Las películas chinas se producen en tres áreas principales del cine en lengua china: China continental, Hong Kong y Taiwán. La historia del cine chino presenta numerosas películas imprescindibles y obras maestras. El cine llegó por primera vez a China en 1896, y la primera película china, «Dingjun Mountain», se realizó en 1905. En los primeros años, el mercado cinematográfico se centraba principalmente en Shanghái. La década de 1920 vio un aumento significativo en las películas comerciales y producciones de pequeños estudios, particularmente en el género de acción wuxia.
La primera película sonora china, *Sing-Song Girl Red Peony*, se produjo en 1931 y utilizó la innovadora tecnología de sonido en disco. Los años 30 son reconocidos como la primera edad de oro del cine chino, marcada por un auge en la actividad cinematográfica de izquierda. El conflicto entre nacionalistas y comunistas era evidente en las películas creadas durante este período. Tras la invasión japonesa de China y la ocupación de Shanghái, la industria cinematográfica de la ciudad sufrió importantes interrupciones, lo que llevó a muchos cineastas a trasladarse a Hong Kong, Chongqing (anteriormente Chungking) y otros lugares.
Princess Iron Fan (1941), la primera película animada china, se estrenó al final de este período. Influyó en la animación japonesa de guerra y posteriormente en Osamu Tezuka. Después de estar totalmente bloqueada por la guerra en 1941, hasta el final del conflicto en 1945, la industria cinematográfica de la ciudad de Shanghái estuvo bajo control japonés.
Películas chinas después de la guerra
Después de la guerra, comenzó una segunda era dorada del cine chino, con la producción regresando a Shanghái. La película *Spring in a Small Town* (1948) recibió el título de Mejor Película en Lengua China en la 24ª edición de los Premios de Cine de Hong Kong. Sin embargo, tras la toma comunista en 1949, muchas películas estrenadas y algunas películas internacionales fueron prohibidas en 1951 debido a estrictas leyes de censura en China. A pesar de esto, la producción cinematográfica china aumentó dramáticamente durante ese período. Durante la Revolución Cultural, sin embargo, la industria cinematográfica enfrentó severas restricciones y estuvo casi paralizada desde 1967 hasta 1972. Tras el fin de la Revolución Cultural, el mercado prosperó, produciendo notables películas dramáticas en los años 80, como *Evening Rain* (1980), *Legend of Tianyun Mountain* (1980) y *Hibiscus Town* (1986). Estas películas reflejan las cicatrices psicológicas dejadas por ese turbulento período.
Películas chinas de la Quinta Generación
A partir de mediados y finales de los años 80, con películas como One and Eight (1983) y Yellow Earth (1984), la llegada de nuevos cineastas chinos que recibieron el nombre de «Quinta Generación» aumentó el interés por el cine chino en el extranjero, particularmente entre los mercados occidentales de cine de autor. Películas como Red Sorghum (1987), The Story of Qiu Ju (1992) y Farewell My Concubine (1993) lograron un gran reconocimiento mundial. El negocio se vio parcialmente interrumpido tras las manifestaciones de la Plaza Tiananmen de 1989. El período posterior a 1990 vio el surgimiento de la sexta generación y también de la possexta generación, ambas realizando películas autónomas fuera del principal sistema cinematográfico de China, que circulaban principalmente en el circuito internacional de festivales de cine.
Con el éxito industrial global de películas como Tigre y dragón (2000) y Héroe (2002), la variedad de coproducciones en los cines de habla china ha mejorado, y también ha habido actividad del cine en lengua china directamente en el mercado global. Después de que películas chinas como La fábrica de sueños (1997) demostraran la viabilidad de un gran éxito comercial, las películas chinas explotaron en la taquilla, y a enero de 2017, 5 de las 10 películas con mayores ingresos en China son producciones chinas. Shed in Thailand (2012) fue la primera película china en alcanzar ¥1 mil millones RMB en la taquilla china. Beast Hunt (2015) fue la primera en alcanzar ¥2 mil millones RMB. La sirenita (2016) fue la primera en alcanzar ¥3 mil millones RMB. Wolf Warrior 2 (2017) las superó para convertirse en la película con mayores ingresos en China.
China alberga la mayor instalación de producción cinematográfica del mundo, Oriental Movie Metropolis y Hengdian World Studios, y en 2010 tenía el tercer mercado cinematográfico más grande de películas de largometraje creadas cada año. En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado mundial más grande en ventas de entradas. En 2016, las ventas de entradas en China totalizaron RMB ¥45.71 mil millones (6.58 mil millones de dólares). El país tiene la mayor variedad de pantallas a nivel mundial desde 2016 y se espera que se convierta en el mercado organizado más grande para 2019. China también se ha convertido en un importante centro de servicios para los laboratorios de Hollywood.
En noviembre de 2016, China aprobó una legislación cinematográfica que prohíbe contenido considerado perjudicial para el «respeto propio, honor y sentimientos» de la RPC, así como promueve la promoción de los «valores fundamentales socialistas». Según las directrices de la industria, las películas pueden permanecer en los cines durante un mes. Las compañías de producción pueden acudir a los reguladores para ampliar esta restricción.
En los últimos años, el público chino ha disfrutado considerablemente de las películas producidas localmente en lengua china. Los valores de producción en las películas chinas han aumentado. Son grandes éxitos chinos que los cineastas chinos están haciendo y que la gente quiere ver, además de sentirse mucho menos involucrada con las películas hechas en Hollywood. Los altos ingresos en taquilla de películas chinas de 2021 como «Hola, mamá» y también «La batalla en el lago Changjin» demostraron efectivamente que el mercado local de películas chinas ha alcanzado la independencia y no requiere la atracción del mercado objetivo global para generar ingresos importantes. Las actuales películas patrióticas chinas son en realidad películas de propaganda. La mayoría de los actuales grandes éxitos chinos son similares a aquellas películas de Hollywood que muestran a Estados Unidos como un país que defiende al planeta de desastres globales.
Primeras películas chinas
El cine fue introducido en China en 1896. China fue solo una de las primeras naciones en descubrir el medio cinematográfico después de que Louis Lumière enviara a su camarógrafo a Shanghái un año después de desarrollar la cinematografía. La primera prueba grabada en video de una película en China ocurrió en Shanghái el 11 de agosto de 1896. La primera película china, una grabación de la ópera de Pekín, Dingjun Mountain, fue filmada en noviembre de 1905 en Pekín. En años posteriores, las compañías productoras de cine en China fueron principalmente de propiedad extranjera, y el distrito cinematográfico local se estableció en Shanghái, un próspero centro comercial y también la ciudad más grande del Lejano Oriente.
En 1913, el primer guion de película independiente, The Arduous Couple, fue filmado en Shanghái por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan. Zhang Shichuan posteriormente estableció el primer negocio de producción cinematográfica de propiedad china en 1916. La primera película de largometraje fue Yan Ruishen, estrenada en 1921, que era un documental sobre el asesinato de una prostituta de Shanghái. A lo largo de los años 1920, especialistas en cine de Estados Unidos formaron a profesionales chinos en Shanghái, y la influencia estadounidense se sintió allí durante los siguientes 20 años. Como el cine aún estaba en sus primeras etapas de desarrollo, muchas películas mudas chinas de esa época eran simplemente cortometrajes teatrales o actos cómicos, y la formación tecnológica era muy deficiente.
