Historia del cine: antes del cine
La historia del cine comienza mucho antes de los hermanos Lumière y se pierde en la noche de los tiempos. El poder de las imágenes mentales, que alcanzará su máximo esplendor con el cine, siempre ha formado parte de la naturaleza humana. Desde el mito de la caverna de Platón hasta las reflexiones de otros filósofos griegos antiguos. Desde las pinturas rupestres de los hombres de las cavernas hasta la columna de Trajano de la antigua Roma, el hombre siempre ha intentado dar movimiento a las imágenes pintadas o esculpidas, tal como las veía moverse en su mente, en sus ensoñaciones, en sus sueños activos o en sus intuiciones cotidianas.
El precine es todo lo que ocurrió antes de la invención del cine. Ah, solo los hermanos Lumière lo inventaron, pero decenas de hombres en todo el mundo ya habían patentado diferentes inventos para lograr el mismo resultado: la proyección de imágenes en la pantalla gigante.
La primera etapa de lo que quizás sea el mayor invento en la historia del cine y la técnica fotográfica llegó a manos de Leonardo da Vinci, quien inventó la cámara oscura y el código Atlántico para sus proyectos. Pero el nacimiento de la cámara real aún estaba muy lejos.
Las invenciones del precine
En el siglo XIX, los inventos y artilugios que se acercaron progresivamente al cine se sucedieron a un ritmo rápido.
La linterna mágica
Se inventó la linterna mágica, una caja en la que se introducía una luz que, proyectando su haz hacia el exterior, proyectaba sobre una pared las imágenes dibujadas en una placa de vidrio entre la fuente luminosa y el exterior.
Un tipo particular de Linterna Mágica que funcionaba para la visión individual, no colectiva, como nuestros dispositivos conectados a internet actuales, era el Nuevo Mundo. Una caja en la que era necesario mirar a una persona a la vez dentro de un agujero para ver la fantasmagoría de las imágenes.
El ladrador
Pero la idea más emocionante parecía ser inventar algo que perfeccionara el eje del espectáculo colectivo. El pregonero era una especie de cruce entre presentador de televisión y actor de teatro que comentaba y entretenía al público durante las proyecciones de las imágenes de la linterna mágica. Su función era dar vida a los diálogos de los personajes y matizar el espectáculo. Esta figura profesional habría seguido existiendo incluso en los primeros años de la historia del cine.
La base de todas estas invenciones fue el descubrimiento del fenómeno de la persistencia retiniana, según el cual las imágenes persisten en el ojo humano durante una fracción de segundo. Este principio permite al ojo humano percibir imágenes en movimiento, y se perfeccionó posteriormente seleccionando la frecuencia óptima de un fotograma cada 25 de segundo.
Otras invenciones
En la primera mitad del siglo XIX, se multiplicaron los inventos para ver imágenes en movimiento. El cinetoscopio taumatropo, el zootropo, el praxinoscopio y el teatro óptico. París parecía ser el centro de todos estos inventos que precedieron al cinematógrafo de los hermanos Lumière. El teatro óptico de Reynaud, que unía los principios del praxinoscopio y el teatro óptico mediante el deslizamiento de placas de vidrio dentro del aparato, fue un gran éxito, pero la invención de la fotografía, que llegó poco después, determinó su fracaso. Reynaud, desesperado, destruyó todas sus creaciones en placas de vidrio y solo dos han llegado hasta nosotros. Sin embargo, fue una gran inspiración para la invención del cine de animación y para los hermanos Lumière.
La invención de la fotografía
La invención de la fotografía, perfeccionada por Niépce y Daguerre, sentó las bases del cine. La primera fotografía, tomada en 1826 por Niépce, retrataba una ventana. Revelar las placas fotográficas, hechas de metal, requería muchas horas. Daguerre mejoró considerablemente la invención con sus placas de cobre, que permitieron un revelado mucho más rápido.
Sin embargo, para poder ver imágenes en movimiento, era necesario imprimir rápidamente un gran número de fotografías, una tras otra. Una gran contribución provino de George Eastman con la invención del sensible rollo fotográfico de papel, que permitía tomar muchas fotografías sin cambiar de placa.
Impresionar y desplazarse rápidamente por las fotografías individuales fue el mayor reto para llegar a las primeras proyecciones cinematográficas. Muybridge, por ejemplo, tuvo la idea de colocar doce cámaras una junto a la otra para filmar la carrera de un caballo. Étienne-Jules Marey inventó el rifle fotográfico, capaz de imprimir doce fotografías en un segundo. Se parecía mucho a una escopeta real. Sin embargo, en sus experimentos con él, quedó claro que doce fotogramas por segundo no eran suficientes y el movimiento en sus grabaciones era entrecortado.
