45 films chinois à ne pas manquer

Les films chinois sont produits dans trois principales zones du cinéma en langue chinoise : la Chine continentale, Hong Kong et Taïwan. L’histoire du cinéma chinois comporte de nombreux films incontournables et des chefs-d’œuvre. Le cinéma est arrivé pour la première fois en Chine en 1896, et le premier film chinois, « Dingjun Mountain », a été réalisé en 1905. Dans les premières années, le marché du cinéma était principalement centré à Shanghai. Les années 1920 ont vu une augmentation significative des films commerciaux et des productions de petits studios, notamment dans le genre d’action wuxia.

Le premier film sonore chinois, *Sing-Song Girl Red Peony*, a été produit en 1931 et utilisait la technologie innovante du son sur disque. Les années 1930 sont reconnues comme le premier âge d’or du cinéma chinois, marqué par une montée de l’activité cinématographique de gauche. Le conflit entre nationalistes et communistes était évident dans les films créés durant cette période. Après l’invasion japonaise de la Chine et l’occupation de Shanghai, l’industrie cinématographique de la ville a subi d’importantes perturbations, poussant de nombreux cinéastes à se déplacer vers Hong Kong, Chongqing (anciennement Chungking) et d’autres lieux.

Princess Iron Fan ‌(1941), le premier film d’animation chinois, est sorti à la fin de cette période. Il a influencé l’animation japonaise de guerre et plus tard Osamu Tezuka. Après avoir été ⁢totalement⁣ bloquée par la guerre en 1941, jusqu’à la fin du conflit ‍en 1945, l’industrie cinématographique de la ville de Shanghai était sous contrôle japonais.

Les films chinois après la guerre

Après la guerre, une seconde ère d’or du cinéma chinois a commencé, avec la reprise de la production à Shanghai. Le film *Spring in a Small Town* (1948) a reçu le titre de Meilleur film en langue chinoise lors de la 24e cérémonie des Hong Kong Movie Awards. Cependant, après la prise de pouvoir communiste en 1949, de nombreux films sortis ainsi que certains films internationaux ont été interdits en 1951 en raison de lois strictes de censure en Chine. Malgré cela, la production cinématographique chinoise a considérablement augmenté durant cette période. Pendant la Révolution culturelle, cependant, l’industrie cinématographique a subi de sévères restrictions et est presque à l’arrêt de 1967 à 1972. Après la fin de la Révolution culturelle, le marché a prospéré, produisant des films dramatiques remarquables dans les années 1980, tels que *Evening Rain* (1980), *Legend of Tianyun Mountain* (1980) et *Hibiscus Town* (1986). Ces films reflètent les cicatrices psychologiques laissées par cette période tumultueuse.

Cinéma chinois de la cinquième génération

À partir du milieu à la fin des années 1980, avec des films tels que One and Eight (1983) et Yellow Earth (1984), l’arrivée de nouveaux cinéastes chinois appelés la « Cinquième génération » a accru l’intérêt pour le cinéma chinois à l’étranger, notamment sur les marchés occidentaux du cinéma d’auteur. Des films tels que Red Sorghum (1987), The Story of Qiu Ju (1992) et Farewell My Concubine (1993) ont obtenu une reconnaissance mondiale majeure. Le commerce a partiellement cessé après les manifestations de la place Tian’anmen en 1989. La période post-1990 a vu l’émergence de la sixième génération ainsi que de la post-sixième génération, réalisant toutes deux des films autonomes en dehors du système cinématographique principal de la Chine, qui circulaient principalement sur le circuit des festivals internationaux de cinéma.

Avec le succès industriel mondial de films tels que Tigre et Dragon (2000) et Hero (2002), la variété des coproductions dans les cinémas de langue chinoise s’est améliorée, et il y a également eu une activité cinématographique en langue chinoise directement sur le marché mondial. Après que des films chinois comme The Dream Factory (1997) ont montré la viabilité d’un grand succès commercial, les films chinois ont explosé au box-office, et en janvier 2017, 5 des 10 films les plus rentables en Chine sont des productions chinoises. Shed in Thailand (2012) a été le premier film chinois à atteindre 1 milliard de RMB au box-office chinois. Beast Hunt (2015) a été le premier à atteindre 2 milliards de RMB. The Mermaid (2016) a été le premier à atteindre 3 milliards de RMB. Wolf Warrior 2 (2017) les a dépassés pour devenir le film le plus rentable en Chine.

La Chine abrite la plus grande installation de production cinématographique au monde, l’Oriental Movie Metropolis et Hengdian World Studios, et en 2010 possédait le troisième plus grand marché de films de long métrage créés chaque année. En 2012, le pays est devenu le deuxième plus grand marché mondial en termes de ventes de billets. En 2016, les ventes de billets en Chine ont totalisé 45,71 milliards de RMB (6,58 milliards de dollars). Le pays possède la plus grande variété d’écrans dans le monde en 2016 et devrait devenir le plus grand marché organisé d’ici 2019. La Chine est également devenue un centre majeur de services pour les laboratoires hollywoodiens.

En novembre 2016, la Chine a adopté une législation cinématographique interdisant les contenus jugés dangereux pour le « respect de soi, l’honneur et les sentiments » de la RPC, ainsi que promouvant la diffusion des « valeurs fondamentales socialistes ». Comme le suggèrent les directives de l’industrie, les films sont éligibles pour rester en salles pendant un mois. Les sociétés de production peuvent s’adresser aux régulateurs pour élargir cette restriction.

Ces dernières années, le public chinois a considérablement apprécié les films produits localement en langue chinoise. Les valeurs de production dans les films chinois ont augmenté. Ce sont de grands blockbusters chinois que les cinéastes chinois réalisent et que le public souhaite voir, tout en se sentant beaucoup moins impliqué par les films produits à Hollywood. Les recettes élevées au box-office des films chinois de 2021 tels que « Hello, Mom » et aussi « The Battle at Lake Changjin » ont effectivement prouvé que le marché local des films chinois a atteint l’indépendance et ne nécessite pas l’attraction d’un marché cible mondial pour générer des revenus importants. Les films patriotiques chinois actuels sont en réalité des films de propagande. La plupart des blockbusters chinois actuels sont similaires à ces films hollywoodiens qui présentent les États-Unis comme un pays défendant la planète contre des catastrophes mondiales.

Premiers films chinois

Le cinéma a été introduit en Chine en 1896. La Chine fut seulement l’une des premières nations à découvrir le médium du cinéma après que Louis Lumière ait envoyé son cameraman à Shanghai un an après avoir développé la cinématographie. Le premier test vidéo d’un film en Chine a eu lieu à Shanghai le 11 août 1896. Le premier film chinois, un enregistrement de l’opéra de Pékin, Dingjun Mountain, a été tourné en novembre 1905 à Pékin. Dans les années suivantes, les sociétés de production cinématographique en Chine étaient principalement détenues par des étrangers, et le quartier cinématographique local s’est établi à Shanghai, un centre commercial prospère et aussi la plus grande ville de l’Extrême-Orient.

En 1913, le premier scénario de film indépendant, The Arduous Couple, fut tourné à Shanghai par Zheng ‍Zhengqiu et Zhang Shichuan. Zhang Shichuan fonda ensuite la première entreprise de production cinématographique chinoise en ‌1916.‌ Le premier long-métrage fut Yan ‌Ruishen, lancé en 1921, un documentaire portant sur le meurtre d’une prostituée de Shanghai. Tout au long des ‍années 1920, des spécialistes du cinéma venus des États-Unis formèrent des professionnels chinois à Shanghai, et l’influence américaine y fut ressentie ⁣pendant les 20 années suivantes. Comme le cinéma en était encore à ses premières ​étapes⁢ de développement, de nombreux films muets chinois de cette époque n’étaient que des courts-métrages théâtraux ou des numéros comiques, et la formation technique était très insuffisante.

