Películas sobre dinero para ver

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Índice

Películas sobre dinero son un género cinematográfico que explora el tema del dinero, la riqueza y la pobreza. Estas películas pueden ser de diferentes géneros, incluyendo drama, comedia, suspenso y acción.

Las películas sobre dinero se pueden dividir en varias categorías, según su tema principal:

Películas sobre finanzas y negocios: estas películas exploran el mundo de las finanzas y los negocios, como «Wall Street» (1987), «Margin Call» (2011) y «The Big Short» (2015).

Películas sobre juegos de azar: estas películas exploran el mundo del juego, como «Casino» (1995), «Rounders» (1998) y «21» (2008).

Películas sobre estafa: estas películas exploran el mundo de la estafa y el engaño, como «The Sting» (1973), «Atrápame si puedes» (2002) y «La gran estafa americana» (2013).

Películas sobre riqueza y pobreza: estas películas exploran el contraste entre riqueza y pobreza, como «Slumdog Millionaire» (2008), «Inside Job» (2010) y «Parasite» (2019).

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Las películas sobre dinero pueden explorar una variedad de temas, que incluyen:

El poder del dinero: El dinero puede ser una herramienta poderosa que puede brindarle poder e influencia.

Codicia: La codicia es una fuerza poderosa que puede conducir al mal.

La injusticia: El dinero puede utilizarse para perpetuar la injusticia.

El sueño americano: El dinero suele verse como un símbolo del sueño americano.

Las películas sobre dinero pueden ser a la vez divertidas y dramáticas. Pueden hacernos reflexionar sobre el poder del dinero y sus consecuencias.

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El gran Gatsby (1926)

El gran Gatsby (1926) es una adaptación cinematográfica muda de la novela homónima de F. Scott Fitzgerald. Fue dirigida por Herbert Brenon y está protagonizada por Warner Baxter como Jay Gatsby y Lois Wilson como Daisy Buchanan.

La película fue un fracaso comercial y de crítica, y durante muchos años se pensó que estaba perdida. Sin embargo, en 1976 se redescubrió una copia de la película y desde entonces ha sido restaurada y lanzada en DVD.

La película es una adaptación fiel de la novela y captura la atmósfera de los locos años veinte. Sin embargo, la película también es bastante lenta y melodramática, y no es tan efectiva como la novela.

A pesar de sus defectos, El gran Gatsby (1926) es una película importante porque es la primera adaptación cinematográfica de una de las novelas más famosas de Fitzgerald. También es un valioso documento histórico, ya que permite vislumbrar el mundo del cine en la década de 1920.

Revisar

El gran Gatsby (1926) es una mezcla de cosas. Es una adaptación fiel de la novela y captura la atmósfera de los locos años veinte. Sin embargo, la película también es bastante lenta y melodramática, y no es tan efectiva como la novela.

Warner Baxter es adecuado en el papel de Jay Gatsby, pero carece del carisma y encanto del personaje de la novela. Lois Wilson también es buena como Daisy Buchanan, pero es demasiado mayor para el papel.

Los valores de producción de la película son altos para la época y los decorados y el vestuario son excelentes. Sin embargo, la dirección de la película no tiene inspiración y el ritmo es lento.

Curiosidades

  • La película se rodó en Long Island, Nueva York, en el mismo lugar donde Fitzgerald ambientó su novela.
  • Warner Baxter usó lentes de contacto de colores para interpretar el papel de Jay Gatsby.
  • La película fue distribuida por Paramount Pictures.

Recomendación

El gran Gatsby (1926) es una película olvidada y descuidada durante mucho tiempo. Sin embargo, en los últimos años ha comenzado a recibir una renovada atención por parte de la crítica y el público.

Otra razón del renovado interés probablemente se deba al hecho de que la película es una poderosa imagen de la era del jazz. La película captura la atmósfera de riqueza y extravagancia de la época, pero también su oscuridad y tragedia.

Catalogo

Metrópolis (1927)

Metrópolis (1927) es una película muda dirigida por Fritz Lang y escrita por Thea von Harbou en colaboración con Lang a partir de la novela homónima de von Harbou de 1925. Ambientada en una ciudad distópica futurista en 2026, la película sigue las hazañas de Freder, el joven hijo del maestro de la ciudad, Joh Fredersen, y María, una maestra que es una figura sagrada para los trabajadores de la ciudad.

Freder descubre las condiciones de vida de los trabajadores, que se ven obligados a trabajar en condiciones inhumanas en las profundidades de la ciudad. Se enamora de María y, para ayudarla, se disfraza de trabajador.

María es acusada de incitar a una revuelta de trabajadores y es asesinada por un androide que se parece a ella. Freder, angustiado, va a una cueva para encontrar la paz. Allí conoce a un robot que ha sido programado para ser su alter ego.

Recepción

Metropolis fue un éxito comercial y de crítica tras su lanzamiento. Fue elogiada por sus innovadores efectos especiales, su visión distópica del futuro y su fuerte crítica social.

La película fue un hito del cine mudo y ha tenido una influencia significativa en otras películas, incluidas 2001: Una odisea en el espacio de Stanley Kubrick y Blade Runner de Ridley Scott.

Análisis

Metropolis es una película compleja y de múltiples capas. Es una alegoría de la sociedad industrial, que divide a la gente en dos clases: los ricos, que viven en una ciudad subterránea, y los pobres, que trabajan en las fábricas.

La película es también una crítica social a la desigualdad y alienación que provoca el capitalismo.

Revisar

Metrópolis es una película impresionante que sigue siendo relevante hoy en día. Es una obra maestra visual y un poderoso mensaje social.

La película está bien hecha y presenta algunos de los efectos especiales más innovadores de su época. La visión distópica del futuro de la película sigue siendo inquietante y su crítica social sigue siendo relevante.

Curiosidades

  • Metropolis es una de las películas más caras jamás realizadas en el momento de su estreno.
  • La película se rodó en 65 días y contó con más de 30.000 extras.
  • Metropolis fue un éxito comercial y de crítica tras su lanzamiento, pero luego fue olvidado durante muchos años.
  • La película fue restaurada en la década de 1980 y desde entonces ha sido redescubierta por el público moderno.

Metrópolis puede considerarse una película sobre dinero porque explora los problemas de desigualdad y alienación causados ​​por el capitalismo.

La película muestra cómo el dinero puede dividir a la gente en dos clases: los ricos, que lo tienen todo, y los pobres, que no tienen nada.

La película también critica la forma en que se puede utilizar el dinero para controlar a las personas. Joh Fredersen, el dueño de Metropolis, usa el dinero para mantener a los trabajadores bajo control.

El ángel azul (1929)

El ángel azul (1929) es una película muda alemana dirigida por Josef von Sternberg y protagonizada por Marlene Dietrich y Emil Jannings. La película es un melodrama ambientado en el Berlín de los años 20 y cuenta la historia de Lola Lola, una cantante de cabaret que seduce y destruye a un joven escritor.

Trama

Lorenz es un joven escritor que llega a Berlín en busca de trabajo. Un día ve a Lola Lola actuando en un cabaret y de inmediato se siente atraído por ella. Lola Lola es una mujer encantadora y misteriosa, y Lorenz rápidamente queda cautivado por sus formas seductoras.

Los dos comienzan una aventura apasionada, pero Lola Lola no es la mujer que Lorenz pensaba que era. Es una mujer calculadora y sin escrúpulos que utiliza a los hombres para sus propios fines.

Recepción

El Ángel Azul fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiado por su dirección, actuaciones y cinematografía.

La película convirtió a Marlene Dietrich en una de las estrellas más importantes del cine.

Análisis

El Ángel Azul es una película compleja y de múltiples capas. Es una alegoría de la naturaleza del amor y el poder destructivo de la pasión.

La película es también una crítica social de la sociedad burguesa de los años veinte. La figura de Lola Lola representa el peligroso atractivo del consumismo y la superficialidad.

Revisar

El Ángel Azul es una película que ha resistido la prueba del tiempo. Es una historia dramática y atractiva que continúa resonando en el público moderno.

La película está bien hecha y la cinematografía es impresionante. Las actuaciones de Dietrich y Jannings son memorables.

El Ángel Azul es una película digna de ver, tanto para los amantes del cine clásico como para los amantes de los melodramas.

Curiosidades

  • El ángel azul fue la primera película en la que Marlene Dietrich lució su icónico sombrero de ala ancha y lápiz labial rojo.
  • La película se rodó durante una época de gran agitación política y social en Alemania. La imagen de Lola Lola, una mujer fuerte e independiente, fue vista por algunos como un símbolo de la nueva Alemania.
  • El Ángel Azul fue un éxito internacional y tuvo una influencia significativa en el cine. La película fue uno de los primeros ejemplos del cine expresionista alemán y ayudó a popularizar el género en todo el mundo.

El Ángel Azul puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel del dinero en la sociedad.