Historia del cine y Thomas Edison
El dispositivo que mejor impresionó las imágenes en movimiento fue inventado por Thomas Edison en Estados Unidos y se llamó kinetoscopio. Era una gran caja donde, insertando una moneda y girando una manivela, se podían deslizar las imágenes impresas sobre un rodillo. Edison se centró en el aspecto comercial. explotación Su invento fue un éxito inmediato. Sin embargo, su limitación residía en que no estaba diseñado para proyecciones colectivas. Mientras tanto, en varios países del mundo, otros inventores intentaban perfeccionar sus inventos para proyectar imágenes en movimiento, lo que continuaría la historia del cine.
Los hermanos Lumière
La familia Lumière poseía una próspera industria fotográfica en Lyon. Una tarde, al volver a casa, el padre de los hermanos Lumière, Antoine, les habló del invento de Edison. Quedó fascinado, pero pensó que era imperfecto; era necesario superar el límite del uso individual y poder obtener proyecciones colectivas.
Había nacido el cine. Los hermanos Lumière comenzaron a rodar sus primeras películas a principios de 1895 y, en diciembre de ese mismo año, organizaron la famosa proyección que mostraba a los obreros saliendo de su fábrica en el Café Capuchino de París, el 28 de diciembre. El estreno de los talleres de los Lumière fue el primero. un documental en la historia, seguido por muchos otros.
El asombro del público en la sala y el éxito inmediato del invento hicieron famoso al cine en todo el mundo en tan solo unos meses. Ese extraordinario aparato reproducía la vida. La historia del cine había comenzado. Entre el público de aquella primera proyección se encontraba un caballero llamado Georges Méliès, quien, entusiasmado con lo visto, decidió preguntar a los hermanos Lumière si era posible comprar uno de sus aparatos. Recibió una negativa, pero al poco tiempo, con obstinación, mandó construir el suyo.
Los hermanos Lumière contrataron a muchos camarógrafos y los enviaron por todo el mundo para hacer... cortometrajes documentales para sus espectáculos. Pero no estaban convencidos de que el cinematógrafo fuera un invento con gran futuro y abandonaron el negocio en 1901, volviendo a trabajar en la fotografía y el revelado de películas en color.
Historia del cine: George Méliès
George Méliès había sido un niño rebelde. Huyó de casa debido a un padre autoritario para convertirse en comerciante y siguió su pasión por la magia y el teatro viajando a Inglaterra y otros países europeos. De regreso a París, comenzó a trabajar en el teatro Houdini, del que posteriormente se convirtió en propietario, donde presentaba sus espectáculos de magia.
Fascinado por el cine, encargó a su ingeniero la construcción de un aparato similar y comenzó a usarlo para filmar sus espectáculos. A él se deben muchos inventos que contribuyeron a hacer del cine un espectáculo mágico: desapariciones, superposiciones, animaciones y coloreado de las películas. Méliès creía firmemente en el cinematógrafo, hasta el punto de tener un gran plató construido exclusivamente en cristal en el jardín de su villa a las afueras de París. Los rayos del sol penetraban a cualquier hora del día y podía rodar todas sus películas en su interior, donde actuaba y cuidaba hasta el último detalle.
Alguien dijo que si los Lumière inventaron el cine, Méliès también lo inventó. Con él, nacieron las películas de ficción y los géneros fantástico, histórico y de aventuras. Sus películas, compuestas por planos fijos que se suceden como etapas de un viaje, presentan mundos fantásticos extraordinarios y poéticos, con increíbles invenciones narrativas y visuales.
Méliès es un artesano que se encarga de todos los aspectos de la creación de sus películas. Incluso las colorea a mano fotograma a fotograma. Es el primer artista cinematográfico en crear... obras maestras, como “Viaje a lo imposible” y “La conquista del polo” entre otras.
Él gana más de 500 cortometrajeMuchos de los cuales se han perdido. Desafortunadamente, al igual que otros pioneros y artesanos de la historia del cine, no podrá resistir la competencia del desarrollo industrial del cine, que se desarrolló con gran rapidez a principios del siglo XX, tanto en Francia con Pathè y Gaumont, como en otros países del mundo. Terminará reencontrándose con su actriz, con quien colaboró muchos años antes de abrir un quiosco de bebidas en una estación de París, y la ayudará a gestionarlo.