Plus tard, après des expérimentations, la Chine put s’inspirer de ses propres mérites typiques et⁣ commença également à produire des films d’arts martiaux, avec Burning of Red⁣ Lotus‌ Temple (1928). Burning of Red Lotus Temple fut un succès, et la production de Star Motion Pictures (Mingxing) enregistra par la suite 18 suites, marquant le début des prestigieux ​films d’arts martiaux chinois. ⁣Plusieurs imitateurs rejoignirent le genre, notamment Red⁤ Heroine (1929) du studio U. Lien. C’est durant cette période⁢ que naquirent plusieurs des entreprises de production les plus importantes, en particulier Mingxing et ‌Tianyi,‍ fondées par les frères Shaw. Mingxing, créée par⁢ Zheng Zhengqiu‌ et Zhang Shichuan en 1922, se concentra initialement sur les courts-métrages comiques, incluant le premier film chinois complet, Laborer’s Love ​(1922). La production s’orienta ensuite vers les longs-métrages et les drames familiaux, tels que Orphan Rescues Grandfather ⁣(1923). Tianyi se spécialisa dans les films mythologiques, tout en s’ouvrant directement aux marchés internationaux ; leur film White ‌Snake (1926) illustre leur succès auprès des spectateurs chinois d’Asie du Sud-Est.

Les premiers films sonores chinois

En 1931, le premier film sonore chinois Sing-Song Girl Red Peony fut réalisé, fruit d’une collaboration entre la production cinématographique de la société Mingxing et l’innovation audio de Pathé Frères. Le son fut enregistré sur disque et diffusé en salle en synchronisation avec l’action à l’écran. Le premier film parlant dialogué produit en Chine fut Spring on Stage de Tianyi, ou Great China Studio, ainsi que Clear Sky After Storm du studio Jinan. Les films musicaux, tels que Song at Midnight ⁢(1937) et Street ‍Angels (1937), avec Zhou Xuan, devinrent l’un des genres cinématographiques les plus importants en Chine.

Les premiers grands films chinois furent produits à partir des années 1930, avec l’émergence de l’activité politique de gauche. Parmi eux, Spring Silkworms (1933) de Cheng Bugao, The Goddess (1934) de Wu Yonggang, et The Great Road, également connu sous le nom de The Big Road (1934) de Sun Yu. Ces films furent mémorables pour leur focalisation sur la lutte des classes et les menaces extérieures telles que le Japon, ainsi que pour leur attention portée aux gens ordinaires, comme un membre d’une famille d’éleveurs de vers à soie dans Spring Silkworms, ou une prostituée dans The Goddess. En partie grâce au succès de ce type de films, cette période fut qualifiée de première Âge d’or du cinéma chinois. Le mouvement cinématographique de gauche se concentra généralement sur le Shanghai influencé par l’Occident, où les cinéastes dépeignaient les classes populaires d’une ville surpeuplée. Parmi les sociétés de production qui dominaient le marché au début et au milieu des années 1930 figuraient la nouvelle Lianhua, la plus ancienne et plus grande Mingxing, ainsi que Tianyi. Mingxing et Lianhua prirent toutes deux parti pour la politique de gauche, particulièrement Lianhua.

Cette période a également créé les premières grandes célébrités du cinéma chinois, telles que Hu Die, Ruan Lingyu, Li Lili, Chen Yanyan, Zhou⁤ Xuan, Zhao Dan et Jin Yan. Parmi les autres films importants de cette époque figurent Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), Track of the Fishermen (1934), Plunder of Peach and Plum ⁢(1934), Crossroads (1937) et Street Angel (1937). Tout au long des années 1930, les nationalistes et les communistes se sont violemment disputés le contrôle des principales productions cinématographiques chinoises ; cet impact se reflète dans les films réalisés par les studios chinois durant ces années.

Films chinois à voir absolument

Voici une sélection substantielle des meilleurs films chinois que vous devez absolument voir. Cette liste couvre les chefs-d’œuvre du cinéma muet chinois, à travers plusieurs générations de réalisateurs, jusqu’aux révolutions culturelles et films de propagande, ainsi que le cinéma d’avant-garde et indépendant contemporain. Les films sont strictement organisés par ordre chronologique. Le choix vous appartient.

So Long, My Son (2019)

Traversant trois décennies d’histoire chinoise, ce drame poignant suit un couple, Yaojun et Liyun, alors qu’ils affrontent les conséquences d’un tragique accident impliquant leur fils unique. Le récit s’étend des années 1980 à aujourd’hui, illustrant comment la politique de l’enfant unique, les mutations économiques et les regrets personnels résonnent dans leur vie et celle de leur entourage.

Réalisé par Wang Xiaoshuai, figure majeure de la Sixième Génération, le film est un chef-d’œuvre de profondeur émotionnelle et de narration non linéaire. Il a reçu un large succès international, remportant l’Ours d’Argent du meilleur acteur et de la meilleure actrice au 69e Festival international du film de Berlin, et est considéré comme une méditation définitive sur le deuil et la nature durable des liens familiaux au cœur des changements sociaux pilotés par l’État.

An Elephant Sitting Still (2018)

Cette épopée de quatre heures suit quatre individus dont les vies se croisent au cours d’une seule journée morose dans une ville industrielle du nord. Unis par leur sentiment commun de désespoir et de frustration face à une société en déclin, ils entreprennent un voyage pour voir un éléphant légendaire à Manzhouli, qui resterait immobile, ignorant le monde. Le film offre un regard viscéral et sans compromis sur la stagnation spirituelle et le nihilisme systémique dans la Chine urbaine moderne.

Tragiquement, il s’agit du premier et unique long métrage du réalisateur Hu Bo, qui s’est suicidé peu après avoir terminé le montage à l’âge de 29 ans. Présenté au monde par son mentor Béla Tarr, le film a remporté le Prix FIPRESCI au Festival international du film de Berlin. Les critiques l’ont salué comme un début de carrière monumental et un épitaphe hanté, reconnu pour ses plans-séquences longs et sa capacité à équilibrer commentaire socio-politique et désespoir humain intime.

Ash Is Purest White (2018)

Située dans le monde souterrain du « jianghu », l’histoire suit Qiao, qui prend la faute pour son petit ami gangster Bin après une attaque d’un gang rival. Après avoir purgé cinq ans de prison, Qiao émerge dans une Chine transformée au-delà de toute reconnaissance. Elle parcourt le pays pour retrouver Bin, seulement pour découvrir que la loyauté et les codes d’honneur qu’ils partageaient autrefois se sont évaporés sous la pression du développement économique rapide de la Chine.

Réalisé par Jia Zhangke et mettant en vedette sa muse Zhao Tao, le film est une synthèse ample de ses thèmes récurrents : le déplacement des individus et l’érosion de la tradition. En compétition pour la Palme d’Or à Cannes, il est salué pour son mélange d’éléments de film noir avec une perspective humaniste. La « cendre » du titre symbolise à la fois le paysage volcanique littéral du décor et l’esprit résilient des personnages laissés pour compte par le progrès.

La fondation d’une armée (2017)

Cette épopée historique dépeint les événements de l’insurrection de Nanchang en 1927, un moment clé qui a conduit à la naissance de l’Armée populaire de libération. Elle se concentre sur les efforts des jeunes dirigeants communistes, dont Mao Zedong et Zhou Enlai, alors qu’ils rompent avec le Kuomintang pour établir une force militaire indépendante. Le récit sert de chronique dramatisée des premières luttes tactiques et de la formation idéologique de la révolution.

Réalisé par Andrew Lau, le film est le dernier volet de la trilogie « Fondation de la Nouvelle Chine ». Produit pour commémorer le 90e anniversaire de l’APL, il utilise une chorégraphie d’action à gros budget et un casting de jeunes idoles pour séduire un public moderne. Tout en fonctionnant comme une propagande d’État, il est reconnu pour sa finition technique et sa tentative d’humaniser les figures historiques à travers le prisme d’un film de guerre à grand spectacle.