Más tarde, tras experimentaciones, China pudo obtener motivación de sus propios méritos típicos y también comenzó a producir películas de artes marciales, con Burning of Red Lotus Temple (1928). Burning of Red Lotus Temple fue un éxito, y la producción de Star Motion Pictures (Mingxing) registró posteriormente 18 secuelas, marcando el inicio de las prestigiosas películas de artes marciales chinas. Varios imitadores se unieron al género, incluyendo Red Heroine (1929) del estudio U. Lien. Fue durante este período que nacieron muchas de las empresas manufactureras más importantes, especialmente Mingxing y Tianyi, de los hermanos Shaw. Mingxing, fundada por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan en 1922, inicialmente se centró en cortometrajes cómicos, incluyendo la primera película china completa, Laborer’s Love (1922). La producción luego se orientó hacia películas de largometraje y dramas familiares, incluyendo Orphan Rescues Grandfather (1923). Tianyi enfocó su estilo en la mitología, así como en la expansión directa hacia mercados internacionales; su película White Snake (1926) es un ejemplo claro de su éxito entre los espectadores chinos del sudeste asiático.
Primeras películas sonoras chinas
En 1931, se realizó la primera película sonora china Sing-Song Girl Red Peony, resultado del trabajo conjunto entre la producción cinematográfica de la compañía Mingxing y la innovación sonora de Pathé Frères. El audio se grabó en disco y luego se reproducía teatralmente sincronizado con la acción en pantalla. El primer largometraje hablado hecho en China fue Spring on Stage, de Tianyi o Great China Studio, y Clear Sky After Storm, de Jinan Studio. Las películas musicales, como Song at Midnight (1937) y Street Angels (1937), protagonizadas por Zhou Xuan, se convirtieron en uno de los géneros cinematográficos más importantes del cine en China.
Las primeras películas chinas importantes se produjeron a partir de la década de 1930, con la introducción de la actividad política de izquierda. Spring Silkworms (1933) de Cheng Bugao, The Goddess (1934) de Wu Yonggang y The Great Road, también conocida como The Big Road (1934) de Sun Yu. Estas películas fueron recordadas por su enfoque en la lucha de clases y los riesgos externos como Japón, así como por su atención a las personas comunes, como un miembro de una familia de cultivadores de seda en Spring Silkworms y también una prostituta en La Goddess. En parte debido al éxito de este tipo de películas, el periodo fue descrito como la primera Edad de Oro del cine chino. El movimiento cinematográfico de izquierda se centró generalmente en el Shanghái influenciado por Occidente, donde los cineastas representaban a las clases bajas de una ciudad superpoblada. Entre las empresas manufactureras que controlaban el mercado a principios y mediados de los años 1930 estaban la recién formada Lianhua, la más antigua y grande Mingxing, y también Tianyi. Tanto Mingxing como Lianhua se alinearon con la política de izquierda, especialmente Lianhua.
El período también creó las primeras grandes celebridades del cine chino, como Hu Die, Ruan Lingyu, Li Lili, Chen Yanyan, Zhou Xuan, Zhao Dan y Jin Yan. Varias otras películas significativas de la época incluyen Amor y Deber (1931), Juguetes Pequeños (1933), Mujeres Nuevas (1934), Rastro de los Pescadores (1934), Saqueo de Durazno y Ciruela (1934), Encrucijada (1937) y Ángel Callejero (1937). A lo largo de la década de 1930, los Nacionalistas y Comunistas compitieron ferozmente por el control de las principales producciones cinematográficas chinas; el impacto puede verse en las películas que los estudios chinos crearon durante estos años.
Películas Chinas que Debes Ver Absolutamente
Aquí hay una selección sustancial de las mejores películas chinas que absolutamente debes ver. Esta lista abarca desde las obras maestras del cine mudo chino temprano, pasando por varias generaciones de directores, hasta las revoluciones culturales y películas de propaganda, así como el cine vanguardista y contemporáneo independiente. Las películas están organizadas estrictamente en orden cronológico. La elección es tuya.
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So Long, My Son (2019)
Abarcando tres décadas de la historia china, este conmovedor drama sigue a una pareja, Yaojun y Liyun, mientras navegan las secuelas de un trágico accidente que involucra a su único hijo. La narrativa se entrelaza desde los años 80 hasta el presente, ilustrando cómo la Política del Hijo Único del país, los cambios económicos y los arrepentimientos personales repercuten en sus vidas y en las de quienes los rodean.
Dirigida por Wang Xiaoshuai, una figura prominente de la Sexta Generación, la película es una clase magistral en profundidad emocional y narrativa no lineal. Recibió amplio reconocimiento internacional, ganando los Osos de Plata a Mejor Actor y Actriz en la 69ª Festival Internacional de Cine de Berlín, y es considerada una meditación definitiva sobre el duelo y la naturaleza perdurable de los lazos familiares en medio de un cambio social impulsado por el Estado.
Un Elefante Sentado Quieto (2018)
Esta épica de cuatro horas sigue a cuatro individuos cuyas vidas se cruzan durante un solo día sombrío en una ciudad industrial del norte. Unidos por su sentido compartido de desesperanza y frustración con una sociedad en decadencia, emprenden un viaje para ver a un elefante legendario en Manzhouli que supuestamente se sienta quieto, ignorando el mundo. La película ofrece una mirada visceral e implacable a la estasis espiritual y el nihilismo sistémico en la China urbana moderna.
Trágicamente, esta fue la primera y única película del director Hu Bo, quien se suicidó poco después de completar la edición a los 29 años. Presentada al mundo por su mentor Béla Tarr, la película ganó el Premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Los críticos la han aclamado como un debut monumental en la dirección y un epitafio inquietante, destacando sus planos largos y su capacidad para equilibrar el comentario sociopolítico con la desesperación humana íntima.
Ash Is Purest White (2018)
Ambientada en el inframundo del «jianghu,» la historia sigue a Qiao, quien asume la culpa por su novio mafioso Bin tras un ataque de una banda rival. Después de cumplir cinco años en prisión, Qiao emerge en una China que se ha transformado más allá del reconocimiento. Viaja por todo el país para encontrar a Bin, solo para descubrir que la lealtad y los códigos de honor que una vez compartieron se han evaporado en el calor del rápido desarrollo económico de China.
Dirigida por Jia Zhangke y protagonizada por su musa Zhao Tao, la película es una síntesis amplia de sus temas recurrentes: el desplazamiento de los individuos y la erosión de la tradición. Compitió por la Palma de Oro en Cannes y es alabada por su mezcla de elementos de cine negro con una perspectiva humanista. La «ceniza» del título simboliza tanto el paisaje volcánico literal del escenario como el espíritu resiliente de los personajes dejados atrás por el progreso.
La Fundación de un Ejército (2017)
Este épico histórico retrata los eventos del Levantamiento de Nanchang de 1927, un momento crucial que llevó al nacimiento del Ejército Popular de Liberación. Se centra en los esfuerzos de jóvenes líderes comunistas, incluyendo a Mao Zedong y Zhou Enlai, mientras se separan del Kuomintang para establecer una fuerza militar independiente. La narrativa sirve como una crónica dramatizada de las primeras luchas tácticas e ideológicas de la revolución.
Dirigida por Andrew Lau, la película es la entrega final de la trilogía «Fundación de la Nueva China». Producida para conmemorar el 90º aniversario del EPL, emplea coreografías de acción de alto presupuesto y un elenco de jóvenes ídolos para atraer a una audiencia moderna. Aunque funciona como propaganda estatal, se destaca por su pulido técnico y su intento de humanizar a las figuras históricas a través del lente de una película bélica taquillera.
