¿Dónde nació el surrealismo?
El surrealismo también fue un movimiento de vanguardia para el desarrollo de la historia del cineComo el cine de Lumiere Los hermanos y la mayor parte de las vanguardias del siglo XX nacieron en París. Como el Nueva York de el nuevo Mundo Al igual que la nave espacial Metrópolis de Fritz Lang, que perseguía el éxito económico del sueño americano, París, la Ciudad de la Luz, continuó siendo la capital mundial del arte y de los movimientos de vanguardia que transformaron la historia del siglo XX. La Ciudad de la Luz fue el punto de encuentro de artistas surrealistas que buscaban cambiar la sociedad. el estado de las cosasLuchando contra la tradición y el pensamiento dominante. Hombres visionarios y audaces que buscaban llevar a cabo proyectos y batallas culturales radicales. El arte surrealista fue una de sus armas más poderosas.
André Breton y el legado del dadaísmo
El poeta André Breton, quien buscó canalizar la energía creativa pero destructiva del dadaísmo, fue el principal teórico e inspirador del surrealismo. La rebelión y la transgresión dadaístas se habían convertido con el tiempo en un fin en sí mismas y autodestructivas. André Breton y los primeros exponentes del surrealismo comprendieron que era posible aprovechar lo mejor de ellas y canalizarlas hacia una energía creativa y positiva. El arte surrealista debía ser constructivo, y los artistas surrealistas no querían ceder ante el nihilismo y la rebelión como un fin en sí mismos.
El inconsciente y las profundidades de la psique
El surrealismo nació en París en 1924, inspirado en los libros de Jung y Freud, como La interpretación de los sueños. Su objetivo era explorar la inconsciente y las profundidades de la psique humana. Abandonando las formas racionales de narración para sumergirse en la irracionalidad y la locura de la psique. El surrealismo y el arte surrealista utilizan los misteriosos símbolos y figuras del mundo onírico, con sus violentos e inexplicables conflictos. Los artistas surrealistas adoran las apariciones monstruosas y grotescas, el sinsentido y los misteriosos vínculos de significado entre los objetos de la narrativa.
Escritura automática y asociación libre
La técnica principal del surrealismo es la escritura automática y los mecanismos de automatismo psíquico descontrolados. Las obras surrealistas muestran las asociaciones libres del pensamiento irracional del inconsciente, de la imaginación en estado subconsciente, proyectos, figuras y símbolos aparentemente inconexos. El surrealismo rechaza la racionalidad lógica para explorar las misteriosas conexiones del mundo onírico.
En algunos encuentros, por ejemplo, los artistas surrealistas jugaban a un juego. Comenzaba con una palabra o una imagen escrita en una hoja de papel que circulaba entre todos los participantes, sin que nadie pudiera ver los cambios y añadidos que los demás hacían. Cada uno añadía una imagen o una palabra según su propia asociación de ideas. El juego a menudo evolucionaba de maneras impredecibles, produciendo diseños aparentemente sin sentido. Por ejemplo, una vez, a partir del concepto inicial ideado por uno de los jugadores A la palabra «cadáver» le siguió la de «exquisito, vino, bebida». La siguiente frase surgió, con una singular sugerencia emocional: «El exquisito cadáver beberá buen vino».
Las obras de los artistas surrealistas giraban en torno a tres pilares fundamentales: el amor como motor de la vida, el sueño como liberación de la imaginación y su poder. La liberación de las convenciones sociales como acto de rebelión contra la sociedad. homologación. La tercera fue la obsesión cinematográfica de toda la vida del más grande director surrealista, el español Luis Buñuel.
El surrealismo es el movimiento artístico de vanguardia más extendido y exitoso de todos los tiempos. Nació en una época en la que las vanguardias se sucedían una tras otra, con una corta vida. Sin embargo, los artistas surrealistas se han extendido por todo el mundo y siguen siendo numerosos hoy en día, discípulos de una visión del mundo que probablemente perdurará por mucho tiempo.
Podría decirse, en cierto sentido, que las semillas que dieron origen al surrealismo han existido durante siglos. La razón de su éxito radica quizás en que la exploración del inconsciente y los territorios desconocidos de la psique humana siempre está conectada con los mecanismos creativos del arte y, en general, con el desarrollo de la conciencia del propio mundo interior.
Artistas surrealistas
Además de su guía espiritual, el poeta André Breton, otros conocidos exponentes del surrealismo fueron los pintores Jean Mirò, René MagritteSalvador Dalí, Max Ernst, y poetas y escritores como Guillaume Apollinaire, Louis Aragon, Antonin Artaud y Tristan Tzara. Algunos de ellos provenían del dadaísmo. Algunos surrealistas se unieron posteriormente a la corriente anarquista y comunista. Otros, como Luis Buñuel, consideraban al Marqués de Sade Precursor e inspirador del movimiento. De hecho, las obras surrealistas de Buñuel están imbuidas de perversiones eróticas e impulsos sadomasoquistas.
Cine surrealista
En cine podemos mencionar tres grandes directores surrealistas, aunque la lista real, también contando Las contaminaciones entre realidad y fantasía que se dan en muchas películas serían gigantescas. Luis Buñuel, Alejandro Jodorowsky y Federico Fellini. El director surrealista más puro y militante de los tres, que asistió personalmente a los artistas surrealistas de París, es Luis Buñuel, quien, junto con su amigo Salvador Dalí inició el movimiento cinematográfico. La mayor parte de su filmografía se compone de obras surrealistas. Las películas surrealistas inspiradas en el movimiento recorren toda la historia del cine; el cine es el arte que mejor narra lo irracional y lo inconsciente.
Podría decirse que el cine surrealista representa la cúspide de la evolución del cine fantástico de Méliès, en contraposición a la senda realista y «documental» de los hermanos Lumière. El cine y el surrealismo parecen haber nacido el uno para el otro. La lista de películas surrealistas y sus creadores es muy larga, pero la mayoría solo se ven influenciados parcialmente por el movimiento. Podríamos mencionar, por ejemplo, a David Lynch. David CronenbergAbel Ferrara, Tinto Brass, Alfred Hitchcock, pero en realidad son muchísimos. El único director 100% surrealista reconocido por los teóricos del cine es... Luis Buñuel.
El surrealismo sigue inspirando obras constantemente, incluso hoy en día, y lo encontramos en numerosas obras de arte modernas y en numerosas películas de la década del 2000. Pero el final oficial que señalan historiadores y críticos del movimiento es el fin de la Segunda Guerra Mundial y, posteriormente, la muerte de su líder espiritual, André Breton.
Películas surrealistas que definitivamente debes ver
Entreacto (1924)
entreacto” es un cortometraje de vanguardia dirigido por René Clair, cineasta francés, en 1924. La película es conocida por su estilo experimental y surrealista, que fue influenciado por los movimientos dadaísta y surrealista de la época.
“Entr'acte” fue creado originalmente como una película de entreacto para ser mostrada durante una función de ballet de los Ballets Suédois en el Théâtre des Champs-Élysées En París. La película presenta una serie de escenas extrañas e inconexas, incluyendo tomas de un coche fúnebre tirado por un camello, una partida de ajedrez en una azotea y diversas acrobacias y gags visuales.
La película destaca por el uso de efectos de cámara lenta y cámara inversa, técnicas revolucionarias en el cine de la época. La música de “Entr'acte” fue compuesta por Erik Satie, un destacado compositor asociado con la escena artística de vanguardia en París.