La escuela de Brighton
Mientras tanto, en Brighton, Inglaterra, George Albert Smith y James Williamson habían creado un club de directores que tuvo un gran impacto en la historia del cine. Los directores de la escuela de Brighton crearon innovaciones fundamentales en el lenguaje cinematográfico: el rodaje en movimiento, o "trailer", del que tenemos un primer ejemplo en el cortometraje "Un beso en el túnel", y el uso del montaje dentro de la misma escena, con primeros planos de los actores y detalles del plano principal. Incluso lo subjetivo, el plano que representa el punto de vista de un personaje en una película, y el campo y el reverso, códigos fundamentales del cine moderno, son novedades inventadas por ellos. La historia cinematográfica y las escenas individuales, con los registros de la escuela de Brighton, se vuelven más articuladas y estructuradas.
La historia del cine se convierte en industria
En Francia, mientras tanto, hay un gran entusiasmo. El país es el epicentro cultural del mundo. Dos grandes producciones cinematográficas nacen con la intención de industrializar el cine y convertirlo en un producto comercial para el público de Massa: Pathè la Gaumont. Una tercera, Les films d'art, se especializó en... películas de arte y ensayoFue creado y desarrollado por los actores teatrales que trabajaban en la Comèdie Francaise para realizar películas dirigidas a un público elitista, más culto y exigente.
Para hacer famosas a Pathè y Gaumont en la historia del cine fueron sobre todo las películas de Ferdinand Zecca, Segundo De Chomon, Alice Guy y el películas animadas de Emil Cohl. Otros directores y escritores inventaron personajes cinematográficos que se hicieron muy populares, como Fantomas y los Vampiros. Les Films D'art, por otro lado, dependía en gran medida de sus actores, ya conocidos en toda Francia, a quienes publicitaban cuidadosamente en los carteles y el material publicitario de sus películas. Les Films D'art creó el primer Star System, que habría condicionado el nacimiento de Hollywood cine en Estados Unidos y que todavía hoy influye en la producción de películas en todo el mundo.
El cine estaba perdiendo la vocación artesanal y artística de los pioneros para transformarse en un fenómeno de entretenimiento comercial masivo. Una máquina para crear sueños y ganar dinero.
Películas de vanguardia
En la década de 1920 nació un vasto panorama de experimentación del cine europeo a cargo de artistas de otras disciplinas artísticas como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, quienes hicieron importantes contribuciones al desarrollo de la historia del cine de la época y de las décadas siguientes, hasta nuestros días: el cine de vanguardia.
El impresionismo y las nuevas formas de investigación cinematográfica reemplazaron al cine industrial en Francia en la década de 1920. La producción de películas francesas En la década de 1920 la producción cinematográfica disminuye drásticamente. En Estados Unidos y Alemania se produce mucho más cine.
Las películas industriales solían tener costos muy elevados y los fracasos financieros eran frecuentes. Los ejecutivos de Pathé y Gaumont comprendieron que distribuirlas implicaba mucho menos riesgo que producir nuevas películas.
Aunque a mediados de la década de 1920 Francia producía solo unas cincuenta películas y Estados Unidos 729, se vivía una gran efervescencia cultural en las calles de París y otras ciudades. Nacieron más cineclubes que en cualquier otra parte del mundo. Se podía asistir a debates, a críticas de cine y a revistas de vanguardia.
La vanguardia rusa Nació después de la revolución, en el contexto del Octubre de las Artes. Es una de las vanguardias más radicales. El Octubre de las Artes es una temporada rica para muchos directores no convencionales: cubofuturismo, teatro experimental, cine. El movimiento Proletkult, del que Eisenstein forma parte, buscará la espectacularidad de la cultura vinculada al proletariado.
En medio de toda esta efervescencia, la intención común era acercar el arte al ciudadano de a pie y a las masas populares. El cine entra así en contacto con los soldados de la revolución y con todo el proletariado. Dziga Vertov proviene de una formación musical y está influenciado por el futurismo y el constructivismo italianos.
André Breton fue el fundador del surrealismo. Todos sus colegas se interesaban por el mundo onírico, por todo lo que se manifiesta en el... inconsciente y fuera de los significados ordinarios del mundo, en las asociaciones automáticas de ideas que ocurren más allá de la conciencia, en lo que sucede después de la pérdida de cualquier racionalidad o control del pensamiento.