La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para corromper y destruir a las personas. Lola Lola es una mujer que utiliza su encanto y su dinero para manipular a los hombres.

La película es también una crítica social de la sociedad burguesa de los años 20, en la que el dinero se había convertido en el valor principal. La figura de Lola Lola representa el peligroso atractivo del consumismo y la superficialidad.

El circo (1928)

El circo (1928) es una película muda dirigida por Charlie Chaplin. Cuenta la historia de un vagabundo que, confundido con un ladrón, se refugia en un circo donde encuentra trabajo como payaso. Se enamora de la hija del dueño, pero la niña prefiere al equilibrista. Al final, el vagabundo logra conquistar el corazón de la chica, pero el circo debe cerrar.

Recepción

The Circus (1928) fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiado por su comedia, su historia romántica y su descripción del mundo del circo.

La película ganó un Premio de la Academia a la trayectoria de Chaplin.

Análisis

El circo (1928) es un clásico del cine mudo. Es una obra rica en comedia, patetismo y poesía.

La película explora los temas del amor, la pérdida y los sueños. Es la historia de un hombre que intenta encontrar su lugar en el mundo.

El Circo es también una película sobre el dinero. El vagabundo, que es un hombre sin dinero, encuentra en el circo un lugar donde quedarse y una familia. El circo es un lugar de hospitalidad y de compartir, donde la gente está unida por la pasión por el espectáculo.

Revisar

El circo (1928) es una película que ha resistido el paso del tiempo. Es una historia divertida, conmovedora y significativa.

La película está bien hecha y la actuación de Chaplin es memorable.

El Circo es una película que vale la pena ver, tanto para los aficionados al cine mudo como para los seguidores de Chaplin.

Curiosidades

  • The Circus (1928) fue una de las películas más caras jamás realizadas en el momento de su estreno.
  • La película se rodó en Inglaterra y Estados Unidos.
  • El circo (1928) fue la primera película de Chaplin en la que utilizó su famoso eslogan «Todos mis amigos son ricos».

El circo (1928) puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel del dinero en la sociedad.

La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para crear hospitalidad y compartir, pero también cómo se puede utilizar para dividir a las personas.

En el circo, el dinero se utiliza para crear un lugar donde la gente pueda sentirse como en casa. El dueño del circo, el señor M., es un hombre generoso que utiliza su dinero para ayudar a los demás.

Sin embargo, el dinero también puede utilizarse para dividir a la gente. El vagabundo, que es un hombre sin dinero, es inicialmente rechazado por el circo. Sólo cuando demuestra ser un payaso talentoso es aceptado por la comunidad del circo.

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La fiebre del oro (1925)

La fiebre del oro (1925) es una película de comedia dramática muda dirigida, producida y protagoniza por Charlie Chaplin. La historia se desarrolla en el Klondike durante la fiebre del oro de 1898.

Trama

El Vagabundo (Chaplin) es un vagabundo que, en busca de fortuna, viaja al Klondike en busca de oro. Durante el viaje, se hace amigo de Black Larsen (Mack Swain), un hombre violento y peligroso. Los dos llegan al Klondike y se proponen buscar oro.

Recepción

La fiebre del oro fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiada por su comedia, su historia romántica y su descripción de la fiebre del oro. La película ganó un Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original.

Análisis

La fiebre del oro es una película clásica del cine mudo. Es una obra rica en comedia, patetismo y poesía. La película explora los temas del amor, la pérdida, los sueños y la esperanza.

Revisar

La fiebre del oro es una película que ha resistido la prueba del tiempo. Es una historia divertida, conmovedora y significativa. La película está bien hecha y la actuación de Chaplin es memorable.

Curiosidades

  • La fiebre del oro es una de las películas más caras jamás realizadas en el momento de su estreno.
  • La película fue rodada en Canadá.
  • La fiebre del oro fue la primera película de Chaplin en ganar un Oscar.

La fiebre del oro puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel del dinero en la sociedad.

La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para corromper y destruir a las personas. El Vagabundo es un vagabundo que está dispuesto a hacer cualquier cosa para encontrar oro. Esto le lleva a caer en la trampa de Black Larsen, un hombre violento y peligroso.

La película es también una crítica social a la fiebre del oro de 1898. La fiebre del oro provocó la ruina de muchas personas que lo perdieron todo en su búsqueda de riqueza. La película muestra cómo el dinero puede ser una ilusión que puede conducir a la desesperación y la muerte.

Lo que el viento se llevó (1939)

Lo que el viento se llevó (1939) es una película romántica histórica épica estadounidense de 1939 producida por David O. Selznick de Selznick International Pictures y dirigida porVíctor Fleming. La película está adaptada de la novela homónima de 1936 de Margaret Mitchell.

Trama

Scarlett O’Hara (Vivien Leigh) es una joven bella sureña que, durante la Guerra Civil estadounidense, lucha por mantener su identidad y su tierra.

Scarlett está obsesionada con el dinero y el poder. Está dispuesta a hacer cualquier cosa para tener lo que quiere, incluso traicionar a las personas que ama.

Recepción

Lo que el viento se llevó fue un éxito comercial y de crítica. Fue la película más taquillera de 1939 y ganó 10 premios de la Academia, incluida la de Mejor Película.

Análisis

Lo que el viento se llevó es una película épica que explora los temas de la guerra, el amor, la pérdida y la riqueza.

La película muestra cómo el dinero puede ser un poderoso motivador que puede impulsar a las personas a hacer cosas que normalmente no harían.

Revisar

Lo que el viento se llevó es una película clásica que ha resistido la prueba del tiempo. Es una historia apasionante y atractiva que sigue resonando en el público moderno.

La película está bien hecha y las actuaciones de Vivien Leigh y Clark Gable son memorables.

Curiosidades

  • Lo que el viento se llevó fue la película más cara jamás realizada en el momento de su estreno.
  • La película se rodó en California, pero la mayoría de las escenas ambientadas en el sur se rodaron en estudios de sonido.
  • Lo que el viento se llevó fue la primera película en ganar 10 premios de la Academia.

Lo que el viento se llevó puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel del dinero en la sociedad.

La película muestra cómo el dinero puede ser un poderoso motivador que puede impulsar a las personas a hacer cosas que normalmente no harían.

Scarlett O’Hara es un ejemplo de cómo el dinero puede corromper a la gente. Está obsesionada con el dinero y el poder, y esto la lleva a tomar malas decisiones que arruinan su vida.

La película también muestra cómo el dinero puede ser una ilusión que puede conducir a la desesperación y la muerte. La Guerra Civil estadounidense provocó la muerte de muchos hombres y la destrucción de muchas propiedades.

Ciudadano Kane (1941)

Ciudadano Kane (1941) es una película dramática estadounidense de 1941 dirigida, producida y coescrita por Orson Welles. La película está protagonizada por Welles como Charles Foster Kane, un rico magnate editorial que es objeto de una investigación póstuma por parte de un periodista.

Trama

La película comienza con la muerte de Charles Foster Kane, un rico magnate editorial. A un periodista, Jerry Thompson, se le asigna la tarea de escribir una historia sobre la vida de Kane. Thompson entrevista a los amigos, familiares y asociados de Kane en un intento de comprender su vida y su legado.

La película sigue la vida de Kane desde su infancia como heredero rico hasta su ascenso al poder como editor de un periódico. Kane es un hombre despiadado y ambicioso impulsado por un deseo de poder e influencia. Utiliza su riqueza para comprar periódicos, políticos e incluso elecciones.

Recepción

Ciudadano Kane fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiado por su cinematografía, edición y narración innovadoras. La película ganó un Premio de la Academia a la Mejor Escritura (Guión Original).

Análisis

Citizen Kane es una película compleja y multifacética que explora una variedad de temas, incluida la naturaleza del poder, el sueño americano y la corrupción de la riqueza.

La exploración que hace la película del papel del dinero es particularmente notable. Kane es un hombre rico impulsado por un deseo de poder e influencia. Utiliza su riqueza para comprar lo que quiere, incluidas las personas. La riqueza de Kane finalmente conduce a su ruina. No puede encontrar la felicidad o la realización en su vida personal o en su carrera.

Revisar

Ciudadano Kane es una película clásica que ha resistido la prueba del tiempo. Es una historia poderosa y conmovedora que continúa resonando en el público de hoy.

La película está bien hecha y la actuación de Welles es icónica. Ciudadano Kane es una visita obligada para cualquier aficionado al cine.

Trivialidades

  • Citizen Kane fue la primera película en utilizar cinematografía de enfoque profundo, que permite al espectador ver objetos tanto en primer plano como en segundo plano con un enfoque nítido.
  • El título de la película proviene de la última palabra que Kane pronuncia antes de morir.
  • Citizen Kane fue nominado a nueve premios de la Academia, ganando uno a Mejor Escritura (Guión Original).

Citizen Kane puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel del dinero en la sociedad.

La película muestra cómo el dinero puede ser un poderoso motivador que puede impulsar a las personas a hacer cosas que normalmente no harían.