“Entr'acte” se considera un clásico del cine experimental temprano y se estudia a menudo por su contribución al desarrollo del surrealismo cinematográfico. Sigue siendo una obra influyente en la historia del cine y es celebrada por su enfoque innovador y poco convencional de la cinematografía.
Cine anémico (1926)
“Anémic Cinéma” es un cortometraje experimental dirigido por Marcel Duchamp, un reconocido artista francés asociado con el movimiento dadaísta. La película, creada en 1926, es conocida por su carácter abstracto y conceptual.
El título, "Anémic Cinéma", es un juego de palabras que juega con el concepto de anemia, pero no tiene ninguna conexión directa con la enfermedad. La película es más una obra visual conmovedora que una narrativa tradicional.
La película consta de una serie de 700 fotogramas, cada uno de los cuales contiene una espiral en movimiento y una serie de juegos de palabras visuales y verbales. Duchamp utiliza el arte visual y las palabras para crear una experiencia surrealista y conceptual, desafiando las expectativas tradicionales del cine.
“Anémic Cinéma” se considera un ejemplo importante del cine de vanguardia y dadaísta, y es conocido por su experimentación formal y conceptual. La película refleja el interés de Duchamp por el arte conceptual y el uso del cine como medio para explorar nuevas ideas visuales y conceptuales. Es una obra que invita al espectador a pensar de forma innovadora y a explorar el cine de forma original.
Una visión creada por un cineasta, no por un algoritmo.
En este vídeo explico nuestra visión
Emak-Bakia (1926)
“Emak-Bakia” es otro cortometraje de vanguardia dirigido por el cineasta francés Man Ray en 1926. El título “Emak-Bakia” es una frase vasca que se traduce aproximadamente como “Déjame en paz” o “Deja de molestarme”, lo que añade un elemento de misterio y ambigüedad a la película.
La película es un ejemplo notable del cine dadaísta y surrealista, conocido por sus cualidades oníricas y abstractas. Presenta una serie de escenas surrealistas e inconexas, a menudo con técnicas de cámara y montaje experimentales. Man Ray empleó diversos efectos y técnicas visuales, como dobles exposiciones, superposiciones y montaje rápido, para crear una atmósfera onírica y desconcertante.
"Emak-Bakia" se considera una de las obras cinematográficas más significativas de Man Ray y ejemplifica la fascinación surrealista por el subconsciente y las imágenes oníricas. La película también destaca por el uso de técnicas visuales y cinematográficas innovadoras, pioneras en su época.
Como muchas películas de vanguardia de su época, “Emak-BakiaDesafía las estructuras narrativas tradicionales e invita al espectador a interpretar su contenido abstracto y simbólico a su manera. Sigue siendo una obra importante e influyente en la historia del cine experimental y el surrealismo.
12 cm de tacón
Cortometraje, thriller, de Fabio Giovinazzo, Italia, 2018.
"Tacones de 12 cm" es una película de suspenso de duración media dirigida por Fabio Giovinazzo, en la que un asesinato salvaje responde cada vez más a la moda de lo fantasioso y lo extraño.
IDIOMA: italiano
SUBTÍTULOS: inglés
La Coquille y el clérigo (1928)
La Coquille et le Clergyman” es una película pionera de vanguardia dirigida por Germaine Del lago, un cineasta francés, en 1928. Se considera una de las primeras películas surrealistas y a menudo se asocia con el poeta y escritor surrealista. Antonin Artaud, quien escribió el guión.
La película destaca por su imaginería onírica y simbólica, así como por su estructura narrativa experimental. «La Coquille et le Clergyman» explora los pensamientos y deseos íntimos de un clérigo obsesionado con la belleza de una mujer y atormentado por sus deseos reprimidos. La película utiliza imágenes surrealistas y abstractas para transmitir la agitación psicológica del clérigo, difuminando los límites entre la realidad y el subconsciente.
“La Coquille et le Clergyman” es significativa no solo por sus temas surrealistas, sino también por su innovadora cinematografía y técnicas de montaje. Fue una de las primeras películas en utilizar imágenes oníricas y simbólicas para narrar una historia, y tuvo una influencia significativa en el desarrollo del cine surrealista.
La película es célebre por su enfoque pionero de la narrativa y su capacidad para crear una atmósfera hipnótica y onírica. Sigue siendo una obra fundamental en la historia del cine de vanguardia y surrealista, y se la considera un clásico de los inicios del cine experimental.
Un perro andaluz (1929)
“Un Chien Andalou” es un famoso e influyente cortometraje surrealista dirigido por Luis Buñuel y coescrita con Salvador Dalí. Se estrenó en 1929 y se considera una de las obras más emblemáticas del cine surrealista.
El título "Un Chien Andalou" se traduce como "Un perro andaluz" en español, aunque no tiene una conexión narrativa literal con un perro. La película es conocida por su estructura onírica y no lineal, y sus imágenes impactantes y surrealistas.
«Un perro andaluz» consiste en una serie de viñetas vagamente conectadas, a menudo extrañas e inquietantes. Comienza con una famosa escena en la que un hombre (interpretado por el propio Buñuel) afila una navaja de afeitar y luego le abre el ojo a una mujer. Esta impactante e inquietante imagen se considera a menudo uno de los momentos más icónicos de la historia del cine.
La película continúa con una serie de escenas surrealistas y aparentemente inconexas, y no sigue una estructura narrativa tradicional. En cambio, explora temas como el deseo, la sexualidad y lo irracional a través de una serie de imágenes impactantes y simbólicas.
Un Chien Andaluz"Es célebre por su capacidad para evocar fuertes respuestas emocionales y psicológicas en los espectadores. A menudo se analiza por su uso de la lógica onírica y su exploración del subconsciente. La película ha tenido una profunda influencia en el cine surrealista y experimental y sigue siendo un clásico perdurable en el cine. historia del cine art.
La edad de oro (1930)
“L'Âge d'Or” (“La Edad de Oro”) es otra influyente película surrealista dirigida por Luis Buñuel, estrenada en 1930. Al igual que “Un perro andaluz”, esta película fue coescrita con Salvador Dalí y es conocida por su contenido provocador y surrealista.
«L'Âge d'Or» es una crítica mordaz y satírica de la sociedad burguesa y sus convenciones. Utiliza situaciones surrealistas y absurdas para desafiar las normas sociales y exponer la hipocresía de las costumbres contemporáneas. La película es conocida por sus escenas controvertidas e impactantes, que incluyen imágenes sexuales y blasfemas, diseñadas para provocar y desafiar la sensibilidad de su época.
La narrativa de la película es fragmentada y desarticulada, como un sueño o un flujo de conciencia. Cuenta la historia de una pareja enamorada que se enfrenta a diversos obstáculos y presiones sociales que les impiden consumar su relación. A lo largo de la película, se producen cambios abruptos y surrealistas de tono y temática.
“L'Âge d'Or” fue recibido con atropello La controversia generada tras su estreno, y su primera proyección en París en 1930, provocó disturbios y disturbios por parte de grupos conservadores y religiosos. Como resultado, la película fue prohibida en varios países y no se proyectó ampliamente durante muchos años.