Mountains May Depart (2015)
La película está dividida en tres períodos temporales distintos—1999, 2014 y 2025—siguiendo la vida de Tao, una joven de Fenyang, y los dos hombres que compiten por su afecto. Lo que comienza como un triángulo amoroso clásico evoluciona en una historia extensa sobre la migración, la pérdida de raíces culturales y la alienación de una generación futura criada en la diáspora. Las proporciones de aspecto cambiantes reflejan las eras cambiantes y el encogimiento de las conexiones personales.
Jia Zhangke explora el costo humano de la globalización y el «Sueño Chino,» cuestionando qué queda de una familia cuando están separados por el idioma y los océanos. La película compitió por la Palma de Oro y fue destacada por su salto visionario hacia el futuro, contrastando la vibrante música folclórica del pasado con el paisaje estéril y electrónico de los años 2020. Es una obra profundamente apasionada que examina la fragilidad de la memoria y el hogar.
Un toque de pecado (2013)
Inspirada en hechos reales que conmocionaron al público chino, esta antología narra cuatro historias vagamente conectadas de individuos llevados a la violencia extrema por la injusticia social. Desde un minero que lucha contra la corrupción local hasta una recepcionista llevada al límite por el acoso sexual, la película pinta un panorama sombrío de las tensiones que hierven bajo la superficie del auge económico de la China moderna. Cada segmento está estilísticamente influenciado por el género clásico wuxia y la ópera tradicional china.
Dirigida por Jia Zhangke, la película ganó el premio al Mejor Guion en el Festival de Cine de Cannes. Representa un cambio tonal significativo para el director, pasando del realismo tranquilo a una violencia visceral y coreografiada. La película fue inicialmente aprobada por los censores, pero luego enfrentó una prohibición de facto en la China continental debido a su franca representación de la inestabilidad social. Sigue siendo una de las críticas más audaces al vacío moral creado por la rápida modernización.
Deja que los balas vuelen (2010)
Durante la caótica Era de los Señores de la Guerra en los años 20, un líder bandido llamado Pocky Zhang secuestra un tren y se hace pasar por el nuevo gobernador de un pueblo remoto. Pronto se encuentra en una batalla mortal de ingenio con el jefe local de la mafia, el Maestro Huang. Lo que sigue es un torbellino de engaños, trampas elaboradas y tiroteos explosivos mientras ambos hombres compiten por el control de la riqueza del pueblo y la lealtad de su gente.
Dirigida por Jiang Wen, esta comedia de acción se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia china. Es celebrada por su diálogo rápido, humor negro y aguda alegoría política, que muchos críticos interpretaron como un comentario sobre el poder y la revolución. La narrativa inventiva y las actuaciones carismáticas establecieron la película como un hito del cine comercial chino que se niega a sacrificar la profundidad intelectual por el entretenimiento.
La fundación de una república (2009)
Esta película dramatiza los últimos años de la Revolución Comunista China, desde 1945 hasta el establecimiento de la República Popular en 1949. Se centra en las negociaciones y campañas militares entre los comunistas de Mao Zedong y los nacionalistas de Chiang Kai-shek. La narrativa busca presentar una historia «oficial» del nacimiento del estado, destacando el brillo estratégico y el apoyo popular que condujeron a la victoria comunista.
Codirigida por Han Sanping y Huang Jianxin, la película es famosa por su elenco «de estrellas» sin precedentes, con cameos de casi todas las grandes figuras del cine chino, incluyendo a Jackie Chan y Jet Li. Como pieza de Zhuxuanlu (propaganda), utilizó valores de producción de primer nivel para atraer a los espectadores jóvenes. Sigue siendo un artefacto cultural significativo de los esfuerzos estatales por modernizar el mensaje político mediante la estética de los grandes éxitos.
Still Life (2006)
Ambientada en la antigua ciudad de Fengjie, que está siendo lentamente sumergida por la construcción de la presa de las Tres Gargantas, la película sigue a dos desconocidos en búsquedas separadas. Un minero de carbón llega para encontrar a su esposa e hija distanciadas, mientras una enfermera busca a su esposo que ha estado desaparecido durante dos años. A medida que los edificios son demolidos a su alrededor, navegan por un paisaje de ruina física y emocional, buscando cierre en un mundo que literalmente está desapareciendo.
Jia Zhangke ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por esta obra maestra de la Sexta Generación. La película es destacada por su mezcla de realismo crudo al estilo documental con toques surrealistas, como un edificio que despega como un cohete. Sirve como un registro profundo del desplazamiento ambiental y humano causado por los enormes proyectos de infraestructura de China, y fue muy elogiada por su mirada compasiva hacia los individuos atrapados en los engranajes del progreso.
El Mundo (2004)
La historia se centra en el personal del Beijing World Park, un parque de atracciones real que presenta réplicas a escala de monumentos globales como la Torre Eiffel y el Taj Mahal. Los personajes, en su mayoría migrantes de provincias rurales, viven sus vidas dentro de los límites del parque, sus relaciones mediadas por teléfonos móviles y fantasías digitales. A pesar de estar rodeados por el «mundo», permanecen aislados y atrapados en un ciclo monótono de trabajo y deseos insatisfechos.
Esta fue la primera película de Jia Zhangke aprobada oficialmente por el gobierno chino, marcando su transición del underground al sistema mainstream. Es un examen crítico de la globalización, sugiriendo que la conectividad ofrecida por la tecnología moderna es un sustituto vacío de la verdadera intimidad humana. El uso de secuencias de animación flash para ilustrar las vidas digitales internas de los personajes resalta el tema del film sobre la línea difusa entre realidad y espectáculo.
2046 (2004)
Una secuela libre de In the Mood for Love, la película sigue a Chow Mo-wan, un escritor que se detiene en sus romances pasados mientras trabaja en una novela de ciencia ficción sobre un tren misterioso que se dirige a un lugar llamado 2046. La narrativa alterna entre la realidad bañada en neón del Hong Kong de los años 60 y el mundo futurista y digital de su libro, donde los personajes esperan recapturar recuerdos perdidos. Es una exploración exuberante y fragmentada del amor no correspondido y la persistencia del arrepentimiento.
Dirigida por Wong Kar-wai, la película es un triunfo visual y auditivo, conocida por su cinematografía en cámara lenta y su evocadora banda sonora. Tomó cuatro años completarla y cuenta con un elenco panasiático que incluye a Tony Leung, Zhang Ziyi y Gong Li. 2046 es considerada una piedra angular del cine contemporáneo de habla china, empujando los límites de la estructura narrativa para reflejar la naturaleza fluida y a menudo dolorosa del tiempo y la memoria.
Blind Shaft (2003)
En las minas de carbón ilegales del norte de China, dos estafadores llevan a cabo un macabro engaño: reclutan a trabajadores migrantes ingenuos, los asesinan en las minas y luego se hacen pasar por sus familiares para extorsionar «compensaciones» a los dueños de las minas. Su plan se encuentra con un obstáculo moral cuando reclutan a un chico de 16 años, lo que obliga a los asesinos más experimentados a confrontar los restos de su propia humanidad. La película ofrece una mirada aterradoramente realista al «lejano oeste» del subsuelo industrial de China.
Dirigida por Li Yang y basada en la novela Sacred Grove, la película fue filmada clandestinamente en minas reales, poniendo a menudo al equipo en peligro genuino. Ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín pero fue prohibida en China por su representación extremadamente desfavorable de la industria minera y la corrupción moral. Sigue siendo un ejemplo poderoso del cine «subterráneo» que expone el costo humano del crecimiento económico impulsado por el carbón en China.
