Films incontournables sur les tueurs en série

La figure du tueur en série a engendré certaines des icônes les plus terrifiantes et fascinantes de l’histoire du cinéma. L’imaginaire collectif est dominé par le duel psychologique, le « profiler » pénétrant l’esprit du monstre, comme dans Le Silence des agneaux ou Seven. Ces chefs-d’œuvre ont défini le genre, transformant l’enquête en une exploration vertigineuse de l’abîme moral.

Mais au-delà de la traque, il existe un cinéma qui s’aventure dans des recoins encore plus sombres. Il ne se contente pas de demander comment arrêter le monstre, mais pourquoi il existe. C’est un cinéma qui propose des portraits visant non pas à divertir, mais à troubler et à interroger. La rareté du budget, plutôt qu’une limitation, devient une force : elle oblige les réalisateurs à générer la terreur non par le spectacle, mais par la tension psychologique et une atmosphère qui saisit la misère de l’âme.

Ce guide est un voyage à travers tout le spectre. C’est un chemin qui unit les grands classiques du genre aux œuvres indépendantes les plus brutes indépendantes. Il n’offre pas de réponses faciles, mais force le spectateur à soutenir son regard sur l’horreur et à reconnaître le mal qui peut se cacher derrière la façade la plus ordinaire.

Définition du tueur en série

Un tueur en série est un individu qui tue 3 personnes ou plus, généralement pour une gratification psychologique, les meurtres ayant lieu sur une période de plus d’un mois et avec un intervalle de temps significatif entre eux. Alors que la plupart des autorités fixent une limite à trois meurtres, d’autres l’étendent à quatre ou la réduisent à deux.

Le Federal Bureau of Investigation (FBI) indique que les motivations des tueurs en série peuvent inclure la colère, la recherche de sensations fortes, le gain financier et la recherche d’attention. Souvent, le FBI se concentre sur un schéma particulier que les tueurs en série suivent. Sur la base de ce schéma, le tueur fournit des indices clés à découvrir.

Bien qu’un tueur en série soit une classification distincte de celle d’un tueur de masse, d’un tueur de masse ou d’un tueur à gages, il existe des recoupements conceptuels entre eux. Certains débats subsistent quant à certaines exigences pour chaque classification.

Signification du terme Tueur en série

Le terme anglais et l’idée de tueur en série sont généralement attribués à l’ancien représentant spécial du FBI Robert Ressler, qui a utilisé le terme « serial murder » en 1974 lors d’une conférence à la Police Staff Academy au Royaume-Uni. L’écrivaine Ann Rule soutient dans son livre de 2004 Kiss Me, Kill Me, que le terme tueur en série est attribué à l’enquêteur du LAPD Pierce Brooks, qui a développé le Violent Criminal Apprehension Program en 1985.

Le terme concept allemand a été inventé par le criminologue Ernst Gennat, qui a décrit Peter Kürten comme un Serienmörder (« tueur en série ») dans son article « Die Düsseldorfer Sexualverbrechen » (1930). Dans son livre, Serial Killers: The Method and Madness of Monsters (2004), l’historien de la justice pénale Peter Vronsky note que, bien que Ressler ait peut-être inventé le terme anglais « serial homicide » dans le domaine juridique en 1974, le terme serial killer apparaît dans le livre de John Brophy 

La signification du meurtre

Il y a le tueur de masse, ou ce que l’on appelle le tueur « en série », qui peut être stimulé par la cupidité, comme une police d’assurance, ou par la soif de pouvoir, comme les Médicis de la Renaissance italienne, ou Landru, le « barbe bleue » de la Première Guerre mondiale, qui a tué plusieurs épouses après avoir pris leur argent.

Dans sa recherche la plus récente, Vronsky affirme que le terme meurtre en série est entré dans un usage populaire américain plus large lorsqu’il a été publié dans le New York Times au printemps 1981 pour expliquer le tueur en série d’Atlanta Wayne Williams. Par la suite, tout au long des années 1980, le terme a été répété dans les pages du New York Times, l’un des principaux journaux nationaux des États-Unis, à propos de 233 événements. À la fin des années 1990, l’utilisation du terme avait augmenté à 2 514 articles.

Lorsqu’ils discutent des tueurs en série, les chercheurs utilisent généralement « trois meurtres ou plus » comme norme, estimant que cela suffit à fournir un schéma sans être restrictif. Quel que soit le nombre de meurtres, ils doivent avoir été commis à des moments différents et en différents lieux. L’absence d’une pause significative entre les meurtres souligne la distinction entre un tueur et un tueur en série. Des cas d’homicides successifs sur des périodes de semaines ou de mois sans « période de réflexion » ou « retour à la normale » apparents ont conduit certains spécialistes à identifier une catégorie hybride appelée « tueur en série-fusillade ».

Dans Controversial Issues in Criminology, Fuller et Hickey écrivent que « l’aspect temporel impliqué dans les actes meurtriers est primordial dans la différenciation des tueurs de masse, en série et fous », précisant plus tard que les tueurs fous « commettent les crimes en semaines ou en jours », tandis que « les méthodes de meurtre ainsi que les types de victimes varient ». Andrew Cunanan est cité comme exemple de meurtre, tandis que Charles Whitman est mentionné pour meurtre de masse, tout comme Jeffrey Dahmer pour meurtre en série.

Le Federal Bureau of Investigation (FBI) définit le meurtre en série comme « une série de deux meurtres ou plus, commis comme des événements séparés, généralement, mais pas toujours, par un tueur agissant seul ». En 2005, le FBI a organisé un symposium multidisciplinaire à San Antonio, Texas, qui a réuni 135 experts en homicide en série issus de divers domaines et industries dans le but d’identifier des points communs dans les connaissances sur l’homicide en série. Il a également établi une définition du meurtre en série que les enquêteurs du FBI acceptent largement comme standard : « Le meurtre de deux victimes ou plus par le même auteur lors d’événements distincts. »

Tueur en série dans l’histoire

Juhani Aataminpoika, un tueur en série finlandais également appelé « Kerpeikkari » (signifiant « bourreau »), fut l’un des tueurs en série les plus terribles du XIXe siècle, ayant tué jusqu’à 12 personnes en 1849 en 5 semaines avant d’être capturé. Les criminologues évoquent des tueurs en série à travers l’histoire. Certaines sources affirment que des récits tels que ceux sur les vampires et les loups-garous ont été influencés par des tueurs en série médiévaux. 

Liu Pengli en Chine, petit-fils de l’empereur Han Jing, fut fait prince de Jidong la sixième année du règne de Jing (144 av. J.-C.). Selon l’historien chinois Sima Qian, il partait souvent « en expéditions avec 20 ou 30 serviteurs ou avec des jeunes ayant échappé à la loi, tuait des gens et prenait leurs biens comme s’il s’agissait d’un jeu. Bien que beaucoup aient appris ces meurtres, ce n’est qu’à la 29e année de son règne que le garçon fut dénoncé. Finalement, il s’avéra qu’il avait tué environ 100 personnes. Les fonctionnaires de la cour exigèrent que Liu Pengli soit exécuté ; cependant, l’empereur ne pouvait pas faire éliminer son neveu, si bien que Liu Pengli fut acquitté.

Au XVe siècle, Gilles de Rais, l’un des hommes les plus riches d’Europe et ancien compagnon d’armes de Jeanne d’Arc, aurait agressé et tué sexuellement des enfants paysans, principalement des garçons, qu’il avait enlevés dans les villages environnants et amenés à son château. On estime que ses victimes se situent entre 140 et 800.

L’aristocrate hongroise Elizabeth Báthory, née dans l’une des familles les plus riches de Transylvanie, aurait blessé et tué jusqu’à 650 femmes et même de jeunes filles avant son arrestation en 1610. Des membres du culte Thuggee en Inde auraient tué un million de personnes entre 1740 et 1840. Thug Behram, un membre du culte, aurait tué jusqu’à 931 victimes.

Dans son livre de 1886, Psychopathia Sexualis, le psychiatre Richard von Krafft-Ebing note le cas d’un tueur en série des années 1870, un Français nommé Eusebius Pieydagnelle, obsédé par le sexe et le sang. Il admit avoir tué six personnes.

Le tueur jamais attrapé Jack l’Éventreur, considéré comme le premier tueur en série contemporain, tua au moins cinq femmes à Londres en 1888. Il fit l’objet d’une vaste chasse à l’homme, durant laquelle de nombreuses techniques d’enquête criminelle contemporaines furent créées. Une grande équipe de policiers effectua des enquêtes de porte à porte, des indices furent recueillis et des suspects localisés et traqués. Le chirurgien esthétique de la police Thomas Bond établit l’un des premiers profils de la personnalité du tueur en série.