Mountains May Depart (2015)

Le film est divisé en trois périodes distinctes — 1999, 2014 et 2025 — suivant la vie de Tao, une jeune femme de Fenyang, et les deux hommes qui rivalisent pour son affection. Ce qui commence comme un triangle amoureux classique évolue en une vaste histoire sur la migration, la perte des racines culturelles et l’aliénation d’une génération future élevée dans la diaspora. Les rapports d’aspect changeants reflètent les époques mouvantes et le rétrécissement des liens personnels.

Jia Zhangke explore le coût humain de la mondialisation et du « rêve chinois », s’interrogeant sur ce qui reste d’une famille lorsqu’elle est séparée par la langue et les océans. Le film a concouru pour la Palme d’Or et a été remarqué pour son saut visionnaire dans le futur, contrastant la musique folklorique vibrante du passé avec le paysage stérile et électronique des années 2020. C’est une œuvre profondément passionnée qui examine la fragilité de la mémoire et du foyer.

A Touch of Sin (2013)

Inspiré d’événements réels qui ont choqué le public chinois, cet anthologie raconte quatre histoires vaguement liées d’individus poussés à une violence extrême par l’injustice sociale. D’un mineur combattant la corruption locale à une réceptionniste poussée à bout par le harcèlement sexuel, le film dresse un tableau sombre des tensions qui bouillonnent sous la surface de l’essor économique moderne de la Chine. Chaque segment est stylistiquement influencé par le genre classique wuxia et l’opéra traditionnel chinois.

Réalisé par Jia Zhangke, le film a remporté le prix du Meilleur Scénario au Festival de Cannes. Il représente un changement tonal significatif pour le réalisateur, passant du réalisme discret à une violence viscérale et chorégraphiée. Le film a d’abord été approuvé par les censeurs mais a ensuite fait face à une interdiction de facto en Chine continentale en raison de sa représentation franche de l’instabilité sociale. Il demeure l’une des critiques les plus audacieuses du vide moral créé par la modernisation rapide.

Let the Bullets Fly (2010)

Durant l’ère chaotique des seigneurs de la guerre des années 1920, un chef de bandits nommé Pocky Zhang détourne un train et se fait passer pour le nouveau gouverneur d’une ville reculée. Il se retrouve rapidement engagé dans une bataille mortelle d’esprit avec le chef de la mafia locale, Maître Huang. S’ensuit un tourbillon de tromperies, de pièges élaborés et de fusillades explosives alors que les deux hommes rivalisent pour le contrôle des richesses de la ville et la loyauté de ses habitants.

Réalisé par Jiang Wen, cette comédie d’action est devenue l’un des films les plus rentables de l’histoire du cinéma chinois. Elle est célébrée pour ses dialogues rapides, son humour noir et son allégorie politique acérée, que de nombreux critiques ont interprétée comme un commentaire sur le pouvoir et la révolution. La narration inventive du film et ses performances charismatiques en ont fait un jalon du cinéma commercial chinois qui refuse de sacrifier la profondeur intellectuelle au divertissement.

The Founding of a Republic (2009)

Ce film dramatise les dernières années de la Révolution communiste chinoise, de 1945 à l’établissement de la République populaire en 1949. Il se concentre sur les négociations et les campagnes militaires entre les communistes de Mao Zedong et les nationalistes de Chiang Kai-shek. Le récit cherche à présenter une histoire « officielle » de la naissance de l’État, mettant en lumière le génie stratégique et le soutien populaire qui ont conduit à la victoire communiste.

Co-réalisé par Han Sanping et Huang Jianxin, le film est célèbre pour son casting « toutes stars » sans précédent, avec des apparitions de presque toutes les grandes stars du cinéma chinois, dont Jackie Chan et Jet Li. En tant qu’œuvre de Zhuxuanlu (propagande), il a utilisé des valeurs de production de premier ordre pour engager un public plus jeune. Il reste un artefact culturel important des efforts de l’État pour moderniser le message politique à travers une esthétique de blockbuster.

Still Life (2006)

Situé dans la ville ancienne de Fengjie, qui est lentement submergée par la construction du barrage des Trois Gorges, le film suit deux étrangers en quêtes distinctes. Un mineur de charbon arrive pour retrouver sa femme et sa fille éloignées, tandis qu’une infirmière cherche son mari disparu depuis deux ans. Alors que les bâtiments sont démolis autour d’eux, ils naviguent dans un paysage de ruines physiques et émotionnelles, cherchant une forme de clôture dans un monde qui disparaît littéralement.

Jia Zhangke a remporté le Lion d’Or au Festival de Venise pour ce chef-d’œuvre de la Sixième Génération. Le film est reconnu pour son mélange de réalisme documentaire brut avec des touches surréalistes, comme un bâtiment qui décolle tel une fusée. Il constitue un témoignage profond des déplacements environnementaux et humains causés par les vastes projets d’infrastructure en Chine, et a été très salué pour son regard compassionnel sur les individus pris dans les rouages du progrès.

Le Monde (2004)

L’histoire se concentre sur le personnel du Beijing World Park, un parc d’attractions réel présentant des répliques à l’échelle de monuments mondiaux comme la Tour Eiffel et le Taj Mahal. Les personnages, principalement des migrants des provinces rurales, vivent leur vie à l’intérieur des limites du parc, leurs relations médiatisées par les téléphones portables et les fantasmes numériques. Bien qu’entourés par le « monde », ils restent isolés et piégés dans un cycle monotone de travail et de désirs inassouvis.

Ce fut le premier film de Jia Zhangke à être officiellement approuvé par le gouvernement chinois, marquant son passage de l’underground au système grand public. Il s’agit d’un examen critique de la mondialisation, suggérant que la connectivité offerte par la technologie moderne est un substitut creux à une véritable intimité humaine. L’utilisation de séquences d’animation flash pour illustrer la vie numérique intérieure des personnages souligne le thème du film sur la frontière floue entre réalité et spectacle.

2046 (2004)

Suite libre de In the Mood for Love, le film suit Chow Mo-wan, un écrivain qui rumine ses romances passées tout en travaillant sur un roman de science-fiction à propos d’un mystérieux train se dirigeant vers un lieu appelé 2046. La narration oscille entre la réalité baignée de néons du Hong Kong des années 1960 et le monde futuriste et numérique de son livre, où les personnages espèrent retrouver des souvenirs perdus. C’est une exploration luxuriante et fragmentée de l’amour non partagé et de la persistance du regret.

Réalisé par Wong Kar-wai, le film est un triomphe visuel et sonore, connu pour sa cinématographie au ralenti et sa bande sonore évocatrice. Sa réalisation a duré quatre ans et il met en scène un casting pan-asiatique comprenant Tony Leung, Zhang Ziyi, et Gong Li. 2046 est considéré comme une pierre angulaire du cinéma contemporain en langue chinoise, repoussant les limites de la structure narrative pour refléter la nature fluide et souvent douloureuse du temps et de la mémoire.

Blind Shaft (2003)

Dans les mines de charbon illégales du nord de la Chine, deux escrocs mènent une arnaque macabre : ils recrutent des travailleurs migrants naïfs, les assassinent dans les mines, puis se font passer pour leurs proches afin d’extorquer de l’argent de « compensation » aux propriétaires des mines. Leur plan bute sur un obstacle moral lorsqu’ils recrutent un garçon de 16 ans, forçant les tueurs plus expérimentés à affronter les vestiges de leur propre humanité. Le film offre un regard terriblement réaliste sur le « Far West » du sous-sol industriel chinois.

Réalisé par Li Yang et adapté du roman Sacred Grove, le film a été tourné clandestinement dans de vraies mines, mettant souvent l’équipe en réel danger. Il a remporté l’Ours d’Argent au Festival de Berlin mais a été interdit en Chine pour sa représentation extrêmement défavorable de l’industrie minière et de la corruption morale. Il demeure un exemple puissant du cinéma « underground » qui expose le coût humain de la croissance économique chinoise basée sur le charbon.

Plaisirs inconnus (2002)

Le film suit deux jeunes paresseux de 19 ans dans la ville industrielle de Datong, qui passent leurs journées à faire de la moto et à s’imprégner de la culture pop occidentale. Déconnectés des valeurs traditionnelles de leurs parents et sans avenir clair dans une économie en mutation, ils dérivent vers la petite délinquance et des romances éphémères. Il capture l’énergie errante d’une génération née sous la politique de l’enfant unique, ressentant la pression d’un monde qu’ils ne comprennent pas tout à fait.

