animación japonesa de 1995 dirigida por Mamoru Oshii y basada en el manga homónimo de Masamune Shirow. La película ha tenido una gran influencia en la animación japonesa y en la cultura popular en general.

La trama de la película se sitúa en un futuro próximo, en el que las fronteras entre el hombre y la máquina son cada vez más difusas. La protagonista es la Mayor Motoko Kusanagi, una cyborg de la unidad de seguridad pública Sección 9, a la que se asigna la investigación de un misterioso hacker conocido como «El Marionetista», que está atacando las mentes de los ciudadanos a través del ciberespacio.

La película explora temas complejos como la identidad, la conciencia, la inteligencia artificial y la relación entre cuerpo y mente. La trama presenta muchas escenas de acción, peleas y persecuciones, pero también momentos de introspección y reflexión filosófica.

Los gráficos de la película eran innovadores para su época, ya que utilizaban gráficos por ordenador tradicionales y animación para crear una visión futurista y surrealista de la ciudad de Neo-Tokio. La banda sonora, compuesta por Kenji Kawai, fue especialmente elogiada por su estilo sucinto y atmosférico.

El éxito de Ghost in the Shell ha dado lugar a la creación de numerosas obras derivadas, como secuelas, spin-offs, videojuegos y adaptaciones cinematográficas de acción real. La película está considerada un clásico de la animación japonesa y ha influido en muchas otras películas de ciencia ficción y ciberpunk.

La Bella y la Bestia (1991)

La Bella y la Bestia es una película clásica de animación producida por Walt Disney Pictures en 1991. Fue dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise y se basó en el cuento de hadas francés «La Belle et la Bête», escrito por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont.

La trama de la película sigue a una joven llamada Belle, que vive en un pequeño pueblo francés con su padre Maurice. Belle es una ávida lectora y soñadora, pero a menudo sus vecinos se burlan de ella por su extravagancia y su desinterés por los hombres del pueblo que intentan cortejarla. Un día, Maurice se adentra en el bosque y es hecho prisionero por la Bestia, un príncipe transformado en horrible criatura por una bruja que lo había condenado a vivir como tal hasta que encontrara el verdadero amor.

Belle se ofrece a tomar el lugar de su padre como prisionera de la Bestia y es llevada al castillo de la criatura, donde se hace amiga de los objetos animados encantados del castillo y empieza a descubrir que la Bestia es en realidad un alma bondadosa bajo su brutal exterior. Mientras tanto, Gastón, el cazador local, descubre que Maurice ha desaparecido e intenta que la gente del pueblo forme una turba para atacar a la Bestia.

La película cuenta con varias canciones memorables, como «Belle», «Be Our Guest» y «Beauty and the Beast», que obtuvieron múltiples premios, entre ellos el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original y a la Mejor Canción Original. La película fue también un gran éxito comercial, recaudando más de 400 millones de dólares en todo el mundo y convirtiéndose en la primera película de animación nominada al Oscar a la mejor película.

La película fue elogiada por su innovadora animación y su conmovedora historia de amor, que cautivó al público de todas las edades. La película se ha convertido en un clásico del género animado y ha inspirado numerosas adaptaciones teatrales y cinematográficas posteriores, incluida una versión de acción real de 2017 producida por Disney.

Paprika (2006)

«Paprika» es una película de animación japonesa de 2006 dirigida por Satoshi Kon. La película está basada en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui y fue producida por el estudio Madhouse. La película se estrenó en Japón el 25 de noviembre de 2006 y en muchos países del mundo en 2007.

La trama de la película gira en torno a una nueva tecnología llamada «DC Mini», que permite a la gente entrar en sus sueños y grabarlos. La tecnología está siendo desarrollada por un equipo de científicos dirigidos por la Dra. Atsuko Chiba, que utiliza una identidad virtual llamada «Paprika» para navegar por los sueños de sus pacientes y ayudarles a superar sus problemas psicológicos.

Sin embargo, cuando los prototipos de «DC Mini» son robados y empiezan a causar estragos en el mundo de los sueños y la realidad, Paprika se ve inmersa en una aventura para detener al criminal responsable y salvar al mundo de que se difumine la línea entre sueño y realidad. realidad.