Bien qu’il ne soit pas le premier tueur en série de l’histoire, l’histoire de Jack l’Éventreur fut la première à susciter une frénésie médiatique mondiale. Les meurtres dramatiques de femmes économiquement démunies au cœur de Londres ont attiré l’attention des médias sur les circonstances de la ville et ont également fait l’objet d’une couverture médiatique à travers le monde. Jack l’Éventreur a également été qualifié de l’un des tueurs en série les plus célèbres de tous les temps, et son histoire a engendré des centaines de théories sur son identité ainsi que de nombreuses œuvres de fiction.

HH Holmes fut l’un des premiers tueurs en série modernes documentés aux États-Unis, responsable de la mort d’au moins neuf victimes au début des années 1890. Parallèlement, en France, Joseph Vacher devint connu sous le nom de « L’Éventreur français » après avoir tué et mutilé 11 enfants et femmes. Il fut exécuté en 1898 après avoir avoué ses crimes. La plupart des tueurs en série documentés au XXe siècle proviennent des États-Unis.

Tueurs en série récents

Le phénomène des meurtres en série aux États-Unis fut particulièrement marqué de 1970 à 2000, période décrite comme « l’âge d’or du meurtre en série ». La variété des tueurs en série dans le pays atteignit son apogée en 1989. Cette hausse des meurtres en série a en réalité été attribuée à l’urbanisation, qui place les individus proches les uns des autres tout en restant anonymes. Mike Aamodt, enseignant à l’université de Radford en Virginie, associe la diminution des meurtres en série à une utilisation beaucoup moins constante de la probation, à une plus grande innovation médico-légale, et même à un comportement beaucoup plus méticuleux des personnes.

Caractéristiques psychologiques des tueurs en série

Les tueurs en série peuvent présenter divers degrés de maladie mentale ou de psychopathie, ce qui pourrait contribuer à leurs actes meurtriers. Par exemple, une personne souffrant de troubles mentaux pourrait avoir des accès psychotiques qui la conduisent à penser qu’elle est un individu différent ou qu’elle est forcée de tuer par d’autres entités. Le comportement psychopathique, cohérent avec des traits communs à certains tueurs en série, inclut la recherche de sensations, l’absence de remords ou de culpabilité, l’impulsivité, le besoin de contrôle et un comportement prédateur. Les psychopathes peuvent sembler « normaux » et souvent assez charmants, un état d’ajustement que le psychiatre Hervey Cleckley a appelé le « masque de la santé mentale ».

Ils ont généralement été victimes d’abus mentaux, physiques ou sexuels de la part d’un membre de la famille. Les tueurs en série sont plus susceptibles d’être affectés par le fétichisme ou la nécrophilie, qui sont des paraphilies impliquant une forte tendance à percevoir l’objet d’intérêt érotique presque comme une représentation physique du corps. Les individus s’engagent dans des paraphilies organisées selon un continuum ; participant à divers niveaux de fantasmes, peut-être en se concentrant sur des parties du corps, des objets symboliques agissant comme des extensions physiques du corps, ou sur la physicalité anatomique du corps humain ; en particulier en ce qui concerne ses parties internes et ses organes sexuels.

Beaucoup sont fascinés par le feu. Ils sont associés à une activité sadique ; surtout dans les psychologies infantiles qui n’ont pas atteint la maturité liée au sexe, cet aspect peut prendre la forme de la torture des animaux domestiques. Plus de 60 %, ou simplement une grande proportion, ont mouillé leur lit après l’âge de 12 ans. Adolescents, ils étaient souvent harcelés ou marginalisés par les autres. 

Par exemple, Henry Lee Lucas était moqué enfant et a plus tard cité le rejet massif de ses pairs comme raison de sa haine envers tout le monde. Kenneth Bianchi était taquiné enfant pour avoir uriné dans son pantalon, et adolescent il était négligé par ses pairs.

Certains ont été impliqués dans des activités criminelles mineures, telles que la fraude, le cambriolage, le vandalisme ou des infractions similaires. Ils ont souvent du mal à trouver du travail et ont tendance à occuper des emplois subalternes. D’autres sources indiquent qu’ils viennent souvent de familles instables.

Des études de recherche ont recommandé que les tueurs en série ont typiquement une intelligence ordinaire ou moyenne, bien qu’ils soient souvent perçus comme ayant un QI supérieur à la moyenne. Un échantillon de tueurs en série avec un QI de 202 avait une intelligence moyenne de 89.

Il existe des exceptions à ces critères. Par exemple, Harold Shipman était un médecin généraliste. Il était un point de référence pour la communauté locale ; il a également reçu un prix en tant qu’expert pour un centre d’asthme pour jeunes, en plus d’avoir été interviewé par World in Action de Granada Television sur ITV. Dennis Nilsen était un ancien soldat devenu fonctionnaire et syndicaliste de profession, sans casier judiciaire au moment de son arrestation.

Aucun des deux n’avait montré les signes révélateurs du tueur en série. Vlado Taneski, un journaliste criminel, a été arrêté après une série d’articles qu’il avait écrits et qui suggéraient qu’il avait en réalité tué des personnes. Russell Williams était un colonel respecté et couronné de succès dans la Royal Canadian Air Force, condamné pour le meurtre de 2 femmes, ainsi que pour des épisodes de fétichisme et de viol.

Problèmes Familiaux

De nombreux tueurs en série ont en réalité affronté des problèmes similaires durant leur développement infantile. Le modèle de contrôle du traumatisme de Hickey décrit comment un traumatisme précoce dans l’enfance peut prédisposer l’enfant à des habitudes déviantes à l’âge adulte ; l’environnement de l’enfant, ses parents ou la société, est la variable principale pour comprendre si les habitudes de l’enfant se transforment ou non en activité homicidaire.

La famille, ou son absence, est l’une des caractéristiques principales de la croissance d’un enfant car c’est ce avec quoi l’enfant peut s’identifier régulièrement. Le tueur en série ne diffère pas de toute autre personne à qui l’on demande de chercher la permission de maman et papa, des partenaires sexuels ou d’autres. » Cette exigence d’autorisation est ce qui affecte les enfants dans leur tentative d’établir des relations sociales avec leur famille et leurs pairs. 

Wilson et Seaman (1990) ont mené une étude sur des tueurs en série incarcérés, et ce qu’ils ont conclu constitue l’une des contributions les plus importantes à leur domaine. La quasi-totalité des tueurs en série de l’étude avaient connu un problème environnemental durant leur jeunesse, comme une maison détruite à cause d’une séparation, ou l’absence de parents pour éduquer le jeune homme. Près de cinquante pour cent des tueurs en série avaient subi une forme de maltraitance physique ou sexuelle, et encore plus avaient effectivement vécu une négligence émotionnelle.

Lorsqu’un parent a un problème de drogue ou d’alcool, l’attention au sein du foyer se porte sur les parents plutôt que sur l’enfant. Le modèle de contrôle du traumatisme de Hickey soutient que l’abandon parental peut faciliter un comportement déviant, surtout si l’enfant est témoin d’abus de substances. Si un enfant ne reçoit aucun soutien de quiconque, il est peu probable qu’il se remette de l’événement traumatique de manière positive.

Fantaisie du tueur en série

Les enfants qui n’ont pas la capacité de gérer les mauvais traitements qu’ils subissent de temps à autre créent une nouvelle réalité à laquelle ils peuvent s’échapper. Ce nouveau monde devient la fantaisie qu’ils contrôlent et qui entre également dans leur existence quotidienne. Dans ce monde onirique, leur croissance psychologique est bloquée. Selon Garrison (1996), « l’enfant finit par devenir sociopathe du fait que le développement normal des notions de bien et de mal ainsi que de la compassion envers autrui est retardé parce que la croissance émotionnelle et sociale de l’enfant se déroule à ce moment-là dans ses fantasmes d’auto-indulgence. »

Un individu ne peut rien faire de mal dans son propre monde, tout comme la douleur des autres est sans importance lorsque le but du monde des rêves est de satisfaire les besoins de quelqu’un » (Garrison, 1996). Les frontières entre rêve et réalité s’estompent et les fantasmes se concentrent sur le contrôle, l’activité sexuelle, la violence physique, qui à un certain moment conduisent au meurtre. Le rêve peut réaliser le passage principal d’un état dissociatif, ce qui, selon les mots de Stephen Giannangelo, « permet au tueur en série de quitter le flux de conscience pour ce qui est, pour lui, un lieu meilleur. »

Le criminologue Jose Sanchez rapporte : « Le jeune criminel que vous voyez aujourd’hui est plus détaché de sa victime, plus prêt à blesser ou tuer. Lorenzo Carcaterra, auteur de Gangster (2001), explique comment les criminels potentiels sont étiquetés par la société, ce qui peut ensuite conduire leur descendance à se développer de manière similaire à travers le cycle de la violence. La capacité des tueurs en série à apprécier la vie mentale des autres est gravement altérée, ce qui conduit vraisemblablement à leur déshumanisation des autres.