A pesar de la polémica y las primeras reacción“L'Âge d'Or” se considera hoy un clásico del cine surrealista. Sigue siendo una obra importante por su exploración audaz e inflexible de los tabúes sociales y su desafío a la narrativa convencional y a la narrativa visual.
La Bella y la Bestia (1946)
“La Bella y la Bestia” es una famosa película francesa dirigida por el cineasta Jean Cocteau en 1946. Se considera una de las adaptaciones cinematográficas más icónicas y queridas del cuento de hadas “La Bella y la Bestia”.
La historia de la película es una adaptación del cuento de hadas tradicional de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, centrada en la relación entre Bella, una joven inteligente, y una monstruosa Bestia que, en realidad, es un príncipe bajo el hechizo de una maldición. La trama sigue el viaje de Bella, quien mira más allá de las apariencias para descubrir la belleza interior de la Bestia, lo que finalmente lo lleva a transformarse de nuevo en príncipe.
“La Bella y la Bestia” es famosa por su extraordinaria escenografía y efectos especiales, que se consideraban avanzados para su época. Jean Cocteau Creó un mundo mágico y de cuento de hadas que contribuyó a definir la imaginación visual de la historia de "La Bella y la Bestia". La película es un ejemplo de cine poético y surrealista, que combina elementos fantásticos con una sensibilidad artística distintiva.
La película todavía se considera un clásico del cine francés y una de las versiones más queridas de la “La bella y la bestiaEs apreciado por su belleza visual y su enfoque artístico de la narrativa de los cuentos de hadas, así como por cómo explora temas como la belleza interior y el amor genuino.
Una página de locura
Drama, terror, de Teinosuke Kinugasa, Japón, 1926.
Una página de locura es una película independiente rodada con un presupuesto casi nulo y posteriormente perdida durante cuarenta y cinco años. Afortunadamente, el director la redescubrió en su archivo en 1971. Es una película realizada por un grupo de artistas japoneses de vanguardia, la Escuela de las Nuevas Percepciones. Un movimiento que tenía como objetivo superar la representación naturalista. En un manicomio rural, bajo una lluvia torrencial, el conserje se encuentra con pacientes con enfermedades mentales. Al día siguiente llega una joven que se sorprende al encontrar allí a su padre, quien trabaja como conserje. La madre de la mujer enloqueció inicialmente por culpa de su marido cuando era marinero. El marido ha decidido cambiar de trabajo para estar cerca de su esposa en el manicomio y cuidarla. Su hija le dice a su padre que pronto se casará, pero el padre está preocupado porque teme, según los rumores populares de la época, que la enfermedad mental de la madre sea heredada por su hija. Si el joven marido y su familia descubrieran la locura de su madre, el matrimonio se desmoronaría. El conserje intenta cuidar de su esposa durante su trabajo mientras otros internos la golpean, pero esto interfiere con su rol y es regañado por el director del manicomio. Poco a poco, el conserje pierde contacto con la realidad y sus límites, a diferencia del sueño. Empieza a soñar despierto con ganar la lotería cuando su hija lo reencuentra para decirle que su matrimonio está en problemas. El hombre piensa en sacar a su esposa del manicomio para ocultar su existencia y resolver todos los problemas. Teinosuke Kinugasa es el director de algunas de las mejores películas japonesas de la década de 1920. Una página de locura ha sido comparada con las grandes películas expresionistas alemanas. Es una película experimental, de vanguardia extrema, que parece anticipar las atmósferas y los temas que habrían hecho famoso a David Lynch muchos años después. Pesadillas, distorsiones, desenfoques, dobles exposiciones y deformaciones fotográficas: una película que explora los límites más lejanos de las imágenes en movimiento. Luego están esas máscaras colocadas en una eterna sucesión de rejas, cerraduras y pasillos que alimentan la sensación de miedo y pérdida de los diversos protagonistas por exceso. Yasunari Kawabata, el escritor de la historia, ganó el Premio Nobel de literatura en 1968.
Sin diálogo
Nazarín (1959)
“Nazarín” es una película mexicana de 1959 dirigida por el reconocido cineasta español Luis Buñuel. La película es una adaptación de la novela homónima de Benito Pérez Galdós y destaca por su exploración de temas religiosos y morales.
La historia gira en torno al Padre Nazario, interpretado por Francisco Rabal, un humilde y devoto sacerdote católico que busca vivir conforme a las enseñanzas de Jesucristo. Sin embargo, su inquebrantable compromiso con los pobres y oprimidos a menudo entra en conflicto con la jerarquía eclesiástica y las normas sociales.
“Nazarín” es un análisis crítico de las contradicciones e hipocresías dentro de la Iglesia y la sociedad. Los intentos del Padre Nazario por vivir una vida de pura virtud cristiana se enfrentan al escepticismo, el rechazo y la traición de quienes lo rodean. La película plantea preguntas sobre la verdadera naturaleza de la caridad cristiana y los desafíos de vivir una vida de principios morales inflexibles en un mundo plagado de corrupción y cinismo.
Luis Buñuel, conocido por su cine surrealista y subversivo, adoptó un enfoque más directo y realista en “Nazarín”. Sin embargo, su estilo característico aún se evidencia en la forma en que explora las complejidades de la naturaleza humana y el conflicto entre los ideales religiosos y los deseos terrenales.
Nazarín se considera una de las obras maestras de Buñuel y es elogiada por su estimulante análisis de la fe, la moral y las normas sociales. Es una película impactante y contemplativa que continúa siendo estudiada y apreciada por su exploración de estos temas perdurables.
El año pasado en Marienbad (1961)
“El año pasado en Marienbad” (francés: “L'Année dernière à Marienbad”) es una obra muy influyente Película francesa dirigido por Alain Resnais y se estrenó en 1961. La película es celebrada por su narrativa vanguardista y enigmática, así como por sus innovadoras técnicas visuales y narrativas.
La historia de la película es deliberadamente elusiva y abierta a la interpretación. Gira en torno a un hombre (interpretado por Giorgio Albertazzi) que conoce a una mujer (interpretada por Delphine Seyrig) en un lujoso hotel europeo. El hombre insiste en que se conocieron el año anterior en el mismo lugar y que planeaban huir juntos. Sin embargo, la mujer no recuerda este encuentro, y la narrativa se convierte en una compleja interacción de memoria, tiempo y realidad.
El año pasado en MarienbadLa película se caracteriza por su intrincada estructura narrativa no lineal, con escenas y diálogos que a menudo se repiten o se reconfiguran. Desdibuja los límites entre pasado y presente, memoria y fantasía, realidad y sueño, creando una sensación de desorientación y misterio.
El impactante estilo visual de la película, caracterizado por su elegante cinematografía en blanco y negro y el uso de largos travellings, contribuye a su atmósfera hipnótica y onírica. El entorno del hotel es visualmente opulento y laberíntico, lo que acentúa la sensación de ambigüedad e incertidumbre.
«El año pasado en Marienbad» se considera una obra maestra del cine francés y una obra fundamental de la Nouvelle Vague. Desafía la narrativa convencional e invita al espectador a involucrarse activamente con su narrativa, lo que la convierte en una película que continúa siendo analizada y debatida por sus complejos temas y su innovador enfoque cinematográfico.
Julieta de los espíritus (1965)
“Julieta de los espíritus” es una Película italiana dirigido por Federico Fellini y se estrenó en 1965. La película es notable por ser el primer largometraje en color de Fellini y es conocida por sus cualidades oníricas y surrealistas.