Réalisé par Jia Zhangke, le film fut un prétendant à la Palme d’Or à Cannes. Il constitue la dernière partie de sa trilogie « Hors de Fenyang », explorant la transformation de la Chine provinciale à travers les yeux de sa jeunesse. Remarqué pour sa cinématographie numérique et ses plans longs, le film est un portrait définitif de la génération « contrôle des naissances » et du vide culturel créé par l’afflux soudain des médias mondiaux et du consumérisme.

Blue Gate Crossing (2002)

Cette tendre histoire d’apprentissage tourne autour d’un triangle amoureux entre trois lycéens à Taipei. Kerou, une fille garçon manqué, est sollicitée par sa meilleure amie Yuezhen pour l’aider à se rapprocher d’un garçon populaire, Shihao. Cependant, alors que Shihao commence à tomber pour Kerou, cette dernière est forcée de confronter ses propres sentiments confus et la prise de conscience de sa véritable identité. C’est une exploration douce et nuancée du désir adolescent et de la peur de grandir.

Réalisé par Yee Chin-yen, le film est une pierre angulaire de l’influence de la « Nouvelle Vague taïwanaise » sur le cinéma jeunesse. Il est célébré pour ses performances naturalistes, notamment celle de la jeune Gwei Lun-mei, et son traitement sensible des thèmes LGBTQ+. Évitant le mélodrame typique du genre, le film capture l’essence douce-amère d’un été marquant la fin de l’innocence enfantine et le début de la découverte de soi.

Beijing Bicycle (2001)

Guei, un migrant de 17 ans venant de la campagne, trouve un emploi de coursier à Pékin et se voit attribuer un vélo de montagne haut de gamme. Lorsque le vélo est volé, il passe des semaines à parcourir la ville, finissant par le retrouver en possession de Jian, un écolier local qui l’a acheté dans un marché aux puces pour impressionner une fille. Les deux garçons, issus de milieux sociaux très différents, entrent dans une lutte désespérée pour le vélo, qui représente la survie pour l’un et le statut pour l’autre.

Réalisé par Wang Xiaoshuai, le film a remporté le Grand Prix du Jury au Festival international du film de Berlin. Il est souvent comparé au classique néoréaliste italien Ladri di biciclette, mais avec une touche chinoise moderne qui met en lumière l’écart grandissant entre les pauvres ruraux et la classe moyenne urbaine. Bien qu’interdit initialement en Chine continentale pour avoir été projeté à l’étranger sans autorisation, il est désormais reconnu comme une œuvre essentielle de la Sixième Génération.

Plateforme (2000)

Le film suit une troupe théâtrale provinciale à Fenyang de la fin des années 1970 jusqu’aux années 1980. Alors que l’idéologie maoïste cède la place aux réformes économiques de Deng Xiaoping, la troupe passe de l’interprétation d’opéras révolutionnaires à la musique pop de style occidental. Les personnages traversent leur passage à l’âge adulte sur fond de changements sociaux radicaux, leurs rêves personnels et leurs chagrins reflétant la lente et souvent douloureuse modernisation de la nation.

Le chef-d’œuvre étendu de Jia Zhangke est considéré comme l’un des plus grands films du XXIe siècle. Il capture l’ère de la « transition » avec un détail inégalé, utilisant de longs plans-séquences et un son diégétique pour créer une impression d’histoire vécue. Le titre fait référence à la fois à un quai de gare, symbole du désir d’évasion, et à la scène sur laquelle les personnages jouent leur vie. C’est une œuvre essentielle pour comprendre les mutations psychologiques de la génération post-Révolution culturelle.

Les Démons à la porte (2000)

Durant la Seconde Guerre sino-japonaise, un soldat japonais et son interprète sont mystérieusement déposés au seuil d’un paysan nommé Ma Dasan dans un village reculé. Les villageois sont sommés de les garder prisonniers sous peine de graves conséquences, mais au fil des mois, alors que les « propriétaires » ne reviennent jamais les réclamer, un lien étrange se tisse entre les geôliers et les captifs. Cependant, l’absurdité et la cruauté inhérentes à la guerre conduisent finalement à un dénouement dévastateur et ironique.

Réalisé par Jiang Wen, cette comédie noire a remporté le Grand Prix à Cannes mais a été célèbrement interdite en Chine pour sa représentation « incorrecte » de l’histoire et son portrait de l’ignorance paysanne. Tourné en noir et blanc à fort contraste pour imiter les actualités des années 1940, le film est une critique féroce du cycle de la violence et de la nature déshumanisante du nationalisme. Il demeure l’un des films de guerre les plus provocateurs et stylistiquement uniques jamais réalisés en Chine.

Tigre et Dragon (2000)

Situé sous la dynastie Qing, l’histoire suit un épéiste légendaire, Li Mu Bai, qui confie son épée « Destinée Verte » à son amour secret, Yu Shu Lien. Lorsque l’épée est volée par une jeune noble mystérieuse et talentueuse, Jen Yu, une série de combats défiant la gravité et de poursuites romantiques se déploient aux confins de la Chine. Le récit explore la tension entre le devoir social et le désir de liberté personnelle, ainsi que le lourd fardeau des héritages anciens.

Réalisé par Ang Lee, ce chef-d’œuvre des arts martiaux est devenu un phénomène culturel mondial et a remporté quatre Oscars, dont celui du meilleur film en langue étrangère. Il est crédité d’avoir introduit le genre « wuxia » auprès du grand public occidental grâce à sa chorégraphie d’action poétique et sa profonde résonance émotionnelle. La cinématographie époustouflante du film et ses fondements philosophiques ont établi une nouvelle référence pour le genre, mêlant sensibilité d’auteur et sensations de blockbuster.

Xiao Wu (1997)

Xiao Wu est un petit pickpocket de la ville de Fenyang qui se retrouve de plus en plus aliéné à mesure que ses anciens complices deviennent des hommes d’affaires respectables. Alors que la police réprime la criminalité et que la ville subit une urbanisation rapide, Xiao Wu dérive à travers une série de liens ratés avec sa famille et une prostituée locale. Il demeure une figure « floue », incapable ou réticente à s’adapter à la nouvelle réalité capitaliste qui valorise le profit au détriment de la loyauté traditionnelle.

Ce fut les débuts de réalisateur de Jia Zhangke, tourné avec un budget modeste de 50 000 $ en 16 mm. Il est considéré comme l’œuvre fondatrice du mouvement indépendant de la « Sixième Génération », caractérisé par son réalisme brut et son focus sur les perdants marginalisés du boom économique. Le succès du film dans les festivals internationaux a ouvert la voie à la carrière de Jia et établi une nouvelle esthétique de cinéma d’observation qui continue d’influencer les cinéastes indépendants chinois aujourd’hui.

La Guerre de l’Opium (1997)

Cette épopée historique retrace les événements de la Première Guerre de l’Opium (1839–1842) entre l’Empire Qing et l’Empire britannique. Elle se concentre sur les efforts de Lin Zexu pour supprimer le commerce illégal de l’opium à Guangzhou et sur l’escalade militaire subséquente de la marine britannique. Le récit présente le conflit comme un affrontement entre une civilisation ancienne en déclin et une puissance coloniale montante, technologiquement supérieure, menant au « Siècle de l’Humiliation ».

Réalisé par Xie Jin, le cinéaste le plus éminent de la « Troisième Génération », le film a été produit avec un fort soutien étatique pour coïncider avec la rétrocession de Hong Kong en 1997. Avec un budget de 15 millions de dollars, il fut la production chinoise la plus coûteuse de l’époque. Bien qu’il porte un message nationaliste fort, il est reconnu pour ses valeurs de production élevées et sa tentative de fournir un récit historique détaillé, quoique partial, des origines de la politique étrangère de la Chine moderne.