On pourrait considérer cela comme une déficience cognitive liée à la capacité de faire des distinctions claires entre les autres individus et les choses inanimées. Pour ces personnes, les objets peuvent montrer un pouvoir animiste ou humaniste tandis que les individus sont perçus comme des objets. Le tueur en série Ted Bundy a déclaré que la violence médiatique et même la pornographie avaient en réalité augmenté et intensifié son besoin de commettre des meurtres, bien que cette déclaration ait été faite lors de ses tentatives désespérées d’éviter la peine de mort. Il existe des exceptions aux schémas typiques des tueurs en série, comme dans le cas de Dennis Rader, qui était un homme de famille aimant ainsi que le leader de son église.

Classification des tueurs en série

Le Manuel de classification des crimes du FBI classe les tueurs en série en trois groupes : organisés, désorganisés et mixtes. Certains tueurs passent d’un comportement organisé à désorganisé au fur et à mesure de leurs meurtres, par exemple en raison d’une défaillance psychologique liée à la peur d’être capturés, ou inversement, lorsqu’un tueur déjà chaotique détermine un ou plusieurs aspects particuliers de l’acte de tuer comme sa propre source de satisfaction et établit également un modus operandi.

Les tueurs en série organisés préparent souvent leurs crimes avec soin, généralement en kidnappant leurs victimes, en les éliminant en un seul endroit, puis en se débarrassant des corps ailleurs. D’autres ciblent spécifiquement des femmes de la rue, qui seront très probablement disposées à suivre un parfait inconnu. Ces tueurs en série maintiennent un haut niveau de contrôle sur la scène de crime et ont généralement un solide historique qui leur permet d’effacer leurs traces, comme enterrer le corps ou le jeter dans une rivière. Comme s’il s’agissait d’un grand projet, ils suivent de près leurs crimes dans les médias et sont souvent fiers de leurs actes.

Parmi les tueurs en série, ceux de ce type, en cas d’arrestation, pourraient être décrits par leurs connaissances comme gentils et sont peu susceptibles de faire du mal à quiconque. Ted Bundy et John Wayne Gacy sont des exemples de tueurs en série organisés. En général, le QI des tueurs en série organisés tend à être normal, avec une moyenne de 98,7.

Les tueurs en série désorganisés sont normalement beaucoup plus spontanés, utilisant généralement une arme aléatoire disponible au moment du meurtre, et ne tentent généralement pas de cacher le corps. Ils sont susceptibles d’être au chômage, solitaires, ou les deux, avec très peu d’amis. Ils ont souvent des antécédents de troubles mentaux, et leur modus operandi ou son absence se caractérise typiquement par une violence physique excessive et parfois par de la nécrophilie ou des agressions sexuelles. Les tueurs en série chaotiques ont été trouvés avec un QI moyen faible comparé aux tueurs organisés, à 89,4. Les tueurs en série mixtes, présentant des traits organisés et même chaotiques, ont un QI moyen de 100.

Médecins Tueurs en Série

Certaines personnes animées d’un intérêt pathologique pour le pouvoir de la vie et de la mort ont tendance à être attirées par des carrières cliniques ou à occuper un emploi dans ce domaine. Ces types de criminels sont souvent décrits comme des « anges du destin » ou des anges de la miséricorde. Le médecin tue son patient pour de l’argent, pour un plaisir sadique, pour la croyance qu’il « soulage » la douleur du client, ou simplement « parce qu’il le peut ».

On peut sans doute considérer que l’un des tueurs en série les plus prolifiques fut le médecin britannique Harold Shipman. Une autre tueuse en série fut l’infirmière Jane Toppan, qui avoua lors de son procès pour meurtre qu’elle était sexuellement excitée par la mort. Il aurait sûrement administré un mélange de médicaments aux personnes qu’il choisissait comme cibles, s’occupait d’elles au lit, et les tenait près de son corps pendant qu’elles mouraient.

Un autre tueur en série professionnel du domaine médical est Genene Jones. On croit qu’il a tué entre 11 et 46 nourrissons et enfants alors qu’il travaillait au Bexar County Medical Center Hospital à San Antonio, Texas, États-Unis. Un cas similaire s’est produit en Grande-Bretagne en 1991, où l’infirmière Beverley Allitt a tué quatre enfants dans l’hôpital où elle travaillait, a tenté d’en tuer trois autres et en a blessé six autres sur une période de deux mois. Un exemple du XXIe siècle est l’infirmière canadienne Elizabeth Wettlaufer qui a tué des personnes âgées dans la maison de retraite où elle travaillait.

Katabasis

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Drame, Mystère, par Samantha Casella, Italie, 2025.
« Katabasis » est un voyage dans le monde souterrain. Nora a vécu ce royaume obscur enfant, lorsqu'elle a subi des abus. Cela l'a marquée, la façonnant en une femme ambiguë et manipulatrice, dangereuse dans son insondable mystère, cherchant constamment des situations troublantes pour revivre la seule condition qu'elle a profondément intériorisée : la douleur. Et l'histoire d'amour entre Nora et Aron est tourmentée, strictement secrète. Aron est un jeune orphelin opprimé par le système des stars qui, orchestré par Jacob, un manager cynique, en a fait une star et lui impose une autre façade de vie. En fait, seules les personnes gravitant autour de la maison-prison où vit le couple connaissent l'existence de Nora. Cette majestueuse villa est le théâtre de secrets, mensonges, tromperies, ainsi que d'épisodes troublants, puisque Nora est capable de communiquer avec les âmes de l'au-delà.

Biographie de la réalisatrice – Samantha Casella
Samantha Casella a étudié divers aspects du cinéma, notamment l'écriture de scénarios, la réalisation, la cinématographie et le jeu d'acteur, à Turin, Florence, Rome et Los Angeles. Sa thèse de réalisation, le court métrage « Juliette », a remporté 19 prix, dont le « European Massimo Troisi Award ». Elle a poursuivi son parcours en réalisant des courts métrages surréalistes tels que « Silenzio Interrotto », « Memoria all'Isola dei Morti » et « Agape ». En 2019, elle a réalisé « I Am Banksy ». Au charismatique TCL Chinese Theater de Los Angeles, lors du Golden State Film Festival, elle a remporté le prix du Meilleur Court Métrage International. En 2020, elle a réalisé le court métrage « A un Dio Sconosciuto ». « Santa Guerra » est son premier long métrage.

LANGUE : Italien
SOUS-TITRES : Anglais, Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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Films sur les Tueurs en Série à Voir Absolument

The Sadness (2021)

Après une année passée à vivre avec un virus relativement inoffensif, la population de Taïwan baisse sa garde. Soudain, le virus mute, transformant les personnes infectées en maniaques sadiques assoiffés de violence. Dépourvus de toute inhibition, les infectés se livrent aux actes les plus cruels et dépravés qu’ils puissent imaginer. Au milieu du chaos, un jeune couple tente désespérément de se retrouver.

The Sadness est une explosion de violence extrême et de gore sans compromis, un commentaire social féroce sur la colère refoulée et l’effondrement de la civilisation en temps de pandémie. Le réalisateur Rob Jabbaz réinvente le genre zombie : ses « infectés » ne sont pas des morts-vivants sans cerveau, mais des êtres pleinement conscients, poussés à commettre les atrocités les plus indicibles. Inspiré du roman graphique Crossed, le film est une satire brutale et nihiliste qui utilise l’horreur la plus viscérale pour réfléchir à la fragilité de notre ordre social et à la bête qui se cache juste sous la surface.

