El Festival Internacional de Cine de Venecia: Historia y ganadores del León de Oro

Introducción: El origen y el prestigio perdurable del Festival de Cine de Venecia

El Festival Internacional de Cine de Venecia, inaugurado en 1932, ostenta la distinción de ser el festival de cine más antiguo del mundo, un referente que iluminó por primera vez el cine como una forma de arte digna de celebración internacional. Nacido como una derivación de la Bienal de Venecia, una institución cultural multidisciplinar fundada en 1895, el Festival heredó una profunda conexión con las artes visuales, que moldeó su percepción inicial y enfatizó su vocación artística. Desde su concepción, el objetivo principal fue "mostrar lo mejor del cine entendido como una forma de arte", una intención que lo distinguió de los eventos puramente comerciales y que ha permeado su historia.

A lo largo de las décadas, el Festival se ha convertido en un evento de extraordinaria resonancia global, una encrucijada fundamental para descubrir nuevos talentos, lanzar actores y directores al escenario mundial y un poderoso motor de influencia en el mismo historia del cineSu capacidad para anticipar tendencias y presentar obras innovadoras y, en ocasiones, controvertidas, ha consolidado su prestigio. Sin embargo, el festival no ha sido una entidad ajena al contexto histórico y político italiano; al contrario, ha sido a menudo un fiel reflejo, para bien o para mal, de las políticas culturales expresadas por los diversos regímenes y gobiernos que se han sucedido, pasando por períodos de fuerte condicionamiento, pero también de valiente autonomía.

La fundación del Festival en 1932, en pleno régimen fascista, no fue un acontecimiento casual. De hecho, formó parte de una estrategia cultural más amplia destinada a promover la imagen de una Italia moderna y vanguardista, utilizando el cine —un poderoso medio de comunicación de masas en rápido auge— como instrumento de influencia cultural e, implícitamente, de afirmación política. La figura de Giuseppe Volpi, entonces presidente de la Bienal y anteriormente ministro de Finanzas de Mussolini, subraya este estrecho vínculo inicial entre el festival y las esferas del poder político. Esta conexión original con el régimen moldearía inevitablemente las primeras ediciones, influyendo en sus decisiones y en la percepción internacional, y exigiría, en la posguerra, un compromiso significativo para reafirmar la autonomía y la credibilidad cultural del festival.

Su afiliación inicial a la Bienal de Arte confirió inmediatamente un aura de "artisticidad" al Festival. Si bien este vínculo ofreció una plataforma prestigiosa y recursos organizativos, es posible que inicialmente enmarcara al cine como un arte "menor" o secundario en comparación con disciplinas más consolidadas. Sin embargo, el posterior y abrumador crecimiento del Festival, su progresiva autonomización y su capacidad para consolidarse como uno de los eventos cinematográficos más importantes del mundo atestiguan la afirmación definitiva del cine como lenguaje artístico independiente, dotado de una fuerza expresiva y un impacto cultural autónomos y de gran alcance.

II. Los orígenes y las primeras ediciones (1932-1939): Entre la experimentación y la influencia política

Las raíces del Festival Internacional de Cine de Venecia se remontan a un período de gran efervescencia cultural y crecientes tensiones políticas. Su nacimiento y sus primeros años se caracterizaron por una fase de experimentación pionera, pero también por la influencia progresiva e inexorable del contexto político italiano y europeo.

La Primera Exposición (1932): Un comienzo no competitivo

La primera edición, denominada “Exposición Internacional de Arte Cinematográfico”, tuvo lugar del 6 al 21 de agosto de 1932 en la pintoresca terraza del Hotel Excelsior del Lido de Venecia. Este evento pionero contó con la participación de nueve naciones y se inauguró con la proyección de la película estadounidense Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Rouben Mamoulian. En esta fase embrionaria, el jurado no otorgó premios oficiales. En su lugar, se realizó un referéndum entre el público presente, al que se le pidió que indicara las películas y actuaciones que consideraba más merecedoras. Entre los reconocimientos otorgados por votación popular, À Nous la Liberté, de René Clair, fue elegida como la Película Más Entretenida; El Pecado de Madelon Claudet, de Edgar Selwyn, fue designada como la Película Más Emocionante (con Helen Hayes como mejor actriz y Fredric March como mejor actor); mientras que Dr. Jekyll y Mr. Hyde recibió el reconocimiento a la Película Más Original. Película de fantasíaA pesar del considerable éxito de público y crítica, el evento no tuvo lugar en 1933, marcando una breve interrupción antes de su institucionalización definitiva.

El giro competitivo (1934) y la institución de la Copa Mussolini

1934 marcó un año crucial para el Festival: se declaró anual y la participación internacional aumentó a diecisiete países. Pero la novedad más significativa fue la introducción de la competición oficial y los primeros premios. Entre ellos, destacó la «Copa Mussolini», destinada a la Mejor Película Extranjera y a la Mejor Cine italiano, una clara señal de la creciente atención e influencia del régimen fascista en la organización. En total, se otorgaron diecisiete premios en esa edición (catorce a películas y tres a artistas individuales), además de cinco menciones honoríficas. La Copa Mussolini a la Mejor Película Extranjera recayó en El Hombre de Arán, de un documental el pionero Robert J. Flaherty, mientras que el premio a la mejor película italiana fue otorgado a Teresa Confalonieri de Guido Brignone.

La evolución de un evento basado en referéndum público a un evento competitivo con premios de connotación política fue extremadamente rápida. Esta transformación reflejó el deseo del régimen fascista de apropiarse del festival, convirtiéndolo en una muestra del prestigio italiano y un instrumento de poder cultural blando. La financiación del Ministerio de Cultura Popular, establecida en aquellos años, y la propia denominación del premio principal en honor al Duce, no fueron simples homenajes, sino indicios de un control político directo y de la instrumentalización del Festival para... propaganda Propósitos y consolidación del consenso. Esta politización tuvo un impacto inmediato en la percepción internacional del festival, lo que en los años posteriores provocó críticas y, como reacción directa, el nacimiento de festivales alternativos, en primer lugar Cannes.

Consolidación y crecimiento (1935-1938)

Las ediciones posteriores presenciaron una progresiva consolidación de la estructura y un aumento del prestigio del Festival. En 1935, Ottavio Croze fue nombrado primer director artístico, cargo que ocupó hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Ese mismo año, se creó un jurado para la concesión de premios, aunque inicialmente compuesto exclusivamente por miembros italianos. El apoyo financiero provino principalmente del Ministerio de Cultura Popular, complementado con contribuciones de la Bienal y la ciudad de Venecia.

1937 fue un año particularmente significativo con la inauguración del nuevo Palazzo del Cinema en el Lido, diseñado por el arquitecto Luigi Quagliata. Este nuevo e imponente recinto no solo supuso una mejora logística, sino una inversión simbólica destinada a consagrar a Venecia como una de las capitales mundiales del cine, capaz de competir con... Hollywoody proporcionar un escenario monumental para la visión cultural del régimen. La construcción de un edificio dedicado y majestuoso trascendió la simple necesidad funcional, señalando la ambición de convertir Venecia en un importante centro cinematográfico, en consonancia con las aspiraciones nacionalistas e imperialistas de la época. La presencia en el Lido de estrellas de renombre internacional como Marlene Dietrich, Bette Davis y Jean Gabin en aquellos años contribuyó a legitimar aún más esta ambición.⁵

Sin embargo, paralelamente al crecimiento estructural y de imagen, las presiones políticas se hicieron cada vez más sentidas. La edición de 1938 fue particularmente emblemática de esta tendencia: importantes premios se otorgaron a películas explícitamente propagandísticas. Fuentes históricas informan que Benito Mussolini y Adolf Hitler intervinieron directamente para subvertir las decisiones del jurado, imponiendo la concesión del premio a Leni Riefenstahl. Olympia como Mejor Película Extranjera y Luciano Serra pilota, protagonizada por el ídolo del régimen, Amedeo Nazzari, y dirigida por Goffredo Alessandrini (con la supervisión no acreditada del propio hijo del Duce, Vittorio Mussolini), como Mejor Película Italiana. Estas flagrantes interferencias minaron profundamente la credibilidad artística del premio y del propio festival.