East Palace, West Palace (1996)

Se déroulant sur une seule nuit dans un poste de police de Pékin, le film suit l’interrogatoire d’A-Lan, un jeune écrivain gay arrêté dans un parc près de la Cité Interdite. Tandis que l’officier, Xiao Shi, l’interroge, A-Lan raconte son histoire de vie et ses expériences au sein de la culture souterraine du « cruising ». La dynamique de pouvoir entre les deux hommes évolue alors qu’ils s’engagent dans un jeu psychologique d’attraction et de répulsion, révélant les désirs refoulés de l’officier lui-même.

Réalisé par Zhang Yuan, ce fut le premier film chinois continental à traiter ouvertement de l’homosexualité. En raison de son sujet sensible, le film a été tourné clandestinement et le négatif a dû être fait sortir de Chine en contrebande pour le montage. Il constitue une œuvre emblématique de la Sixième Génération, utilisant un cadre claustrophobe pour critiquer l’intrusion de l’État dans la vie privée et la nature performative de l’autorité. Il demeure un document essentiel de l’histoire LGBTQ+ en Chine.

Le Facteur (1995)

Xiao Wu est un facteur discret et effacé à Pékin qui commence une habitude transgressive : intercepter et lire les lettres qu’il est censé distribuer. À travers ces regards volés sur la vie privée d’inconnus, il devient un « dieu » voyeuriste, intervenant finalement dans leurs affaires pour manipuler leurs issues. Cependant, son obsession pour les secrets des autres conduit peu à peu à la rupture de sa propre santé mentale et de son fragile lien avec la réalité.

Réalisé par He Jianjun, le film est une œuvre emblématique de la Sixième Génération, reconnue pour son style minimaliste et son focus sur l’aliénation urbaine. Il offre une image moderne et austère de la Chine, en fort contraste avec les épopées historiques de la Cinquième Génération. Le film a été salué en Occident pour ses thèmes transgressifs de voyeurisme et d’infidélité, servant d’étude psychologique sur la solitude qui hante les habitants d’une métropole en pleine croissance et impersonnelle.

Vivre ! (1994)

Adapté du roman de Yu Hua, le film retrace la vie de Fugui, un homme riche qui perd la fortune familiale au jeu et est contraint de se réinventer en marionnettiste d’ombres. Sur quatre décennies, Fugui et son épouse Jiazhen traversent la guerre sino-japonaise, la guerre civile, le Grand Bond en avant et la Révolution culturelle. Malgré des pertes personnelles déchirantes, la famille trouve la force de continuer à vivre, leur survie témoignant de la résilience de l’esprit humain.

Réalisé par Zhang Yimou, le film a remporté le Grand Prix à Cannes mais a été interdit en Chine en raison de sa représentation critique des politiques du Parti communiste. Il est considéré comme l’un des drames historiques les plus émouvants du cinéma mondial, reconnu pour sa cinématographie luxuriante et les performances puissantes de Ge You et Gong Li. Le film transforme une tragédie nationale spécifique en une méditation universelle sur la persévérance et l’acte simple et profond de survivre à travers la dévastation historique.

Adieu ma concubine (1993)

Ce drame historique épique suit deux stars de l’opéra de Pékin, Cheng Dieyi et Duan Xiaolou, sur cinquante ans d’amitié et de rivalité. Dieyi, spécialisé dans les rôles féminins, lutte pour distinguer son identité scénique de la réalité, nourrissant un amour profond et non partagé pour Xiaolou. Leurs vies sont déchirées par l’occupation japonaise, la victoire communiste et les purges brutales de la Révolution culturelle, qui les contraignent à se trahir mutuellement pour survivre.

Réalisé par Chen Kaige, ce fut le premier film en langue chinoise à remporter la Palme d’Or à Cannes. C’est un chef-d’œuvre de la Cinquième Génération, célébré pour son design de production somptueux et son exploration audacieuse de l’homosexualité et de l’identité de genre dans une culture traditionnelle. Malgré une censure importante et des interdictions temporaires en Chine, il est désormais reconnu comme l’un des plus grands films jamais réalisés, servant d’allégorie puissante pour l’âme de la Chine au XXe siècle.

Les Jours (1993)

Tourné en noir et blanc austère, le film suit Dong et Chun, un jeune couple d’artistes à Pékin qui lutte contre la pauvreté et la stagnation artistique. Alors qu’ils dérivent à travers leurs routines quotidiennes banales, le silence entre eux grandit, et leur relation commence à se désintégrer sous le poids de leurs attentes non satisfaites. C’est un portrait claustrophobe et intime de la classe « intellectuelle » se sentant perdue et abandonnée à la suite des bouleversements politiques de la fin des années 1980.

Réalisé par Wang Xiaoshuai avec un budget de moins de 10 000 dollars, ce fut l’un des premiers films véritablement indépendants « underground » réalisés en dehors du système des studios d’État. À sa sortie, il fut mis sur liste noire par le Bureau du cinéma chinois, qui interdit ensuite à Wang de faire des films pendant plusieurs années. Cependant, il gagna un immense respect critique à l’international, la BBC le nommant parmi les 100 meilleurs films de tous les temps. C’est une œuvre fondamentale qui a défini l’esthétique du désespoir urbain de la Sixième Génération.

L’Histoire de Qiu Ju (1992)

Lorsqu’un chef de village donne un coup de pied dans l’aine à son mari lors d’un différend, une paysanne enceinte nommée Qiu Ju refuse d’accepter un simple dédommagement en argent. Déterminée à obtenir des excuses formelles, elle entreprend une odyssée bureaucratique, voyageant de son village local à la ville du district puis enfin à la grande ville. Sa quête obstinée de justice met en lumière les complexités du système juridique et le conflit entre les codes traditionnels du village et la loi chinoise moderne.

Réalisé par Zhang Yimou et avec Gong Li, le film a remporté le Lion d’or au Festival de Venise. Il est reconnu pour son approche « néo-réaliste », utilisant des caméras cachées et des acteurs non professionnels pour capturer la texture de la vie quotidienne dans la Chine rurale. Ce film marque un tournant pour Zhang, s’éloignant de ses mélodrames stylisés antérieurs pour offrir un regard plus ancré et humoristique sur la persistance de l’individu face à la machine impersonnelle de l’État.

Épouses et Concubines (1991)

Dans les années 1920, une jeune étudiante universitaire nommée Songlian est contrainte au mariage en tant que quatrième épouse d’un riche maître. Elle entre dans un monde de traditions rigides où l’allumage d’une lanterne rouge signifie quelle épouse le maître visitera chaque nuit. Songlian est rapidement entraînée dans une compétition acharnée avec les autres épouses pour obtenir la faveur du maître, un jeu de manipulation et de trahison qui mène finalement à la folie et à la mort au sein des murs gris du domaine familial.

Ce chef-d’œuvre visuel de Zhang Yimou est célèbre pour son utilisation époustouflante de la couleur et son cadrage symétrique, créant à la fois un sentiment de luxe et d’emprisonnement. Le film a été nommé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère et reste l’une des œuvres les plus célébrées de la Cinquième Génération. Bien qu’il ait été initialement interdit en Chine pour sa critique allégorique perçue de l’autoritarisme, il est désormais considéré comme une étude intemporelle du pouvoir destructeur du patriarcat.

Ju Dou (1990)

Situé dans la Chine rurale des années 1920, le film raconte l’histoire tragique de Ju Dou, une belle jeune femme vendue comme épouse à un cruel et âgé teinturier de soie, Jinshan. Incapable de supporter les abus de Jinshan, elle entame une liaison interdite avec son neveu adopté, Tianqing. Ils conçoivent un enfant en secret, mais leur tentative de trouver le bonheur dans les limites de la maison du teinturier est contrecarrée par les tabous sociaux et l’héritage vengeur du patriarche, menant à une conclusion violente et inévitable.

Réalisé par Zhang Yimou et Yang Fengliang, le film fut la première production chinoise jamais nominée pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Il est renommé pour son utilisation vibrante du Technicolor, en particulier les rivières de soie teinte qui servent de métaphore visuelle pour les passions et le sang des personnages. Comme beaucoup des premiers travaux de Zhang, il fit face à une longue interdiction dans son pays d’origine mais fut salué internationalement comme une critique puissante de la morale féodale et de l’oppression des femmes.