Stem Cell

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Cellule Souche, réalisé par Giuseppe Di Giorgio, Italie, 2020.
Un brillant neurochirurgien est retrouvé assassiné dans sa propre salle d'opération. La scène est macabre. Son meurtrier a utilisé les outils mêmes de son métier. Qui est le meurtrier ? Un psychopathe ? Quelqu'un de l'institut ? Le commissaire Lorenzo Aliprandi et son équipe se retrouvent dans une course contre la montre pour arrêter un tueur qui continue de tuer en utilisant les mêmes méthodes odieuses, ciblant d'autres médecins éminents, ne laissant aucune trace derrière lui sauf une traînée de sang. De nouvelles connaissances, des expériences intenses et la course contre le temps mettront à l'épreuve le caractère fort du commissaire Aliprandi, qui, déterminé à découvrir les meurtriers, fera face à chaque défi de front.

Basé sur le roman éponyme de Paolo Gaetani, neurochirurgien de profession, Cellule Souche aborde les grandes problématiques auxquelles sont confrontés les soins de santé et leurs institutions, avec une pertinence plus poignante que jamais. Le cinéma complète ainsi le récit et devient un outil puissant d'analyse approfondie et de diffusion, explorant des questions et proposant des réponses. Il le fait à travers les puissants outils d'un rythme de thriller soutenu et d'une cinématographie méticuleuse et audacieuse. Parallèlement au thème principal, les crimes se déroulent au fil des intrigues, trahisons, intérêts économiques, histoires et psychologies de tous les personnages.

Langue : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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The Golden Glove (2019)

Basé sur l’histoire vraie de Fritz Honka, le film nous plonge dans le sordide Hambourg des années 1970. Nous suivons la vie de Honka, un loser déformé et alcoolique, habitué du bar infâme « The Golden Glove ». Là, il s’attaque à des femmes seules et marginalisées, les emmenant dans son appartement mansardé répugnant pour les assassiner et les démembrer, cachant les restes dans les murs.

Le travail de Fatih Akin est le film anti-tueur en série par excellence. C’est une étude de personnage sombre et déprimante qui rejette toute forme de glorification. Akin nous force à sombrer dans la misère physique et morale de son protagoniste, rendant le visionnage une expérience épuisante. Il n’y a pas d’explications psychologiques, pas de moments de catharsis. Il n’y a que le portrait d’une misère humaine absolue, d’une violence née du désespoir et de la brutalisation. Un film délibérément nauséeux, qui a divisé la critique précisément parce qu’il réussit parfaitement son intention : montrer le mal dans sa forme la plus pathétique et répugnante.

Daniel n’est pas réel (2019)

Jeune étudiant timide à l’université, Luke, pour faire face au traumatisme causé par la maladie mentale de sa mère, « réveille » son ami imaginaire d’enfance, le charismatique et sûr de lui Daniel. Au début, Daniel aide Luke à surmonter ses insécurités, mais bientôt son influence devient sinistre et possessive, poussant Luke dans un vortex de violence et de folie.

Ce thriller psychologique explore les thèmes du traumatisme, des maladies mentales héréditaires et de la masculinité toxique à travers une lentille d’horreur corporelle. Daniel n’est pas seulement un ami imaginaire, mais pourrait être une entité parasitaire et démoniaque qui se nourrit de l’innocence et de la vulnérabilité de Luke. Le film mêle habilement drame psychologique et images surréalistes et dérangeantes, créant une descente viscérale dans l’esprit d’un jeune homme qui lutte pour le contrôle de sa propre identité. C’est une réflexion puissante et effrayante sur la manière dont nos démons intérieurs, réels ou imaginaires, peuvent prendre le dessus.

Death Screams

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Horreur, réalisé par David Nelson, États-Unis, 1982.
« Death Screams » s'ouvre sur la scène d'un meurtre brutal d'un jeune couple qui a des relations sexuelles au bord d'une rivière. Quelques jours plus tard, un groupe d'étudiants universitaires, dont Bob et Kathy, retourne dans leur petite ville natale pour les vacances d'été. Ils décident d'assister au carnaval itinérant qui est en ville pour sa dernière soirée. Les jeunes réalisent rapidement qu'ils sont suivis par un tueur. Un par un, ils sont tués, chacun de manière plus atroce que le précédent. Bob et Kathy doivent courir contre la montre pour trouver le tueur et l'arrêter avant qu'ils ne deviennent eux-mêmes des victimes.

Death Screams est un film de série B plein d'imperfections et de naïveté. Cependant, son charme à petit budget et ses effets gore exagérés en font un classique culte pour les fans de films slasher des années 80. Le film est connu pour ses scènes de mort violentes et sanglantes. Death Screams a été un échec au box-office lors de sa sortie, mais a gagné un public culte dans les années suivantes grâce à la vidéo à domicile. C'est un film typique d'une certaine culture américaine de films pour adolescents, tellement bizarre qu'il vaut la peine d'être vu.

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The House That Jack Built (2018)

Au cours de douze années, l’ingénieur et aspirant architecte Jack raconte cinq de ses meurtres, qu’il considère comme des œuvres d’art, au mystérieux Verge, alors qu’il descend en Enfer. Chaque « incident » devient pour Jack une occasion de digression philosophique sur la nature de l’art, la création, la destruction, et le rôle de l’artiste dans la société.

Lars von Trier signe son autoportrait le plus provocateur et auto-flagellant, utilisant le tueur en série Jack comme avatar de sa propre figure controversée d’auteur. Le film est un débat philosophique épuisant sur la légitimité de l’art face à la souffrance humaine. La violence, explicite et presque insupportable, n’est pas gratuite, mais un outil pour empêcher toute forme d’admiration envers le protagoniste. Von Trier nous force à affronter les implications les plus sombres de la défense de la liberté artistique absolue, tout en explorant la masculinité toxique et le désir pervers de laisser une trace, même si elle est construite sur des cadavres. Une œuvre brutale, arrogante et intellectuellement impitoyable.

Possum (2018)

Philip, un marionnettiste déshonoré, retourne dans sa maison d’enfance délabrée, portant une valise contenant une hideuse marionnette arachnéenne au visage humain. Hanté par des traumatismes passés et la présence sinistre de son beau-père Maurice, Philip tente désespérément de se débarrasser de la marionnette, mais elle revient sans cesse, comme une incarnation physique de son angoisse.

Le premier film de Matthew Holness est un horreur psychologique profondément dérangeante qui utilise le surréel pour explorer les traumatismes de l’enfance. L’atmosphère est désolée et oppressante, presque dépourvue de dialogues, et s’appuie sur des images puissantes et un sentiment de terreur inéluctable. La marionnette, « Possum », est une métaphore terrifiante du traumatisme refoulé : un monstre créé par Philip lui-même, représentant sa honte, sa culpabilité et sa peur. Le film est un cauchemar lent qui culmine en une révélation brutale, prouvant que les monstres les plus effrayants ne sont pas surnaturels, mais ceux qui rôdent dans les souvenirs et dans nos foyers.

Halloween

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Horreur, par John Carpenter, États-Unis, 1978.
Un film indépendant tourné avec un très petit budget, il a rapporté plus de 80 millions de dollars dans le monde à l'époque. C'est le film slasher le plus réussi et l'un des 5 films les plus rentables de l'histoire du cinéma, devenu culte avec d'innombrables suites et reboots. Carpenter décrit la province américaine reculée de manière extraordinaire et fait monter la tension pendant plus d'une heure, sans qu'il ne se passe rien, avec une réalisation linéaire et efficace, et une musique hypnotique créée par lui-même. Un réalisateur brillant qui parvient, avec quelques éléments simples et une petite production, à créer un film d'horreur destiné à rester dans l'imaginaire cinématographique mondial.

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The Clovehitch Killer (2018)

Tyler est un adolescent menant une vie apparemment normale dans une petite communauté pieuse du Kentucky, encore hanté par le souvenir du « Clovehitch Killer », un tueur en série qui terrorisa la région dix ans plus tôt. Lorsque Tyler découvre une série d’images pornographiques troublantes cachées parmi les effets personnels de son père, un leader respecté de la communauté, il commence à soupçonner l’impensable : que l’homme qu’il admire pourrait être le monstre que tout le monde craint.

Inspiré de l’histoire vraie du tueur BTK, ce film est un thriller psychologique à combustion lente qui construit une tension palpable. Le film explore l’horreur de découvrir le mal non pas chez un étranger, mais au sein du noyau familial. Le récit, vu du point de vue du fils, crée une atmosphère étouffante de paranoïa et de suspicion. La performance de Dylan McDermott en père est magistrale dans sa représentation glaçante de la normalité suburbaine, incarnant parfaitement l’archétype du « Jekyll et Hyde » du voisin.