La edición de 1939 y las sombras de la guerra

La edición de 1939 se celebró en un clima internacional extremadamente tenso, en vísperas del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Las ausencias de numerosas industrias cinematográficas fueron numerosas y significativas, lo que reflejaba el deterioro de las relaciones diplomáticas. En este contexto, solo se otorgó la Copa Mussolini, que recayó en la película italiana Abuna Messias – Vendetta africana, de Goffredo Alessandrini. Algunas fuentes la catalogan como "Mejor Película" en general, otras como ganadora de la Copa Mussolini a la Mejor Película Italiana (con el título Cardenal Messias). Considerando el contexto y la drástica reducción de la participación extranjera, es plausible que el premio se atribuyera a la película de Alessandrini como la principal obra en competición, reflejando las prioridades políticas del momento.

La creciente y descarada interferencia política en los premios, que culminó con los episodios de 1938 y la reducida edición de 1939, marcó un punto de no retorno para la credibilidad artística del Festival a nivel internacional. Si los premios ya no reflejaban el mérito artístico, sino la agenda política de los regímenes totalitarios, la participación y el interés de la comunidad cinematográfica no alineada estaban destinados a menguar drásticamente, como de hecho ocurrió. Este vacío de credibilidad contribuyó al nacimiento y la consolidación de otros festivales, como el de Cannes, fundado en 1939 (aunque su primera edición oficial se celebró en 1946) precisamente como reacción a las manipulaciones políticas en Venecia.

A continuación se muestra un cuadro resumen de la evolución de los primeros premios otorgados en el Festival de Cine de Venecia de 1932 a 1939:

Nota: En 1939, debido al inminente contexto bélico y a las numerosas ausencias, la Copa Mussolini fue otorgada principalmente a la película italiana.

III. Los años de guerra y la posguerra inmediata (1940-1948): Suspensión, reanudación y nueva identidad

La década que comenzó en 1940 estuvo profundamente marcada por la Segunda Guerra Mundial, que tuvo repercusiones directas y dramáticas en el Festival de Cine de Venecia. Las ediciones celebradas durante los años de guerra se vieron inevitablemente condicionadas por el clima político y militar, dando paso a una suspensión forzosa y a una posterior y compleja fase de recuperación y redefinición de la identidad en la posguerra.

Las ediciones de guerra (1940-1942): un festival condicionado

Las ediciones del Festival, celebradas entre 1940 y 1942, estuvieron fuertemente influenciadas por el control del Eje Roma-Berlín. La programación y los premios reflejaron claramente los intereses propagandísticos de los regímenes fascista y nazi, transformando el festival en una plataforma para la cinematografía de los países beligerantes y sus aliados, aislándolo aún más del panorama cinematográfico internacional no alineado.

En 1940, la Copa Mussolini a la mejor película extranjera fue otorgada a El maestro de correos del director austriaco Gustav Ucicky, una producción alemana. En cuanto a la Mejor Película Italiana, las fuentes informan de una discrepancia: algunos indican La asamblea del Alcázar por Augusto Genina, otros La corona de hierro por Alessandro Blasetti.⁸

La edición de 1941 vio la entrega y premiación por parte del Ministerio de Cultura Popular de regreso a casaUna película explícita de propaganda nazi. La Copa Mussolini a la Mejor Película Extranjera recayó en otra obra de propaganda del Tercer Reich, Ohm Krüger de Hans Steinhoff. Las fuentes también divergen en cuanto a la Mejor Película Italiana de 1941, citando a Blasetti La corona de hierro o de Roberto Rossellini el barco blanco⁸, siendo esta última una obra significativa para el desarrollo futuro del cine italiano.

1942 representó la última edición del Festival antes de la suspensión por la guerra. La Copa Mussolini a la Mejor Película Extranjera fue ganada por El gran rey by Director alemán Veit Harlan, mientras que el premio a la Mejor Película Italiana fue para Bengasi por Augusto Genina.⁸

Estas ediciones, dominadas por obras que celebraban la ideología y los esfuerzos bélicos del Eje, representaron la culminación de la instrumentalización política del festival. La participación se limitó a los países del Eje y a las naciones neutrales o simpatizantes, lo que desvirtuó la vocación internacional del Festival. Este período sombrío hizo aún más imperativo un profundo proceso de renovación al final del conflicto para recuperar la credibilidad.

En septiembre de 1942, con el empeoramiento de la situación bélica en Italia, las actividades de la Bienal de Venecia y, en consecuencia, del Festival de Cine, se suspendieron oficialmente.

La suspensión (1943-1945)

Entre 1943 y 1945, el Festival Internacional de Cine de Venecia no se celebró debido a los acontecimientos bélicos que devastaron Italia y Europa. Durante este período de interrupción, los pabellones de la Bienal en los Giardini di Castello se utilizaron brevemente como estudios de cine improvisados, conocidos como "Cinevillaggio", una iniciativa inspirada en Cinecittà que permaneció allí hasta abril de 1945.

La Reanudación (1946) y Neorrealismo

El Festival de Cine reanudó sus actividades en septiembre de 1946, en una Italia recién salida de la guerra y en plena reconstrucción material y moral. Cabe destacar que esta reanudación se produjo casi simultáneamente con la primera edición del Festival de Cannes, también nació con la intención de ofrecer una plataforma para el cine internacional libre de condicionamientos políticos. En esta edición de renacimiento, el premio principal, otorgado por un jurado de periodistas, recayó en The Southerner, del gran... Director francés Jean Renoir, figura destacada del cine mundial y reconocido antifascista, se exilió de Francia durante la ocupación. La decisión de premiar a Renoir fue altamente simbólica, marcando un claro deseo de romper con el pasado fascista del festival y un reajuste con los valores democráticos y la comunidad cinematográfica internacional. Este premio se considera a menudo un precursor directo del León de Oro o se identifica como el «Gran Premio Internacional de Venecia».

1946 fue también el año de la poderosa consolidación del neorrealismo italiano, un movimiento que marcaría profundamente la historia del cine mundial. Obras como la de Roberto Rossellini... paisano, de Aldo Vergano El sol todavía sale, y, al año siguiente, la de Giuseppe De Santis. Caza trágica, encontró en el Festival un escaparate importante.

El “Gran Premio Internacional de Venecia” (1947-1948)

En las dos ediciones siguientes, el premio principal asumió el nombre de “Gran Premio Internacional de Venecia”, un paso más en el proceso de desprendimiento de las connotaciones políticas del pasado y de afirmación de una nueva identidad vinculada al prestigio de la ciudad y a su vocación internacional.

La edición de 1947, celebrada excepcionalmente en el pintoresco patio del Palacio Ducal, fue todo un éxito, con un récord de noventa mil participantes y considerada una de las más exitosas en la historia del Festival. El Gran Premio Internacional de Venecia fue otorgado a la película checoslovaca. Sirena (La sirena) de Karel Steklý.

En 1948, el máximo honor recayó en un obra maestra del cine británico, Hamlet, dirigida y protagonizada por Laurence Olivier.

Estos cambios de nombre para los premios, que abandonaron la "Copa Mussolini", fueron esenciales para marcar una ruptura radical con el pasado fascista y reconstruir la credibilidad internacional del festival. Vincular el premio a la ciudad de Venecia, primero con una referencia genérica a su prestigio internacional y luego, como se verá, con el símbolo del León de San Marcos, pretendía darle un aura más universal, menos ligada a las contingencias políticas, una decisión que resultaría acertada a largo plazo.

IV. La era del León de Oro (1949-1968): Consagración internacional y nuevas tendencias

A finales de la década de 1940, el Festival Internacional de Cine de Venecia entró en una nueva etapa, caracterizada por la introducción de su premio más emblemático, el León, y por una progresiva consolidación como uno de los escenarios más prestigiosos del cine de autor mundial. Este período presenció la consagración de grandes maestros, el descubrimiento de nuevas cinematografías y el surgimiento de tendencias estilísticas que influirían profundamente en el séptimo arte.