Placeres desconocidos (2002)
La película sigue a dos jóvenes de 19 años en la ciudad industrial de Datong, que pasan sus días montando motocicletas y absorbiendo la cultura pop occidental. Desconectados de los valores tradicionales de sus padres y sin un futuro claro en una economía cambiante, se deslizan hacia pequeños delitos y romances efímeros. Captura la energía sin rumbo de una generación nacida bajo la Política del Hijo Único, sintiendo la presión de un mundo que no terminan de comprender.
Dirigida por Jia Zhangke, la película fue candidata a la Palma de Oro en Cannes. Es la parte final de su trilogía «Fuera de Fenyang», que explora la transformación de la China provincial a través de los ojos de su juventud. Destacada por su cinematografía digital y sus planos largos, la película es un retrato definitivo de la generación del «Control de Natalidad» y el vacío cultural creado por la súbita llegada de los medios globales y el consumismo.
Blue Gate Crossing (2002)
Esta tierna historia de madurez gira en torno a un triángulo amoroso entre tres estudiantes de secundaria en Taipei. Kerou, una chica masculina, es solicitada por su mejor amiga Yuezhen para ayudarla a acercarse a un chico popular, Shihao. Sin embargo, cuando Shihao comienza a enamorarse de Kerou en su lugar, Kerou se ve obligada a confrontar sus propios sentimientos confusos y la realización de su verdadera identidad. Es una exploración suave y matizada del anhelo adolescente y el miedo a crecer.
Dirigida por Yee Chin-yen, la película es un hito de la influencia de la «Nueva Ola Taiwanesa» en el cine juvenil. Es celebrada por sus actuaciones naturalistas, particularmente la de la joven Gwei Lun-mei, y su manejo sensible de temas LGBTQ+. Rechazando el melodrama típico del género, la película captura la esencia agridulce de un verano que marca el fin de la inocencia infantil y el comienzo del autodescubrimiento.
Beijing Bicycle (2001)
Guei, un migrante de 17 años del campo, encuentra trabajo como mensajero en Pekín y se le asigna una bicicleta de montaña de alta gama. Cuando la bicicleta es robada, pasa semanas buscando por la ciudad, encontrándola finalmente en posesión de Jian, un escolar local que la compró en un mercado de pulgas para impresionar a una chica. Los dos chicos, de orígenes sociales muy diferentes, entran en una lucha desesperada por la bicicleta, que representa la supervivencia para uno y el estatus para el otro.
Dirigida por Wang Xiaoshuai, la película ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Berlín. A menudo se la compara con el clásico neorrealista italiano Ladrón de bicicletas, pero con un giro chino moderno que destaca la creciente brecha entre los pobres rurales y la clase media urbana. Aunque inicialmente fue prohibida en China continental por haberse proyectado en el extranjero sin permiso, ahora se reconoce como una obra vital de la Sexta Generación.
Platform (2000)
La película sigue a una compañía teatral provincial en Fenyang desde finales de los años 70 hasta los 80. A medida que la ideología maoísta da paso a las reformas económicas de Deng Xiaoping, la compañía pasa de interpretar óperas revolucionarias a música pop de estilo occidental. Los personajes navegan su paso a la adultez en un contexto de cambio social radical, con sus sueños personales y desamores reflejando la lenta y a menudo dolorosa modernización de la nación.
La obra maestra expansiva de Jia Zhangke es considerada una de las mejores películas del siglo XXI. Captura la era de la «transición» con un detalle sin igual, usando planos largos y sonido diegético para crear una sensación de historia vivida. El título se refiere tanto a un andén de ferrocarril, simbolizando el deseo de escape, como al escenario donde los personajes interpretan sus vidas. Es una obra esencial para comprender los cambios psicológicos de la generación post-Revolución Cultural.
Devils on the Doorstep (2000)
Durante la Segunda Guerra Sino-Japonesa, un soldado japonés y su traductor son misteriosamente dejados en la puerta de un campesino llamado Ma Dasan en un pueblo remoto. A los aldeanos se les ordena mantenerlos prisioneros o enfrentar graves consecuencias, pero a medida que pasan los meses y los «dueños» nunca regresan a reclamarlos, se forma un vínculo extraño entre los captores y los cautivos. Sin embargo, la inherente absurdidad y crueldad de la guerra finalmente conducen a un clímax devastador e irónico.
Dirigida por Jiang Wen, esta comedia negra ganó el Gran Premio en Cannes pero fue famosa por ser prohibida en China por su «incorrecta» representación de la historia y su retrato de la ignorancia campesina. Filmada en blanco y negro de alto contraste para imitar los noticieros de los años 40, la película es una crítica feroz al ciclo de violencia y a la naturaleza deshumanizante del nacionalismo. Sigue siendo una de las películas bélicas más provocativas y estilísticamente únicas jamás hechas en China.
Tigre y Dragón (2000)
Ambientada en la Dinastía Qing, la historia sigue a un legendario espadachín, Li Mu Bai, quien confía su espada «Destino Verde» a su amor secreto, Yu Shu Lien. Cuando la espada es robada por una joven noble misteriosa y talentosa, Jen Yu, se desencadena una serie de batallas que desafían la gravedad y persecuciones románticas a lo largo de las fronteras de China. La narrativa explora la tensión entre el deber social y el deseo de libertad personal, así como la pesada carga de legados ancestrales.
Dirigida por Ang Lee, esta obra maestra de artes marciales se convirtió en un fenómeno cultural global y ganó cuatro premios Óscar, incluyendo Mejor Película Extranjera. Se le atribuye el mérito de haber llevado el género «wuxia» al público occidental mainstream mediante su poética coreografía de acción y profunda resonancia emocional. La impresionante cinematografía y los fundamentos filosóficos del filme establecieron un nuevo estándar para el género, fusionando sensibilidades de cine de autor con emociones de gran éxito comercial.
Xiao Wu (1997)
Xiao Wu es un pequeño carterista en la ciudad de Fenyang que se siente cada vez más alienado a medida que sus antiguos compañeros de crimen se convierten en respetables hombres de negocios. Mientras la policía reprime el crimen y la ciudad experimenta una rápida urbanización, Xiao Wu vaga a través de una serie de conexiones fallidas con su familia y una prostituta local. Permanece como una figura «vaga», incapaz o reacio a adaptarse a la nueva realidad capitalista que valora el beneficio por encima de la lealtad tradicional.
Este fue el debut como director de Jia Zhangke, filmado con un presupuesto muy limitado de $50,000 usando película de 16mm. Se considera la obra fundacional del movimiento independiente de la «Sexta Generación», caracterizado por su realismo crudo y enfoque en los perdedores marginados del auge económico. El éxito del filme en festivales internacionales allanó el camino para la carrera de Jia y estableció una nueva estética de cine observacional que continúa influyendo en los cineastas independientes chinos hoy en día.
La Guerra del Opio (1997)
Esta épica histórica narra los eventos de la Primera Guerra del Opio (1839–1842) entre el Imperio Qing y el Imperio Británico. Se centra en los esfuerzos de Lin Zexu para suprimir el comercio ilegal de opio en Cantón y la posterior escalada militar por parte de la marina británica. La narrativa enmarca el conflicto como un choque entre una civilización antigua en declive y una potencia colonial tecnológicamente superior en ascenso, que conduce al «Siglo de la Humillación».