La película sigue la historia de Giulietta, interpretada por Giulietta Masina, una mujer de mediana edad que atraviesa una crisis personal en su matrimonio. Empieza a sospechar que su marido es... infiel hacia ella y busca consuelo y respuestas a través de sus encuentros con una variedad de personajes excéntricos y místicos.
Julieta "De los Espíritus" se describe a menudo como un viaje al mundo interior de la protagonista, difuminando los límites entre la realidad y la fantasía. La película es rica en simbolismo y presenta secuencias de sueños, alucinaciones y efectos visuales coloridos y extravagantes que reflejan la agitación y los deseos internos de Giulietta.
La película de Fellini explora temas como el empoderamiento femenino, la sexualidad y la búsqueda de la identidad personal. Se aleja de sus primeras obras neorrealistas y representa una transición hacia un estilo cinematográfico más surrealista y fantástico.
La película es celebrada por su inventiva visual y la actuación de Giulietta Masina En el papel principal. Se considera una obra significativa en la filmografía de Fellini y en la historia del cine italiano. Giulietta de los espíritus” es apreciada por su narrativa única e imaginativa, lo que la convierte en un clásico del cine europeo.
Fin de semana (1967)
“Fin de semana” es una película francesa de 1967 dirigida por Jean-Luc GodardEs conocida por su estilo experimental y provocador, así como por sus mordaces comentarios sociales y políticos. La película se asocia a menudo con... Nueva Ola Francesa movimiento y se considera una de las obras más audaces de Godard.
La historia sigue a un matrimonio burgués, Roland y Corinne, que emprenden un viaje de fin de semana para visitar al padre de la esposa y cobrar una herencia. Durante su viaje, se enfrentan a una serie de situaciones extrañas y surrealistas, como atascos de tráfico, accidentes de coche y encuentros con diversos personajes excéntricos.
"Weekend" es famosa por su extenso plano secuencia de un gran atasco, una de las secuencias más icónicas y memorables de la película. La película también incluye escenas de violencia gráfica y humor negro.
Más allá de su narrativa y visuales poco convencionales, "Weekend" es una crítica mordaz al consumismo, el materialismo y la decadencia de la sociedad occidental. Explora temas como la avaricia, la explotación y la ruptura del orden social. Godard utiliza el caos y la violencia representados en la película como metáfora de la convulsión social de la década de 1960.
“Weekend” se considera un hito en la historia del cine por su enfoque innovador. Desafía la narrativa tradicional y es celebrada por su contenido reflexivo y subversivo. Si bien puede resultar desafiante y polarizante para algunos espectadores, sigue siendo una obra maestra significativa en el mundo del cine.
Mallas de la tarde
Cortometraje experimental, de Maya Deren, Estados Unidos, 1943.
Mallas de la Tarde es una de las obras maestras del cine surrealista y de la vanguardia estadounidense, y se ha convertido en un icono del cine experimental. La película se caracteriza por una narrativa onírica y no lineal que desafía las convenciones cinematográficas tradicionales. La trama gira en torno a una mujer, interpretada por la propia Maya Deren, que experimenta una serie de sucesos extraños y surrealistas en un entorno doméstico. Los objetos y sucesos de la película están cargados de simbolismo, y la película en sí misma puede interpretarse de diversas maneras.
"Mallas de la Tarde" es conocida por su innovador uso de la cinematografía, con encuadres evocadores y una edición audaz. Maya Deren utiliza el cine como forma de arte para explorar la psicología y las experiencias internas de su personaje, creando una atmósfera misteriosa e inquietante. La película ha influido en muchos cineastas y artistas cinematográficos posteriores, contribuyendo a la definición del lenguaje del cine experimental y de vanguardia. "Mallas de la Tarde" se estudia a menudo en cursos de cine y sigue siendo una obra de referencia en el mundo del cine de vanguardia y experimental.
SIN DIÁLOGOS
Fando y Lis (1968)
“Fando y Lis” es una película mexicana de 1968 dirigida por Alejandro Jodorowsky. Está basada en una obra de teatro de Fernando Arrabal y marca el debut como director de Jodorowsky. La película es conocida por su contenido surrealista y provocador y se considera un ejemplo temprano de cine de vanguardia.
La historia sigue a Fando, interpretado por Sergio Kleiner, y a su novia paralítica, Lis, interpretada por Diana Mariscal, en un viaje surrealista y de pesadilla a través de un paisaje postapocalíptico en busca de la mítica ciudad de Tar. En el camino, se topan con una serie de personajes y situaciones extrañas y grotescas.
“Fando y Lis” se caracteriza por sus imágenes oníricas y alucinatorias, así como por el uso de simbolismo religioso y sexual. La película es conocida por desafiar los límites de la narrativa convencional y por su contenido provocador y controvertido, que incluye escenas explícitas y representaciones de violencia.
Tras su estreno, «Fando y Lis» generó considerable controversia y fue prohibida en varios países. También fue tema de debate dentro de los movimientos de vanguardia y contracultura de la década de 1960.
La película se considera a menudo como una clásico de culto Es apreciada por su enfoque audaz y poco convencional en la cinematografía. Sigue siendo una obra clave en la historia del cine experimental y ha influido en generaciones posteriores de cineastas que exploran temas surrealistas y provocadores en su obra.
La Vía Láctea (1969)
La función de la Vía Láctea" es una película de 1969 dirigida por el cineasta español Luis BuñuelLa película es conocida por su naturaleza surrealista y provocativa y aborda temas religiosos de manera crítica y provocativa.
La trama de la película sigue a dos vagabundos, interpretados por Paul Frankeur y Laurent Terzieff, que emprenden un viaje a pie por Francia. Durante el trayecto, se encuentran con diversos personajes y entablan debates teológicos y religiosos. A medida que avanzan, su viaje se torna surrealista y metafísico, donde se topan con representaciones de diversas herejías religiosas e inconsistencias históricas.
“La Vía Láctea” es conocida por su estilo provocador y su narrativa no lineal. La película aborda críticamente temas religiosos y se centra en debates teológicos, contradicciones doctrinales y la diversidad de creencias religiosas. Buñuel utiliza el viaje de los protagonistas como una especie de exploración de la incredulidad religiosa y la búsqueda de la verdad.
La película está imbuida del espíritu surrealista característico de Buñuel y presenta elementos de humor negro y sátira. Se considera una obra emblemática del cine surrealista y representa una de las interpretaciones más audaces y provocadoras de temas religiosos en la gran pantalla.
La Vía LácteaEs una película que invita a la reflexión y plantea preguntas sobre la fe, la religión y la espiritualidad. Es apreciada por los aficionados al cine experimental y surrealista y sigue siendo una obra clave en la filmografía de Luis Buñuel.
Satyricon (1969)
“Satyricon” es una película italiana de 1969 dirigida por Federico FelliniEstá vagamente basada en la obra “Satyricon” del antiguo autor romano. Petronio, una de las primeras obras de ficción que se conservan en la literatura occidental. La adaptación cinematográfica de Fellini es conocida por sus visuales surrealistas y extravagantes, así como por su exploración de temas relacionados con la decadencia y el libertinaje en la antigua Roma.