Kane es un ejemplo perfecto de cómo el dinero puede corromper a la gente. Lo impulsa un deseo de poder e influencia, y utiliza su riqueza para comprar lo que quiere, incluidas las personas. La riqueza de Kane finalmente conduce a su ruina. No puede encontrar la felicidad o la realización en su vida personal o en su carrera.

La película también muestra cómo el dinero puede ser una ilusión que puede conducir a la desesperación y la muerte. La vida de Kane es una serie de fracasos. No puede encontrar la felicidad o la realización en su vida personal o en su carrera. Muere solo y aislado.

Casablanca (1942)

Casablanca (1942) es una película de drama romántico estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid.

Trama

Rick Blaine (Bogart) es un expatriado estadounidense que dirige un club nocturno en Casablanca, Marruecos, durante la Segunda Guerra Mundial. Rick es un hombre cínico y desilusionado que ha perdido la fe en el amor y la humanidad.

Un día, Rick conoce a Ilsa Lund (Bergman), el amor de su vida, que huye de su exmarido, Victor Laszlo (Henreid), líder de la resistencia antinazi. Rick se ve obligado a tomar una decisión difícil: ayudar a Ilsa y Laszlo a escapar de Casablanca o dejarlos ir.

Recepción

Casablanca fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiado por su convincente historia, sus magistrales actuaciones y su memorable banda sonora. La película ganó tres premios de la Academia, incluida la de Mejor Película.

Análisis

Casablanca es una película que explora temas como el amor, la pérdida, el sacrificio y la redención. La película muestra cómo las personas están dispuestas a hacer cualquier cosa por lo que aman, incluso si eso significa sacrificarse.

La película también explora el papel del dinero en la sociedad. El dinero es un medio para conseguir lo que se quiere, pero también puede ser una fuente de corrupción y desesperación.

Revisar

Casablanca es una película clásica que ha resistido la prueba del tiempo. Es una película que continúa conmoviendo e inspirando al público de hoy.

La historia es convincente, las actuaciones magistrales y la banda sonora memorable. Casablanca es una película que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida.

Casablanca puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel del dinero en la sociedad.

El dinero es un medio para conseguir lo que se quiere, pero también puede ser una fuente de corrupción y desesperación.

Rick Blaine es un hombre que ha perdido la fe en el amor y la humanidad a causa del dinero. El dinero sólo le ha traído dolor y sufrimiento.

La película muestra cómo el dinero puede ser una fuerza poderosa que puede corromper a las personas y provocar su ruina.

El tesoro de la Sierra Madre (1948)

El tesoro de la Sierra Madre (1948) es una película del oeste estadounidense de 1948 dirigida por John Houston y protagonizada por Humphrey Bogart, Walter Huston y Tim Holt.

Trama

Tres hombres, Fred C. Dobbs (Bogart), Howard (Huston) y Curtin (Holt), se conocen en Tampico, México, y deciden unir fuerzas para buscar oro en las montañas de la Sierra Madre.

Los tres hombres cruzan la jungla y las montañas, enfrentando peligros y dificultades. Después de mucho esfuerzo, finalmente encuentran una mina de oro.

Sin embargo, su felicidad dura poco. La sed de riqueza corrompe sus almas y los lleva a traicionarse unos a otros.

Recepción

El Tesoro de la Sierra Madre fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiado por su convincente historia, actuaciones magistrales y una cinematografía impresionante. La película ganó tres premios de la Academia, incluida la de Mejor Película.

Análisis

El Tesoro de la Sierra Madre es una película que explora temas como la naturaleza humana, la codicia y la corrupción. La película muestra cómo la riqueza puede corromper a las personas y provocar su ruina.

La película es también una alegoría del sueño americano. El sueño americano es el deseo de éxito y prosperidad. Sin embargo, la película muestra cómo el sueño americano puede ser una trampa que puede conducir a la pérdida de la humanidad.

Revisar

El Tesoro de la Sierra Madre es una película clásica que ha resistido la prueba del tiempo. Es una película que el público sigue disfrutando hoy en día.

La historia es convincente, las actuaciones son magistrales y la cinematografía es impresionante. El Tesoro de la Sierra Madre es una película que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida.

El Tesoro de la Sierra Madre puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel de la codicia y la corrupción en el mundo.

El dinero es una fuerza poderosa que puede corromper a las personas y provocar su ruina.

La película muestra cómo la sed de riqueza puede llevar a las personas a hacer cosas que normalmente no harían.

El gran Gatsby (1949)


El gran Gatsby (1949) es una película dramática estadounidense de 1949 dirigida por Elliott Nugent y protagonizada por Alan Ladd, Betty Field y Barry Sullivan. La película está basada en la novela homónima de 1925 de F. Scott Fitzgerald.

Trama

La película cuenta la historia de Jay Gatsby (Ladd), un hombre rico que vive en una gran mansión en Long Island. Gatsby organiza fiestas lujosas, pero al final se siente solo e infeliz. Está enamorado de Daisy Buchanan (Field), la mujer que perdió hace muchos años.

El amigo de Gatsby, Nick Carraway (Sullivan), es un escritor que alquila una pequeña casa junto a la mansión de Gatsby. Nick se ve arrastrado al mundo de riqueza y excesos de Gatsby. También aprende sobre el pasado de Gatsby y su amor por Daisy.

Recepción

El gran Gatsby fue un éxito comercial y de crítica. Fue elogiado por sus fastuosos valores de producción, su fiel adaptación de la novela y sus sólidas actuaciones.

Análisis

El gran Gatsby es una película compleja y multifacética que explora temas como el amor, la pérdida y el sueño americano. La película muestra cómo la búsqueda de riqueza y estatus puede conducir a la infelicidad y la desilusión.

La película es también una advertencia sobre los peligros de la nostalgia. Gatsby está obsesionado con el pasado y con su amor perdido por Daisy. Esta obsesión le lleva a tomar una serie de malas decisiones que finalmente le llevarán a la ruina.

Revisar

El Gran Gatsby es una película clásica que ha resistido la prueba del tiempo. Es una película que sigue resonando entre el público de hoy.

La película está bien hecha y presenta buenas actuaciones del elenco. Il grande Gatsby es una visita obligada para los amantes del cine clásico.

El Gran Gatsby puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel de la riqueza y el estatus en la sociedad.

La película muestra cómo la búsqueda de riqueza y estatus puede conducir a la infelicidad y la desilusión.

Gatsby es un hombre rico que vive en una gran mansión y organiza fastuosas fiestas. Sin embargo, al final se siente solo e infeliz. Tampoco puede encontrar la verdadera felicidad a través de su riqueza.

La película también muestra cómo la riqueza puede conducir a la corrupción. La riqueza de Gatsby le permite comprar su camino hacia la vida de Daisy, pero finalmente no puede mantenerlos juntos.

La dulce vida (1960)

La dulce vida (1960) es una película dramática de 1960 escrita y dirigida por Federico Fellini. Está protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée.

Trama

La película cuenta la historia de Marcello Rubini (Mastroianni), un periodista de escándalo que vive en Roma. Marcello es un hombre aburrido y desilusionado que busca sentido a su vida.

A lo largo de una semana, Marcello conoce a una serie de personajes excéntricos y grotescos que representan la Roma de la Dolce Vita, una época de decadencia y frivolidad. Marcello observa a estos personajes con distanciamiento e ironía, pero eventualmente se da cuenta de que él también es parte de este mundo.

Recepción

La dolce vita fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su mordaz sátira de la sociedad romana, su descripción realista de la vida nocturna y las magistrales actuaciones del elenco.

Análisis

La dolce vita es una película compleja y multifacética que explora temas como la alienación, el vacío y la búsqueda de la felicidad. La película muestra cómo la búsqueda del placer y la fama puede conducir a la infelicidad y la desilusión.

Revisar

La dolce vita es una película clásica que ha resistido el paso del tiempo. Es una película que el público sigue disfrutando hoy en día.

La película es extraordinaria en todos los sentidos y presenta actuaciones magistrales del elenco. La dolce vita es una obra maestra de la historia del cine y una de las mejores películas de todos los tiempos.

La dolce vita puede considerarse una película sobre el dinero porque explora el papel de la riqueza y el consumismo en la sociedad.

La película muestra cómo la búsqueda del placer y la fama puede verse impulsada por el deseo de riqueza. Marcello y los demás personajes de la película buscan algo más en la vida, pero intentan conseguirlo a través del dinero y el consumo.

El adelantamiento (1962)

Trama

El día de Ferragosto de 1962, Bruno Cortona, un hombre vigoroso y exuberante de treinta y seis años, amante de la conducción deportiva y de las mujeres bellas, al volante de su Lancia Aurelia B24 descapotable, deambula en busca de un paquete de cigarrillos y de un público. teléfono. Conoce a Roberto Mariani, un tímido estudiante universitario que regresa a casa para pasar las vacaciones. Bruno invita a Roberto a subir a su coche y los dos emprenden juntos un viaje por Italia.