Super Dark Times (2017)

Zach et Josh sont deux meilleurs amis adolescents menant une vie ennuyeuse dans une ville de banlieue dans les années 90. Leur routine de vélos, jeux vidéo et premiers béguins est brisée par un terrible accident impliquant un sabre de samouraï qui conduit à la mort d’un camarade de classe. Ils décident de dissimuler l’incident, mais le secret les ronge, transformant l’amitié en paranoïa et poussant l’un d’eux sur une voie de violence incontrôlable.

Super Dark Times est un thriller psychologique pour adolescents qui capture parfaitement le malaise et l’anxiété de la croissance. Situé dans une époque pré-Columbine, le film explore comment un événement traumatique unique peut briser l’innocence et libérer des démons latents. La direction de Kevin Phillips crée une atmosphère oppressante et mélancolique, où le paysage automnal semble refléter la décomposition intérieure des personnages. C’est un conte sombre sur la perte de l’amitié et la descente dans la folie, un Stand by Me qui plonge dans les ténèbres les plus profondes.

The Killing of a Sacred Deer (2017)

Steven Murphy est un brillant chirurgien cardiovasculaire avec une vie apparemment parfaite : une belle épouse, deux enfants et une maison luxueuse. Son existence ordonnée est bouleversée par Martin, le fils adolescent inquiétant d’une patiente décédée sur sa table d’opération. Martin s’immisce dans la famille et leur jette une malédiction : Steven doit choisir un membre de sa famille à tuer, sinon ils mourront tous d’une mystérieuse maladie.

Yorgos Lanthimos transpose la tragédie grecque d’Iphigénie dans une banlieue américaine stérile et bourgeoise. Avec son style inimitable, fait de dialogues surréalistes et de performances délibérément atonales, le réalisateur crée une atmosphère de terreur glaciale et absurde. Le film est une allégorie impitoyable sur la justice, la culpabilité et la vengeance, qui explore l’impuissance de la rationalité scientifique face à un mal irrationnel et cosmique. Une œuvre dérangeante et magnétique, qui équilibre un humour très noir avec un dilemme moral cauchemardesque.

The Cabinet of Dr. Caligari

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Horreur, fantastique, par Robert Wiene, Allemagne, 1920.
Le film symbolique de l'expressionnisme cinématographique. Francis raconte une histoire à un homme : en 1830, dans une petite ville, un gars nommé Caligari joue le montreur de foire pour présenter son attraction, un somnambule qu'il tient sous hypnose dans un cercueil. Le docteur affirme que le somnambule est capable de connaître le passé et de prédire l'avenir. Atmosphères irréelles et décors déformés, jeu stylisé, personnalité divisée, confusion entre rêve et réalité.

Sujet de réflexion
Personnalité vient du grec persona qui signifie masque. Personne vient du mot personnalité. L'individualité est un don de l'existence, la personnalité est imposée par la société. La personnalité suit le troupeau de moutons, l'individualité est un lion qui avance seul. Tant que vous ne lâcherez pas votre personnalité, vous ne pourrez pas trouver votre individualité.

LANGUE : allemand
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, portugais

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Alleluia (2014)

Gloria, mère célibataire travaillant dans une morgue, rencontre Michel via une annonce de rencontre et tombe follement amoureuse de lui. Elle découvre bientôt qu’il est un escroc qui séduit et vole des veuves solitaires. Au lieu de le quitter, Gloria devient son complice, prétendant être sa sœur. Sa jalousie obsessionnelle transforme cependant leurs escroqueries en bain de sang, déclenchant une spirale de meurtres.

Inspiré de l’histoire vraie des « Lonely Hearts Killers », le film de Fabrice Du Welz est une immersion fiévreuse et viscérale dans une folie à deux. La réalisation est stylisée et presque onirique, capturant la passion malade et la dépendance psychologique entre les deux protagonistes. Lola Dueñas offre une performance puissante et terrifiante d’une femme dont la quête désespérée d’amour se transforme en fureur homicidaire. C’est un récit brutal sur l’amour en tant qu’obsession, une danse macabre qui explore la symbiose mortelle entre deux âmes perdues.

Killers (2014)

Nomura est un cadre japonais charmant et impitoyable qui filme ses meurtres et les télécharge sur internet. À des milliers de kilomètres, à Jakarta, Bayu, un journaliste déshonoré, voit les vidéos de Nomura et, dans un moment de colère, commet un meurtre. Lorsqu’il met sa vidéo en ligne, les deux tueurs entrent en contact, donnant naissance à une relation tordue et une rivalité mortelle.

Cette coproduction indonésiano-japonaise des Mo Brothers est un thriller psychologique ambitieux qui explore la violence à l’ère numérique. Le film oppose deux types de tueurs : le prédateur froid et calculateur (Nomura) et le justicier impulsif et émotionnel (Bayu). Killers offre une critique troublante de la culture en ligne, où la violence peut devenir virale et l’anonymat encourager les instincts les plus sombres. C’est une œuvre élégante et brutale qui médite sur les effets de la spectacularisation de la mort dans la société contemporaine.

The Treatment (2014)

L’inspecteur de police Nick Cafmeyer est un homme hanté par l’enlèvement non résolu de son frère, survenu durant leur enfance. Lorsqu’une nouvelle affaire choquante éclate – une famille prise en otage et leur enfant disparu – Nick se retrouve à traquer un pédophile qui semble lié à son passé. L’enquête se transforme en obsession personnelle qui le plonge dans les profondeurs les plus sombres du traumatisme.

Ce thriller belge, adaptation d’un roman de Mo Hayder, est un noir sombre et macabre qui explore des territoires psychologiques extrêmement perturbants. Le film n’est pas pour les âmes sensibles, abordant les thèmes de la violence sexuelle et de la pédophilie avec une crudité presque insoutenable. Le récit est un voyage claustrophobe dans l’esprit d’un homme dont le traumatisme non résolu façonne sa perception de la réalité, faisant de la chasse au tueur une tentative désespérée de confronter ses propres démons. Une œuvre brutale et captivante, avec un retournement de situation qui jette tout dans une lumière encore plus sinistre.

Berberian Sound Studio (2012)

Gilderoy, un ingénieur du son anglais timide et méticuleux, est engagé pour travailler sur le mixage audio d’un violent giallo italien. Enfermé dans le studio d’enregistrement claustrophobe, Gilderoy est contraint de créer des sons horribles de torture et de meurtre, utilisant des légumes et des outils. À mesure qu’il s’immerge dans l’univers sonore du film, sa psyché commence à vaciller et la frontière entre fiction et réalité se dissout.

Ce film de Peter Strickland est une œuvre méta-cinématographique unique et brillante, un film d’horreur psychologique où la terreur n’est pas montrée, mais seulement entendue. C’est un hommage au cinéma giallo italien, mais aussi une réflexion profonde sur le pouvoir du son dans la création de notre perception de l’horreur. La performance de Toby Jones est extraordinaire pour dépeindre la désintégration mentale d’un homme dont l’art le consume. Berberian Sound Studio est une expérience sensorielle qui démontre comment la violence la plus troublante est celle que notre imagination construit.

Silent night, bloody night

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Horreur, par Theodore Gershuny, États-Unis, 1972.
Slasher américain de 1972, précurseur du genre horreur plusieurs années avant Halloween de Carpenter, avec un scénario complexe et une prise de vue à la première personne du tueur, qui a inspiré de nombreux films ultérieurs. Son originalité et sa narration en font une petite perle méconnue du genre. Une série de meurtres dans une petite ville de la Nouvelle-Angleterre la veille de Noël, après qu'un homme hérite d'un domaine familial qui était autrefois un asile. De nombreux membres du casting et de l'équipe étaient d'anciens superstars de Warhol : Mary Woronov, Ondine, Candy Darling, Kristen Steen, Tally Brown, Lewis Love, le réalisateur Jack Smith, et la diplômée Susan Rothenberg.

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Maniac (2012)

Une excellente réinterprétation du film d’horreur d’exploitation des années 1980. Bien que l’on ne voie pratiquement jamais le visage de Wood, puisque tout le film est enregistré du point de vue du tueur. À la place, le spectateur entend le bruit de fond de son chaos mental alors qu’il marmonne pour lui-même et suit ses victimes.

Attention : la violence de Maniac est difficile à supporter même pour les vétérans du genre, et le tournage en POV continu du point de vue du tueur fait immédiatement ressentir une culpabilité liée à l’identification qu’il crée avec ce dernier. Certains le qualifieront d’excessivement gratuit en termes de cruauté, pourtant le film est si bien réalisé qu’il est difficile de lui reprocher quoi que ce soit. Avec une bande-son synthétique tournante à la manière de Carpenter et des chansons classiques / d’opéra.