La película no sigue una estructura narrativa tradicional, sino que presenta una serie de episodios y viñetas vagamente conectados que retratan las aventuras y desventuras de Encolpio y Ascilto, dos amigos en la antigua Roma. Su viaje los lleva a través de un mundo extraño y decadente, lleno de personajes excéntricos, encuentros eróticos y paisajes surrealistas.
El "Satyricon" de Fellini es célebre por sus extravagantes escenografías, su colorido vestuario y sus secuencias oníricas. Captura la decadencia y el deterioro moral de la antigua sociedad romana, a la vez que sirve como reflexión sobre problemas contemporáneos y el declive de la civilización occidental.
La narrativa no lineal y fragmentada de la película, junto con su riqueza visual y temática, la han convertido en objeto de análisis e interpretación crítica. Se considera una de las obras visualmente más impactantes y audaces de Federico Fellini, una muestra de su singular enfoque cinematográfico.
“Satyricon” sigue siendo una película notable e influyente en el ámbito del cine artístico, conocida por su experimentación artística y su exploración de los límites de la narración y la realización cinematográfica tradicionales.
El crematorio (1969)
El crematorio(Checo: “Spalovač mrtvol”) es una película checoslovaca de 1969 dirigida por Juraj HertzEsta película es una obra oscura y perturbadora que se enmarca dentro del terror y thriller psicológico géneros. Está basada en una novela de Ladislav Fuks.
La historia se ambienta en Praga durante la década de 1930 y sigue la vida de Karl Kopfrkingl, interpretado por Rudolf Hrušínský. Karl es un crematorio aparentemente afable y muy eficiente. Sin embargo, a medida que se obsesiona con su trabajo e influenciado por la ideología nazi, empieza a creer que incinerar a las personas libera sus almas y que tiene la misión divina de "salvar" tantas almas como sea posible incinerando a los vivos.
“El Cremador” profundiza en temas como el delirio, el fanatismo y los efectos deshumanizantes del totalitarismo. La película es conocida por su atmósfera inquietante, sus visuales surrealistas y la gradual caída del protagonista en la locura.
La dirección de Juraj Herz y la actuación de Hrušínský han sido elogiadas por crear una experiencia cinematográfica escalofriante y que invita a la reflexión. “El Crematorio” se considera a menudo una obra maestra del cine checo y sigue siendo una exploración poderosa y perturbadora de la psique humana en circunstancias extremas. Se considera un clásico del cine de Europa del Este y sigue siendo objeto de estudio por sus complejos temas y su narrativa visual.
Simón del desierto
Comedia, de Luis Buñuel, México, 1963
Simón, un santo de barba larga, vive en una columna en medio del desierto, en ayuno casi absoluto. Lo veneran como un Mesías. Realiza milagros y sufre las tentaciones de Satanás, quien lo atormenta disfrazado de una bella mujer. Una serie de escenas grotescas, surrealistas, mágicas y picarescas. El mejor Buñuel en tan solo 45 minutos.
Comida para el pensamiento
Quienes se retiran del mundo para buscar una vida espiritual están condenados al fracaso. Las tentaciones los perseguirán, la necesidad de relacionarse con los demás no los abandonará. Solo su ego se verá satisfecho con una falsa espiritualidad. La verdadera espiritualidad se encuentra en la vida cotidiana, en la sociedad en la que vivimos, en la vida cotidiana, entre las personas que conocemos a diario.
IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés, Francés, Alemán, Italiano, Portugués
El Topo (1970)
El Topo" es una película western mexicana de 1970 dirigida y protagonizada por Alejandro JodorowskyLa película es conocida por su estilo surrealista y vanguardista, y a menudo se la considera un clásico de culto. «El Topo» fue una obra innovadora que tuvo un impacto significativo en el mundo del cine.
La historia de la película sigue a El Topo, un pistolero Interpretado por Jodorowsky, quien se embarca en una búsqueda de la iluminación. La narrativa combina elementos del género western con temas surrealistas y alegóricos. El viaje de El Topo lo lleva a través de una serie de encuentros extraños y simbólicos, cada uno de los cuales desafía sus percepciones y creencias.
“El Topo” se caracteriza por su cinematografía única y visualmente impactante, su simbolismo religioso y filosófico, y su exploración de la sexualidad y la violencia. La película influyó en la introducción del concepto de la película de medianoche y se convirtió en una sensación de culto, especialmente entre la contracultura y... cine underground audiencias
El enfoque narrativo poco convencional y provocador de Alejandro Jodorowsky en “El Topo” la convirtió en un referente en el cine de vanguardia y experimental. La narrativa no lineal y las imágenes surrealistas de la película desafían las convenciones cinematográficas tradicionales y siguen inspirando a cineastas y artistas hasta la fecha.
"El Topo" se considera a menudo una obra pionera del fenómeno del cine de medianoche, que impulsó el auge de películas no convencionales y experimentales como atracciones de culto nocturnas. Sigue siendo una obra significativa y perdurable en la historia del cine.
El discreto encanto de la burguesía (1972)
El discreto encanto de la burguesía" es una película francesa de 1972 dirigida por Luis BuñuelLa película es una comedia surrealista y satírica que explora los absurdos e hipocresías de la sociedad de clase media alta.
La narrativa de la película se estructura en una serie de viñetas y gira en torno a un grupo de seis personas de clase media-alta que intentan repetidamente comer juntos, pero son interrumpidos constantemente por sucesos extraños y surrealistas. Estas interrupciones abarcan desde sueños extraños hasta revoluciones políticas, y ponen de relieve la incapacidad de los personajes para satisfacer sus deseos más básicos.
Buñuel utiliza las situaciones absurdas y oníricas de la película para criticar la complacencia de la burguesía y su desapego de las realidades del mundo. Los personajes se presentan como ensimismados e indiferentes al sufrimiento y la agitación que se viven fuera de su entorno social. burbuja.
«El discreto encanto de la burguesía» se caracteriza por su ingenio mordaz, su humor inteligente y su crítica subversiva de la clase social y los valores burgueses. Ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1973 y se considera una de las obras maestras de Buñuel.
La película es un clásico del cine surrealista y sigue siendo muy apreciada por su análisis reflexivo y humorístico de las convenciones sociales y el comportamiento humano. Es un testimonio de la capacidad de Buñuel para usar el surrealismo para criticar y satirizar el mundo que lo rodea.
Roma (1972)
“Roma” es una película italiana de 1972 dirigida por Federico FelliniLa película es una obra semiautobiográfica que presenta un retrato poético e impresionista de Roma, así como algunos de los propios recuerdos y experiencias de Fellini.
La película no se estructura en un formato narrativo tradicional, sino que ofrece una serie de viñetas y episodios que capturan diversos aspectos de la vida en Roma. Combina realismo y surrealismo, mientras Fellini explora tanto los aspectos históricos como los contemporáneos de la ciudad. La película aborda temas como la memoria, el tiempo y el paso de la historia.
Roma es conocida por su riqueza visual y su evocadora representación de la ciudad. Presenta secuencias elaboradas y oníricas, incluyendo una memorable escena de atasco, así como momentos de humor, nostalgia y reflexión.
El uso que Fellini hace de Roma como telón de fondo y personaje de la película le permite explorar sus conexiones personales con la ciudad, a la vez que profundiza en temas más amplios de la cultura y la sociedad italianas. «Roma» se considera una de las obras más personales e introspectivas de Fellini, y muestra su estilo distintivo como cineasta.