Nace el León de San Marcos (posteriormente León de Oro)

1949 marcó un punto de inflexión simbólico fundamental: el premio principal del Festival pasó a llamarse "León de San Marcos", en homenaje directo al símbolo milenario de la ciudad de Venecia. Esta elección fortaleció aún más el vínculo del festival con la identidad y el prestigio histórico-cultural de la ciudad de la laguna, distanciándose definitivamente de las denominaciones anteriores. Unos años más tarde, en 1954, el nombre se modificaría ligeramente hasta convertirse en el definitivo "León de Oro", destinado a convertirse en uno de los premios cinematográficos más codiciados del mundo.

El primer León de San Marcos, en 1949, fue otorgado a la Película francesa Manon de Henri-Georges Clouzot. Al año siguiente, en 1950, el premio recayó en otra película francesa, La justicia se hace (Se hace justicia) de André Cayatte.⁸

1951 fue un año particularmente significativo: el Festival obtuvo la acreditación formal de la FIAPF (Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos), un reconocimiento oficial a su importancia en el panorama festivalero internacional. Pero, sobre todo, el León de San Marcos fue otorgado a Rashomon del director japonés Akira Kurosawa. Esta victoria tuvo un impacto trascendental: Rashomon No solo fue el reconocimiento de una obra maestra absoluta, sino que también abrió las puertas del cine occidental a la cinematografía japonesa y, por extensión, al cine asiático, hasta entonces en gran parte desconocido o ignorado en Europa y América. El Festival de Cine de Venecia se consolidó así como un potente "cazatalentos" global, capaz de redefinir el panorama del cine mundial y servir de puente entre diferentes culturas cinematográficas, impulsando un diálogo intercultural que enriquecería el lenguaje cinematográfico global.

En 1952, el León de San Marcos premió Juegos Prohibidos (Juegos Prohibidos) del francés René Clément. Sin embargo, la edición de 1953 concluyó sin que se entregara el premio principal debido a la incapacidad del jurado para tomar una decisión.

Los años cincuenta: Afirmación de grandes autores y nuevas estrellas

Los años 1950 fueron un período de gran esplendor para el Festival, que contribuyó decisivamente a la afirmación internacional de una nueva generación de directores italianos como Federico Fellini, Francesco Rosi, Ermanno Olmi y Michelangelo Antonioni, junto a maestros europeos de la talla de Ingmar Bergman, Robert Bresson y Claude Chabrol, e importantes autores estadounidenses como Elia Kazan. Además del ya mencionado "descubrimiento" del cine japonés con Kurosawa, el Festival dio visibilidad a otros maestros japoneses como Kenji Mizoguchi.

En 1954, cuando el premio asumió su nombre definitivo de “León de Oro”, la victoria recayó en Romeo y Julieta, una coproducción italo-británica dirigida por Renato Castellani. Esta fue la primera película de producción mayoritariamente italiana en ganar el máximo galardón del festival en su nueva versión.

El Lido di Venezia se convirtió en una pasarela imprescindible para las nuevas estrellas del panorama cinematográfico en estos años: en 1954, fue el turno de Marlon Brando, protagonista de la película de Elia Kazan. La ley del silencio, mientras que en 1958 la atención quedó cautivada por la presencia de Brigitte Bardot, intérprete de la obra de Claude Autant-Lara. El amor es mi profesión.

El León de Oro de 1955 fue otorgado a la obra maestra del director danés Carl Theodor Dreyer, La palabra (La Palabra). La edición de 1956 también concluyó sin ganador del León de Oro.

En 1957, el premio fue para la India, obra de Satyajit Ray. Aparajito (Los Invictos), el segundo capítulo de su célebre Trilogía de Apu. Al año siguiente, en 1958, el León de Oro regresó a Japón con la obra de Hiroshi Inagaki. muhomatsu no issho (El hombre del rickshaw).⁸

La edición de 1959 fue un ex aequo totalmente italiano, con el León de Oro compartido por dos obras fundamentales de la cinematografía nacional: la de Mario Monicelli La Gran Guerra (La Gran Guerra), una amarga y poderosa reflexión sobre la Primera Guerra Mundial, y la obra de Roberto Rossellini. General Della Rovere (General Della Rovere), una intensa drama Ambientada durante la ocupación nazi.⁸

Los años sesenta: Cine gratis, Nouvelle Vague, y Compromiso Social

La década de 1960 se inauguró con un renovado fervor cultural y cinematográfico. El Festival de Cine de Venecia se convirtió en una plataforma privilegiada para la presentación y consagración de nuevos movimientos y tendencias estéticas. El festival acogió importantes películas del Free Cinema británico, hasta entonces casi desconocidas para el público general, como Saturday Night and Sunday Morning de Karel Reisz, A Taste of Honey de Tony Richardson y Billy Liar de John Schlesinger. Paralelamente, la Nouvelle Vague francesa alcanzó su plena consagración, presente con obras que redefinirían el lenguaje cinematográfico.

El León de Oro de 1960 fue otorgado a André Cayatte. El paso del Rin (Mañana me toca), una coproducción franco-italiana-alemana. En 1961, el premio recayó en una obra fundamental de la modernidad cinematográfica: la de Alain Resnais. El año pasado en Marienbad (El año pasado en Marienbad).⁸

La edición de 1962 vio otro ex aequo, esta vez entre Italia y la Unión Soviética: el León de Oro fue compartido por Valerio Zurlini. Cronaca familiare (Diario Familiar) y Ivanovo detstvo (La infancia de Iván), la primera obra de Andrei Tarkovsky, destinado a convertirse en uno de los grandes maestros del cine mundial.⁸

El cine italiano siguió cosechando éxitos: en 1963, la película de Francesco Rosi... Le mani sulla città Ganó "Manos sobre la Ciudad", una impactante película que denunciaba la especulación inmobiliaria y la corrupción política. En 1964, el León de Oro fue para Michelangelo Antonioni. el desierto rojo (Desierto Rojo), su primera película en color, una obra de extraordinario poder visual y temático. Al año siguiente, en 1965, fue la película de Luchino Visconti Vaghe estrellas dell'Orsa… (Sandra de las Mil Delicias).

La creciente atención del Festival a películas con un fuerte compromiso cívico y político, que reflejaban el cambio en el clima cultural y social de la época, se confirmó aún más en 1966 con la victoria de la película de Gillo Pontecorvo. La Battaglia di Algeri (La Batalla de Argel), una obra trascendental sobre la lucha argelina por la independencia. Al premiar estas películas, el Festival no solo reconoció su valor artístico, sino que también se convirtió en un foro para debates cruciales, demostrando su capacidad para interceptar y enriquecer un cine que cuestionaba críticamente el presente.

En 1967, el León de Oro fue otorgado al maestro surrealista Luis Buñuel. Belle de jour (La belleza del día). Finalmente, la edición de 1968, que tuvo lugar en un clima de fuerte protesta estudiantil y social que marcaría profundamente la década siguiente, vio la victoria del cine de Alemania Occidental. Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos (Artistas bajo la gran carpa: perplejos) de Alexander Kluge.⁸

Este período de veinte años, de 1949 a 1968, fue crucial para el Festival de Cine de Venecia. El festival logró equilibrar la celebración de maestros consagrados con el descubrimiento de nuevas cinematografías y movimientos, consolidando su papel como plataforma esencial para la evolución del cine de autor y la afirmación de nuevas estéticas. Su capacidad para interceptar y amplificar las demandas del cine socialmente comprometido prefiguró, en cierto modo, las profundas transformaciones y protestas que caracterizarían la década siguiente.

V. Crisis y Contienda (1969-1979): Años de No Competitividad e Interrupciones

El período comprendido entre 1969 y 1979 representa una fase compleja y problemática en la historia del Festival Internacional de Cine de Venecia. Tras las protestas sociopolíticas de 1968, que cuestionaron las instituciones culturales tradicionales y sus estructuras jerárquicas, el festival entró en una profunda crisis de identidad que condujo a la abolición de los premios y a varias interrupciones.