A lo largo del viaje, Bruno y Roberto se enfrentan sobre una variedad de temas, incluyendo la vida, el amor, la familia y el dinero. Bruno es un hombre rico y arrogante que cree que el dinero puede comprar cualquier cosa, mientras que Roberto es un hombre sencillo e idealista que cree en los valores humanos.

Recepción

Il sorpasso fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su historia original, actuaciones y dirección de Dino Risi.

La película ganó numerosos premios, incluido el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes de 1962.

Revisar

Il sorpasso es una película importante y significativa que ofrece una visión crítica de la sociedad italiana de los años sesenta. La película es un retrato despiadado de una sociedad en la que el dinero se ha convertido en el valor más importante.

Las actuaciones de Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant son extraordinarias. Gassman está perfecto en el papel de Bruno Cortona, un hombre arrogante y cínico que ha sido corrompido por el dinero. Trintignant es igualmente bueno en el papel de Roberto Mariani, un hombre sencillo e idealista que contrasta con Bruno.

La dirección de Dino Risi es magistral. Risi es una maestra creando atmósferas y contando historias. Il sorpasso es una película que permanece en la mente mucho después de haberla visto.

Trivialidades

  • La película se rodó en Italia, entre Roma, Ostia, la costa del Lacio, Toscana y Abruzzo.
  • El título original de la película es «Il sorpasso». El título en inglés es «The Easy Life».
  • La película fue producida por Dino De Laurentiis.

Il sorpasso puede considerarse una película sobre el dinero al menos en dos sentidos.

Primero, la película explora el tema de la riqueza y el poder del dinero. Bruno Cortona es un hombre rico y arrogante que usa el dinero para controlar personas y situaciones. Es un hombre que cree que el dinero puede comprar cualquier cosa, incluso el amor y la felicidad.

En segundo lugar, la película muestra cómo el dinero puede corromper a la gente. Bruno Cortona es un hombre corrompido por el dinero. Se ha vuelto egoísta, cínico e insensible. Ha perdido el contacto con los valores humanos y la capacidad de amar.

El conformista (1970)

Trama

Marcello Clerici, un joven profesor de filosofía, viaja a París de luna de miel con su esposa Giulia. La luna de miel es una tapadera: sin que su esposa lo sepa, Marcello va a eliminar a un antiguo profesor suyo, ahora disidente político.

Marcello es un hombre inseguro e indeciso, que intenta ajustarse a las expectativas de la sociedad. Es un hombre que cree que el dinero y el poder pueden garantizar seguridad y felicidad.

A lo largo del viaje, Marcello acepta su identidad y sus convicciones. Se da cuenta de que el conformismo es una elección que lo hace infeliz y que lo lleva a cometer actos inmorales.

Recepción

El conformista fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, cinematografía, actuaciones y guión.

La película ganó numerosos premios, incluido el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes de 1970.

Revisar

El conformista es una película importante y significativa que ofrece una visión crítica de la sociedad italiana de los años treinta. La película es un retrato despiadado de una sociedad en la que la conformidad es la norma y en la que la gente está dispuesta a hacer cualquier cosa para adaptarse.

Las actuaciones de Jean-Louis Trintignant y Stefania Sandrelli son extraordinarias. Trintignant encaja perfectamente en el papel de Marcello Clerici, un hombre inseguro e indeciso que intenta ajustarse a las expectativas de la sociedad. Sandrelli está igualmente bien en el papel de Giulia Clerici, una mujer ingenua e idealista que es víctima de las ambiciones de su marido.

La dirección deBernardo Bertoluccies magistral. Bertolucci es un maestro creando atmósferas y contando historias. The Conformist es una película que permanece en la mente mucho después de haberla visto.

Trivialidades

  • La película se basó en la novela homónima de Alberto Moravia.
  • El título original de la película es «Il conformista». El título en inglés es «The Conformist».
  • La película fue producida por Alberto Grimaldi.

The Conformist puede considerarse una película sobre el dinero al menos en dos sentidos.

Primero, la película explora el tema del dinero y el poder. Marcello Clerici es un hombre que cree que el dinero y el poder pueden garantizar seguridad y felicidad. Es un hombre que está dispuesto a todo para alcanzar el éxito, incluso a cometer actos inmorales.

En segundo lugar, la película muestra cómo el dinero puede corromper a la gente. Marcello Clerici es un hombre corrompido por el dinero y el poder. Se ha convertido en un hombre inseguro e indeciso, que está dispuesto a traicionar a sus amigos y familiares para alcanzar el éxito.

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La clase trabajadora va al cielo (1971)

Trama

Ludovico Massa, conocido como Lulù, es un trabajador de 31 años, con dos familias que mantener (una formada por su ex mujer y su hijo, la otra por su nueva pareja y el hijo de ella) y con 15 años de trabajo en la PROHIBICIÓN. fábrica, dos intoxicaciones por pintura y una úlcera.

Un día, Lulù es despedida de la fábrica por participar en una huelga. Mientras tanto, conoce a una joven, Giovanna, que trabaja como dependienta en una tienda de ropa. Los dos se enamoran y empiezan a salir.

Un día, Lulù es invitada a participar en una protesta sindical. Durante la protesta, Lulù recibe un disparo de bala policial en la cabeza.

Recepción

La clase trabajadora va al cielo fue un éxito comercial y de crítica. La película fue elogiada por su dirección, cinematografía, actuaciones y guión.

La película ganó numerosos premios, incluido el Gran Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine de Cannes de 1972.

Revisar

La clase trabajadora va al cielo es una película importante y significativa que ofrece una visión crítica de la sociedad italiana de los años sesenta. La película es un retrato despiadado de una sociedad en la que la clase trabajadora está oprimida y explotada.

Las actuaciones de Gian Maria Volonté y Mariangela Melato son extraordinarias. Volonté es perfecto en el papel de Lulù, un trabajador víctima del sistema que intenta encontrar su identidad. Melato es igualmente bueno en el papel de Giovanna, una mujer que ama a Lulù y que intenta ayudarlo a encontrar la felicidad.

Trivialidades

  • La película fue adaptada de la novela homónima de Luciano Salce.
  • El título original de la película es «La classe operaia va in paradiso». El título en inglés es «La clase trabajadora va al cielo».
  • La película fue producida por Carlo Ponti.

La película explora el tema de la riqueza y el poder del dinero. La clase trabajadora es representada como una clase oprimida y explotada, privada de riqueza y poder.

En segundo lugar, la película muestra cómo el dinero puede corromper a la gente. Lulù es un hombre corrompido por el sistema capitalista. Se ha convertido en un hombre materialista que está dispuesto a hacer cualquier cosa para conseguir dinero.

Ley del deseo (1987)

Trama

Pablo Quintero es un exitoso cineasta gay afincado en Madrid. Está profundamente enamorado de Juan, un joven actor que lo ha abandonado para refugiarse en un faro. Pablo comienza a salir con Antonio, un hombre violento y posesivo, lo que enfurece a su hermana Tina, que ama perdidamente a Juan.

La situación se complica aún más cuando Pablo conoce a Ángela, una mujer que se hace pasar por Juan. Ángela es en realidad una estafadora que quiere seducir a Pablo para conseguir su dinero.

Recepción

La ley del deseo recibió críticas positivas de los críticos, que elogiaron Almodóvar por la dirección, guión, actuaciones y banda sonora. La película ganó numerosos premios, entre ellos el Premio Goya al Mejor Director, Mejor Actor (Eusebio Poncela) y Mejor Actriz (Carmen Maura).

Revisar

Law of Desire es una película compleja y fascinante que explora temas como el amor, la sexualidad, la identidad y el dinero. Almodóvar crea una atmósfera surrealista y onírica, en la que los personajes son representados de forma ambigua y contradictoria.

La película es un ejemplo de la madurez artística de Almodóvar, demostrando que es un director capaz de contar historias complejas y atrapantes.

Trivialidades

  • El título de la película es una referencia a la novela «La ley del deseo» de Yukio Mishima.
  • La escena en la que Ángela se desnuda para Pablo fue censurada en algunas versiones de la película.
  • La película fue la primera de Almodóvar que se distribuyó en Estados Unidos.

Law of Desire puede considerarse una película sobre dinero porque el dinero es un elemento importante de la trama. Pablo es un hombre rico y exitoso, y su dinero es motivo de atracción de Ángela hacia él, quien quiere seducirlo para que se apodere de él.

El dinero también es un símbolo de poder y control. Ángela usa el dinero para manipular a Pablo y conseguir lo que quiere.

Además, el dinero es un tema recurrente en las películas de Almodóvar. El director español explora a menudo la relación entre el dinero y el amor, el poder y la identidad.