La película es reconocida por su cinematografía, dirección artística y el singular enfoque narrativo de Fellini. «Roma» sigue siendo una obra significativa en la filmografía del director y sigue siendo apreciada por su exploración artística y poética de la Ciudad Eterna.
Flamencos rosados (1972)
“Pink Flamingos” es una película underground estadounidense de 1972 dirigida por John WatersEsta película de culto es conocida por su contenido provocador y transgresor, que desafía los límites del buen gusto y la aceptabilidad. «Pink Flamingos» se asocia a menudo con el fenómeno de las sesiones de medianoche y el auge del cine independiente y subversivo.
La película se centra en el personaje Divine, interpretado por la icónica drag queen Divine (Harris Glenn Milstead), quien vive en una caravana con su familia y compite por el título de "la persona más sucia del mundo" contra otros contendientes. La película está repleta de escenas explícitas e impactantes, incluyendo escenas de desnudez, violencia y diversos actos de perversión.
John Waters usó “Pink FlamingosComo medio para desafiar las normas y convenciones sociales, en particular en el ámbito de la sexualidad y la identidad de género. La película es una celebración de lo grotesco y un rechazo a los valores dominantes.
A pesar de su notoriedad y su controvertido contenido, «Pink Flamingos» ha tenido un impacto duradero en el cine underground e independiente. Sigue siendo una obra significativa en la historia del cine transgresor y se considera un hito en la subversión de las normas culturales.
Tenga en cuenta que "Pink Flamingos" es una película extremadamente explícita y provocativa, por lo que podría no ser apta para todos los públicos. Se recomienda discreción al espectador.
Testamento de Orfeo
Película dramática, de Jean Cocteu, Francia, 1960.
En su última película, el legendario Jean Cocteau interpreta a un poeta que viaja a través del tiempo en busca de la iluminación. En un misterioso páramo, se encuentra con almas perdidas que lo llevan a la muerte y resurrección. Con un elenco excepcional que incluye a Pablo Picasso, Jean-Pierre Leáud, Lucia Bosè, Yul Brynner y Brigitte Bardot, El Testamento de Orfeo cierra la extraordinaria investigación de Cocteau sobre la relación entre el arte y la vida.
IDIOMA: francés
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El espíritu de la colmena (1973)
“El espíritu de la colmena” es una película española de 1973 dirigida por Víctor EriceLa película está considerada una obra maestra del cine español y uno de los mejores ejemplos del cine de autor.
La historia se ambienta en la España rural de 1940, justo después del final de la Guerra Civil Española. La película sigue la vida de una joven llamada Ana, interpretada por Ana Torrent, quien queda fascinada con la película "Frankenstein" de James Whale de 1931. Tras ver la película en un pequeño cine de pueblo, Ana desarrolla una obsesión con la criatura de Frankenstein.
“El Espíritu de la Colmena” es conocido por su atmósfera melancólica y su ritmo contemplativo. La película explora temas de aislamiento, soledad y desilusión a través de la mirada de un niño. Es también una obra altamente simbólica, con la Frankenstein monstruo que representa el miedo y la alienación que impregnan la sociedad española de la posguerra.
La película es famosa por su impresionante cinematografía y su capacidad para capturar la belleza y la desolación de la campiña española. Ha sido elogiada por las actuaciones de sus actores, en particular la de la joven Ana Torrent.
“El espíritu de la colmena” es una película profundamente poética y reflexiva que se ha ganado un lugar de honor en cine españolSe considera una obra de arte en el cine y continúa siendo estudiada y apreciada por su belleza visual y su profunda exploración de los conflictos internos de los individuos.
El fantasma de la libertad (1974)
“El fantasma de la libertad” es una película francesa de 1974 dirigida por Luis BuñuelLa película es una exploración surrealista y satírica de varios escenarios absurdos y poco convencionales que desafían las normas y expectativas sociales convencionales.
La película está estructurada como una serie de viñetas vagamente interconectadas, cada una presentando situaciones extrañas y perturbadoras. Estos escenarios incluyen una cena donde los invitados sentarse en inodoros en lugar de sillas, un grupo de monjes que tienen un comportamiento extraño y una investigación policial que se desarrolla en orden cronológico inverso.
El fantasma de la libertadEs conocida por su humor absurdo, su lógica onírica y su capacidad para subvertir las estructuras narrativas tradicionales. Buñuel utiliza estas escenas inconexas para criticar y satirizar diversos aspectos de la sociedad, como la religión, el sistema legal y las normas burguesas.
Como muchas de las obras de Buñuel, “El Fantasma de la Libertad” invita al espectador a cuestionar las convenciones e hipocresías de la vida cotidiana. Es una película que invita a la interpretación y la reflexión, con su narrativa surrealista y fragmentada que desafía las expectativas del espectador y lo incita a reflexionar sobre los absurdos de la existencia humana.
el fantasma de LibertadEs un ejemplo clásico del cine surrealista y es reconocido por su exploración intelectual y artística de narrativas poco convencionales. Continúa siendo estudiado y apreciado por sus cualidades reflexivas y subversivas.
Ese oscuro objeto del deseo (1977)
Ese oscuro objeto de deseo" es una película franco-española de 1977 dirigida por Luis BuñuelLa película es una exploración surrealista y provocativa del deseo, la obsesión y las complejidades de las relaciones humanas.
La narrativa de la película gira en torno al personaje Mathieu, un francés rico y mayor, interpretado por Fernando Rey, quien se enamora perdidamente de una joven española llamada Conchita. Conchita es interpretada por dos actrices diferentes, Carole Bouquet y Ángela Molina, quienes interpretan el papel de forma alternada a lo largo de la película. Esta dualidad contribuye a la sensación de ambigüedad y surrealismo de la película.
La búsqueda de Mathieu por Conchita está marcada por su deseo obsesivo, y su relación se caracteriza por una serie de encuentros extraños y enigmáticos. Conchita elude constantemente las insinuaciones de Mathieu, creando una dinámica de deseo y frustración.
Buñuel utiliza “Ese oscuro objeto del deseo” para ahondar en las complejidades de deseo humanoLa lucha de poder entre los sexos y la irracionalidad del amor. La película está repleta de secuencias surrealistas y oníricas que desafían la narrativa convencional e invitan al espectador a cuestionar la naturaleza del deseo y la obsesión.
Como muchas de las películas de Buñuel, “Ese Oscuro Objeto del Deseo” se caracteriza por su agudo ingenio y su comentario subversivo sobre las normas sociales y la política sexual. Es una obra sugerente y enigmática que invita a la reflexión sobre los misterios del deseo humano.
La película se considera a menudo una de las últimas obras maestras de Buñuel y sigue siendo una contribución significativa a las tradiciones surrealistas y de vanguardia del cine.
Cabeza de borrador (1977)
“Eraserhead” es una película surrealista estadounidense de 1977. horror corporal película dirigida por David LynchEste clásico de culto es el primer largometraje de Lynch y es conocido por su atmósfera inquietante y onírica, así como por su capacidad para evocar una sensación de pavor existencial.
La película sigue la vida de Henry Spencer, interpretado por Jack Nance, un hombre que vive en un entorno industrial y distópico. Tras el nacimiento de un bebé deforme y aparentemente inhumano por parte de su novia, la vida de Henry se ve envuelta en una serie de sucesos perturbadores y surrealistas. Mientras lucha por cuidar del niño y desenvolverse en su desolador entorno, la película profundiza en temas como el aislamiento, la alienación y los horrores de la vida cotidiana.