Abolición de los premios (1969-1979)

La intensidad de la protesta fue tal que los directores italianos inscritos en la ANAC (Asociación Nacional de Autores de Cine) se negaron a participar en el evento en sus formatos tradicionales. En respuesta a estas presiones y en un intento de reformar el festival, haciéndolo percibir como más democrático o menos ligado a lógicas competitivas, consideradas como expresión de la cultura burguesa, el Festival abolió los premios a partir de la edición de 1969. Así comenzó una larga fase no competitiva que caracterizó toda la década, con el festival, en cierto sentido, retomando el espíritu de su primera edición en 1932, centrándose en la presentación de obras en lugar de su evaluación jerárquica.

Esta elección, si bien por un lado revelaba cierta nobleza cultural y un intento de desvincularse de las presiones del mercado y la espectacularización, por otro lado, hacía que el Festival fuera prácticamente ajeno al concepto de un verdadero festival, entendido como un evento competitivo de atractivo internacional. La ausencia del León de Oro y otros premios importantes debilitó la proyección internacional del festival, reduciendo su atractivo para una parte de la industria cinematográfica y el público.

Interrupciones del festival

La crisis del Festival en la década de 1970 se vio agravada por varias interrupciones. El festival no se celebró en 1973, 1977 ni 1978. En 1977, en lugar del evento habitual, se organizó únicamente una exposición dedicada específicamente al cine de Europa del Este. Estas interrupciones fueron un claro síntoma de la profunda crisis que atravesaba el festival.

Las dificultades del Festival de Cine de Venecia en esta década no fueron un fenómeno aislado, sino parte de un panorama más amplio de crisis de identidad y financiera que muchas instituciones culturales italianas enfrentaron en ese período, marcado por una fuerte inestabilidad política, crecientes tensiones sociales (los llamados "Años de Plomo") y dificultades económicas. La frase "tras la reforma de la Bienal", mencionada en algunas fuentes como la causa de las interrupciones, también sugiere que las reorganizaciones internas de la entidad principal podrían haber contribuido a esta fase de incertidumbre y reducción de la actividad.

El León de Oro “Suspendido”

En consecuencia, el León de Oro, símbolo del prestigio del Festival, no se entregó durante más de una década. Su regreso a la escena no se produciría hasta 1980, marcando el inicio de una nueva fase de relanzamiento y recuperación del prestigio perdido. Este largo interludio no competitivo y las frecuentes interrupciones crearon un vacío que otros festivales de cine emergentes o más consolidados pudieron aprovechar para aumentar su influencia, lo que hizo que el posterior renacimiento de Venecia en la década de 1980 fuera más arduo y significativo.

VI. El Renacimiento y los años ochenta: El regreso del León de Oro y nuevos descubrimientos

Tras una década turbulenta de protestas y falta de competitividad, la década de 1980 marcó un período de significativo renacimiento y un redescubrimiento del prestigio internacional del Festival Internacional de Cine de Venecia. Bajo la guía de nuevas tendencias artísticas, el festival logró renovarse, retomando la fórmula competitiva y reafirmándose como uno de los eventos cinematográficos más importantes del mundo.

El regreso a la competitividad (1980)

El punto de inflexión fue el regreso del premio León de Oro en 1980. Esta decisión, tomada bajo la nueva dirección de Carlo Lizzani (en el cargo de 1979 a 1982), fue parte de una estrategia más amplia destinada a restaurar la imagen y la influencia del festival en la escena internacional, después de la pérdida de centralidad sufrida en la década de 1970. La elección de premiar ex aequo a dos directores de gran calibre y diferentes orígenes, como el francés Louis Malle por Atlantic City, EE. UU. y el estadounidense John Cassavetes por Gloria, fue una clara señal de esta renovada ambición y apertura global.

Una década dorada para el Festival

Los años 1980 se consideran a menudo una auténtica “época dorada” para el Festival de Cine de Venecia¹, caracterizada por una programación rica y valiente, capaz de atraer a grandes autores y descubrir nuevos talentos.

En 1981, el León de Oro fue para la película de Alemania Occidental. Los años que brillan (Marianne y Juliane) de Margarethe von Trotta, una obra intensa que refleja las tensiones políticas y sociales de la época.

La edición de 1982 vio el triunfo de otro maestro del Nuevo Cine Alemán, Wim Wenders, con El stand del Dinge (El estado de las cosas). Ese año, el Festival acogió, a menudo fuera de competición o en secciones paralelas, películas destinadas a convertirse en icónicas, como la de Steven Spielberg. ET, el extraterrestre, De Ridley Scott Blade Runner, y de Sergio Leone Érase una vez en América, demostrando una capacidad para interceptar el gran cine en todas sus formas.

El León de Oro de 1983 fue otorgado a Nombre Carmen (Nombre: Carmen) del legendario Jean-Luc Godard⁸, mientras que en 1984 el director polaco Krzysztof Zanussi ganó con Un año de sol tranquilo (Un año de sol tranquilo).⁸

Francia triunfó de nuevo en 1985 con Vagabundo (Vagabundo) de Agnès Varda, una de las figuras femeninas más importantes de la Nouvelle Vague, y en 1986 con El rayo verde (El rayo verde) de Éric Rohmer.⁸

1987 fue un año de particular renovación para el Festival, que gozó de un fuerte apoyo del público e intensificó su búsqueda de nuevos autores y obras de cinematografías entonces consideradas emergentes o menos conocidas en Occidente, como las de India, Líbano, Suiza, Noruega, Corea y Turquía. El León de Oro de ese año recayó en Louis Malle por segunda vez en su carrera, con la conmovedora... Al volver a los niños (Adiós, niños).

La edición de 1988 es recordada por la presentación de la polémica película de Martin Scorsese La última tentación de Cristo, lo que provocó un amplio debate y por contribuir al descubrimiento internacional de director español Pedro Almodóvar. En estos años, el Festival también enriqueció su oferta con nuevas secciones como "Orizzonti", "Eventos Especiales" y "Notte", destinadas a explorar diferentes facetas de la producción cinematográfica contemporánea. El León de Oro de 1988 lo ganó un maestro del cine italiano, Ermanno Olmi, por... La leyenda del santo bebedor (La leyenda del santo bebedor).

La década concluyó con la victoria, en 1989, de la película taiwanesa. Beijing Chengshi (Una ciudad de tristeza), de Hou Hsiao-hsien, confirma la atención del festival a las cinematografías asiáticas de calidad.

Este "nuevo rumbo" de la década de 1980 permitió al Festival de Cine de Venecia recuperar plenamente su estatus en el circuito de los grandes festivales internacionales. Su capacidad para atraer de nuevo a grandes autores y películas de renombre, sumada a un papel activo en el descubrimiento de nuevas cinematografías y talentos emergentes, consolidó su influencia. El Festival demostró una estrategia editorial equilibrada, presentando películas controvertidas que estimularon el debate cultural y, al mismo tiempo, éxitos de taquilla populares, manteniendo una alta atención mediática sin sacrificar la investigación artística. Esta versatilidad —un escaparate para la alta sociedad, una plataforma para el cine de autor y un espacio de debate— consolidó su imagen como un evento cultural central e indispensable en el mundo del cine.

VII. De los años noventa al nuevo milenio: consolidación y nuevas secciones

Continuando la ola del renacimiento de los años ochenta, el Festival Internacional de Cine de Venecia afrontó los años noventa y la entrada en el nuevo milenio consolidando su prestigio, continuando premiando a grandes autores internacionales y prestando atención a las evoluciones del lenguaje cinematográfico y de las tecnologías de producción.

Los años noventa: grandes autores y coproducciones internacionales

La década se inauguró con el León de Oro de 1990 otorgado a Rosencrantz & Guildenstern Are Dead, el debut como director del famoso dramaturgo Tom Stoppard. En 1991, el premio recayó en Urga, del director ruso Nikita Mikhalkov, una coproducción franco-soviética que exploraba paisajes y culturas distantes.

El cine asiático siguió siendo protagonista en Venecia: en 1992, el director chino Zhang Yimou ganó con Qiu Ju da guan si (La historia de Qiu Ju).