Dirigida por Xie Jin, el cineasta más prominente de la «Tercera Generación», la película fue producida con un fuerte apoyo estatal para coincidir con la entrega de Hong Kong en 1997. Con un presupuesto de $15 millones, fue la producción china más cara de la época. Aunque transmite un mensaje nacionalista contundente, se destaca por sus altos valores de producción y su intento de ofrecer un relato histórico detallado, aunque sesgado, sobre los orígenes de la política exterior de la China moderna.
East Palace, West Palace (1996)
Ambientada durante una sola noche en una comisaría de policía de Pekín, la película sigue el interrogatorio de A-Lan, un joven escritor gay arrestado en un parque cerca de la Ciudad Prohibida. Mientras el oficial, Xiao Shi, lo interroga, A-Lan relata la historia de su vida y sus experiencias dentro de la cultura subterránea de «cruising». La dinámica de poder entre los dos hombres cambia a medida que se involucran en un juego psicológico de atracción y repulsión, exponiendo los propios deseos reprimidos del oficial.
Dirigida por Zhang Yuan, esta fue la primera película de la China continental en tratar abiertamente la homosexualidad. Debido a su tema sensible, la película fue filmada clandestinamente y el negativo tuvo que ser sacado de contrabando de China para su edición. Es un hito de la Sexta Generación, que utiliza un entorno claustrofóbico para criticar la intrusión del Estado en la vida privada y la naturaleza performativa de la autoridad. Sigue siendo un documento vital de la historia LGBTQ+ en China.
El Cartero (1995)
Xiao Wu es un cartero tranquilo y modesto en Pekín que comienza un hábito transgresor de interceptar y leer las cartas que se supone debe entregar. A través de estas miradas robadas a las vidas privadas de extraños, se convierte en un «dios» voyeurista, interviniendo eventualmente en sus asuntos para manipular sus resultados. Sin embargo, su obsesión con los secretos de los demás finalmente conduce a un colapso de su propia cordura y a una conexión precaria con la realidad.
Dirigida por He Jianjun, la película es una obra emblemática de la Sexta Generación, destacada por su estilo minimalista y su enfoque en la alienación urbana. Ofrece una imagen moderna y cruda de China que contrasta fuertemente con las epopeyas históricas de la Quinta Generación. La película fue elogiada en Occidente por sus temas transgresores de voyeurismo e infidelidad, sirviendo como un estudio psicológico de la soledad que acecha a los habitantes de una metrópolis en rápido crecimiento e impersonal.
Vivir (1994)
Adaptada de la novela de Yu Hua, la película sigue la vida de Fugui, un hombre adinerado que pierde la fortuna familiar en el juego y se ve obligado a reinventarse como titiritero de sombras. Durante cuatro décadas, Fugui y su esposa Jiazhen soportan la Segunda Guerra Sino-Japonesa, la Guerra Civil, el Gran Salto Adelante y la Revolución Cultural. A pesar de sufrir pérdidas personales desgarradoras, la familia encuentra la fuerza para seguir viviendo, y su supervivencia actúa como un testimonio de la resiliencia del espíritu humano.
Dirigida por Zhang Yimou, la película ganó el Gran Premio en Cannes pero fue prohibida en China por su crítica a las políticas del Partido Comunista. Se considera uno de los dramas históricos más conmovedores del cine mundial, destacado por su exuberante cinematografía y las actuaciones magistrales de Ge You y Gong Li. La película transforma una tragedia nacional específica en una meditación universal sobre la perseverancia y el acto simple y profundo de resistir a través de la devastación histórica.
Adiós a mi concubina (1993)
Este épico drama histórico sigue a dos estrellas de la Ópera de Pekín, Cheng Dieyi y Duan Xiaolou, a lo largo de cincuenta años de amistad y rivalidad. Dieyi, que se especializa en papeles femeninos, lucha por distinguir su identidad escénica de la realidad, albergando un amor profundo y no correspondido por Xiaolou. Sus vidas son destrozadas por la ocupación japonesa, la victoria comunista y las brutales purgas de la Revolución Cultural, que los obliga a traicionarse mutuamente para sobrevivir.
Dirigida por Chen Kaige, fue la primera película en idioma chino en ganar la Palma de Oro en Cannes. Es una obra maestra de la Quinta Generación, celebrada por su opulento diseño de producción y su exploración valiente de la homosexualidad y la identidad de género dentro de una cultura tradicional. A pesar de enfrentar una censura significativa y prohibiciones temporales en China, ahora se reconoce como una de las mejores películas jamás realizadas, sirviendo como una poderosa alegoría del alma de China en el siglo XX.
Los días (1993)
Filmado en un marcado blanco y negro, la película sigue a Dong y Chun, una joven pareja de artistas en Pekín que lucha contra la pobreza y el estancamiento artístico. A medida que se deslizan por sus rutinarias vidas diarias, el silencio entre ellos crece y su relación comienza a desintegrarse bajo el peso de sus expectativas incumplidas. Es un retrato claustrofóbico e íntimo de la clase «intelectual» que se siente perdida y abandonada tras los cambios políticos de finales de los años 80.
Dirigida por Wang Xiaoshuai con un presupuesto de menos de $10,000, esta fue una de las primeras películas verdaderamente independientes y «underground» realizadas fuera del sistema estatal de estudios. Tras su estreno, fue incluida en la lista negra por la Oficina de Cine China, que posteriormente prohibió a Wang hacer cine durante varios años. Sin embargo, ganó un inmenso respeto crítico a nivel internacional, siendo nombrada por la BBC como una de las 100 mejores películas de todos los tiempos. Es una obra seminal que definió la estética de desesperación urbana de la Sexta Generación.
La historia de Qiu Ju (1992)
Cuando el jefe de un pueblo le da una patada en la entrepierna a su esposo durante una disputa, una campesina embarazada llamada Qiu Ju se niega a aceptar una simple compensación en efectivo. Decidida a recibir una disculpa formal, emprende una odisea burocrática, viajando desde su aldea local hasta la ciudad del distrito y finalmente a la gran ciudad. Su obstinada búsqueda de justicia expone las complejidades del sistema legal y el choque entre los códigos tradicionales de la aldea y la ley china moderna.
Dirigida por Zhang Yimou y protagonizada por Gong Li, la película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. Se destaca por su enfoque «neorrealista», utilizando cámaras ocultas y actores no profesionales para capturar la textura de la vida cotidiana en la China rural. La película marcó un alejamiento para Zhang de sus melodramas estilizados anteriores, ofreciendo una mirada más realista y humorística sobre la persistencia del individuo frente a la maquinaria anónima del Estado.
Levanta la linterna roja (1991)
![Raise the Red Lantern (1991) ORIGINAL TRAILER [HQ]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FL0ATH3N1gsM%2F0.jpg)
En la década de 1920, una joven universitaria llamada Songlian se ve obligada a casarse como la cuarta esposa de un rico maestro. Ella entra en un mundo de rígida tradición donde el encendido de una linterna roja señala a qué esposa visitará el maestro cada noche. Pronto, Songlian se ve envuelta en una competencia despiadada con las otras esposas por el favor del maestro, un juego de manipulación y traición que eventualmente conduce a la locura y la muerte dentro de las grises paredes del recinto familiar.
Esta obra maestra visual de Zhang Yimou es famosa por su impresionante uso del color y el encuadre simétrico, que crea una sensación tanto de lujo como de prisión. La película fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera y sigue siendo una de las obras más celebradas de la Quinta Generación. Aunque inicialmente fue prohibida en China por su percibida crítica alegórica al autoritarismo, ahora se la considera un estudio atemporal sobre el poder destructivo del patriarcado.