Eraserhead"Es famosa por su cruda cinematografía en blanco y negro, su inquietante diseño de sonido y su estructura narrativa poco convencional. Cuenta con una banda sonora inquietante y sobrenatural del compositor Alan R. Splet, que refuerza su carácter de pesadilla.
“Eraserhead” de David Lynch se considera a menudo una obra fundamental del cine independiente y un ejemplo perfecto del distintivo estilo cinematográfico de Lynch. Su narrativa enigmática y de final abierto deja espacio a la interpretación y la ha convertido en tema de análisis y debate académico.
Las imágenes surrealistas e inquietantes de la película, junto con su exploración de los rincones más oscuros de la psique humana, le han granjeado un público fiel y consolidado su estatus como un clásico tanto del terror como del cine independiente. Sigue influyendo en cineastas y artistas que buscan desafiar la narrativa convencional y la narrativa visual.
El ángel exterminador
Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
La trama gira en torno a un grupo de personas que se reúnen en una suntuosa villa para una cena de gala. Sin embargo, tras la cena, se encuentran con que no pueden salir de la villa, a pesar de que las puertas y ventanas están enrejadas y las salidas aparentemente bloqueadas. Lo que sigue es una especie de pesadilla surrealista donde el grupo de invitados queda atrapado en la villa y sus comportamientos y relaciones sociales comienzan a deteriorarse de forma extraña.
La película aborda temas como la conformidad social, la alienación y la caída de las convenciones sociales. Es conocida por sus secuencias surrealistas y su desafío a la realidad y la lógica tradicional. "El ángel exterminador" se interpreta a menudo como una crítica satírica a la clase alta y a las normas sociales moralistas. Esta película se ha convertido en un ícono del cine surrealista y representa una de las obras más distintivas y provocadoras de Luis Buñuel. Es apreciada tanto por su complejidad conceptual como por su extravagancia visual, y ha influido en el mundo del cine por su capacidad para traspasar los límites del arte cinematográfico. En su momento, muchos pensaron que sería la última película de la carrera de Buñuel. Sin embargo, fue la primera de una serie de obras maestras.
IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés
Acosador (1979)
“Stalker” es una película soviética de 1979. película de ciencia ficción dirigido por Andrei TarkovskyEsta obra visualmente impactante y filosófica es a menudo considerada como una de las mejores películas de la historia del cine y es una piedra angular de la filmografía de Tarkovski.
La película está basada libremente en la novela “Roadside Picnic” de Arkady y Boris Strugatsky y se desarrolla en un paisaje misterioso y postapocalíptico conocido como “La ZonaEn esta Zona, hay una habitación que, según se dice, concede los deseos más íntimos de quien entra. Un guía, conocido como "acosador”, lleva a dos clientes, el Escritor y el Profesor, a la Zona en busca de esta enigmática habitación.
“Stalker” es famosa por su ritmo pausado y pausado, sus tomas largas y sus intrincados temas filosóficos. Ahonda en cuestiones sobre la naturaleza del deseo humano, el poder de la fe y las consecuencias de alcanzar los deseos más profundos.
El estilo visual de la película se caracteriza por su impactante cinematografía, en la que Tarkovski y el director de fotografía Alexander Knyazhinsky crean imágenes memorables y cautivadoras. El uso del color y la composición contribuyen a la atmósfera onírica de la película.
“Stalker” es célebre por su profundidad intelectual y su capacidad para provocar la reflexión en el espectador. Es una película que invita a múltiples interpretaciones y ha sido objeto de amplio análisis y debate.
Como muchas de las obras de Tarkovski, "Stalker" es una experiencia cinematográfica desafiante y profunda que invita a una observación atenta y contemplativa. Sigue siendo una obra maestra imperecedera del cine mundial y continúa influyendo en cineastas y artistas con su riqueza filosófica y visual.
Alice (1988)
“Alice” es una película de fantasía estadounidense de 1988 dirigida por el cineasta checo Jan ŠvankmajerLa película es una adaptación oscura y surrealista de "Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas" de Lewis Carroll. mundo maravilloso” y “A través del espejo”. Combina acción en vivo con animación stop-motion y títeres para crear una interpretación única, inquietante y onírica del cuento clásico.
En esta versión de las aventuras de Alicia, la película comienza con una Alicia de acción real que, tras quedarse dormida, sueña con un mundo de pesadilla lleno de personajes extraños y grotescos. Švankmajer utiliza diversas técnicas poco convencionales, y a veces perturbadoras, para dar vida a la historia de Carroll. Objetos cotidianos se transforman en creaciones surrealistas y a menudo inquietantes, y la película difumina la línea entre lo cotidiano y lo fantástico.
“Alice” es conocida por su meticulosa atención al detalle en su animación stop-motion y su capacidad para crear una sensación de inquietud y asombro. Explora temas de transformación, identidad y lo absurdo de la vida cotidiana, manteniendo al mismo tiempo una atmósfera oscura y surrealista.
Jan Švankmajer es reconocido por su enfoque único e innovador en la cinematografía, y "Alice" se considera una de sus obras más emblemáticas. La película atrae a quienes aprecian el cine no convencional y un gusto por lo bizarro y lo fantástico.
Vale la pena señalar que “Alice” es bastante diferente de las adaptaciones más tradicionales de las historias de Lewis Carroll y ofrece una visión decididamente más oscura y surrealista del material original, lo que la convierte en una experiencia cinematográfica única y convincente.
La piel reflectante (1990)
“The Reflecting Skin” es una película de terror británico-canadiense de 1990 escrita y dirigida por Philip RidleyLa película es conocida por su narrativa oscura y atmosférica, así como por su exploración de temas relacionados con la inocencia, la violencia y la vida rural.
Ambientada en el Medio Oeste estadounidense de la década de 1950, la película sigue la vida de un niño llamado Seth Dove, interpretado por Jeremy Cooper. Seth queda fascinado por los misteriosos e inquietantes sucesos que ocurren en su pequeña comunidad rural, incluyendo la muerte inexplicable de varios niños. A medida que profundiza en los misterios, se topa con una serie de personajes extraños e inquietantes, incluyendo a su problemática familia y a una misteriosa mujer llamada Dolphin Blue, interpretada por Lindsay Duncan.
«La piel reflectante» se caracteriza por su fotografía sombría y evocadora, que contribuye a crear una sensación de inquietud y presagio. La película explora temas como la pérdida de la inocencia, el impacto de la violencia en individuos y comunidades, y la difusa línea entre la realidad y lo sobrenatural.
El estilo de dirección de Philip Ridley en "La Piel Reflectante" suele describirse como onírico y a la vez pesadillesco. La película combina elementos de terror, drama y surrealismo para crear una narrativa única e inquietante.
Aunque "La Piel Reflectante" quizá no sea tan conocida como otras películas de terror, se ha convertido en una película de culto por su narrativa atmosférica y sus temas que invitan a la reflexión. Es una película que invita a la interpretación y la reflexión sobre su narrativa oscura e inquietante.
Sueño de Arizona (1993)
“Arizona Dream” es una película de comedia dramática surrealista de 1993 dirigida por Emir KusturicaLa película es conocida por su narrativa excéntrica y onírica, que combina elementos de comedia, drama y surrealismo.