Le Sorgho Rouge (1988)

L’histoire suit une jeune femme, Jiu’er, envoyée pour épouser le propriétaire lépreux d’une distillerie de vin de sorgho. Après la mort mystérieuse de son mari, elle prend le contrôle de l’entreprise, tombant finalement amoureuse de l’un de ses ouvriers. Leur vie est heureuse et prospère jusqu’à l’invasion brutale de l’armée japonaise, qui transforme leur paisible distillerie en un lieu de résistance et de sacrifice tragique. Le récit est conté avec une qualité mythique et légendaire.

Ce fut les débuts de Zhang Yimou en tant que réalisateur et le rôle révélateur de Gong Li, remportant l’Ours d’or au Festival international du film de Berlin. Il marqua un tournant dans le cinéma chinois, s’éloignant du didactisme du passé vers un style « somptueux » et sensoriel. Le film est célébré pour son énergie brute, sa célébration de la vitalité paysanne, et son utilisation iconique de la couleur rouge, établissant la Cinquième Génération comme une force dominante du cinéma mondial.

L’Incident du Canon Noir (1985)

Zhao Shuxin, un ingénieur au tempérament doux, découvre qu’il a perdu une pièce d’échecs « canon noir » lors d’un voyage d’affaires. Il envoie un télégramme cryptique à son hôtel : « Canon noir manquant. Chambre 301. Recherche en cours. » Les autorités interprètent cela comme un message codé d’espionnage, menant à une enquête secrète qui fait dérailler la carrière de Zhao et retarde un projet industriel crucial. Le film est une satire acerbe de la paranoïa, de la bureaucratie et de l’anti-intellectualisme qui persistaient dans la Chine post-Mao.

Réalisé par Huang Jianxin, le film se distingue au sein de la Cinquième Génération par son focus sur la vie urbaine et son utilisation de styles visuels « expressionnistes allemands ». Il utilise une palette de couleurs stérile et froide ainsi que des décors exagérés pour souligner l’absurdité de la suspicion étatique. Le film est d’une grande importance pour sa critique courageuse de la tendance du Parti à privilégier la pureté idéologique au détriment de l’expertise professionnelle, en faisant l’une des satires politiques les plus efficaces de l’histoire chinoise.

Yellow Earth (1984)

Situé en 1939, un soldat communiste se rend dans un village isolé du plateau de Loess pour collecter des chansons folkloriques destinées à la révolution. Il séjourne chez une famille paysanne dont la fille, Cuiqiao, est inspirée par ses récits de libération féminine dans l’Armée rouge. Lorsqu’elle est contrainte à un mariage arrangé avec un homme plus âgé, Cuiqiao tente une fuite désespérée à travers le fleuve Jaune pour rejoindre la révolution, cherchant une liberté que cette terre ancienne et aride semble lui refuser.

Réalisé par Chen Kaige avec la photographie de Zhang Yimou, ce film est considéré comme le « manifeste » de la Cinquième Génération. Il s’est affranchi du réalisme socialiste traditionnel en utilisant des images frappantes et minimalistes ainsi que de longs silences au lieu d’un dialogue didactique. Il a suscité un débat intense en Chine pour sa représentation ambiguë de la capacité du Parti à transformer la vie paysanne et est aujourd’hui classé parmi les films chinois les plus importants jamais réalisés pour son esthétique révolutionnaire.

One and Eight (1983)

Au cœur de la Seconde guerre sino-japonaise, un officier communiste est faussement accusé de trahison et emprisonné avec huit criminels ordinaires, dont des bandits et des déserteurs. Alors qu’ils sont transportés à travers un paysage ravagé par la guerre, la dignité inébranlable de l’officier et son engagement envers la cause gagnent peu à peu les « méchants ». Dans une bataille finale et désespérée contre les Japonais, le groupe trouve une chance de rédemption par le sacrifice collectif.

Réalisé par Zhang Junzhao, ce film est reconnu comme le premier véritable produit de la « Cinquième Génération » de cinéastes. Il se distingue par sa photographie rugueuse et son accent sur la psychologie individuelle plutôt que sur une simple propagande. En mettant l’accent sur l’humanisme et les luttes internes de ses personnages, le film marque une rupture significative avec les récits rigides de la Révolution culturelle, préparant le terrain pour l’explosion créative du cinéma chinois dans les années 1980.

Breaking With Old Ideas (1975)

Situé durant le Grand Bond en avant de 1958, l’histoire suit Long Guozheng, un fonctionnaire communiste envoyé pour diriger une nouvelle université agricole dans le Jiangxi. Il entre en conflit avec le corps professoral « capitaliste » qui souhaite maintenir des standards académiques élitistes. Long initie des réformes radicales, telles que tenir les cours dans les champs et admettre des paysans non instruits sur la base de leurs « mains calleuses » plutôt que de leurs résultats aux examens. Le film culmine en une victoire triomphante des masses sur l’élite intellectuelle.

Réalisé par Li Wenhua, c’est un film emblématique de la « Révolution culturelle », produit sous des directives politiques strictes pour promouvoir la philosophie éducative maoïste. Il constitue un document historique fascinant illustrant l’extrême anti-intellectualisme de l’époque et la glorification du travail manuel. Bien qu’aujourd’hui il soit perçu comme une propagande lourde, il reste essentiel pour comprendre l’atmosphère idéologique qui a failli détruire l’industrie cinématographique chinoise avant les années 1980.

Le Détachement rouge des femmes (1970)

Wu Qinghua est une paysanne qui s’échappe d’un propriétaire terrien cruel sur l’île de Hainan dans les années 1930. Elle rejoint une unité entièrement féminine de l’Armée rouge et, sous la direction d’un commissaire masculin, se transforme d’une fugitive vengeresse en une soldate révolutionnaire disciplinée. Le film est un enregistrement cinématographique du ballet du même nom, présentant des combats stylisés et des performances dramatiques qui glorifient la lutte du prolétariat.

Ce film fait partie des huit « Œuvres modèles révolutionnaires » (Yangbanxi) qui furent les seules productions théâtrales autorisées durant l’apogée de la Révolution culturelle. Il représente le summum du contrôle « esthétique » maoïste, où chaque geste et chaque angle de caméra étaient dictés par la théorie politique. Malgré sa rigidité, le film est reconnu pour sa haute qualité technique et son impact durable sur la culture populaire chinoise, servant de représentation visuelle définitive du zèle révolutionnaire de l’époque.

Les Cinq Fleurs d’or (1959)

Durant le Grand Bond en avant, un jeune homme nommé Ah Peng rencontre une fille nommée Jin Hua (Fleur d’or) lors d’un festival dans le Yunnan et ils tombent amoureux. Un an plus tard, il revient pour la retrouver, mais découvre qu’il y a cinq filles dans le village portant le nom de Jin Hua. Le film suit sa recherche humoristique et pleine de quiproquos à travers divers sites de travail socialistes — barrages, aciéries et coopératives — alors qu’il tente d’identifier sa véritable bien-aimée parmi les « fleurs » travailleuses.

Réalisée par Wang Jiayi, cette comédie musicale est un rare exemple de film « charmant » issu d’une époque hautement politique. Elle fut produite pour célébrer les succès de la collectivisation agricole, mais est aujourd’hui surtout mémorable pour ses beaux paysages et sa bande sonore populaire. Pendant la Révolution culturelle, elle fut interdite pour être trop « romantique » et manquer de souffrance révolutionnaire, mais elle fut ensuite restaurée et est désormais considérée comme un classique du cinéma chinois des années 1950.

La Comédie inachevée (1957)

Le film met en scène deux comédiens qui jouent une série de sketches pour un censeur surnommé « Le Massue ». Le censeur est dépeint comme littéralement aveugle et sourd, mais il exerce un pouvoir absolu sur ce que le public est autorisé à voir, rejetant ivre tout ce qu’il trouve à peine drôle ou réaliste. Le film est une satire autoréflexive qui se moque des autorités mêmes qui étouffaient la créativité des cinéastes chinois à l’époque.