Las ediciones de 1993 y 1994 se caracterizaron por la concesión de Leones de Oro ex aequo, una elección que podía reflejar la excepcional calidad media de las películas en competición, la dificultad del jurado para alcanzar un consenso unánime o incluso el deseo de reconocer simultáneamente múltiples tendencias o cinematografías significativas en un panorama mundial en rápida transformación tras el fin de la Guerra Fría. En 1993, el premio fue compartido por la película del estadounidense Robert Altman. Short Cuts y el polaco Krzysztof Kieślowski Tres colores: Azul (Tres colores: Azul). Al año siguiente, en 1994, el ex aequo recayó en el macedonio Milčo Mančevski. Pred doždot (Antes de la lluvia) y la obra taiwanesa de Tsai Ming-liang aiqing wansui (Viva el Amor). Si bien compartir el premio puede diluir la singularidad del reconocimiento, también da testimonio de la riqueza y complejidad del cine de aquella época, y el Festival actuó como intérprete de dicha diversidad.

En 1995, el León de Oro lo ganó Xich lo (Ciclo) del director franco-vietnamita Trần Anh Hùng. Al año siguiente, en 1996, el premio recayó en Michael Collins del irlandés Neil Jordan, una imponente reconstrucción histórica.

Japón triunfó de nuevo en 1997 con Hana-bi (Fuegos artificiales) de Takeshi Kitano, una obra que consagró definitivamente al director a nivel internacional. En 1998, el León de Oro premió al cine italiano con la película de Gianni Amelio. Entonces se rieron (La forma en que nos reímos).⁸

La década se cerró con una segunda victoria del León de Oro para Zhang Yimou, quien en 1999 ganó el premio con Yi ge dou bu neng shao (Ni una menos).

Principios de la década de 2000: Innovación y nuevas tecnologías

La entrada en el nuevo milenio vio al Festival de Cine de Venecia continuar su camino de prestigio, pero también abrirse decididamente a la innovación y a los nuevos desafíos que plantea la evolución de la industria cinematográfica.

En el año 2000, el León de Oro fue otorgado a Dayereh (El Círculo), del iraní Jafar Panahi, una película impactante y valiente sobre la condición de la mujer en su país. Al año siguiente, en 2001, la película de Mira Nair... Boda del monzón ganó, una vibrante coproducción internacional que celebra la cultura india.

2002 fue un año significativo por la introducción de la sección “Controcorrente” (originalmente “Upstream”), dedicada a películas de especial vitalidad y originalidad, a menudo primeras o segundas obras, o de autores que experimentan con nuevos lenguajes. Esta nueva sección demostró la voluntad del Festival de seguir siendo una plataforma para el descubrimiento y la innovación, sin limitarse a la consagración de obras más tradicionales. El León de Oro de 2002 recayó en las hermanas magdalenas de Peter Mullan, una película dramática irlandesa-británica.

En 2003, el máximo reconocimiento fue para el película rusa Vozvraščenie (El Regreso) de Andrey Zvyagintsev, obra debut de gran impacto visual y narrativo.

La atención a las nuevas tecnologías se hizo evidente en 2004 con la propuesta de la sección “Cine Digital” (anteriormente “Nuevos Territorios Digitales” o “Imagen en Red”), que exploró el potencial creativo que ofrecen los nuevos medios de producción y difusión. Ese mismo año, se otorgaron los Leones de Oro a la Trayectoria a dos grandes del cine, Manoel de Oliveira y Stanley Donen. El León de Oro a la mejor película de 2004 fue otorgado a Vera Drake por el director británico Mike Leigh.

La capacidad de evolucionar e integrar novedades tecnológicas y artísticas resultó crucial para un festival histórico como Venecia, permitiéndole mantener su relevancia en el tiempo y continuar siendo un lugar de descubrimiento y anticipación de las futuras direcciones del cine.

VIII. El Festival en el siglo XXI (21-Actualidad): Desafíos globales, nuevos autores y diversidad

A lo largo del siglo XXI, el Festival Internacional de Cine de Venecia ha seguido representando un referente indispensable en el panorama cinematográfico mundial. Ha sabido afrontar los retos contemporáneos, promover a nuevos autores de todo el mundo y ampliar sus horizontes temáticos y formales, consolidando su condición de festival de vanguardia.

Prestigio y reconocimiento continuos para diversas cinematografías

La lista de honor del León de Oro en el nuevo milenio da testimonio de una extraordinaria apertura geográfica y de una capacidad para interceptar obras de gran valor artístico procedentes de contextos culturales heterogéneos.

En 2005, el León de Oro fue otorgado a Ang Lee. Secreto en la montaña, una película que abordó con sensibilidad el tema del amor homosexual en el contexto del Oeste americano. Al año siguiente, en 2006, el premio recayó en el director chino Jia Zhangke por sanxia haoren (Naturaleza muerta), una obra poética y crítica sobre la transformación de la China contemporánea. Ang Lee ganó su segundo León de Oro en 2007 con Sí, jie (Lujuria, precaución), convirtiéndose en uno de los pocos directores en lograr este doble reconocimiento.

El cine estadounidense volvió a la victoria en 2008 con la película de Darren Aronofsky. The Wrestler, que también marcó un gran regreso para el actor Mickey Rourke. En 2009, el León de Oro premió al cine israelí con la película de Samuel Maoz. Levante (Líbano), un drama bélico claustrofóbico.

Sofia Coppola fue la ganadora en 2010 con En alguna parte, seguido en 2011 por el ruso Aleksandr Sokurov con su imponente adaptación de FaustEn 2012, el León de Oro fue para el controvertido equipo surcoreano. director coreano Kim Ki-duk para Pietà.

Un punto de inflexión significativo se produjo en 2013, cuando por primera vez en la historia del Festival, el León de Oro fue otorgado a un documental: Sacro GRA Del italiano Gianfranco Rosi, un retrato inédito de la vida en la Gran Circunvalación de Roma. Esta elección marcó una notable apertura del festival a formas cinematográficas previamente consideradas menos "de autor" o de competición principal, lo que refleja una evolución en el concepto mismo de cine de arte.

En 2014, el premio fue para el director sueco Roy Andersson por su muy original En duva satt på en gren och funderade på tilvaron (Una paloma se posó en una rama reflexionando sobre la existencia). En 2015 se produjo la victoria del venezolano Lorenzo Vigas con Desde allá (Desde lejos), la primera película venezolana en recibir tal reconocimiento. En 2016, el León de Oro lo ganó el filipino Lav Díaz por su larga e intensa obra. Ang Babaeng Humayo (La mujer que se fue).

El mexicano Guillermo del Toro ganó en 2017 con La fábula oscura La forma del agua, que posteriormente también triunfaría en los Oscar. Al año siguiente, en 2018, le tocó el turno a otro director mexicano, Alfonso Cuarón, con Roma, una obra autobiográfica de gran impacto visual y emocional, que además marcó la primera victoria de una película producida por un Plataforma de streaming (Netflix) en un gran festival, lo que indica una mayor apertura del Festival hacia nuevos modelos de producción y distribución.

En 2019 se produjo otro acontecimiento histórico: el León de Oro fue otorgado a Todd Phillips. Joker, la primera película basada en un personaje de cómic que compite y gana el máximo premio en Venecia, lo que demuestra la capacidad del festival para legitimar artísticamente también obras de géneros populares.

La directora Chloé Zhao triunfó en 2020 con tierra nómada, un conmovedor retrato de la América contemporánea. En 2021, el León de Oro fue para la película francesa El evento (Happening) de Audrey Diwan, un drama intenso sobre el tema del aborto.

En 2022, el segundo documental de la historia del Festival ganó el León de Oro: Toda la belleza y el derramamiento de sangre De la estadounidense Laura Poitras, una obra que entrelaza arte, activismo y denuncia social. En 2023, el premio fue otorgado a Cosas pobres del director griego Yorgos Lanthimos, una obra visionaria y provocadora. Finalmente, en 2024, el León de Oro lo ganó La habitación de al lado del director español Pedro Almodóvar, lo que supone la primera victoria para una Pelicula española en la historia del festival.

Esta notable diversidad geográfica y de género de los ganadores demuestra el papel consolidado del Festival como una plataforma auténticamente mundial, capaz de valorar la excelencia cinematográfica de todos los continentes y reflejar un panorama cinematográfico en constante evolución.