Ju Dou (1990)
Ambientada en la China rural de los años 1920, la película narra la trágica historia de Ju Dou, una hermosa joven vendida como esposa a un cruel y anciano tintorero de seda, Jinshan. Incapaz de soportar los abusos de Jinshan, ella comienza un romance prohibido con su sobrino adoptivo, Tianqing. Concebido un hijo en secreto, su intento de encontrar la felicidad dentro de los confines de la casa del tintorero es frustrado por tabúes sociales y el legado vengativo del patriarca, lo que conduce a una conclusión violenta e inevitable.
Dirigida por Zhang Yimou y Yang Fengliang, la película fue la primera producción china nominada a un Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera. Es reconocida por su uso vibrante del Technicolor, particularmente los ríos de seda teñida que sirven como metáfora visual de las pasiones y la sangre de los personajes. Como muchas de las primeras obras de Zhang, enfrentó una larga prohibición en su país de origen, pero fue aclamada internacionalmente como una crítica poderosa a la moralidad feudal y la opresión de las mujeres.
Sorgo Rojo (1988)
La historia sigue a una joven, Jiu’er, que es enviada a casarse con el dueño leproso de una destilería de vino de sorgo. Tras la misteriosa muerte de su esposo, ella toma el control del negocio, eventualmente enamorándose de uno de sus trabajadores. Sus vidas son felices y prósperas hasta la brutal invasión del ejército japonés, que transforma su pacífica destilería en un sitio de resistencia y sacrificio trágico. La narrativa se cuenta con una cualidad mítica y legendaria.
Este fue el debut como director de Zhang Yimou y el papel revelación para Gong Li, ganando el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Marcó un punto de inflexión en el cine chino, alejándose del didactismo del pasado hacia un estilo «lujoso» y sensorial. La película es celebrada por su energía cruda, su celebración de la vitalidad campesina y su uso icónico del color rojo, estableciendo a la Quinta Generación como una fuerza dominante en el cine mundial.
El Incidente del Cañón Negro (1985)
Zhao Shuxin, un ingeniero de carácter apacible, descubre que ha perdido una pieza de ajedrez llamada «cañón negro» durante un viaje de negocios. Envía un telegrama críptico a su hotel: «Cañón Negro Perdido. Habitación 301. Buscando.» Las autoridades interpretan esto erróneamente como un mensaje cifrado de espionaje, lo que conduce a una investigación secreta que descarrila la carrera de Zhao y retrasa un proyecto industrial crucial. La película es una aguda sátira de la paranoia, la burocracia y el antiintelectualismo que persistieron en la China post-Mao.
Dirigida por Huang Jianxin, la película destaca dentro de la Quinta Generación por su enfoque en la vida urbana y su uso de estilos visuales «expresionistas alemanes». Utiliza una paleta de colores estéril y fría y diseños de escenarios exagerados para enfatizar el absurdo de la sospecha estatal. La película es altamente significativa por su valiente crítica a la tendencia del Partido de priorizar la pureza ideológica sobre la experiencia profesional, convirtiéndola en una de las sátiras políticas más efectivas en la historia china.
Yellow Earth (1984)
Ambientada en 1939, un soldado comunista viaja a un pueblo remoto en la Meseta de Loess para recopilar canciones populares para la revolución. Se queda con una familia campesina cuya hija, Cuiqiao, se inspira en sus relatos sobre la liberación femenina en el Ejército Rojo. Cuando la obligan a un matrimonio arreglado con un hombre mayor, Cuiqiao intenta una desesperada fuga cruzando el Río Amarillo para unirse a la revolución, buscando una libertad que la antigua y árida tierra parece negarle.
Dirigida por Chen Kaige con la cinematografía de Zhang Yimou, esta película es considerada el «manifiesto» de la Quinta Generación. Se apartó del Realismo Socialista tradicional usando imágenes impactantes y minimalistas y largos silencios en lugar de diálogos didácticos. Provocó un intenso debate en China por su ambigua representación de la capacidad del Partido para cambiar la vida campesina y ahora se la considera una de las películas chinas más importantes jamás realizadas por su estética revolucionaria.
Uno y Ocho (1983)
En medio de la Segunda Guerra Sino-Japonesa, un oficial comunista es acusado erróneamente de traición y encarcelado junto a ocho criminales comunes, incluyendo bandidos y desertores. Mientras son transportados a través de un paisaje devastado por la guerra, la dignidad inquebrantable y el compromiso con la causa del oficial poco a poco ganan a los «villanos». En una batalla final y desesperada contra los japoneses, el grupo encuentra una oportunidad de redención mediante el sacrificio colectivo.
Dirigida por Zhang Junzhao, esta película es reconocida como el primer verdadero producto de la «Quinta Generación» de cineastas. Se destaca por su cinematografía áspera y su enfoque en la psicología individual en lugar de la propaganda simple. Al enfatizar el humanismo y las luchas internas de sus personajes, la película marcó una ruptura significativa con las narrativas rígidas de la Revolución Cultural, preparando el terreno para la explosión creativa del cine chino en los años 80.
Rompiendo con las Viejas Ideas (1975)
Ambientada durante el Gran Salto Adelante de 1958, la historia sigue a Long Guozheng, un funcionario comunista enviado para dirigir una nueva universidad agrícola en Jiangxi. Enfrenta a la facultad «capitalista» que quiere mantener estándares académicos elitistas. Long inicia reformas radicales, como dar clases en los campos y admitir campesinos sin educación formal basándose en sus «manos callosas» en lugar de en sus calificaciones. La película culmina en una victoria triunfante de las masas sobre la élite intelectual.
Dirigida por Li Wenhua, esta es una película emblemática de la «Revolución Cultural», producida bajo estrictas directrices políticas para promover la filosofía educativa maoísta. Es un fascinante documento histórico que ilustra el extremo antiintelectualismo de la época y la glorificación del trabajo manual. Aunque hoy se la ve como propaganda pesada, sigue siendo esencial para entender la atmósfera ideológica que casi destruye la industria cinematográfica china antes de los años 80.
El Destacamento Rojo de Mujeres (1970)
Wu Qinghua es una campesina que escapa de un cruel terrateniente en la isla de Hainan en los años 30. Se une a una unidad femenina del Ejército Rojo y, bajo la guía de un comisario masculino, se transforma de una fugitiva vengativa en una soldado revolucionaria disciplinada. La película es una grabación cinematográfica del ballet homónimo, con combates estilizados y actuaciones dramáticas que glorifican la lucha del proletariado.
Este filme es una de las ocho «Obras Modelo Revolucionarias» (Yangbanxi) que fueron las únicas producciones teatrales permitidas durante el apogeo de la Revolución Cultural. Representa la cúspide del control «estético» maoísta, donde cada gesto y ángulo de cámara estaba dictado por la teoría política. A pesar de su rigidez, la película destaca por su alta calidad técnica y su impacto duradero en la cultura pop china, sirviendo como la representación visual definitiva del fervor revolucionario de la época.
Cinco Flores de Oro (1959)
Durante el Gran Salto Adelante, un joven llamado Ah Peng conoce a una chica llamada Jin Hua (Flor de Oro) en un festival en Yunnan y se enamoran. Un año después, regresa para buscarla, pero descubre que hay cinco chicas en el pueblo llamadas Jin Hua. La película sigue su búsqueda humorística y llena de identidades equivocadas a través de varios sitios de trabajo socialista —presas, siderúrgicas y cooperativas— mientras intenta identificar a su verdadero amor entre las trabajadoras «flores».