Réalisé par Lu Ban, ce film est l’une des victimes les plus célèbres du « Mouvement anti-droitiers ». Il fut interdit avant sa sortie, et Lu Ban fut interdit de faire des films pour le reste de sa vie. Les responsables du Parti communiste le qualifièrent de « mauvaise herbe dangereuse » et « antisocialiste ». Aujourd’hui, il est considéré comme un chef-d’œuvre courageux et tragique de satire politique, offrant une fenêtre unique sur la brève période d’ouverture relative avant la censure totale de la Révolution culturelle.

La Vie de Wu Xun (1950)

Ce film biographique raconte la véritable histoire de Wu Xun, un mendiant du XIXe siècle qui a consacré sa vie à collecter des pièces pour fonder des écoles gratuites destinées aux enfants pauvres. Le film le dépeint comme une figure quasi-sainte dont le dévouement à l’éducation offre un chemin d’espoir pour les démunis. Il fut initialement accueilli avec beaucoup d’éloges en tant qu’histoire de dévotion désintéressée envers le peuple.

Cependant, peu après sa sortie, Mao Zedong lança personnellement une attaque virulente contre le film dans le People’s Daily, qualifiant Wu Xun de « réactionnaire » qui servait le système féodal au lieu de le renverser. Cela déclencha la première grande campagne idéologique dans l’industrie cinématographique chinoise, conduisant à l’interdiction du film pendant plus de 30 ans. Sa restauration en 1986 marqua un moment important dans la libéralisation de l’histoire du cinéma chinois, redonnant vie à un classique « humaniste » perdu.

Corbeaux et Moineaux (1949)

Situé dans un immeuble d’appartements de Shanghai durant les derniers jours du gouvernement nationaliste, l’histoire suit un groupe de locataires divers menacés d’expulsion par un fonctionnaire corrompu. Les « moineaux » (les locataires) doivent surmonter leurs différences et s’unir pour protéger leurs foyers contre le « corbeau » (le fonctionnaire). Le film saisit le chaos, l’hyperinflation et la décadence sociale d’une ville au bord d’une transition politique majeure.

Réalisé par Zheng Junli et produit par le studio de gauche Kunlun, le film fut tourné clandestinement alors que l’armée communiste approchait de la ville. Il constitue un jalon de l’allégorie politique, utilisant l’immeuble comme microcosme de la société chinoise. Remarquable pour ses performances incisives et sa critique de la corruption nationaliste, il fut diffusé juste après la victoire communiste et demeure l’un des témoignages les plus importants de la fin de l’ère de la « Vieille Chine ».

Printemps dans une Petite Ville (1948)

Dans un domaine familial en ruines après la guerre, une femme nommée Yuwen mène une vie stagnante avec son mari malade. Leur existence paisible est bouleversée par l’arrivée d’un vieil ami d’école de son mari, qui fut aussi le premier amour de Yuwen. Pendant plusieurs jours, les trois personnages naviguent dans une toile délicate et douloureuse de désirs refoulés, de devoir et de regrets au milieu des murs qui s’effondrent de leur maison. C’est un drame profondément intérieur et poétique.

Réalisé par Fei Mu, ce film est largement considéré comme le plus grand film chinois jamais réalisé. À sa sortie, il fut critiqué tant par la gauche que par la droite pour son absence d’engagement politique « évident », se concentrant entièrement sur les émotions humaines intimes. Cependant, il fut redécouvert dans les années 1980 et est désormais salué pour son usage innovant des plans longs et sa compassion profonde. Il constitue un texte fondamental du cinéma mondial, explorant les « ruines » de l’âme humaine.

Le Fleuve de printemps coule vers l’est (1947)

Cette épopée de trois heures suit un jeune couple, Sufen et Zhongliang, séparés par la Seconde Guerre sino-japonaise. Tandis que Sufen reste à Shanghai pour s’occuper de leur famille dans la pauvreté, Zhongliang déménage dans la capitale de guerre Chongqing, où il finit par abandonner ses idéaux et sa femme pour épouser une famille riche et corrompue. Leur réunion finale après la guerre sert de réquisitoire dévastateur contre la décadence morale de la classe dirigeante.

Réalisé par Cai Chusheng et Zheng Junli, le film est souvent qualifié de « Autant en emporte le vent chinois ». Ce fut un immense succès commercial, touchant un public qui venait de subir des années de guerre et de déplacements. Le film est une pierre angulaire du réalisme chinois, mêlant un récit historique vaste à un mélodrame profondément personnel. Il demeure l’un des films les plus importants de l’histoire du cinéma chinois pour sa puissante critique sociale et son ampleur épique.

Vive Madame ! (1947)

Le film est une « comédie de mœurs » sophistiquée qui suit la vie d’une femme au foyer astucieuse de Shanghai alors qu’elle navigue parmi les excentricités de son mari, sa famille exigeante et ses propres ambitions sociales. À travers une série de malentendus et de stratagèmes domestiques, le récit offre un regard spirituel et souvent mordant sur les rôles des femmes dans la société chinoise bourgeoise de l’après-guerre. Il se concentre sur « l’art » d’être épouse dans un monde patriarcal.

Avec un scénario de la légendaire écrivaine Eileen Chang et réalisé par Sang Hu, le film est considéré comme la meilleure comédie chinoise des années 1940. Ce fut un grand succès car il rompait avec les drames politiques lourds de l’époque pour offrir un regard mélodramatique, humoristique et accessible sur la vie domestique. Les critiques le louent pour ses dialogues incisifs et sa représentation à la fois empathique et sans sentimentalisme de la résilience féminine, en faisant un point culminant unique de l’âge d’or cinématographique de Shanghai.

Mulan s’engage dans l’armée (1939)

Cette version musicale de la légende de Hua Mulan raconte l’histoire d’une jeune femme courageuse qui se déguise en homme pour prendre la place de son père âgé dans l’armée impériale. Elle mène ses compagnons soldats à la victoire contre des nomades envahisseurs, tout en gardant son secret. Le film met l’accent sur la piété filiale de Mulan et son intelligence tactique, se concluant par son retour triomphal auprès de sa famille et la révélation de sa véritable identité.

Réalisé par Richard Poh pendant l’occupation japonaise de Shanghai, le film fut un immense succès de « Défense nationale », projeté pendant 85 jours consécutifs. Bien qu’apparemment centré sur une guerre ancienne, le public y voyait facilement une allégorie de la résistance contemporaine contre le Japon. Le succès du film transforma l’actrice principale Chen Yunshang en superstar et est reconnu pour son habile utilisation du récit historique afin de contourner la censure japonaise et renforcer le moral national.

Song at Midnight (1937)

Un jeune acteur d’une troupe itinérante rencontre un homme défiguré vivant dans les combles d’un opéra en ruine. Cette figure mystérieuse est Song Danping, un ancien révolutionnaire et star de l’opéra qui a été aspergé d’acide par ses ennemis politiques. Song devient le mentor du jeune acteur pour jouer ses rôles et l’aider à retrouver son amour perdu. Le film est un mélange gothique et atmosphérique d’horreur et de ferveur révolutionnaire, fortement inspiré par Le Fantôme de l’Opéra.

Réalisé par Ma-Xu Weibang, ce film est largement considéré comme le premier véritable film d’horreur chinois. Il est significatif par la manière dont il utilise le genre de l’horreur pour dissimuler un message politique « de gauche », le protagoniste défiguré représentant l’état meurtri de la nation sous la domination coloniale et l’oppression intérieure. Les images hantées du film et ses thèmes d’amour non partagé et de sacrifice politique en font une œuvre phare du cinéma des années 1930, influençant le développement du genre en Asie de l’Est.