La película fue elogiada por su animación de alta calidad y su argumento complejo y original. En particular, muchos críticos alabaron la representación visual del mundo onírico, que utiliza una variedad de estilos artísticos y colores vibrantes para crear una experiencia visual única.

Paprika» también ha sido comparada con otras películas de animación japonesas como «Ghost in the Shell» y «Akira» por su capacidad para abordar temas complejos como la naturaleza de la realidad, la percepción del yo y la ética de la tecnología. La película se ha convertido en un favorito de culto a lo largo de los años y se considera un hito en la historia de la animación japonesa.

Las trillizas de Belleville (2003)

«Las trillizas de Belleville» es una película de animación francesa de 2003 escrita y dirigida por Sylvain Chomet. La película fue nominada al Oscar como mejor película de animación y recibió numerosos premios en festivales internacionales.

La trama sigue la historia de Madame Souza, una anciana que adopta a su sobrino Champion, un joven ciclista con grandes ambiciones. Cuando Champion es secuestrado durante el Tour de Francia, Madame Souza se propone encontrarlo, ayudada por las «Trillizas de Belleville», tres cantantes de cabaret retiradas.

La película es conocida por su estilo visual único y su original banda sonora, que incluye pocas palabras y se basa sobre todo en efectos de sonido y música jazz. La narración carece casi por completo de diálogos, y los personajes se comunican a través de expresiones faciales y gestos.

«Las trillizas de Belleville» es una película caprichosa y surrealista, con una gran atención al detalle y a la atmósfera, lo que la convierte en una auténtica experiencia visual y auditiva. Es un homenaje a la cultura francesa, al cine mudo y al jazz, pero también una reflexión sobre las consecuencias de la modernidad y el progreso en la sociedad y las personas.

Actriz del Milenio (2001)

Millennium Actress es una película de animación japonesa de 2001 dirigida por Satoshi Kon. La película cuenta la historia de Chiyoko Fujiwara, una famosa actriz de cine japonesa que, durante una entrevista, habla de su vida y su carrera.

La narración de la película abarca varias décadas de la vida de Chiyoko, desde sus primeras experiencias como actriz durante la Segunda Guerra Mundial, pasando por su ascenso a la fama en las décadas de 1950 y 1960, hasta su retirada de los escenarios en la década de 1970.

La película es una asombrosa obra de arte que mezcla a la perfección realidad y fantasía, creando una especie de viaje onírico a través de la vida de la actriz. La dirección de Satoshi Kon es magistral, utilizando técnicas de montaje no lineales para construir la historia y sumergirnos en la psicología del personaje.

En Millennium Actress, Kon explora los temas del tiempo, el amor y la memoria, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la vida y el arte. La película fue aclamada por la crítica y ganó numerosos premios internacionales, consolidando la posición de Satoshi Kon como uno de los directores más importantes e innovadores del cine de animación japonés.

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Spirited Away (2001)

Spirited Away es una película de animación japonesa de 2001 dirigida por el legendario director Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película sigue las aventuras de Chihiro, una joven que se ve atrapada en un mundo sobrenatural después de que sus padres se conviertan en cerdos por una maldición.

Chihiro debe intentar salvar a sus padres y encontrar el camino de vuelta a casa, pero para ello tendrá que superar una serie de retos y conocer a diversos personajes extraños y maravillosos, como el espíritu del río Haku y la misteriosa bruja Yubaba.

Uno de los aspectos más fascinantes de la película es su surrealista mundo de fantasía, repleto de criaturas extrañas y maravillosas, como dragones, espíritus de la naturaleza y otros seres mágicos. La animación es increíblemente detallada y los efectos visuales están llenos de colores vivos y detalles que hacen del mundo de Spirited Away un lugar impresionante y encantador.

La película también aborda temas importantes como la importancia de la familia, la fuerza interior y el valor de la humanidad, todo ello envuelto en una historia fantástica y atractiva que ha sido aclamada por la crítica y el público de todo el mundo. La película ganó numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película de animación en 2003, y está considerada una de las mejores películas de animación de todos los tiempos.