Dirigida por Wang Jiayi, esta comedia musical es un raro ejemplo de una película «encantadora» en una era altamente política. Fue producida para celebrar los logros de la colectivización agrícola, pero hoy se recuerda más por sus hermosos paisajes y su popular banda sonora. Durante la Revolución Cultural, fue prohibida por ser demasiado «romántica» y carecer del sufrimiento revolucionario suficiente, pero luego fue restaurada y ahora es apreciada como un clásico del cine chino de los años 50.
La Comedia Inconclusa (1957)
La película presenta a dos comediantes que realizan una serie de sketches para un censor cinematográfico apodado «El Garrote». El censor es retratado como literalmente ciego y sordo, pero ejerce un poder absoluto sobre lo que el público puede ver, rechazando borracho cualquier cosa que encuentre remotamente divertida o realista. La película es una sátira autorreflexiva que se burla de las mismas autoridades que sofocaban la creatividad de los cineastas chinos en ese momento.
Dirigida por Lu Ban, esta película es una de las víctimas más famosas del «Movimiento Anti-Derechista». Fue prohibida antes de su estreno, y a Lu Ban se le prohibió hacer películas por el resto de su vida. Los funcionarios del Partido Comunista la calificaron como una «mala hierba peligrosa» y «antisocialista». Hoy en día, se considera una obra maestra valiente y trágica de la sátira política, que ofrece una ventana única al breve período de relativa apertura antes de la censura total de la Revolución Cultural.
La vida de Wu Xun (1950)
Esta película biográfica narra la verdadera historia de Wu Xun, un mendigo del siglo XIX que dedicó su vida a recolectar centavos para establecer escuelas gratuitas para niños pobres. La película lo retrata como una figura casi santa cuya dedicación a la educación ofrece un camino de esperanza para los desamparados. Fue estrenada inicialmente con gran aclamación como una historia de devoción desinteresada hacia el pueblo.
Sin embargo, poco después de su estreno, Mao Zedong lanzó personalmente un ataque feroz contra la película en el People’s Daily, llamando a Wu Xun un «reaccionario» que servía al sistema feudal en lugar de derrocarlo. Esto desencadenó la primera gran campaña ideológica en la industria cinematográfica china, lo que llevó a que la película fuera prohibida durante más de 30 años. Su restauración en 1986 marcó un momento significativo en la liberalización de la historia del cine chino, recuperando un clásico «humanista» perdido.
Cuervos y gorriones (1949)
Ambientada en un edificio de apartamentos en Shanghái durante los últimos días del gobierno nacionalista, la historia sigue a un grupo de inquilinos diversos que están siendo amenazados con el desalojo por un funcionario corrupto. Los «gorriones» (los inquilinos) deben superar sus diferencias y unirse para proteger sus hogares contra el «cuervo» (el funcionario). La película captura el caos, la hiperinflación y la decadencia social de una ciudad al borde de una gran transición política.
Dirigida por Zheng Junli y producida por los estudios izquierdistas Kunlun, la película fue realizada clandestinamente mientras el ejército comunista se acercaba a la ciudad. Es un hito de la alegoría política, usando el edificio como un microcosmos de la sociedad china. Destaca por sus interpretaciones agudas y su crítica a la corrupción nacionalista, fue estrenada justo después de la victoria comunista y sigue siendo uno de los registros más importantes del fin de la era de la «China Vieja».
Primavera en un pueblo pequeño (1948)
En una finca familiar arruinada tras la guerra, una mujer llamada Yuwen vive una vida estancada con su esposo enfermo. Su tranquila existencia se ve interrumpida por la llegada del viejo amigo de la escuela de su esposo, quien también fue el primer amor de Yuwen. Durante varios días, los tres personajes navegan una delicada y agonizante red de deseos reprimidos, deber y arrepentimiento en medio de las paredes derruidas de su hogar. Es un drama profundamente interno y poético.
Dirigida por Fei Mu, la película es ampliamente considerada la mejor película china jamás realizada. Al estrenarse, fue criticada tanto por la izquierda como por la derecha por su falta de compromiso político «obvio», ya que se centraba completamente en las emociones humanas íntimas. Sin embargo, fue redescubierta en los años 80 y ahora es aclamada por su uso innovador de planos largos y su profunda compasión. Es un texto fundamental del cine mundial, explorando las «ruinas» del alma humana.
El río de la primavera fluye hacia el este (1947)
Esta epopeya de tres horas sigue a una joven pareja, Sufen y Zhongliang, que son separados por la Segunda Guerra Sino-Japonesa. Mientras Sufen permanece en Shanghái para cuidar de su familia en la pobreza, Zhongliang se traslada a la capital de guerra Chongqing, donde finalmente abandona sus ideales y a su esposa para casarse con una familia rica y corrupta. Su eventual reencuentro tras la guerra sirve como una devastadora acusación de la decadencia moral de la clase dominante.
Dirigida por Cai Chusheng y Zheng Junli, la película es a menudo llamada el «Lo que el viento se llevó chino». Fue un éxito comercial masivo, resonando con un público que acababa de soportar años de guerra y desplazamiento. La película es una piedra angular del realismo chino, combinando una narrativa histórica extensa con un melodrama profundamente personal. Sigue siendo una de las películas más importantes en la historia del cine chino por su poderosa crítica social y su alcance épico.
¡Viva la señora! (1947)
La película es una sofisticada «comedia de modales» que sigue la vida de una astuta ama de casa de Shanghái mientras navega por las excentricidades de su esposo, su exigente familia y sus propias ambiciones sociales. A través de una serie de malentendidos y esquemas domésticos, la narrativa ofrece una mirada ingeniosa y a menudo mordaz sobre los roles de las mujeres en la sociedad china de clase media durante la posguerra. Se centra en el «arte» de ser esposa en un mundo patriarcal.
Con un guion de la legendaria escritora Eileen Chang y dirigida por Sang Hu, la película es considerada la mejor comedia china de los años 40. Fue un gran éxito porque se apartó de los dramas políticos pesados de la época para ofrecer una mirada relatable, melodramática y humorística a la vida doméstica. Los críticos la elogian por su diálogo agudo y su retrato simpático pero no sentimental de la resiliencia femenina, convirtiéndola en un punto culminante único de la edad de oro cinematográfica de Shanghái.
Mulan se une al ejército (1939)
Esta versión musical de la leyenda de Hua Mulan cuenta la historia de una valiente joven que se disfraza de hombre para tomar el lugar de su anciano padre en el ejército imperial. Ella lidera a sus compañeros soldados hacia la victoria contra los invasores nómadas, todo mientras mantiene su secreto. La película enfatiza la piedad filial de Mulan y su inteligencia táctica, concluyendo con su triunfante regreso a su familia y su verdadera identidad.
Dirigida por Richard Poh durante la ocupación japonesa de Shanghái, la película fue un gran éxito de «Defensa Nacional», proyectándose durante 85 días consecutivos. Aunque aparentemente trata sobre una guerra antigua, el público la reconocía fácilmente como una alegoría de la resistencia contemporánea contra Japón. El éxito del film convirtió a la actriz principal Chen Yunshang en una superestrella y es destacada por su ingenioso uso de la narrativa histórica para eludir la censura japonesa y elevar la moral nacional.
Canción a Medianoche (1937)
Un joven actor de una compañía teatral itinerante encuentra a un hombre desfigurado que vive en las vigas de un teatro de ópera en ruinas. Esta figura misteriosa es Song Danping, un antiguo revolucionario y estrella de la ópera que fue rociado con ácido por sus enemigos políticos. Song guía al joven actor para interpretar sus papeles y ayudarle a reunirse con su amor perdido. La película es una mezcla gótica y atmosférica de horror y fervor revolucionario, fuertemente inspirada en El Fantasma de la Ópera.