La director español Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí rodaron juntos en 1928 Un perro andaluz, una película destinada a marcar el cine surrealista. Otro películas surrealistas son Le Sang d'un poète (1930) de Jean Cocteau y, en parte, también Jean Vigo de L'Atalante.
Al margen de las principales vanguardias, hay varios directores que trabajan en otros países, como Carl Theodor Dreyer. En Italia, existe una profunda crisis de producción y distribución. Incluso el cine inglés carece de movimientos cinematográficos interesantes, a pesar de que Alfred Hitchcock comenzó su carrera muy joven. Es sobre todo en el norte de Europa donde encontramos a los cineastas más importantes, como Dreyer, Sjostrom y Christensen.
Historia del cine en Japón
La historia de cine japonés También comienza con el kinetoscopio de Thomas Edison, que se exportó a Japón en 1896. Los camarógrafos de Lumière también filman en Japón. La primera película japonesa data de 1897. Los fantasmas eran el tema más popular.
El Benshi se situaba junto a la pantalla y narraba las imágenes silenciosas en movimiento. El Benshi podía ir acompañado de música, como las películas míticas de los cines occidentales. En 1908, Shōzō Makino, el director pionero del cine japonés, fundó su empresa.
Onoe se convirtió en la primera estrella de cine japonesa, apareciendo en más de 1,000 películas, principalmente cortometrajes, entre 1909 y 1926. El primer estudio de producción cinematográfica japonés se creó en 1909 en Tokio.
películas japonesas tuvieron éxito a mediados de la década de 1920, gracias al encanto de algunas estrellas. Directores como Daisuke Itō y Masahiro Makino han hecho películas de samuráis como A Diary of Chuji's Travels y Roningai con escenas de batalla que tuvieron éxito Algunas estrellas, como Tsumasaburo Bando, Kanjūrō Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie y Utaemon Ichikawa, fueron contratados por Makino Film Productions y formaron su propia producción independiente con directores como Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami y Sadao Yamanaka.
Una página de locura es una de las películas de vanguardia japonesas más significativas. Es una cine mudo trabajar por género de terror Teinosuke Kinugasa de 1926. La película estuvo perdida durante más de 45 años, hasta que el mismo director la encontró por casualidad en 1971. Es una película diseñada por el movimiento artístico japonés Shinkankakuha, que significa escuela de nuevas percepciones.
Hollywood: Estrellas y Géneros de películas
En la década de 1920 la industria dominaba Hollywood Que se presenta como una fábrica de sueños que propone la realización del sueño americano. Una serie de personajes, héroes y heroínas casi siempre atractivos, con los que el público se identifica y que a menudo encarnan modelos a seguir. Una fábrica hollywoodense de la imaginación donde se crean películas clasificadas en géneros fácilmente codificables. La investigación artística se lleva a cabo en Hollywood gracias al mérito de directores más audaces, a menudo extranjeros.
Hollywood es una industria del entretenimiento en un universo de sueños optimistas, a menudo irrealistas. Las películas rara vez adoptan una perspectiva negativa, sino más bien una visión edulcorada del mundo. El auge del cine hollywoodense se ve favorecido por la crisis de la Gran Guerra. La economía mundial está desplomada y Estados Unidos se posiciona como líder mundial en varios sectores. Se establece una política de liberalismo que permite que los productos industriales estadounidenses se impongan en los mercados extranjeros.
Géneros cinematográficos fueron inventados en Hollywood En las décadas de 1930 y 1940, para satisfacer las necesidades de marketing y el público objetivo. Los géneros cinematográficos permitieron a los estudios llegar a un público muy específico interesado en ese tipo de película. Los productores siempre intentan conectar con cada género. Estrellas Que el público asocia instintivamente con ese género. La asociación entre un género determinado y un rostro determinado se convierte en un mecanismo inconsciente. La producción se organiza en unos pocos géneros y subgéneros esenciales: cada género incluye una ramificación de numerosos subgéneros, actores, directores y estilos de vida del público.
Junto con los géneros, el Star System. El estrellato es uno de los principales fenómenos del cine de las décadas de 1930 y 1940. El cine industrial es lo opuesto a cine independiente Y consigue a las estrellas más atractivas y sensuales. Mientras que en las producciones independientes el protagonista es el director, en el cine convencional el director es casi un simple empleado y permanece en la sombra tras las estrellas.