El castillo ambulante de Howl (2004)

Howl’s Moving Castle es una película de animación japonesa de 2004 dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película está basada en la novela homónima de la escritora británica Diana Wynne Jones.

El argumento de la película sigue las aventuras de Sophie, una joven que trabaja como sombrerera, que es maldecida por una bruja y transformada en una anciana. En busca de una cura para su maldición, Sophie conoce a Howl, un mago excéntrico y misterioso que vive en un castillo ambulante.

Junto a él y sus compañeros, entre los que se encuentran un niño llamado Marco y un demonio de fuego llamado Calcifer, Sophie se enfrentará a numerosas aventuras y peligros para derrotar a la bruja y descubrir el secreto del castillo móvil de Howl.

La película fue elogiada por su animación de alta calidad, su atractiva banda sonora y su encantadora historia. El director Miyazaki ha declarado que la película se centra en temas bélicos, de inocencia perdida y de la relación entre las personas y la naturaleza. La película recibió numerosos premios y galardones, entre ellos el premio a la mejor película de animación en el Festival de Venecia de 2004 y una nominación al Oscar a la mejor película de animación en 2006.

La maldición de los conejos (2005)

La maldición de los conejos es una película de animación de 2005 dirigida por Nick Park y Steve Box y producida por Aardman Animations. La película es el tercer cortometraje protagonizado por Wallace y Gromit, los dos famosos personajes creados por Aardman.

La trama sigue las aventuras de Wallace, un excéntrico inventor, y su fiel perro Gromit, mientras intentan resolver el misterio de un hombre-conejo que está aterrorizando el pueblo donde viven. Wallace es un entusiasta del queso y, para ganarse la vida, fundó una empresa que se dedica a eliminar los conejos que invaden los campos de los agricultores. Gromit, en cambio, es el cerebro del dúo y el verdadero motor de sus negocios.

La película fue aclamada por la crítica por su impecable animación stop-motion y su humor surrealista. Ha ganado numerosos premios, entre ellos el Oscar a la mejor película de animación en 2006, el BAFTA a la mejor película de animación británica en 2006 y el Premio Hugo a la mejor película de drama en 2006.

La película se convirtió en un clásico de la animación y cimentó el éxito de los dos personajes creados por Aardman, que pasaron a inspirar una serie de spin-offs, cortometrajes y videojuegos.

Ponyo (2008)

Ponyo es una película de animación japonesa de 2008 dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película se estrenó en Japón el 19 de julio de 2008 y en Estados Unidos el 14 de agosto de 2009.

El argumento de la película gira en torno a la historia de Ponyo, un mágico pez dorado que vive en un acuario en casa de un niño llamado Sosuke. Ponyo anhela convertirse en humano y un día se escapa del acuario, provocando involuntariamente una tormenta que pone en peligro la ciudad costera de Sosuke. Durante su huida, Ponyo conoce a Sosuke y ambos se hacen amigos.

Ponyo decide convertirse en humano y busca la ayuda de la magia para hacerlo, causando aún más problemas cuando esta magia empieza a provocar inundaciones y tsunamis por todo el mundo. Sousuke y Ponyo tendrán que encontrar la forma de controlar la magia y devolver el equilibrio al mundo.

La película fue bien recibida por la crítica, que alabó la animación, la banda sonora y la narración. La película también fue nominada a varios premios, incluido el Oscar a la mejor banda sonora original. La película se ha convertido en una de las más queridas de Miyazaki y del Studio Ghibli por su imaginativa narrativa y sus temas ecológicos.

Wall-E (2008)

Wall-E es una película de animación producida por Pixar Animation Studios y dirigida por Andrew Stanton. Se estrenó en 2008 y rápidamente se convirtió en un clásico del cine de animación.

El argumento de la película sigue las aventuras de Wall-E, un robot solitario que se queda en la Tierra para limpiarla después de que los humanos abandonen el planeta por exceso de contaminación. Wall-E pasa sus días compactando la basura que ha dejado atrás la humanidad, pero sueña con tener una vida diferente.