Nuevas secciones y atención a la sostenibilidad

Además de los premios principales, el Festival ha seguido evolucionando estructuralmente. En 2017, se inauguró una sección competitiva dedicada a películas de Realidad Virtual (RV), denominada "Venice Immersive" (anteriormente Venice VR), lo que demuestra el interés del festival por explorar nuevas fronteras en la narrativa audiovisual.

Paralelamente, se ha prestado cada vez más atención a las cuestiones del impacto ambiental y la sostenibilidad de los eventos culturales a gran escala. El Festival ha comenzado a implementar prácticas destinadas a reducir su huella ecológica y promover una mayor conciencia de estas cuestiones dentro de la industria cinematográfica, colaborando con expertos en sostenibilidad y evaluando la compensación de emisiones.

Esta proyección hacia el futuro, que combina la innovación tecnológica con la responsabilidad medioambiental, apunta a un Festival consciente de los retos contemporáneos y de su papel en la promoción de una industria cinematográfica más responsable y acorde con los nuevos tiempos.

IX. Cuadro de Honor: Las películas ganadoras del Premio Principal del Festival Internacional de Cine de Venecia

La historia del premio principal del Festival Internacional de Cine de Venecia es compleja y refleja la evolución del propio festival. Antes de enumerar las películas ganadoras, conviene repasar brevemente las transformaciones del nombre del máximo galardón y los periodos en los que no se otorgó.

Tabla Resumen de la Evolución del Premio Principal

A continuación se muestra la lista cronológica de las películas que han ganado el premio principal del Festival Internacional de Cine de Venecia, con el título de la película, el año, el director, el país de producción, un enlace a un tráiler o clip significativo en YouTube y una breve descripción.

El hombre de Arán, 1934 (Robert J. Flaherty, Reino Unido/Irlanda)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

La isla de Aran, una roca inhóspita frente a la costa occidental de Irlanda, es el escenario de la dura vida de una pequeña comunidad de pescadores y pastores. La película, a medio camino entre el documental y la ficción, narra su lucha constante contra el océano y las fuerzas de la naturaleza, marcada por los ciclos naturales y la lucha diaria por la supervivencia.

Teresa Confalonieri 1934 (Guido Brignone, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

La película narra la historia de Teresa Confalonieri, figura célebre del Risorgimento italiano. En 1821, su esposo, el conde Federico Confalonieri, carbonario, es arrestado por los austriacos y condenado a muerte. Teresa emprende una ardua lucha, implorando a los poderosos de Viena el indulto de su esposo, cuya pena de muerte finalmente es conmutada por cadena perpetua.

Ana Karenina 1935 (Clarence Brown, EE. UU.)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

Basada en la famosa novela de León Tolstói, la película narra la conmovedora y trágica historia de amor entre Ana Karenina, esposa de un alto funcionario ruso, y el oficial del ejército, el conde Vronsky. Por él, Ana abandona su matrimonio, su hijo y su posición social, encaminándose hacia un destino dramático.

Casta Diva 1935 (Carmine Gallone, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

La película romantiza la juventud del compositor Vincenzo Bellini. Enamorado de Maddalena Fumaroli, compone para ella la famosa aria «Casta Diva». Tras alcanzar el éxito, Bellini insertará esta aria en la ópera «Norma», salvándola de un posible fiasco y consagrando su fama.

El Emperador de California (L'imperatore della California) 1936 (Luis Trenker, Alemania nazi)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

A principios del siglo XIX, Johann August Sutter, ciudadano alemán de origen suizo, emigró a Norteamérica por motivos políticos. Se estableció en los valles que rodean Sacramento y fundó un próspero rancho. Sin embargo, el descubrimiento de oro en sus tierras desencadenó una fiebre de apropiación que lo llevaría a la ruina.

El Escuadrón Blanco (Lo squadrone bianco) 1936 (Augusto Genina, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

Un oficial de caballería, decepcionado amorosamente, se alista como voluntario en las tropas italianas de camellos en Libia. La vida en el desierto es extremadamente dura, pero el joven oficial afronta cada prueba con valentía, demostrando su valía y presenciando la heroica muerte de su capitán, decidiendo finalmente permanecer fiel a su deber.

Un Carnet de Bal (Carnet di ballo) 1937 (Julien Duvivier, Francia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

Una joven viuda, Christine, redescubre una antigua tarjeta de baile después de dieciséis años. Este descubrimiento la impulsa a buscar a sus diversas parejas de baile de aquella época para averiguar qué fue de ellas. El viaje a través de la memoria la lleva a confrontar el pasado y a comprender que los hermosos momentos vividos no pueden volver, lo que la impulsa a dedicarse al hijo huérfano del hombre al que más amó.

Scipio Africanus: La derrota de Aníbal (Scipione l'africano) 1937 (Carmine Gallone, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

Esta epopeya histórica relata las hazañas de Publio Cornelio Escipión durante la Segunda Guerra Púnica. Tras la desastrosa derrota romana en Cannas a manos de Aníbal, la película narra la campaña militar de Escipión en África, que culminó con la decisiva victoria romana en la batalla de Zama, que marcó el fin del poder cartaginés.

Olimpia 1938 (Leni Riefenstahl, Alemania nazi)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

Un documental monumental sobre los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, dividido en dos partes: «Festival de las Naciones» y «Festival de la Belleza». La película, encargada por el régimen nazi, celebra el evento deportivo con una estética imponente e innovadora para la época, pero también está impregnada de elementos propagandísticos, exaltando el ideal ario y el poder de la Alemania nazi. Captura imágenes masivas del público, las personalidades presentes, incluyendo a Adolf Hitler, y las competiciones atléticas.

Luciano Serra, Piloto (Luciano Serra pilota) 1938 (Goffredo Alessandrini, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

Luciano Serra, un heroico piloto de la Primera Guerra Mundial, lucha por adaptarse a la vida civil después de la guerra y, por amor a la aviación, se arriesga a perder el cariño de su familia. Abandonado por su esposa y dado por muerto en un accidente, se ofrece como voluntario bajo un nombre falso para la Guerra de Etiopía. Allí, encuentra a su hijo, también piloto, y salva su vida sacrificando la suya.

Cardenal Messias (Abuna Messias) 1939 (Goffredo Alessandrini, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

La película narra la vida del cardenal Guglielmo Massaia, misionero y evangelizador de Abisinia (Etiopía) en el siglo XIX. Al llegar a África solo y sin apoyo gubernamental, Massaia, apodado "Abuna Messias", forja una alianza con el rey Menelik, pero debe enfrentarse a la hostilidad de Abuna Atanasio y del emperador, quienes finalmente lo obligan a abandonar su misión.

El cartero (1940) (Gustav Ucicky, Alemania nazi)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

Basada en una novela corta de Alexander Pushkin, la película narra la historia de Dunja, la hermosa hija de un ingenuo y adorable jefe de correos. La joven se enamora perdidamente del capitán de caballería Minskij, quien la convence de seguirlo a San Petersburgo con la promesa de matrimonio. Allí, el oficial la deshonra, convirtiéndola en una mujer mantenida de la alta sociedad. Su padre, desolado, emprende su búsqueda.

El Asedio del Alcázar (L'assedio dell'Alcazar) 1940 (Augusto Genina, Italia)

Película de propaganda bélica que celebra la resistencia de las fuerzas nacionalistas españolas asediadas en el Alcázar de Toledo durante la Guerra Civil Española. La obra ensalza el heroísmo y el sacrificio de los defensores contra las fuerzas republicanas.

Ohm Krüger (Tío Krüger) 1941 (Hans Steinhoff, Alemania nazi)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

propaganda antibritánica pelicula biografica Narra la vida de Paul Kruger, líder bóer y presidente de la República Sudafricana, y su lucha contra el Imperio Británico durante la Segunda Guerra Bóer. La película retrata a los británicos como despiadados y engañosos, y a los bóers como víctimas heroicas.

El barco blanco (La nave bianca) 1941 (Roberto Rossellini, Italia)

Una obra de propaganda realizada bajo la supervisión de la Marina Real Italiana, la película narra la vida a bordo de un buque de guerra italiano durante una acción naval. Tras ser alcanzados, la tripulación es rescatada por un barco hospital (el "barco blanco"), donde los heridos son atendidos por enfermeras de la Cruz Roja, quienes encuentran tranquilidad. La película se considera una de las precursoras del neorrealismo.