El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989)

El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) es una película dirigida por Peter Greenaway. La película está ambientada en un restaurante londinense y cuenta la historia de un hombre violento y posesivo, George, que dirige el restaurante con la ayuda de su cocinero, Richard, y su esposa, Georgina.

Trama

La película está ambientada en un restaurante londinense y cuenta la historia de George, un hombre violento y posesivo, que dirige el restaurante con la ayuda de su cocinero, Richard, y su esposa, Georgina.

George es un hombre rico y poderoso, y usa su dinero para controlar a las personas que lo rodean. Richard, por otro lado, es un hombre pobre e insatisfecho, y utiliza su talento culinario para intentar alcanzar el éxito. Georgina, finalmente, es una mujer aburrida e infeliz, y usa su dinero para comprar artículos de lujo en un intento de llenar el vacío en su vida.

Recepción de la crítica

La película recibió críticas positivas de los críticos, que elogiaron la dirección, las actuaciones, la cinematografía y la banda sonora de Peter Greenaway. La película ganó numerosos premios, incluido el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes.

Revisar

El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante es una película compleja y provocativa que explora temas como el poder, el control, el deseo y la insatisfacción. La película ha sido elogiada por su dirección visionaria y sus convincentes actuaciones.

Trivialidades

  • La película se rodó en un auténtico restaurante londinense, el St. Martin’s Lane.
  • La película fue censurada en algunos países, incluida Italia, por su violencia y lenguaje explícito.
  • Se ha hecho referencia a la película en muchas otras películas y programas de televisión, incluidos Pulp Fiction y Los Soprano.

El dinero es un tema importante en la película. George es un hombre rico y poderoso, y usa su dinero para controlar a las personas que lo rodean. Richard, por otro lado, es un hombre pobre e insatisfecho, y utiliza su talento culinario para intentar alcanzar el éxito. Georgina, finalmente, es una mujer aburrida e infeliz, y usa su dinero para comprar artículos de lujo en un intento de llenar el vacío en su vida.

El juego de las lágrimas (1992)

El juego del llanto es una película de suspenso psicológico neo-noir producida en Gran Bretaña en 1992 y dirigida por Neil Jordán y protagonizada por Stephen Rea, Jaye Davidson, Miranda Richardson y Forest Whitaker. Fue producida por Stephen Woolley y producida a través de Scala Productions y Channel 4 Films.

La película está ambientada en Irlanda en el apogeo de The Troubles y cuenta la historia de Fergus, un voluntario del IRA que es encarcelado tras un fallido intento de asesinato. Forma un vínculo poco probable con Dil, un compañero de prisión que se revela gay y está enamorado de él. Cuando Dil sale de prisión, localiza a Fergus y comienzan una apasionada aventura.

Sin embargo, su relación se ve amenazada por la violencia de The Troubles, y Fergus se debate entre su amor por Dil y su lealtad al IRA. La película culmina con un clímax trágico que explora temas de amor, traición e identidad.

Dinero en el juego del llanto

El dinero juega un papel importante en la película. El IRA es una organización paramilitar que depende de financiación de diversas fuentes, incluidas actividades delictivas. A Fergus también le motiva hasta cierto punto el dinero, ya que le prometen una gran suma de dinero por llevar a cabo el intento de asesinato.

El dinero también se utiliza para simbolizar poder y control. Dil es un hombre rico y usa su dinero para influir en los demás y protegerse a sí mismo de cualquier daño.

Temas

The Crying Game es una película compleja y ambigua que explora una amplia gama de temas, incluidos el amor, la traición, la identidad y la violencia de The Troubles.

  • Amar: La película explora el poder del amor para superar los prejuicios y el odio. La historia de amor de Fergus y Dil es un testimonio del hecho de que el amor puede trascender todos los límites.
  • Traición: La película también aborda el tema de la traición. Fergus es traicionado por sus amigos del IRA, y Dil es traicionado por Fergus cuando no puede aceptar su homosexualidad.
  • Identidad: La película cuestiona la naturaleza de la identidad. Fergus se debate entre su identidad irlandesa y su amor por Dil, y Dil se ve obligado a afrontar su propia sexualidad.
  • Los problemas: La película tiene como telón de fondo The Troubles, un período de conflicto entre nacionalistas y unionistas en Irlanda del Norte. La violencia de The Troubles tiene un profundo impacto en la vida de los personajes y sirve como recordatorio de las devastadoras consecuencias del conflicto.

Recepción de la crítica

The Crying Game fue recibido con elogios de la crítica. Fue elogiado por sus actuaciones, su dirección y su guión. La película también fue un éxito comercial, recaudando más de 58 millones de dólares en todo el mundo.

Premios y reconocimientos

The Crying Game ganó numerosos premios, incluido un Premio de la Academia al Mejor Guión Original y un Globo de Oro a la Mejor Película Dramática. La película también fue nominada a seis premios BAFTA, incluidos Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Stephen Rea.

Carrera de medianoche (1995)

Carrera de medianoche (1988) es una película de comedia de acción estadounidense de 1988 dirigida por Martin Brest y protagonizada por Robert De Niro, Charles Grodin, Yaphet Kotto, John Ashton, Dennis Farina y Joe Pantoliano.

Trama

La película cuenta la historia de Jack Walsh (De Niro), un cazarrecompensas contratado para traer a Reggie Hammond (Grodin), un contador de la mafia que ha robado 15 millones de dólares a la mafia de Chicago, a Los Ángeles a medianoche.

La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 159 millones de dólares en todo el mundo. Fue elogiado por sus secuencias de acción, humor y actuaciones.

Dinero en Midnight Run

El dinero es un tema importante en la película. Reggie Hammond es un contador de la mafia que ha robado 15 millones de dólares a la mafia de Chicago. Está siendo perseguido por la mafia, el FBI y Jack Walsh.

Jack Walsh es un cazarrecompensas contratado para llevar a Reggie Hammond a Los Ángeles antes de la medianoche. Lo motiva el dinero, ya que le pagarán 100.000 dólares por el trabajo.

La película explora el poder del dinero. Reggie Hammond usa su dinero para comprar protección de la mafia y el FBI. Jack Walsh usa su dinero para ayudarle a localizar a Reggie Hammond.

El informante (1999)

Lo de adentro es una película dramática estadounidense de 1999 dirigida por Michael Mann y protagonizada por Russell Crowe, Al Pacino y Christopher Plummer.

Trama

La película está basada en la historia real de Jeffrey Wigand, un ex ejecutivo de Brown & Williamson Tobacco Company que testificó ante el Congreso de los Estados Unidos sobre las prácticas de manipulación de datos científicos de la industria tabacalera.

Wigand inicialmente se muestra reacio a hablar, pero Lowell Bergman, productor del programa de televisión 60 Minutes, lo persuade. Bergman cree que el testimonio de Wigand es vital para que el público comprenda los riesgos asociados con fumar.

El testimonio de Wigand conduce a una investigación gubernamental de la industria tabacalera, pero Brown & Williamson y sus abogados también persiguen a Wigand. La película sigue la historia de Wigand y Bergman mientras luchan por la verdad, incluso a costa de perderlo todo.

Recepción

The Insider fue recibido con elogios de la crítica. La película recibió 6 nominaciones al Premio de la Academia, incluidas Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Crowe y Pacino. Ganó el premio al Mejor Guión Adaptado.

Revisar

The Insider es una película poderosa y atractiva que explora temas importantes como la verdad, la justicia y el poder del dinero. La película está bien dirigida por Mann, quien crea una tensión palpable entre los personajes y las fuerzas que se les oponen.

Crowe y Pacino ofrecen dos actuaciones magistrales. Crowe resulta convincente en el papel de Wigand, un hombre valiente y vulnerable. Pacino está magnífico en el papel de Bergman, un hombre decidido a hacer lo correcto.

Trivialidades

  • La película está basada en el libro El hombre que sabía demasiado de Marie Brenner, publicado en 1996.
  • La película se rodó en 32 días.
  • Al Pacino tuvo que usar una prótesis de nariz para parecerse al verdadero Lowell Bergman.
  • Russell Crowe perdió 25 libras para interpretar a Jeffrey Wigand.

The Insider es una película sobre dinero en varios sentidos. Primero, la película explora el poder del dinero en la industria tabacalera. Brown & Williamson es una empresa multimillonaria que tiene el poder de influir en el gobierno y los medios de comunicación. La película muestra cómo la empresa utilizó su poder para ocultar la verdad sobre los riesgos de fumar.

En segundo lugar, la película explora el coste de decir la verdad. Wigand lo perdió todo, incluido su trabajo, su casa y su familia, por testificar ante el Congreso. La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para intimidar y silenciar a las personas que hablan.

Catalogo

Barrio chino (1974)

barrio chino es una película de misterio neo-noir estadounidense de 1974 dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston.

Trama

La película está ambientada en Los Ángeles en 1937 y cuenta la historia de Jake Gittes, un investigador privado que es contratado por Evelyn Mulwray, la esposa del poderoso magnate Hollis Mulwray, para descubrir quién está intentando incriminar a su marido por un robo de agua.