Un día, una robot llamada Eve llega al planeta, encargada de buscar señales de vida en la Tierra. Wall-E se enamora de Eve y la sigue al espacio, donde descubren una nave espacial que alberga a los últimos supervivientes humanos. Wall-E y Eve trabajan juntos para salvar a los humanos y traerlos de vuelta a la Tierra.

La película fue aclamada por la crítica por su asombrosa animación, su atractivo argumento y su mensaje ecológico. También fue nominada a varios premios, entre ellos el Oscar a la mejor película de animación y el Premio Hugo al mejor drama.

Wall-E es una película que trata temas importantes como la sostenibilidad medioambiental, la importancia de las relaciones humanas y la fuerza de la innovación tecnológica. Ha tenido un impacto significativo en la cultura popular y sigue siendo una película muy querida por muchas personas de todas las edades.

Vals con Bashir (2008)

«Vals con Bashir» es una película de animación israelí de 2008 escrita y dirigida por Ari Folman. La película narra la historia del propio Folman, veterano de la guerra del Líbano de 1982, que intenta reconstruir sus recuerdos de aquella guerra a través de entrevistas con sus antiguos compañeros de armas.

La película explora temas como la memoria, la culpa, la responsabilidad y la violencia de la guerra. La narración se caracteriza por escenas de guerra realistas y crudas, alternadas con imágenes oníricas y surrealistas.

Una de las características más interesantes de la película es el uso de la técnica de animación para contar una historia tan intensa y dramática. Optar por la animación permite representar la realidad a través de una lente diferente, creando una distancia emocional que permite al espectador observar la realidad de forma más objetiva.

La película fue aclamada por la crítica y ganó numerosos premios, entre ellos el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y el premio a la mejor película de habla no inglesa en los National Society of Film Critics Awards. «Vals con Bashir» es una película poderosa y atractiva que aborda temas difíciles de forma original e inspiradora.

Redline (2009)

Redline es una película de animación japonesa de 2009 dirigida por Takeshi Koike y producida por Madhouse. La película sigue la historia del piloto JP, que se clasifica para la legendaria carrera de coches Redline. La Redline es una carrera intergaláctica por carretera que se celebra ilegalmente en un planeta lejano y en la que cada piloto sólo tiene una oportunidad de participar. JP no sólo tiene que enfrentarse a sus rivales en la carrera, sino también al gobierno intergaláctico, que pretende detener la carrera a toda costa.

La película destaca por su espectacular y detallada animación, que utiliza una combinación de técnicas tradicionales y digitales para crear una experiencia visual única. La banda sonora de la película, compuesta por James Shimoji, es igualmente impresionante, con una mezcla de música electrónica, rock y hip-hop que acompaña perfectamente la acción.

La película fue bien recibida por la crítica por su llamativa animación y atractivo argumento, pero tuvo poco éxito en taquilla. A pesar de ello, se ha convertido en un favorito de culto para los aficionados al cine de animación y a las carreras de coches, y está considerada una de las películas más representativas del género.

Up (2009)

«Up» es una película de animación producida por Pixar Animation Studios en 2009. La película fue dirigida por Pete Docter, y entre los guionistas se encuentran Bob Peterson y Thomas McCarthy. La banda sonora de la película fue compuesta por Michael Giacchino.

El argumento de la película sigue la historia de Carl Fredricksen, un anciano viudo que decide cumplir el sueño de su vida: volar a Sudamérica con su casa, atada con miles de globos de colores. A Carl le acompaña el joven Russell, un boy scout que quiere conseguir su última insignia al mérito para convertirse en scout senior.

El viaje de Carl y Russell por Sudamérica se convierte en una emocionante aventura, durante la cual conocen a personajes como el perro parlante Dug, el feroz Kevin (un pájaro tropical) y el villano Charles Muntz, un famoso explorador.

«Up» fue un gran éxito de crítica y público. Ganó numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película de animación en 2010. La película fue especialmente elogiada por su atractivo argumento, sus divertidos y conmovedores personajes y sus impresionantes efectos visuales, que rendían homenaje a la belleza de la naturaleza. sudamericano.

Coraline (2009)

Coraline es una película de animación de 2009 dirigida por Henry Selick y basada en la novela juvenil de 2002 de Neil Gaiman.