Les Meurtres de Snowtown (2011)

Dans une banlieue désolée australienne, l’adolescent Jamie est pris sous l’aile protectrice de John Bunting, le nouveau petit ami charismatique de sa mère. John se présente comme une figure paternelle, mais révèle rapidement sa nature de justicier sociopathe, qui convainc un groupe d’hommes de torturer et tuer les personnes qu’il juge « faibles » ou « perverses ». Jamie, victime d’abus et cherchant désespérément un modèle, est lentement attiré dans son orbite.

Le premier film de Justin Kurzel est une œuvre glaçante et difficile à regarder, qui se concentre moins sur les meurtres que sur le contexte social qui les a rendus possibles. Le film explore comment la pauvreté, les abus générationnels et un vide éthique peuvent créer un terrain fertile pour la violence la plus extrême. À travers le regard de Jamie, nous assistons au processus de manipulation psychologique qui transforme une victime en auteur. C’est un portrait sombre et désespéré de la vulnérabilité exploitée, une analyse impitoyable des racines sociales du mal.

I Saw the Devil (2010)

Lorsque sa fiancée enceinte est brutalement assassinée par le psychopathe sadique Kyung-chul, l’agent spécial Soo-hyun décide de faire justice lui-même. Au lieu de tuer le meurtrier, il le capture, le torture, puis le relâche à plusieurs reprises, lançant un terrifiant jeu du chat et de la souris. Sa quête de vengeance le plonge dans un abîme de brutalité, le transformant en monstre semblable à celui qu’il traque.

Chef-d’œuvre du cinéma sud-coréen réalisé par Kim Jee-woon, I Saw the Devil est une réflexion déchirante sur la nature corrosive de la vengeance. L’identité du tueur est connue dès le début ; la tension ne réside pas dans le « qui », mais dans la mesure jusqu’où le « bien » est prêt à aller pour combattre le « mal ». Le principe de « capture et relâche » est une métaphore puissante du cycle autodestructeur de la haine. Avec une violence extrême et non filtrée, le film explore la fine frontière entre justice et sadisme, montrant comment la poursuite obsessionnelle de la vengeance peut vider l’âme et transformer le héros en son propre démon.

The House of the Devil (2009)

Dans les années 1980, Samantha, étudiante à l’université et à court d’argent, accepte un emploi de baby-sitting dans une maison isolée lors d’une éclipse lunaire. Ses employeurs, un couple âgé et sinistre, se révèlent être les chefs d’un culte satanique qui a choisi Samantha pour un rituel terrifiant. Sa lutte pour la survie se transforme en un cauchemar de terreur surnaturelle.

Ti West signe un hommage magistral à l’horreur des années 70 et 80, recréant son esthétique et son rythme avec une précision philologique. Tourné en 16 mm, avec des zooms lents et une construction progressive du suspense, le film évoque parfaitement l’atmosphère de la « panique satanique » de cette décennie. Plutôt que de s’appuyer sur des sursauts bon marché, The House of the Devil construit un sentiment croissant et inéluctable de terreur, prouvant que l’anticipation de l’horreur peut être plus effrayante que l’horreur elle-même. Un classique moderne du cinéma indépendant.

Tony (2009)

Tony est un homme socialement inadapté et au chômage qui vit seul dans un modeste appartement londonien. Son existence est marquée par le visionnage obsessionnel de vieux films d’action en VHS et des tentatives maladroites de socialisation. Lorsque sa recherche désespérée de connexion humaine est rejetée, sa frustration éclate en accès de violence homicidaire, transformant son appartement sordide en tombeau.

Inspiré par la figure du tueur en série Dennis Nilsen, Tony de Gerard Johnson est une étude de personnage sombre et réaliste qui se concentre sur la solitude désolée de son protagoniste. Le film évite délibérément d’expliquer des motivations psychologiques profondes, présentant plutôt la violence comme le résultat tragique de l’isolement et de l’inadéquation sociale. Peter Ferdinando offre une performance magistrale, faisant de Tony une figure aussi pathétique que terrifiante. C’est un portrait impitoyable du « monstre du voisin », un homme rendu invisible par la société, dont l’humanité déformée n’émerge que dans l’acte de détruire celle des autres.

Dementia 13

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Horreur, thriller, par Francis Ford Coppola, États-Unis, 1963.
Le premier film de Francis Ford Coppola produit à bas coût par Roger Corman, qui voulait un film sur le modèle du Psycho à petit budget avec des atmosphères gothiques et des crimes odieux. La famille Haloran se réunit dans leur château irlandais pour commémorer la mort prématurée de la petite Kathleen, qui s'est noyée sept ans plus tôt. Des événements mystérieux commencent à se produire, comme les apparitions de l'enfant décédée, et un tueur armé d'une hache rôde dans les lieux.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : italien

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Memories of Murder (2003)

En 1986, une petite province rurale de Corée du Sud est terrorisée par une série de viols et de meurtres de jeunes femmes. Deux détectives locaux, rugueux et instinctifs, s’opposent aux méthodes plus scientifiques d’un collègue de Séoul. À mesure que les victimes s’accumulent et que le coupable reste insaisissable, l’enquête se transforme en un portrait obsédant de frustration, d’incompétence et d’échec systémique.

Avant le succès mondial de Parasite, Bong Joon-ho a réalisé ce chef-d’œuvre qui est bien plus qu’un simple thriller policier. Le film utilise la chasse à un tueur en série pour exposer les blessures d’une nation sous une dictature militaire. L’incompétence de la police n’est pas seulement un artifice narratif, mais une critique féroce d’un appareil d’État dysfonctionnel et brutal. La fin, parmi les plus puissantes de l’histoire du cinéma, avec le détective Park regardant la caméra, brise le quatrième mur pour suggérer une vérité glaçante : le tueur est un homme ordinaire, peut-être l’un d’entre nous, qui nous observe.

Monster (2003)

Basé sur l’histoire vraie d’Aileen Wuornos, une prostituée de rue en Floride devenue tueuse en série, le film suit sa vie désespérée et sa relation avec la jeune Selby Wall. Poussée par une vie d’abus et un besoin désespéré de protéger son amour, Aileen commence à tuer ses clients, plongeant dans une spirale de violence dont il n’y a pas de retour.

Monster est une œuvre puissante et déchirante, portée par l’une des plus grandes performances de l’histoire du cinéma. Charlize Theron disparaît complètement dans le rôle d’Aileen, offrant une incarnation physique et émotionnelle qui dépasse la simple interprétation. Le film de Patty Jenkins évite le sensationnalisme, choisissant plutôt une approche empathique mais jamais justificative. C’est le portrait d’une femme « cruellement brisée par la vie », un produit du traumatisme qui, pour la première fois, goûte à l’amour et tente désespérément d’être une meilleure personne, échouant tragiquement. Un film qui n’offre aucune excuse, mais montre les raisons derrière l’horreur.

Frailty (2001)

Un homme se présente au FBI en avouant que son frère est le célèbre tueur en série surnommé « la Main de Dieu ». À travers un long flashback, il raconte son enfance dans le Texas rural, où son père veuf, un homme doux et dévot, a reçu une vision divine : lui et ses deux fils ont été choisis par Dieu pour « détruire » les démons cachés sous forme humaine.

Les débuts de Bill Paxton à la réalisation sont un excellent thriller gothique du Sud qui explore les thèmes de la foi, de la folie et de la perspective. Le film construit une tension presque insoutenable, confrontant le spectateur à une question angoissante : le père est-il un fanatique religieux entraînant ses enfants dans sa psychose ou un véritable émissaire divin ? Le récit, vu à travers les yeux d’un enfant, est ambigu et dérangeant, et culmine dans un dernier retournement de situation qui bouleverse complètement la perception des événements, laissant une impression profonde et troublante.

I Stand Alone (1998)

Un boucher de viande chevaline, après avoir été libéré de prison pour avoir agressé l’homme qu’il croyait avoir abusé de sa fille, se retrouve seul et à la dérive dans une société qui le rejette. Son monologue intérieur, un flux de conscience rempli de haine, de ressentiment et de nihilisme, nous accompagne dans sa descente vers une explosion finale de violence.