El Gran Rey (Der große König) 1942 (Veit Harlan, Alemania nazi)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película extranjera)

Monumental pelicula historica Glorificando la figura de Federico II de Prusia, conocido como Federico el Grande. Ambientada durante la Guerra de los Siete Años, la película retrata al rey prusiano como un líder carismático y un genio militar, capaz de conducir a su país a la victoria contra adversarios superiores, exaltando el espíritu de sacrificio y la disciplina prusiana. Fue una importante producción propagandística del Tercer Reich.

Bengasi 1942 (Augusto Genina, Italia)

(Ganadora de la Copa Mussolini a la mejor película italiana)

Película de propaganda bélica ambientada en la campaña norteafricana de la Segunda Guerra Mundial. Narra los sucesos de algunos civiles y soldados italianos durante la ocupación británica de Bengasi y la posterior reconquista por las fuerzas ítalo-alemanas. La película ensalza el heroísmo italiano y su lealtad a la patria.

Gran Premio Internacional de Venecia

El sureño 1946 (Jean Renoir, EE. UU.)

(Ganador del Premio del Jurado de Periodistas)

Sam Tucker, un aparcero tejano de escasos recursos, decide cultivar por su cuenta una parcela abandonada para ofrecer un futuro mejor a su familia. Enfrenta un año de duras batallas contra la enfermedad, el mal tiempo (una inundación) y la hostilidad de un vecino celoso, luchando por sobrevivir y por el sueño de una existencia independiente.

La Huelga (Siréna) 1947 (Karel Steklý, Checoslovaquia)

(Ganador del Gran Premio Internacional de Venecia)

Ambientada en un pueblo minero bohemio de finales del siglo XIX, la película, con un estilo cercano al neorrealismo italiano, narra la historia de una huelga minera. La protesta, causada por los bajos salarios y las miserables condiciones de vida, es duramente reprimida por la policía, y una turba enfurecida ataca la casa del industrial responsable.

Hamlet 1948 (Laurence Olivier, Reino Unido)

(Ganador del Gran Premio Internacional de Venecia)

Adaptación cinematográfica de la famosa tragedia de William Shakespeare. El príncipe Hamlet de Dinamarca sospecha que su padre, el rey, fue asesinado por su hermano Claudio, quien usurpó el trono y se casó con la viuda, Gertrudis. fantasma del padre se le aparece a Hamlet, confirmando el crimen y exigiendo venganza, desencadenando una espiral de locura (real o fingida), intriga y muerte.

León de San Marcos / León de Oro

Manon 1949 (Henri-Georges Clouzot, Francia)

(Ganador León de San Marcos)

Una adaptación libre de la novela Manon Lescaut del Abbé Prévost, ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Robert Des Grieux, un combatiente de la Resistencia francesa, salva a Manon, una joven acusada de colaborar con los nazis. Una pasión desbordante surge entre ambos, lo que los lleva a una huida desesperada y a una serie de compromisos, que culminan en un trágico epílogo en el desierto mientras intentan llegar a Palestina.

Se hace justicia (Justice est faite) 1950 (André Cayatte, Francia)

(Ganador León de San Marcos)

La película explora el funcionamiento de la justicia a través del juicio de Elsa Lundenstein, acusada de practicar la eutanasia a su esposo, quien padecía una enfermedad terminal. La narrativa se centra en las deliberaciones del jurado popular, cuyos miembros, influenciados por sus propias experiencias vitales y prejuicios personales, dan lugar a interpretaciones divergentes de los hechos presentados y plantean complejas cuestiones morales.

Rashomon 1951 (Akira Kurosawa, Japón)

(Ganador León de San Marcos)

En el Japón medieval, un leñador, un monje y un plebeyo se refugian de una tormenta bajo la ruinosa puerta de Rashomon. Hablan de un crimen reciente y desconcertante: el asesinato de un samurái y la violación de su esposa en un bosque a manos de un conocido bandido, Tajomaru. El suceso se narra a través de cuatro testimonios contradictorios: el del bandido, el de la esposa, el del espíritu del samurái (evocado por un médium) y el del leñador, quien afirma haberlo presenciado en secreto. La película explora la relatividad de la verdad y la naturaleza de la memoria humana.

Juegos Prohibidos (Jeux interdits) 1952 (René Clément, Francia)

(Ganador León de San Marcos)

Durante el éxodo francés de junio de 1940, la pequeña Paulette, de cinco o seis años, pierde a sus padres y a su cachorro en un bombardeo alemán. Traumatizada, es acogida por una familia campesina y forja una profunda amistad con su hijo de diez años, Michel. Juntos, los dos niños intentan superar el dolor y la brutalidad de la guerra creando un cementerio secreto de animales, un juego inocente y macabro que refleja el mundo adulto.

(1953: No se concede el León de San Marcos)

Romeo y Julieta (Giulietta e Romeo) 1954 (Renato Castellani, Italia/Reino Unido)

(Ganador León de Oro)

Una adaptación cinematográfica de la famosa tragedia de William Shakespeare. En la Verona renacentista, las familias Montesco y Capuleto están divididas por un odio ancestral. Romeo Montesco y Julieta Capuleto se enamoran perdidamente, pero su pasión se ve frustrada por la disputa familiar, lo que los lleva a un destino trágico. La película es conocida por su enfoque realista y su evocadora filmación en locaciones originales.

Ordet (La Palabra) 1955 (Carl Theodor Dreyer, Dinamarca)

(Ganador León de Oro)

Ambientada en la campiña danesa de principios del siglo XX, la película explora temas de fe, duda y milagros a través de los acontecimientos de la familia Borgen. El patriarca Morten, sus tres hijos —Mikkel, casado y ateo; Johannes, un estudiante de teología enloquecido que cree ser Jesucristo; y el joven Anders, enamorado de la hija de un sastre de otra confesión religiosa— enfrentan una crisis espiritual y familiar que culmina con la muerte y posible resurrección de Inger, la esposa de Mikkel.

(1956: No se concede el León de Oro)

Aparajito (Los invictos) 1957 (Satyajit Ray, India)

(Ganador León de Oro)

El segundo capítulo de la "Trilogía de Apu", la película sigue el crecimiento del joven Apu. Tras la muerte de su padre en Benarés, Apu y su madre, Sarbajaya, se mudan a un pueblo de Bengala. Apu destaca en sus estudios y obtiene una beca para asistir a la universidad en Calcuta. Su partida y su creciente independencia causan un profundo dolor en su madre, quien se siente cada vez más sola. La película explora el conflicto entre las aspiraciones individuales y los lazos familiares.

Muhomatsu, el hombre del rickshaw (Muhomatsu no issho) 1958 (Hiroshi Inagaki, Japón)

(Ganador León de Oro)

Ambientada en el Japón de principios del siglo XX, la película narra la historia de Matsugoro, un conductor de rickshaw pobre pero vivaz y generoso. Tras ayudar a Toshio, un niño herido, Matsu se hace amigo de su familia. Cuando el padre de Toshio fallece repentinamente, Matsu asume un papel paternal para el niño y se enamora en secreto de Yoshiko, la madre viuda, a pesar de ser consciente de la gran diferencia de clase social que los separa.

La gran guerra (La grande guerra) 1959 (Mario Monicelli, Italia/Francia)

(Ganador León de Oro ex aequo)

Durante la Primera Guerra Mundial, en 1916, el romano Oreste Jacovacci y el milanés Giovanni Busacca, dos soldados evasivos, astutos y fundamentalmente cobardes, intentan por todos los medios evitar los peligros del frente. A pesar de las diferencias y disputas iniciales, ambos forjan una improbable amistad. Capturados por los austriacos durante la retirada de Caporetto, se enfrentarán a una decisión extrema que los llevará a un inesperado acto de heroísmo.