La historia sigue a Axel Blackmar, interpretado por Johnny Depp, un joven de Nueva York que viaja a Arizona para asistir a la boda de su tío Leo. Durante su estancia en Arizona, Axel se ve envuelto en una serie de sucesos extraños y caprichosos, incluyendo enamorarse de... dos mujeresElaine y Grace, interpretadas por Faye Dunaway y Lili Taylor, respectivamente. La película explora temas como el amor, la libertad y la búsqueda de los sueños.
El sueño de Arizona" se caracteriza por su humor peculiar y peculiar, así como por el uso de elementos surrealistas y fantásticos. Presenta secuencias de sueños surrealistas y fantasías imaginativas que contribuyen a su narrativa única e impredecible.
La película también se beneficia de una banda sonora distintiva compuesta por Goran Bregović, que mezcla el estilo de Europa del Este y gitano Música con un toque contemporáneo.
"Arizona Dream" es una película visualmente impactante y emotiva que atrae a quienes aprecian la narrativa poco convencional y el humor peculiar. Se ha convertido en una película de culto a lo largo de los años y sigue siendo una obra destacada en la filmografía de Emir Kusturica.
La sonrisa y la vaca
Película musical experimental de Fabio Nicosia, Italia, 2020.
Película musical con un toque psicológico. Los monstruos de la imaginería infantil transmigraron en las distintas etapas de la existencia individual. Las sombras, los fantasmas y los miedos que hemos logrado domar, pero no eliminar, y que resurge en los sueños, el lenguaje, la pintura, la arquitectura y la narración. Una película poco convencional capaz de penetrar la mirada del espectador con imágenes poco convencionales. En busca de ese mundo onírico que perteneció al niño que fuimos y que podemos redescubrir, con su creatividad y sus miedos.
IDIOMA: italiano
SUBTÍTULOS: Inglés
Paseo Mulholland (2001)
“Mulholland Drive” es una película de suspenso y misterio neo-noir estadounidense de 2001 escrita y dirigida por David LynchLa película es conocida por su narrativa compleja y enigmática, así como por su atmósfera surrealista y onírica. Ha sido aclamada por la crítica y a menudo se la considera una de las mejores películas del siglo XXI.
La historia de “Mulholland Drive” gira en torno a una joven llamada Betty olmos, interpretada por Naomi Watts, quien llega a Los Ángeles con el sueño de ser actriz. Descubre a una mujer amnésica, Rita, interpretada por Laura Harring, en el apartamento de su tía y juntas se embarcan en un misterioso y desconcertante viaje para descubrir la verdadera identidad de Rita. A medida que se adentran en los laberínticos misterios de Hollywood, la película explora temas de identidad, ilusión y el lado oscuro de la fama.
Mulholland Drive"es célebre por su narrativa no lineal y su capacidad para difuminar los límites entre la realidad y los sueños. La película se divide en dos partes diferenciadas, y la segunda ofrece una reinterpretación de los acontecimientos de la primera, añadiendo capas de complejidad a la narrativa.
El surrealismo característico de David Lynch y su estilo lynchiano se exhiben plenamente en “Mulholland Drive”, y la película cuenta con imágenes cautivadoras, una banda sonora fascinante de ángel Badalamenti, y actuaciones memorables de su elenco.
La película ha suscitado un amplio análisis e interpretación, con diversas teorías sobre su significado y simbolismo. Sigue siendo tema de debate entre cinéfilos y académicos.
Mulholland Drive” es una obra maestra cinematográfica que desafía la narrativa convencional e invita al espectador a sumergirse en su mundo enigmático e hipnótico. Sigue siendo un testimonio de la destreza cinematográfica de David Lynch y su capacidad para crear cine sugerente e inquietante.
Inland Empire (2006)
“Inland Empire” es una película de misterio experimental de 2006 escrita y dirigida por David LynchEs conocida por su narrativa compleja y enigmática, sus elementos surrealistas y el uso del vídeo digital. Con una duración de más de tres horas, la película es la más larga y una de las más desafiantes de Lynch.
La historia de “Inland Empire” gira en torno a una actriz llamada Nikki Grace, interpretada por Laura Dern, participa en un misterioso proyecto cinematográfico. A medida que profundiza en su papel, la realidad y la ficción se difuminan, y Nikki se ve cada vez más enredada en una narrativa laberíntica y alucinatoria que entrelaza múltiples historias y personajes.
La película destaca por su narrativa no lineal, sus secuencias oníricas y el uso característico de Lynch del simbolismo y las imágenes inquietantes. Crea una sensación de inquietud y desorientación al explorar temas como la identidad, la interpretación y la difusa frontera entre la ficción y la realidad.
“Inland Empire” se rodó en vídeo digital, lo que le permite a Lynch experimentar con diferentes estilos visuales y crear una atmósfera deliberadamente desconcertante y sobrenatural. La narrativa fragmentada y las secuencias surrealistas de la película la convierten en una experiencia visual desafiante que invita a la interpretación y al debate.
Al igual que muchas de las obras de David Lynch, “Inland Empire” ha provocado amplios análisis y debates entre cinéfilos y académicos, y continúa siendo un tema de fascinación para aquellos que aprecian el cine poco convencional y que invita a la reflexión.
Es importante señalar que “Inland Empire” es una película que evita deliberadamente las convenciones narrativas tradicionales en favor de un enfoque más abstracto y experimental, lo que la convierte en un viaje cinematográfico único e inmersivo para aquellos dispuestos a explorar sus misterios.
Santos motores (2012)
“Holy Motors” es un coche franco-alemán de 2012. película de drama fantástico Escrito y dirigido por Leos CaraxLa película es conocida por su narrativa surrealista y enigmática, así como por su exploración de la identidad, la performance y la naturaleza misma del cine.
La historia de "motores Santos” sigue a Monsieur Oscar, interpretado por Denis Lavant, un hombre misterioso que viaja por París en una limusina, asumiendo diversos roles y personajes a lo largo del día. Estos roles van desde un empresario hasta un artista de captura de movimiento, un artista de captura de movimiento y un acordeonista en un musical. interludioA medida que se transforma en estos personajes, la película difumina los límites entre la realidad y la actuación, y no queda claro quién es realmente Monsieur Oscar.
La película es una reflexión sobre la naturaleza de la actuación y las máscaras que las personas usan en su vida cotidiana. Explora temas como la transformación, la identidad y la evolución de la narrativa en la era digital.
Holy Motors es célebre por su narrativa innovadora y surrealista, y cuenta con la memorable actuación de Denis Lavant, quien encarna una amplia gama de personajes con precisión y emoción. La película también incluye un cameo de Kylie Minogue.
La dirección de Leos Carax en “Holy Motors” se caracteriza por su carácter onírico y su capacidad para desafiar las normas narrativas y cinematográficas convencionales. La película invita al espectador a cuestionar los límites entre la realidad y la representación, abriendo espacio para la interpretación y el debate.
Como con muchos películas de vanguardiaPuede que “Holy Motors” no sea del agrado de todos los públicos, pero ha cosechado elogios de la crítica por su enfoque artístico y reflexivo en la narrativa y la interpretación. Sigue siendo objeto de fascinación y análisis entre cinéfilos y académicos.
Una visión creada por un cineasta, no por un algoritmo.
En este vídeo explico nuestra visión