Le premier long métrage de Gaspar Noé est un coup de poing dans l’estomac, une œuvre provocante et sans compromis. Le style du réalisateur est déjà reconnaissable : des coupes franches soudaines accompagnées de sons rappelant des coups de feu, des intertitres criant des concepts tels que « MORALITÉ » et « JUSTICE », et une narration qui nous force à entrer dans l’esprit d’un homme en marge. Le film n’est pas tant l’histoire d’un tueur en série, mais le portrait de la genèse de la violence chez un individu écrasé par l’isolement, la pauvreté et l’échec. C’est une expérience cinématographique brutale qui explore le désespoir humain dans sa forme la plus brute et la plus désagréable.

Funny Games (1997)

Une famille aisée arrive dans leur maison au bord du lac pour des vacances tranquilles. Leur paix est interrompue par deux jeunes hommes, Paul et Peter, vêtus de blanc et aux manières impeccables. Sous prétexte de demander des œufs, les deux entrent dans la maison et commencent à soumettre la famille à une série de « jeux » sadiques, transformant leur sanctuaire en un enfer de torture psychologique et physique.

Michael Haneke ne réalise pas un film d’horreur, mais un essai critique sur l’horreur et son public. Funny Games est une attaque frontale et impitoyable contre le spectateur et sa soif de violence. Paul, l’un des deux bourreaux, brise constamment le quatrième mur, regardant la caméra, commentant les conventions du genre, et pariant avec nous sur la survie des victimes. La célèbre scène où il « rembobine » le film avec une télécommande pour annuler un acte de rébellion de la famille est le geste ultime de l’auteur : Haneke nous refuse toute catharsis, tout soulagement, nous piégeant dans un cycle désespéré de violence. Ce n’est pas un film sur des tueurs, mais sur notre désir de les regarder.

Clean, Shaven (1993)

Peter Winter, un homme atteint de schizophrénie, est libéré d’un établissement psychiatrique et part à la recherche de sa fille, désormais en famille d’accueil. Son parcours est une odyssée éprouvante à travers un monde déformé par des hallucinations auditives et une paranoïa constante. Alors qu’il lutte pour garder prise sur la réalité, il devient malgré lui le principal suspect dans une enquête sur le meurtre d’une petite fille.

Le film de Lodge Kerrigan est une tentative courageuse et empathique d’entrer dans l’esprit d’une personne schizophrène. Au lieu de dépeindre Peter de l’extérieur, comme une menace, le film nous place à l’intérieur de lui, nous faisant vivre son monde de sons assourdissants et de perceptions altérées. La conception sonore est la véritable protagoniste : un paysage sonore dur et invasif qui simule le chaos mental du protagoniste. C’est une œuvre douloureuse et sans compromis qui défie le spectateur de regarder au-delà de la maladie, montrant un homme souffrant qui, malgré tout, est encore animé par l’instinct le plus humain : l’amour pour un enfant.

Man Bites Dog (1992)

Man Bites Dog représente sans ciller un tueur en série dans sa banalité quotidienne, avec des victimes allant des enfants aux personnes âgées, jusqu’à une femme violée en groupe dont le cadavre est ensuite photographié avec ses entrailles déversées sur la table où elle a été violée.

Tourné sous forme de faux documentaire, Man Bites Dog explore des dimensions troublantes pour dépeindre les dilemmes du meurtre de la manière la plus abjecte possible, complétant l’hésitation de l’équipe de tournage enregistrant de telles peurs. Le chagrin saisissant partagé par le réalisateur du documentaire (Rémy Belvaux) lorsqu’il réalise ce que signifie vraiment faire un documentaire sur un tueur en série, devenant de plus en plus complice des meurtres au fil du film, indique explicitement notre volonté en tant que spectateurs de tolérer les horreurs représentées.

Disparue (1988)

Lors de vacances en France, la jeune Saskia disparaît d’une aire de service, laissant son petit ami, Rex, dans un limbe d’angoisse. Trois ans plus tard, Rex est toujours obsédé par le besoin de savoir ce qui lui est arrivé. Sa recherche le conduit finalement à l’enlèvement, un homme apparemment normal qui lui propose un pacte terrible : il ne pourra découvrir la vérité que s’il accepte de subir le même sort que Saskia.

Ce thriller néerlandais-français, réalisé par George Sluizer, est un chef-d’œuvre de terreur psychologique qui subvertit les règles du genre. En révélant presque immédiatement l’identité de l’enlèveur, le film déplace le suspense du « qui » au « pourquoi », explorant l’horreur de l’inconnu et le besoin humain d’une réponse, à tout prix. L’atmosphère est chargée d’une tension existentielle qui culmine dans l’une des fins les plus choquantes et impitoyables de l’histoire du cinéma. Une œuvre si terrifiante dans sa logique inéluctable que Stanley Kubrick l’a qualifiée de l’un des films les plus effrayants qu’il ait jamais vus.

Manhunter (1986)

L’attrait esthétique de Manhunter était un peu excessif pour les goûts du marché de référence au milieu des années 1980, plus de 30 ans plus tard il représente un film sorti en son temps, une œuvre cinématographique d’une décennie lointaine mais unique et pleine de sens, ainsi qu’extraordinairement raffinée qui semble encore cacher le sentiment de peur en son sein. La première de plusieurs adaptations des livres de Thomas Harris, Manhunter liait des images oniriques à un drame criminel, tentant d’illustrer l’expérience émotionnelle traumatique d’être un agent du FBI.

Tout en même temps, Michael Mann se concentre sur le tueur en série, Francis Dollarhyde (Tom Noonan), le soi-disant « Tooth Fairy », qui vit dans chaque scène avec la garantie supposée de s’en sortir. Soutenu par la photographie de Dante Spinotti dessinant des ombres comme s’il réalisait un thriller policier, dans Manhunter Mann a découvert un équilibre entre film policier et violence abstraite. Manhunter agit de manière similaire, devenant plus fort plus on le regarde.

Henry : Portrait d’un tueur en série (1986)

Inspiré de la vie du tueur en série Henry Lee Lucas, ainsi que de son complice Otis Toole. Henry est un film véritablement effrayant – on se sent sale rien qu’en le regardant, des rues couvertes de saleté aux personnages peu recommandables qui s’en prennent aux femmes du quartier dans la rue. Certaines scènes, comme le « clip vidéo du manoir » où Henry et Otis torturent toute une famille, ont conféré au film une réputation infâme, même parmi les amateurs d’horreur, comme un aperçu impitoyable de la nature troublante de la banalité du mal.

Angst (1983)

Tout juste libéré de prison après dix ans, un psychopathe connu seulement sous le nom de K. est immédiatement consumé par le besoin de tuer à nouveau. Il s’introduit dans une maison isolée, où il terrorise une famille composée d’une femme âgée, de sa fille et de son fils handicapé. Le film documente sa frénésie homicide maladroite et finalement pathétique, entièrement du point de vue déformé du tueur.

Œuvre unique et radicale de l’Autrichien Gerald Kargl, Angst est une expérience cinématographique extrême qui nous emprisonne dans l’esprit du meurtrier. Par une utilisation fiévreuse et désorientante de la caméra, avec des techniques innovantes telles que des caméras montées sur le corps de l’acteur et un système complexe de miroirs, le film ne se contente pas de narrer un meurtre, mais simule la montée d’adrénaline, la confusion et l’échec du tueur à réaliser ses fantasmes violents. C’est l’antithèse du cliché du meurtrier calculateur : K. est un être primordial, maladroit, aveuglé par ses instincts, dont la violence est aussi brutale qu’inepte. Une expérience viscérale et claustrophobe qui redéfinit le concept de point de vue dans le cinéma d’horreur.

Tenebrae (1982)

Si j’écrivais un livre d’horreur et que sa publication incitait un psychopathe quotidien à commettre sa propre série de meurtres ultraviolents, le prendriez-vous comme un compliment ? Peut-être que ce n’est pas l’enquête que Dario Argento cherche dans son célèbre film policier de 1982 Tenebrae, mais l’histoire rappelle un vieux dicton en particulier sur l’imitation et la flatterie : l’auteur américain Peter Neal (Anthony Franciosa) se rend en Italie pour faire la promotion de son nouveau livre et découvre également qu’un tueur en série est en liberté, encouragé par son roman à commettre des meurtres. Cela doit être très agréable pour Neal, beaucoup moins pour les victimes du tueur.

Le film met en scène des rivières de sang pour inonder la scène de rouge, en raison des indulgences d’Argento en tant que réalisateur. Ce n’est pas qu’Argento cautionne le meurtre ou quelque chose d’aussi fou ; il est plus que disposé à avouer sa fixation désespérée sur la représentation du meurtre à l’écran.