La trama sigue a la joven Coraline, que se muda con sus padres a una vieja casa. La niña se siente sola y abandonada, hasta que descubre una puerta secreta que conduce a otra versión de su hogar, donde conoce a sus «otros padres», que parecen perfectos, pero esconden un lado oscuro. Coraline tendrá que enfrentarse a un camino de crecimiento y valentía para liberarse de la trampa en la que ha caído y salvar a su verdadera familia.

La película fue aclamada por la crítica por su dirección, animación stop-motion y atmósfera oscura y espeluznante, acorde con la historia. Ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Oscar a la Mejor Animación en 2010.

Cómo entrenar a tu dragón (2010)

Cómo entrenar a tu dragón es una película de animación de 2010 producida por DreamWorks Animation y dirigida por Chris Sanders e Dean DeBlois. La película está basada en la novela homónima de Cressida Cowell de 2003.

La trama de la película sigue al joven vikingo llamado Hipo, que vive en la isla de Berk, donde los vikingos y los dragones han estado en guerra durante generaciones. A pesar de ser hijo del jefe de la aldea, Hipo no es un guerrero muy hábil, pero siente una curiosidad innata por los dragones y, durante una de sus exploraciones, descubre una cría de dragón herida, a la que decide llamar Desdentao.

Al principio, Hipo intenta entrenar a Desdentao para demostrar su valía a su padre y a la comunidad, pero con el tiempo, los dos se hacen muy amigos y descubren que la guerra entre dragones y vikingos se basa en realidad en una serie de malentendidos y prejuicios.

La película recibió críticas positivas de crítica y público, que elogiaron la trama, la dirección, los efectos visuales y las interpretaciones vocales. La película recaudó más de 500 millones de dólares en todo el mundo y dio lugar a dos secuelas y una serie de televisión. La banda sonora, compuesta por John Powell, también recibió una nominación al Oscar a la mejor banda sonora original. La película se ha convertido en uno de los clásicos modernos de la animación, con un fuerte mensaje sobre la tolerancia y la comprensión de las diferencias.

Zootopia (2016)

Zootopia es una película de animación de 2016 producida por Walt Disney Animation Studios. La película está ambientada en una ciudad ficticia llamada Zootopia, habitada por animales antropomórficos, donde una conejita llamada Judy Hopps se une al cuerpo de policía local como la primera conejita de la historia de la ciudad.

La trama de la película sigue a Judy en su búsqueda para resolver un misterioso caso de animales desaparecidos, donde conoce a un zorro pícaro llamado Nick Wilde, que se convierte en su compañero. Juntos, intentan salvar las diferencias entre sus especies y derrotar una conspiración que amenaza la estabilidad de Zootopia.

La película aborda temas como la diversidad, la igualdad y la tolerancia, y recibió críticas positivas de la crítica por su mensaje positivo, su humor y su animación de alta calidad. También logró un gran éxito comercial, recaudando más de mil millones de dólares en todo el mundo.

Zootopia ha ganado numerosos premios, entre ellos el Oscar a la mejor película de animación en 2017 y el Globo de Oro a la mejor película de animación ese mismo año. La película también inspiró varias atracciones en los parques temáticos de Disney de todo el mundo y dio lugar a una serie de libros y cómics basados en la historia y los personajes de la película.

Del revés (2015)

Inside Out es una película de animación de 2015 producida por Pixar Animation Studios y dirigida por Pete Docter. La película fue aclamada por la crítica y se convirtió en un gran éxito de taquilla.

La trama sigue la vida emocional de una joven llamada Riley, que se traslada con su familia a la ciudad de San Francisco. Las emociones de Riley -Alegría, Tristeza, Ira, Asco y Miedo- se representan como personajes dentro de su mente y trabajan juntas para gestionar sus experiencias y recuerdos.

Cuando Alegría y Tristeza se encuentran accidentalmente separadas del centro de control emocional de Riley y son absorbidas por el abismo de la mente, deben trabajar juntas para regresar al centro de control y restablecer el equilibrio de las emociones de Riley.

La película trata de forma creativa y entretenida temas importantes como la importancia de las emociones en la vida humana, la importancia del cambio y la adaptación, la complejidad de la identidad personal y la importancia de las relaciones interpersonales.