Gittes descubre que la situación es mucho más complicada de lo que pensaba. Evelyn es en realidad la hija ilegítima de Noah Cross, un rico hombre de negocios con intereses en construir un canal para llevar agua desde el norte de California a Los Ángeles. Cross quiere que Evelyn se case con Hollis para hacerse con el control del canal.

Recepción

Chinatown fue recibido con elogios de la crítica. La película fue elogiada por su historia, dirección y actuaciones. Recibió 11 nominaciones al Premio de la Academia, incluidas Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Nicholson. Ganó el premio al Mejor Guión Original.

Revisar

Chinatown es un clásico del cine negro americano. Es una película oscura y melancólica que explora temas como la corrupción, el poder y el amor.

La película está bien dirigida por Polanski, quien crea una atmósfera opresiva y claustrofóbica. Nicholson es perfecto en el papel de Gittes, un hombre cínico y desilusionado que se ve involucrado en una historia más grande que él mismo. Dunaway es igualmente buena en el papel de Evelyn, una mujer compleja y ambigua.

Trivialidades

  • La película está basada en la novela de Robert Towne, quien también escribió el guión.
  • El título de la película hace referencia al barrio Chinatown de Los Ángeles, donde se desarrolla gran parte de la acción de la película.
  • La película se rodó en sólo 55 días.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 44 millones de dólares en todo el mundo.

Chinatown es una película de dinero en varios sentidos. Primero, la película explora el poder del dinero en la sociedad estadounidense. Cross es un empresario multimillonario que tiene el poder de influir en la política y la justicia.

En segundo lugar, la película explora el coste del dinero. Evelyn está dispuesta a matar a su marido para proteger los intereses de su padre.

Muerte de un viajante (1985)

Muerte de un vendedor es una película de televisión estadounidense de 1985 dirigida por Volker Schlöndorff y protagonizada por Dustin Hoffman y John Malkovich. La película está basada en la obra de 1949 del mismo nombre de Arthur Miller.

Trama

La historia está ambientada en la década de 1940 y cuenta la vida de Willy Loman, un viajante de comercio de 63 años que está obsesionado con el éxito y la búsqueda de la felicidad material a cualquier precio.

Willy es un fracaso. Su trabajo no va bien, su familia es infeliz y él siempre se siente inadecuado. Su único objetivo es ver a sus hijos, Biff y Happy, triunfar en la vida.

Recepción

La muerte de un viajante fue recibida con elogios de la crítica. La película fue elogiada por las actuaciones de Hoffman y Malkovich, por la dirección de Schlöndorff y por su fidelidad a la obra de teatro original.

Revisar

Death of a Salesman es una película poderosa y conmovedora que explora temas como el éxito, el fracaso, la familia y el sueño americano.

La película está bien dirigida por Schlöndorff, que crea una atmósfera melancólica y de ensueño. Hoffman es perfecto en el papel de Willy Loman, un hombre trágico y fracasado. Malkovich es igualmente bueno en el papel de Biff Loman, un hombre incompetente y atormentado.

La muerte de un viajante es una película que sigue siendo relevante en la actualidad. Es una película que nos hace reflexionar sobre la naturaleza del éxito y el fracaso, sobre la familia y sobre el sueño americano.

Trivialidades

  • La película se rodó en sólo 29 días.
  • Dustin Hoffman tuvo que aprender a tocar el piano para interpretar el papel de Willy Loman.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 10 millones de dólares en todo el mundo.

La muerte de un viajante es una película sobre dinero en varios sentidos. Primero, la película explora el sueño americano, que se basa en la idea de que cualquiera, con trabajo duro y determinación, puede alcanzar el éxito y la riqueza.

Willy Loman está obsesionado con el sueño americano. Está convencido de que el éxito es la clave de la felicidad. Sin embargo, su sueño resulta ser una ilusión.

En segundo lugar, la película explora el costo del éxito. Willy está dispuesto a hacer cualquier cosa para alcanzar el éxito, incluso si eso significa sacrificar a su familia y su felicidad.

Finalmente, la película explora el papel del dinero en la sociedad estadounidense. El dinero es visto como un símbolo de éxito y felicidad. Sin embargo, la película sugiere que el dinero no puede comprar la felicidad.

Michael Clayton (2007)

Trama

Michael Clayton es una película de suspenso legal estadounidense de 2007 dirigida por Tony Gilroy y protagonizada por George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton y Sydney Pollack. La película trata sobre un «reparador» que trabaja para un gran bufete de abogados, limpiando los líos de sus clientes ricos y poderosos.

Clayton es un ex abogado corporativo que ha visto el lado oscuro de la ley. Es un bebedor y un jugador, y el pasado lo persigue. Cuando el abogado estrella de su bufete, Arthur Denning, sufre un colapso mental, se asigna a Clayton la tarea de limpiar el desastre.

Denning defiende a una empresa de pesticidas que está siendo demandada por provocar cáncer. Clayton descubre que Denning ha estado sobornando a testigos y fabricando pruebas. También descubre que el colapso mental de Denning fue causado por su culpa por sus acciones.

Recepción

Michael Clayton fue recibido con elogios de la crítica. La película fue elogiada por sus actuaciones, su dirección y su guión. Estuvo nominada a cinco premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor para Clooney, Mejor Actriz de Reparto para Swinton y Mejor Guión Adaptado.

Revisar

Michael Clayton es una película de suspenso y estimulante que explora temas de corrupción, poder y redención. La película está bien dirigida por Gilroy, quien crea una atmósfera tensa y atmosférica. Clooney es excelente en el papel principal y cuenta con el apoyo de un elenco sólido.

Michael Clayton es una película que permanecerá contigo mucho después de haberla visto. Es una película que plantea cuestiones importantes sobre la naturaleza de la justicia y el papel del dinero en la sociedad.

Trivialidades

  • La película se rodó en 40 días.
  • George Clooney recibió 10 millones de dólares por el papel de Michael Clayton.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 212 millones de dólares en todo el mundo.

Michael Clayton es una película sobre dinero en varios sentidos. Primero, la película explora el poder del dinero en el sistema legal. El bufete de abogados para el que trabaja Clayton está dispuesto a hacer cualquier cosa para proteger a sus clientes ricos y poderosos, incluso si eso significa violar la ley.

En segundo lugar, la película explora la corrupción que puede provocar el dinero. Clayton se ve tentado por la promesa de una gran suma de dinero para silenciar a Denning y, finalmente, se ve obligado a tomar una decisión que tendrá un profundo impacto en su vida.

Finalmente, la película explora el costo de hacer lo correcto. Clayton es un hombre atormentado por el pasado y está dispuesto a arriesgarlo todo para hacer lo correcto.

El abogado de Lincoln (2011)

Trama

Mickey Haller es un abogado defensor que opera desde la parte trasera de su Lincoln Town Car y trabaja principalmente para delincuentes de bajo nivel. Es conocido por sus métodos poco ortodoxos y su capacidad para convencer a sus clientes.

Cuando contratan a Mickey para defender a Louis Roulet, un rico playboy de Beverly Hills acusado de agredir a una prostituta, se sorprende al descubrir que Roulet se lo pidió específicamente. Mickey toma el caso y comienza a investigar.

A medida que Mickey profundiza en el caso, descubre una red de mentiras y engaños. Descubre que Roulet no es el hombre inocente que dice ser y que el caso es mucho más complicado de lo que pensaba inicialmente.

Recepción

El abogado de Lincoln fue recibido con elogios de la crítica. La película fue elogiada por sus actuaciones, su dirección y su guión. Fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado.

Revisar

The Lincoln Lawyer es una película fascinante y llena de suspenso que explora temas de justicia, verdad y el poder del dinero. La película está bien dirigida por Brad Furman, quien crea una atmósfera tensa y arenosa. Matthew McConaughey ofrece una interpretación excelente como Mickey Haller, un personaje complejo y defectuoso.

Trivialidades

  • La película está basada en la novela homónima de Michael Connelly.
  • La película se rodó en 32 días.
  • Matthew McConaughey perdió 25 libras para interpretar el papel de Mickey Haller.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 87 millones de dólares en todo el mundo.

The Lincoln Lawyer es una película sobre dinero en varios sentidos. Primero, la película explora el poder del dinero en el sistema legal. Roulet es un hombre rico que puede permitirse la mejor representación legal. Utiliza su dinero para influir en el caso e intimidar a los testigos.

En segundo lugar, la película explora el costo de la justicia. Mickey es un hombre que lucha para llegar a fin de mes. Se ve obligado a aceptar casos mal pagados para sobrevivir. Sin embargo, también es un hombre que cree en la justicia y está dispuesto a luchar por sus clientes, independientemente de su riqueza o estatus.