The Driller Killer (1979)

L’artiste Reno Miller (Abel Ferrara) et sa petite amie Carol entrent dans une église où un vagabond s’approche, voulant parler à l’artiste, mais Reno et Carol, effrayés, s’enfuient. Reno rentre chez lui et trouve une grosse facture d’électricité, une facture de téléphone, et ne peut pas se permettre de payer le loyer. Il partage un appartement avec Carol et son amant toxicomane Pamela dans un quartier délabré de New York. Reno décide d’aller voir le galeriste Dalton pour lui demander une avance pour sa prochaine peinture, mais Dalton répond qu’il veut d’abord voir la peinture puis éventuellement l’acheter.

Deep Red (1975)

Deep Red est l’un de ces films qui n’auraient pu être réalisés par personne d’autre – Mario Bava aurait peut-être essayé, mais son film n’aurait pas eu la bande-son des collaborateurs d’Argento, Goblin, ni le travail de prise de vue excentrique qui nous fait nous demander si nous regardons le point de vue du tueur ou non. Argento a un véritable œil pour ce qui est littéralement déconcertant à voir : il prend d’une certaine manière des scènes « fondamentales » pour créer la peur et les rend bien plus désagréables que ce que l’on pourrait penser.

Massacre à la tronçonneuse (1974)

Un des films d’horreur les plus marquants jamais sortis, Massacre à la tronçonneuse, inspiré du tristement célèbre tueur en série du Wisconsin Ed Gein, met en scène le menaçant Leatherface, le légendaire tueur maniant la tronçonneuse et portant un masque fait de peau humaine, dont le sadisme n’est surpassé que par la présentation de sa famille cannibale avec laquelle il vit dans une maison délabrée au milieu de la nature texane. Les frères sont cannibales tandis que le grand-père boit du sang et fabrique aussi des meubles avec les os des victimes. Cependant, Massacre à la tronçonneuse est aussi un film sur l’angoisse souterraine d’une population rurale américaine post-Vietnam.

Deranged (1974)

Ezra Cobb aide à gérer une ferme dans le Midwest rural avec sa mère âgée, Amanda, une fanatique spirituelle qui l’a endoctriné en le convainquant qu’il déteste les femmes. Amanda meurt d’un problème de santé prolongé et Ezra prend sa retraite. Presque un an après sa mort, il souffre d’hallucinations acoustiques qui le poussent à exhumer sa mère. Une nuit, il se rend chez elle et exhume son corps en décomposition, le ramenant chez lui où il le répare en utilisant la peau de poisson jetée et de la cire. Deranged s’inspire de l’histoire d’Ed Gein et du réalisme choquant de Massacre à la tronçonneuse, sorti la même année, et est un film plutôt transgressif et extrême. Deranged devient dégoûtant, un univers où il n’y a ni raison ni but pour le mal.

Badlands (1973)

Holly Sargis narre le film du point de vue d’une adolescente de 15 ans résidant dans la communauté fermée et isolée de Fort Dupree, située dans le Dakota du Sud. Sa vie a été marquée par la tension et la distance dans sa relation avec son père depuis le décès prématuré de sa mère, survenu des années auparavant à cause d’une pneumonie. Ce vide émotionnel dans sa vie est partiellement comblé lorsqu’elle rencontre Kit Carruthers, un homme de 25 ans qui travaille comme nettoyeur de rue. Kit ressemble étrangement à James Dean, une icône hollywoodienne que Holly idolâtre depuis longtemps.

Au fur et à mesure que leur relation se développe et qu’ils passent plus de temps ensemble, le charme initial de Kit commence à s’estomper, révélant ses tendances profondément antisociales et une nature féroce qui devient de plus en plus évidente pour Holly. Malgré ces révélations troublantes, Holly est attirée de plus en plus profondément dans le monde énigmatique de Kit, poussée par une combinaison de naïveté juvénile et de désir de connexion. L’histoire dévoile avec finesse comment son esprit impressionnable lutte avec ces découvertes sombres, posant les bases d’une exploration de ses conflits intérieurs et révélant un parcours marqué par une quête imprudente d’aventure rebelle mêlée à des sous-entendus inquiétants.

Les Tueurs de la lune de miel (1969)

Les Tueurs de la lune de miel est un film policier américain des années 1970 créé et réalisé par Leonard Kastle. L’histoire suit une infirmière morose et obèse qui est attirée par un charlatan, avec qui elle commence une série de meurtres de femmes célibataires. Le film s’inspire de l’histoire vraie de Raymond Fernandez et Martha Beck, les fameux « tueurs du cœur solitaire » des années 1940. Tourné en grande partie à Pittsfield, dans le Massachusetts, la production des Tueurs de la lune de miel a débuté avec Martin Scorsese comme réalisateur choisi. Lancé au début des années 1970, le film a été très apprécié notamment pour son aspect réaliste. Les Tueurs de la lune de miel est devenu un film culte et a même été qualifié de « film américain préféré » par François Truffaut.

Le Sang des innocents (1964)

Meilleur film aux côtés de Black Christmas de 1974 pour avoir été le premier à réunir tous les éléments dans ce qui est sans doute un « slasher ». Cependant, le film de Mario Bava de 1964 est si proche du genre qu’il justifie presque le titre du premier « vrai » slasher. Le Sang des innocents est un film décidément adorable et superbe. L’histoire est un mélange de meurtre et d’exploitation, avec un groupe de femmes suivies par un étrange agresseur dont le visage est couvert d’un masque pare-balles. C’est une image qui est immédiatement devenue célèbre et a laissé sa marque dans un style tout italien, codifiant la figure du meurtrier, des gants noirs jusqu’au masque lui-même. Nombreux ont tenté d’imiter son style.

Les Yeux sans visage (1960)

Les Yeux sans visage, réalisé par Georges Franju, est un film captivant qui porte une essence froide et poétique. Pourtant, il est aussi façonné avec une affection indéniable pour la narration. Ce récit intrigant tourne autour du personnage d’une femme liée à un savant fou, qui endosse également le rôle d’un tueur en série. Le scientifique est animé par une ambition profondément troublante : il kidnappe de jeunes femmes possédant des traits du visage similaires dans l’espoir de transférer leur peau sur le visage abîmé de sa fille.

Le film de Franju adopte un style à la fois angoissant et intimement dérangeant, caractéristique des histoires d’horreur mémorables et riches en thèmes. Si Franju réussit à faire résonner chaque moment de l’histoire avec une efficacité glaçante, il en va de même pour Edith Scob. Son interprétation, particulièrement ses yeux expressifs, constitue le meilleur effet spécial du film. Sa performance est puissamment évocatrice, insufflant vie au personnage avec une profondeur qui semble émaner directement de l’âme.

Peeping Tom (1960)

Du point de vue de certains, Peeping Tom de Michael Powell est un film méticuleux, humain et réfléchi sur les impulsions émotionnelles qui guident le processus de réalisation d’un film. C’est un slasher à propos d’un tueur en série-réalisateur de documentaires qui tue ses victimes avec le trépied de sa caméra. (Le trépied est équipé d’une lame.) D’abord, Peeping Tom fut considéré comme assez controversé pendant un certain temps.

Les films sur les femmes en danger ont un moyen de toucher les nerfs de leur public, et Peeping Tom pousse cette méthode à l’extrême, ne laissant guère de répit à sa liste de futures victimes alors que Mark Lewis (Carl Boehm) s’approche d’elles, capturant leur peur grandissante à chaque seconde alors qu’elles prennent conscience de leur destin imminent. C’est un film difficile à supporter, comme le serait tout film sur un psychopathe ayant l’habitude de tuer des femmes, mais il est aussi détaillé, informatif, parfaitement conçu et même merveilleusement réfléchi.

M (1931)

L’œuvre renommée de Fritz Lang, largement reconnue comme l’une des figures pionnières responsables de la naissance du genre film noir qui a connu une immense popularité à Hollywood dans les années 1940, s’inspire des actes épouvantables et macabres commis par des criminels notoires en Allemagne dans les années 1920, notamment Fritz Haarmann et Peter Kürten.

Le récit se déroule dans une ville saisie par la peur et l’angoisse en raison de la présence d’un meurtrier d’enfants menaçant qui échappe à la capture en ne laissant aucune preuve derrière lui pour la police désespérée. Pendant ce temps, les organisations criminelles, frustrées par les incessantes descentes de police perturbant leurs activités, décident de prendre les choses en main. Elles lancent une poursuite indépendante du redoutable coupable et, dans leur quête implacable, tombent sur un indice vital : la réalisation glaçante que le « monstre » siffle sinistrement un air morbide en s’approchant de ses victimes sans méfiance.