La cine clásico americano Es un sistema que controla las películas desde su concepción hasta su distribución en salas. Los grandes estudios cinematográficos poseen numerosas salas en Estados Unidos y controlan totalmente el mercado cinematográfico.
Entre 1930 y 1945 la industria de Hollywood comienza a producir películas clásicasEn 1929, el colapso de la bolsa de Wall Street azota a Estados Unidos y comienza la Gran Depresión. La crisis se prolongó hasta finales de la década de 40, con una reanudación a principios de la de XNUMX con la Segunda Guerra Mundial.
El dominio cultural en el mercado cinematográfico estadounidense se deriva del poder adquirido tras la Segunda Guerra Mundial. Esta victoria permitirá exportar películas clásicas estadounidenses a todo el mundo y aumentar drásticamente la audiencia. El presidente Roosevelt crea incentivos para fomentar el control de diversos sectores mediante monopolios y oligopolios verticales.
Italiano Neorrealismo
La Neorrealismo Fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia a finales de la década de 1940, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento representa un punto de inflexión importante en la historia del cine italiano e internacional, ya que ha intentado representar la realidad de la vida cotidiana italiana después de la guerra, con una mirada atenta a la vida de los estratos más pobres de la sociedad.
El cine neorrealista se caracterizó por un enfoque realista al representar la vida cotidiana, con gran atención al detalle y la verosimilitud. Las películas se rodaban a menudo en locaciones reales, con actores aficionados y una trama que buscaba evitar la artificialidad y el melodrama.
Entre los principales directores del movimiento neorrealista italiano destacan Vittorio De Sica, Roberto Rossellini y Luchino Visconti. Entre sus películas más famosas se encuentran "Ladrón de bicicletas" de De Sica, "Roma, ciudad abierta" de Rossellini y "La tierra tiembla" de Visconti.
El neorrealismo tuvo un impacto significativo en la cinematografía mundial, influyendo en cineastas y movimientos posteriores. Contribuyó a la proyección internacional del cine italiano y representó un avance importante en la historia del cine, sobre todo por su atención a la vida cotidiana y la realidad social.
El cine en los años 50
En la década de 1950, el cine experimentó una serie de cambios significativos que lo convirtieron en uno de los medios de comunicación más importantes del mundo. Durante este período, el cine comenzó a convertirse en una industria global, con películas producidas en diferentes países exportándose a todo el mundo.
En Estados Unidos, el cine se había convertido en una actividad comercial masiva y se producía en grandes cantidades para satisfacer la creciente demanda de un público cada vez más amplio. Algunas de las películas más famosas de esta década incluyen Cantando bajo la lluvia (1952) de Stanley Donen y Gene Kelly, El tesoro de África (1951) de John Huston, Los caballeros las prefieren rubias (1953) de Howard Hawks y “Sabrina” (1954) de Billy Wilder.
En Europa, el cine aún estaba influenciado por la Segunda Guerra Mundial y la reconstrucción de la posguerra. En Francia, el Nouvelle Vague estaba surgiendo como un movimiento cinematográfico, con directores como Jean-Luc Godard y François Truffaut cambiando radicalmente la forma de hacer cine con un enfoque más experimental e innovador.
En Italia, el cine neorrealista siguió teniendo un fuerte impacto, con directores como Vittorio De Sica que siguieron produciendo películas como “Umberto D.” (1952), que relataba las dificultades de la vida cotidiana en la Italia de la posguerra.
Incluso en Asia, el cine fue adquiriendo cada vez más importancia, con la aparición de directores como Akira Kurosawa en Japón quien creó algunas de sus películas más famosas como “Los siete samuráis” (1954) y “Trono de sangre” (1957).
En general, la década de 1950 fue una época de gran innovación y cambio para el cine, con cineastas explorando nuevas técnicas e historias que capturaban la imaginación del público de todo el mundo.
La nueva ola
La Nouvelle Vague, que significa “nueva ola” en francés, fue un movimiento cinematográfico francés que surgió a fines de la década de 1950 y se desarrolló hasta la década de 1960. El movimiento estaba compuesto principalmente por jóvenes cineastas, incluidos François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer y Jacques Rivette.
La Nouvelle Vague se caracterizó por un enfoque innovador de la cinematografía, en el que los cineastas buscaban desafiar las convenciones tradicionales del cine francés de la época. Entre los rasgos distintivos del movimiento se encontraba el uso de técnicas como la improvisación, el montaje discontinuo y la participación de actores no profesionales. libertad en la elección de localizaciones y en el rechazo de guiones prefabricados.