Crossroads (1937)

L’histoire suit quatre diplômés universitaires à Shanghai qui peinent à trouver du travail durant la Grande Dépression. Vivant dans un appartement exigu, ils affrontent le chômage, la pauvreté et des romances éphémères. Le récit se concentre sur Zhao, qui tombe amoureux d’une fille habitant dans la chambre voisine, sans savoir qu’elle est la même personne avec laquelle il se dispute à son emploi temporaire. Malgré leurs difficultés, les amis gardent un sens de l’humour et une conscience politique naissante.

Réalisé par Shen Xiling, ce film est un classique du mouvement cinématographique « de gauche », reconnu pour son mélange réussi de comédie légère et de commentaire social sérieux. Il capture l’incertitude de la jeunesse à la fin des années 1930, confrontée à la fois à la ruine économique et à la menace imminente d’une guerre avec le Japon. La fin optimiste du film, où les amis marchent vers un avenir meilleur, servait d’appel à l’unité nationale et demeure une œuvre clé de la seconde âge d’or de Shanghai.

Street Angels (1937)

Situé dans les bidonvilles de Shanghai, le film suit un groupe d’individus marginalisés : un joueur de trompette, une chanteuse de maison de thé, un colporteur de journaux et une prostituée. L’intrigue se concentre sur la tentative du joueur de trompette de sauver la jeune chanteuse d’être vendue à un homme riche. L’histoire est un mélange de mélodrame romantique, de comédie et de tragédie, illustrant les luttes quotidiennes du « prolétariat opprimé » dans une ville moderne qui les a abandonnés.

Réalisé par Yuan Muzhi, le film est considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma chinois de gauche. Il est célèbre pour avoir lancé la carrière de Zhou Xuan, la « Voix d’Or » de la Chine, et comporte deux chansons qui restent des classiques culturels légendaires. Le film est salué pour son design sonore inventif et sa représentation réaliste de la pauvreté urbaine, en faisant un document social essentiel de Shanghai dans les années 1930 et l’un des films les plus aimés de l’histoire chinoise.

Nouvelles Femmes (1935)

L’histoire suit Wei Ming, une femme instruite et professeure de musique qui lutte pour vivre une vie indépendante à Shanghai. Confrontée au harcèlement sexuel, aux difficultés économiques et à la maladie de sa fille, elle est finalement poussée au suicide par les ragots incessants d’une presse à scandale. Le film est une critique féroce de la société patriarcale qui exigeait que les femmes soient « nouvelles » et modernes, tout en les punissant lorsqu’elles tentaient de vivre en dehors du contrôle traditionnel masculin.

Réalisé par Cai Chusheng et mettant en vedette Ruan Lingyu, le film est devenu un classique instantané après le suicide réel de Ruan quelques mois seulement après sa sortie. Basé sur la vie de l’actrice Ai Xia, il a servi d’enquête féministe puissante sur le statut des femmes en Chine. Les scènes finales du film, où Wei Ming crie « Je veux vivre ! », sont parmi les plus poignantes du cinéma primitif, cimentant l’archétype de la « Nouvelle Femme » comme une figure tragique mais essentielle de la modernisation chinoise.

La Grande Route (1934)

Un groupe de jeunes hommes et femmes pleins d’entrain travaillent ensemble à la construction d’une autoroute cruciale pour la défense nationale contre un « envahisseur » non nommé. Au milieu d’un travail harassant, ils tissent des liens profonds d’amitié et de romance. Cependant, leur travail est menacé par des traîtres et l’ombre imminente de la guerre. Le film culmine dans un sacrifice héroïque, où les ouvriers du chantier prouvent que leur travail est aussi vital pour la survie du pays que le service de n’importe quel soldat.

Réalisé par Sun Yu, ce film muet (avec une bande sonore synchronisée) est une œuvre clé du « Cinéma de la Défense Nationale ». Il est reconnu pour sa célébration du physique masculin et sa manière « charmante et élégante » de transmettre un sentiment anti-japonais sans nommer directement l’ennemi. L’accent mis par le film sur l’effort collectif et le prolétariat en a fait un favori des critiques de gauche, et il reste célébré pour son énergie vibrante et son utilisation pionnière du son et du chant.

La Déesse (1934)

Une jeune femme sans nom à Shanghai mène une double vie : mère dévouée le jour et prostituée la nuit. Elle endure l’exploitation d’un truand local et la stigmatisation sociale liée à sa profession, tout cela pour que son fils puisse recevoir une éducation et avoir un avenir meilleur. Son parcours tragique explore la profondeur du sacrifice maternel et l’indifférence froide d’une société qui n’offre aucune pitié à ceux contraints de vivre en marge.

Réalisé par Wu Yonggang, le film met en vedette Ruan Lingyu dans sa performance la plus emblématique. Il est salué comme un sommet du cinéma muet pour son jeu d’acteur subtil et sa narration visuelle sophistiquée. Contrairement à beaucoup d’autres films de l’époque, il évite d’être trop didactique, se concentrant plutôt sur la dignité humaine de son protagoniste. Il a été reconnu comme l’un des 100 meilleurs films de Chine, servant d’accusation intemporelle de l’hypocrisie sociale et du manque de protections pour les vulnérables.

Pillage de Pêche et Prune (1934)

Deux diplômés universitaires idéalistes, Tao et Li, se marient et jurent d’utiliser leur éducation pour servir la société avec intégrité. Cependant, ils sont rapidement écrasés par la corruption et la cupidité du monde des affaires. Tao perd son emploi pour avoir refusé de participer à des pots-de-vin, et le couple sombre dans la pauvreté. Leur chute tragique sert d’avertissement : dans une culture corrompue, même les individus les plus talentueux et vertueux peuvent se voir dérobés leur avenir.

Réalisé par Ying Yunwei et écrit par l’acteur principal Yuan Muzhi, ce fut l’un des premiers films sonores à succès en Chine. Il a été produit par la compagnie de gauche Diantong et est devenu un grand succès grâce à sa représentation réaliste des luttes de la jeunesse éduquée. Le message clair du film sur l’incompatibilité entre l’éthique personnelle et la corruption systémique a profondément résonné dans les années 1930, en faisant une œuvre phare du cinéma à conscience sociale.

Jouets (1933)

Une vieille fabricante de jouets et sa fille, ayant tout perdu en ville, déménagent dans un village rural pour continuer à fabriquer des jouets traditionnels à la main. Elles exhortent les habitants à résister à l’afflux de concurrents internationaux bon marché et produits en masse, et à préserver leur artisanat traditionnel. L’histoire suit leur lutte à travers le déplacement, la guerre et la perte familiale, illustrant leur engagement envers les jouets traditionnels comme un acte vital de préservation nationale.

Réalisé par Sun Yu et mettant en vedette Ruan Lingyu, le film est un mélodrame marxiste patriotique qui saisit l’angoisse de la Chine face à l’urbanisation rapide et à l’influence impérialiste étrangère. Produit par la compagnie de gauche Lianhua, il est considéré comme l’un des films chinois les plus efficaces du XXe siècle. L’interprétation par Ruan Lingyu de l’archétype de la « Nouvelle Femme » — définie ici par l’ingéniosité et la détermination nationaliste — a contribué à établir le film comme une œuvre intemporelle d’une grande importance sociale.

Springtime Silkworms (1933)

Old Tong Bao est le patriarche d’une famille d’éleveurs de vers à soie qui fait face à la ruine économique. Malgré son travail acharné et l’attachement de sa famille aux rituels traditionnels, leur récolte est sabotée par l’effondrement du marché international de la soie et les pressions du capitalisme moderne. Le film documente méticuleusement le processus épuisant de l’élevage des vers à soie, pour montrer comment les efforts des paysans sont rendus vains par des forces bien au-delà de leur contrôle.

Réalisé par Cheng Bugao et adapté d’un roman de Mao Dun, le film est l’un des premiers exemples du mouvement de gauche dans le cinéma chinois. Il est remarquable pour sa représentation réaliste, presque documentaire, de la vie rurale et sa critique des fluctuations du marché mondial qui détruisent la vie des paysans innocents. Le film expose habilement la tragédie d’une famille prise entre ses superstitions traditionnelles et un monde économique moderne indifférent.