Inside Out ha sido elogiada por su originalidad, su conmovedora historia, sus impactantes efectos visuales y su capacidad para dirigirse a públicos de todas las edades. Ha recibido numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película de animación.

Coco (2017)

Coco es una película musical de animación de 2017 producida por Pixar Animation Studios y dirigida porLeeUnkrich. La película está ambientada durante el Día de los Muertos en México y sigue las aventuras de Miguel, un joven que sueña con convertirse en un músico famoso, pero al que su familia ha prohibido la música.

Miguel se entera de que su bisabuelo, un famoso músico, podría ser el padre del legendario cantante Ernesto de la Cruz. Decidido a demostrar su parentesco con de la Cruz, Miguel se embarca en una aventura al mundo de los muertos, donde conoce al simpático Héctor y juntos intentan descubrir la verdad sobre su familia.

La película fue muy elogiada por su mensaje familiar, que recuerda a sus espectadores la importancia de honrar las raíces y la familia de cada uno. Además, la banda sonora original de la película, que incluye canciones como «Remember Me» y «Un Poco Loco», fue un gran éxito y ganó varios premios, entre ellos el Oscar a la Mejor Canción Original.

Coco también ha recibido elogios por su auténtica representación de la cultura mexicana y del Día de los Muertos, con gran atención al detalle y sensibilidad cultural. La película recibió críticas positivas de crítica y público y se convirtió en una de las películas de animación mejor valoradas de la historia.

El gato Cenicienta (2017)

«Cenicienta, la gata» es una película de animación italiana de 2017 dirigida por Alessandro Rak, Ivan Cappiello, Marino Guarnieri y Dario Sansone. La película se estrenó en el Festival de Venecia de 2017 y ganó varios premios, incluido el David di Donatello a la mejor película de animación en 2018.

La película es una adaptación moderna del cuento de Cenicienta ambientada en el Nápoles contemporáneo, pero en una versión muy diferente del cuento original. La protagonista de la película es una chica llamada Mia, que vive en un mundo dominado por el crimen organizado. Tras la muerte de su madre, Mia se ve obligada a trabajar como criada de su madrastra y sus hermanastras, pero sueña con salir de la pobreza y convertirse en una cantante de éxito.

La trama de la película sigue la historia de Mia mientras intenta cumplir sus sueños y escapar de su vida de miseria. Junto con su amigo, el gato Micio, y su hada madrina, el dios del Vesubio, Mia intenta ganar un concurso de canto que podría cambiar su vida para siempre. Mientras tanto, su padrastro y su madrastra traman utilizar su talento para enriquecerse.

La película fue elogiada por su animación innovadora, su banda sonora original y su convincente argumento. Su singular ambientación en el Nápoles contemporáneo, junto con sus personajes bien desarrollados, la convierten en una adaptación sorprendentemente moderna del clásico cuento de Cenicienta.

Isle of Dogs (2018)

Es una película de animación stop-motion de 2018 dirigida por Wes Anderson. La película está ambientada en un futuro distópico en el que el alcalde de la ciudad japonesa de Megasaki ha declarado que todos los perros están enfermos y los ha exiliado a un vertedero en la Isla de los Perros.

La historia sigue a un niño de doce años llamado Atari Kobayashi, sobrino del alcalde, que se aventura a la Isla de los Perros en busca de su perro mascota, Spots. Allí conoce a un grupo de perros callejeros que le ayudan en su búsqueda. La Pandilla Canina incluye al líder, Rex, el pastor alemán; Boss, el bulldog americano; Duke, el perro callejero; King, el perro que una vez fue líder de un circo; y Chief, el solitario perro callejero.

La película destaca por su singular estética y banda sonora, que incorpora elementos de la cultura japonesa y de la orquesta tradicional japonesa de taiko. El reparto de voces incluye nombres como Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Tilda Swinton y Yoko Ono.

En general, la película fue bien recibida por la crítica y ganó el Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín de 2018. Sin embargo, la película también ha sido criticada por su representación de la cultura japonesa y su uso de estereotipos culturales.

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