Además, la Nouvelle Vague se vio influenciada por las teorías cinematográficas del crítico francés André Bazin, quien proponía un enfoque realista y naturalidad en la interpretación de los actores. Los directores de la Nouvelle Vague intentaron capturar la realidad y la vida cotidiana en sus películas.
Entre las películas más famosas de la Nouvelle Vague se encuentran “Los 400 golpes” de François Truffaut, “Sin aliento” de Jean-Luc Godard y “Hiroshima, mi amor” de Alain Resnais.
La Nouvelle Vague tuvo un impacto significativo en la historia del cine e influyó en numerosos cineastas y movimientos posteriores. Su legado sigue presente en la cinematografía contemporánea y ha contribuido a moldear la cultura francesa e internacional.
El cine en los años 60
La década de 1960 fue una época de gran innovación y cambio en el mundo del cine. Esta década presenció el surgimiento de nuevos estilos cinematográficos, nuevas tecnologías y nuevos cineastas que desafiaron las convenciones del cine clásico.
En la década de 1960, el cine europeo alcanzó su apogeo con el movimiento de la Nouvelle Vague en Francia. En Estados Unidos, el cine de la década de 1960 presenció el surgimiento de una nueva generación de cineastas, conocidos como los "Movie Brats", entre ellos Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Steven Spielberg. Estos directores introdujeron un nuevo tipo de cine comercial, más personal y de gran impacto emocional. Sus películas han abordado temas como la violencia, la corrupción y la rebelión juvenil.
En Japón, el cine experimentó una transformación radical con el surgimiento de la Nueva Ola Japonesa, con directores como Akira Kurosawa, Yasujirō Ozu y Nagisa Oshima. Estos cineastas desafiaron la narrativa cinematográfica tradicional japonesa, creando obras altamente estilizadas y experimentales.
El cine italiano vio surgir los espaguetis género occidental, con directores como Sergio Leone y Clint Eastwood creando un nuevo tipo de cine western violento y visualmente atractivo.
Además, la década de 1960 fue una época de grandes cambios tecnológicos en el mundo del cine, con la introducción del color, la pantalla panorámica y el sonido estereofónico. Estas innovaciones han permitido a los cineastas explorar nuevas formas de contar historias y conectar con el público.
La década de 1960 fue una época de gran innovación y cambio en el mundo cinematográfico, con el surgimiento de nuevos estilos de cine, nuevas tecnologías y nuevos directores que desafiaron las convenciones del cine clásico.
Nuevo Cine Americano
La Nuevo Cine AmericanoEl Nuevo Cine Americano fue un movimiento cinematográfico que surgió en las décadas de 1960 y 1970 en Estados Unidos. Este movimiento se caracterizó por el uso de técnicas innovadoras, una mayor libertad creativa y una actitud crítica hacia la sociedad estadounidense de la época.
Entre los directores más representativos del Nuevo Cine Estadounidense se encuentran Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Arthur Penn y Brian De Palma. Estos directores crearon películas que desafiaron las convenciones del cine tradicional, empleando técnicas como el uso de objetivos gran angular, el enfoque selectivo y una fotografía más realista.
El Nuevo Cine Americano también se centró en los problemas sociales y políticos de la época, como la guerra de Vietnam, la lucha por los derechos civiles y las tensiones raciales. Las películas del Nuevo Cine Americano eran a menudo violentas, crudas y realistas, y representaban un desafío a la moralización y la censura que caracterizaban al cine estadounidense de la época.
Algunos ejemplos de películas del nuevo cine estadounidense incluyen “Easy Rider” de Dennis Hopper, “Taxi Driver” de Martin Scorsese, “El Padrino” de Francis Ford Coppola, “MASH” de Robert Altman y “Bonnie y Clyde” de Arthur Penn.
En general, el nuevo cine estadounidense ha tenido un impacto significativo en el cine mundial, influyendo en generaciones de cineastas y abriendo nuevas vías para la innovación y la expresión creativa en el cine.
Inglés Cine gratis
Inglés Cine gratis Fue un movimiento cinematográfico que surgió en Gran Bretaña a finales de la década de 1950. Estaba formado por un grupo de directores, entre ellos Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson, que buscaban desafiar las convenciones del cine británico de la época.
El movimiento tomó su nombre de una serie de proyecciones gratuitas de películas organizadas por los propios directores en el National Film Theatre de Londres, a partir de febrero de 1956. Estas películas, a menudo realizadas con presupuestos limitados, se caracterizaban por un fuerte enfoque en el realismo social y el documental, y buscaban representar la vida inglesa cotidiana con una sensibilidad auténtica y no estereotipada.