Llamada de margen (2011)

Llamada de margen es una película dramática independiente estadounidense de 2011 escrita y dirigida porJC Chandor y protagonizada por Kevin Spacey, Jeremy Irons, Paul Bettany, Zachary Quinto, Stanley Tucci, Demi Moore y Simon Baker.

Trama

Ambientada en el mundo financiero durante el período previo a la crisis financiera de 2008, la película sigue a un grupo de banqueros de inversión de un gran banco de Wall Street mientras luchan con las implicaciones de un nuevo modelo de evaluación de riesgos que predice el inminente colapso del banco.

La película comienza con Peter Sullivan, un analista joven y ambicioso, que descubre que los complejos instrumentos financieros del banco son mucho más riesgosos de lo que se pensaba. Cuando comparte esta información con su jefe, Eric Dale, Dale le ordena que rebaje el valor de los activos, lo que provocaría una llamada de margen y obligaría al banco a vender miles de millones de dólares en tenencias.

Sullivan duda en hacer esto, porque sabe que tendrá un impacto devastador en el mercado y la economía en su conjunto. También sospecha que los ejecutivos del banco son conscientes del problema pero lo ocultan deliberadamente al público para proteger sus propios beneficios.

Recepción

Margin Call fue recibido con elogios de la crítica. La película fue elogiada por su retrato realista de la crisis financiera, sus actuaciones y su guión. Fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Guión Original.

Revisar

Margin Call es una película de suspenso y estimulante que explora temas de codicia, moralidad y las consecuencias del capitalismo desenfrenado. La película está bien dirigida por Chandor, quien crea una atmósfera de tensión e incertidumbre. Spacey ofrece una actuación excelente como Dale, un ejecutivo despiadado y calculador que está dispuesto a hacer cualquier cosa para preservar las ganancias del banco.

Trivialidades

  • La película se rodó en sólo 17 días.
  • Kevin Spacey perdió 15 libras para el papel de Eric Dale.
  • La película fue un éxito comercial, recaudando más de 19 millones de dólares en todo el mundo.

Margin Call es una película sobre dinero en varios sentidos. Primero, la película explora el papel del dinero en la crisis financiera. Los ejecutivos del banco están motivados por la codicia y el deseo de ganar dinero, incluso si eso significa poner en riesgo el sistema financiero.

En segundo lugar, la película explora las consecuencias de la especulación financiera desenfrenada. Los complejos instrumentos financieros del banco se basan en la especulación y el apalancamiento, y la película muestra cómo estos instrumentos pueden salirse de control rápidamente.

La plaza (2013)

The Square es una película documental egipcio-estadounidense de 2013 escrita y dirigida por Jehane Noujaim y producida por Karim Amer.

Trama

La película narra la revolución egipcia de 2011 a 2013, centrándose en las protestas en la plaza Tahrir.

La película comienza con las protestas que estallaron en enero de 2011 tras la muerte de Khaled Said, un joven que fue torturado y asesinado por la policía. Las protestas se extendieron rápidamente por todo el país y, en cuestión de semanas, el presidente Hosni Mubarak se vio obligado a dimitir.

Tras la caída de Mubarak, el pueblo egipcio enfrentó la enorme tarea de construir una nueva democracia. The Square sigue la lucha de los egipcios comunes y corrientes mientras luchan por sus derechos y sus sueños de un futuro mejor.

Recepción

The Square fue recibido con elogios de la crítica. La película fue elogiada por su verosimilitud y su retrato íntimo de la Revolución egipcia. También fue elogiado por su mirada compleja y matizada a los desafíos de la construcción de una democracia en Medio Oriente.

La película ganó numerosos premios, incluido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance y el Premio del Público de Cine Mundial en la Competencia de Largometraje Documental del Festival de Cine de Sundance. También fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película Documental.

Trivialidades

  • La película se rodó durante dos años, durante los cuales los realizadores tuvieron un acceso sin precedentes a las protestas en la plaza Tahrir.
  • La película se hizo de forma independiente y los realizadores dependieron del crowdfunding para recaudar el dinero necesario para realizarla.
  • La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 20 millones de dólares en todo el mundo.

The Square no es una película sobre dinero en el sentido tradicional. No es una película sobre gente rica o sus lujosos estilos de vida. Sin embargo, la película explora el papel del dinero en la política y la sociedad. La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para influir en las elecciones, comprar a políticos y silenciar la disidencia. También muestra cómo se puede utilizar el dinero para crear una sociedad más justa y equitativa.

La gran apuesta (2015)

La gran apuesta (2015) es una película dramática de comedia negra biográfica estadounidense de 2015 dirigida porAdam McKayy escrito por McKay y Charles Randolph, basado en el libro homónimo de 2010 de Michael Lewis. La película sigue a un grupo de inversores que predijeron el colapso del mercado inmobiliario de 2007-2008 y apostaron en su contra.

La película está protagonizada por Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling, Marisa Tomei, Brad Pitt, Melissa Leo, Rafe Spall, Jeremy Irons y Finn Wittrock.

La película fue recibida con elogios de la crítica, con elogios por su actuación, dirección y guión. La película también fue un éxito comercial, recaudando más de 536 millones de dólares en todo el mundo.

Trama

La película comienza en 2005, cuando Michael Burry, un administrador de fondos de cobertura en Los Ángeles, comienza a sospechar que el mercado inmobiliario estadounidense se dirige al colapso. Burry cree que las instituciones financieras se han apalancado demasiado en las hipotecas de alto riesgo, que son hipotecas otorgadas a personas con malas calificaciones crediticias.

Burry comienza a apostar contra el mercado inmobiliario, comprando swaps de incumplimiento crediticio (CDS), que son un tipo de seguro que paga si el prestatario incumple su préstamo.

Inicialmente, sus colegas ignoran a Burry, quienes creen que el mercado inmobiliario es sólido. Sin embargo, otros inversores empiezan a ver su lógica y hacen lo mismo.

Entre estos inversores se encuentran Mark Baum, gestor de fondos de cobertura en Nueva York; Steve Eisman, analista financiero; y Jared Vennett, un vendedor de valores derivados que ha descubierto la misma información que Burry.

A medida que el mercado inmobiliario comienza a colapsar, los cuatro inversores obtienen enormes beneficios de sus apuestas.

Recepción

La gran apuesta fue recibida con elogios de la crítica, con elogios por su actuación, dirección y guión. La película también fue un éxito comercial, recaudando más de 536 millones de dólares en todo el mundo.

La película fue nominada a ocho premios de la Academia, incluidos Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado. Ganó dos premios: Mejor Montaje y Mejor Actor de Reparto para Christian Bale.

The Big Short es una película de dinero en muchos sentidos. En primer lugar, la película explora el papel del dinero en la crisis financiera de 2007-2008. La película muestra cómo las instituciones financieras utilizaron el dinero para apalancarse excesivamente en hipotecas de alto riesgo, lo que contribuyó al colapso del mercado inmobiliario.

En segundo lugar, la película explora el papel del dinero en la sociedad. La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para corromper, manipular y explotar. La película también muestra cómo se puede utilizar el dinero para crear riqueza y oportunidades.

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Parásito (2019)

Parásito es una película de suspenso y comedia negra surcoreana de 2019 dirigida porBong Joon Ho, quien coescribió el guión con Han Jin-won. La película sigue a los miembros de una familia pobre que planean ser empleados de una familia rica haciéndose pasar por personas altamente calificadas y sin parentesco. La película está protagonizada por Song Kang-ho, Lee Sun-kyun, Cho Yeo-jeong, Park So-dam, Choi Woo-shik, Jang Hye-jin y Lee Jung-eun.

La película se estrenó en Corea del Sur el 30 de mayo de 2019 y se estrenó internacionalmente en 2019 y 2020. Recibió elogios de la crítica universal por su dirección, guión, actuación, edición, cinematografía, diseño de producción y música, y es considerada una de las Las mejores películas de la década de 2010. Parasite ganó numerosos elogios, incluidos cuatro en la 92ª edición de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Película Internacional, lo que la convierte en la primera película de habla no inglesa en ganar Mejor Película.

Recepción

Parásitos fue recibido con elogios de la crítica universal. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 98% basado en 409 reseñas, con una calificación promedio de 9,05/10. El consenso crítico del sitio dice: «Parasite es una película brillantemente elaborada, oscuramente divertida y absolutamente fascinante que explora de manera experta temas de disparidad de clases y jerarquía social». En Metacritic, la película tiene una puntuación de 96 sobre 100 basada en 52 reseñas, lo que indica «aclamación universal».

Premios

Parasite ganó numerosos premios, incluidos cuatro en la 92ª edición de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Película Internacional, lo que la convierte en la primera película de habla no inglesa en ganar Mejor Película. También es la primera película surcoreana en ganar un Premio de la Academia. La película también ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2019, lo que convirtió a Bong Joon-ho en el primer director surcoreano en ganar el premio.