General Della Rovere (Il generale Della Rovere) 1959 (Roberto Rossellini, Italia/Francia)

(Ganador León de Oro ex aequo)

Génova, 1944, durante la ocupación nazi-fascista. Emanuele Bardone, un estafador que se hace pasar por el coronel Grimaldi, extorsiona a las familias de presos políticos prometiéndoles intercesiones. Descubierto y arrestado por la Gestapo, acepta colaborar con los nazis: debe infiltrarse en la prisión de San Vittore haciéndose pasar por el general Della Rovere, líder de la Resistencia recién ejecutado, para extraer información a los presos políticos. La experiencia lo transformará profundamente.

Mañana es mi turno (Le Passage du Rhin) 1960 (André Cayatte, Francia/Italia/Alemania Occidental)

(Ganador León de Oro)

Durante la Segunda Guerra Mundial, tras la derrota de Francia en 1940, dos soldados franceses, el pastelero Roger Perrin y el periodista Jean Durrieu, son hechos prisioneros y enviados a una granja alemana como trabajadores forzados. Roger se integra en la vida rural, compartiendo las alegrías y las penas de los campesinos, mientras que Jean seduce a Helga, la hija del burgomaestre, con la esperanza de encontrar una manera de escapar y volver a la lucha. La película explora diferentes reacciones humanas ante el cautiverio y la guerra.

El año pasado en Marienbad (L'année dernière à Marienbad) 1961 (Alain Resnais, Francia/Italia)

(Ganador León de Oro)

En un suntuoso y laberíntico hotel barroco, un hombre (X) intenta convencer a una mujer (A) de que se conocieron el año anterior, quizá en Marienbad, y tuvieron una aventura, prometiéndoles huir juntos. Ella no lo recuerda o lo niega. A través de fragmentos de conversaciones, recuerdos inciertos y situaciones enigmáticas, la película explora la naturaleza del tiempo, la memoria y la realidad, en una estructura narrativa onírica y no lineal.

Diario de familia (Cronaca familiare) 1962 (Valerio Zurlini, Italia)

(Ganador León de Oro ex aequo)

Basada en la novela autobiográfica homónima de Vasco Pratolini, la película narra la historia de dos hermanos, Enrico y Lorenzo (Dino en la película). Al enterarse de la prematura muerte de su hermano menor, Lorenzo, un periodista romano, recuerda su pasado: su separación en la infancia; Lorenzo, criado por su abuela pobre y luego confiado a un mayordomo adinerado, mientras que Enrico permaneció con su abuela. La película explora el complejo y a veces doloroso vínculo fraternal, marcado por la distancia y un afecto profundo pero no expresado.

La infancia de Iván (Ivanovo detstvo) 1962 (Andrei Tarkovsky, Unión Soviética)

(Ganador León de Oro ex aequo)

Durante la Segunda Guerra Mundial en el Frente Oriental, Ivan Bondarev, de doce años, cuyos padres fueron asesinados por soldados alemanes, trabaja como valiente explorador para el Ejército Rojo, cruzando las líneas enemigas a través de pantanos y ríos. A pesar de los intentos de algunos oficiales por protegerlo enviándolo a la retaguardia, Ivan está consumido por un deseo de venganza y se niega a abandonar la lucha. La película es una poderosa crítica a la guerra y a la pérdida de la inocencia.

Manos sobre la ciudad (Le mani sulla città) 1963 (Francesco Rosi, Italia)

(Ganador León de Oro)

Nápoles, principios de los sesenta. El derrumbe de un edificio en un barrio obrero, provocado por obras especulativas, desencadena una investigación y un acalorado debate político. En el centro de la historia se encuentra Edoardo Nottola, un poderoso constructor y concejal de derechas, que maniobra para proteger sus intereses y continuar con su negocio, moviéndose entre la corrupción, la intriga política y el cinismo. La película es una denuncia implacable de la especulación inmobiliaria y los vínculos entre el poder económico y el político.

Desierto Rojo (Il deserto rosso) 1964 (Michelangelo Antonioni, Italia/Francia)

(Ganador León de Oro)

Giuliana, la joven esposa de un ingeniero industrial en Rávena, vive una profunda crisis existencial y una sensación de alienación. Recuperándose de un accidente de coche que la traumatizó, lucha por encontrarle sentido a su vida, rodeada de un paisaje industrial frío y contaminado que parece reflejar su malestar interior. Conoce a Corrado, un colega de su marido, con quien mantiene una breve aventura, pero ni siquiera esto logra llenar su vacío. La primera película en color de Antonioni, que utiliza el color de forma expresionista.

Sandra de las mil delicias (Vaghe stelle dell'Orsa…) 1965 (Luchino Visconti, Italia)

(Ganador León de Oro)

Sandra (Claudia Cardinale) regresa con su esposo estadounidense, Andrew, a su ciudad natal, Volterra, para una ceremonia en honor a su padre judío, un científico deportado y asesinado por los nazis. El regreso al decadente hogar familiar despierta fantasmas del pasado: la relación ambigua y casi incestuosa con su hermano Gianni, un escritor fracasado, los difíciles vínculos con su madre enferma y su actual pareja, sospechoso de haber traicionado a su padre. Surgen secretos y tensiones sin resolver, que conducen a un trágico epílogo.

La batalla de Argel (La battaglia di Algeri) 1966 (Gillo Pontecorvo, Argelia/Italia)

(Ganador León de Oro)

La película reconstruye con estilo documental y gran realismo los acontecimientos cruciales de la Batalla de Argel (1954-1957) durante la Guerra de Independencia de Argelia del dominio francés. La narrativa sigue el ascenso de Ali La Pointe, un delincuente de poca monta que se convierte en uno de los líderes del Frente de Liberación Nacional (FLN) en la Casbah, y la despiadada represión llevada a cabo por los paracaidistas franceses liderados por el coronel Mathieu. La película explora la violencia y las tácticas de ambos bandos.

Belle de Jour (Belleza del día) 1967 (Luis Buñuel, Francia/Italia)

(Ganador León de Oro)

Séverine Serizy, la joven y hermosa esposa de Pierre, un exitoso cirujano parisino, es aparentemente feliz, pero en su interior es fría y está atormentada por fantasías eróticas sadomasoquistas. Insatisfecha con su vida matrimonial, decide en secreto trabajar durante el día en un burdel de lujo bajo el seudónimo de "Belle de Jour". Esta doble vida la expone a encuentros y situaciones arriesgadas, difuminando cada vez más la realidad y la fantasía.

Artistas bajo la gran carpa: perplejos (Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos) 1968 (Alexander Kluge, Alemania Occidental)

(Ganador León de Oro)

Leni Peickert, hija de un artista de circo fallecido trágicamente, hereda su sueño de crear un circo reformado y moderno, capaz de competir con nuevas formas de entretenimiento como la televisión. Enfrenta dificultades financieras y conceptuales para hacer realidad este proyecto utópico, que refleja las contradicciones y aspiraciones de una época de grandes cambios sociales y culturales. La película combina ficción, documental y ensayo cinematográfico.

(1969-1979: No se otorgó el León de Oro debido a la fase no competitiva del festival. El festival no se celebró en 1973, 1977 ni 1978)

Atlantic City, EE. UU. 1980 (Louis Malle, Canadá/Francia)

(Ganador León de Oro ex aequo)

Lou Pascal, un anciano gánster de poca monta que vive de su ingenio en la decadente Atlantic City, aún sueña con glorias pasadas. Su vida se entrelaza con la de Sally Matthews, una joven camarera de casino que aspira a convertirse en una exitosa crupier en Europa. La llegada del exmarido de Sally, involucrado en el tráfico de drogas robadas por la mafia, los arrastra a ambos a una espiral de peligro y violencia, ofreciendo a Lou una última e ilusoria oportunidad de alcanzar la grandeza.

Gloria 1980 (John Cassavetes, EE. UU.)

(Ganador León de Oro ex aequo)

Gloria Swenson, novia de un exjefe de la mafia, se ve obligada a proteger a Phil, un niño puertorriqueño de seis años, tras el exterminio de su familia por parte de la mafia. El padre del niño, contador de la organización, le confió un libro de contabilidad incriminatorio antes de morir. Inicialmente reticente, Gloria emprende una huida desesperada por Nueva York con Phil, perseguido por sicarios, transformándose en una figura maternal firme y protectora.