Las películas de cine libre a menudo se centraban en las clases trabajadoras, en temas como la pobreza, la soledad, la monotonía de la vida cotidiana y la exclusión social. Representaban un contrapunto a la luz. comedias y melodramas que dominaban el cine británico en esa época.
El movimiento del Cine Libre ha tenido una gran influencia en el cine británico e inspirado a muchos cineastas posteriores, como Ken Loach y Mike Leigh. Su legado se puede apreciar en películas como "Kes" (1969) de Ken Loach, que narra la vida de un joven de una familia de clase trabajadora, o "Naked" (1993) de Mike Leigh, que explora la soledad y la desesperación de la vida urbana moderna.
En resumen, el Cine Libre Inglés fue un movimiento importante que desafió las convenciones del cine británico de la época, ofreciendo una representación auténtica y sin estereotipos de la vida del inglés común. Su influencia aún se percibe en el cine británico contemporáneo.
Nueva ola iraní
La Nueva ola iraní Es un movimiento cinematográfico que se originó en Irán a fines de la década de 1980 y alcanzó su pico de popularidad en la década de 1990. Este movimiento ha producido una amplia gama de películas, a menudo con temas sociales y políticos, que han ganado reconocimiento internacional por su innovación formal y su poderoso mensaje.
La Nueva Ola Iraní se vio impulsada por diversos factores, como el declive de la industria cinematográfica tradicional iraní, la creciente libertad artística tras la revolución de 1979 y la disponibilidad de nuevas tecnologías de producción que facilitaron y abarataron la producción cinematográfica. Además, muchos directores de la Nueva Ola Iraní habían estudiado cine en el extranjero y trajeron a Irán ideas y técnicas innovadoras.
Entre los directores más conocidos de la nueva ola iraní se encuentran Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf, Jafar Panahi, Majid Majidi y Asghar Farhadi. Estos cineastas a menudo han narrado historias sencillas que exploran temas complejos como la pobreza, la opresión de la mujer, el islamismo y la lucha por la libertad y la justicia. Sus películas se centraron en el realismo y la sinceridad, a menudo con actores no profesionales y escenarios naturales.
La nueva ola iraní ha alcanzado un amplio reconocimiento internacional, obteniendo numerosos premios en festivales de cine de todo el mundo. Sin embargo, los cineastas de la nueva ola iraní se han enfrentado a menudo a la censura del gobierno iraní, que ha buscado limitar su libertad de expresión. A pesar de los desafíos, la nueva ola iraní ha dejado una huella imborrable en la cinematografía iraní e internacional, inspirando a generaciones de cineastas de todo el mundo.
El cine en los años 70
La década de 1970 fue crucial para el cine, caracterizada por un cambio de paradigma que propició el surgimiento de nuevos estilos y géneros cinematográficos. Durante estos años, el cine comenzó a volverse más audaz y experimental, abandonando las convenciones del pasado para abrazar nuevas formas de expresión.
Entre las películas más representativas de los años 70 se encuentran «Easy Rider» (1969), dirigida por Dennis Hopper, «El graduado» (1967), dirigida por Mike Nichols, y «Taxi Driver» (1976), dirigida por Martin Scorsese. Estas películas aportaron nueva luz. actores talentosos, como Robert De Niro y Jack Nicholson, que se convertirían en iconos del cine de los años 1970.
La década de 1970 fue también el momento en que el cine de género alcanzó la cima de su popularidad. Películas de terror Películas como “El exorcista” (1973) de William Friedkin y “Halloween” (1978) de John Carpenter cautivaron al público con su tensión y sangre, mientras que películas de ciencia ficción Al igual que “Star Wars” (1977) de George Lucas y “Alien” (1979) de Ridley Scott llevaron el cine al futuro, con escenarios futuristas y tecnologías nunca antes vistas.
Además, la década de 1970 presenció el nacimiento de un nuevo movimiento de cine de autor, con directores como Francis Ford Coppola, Woody Allen y Federico Fellini, quienes aportaron una nueva sensibilidad artística al cine. Películas como "El Padrino" (1972) de Coppola, "Annie Hall" (1977) de Allen y "Amarcord" (1973) de Fellini tuvieron un impacto significativo en la cultura popular e inspiraron a muchos otros cineastas.