Temas

Parasite explora temas de disparidad de clases, jerarquía social y el lado oscuro del sistema capitalista. La película contrasta las miserables condiciones de vida de la familia Kim con la extravagante riqueza de los Park, destacando la enorme brecha entre ricos y pobres. La película también muestra cómo la desesperación de los Kim por mejorar sus vidas los lleva a engañar y explotar a los Park, revelando hasta dónde llegará la gente para escapar de la pobreza.

Parasite puede considerarse una película de dinero de varias maneras. Primero, la película explora el papel del dinero en la disparidad de clases. La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para crear una división entre ricos y pobres, y cómo esta división puede generar tensiones y conflictos.

En segundo lugar, la película explora el papel del dinero en la jerarquía social. La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para adquirir estatus y poder, y cómo esto puede conducir a una sociedad en la que los ricos tengan más oportunidades y privilegios que los pobres.

Finalmente, la película explora el papel del dinero en el capitalismo. La película muestra cómo el capitalismo puede ser un sistema que crea riqueza y oportunidades, pero que también puede generar inequidad y desigualdad.

Triángulo de tristeza (2022)

Trama

Carl y Yaya son una pareja de modelos en apuros. Cuando invitan a Carl a modelar en un crucero de lujo, aprovecha la oportunidad, aunque no puede permitirse el lujo de pagarle a Yaya para que lo acompañe.

A bordo del yate, Carl y Yaya rápidamente se dan cuenta de que están fuera de su alcance. Los demás pasajeros son increíblemente ricos y parecen no comprender las luchas de la gente corriente. Carl y Yaya intentan encajar, pero pronto se sienten alienados y aislados.

Cuando el yate se encuentra con una tormenta, los pasajeros quedan varados en una isla desierta. Los invitados adinerados rápidamente son despojados de su riqueza y poder, y Carl y Yaya se encuentran en una posición de autoridad.

Recepción

Triangle of Sadness fue recibido con elogios de la crítica. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 83% según 181 reseñas, con una calificación promedio de 7,4/10. El consenso crítico del sitio dice: «Triangle of Sadness es una sátira tremendamente entretenida y estimulante que critica los excesos de los ricos y la hipocresía de la industria de la moda». En Metacritic, la película tiene una puntuación de 74 sobre 100 basada en 45 reseñas, lo que indica «críticas generalmente favorables».

Premios

Triangle of Sadness ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 2022.

Temas

Triangle of Sadness explora temas de clase, riqueza y belleza. La película satiriza los excesos de los ricos y la hipocresía de la industria de la moda. También plantea interrogantes sobre la naturaleza del valor y la importancia del dinero.

Conclusión

Triangle of Sadness es una película hilarante y estimulante que permanecerá contigo mucho después de haberla visto. Es una visita obligada para cualquiera que esté interesado en la sátira social.

Triangle of Sadness puede considerarse una película de dinero por varias razones. En primer lugar, la película es una sátira de los ricos y su obsesión por el dinero. Los invitados adinerados de la película se muestran increíblemente materialistas y derrochadores. También se muestra que están dispuestos a hacer cualquier cosa para mantener su riqueza y estatus, incluso si eso significa explotar a otros.

En segundo lugar, la película explora la importancia del dinero en la sociedad. La película muestra cómo el dinero puede dar poder e influencia a las personas. También puede conducir a desigualdad e injusticia.

EO (2022)

Trama

EO es un burro que es vendido a un circo ambulante. A lo largo de su vida, EO conoce a personas de todos los ámbitos de la vida, desde la rica condesa Isabelle (Isabelle Huppert) hasta el campesino pobre. EO también es testigo de la crueldad y la hipocresía del hombre, pero nunca pierde su capacidad de amar y confiar.

Recepción

EO fue recibido con elogios de la crítica. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 96% según 82 reseñas, con una calificación promedio de 8,3/10. El consenso crítico del sitio dice: «EO es una película visualmente impactante y emocionalmente resonante que seguramente permanecerá contigo mucho después de haberla visto». En Metacritic, la película tiene una puntuación de 89 sobre 100 basada en 33 reseñas, lo que indica «aclamación universal».

Premios

EO ganó el Premio del Jurado – Mención Especial en el Festival de Cine de Cannes 2022.

Revisar

EO es una película hermosa y conmovedora que es imprescindible ver para cualquiera que se preocupe por los animales. Es una película que te hará reír, llorar y pensar.

EO puede considerarse una película de dinero por varias razones. Primero, la película explora el papel del dinero en la sociedad. La película muestra cómo se puede utilizar el dinero para explotar a los animales y otros seres vivos.

En segundo lugar, la película es una crítica del consumismo. La película muestra cómo el consumismo puede conducir a la crueldad y la hipocresía.

En tercer lugar, la película es un llamado a la acción para cambiar el mundo. La película sugiere que debemos cambiar nuestra forma de pensar sobre el dinero y el consumismo si queremos crear un mundo más justo y equitativo.

Las banshees de Inisherin (2022)

Trama

Las banshees de Inisherin es una película de comedia dramática oscura de 2022 escrita y dirigida porMartín McDonagh. Está protagonizada por Colin Farrell y Brendan Gleeson como amigos de toda la vida que se encuentran en un callejón sin salida cuando Colm termina abruptamente su amistad.

Recepción

The Banshees of Inisherin fue recibido con elogios de la crítica. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 93% basado en 309 reseñas, con una calificación promedio de 8,3/10. El consenso crítico del sitio dice: «The Banshees of Inisherin es una comedia oscuramente sardónica que es a la vez divertida y conmovedora. Los dos protagonistas están interpretados magistralmente por Brendan Gleeson y Colin Farrell». En Metacritic, la película tiene una puntuación de 83 sobre 100 basada en 51 reseñas, lo que indica «aclamación universal».

Premios

The Banshees of Inisherin fue nominada a siete premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Actor de Reparto (Brendan Gleeson), Mejor Actor de Reparto (Colin Farrell), Mejor Montaje y Mejor Sonido. La película ganó el premio al Mejor Guión Original.

Revisar

The Banshees of Inisherin es una película divertida y conmovedora que seguramente permanecerá contigo mucho después de haberla visto. La película es una obra de gran habilidad e inteligencia, y las actuaciones de Brendan Gleeson y Colin Farrell son simplemente sobresalientes.

Las Banshees de Inisherin pueden considerarse una película de dinero por varias razones. Primero, la película explora el tema de la riqueza y la pobreza. Los dos protagonistas, Pádraic y Colm, provienen de orígenes diferentes. Pádraic es un hombre rico, mientras que Colm es un hombre más pobre. Esta diferencia de clases es una fuente de tensión entre los dos amigos.

En segundo lugar, la película explora el tema del materialismo. Los dos protagonistas están obsesionados con el dinero y las posesiones materiales. Esta obsesión les lleva a la ruina.

En tercer lugar, la película es una crítica del capitalismo. La película sugiere que el capitalismo puede conducir a desigualdad y conflictos.

Curiosidades

  • La película tuvo su estreno mundial en el 79º Festival Internacional de Cine de Venecia, donde recibió una ovación de pie de 15 minutos.
  • La película se rodó en Irlanda, en la isla de Inisherin.
  • La película es la tercera entrega de la trilogía «Hermanos», después de En Brujas (2008) y Siete psicópatas (2012).

R.M.N. (2022)

Trama

R.M.N. es una película dramática rumana de 2022 escrita y dirigida porCristian Mungiú. La película está ambientada en un pueblo multiétnico de Transilvania, Rumania, durante las vacaciones de Navidad de 2019-20. El protagonista es Matthias, un hombre que regresa a su ciudad natal tras 12 años en Alemania.

Recepción

R.M.N. fue recibido con elogios de la crítica. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 92% según 253 reseñas, con una calificación promedio de 7,7/10. El consenso crítico del sitio dice: «R.M.N. es una película poderosa e inquietante que explora la compleja naturaleza del prejuicio y la identidad». En Metacritic, la película tiene una puntuación de 82 sobre 100 basada en 40 reseñas, lo que indica «aclamación universal».

Premios

R.M.N. Ganó el Gran Premio del Jurado en el 73º Festival Internacional de Cine de Berlín.

Revisar

R.M.N. es una película poderosa e inquietante que explora la compleja naturaleza del prejuicio y la identidad. La película es un retrato realista de una aldea multiétnica dividida por tensiones raciales y nacionalistas.

R.M.N. Puede considerarse una película de dinero por varias razones. Primero, la película explora el tema de la pobreza. Los personajes de la película provienen de diferentes orígenes económicos y la diferencia de clases es una fuente de tensión y conflicto.

En segundo lugar, la película explora el tema del materialismo. Los personajes de la película están obsesionados con el dinero y las posesiones materiales, y esta obsesión les lleva a tomar malas decisiones.

Curiosidades

  • La película se rodó en Rumania, en Transilvania.
  • El título de la película, R.M.N., es un acrónimo de «rumano-húngaro-alemán».
  • La película tuvo su estreno mundial en el 73º Festival Internacional de Cine de Berlín.

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