Finalmente, la década de 1970 estuvo marcada por el nacimiento del cine de explotación, con películas centradas en la violencia, el sexo y la crueldad. Estas películas, a menudo consideradas de mal gusto y atrajeron numerosas críticas, también tuvieron un gran impacto en la cultura popular y la moda de la época.
La década de 1970 fue crucial en la historia del cine, ya que presenció el nacimiento de nuevos géneros y movimientos cinematográficos. Gracias a estas películas, el cine se convirtió en un medio más audaz y experimental, abriendo camino a nuevas formas de expresión e inspirando a generaciones de cineastas y público.
El cine en los años 80
Los 80 fueron una década muy importante para el cine, tanto por la cantidad de películas producidas como por las tendencias que caracterizaron la industria cinematográfica durante ese período. En particular, los 80 vieron películas de gran éxito comercial, como los éxitos de taquilla de Steven Spielberg y George Lucas, pero también... películas independientes que marcó un punto de inflexión importante en la historia del cine.
Entre los géneros más populares de los años 80 se encuentran los película de acción y aventuras, como la serie "Indiana Jones", "Depredador" o "Terminator", pero también comedias, como "Cazafantasmas" y "Superdetective en Hollywood". Además, los años 80 vieron el auge de la género de terror, con películas como 'Halloween', 'Viernes 13' y 'Pesadilla en Elm Street', pero también películas de ciencia ficción como 'Blade Runner' y 'Aliens'.
El cine de los 1980 también vio el auge de grandes directores como Martin Scorsese, Steven Spielberg, John Hughes y James Cameron, quienes ayudaron a definir el cine de la época. Además, muchos actores dieron el salto a la fama en los 80, como Tom Cruise, Eddie Murphy y Michael J. Fox.
Entre las obras maestras de los 80 destaca la película de 1984 “Érase una vez en América”, dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld y Joe Pesci. La película es... basada en la novela “The Hoods”, de Harry Gray, que cuenta la historia de un grupo de judíos estadounidenses involucrados en el crimen organizado en el barrio judío de la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1920 y 1930.
El cine en los años 90
La década de 1990 fue testigo de muchos cambios tecnológicos, como la introducción de las primeras computadoras para edición de vídeo y el nacimiento del cine digital.
El cine de los años 90 vio nacer muchas nuevas tendencias y géneros, como Película independiente, cine de acción de gran presupuesto y peliculas animadas en gráficos por computadora. Además, aparecieron muchos directores emergentes, como Quentin Tarantino, Kevin Smith y Spike Lee.
La década de 1990 también fue una época de gran innovación en la tecnología cinematográfica, con la aparición de nuevos efectos especiales y la introducción de nuevos formatos como DTS y Dolby Digital.
Además, la década de 1990 se caracterizó por un fuerte interés en la cultura popular, y muchas películas reflejaron este interés, como Wayne's World, Clueless y 56th Street.
El cine de los años 2000
El cine de la década del 2000 se caracterizó por una gran variedad de películas, géneros y estilos. Muchos directores emergentes comenzaron a darse a conocer durante esta época. El cine comercial dominó la taquilla.
Uno de los mayores éxitos de la década fue el género de superhéroes, con películas como "Spider-Man" (2002), "Batman Begins" (2005) e "Iron Man" (2008), que triunfaron en taquilla. El cine de animación también ha cosechado un gran éxito, con películas como "Shrek" (2001) y "Ratatouille" (2007), que cosecharon un gran éxito de público.
El cine independiente también experimentó un renovado interés durante la década de 2000, gracias a la difusión de las tecnologías de filmación digital y la creciente popularidad de los festivales de cine. Directores como Wes Anderson, Sofia Coppola, Richard Linklater y Noah Baumbach han recibido especial atención por sus obras independientes.
Además, la década de 2000 vio el resurgimiento de algunos géneros clásicos como el terror y el Película de guerra, con películas como “The Ring” (2002), “Los Otros” (2001), “Black Hawk Derribado” (2001) y “Cartas desde Iwo Jima” (2006).
El cine de la década del 2000 también presenció la continuación de algunas sagas cinematográficas comerciales, como «Star Wars» y «El Señor de los Anillos». Pero también vio el nacimiento de nuevas sagas como «Harry Potter» y «Crepúsculo», que atrajeron al público adolescente de todo el mundo.
En general, la década de 2000 fue una década de gran creatividad y la innovación en el cine independiente, sino que también consolidó el éxito de algunas de las grandes franquicias comerciales cargadas de estereotipos y clichés.