Dirigida por Ma-Xu Weibang, esta es considerada ampliamente como la primera película de terror verdadera de China. Es significativa por cómo utilizó el género de horror para ocultar un mensaje político «izquierdista», con el protagonista desfigurado representando el estado marcado de la nación bajo el dominio colonial y la opresión interna. Las imágenes inquietantes del film y sus temas de amor no correspondido y sacrificio político la convirtieron en un hito del cine de los años 30, influyendo en el desarrollo del género en Asia Oriental.
Encrucijada (1937)
La historia se centra en cuatro graduados universitarios en Shanghái que luchan por encontrar trabajo durante la Gran Depresión. Viviendo en un apartamento pequeño, enfrentan el desempleo, la pobreza y romances efímeros. La narrativa se enfoca en Zhao, quien se enamora de una chica que vive en la habitación contigua, sin saber que es la misma persona con la que discute en su trabajo temporal. A pesar de sus dificultades, los amigos mantienen el sentido del humor y una conciencia política en crecimiento.
Dirigida por Shen Xiling, esta película es un clásico del movimiento cinematográfico «izquierdista», destacada por su exitosa mezcla de comedia ligera con un serio comentario social. Captura la incertidumbre de la juventud a finales de los años 30, enfrentando tanto la ruina económica como la amenaza inminente de guerra con Japón. El final optimista del film, donde los amigos marchan hacia un futuro más brillante, sirvió como un llamado a la unidad nacional y sigue siendo una obra clave de la segunda edad de oro de Shanghái.
Ángeles de la Calle (1937)
Ambientada en los barrios marginales de Shanghái, la película sigue a un grupo de individuos marginados: un trompetista, una cantante de casa de té, un vendedor de periódicos y una prostituta. La trama se centra en el intento del trompetista por salvar a la joven cantante de ser vendida a un hombre adinerado. La historia es una mezcla de melodrama romántico, comedia y tragedia, que ilustra las luchas diarias del «proletariado oprimido» en una ciudad moderna que los ha abandonado.
Dirigida por Yuan Muzhi, la película es considerada una obra maestra del cine izquierdista chino. Es famosa por lanzar la carrera de Zhou Xuan, la «Voz de Oro» de China, y presenta dos canciones que siguen siendo pilares culturales legendarios. La película es elogiada por su diseño sonoro innovador y su representación realista de la pobreza urbana, convirtiéndola en un documento social vital de la Shanghái de los años 30 y en una de las películas más queridas en la historia china.
Mujeres Nuevas (1935)
La historia sigue a Wei Ming, una mujer educada y profesora de música que lucha por vivir una vida independiente en Shanghái. Ante el acoso sexual, las dificultades económicas y la enfermedad de su hija, finalmente es llevada al suicidio por el implacable chisme de una prensa sensacionalista. La película es una crítica feroz a la sociedad patriarcal que exigía que las mujeres fueran «nuevas» y modernas, pero las castigaba por intentar vivir fuera del control tradicional masculino.
Dirigida por Cai Chusheng y protagonizada por Ruan Lingyu, la película se convirtió en un clásico instantáneo tras el suicidio real de Ruan apenas meses después de su estreno. Basada en la vida de la actriz Ai Xia, sirvió como una poderosa investigación feminista sobre el estatus de la mujer en China. Las escenas finales de la película, donde Wei Ming grita «¡Quiero vivir!», están entre las más desgarradoras del cine temprano, consolidando el arquetipo de la «Mujer Nueva» como una figura trágica pero esencial de la modernización china.
El Gran Camino (1934)
Un grupo de jóvenes enérgicos, hombres y mujeres, trabajan juntos para construir una carretera que es crucial para la defensa nacional contra un «invasor» no especificado. En medio del trabajo agotador, forman profundos lazos de amistad y romance. Sin embargo, su labor está amenazada por traidores y la sombra inminente de la guerra. La película culmina en un sacrificio heroico, donde los trabajadores de la construcción demuestran que su labor es tan vital para la supervivencia del país como el servicio de cualquier soldado.
Dirigida por Sun Yu, esta película muda (con banda sonora sincronizada) es una obra clave del «Cine de Defensa Nacional». Se destaca por su celebración del físico masculino y su manera «encantadora y elegante» de transmitir el sentimiento anti-japonés sin nombrar directamente al enemigo. El enfoque del filme en el esfuerzo colectivo y el proletariado la convirtió en la favorita de los críticos de izquierda, y sigue siendo celebrada por su energía vibrante y su uso pionero del sonido y la canción.
La Diosa (1934)
Una joven sin nombre en Shanghái lleva una doble vida: madre devota durante el día y prostituta por la noche. Sufre la explotación de un matón local y el estigma social de su profesión, todo para asegurar que su hijo pueda recibir educación y tener un futuro mejor. Su trágico viaje explora la profundidad del sacrificio maternal y la fría indiferencia de una sociedad que no ofrece misericordia a quienes se ven forzados a sus márgenes.
Dirigida por Wu Yonggang, la película presenta a Ruan Lingyu en su actuación más icónica. Es aclamada como un punto culminante del cine mudo por su actuación contenida y su sofisticada narrativa visual. A diferencia de muchas otras películas de la época, evita ser excesivamente didáctica, enfocándose en cambio en la dignidad humana de su protagonista. Fue reconocida como una de las 100 mejores películas de China, sirviendo como una denuncia atemporal de la hipocresía social y la falta de protecciones para los vulnerables.
El Saqueo del Durazno y la Ciruela (1934)
Dos graduados universitarios idealistas, Tao y Li, se casan y prometen usar su educación para servir a la sociedad con integridad. Sin embargo, son rápidamente aplastados por la corrupción y la codicia del mundo corporativo. Tao pierde su trabajo por negarse a participar en sobornos, y la pareja cae en la pobreza. Su trágica caída sirve como advertencia de que en una cultura corrupta, incluso los individuos más talentosos y virtuosos pueden ser saqueados de su futuro.
Dirigida por Ying Yunwei y escrita por el actor principal Yuan Muzhi, esta fue una de las primeras películas sonoras exitosas de China. Fue producida por la compañía izquierdista Diantong y se convirtió en un gran éxito por su retrato cercano de las luchas de la juventud educada. El mensaje contundente del filme sobre la incompatibilidad entre la ética personal y la corrupción sistémica resonó profundamente durante los años 30, convirtiéndolo en un hito del cine socialmente consciente.
Juguetes (1933)
Una anciana fabricante de juguetes y su hija, que han perdido todo en la ciudad, se mudan a un pueblo rural para continuar fabricando juguetes tradicionales a mano. Instan a los ciudadanos a resistir la llegada de competidores internacionales baratos y producidos en masa, y a mantener su artesanía tradicional. La historia sigue su lucha a través del desplazamiento, la guerra y la pérdida familiar, retratando su compromiso con los juguetes tradicionales como un acto vital de preservación nacional.
Dirigida por Sun Yu y protagonizada por Ruan Lingyu, la película es un melodrama marxista patriótico que captura la ansiedad de China ante la rápida urbanización y la influencia imperialista extranjera. Producida por la izquierdista Compañía Lianhua, se considera una de las películas chinas más efectivas del siglo XX. La interpretación de Ruan Lingyu del arquetipo de la «Nueva Mujer»—definido aquí por la ingeniosidad y la determinación nacionalista—ayudó a establecer la película como una obra atemporal de gran importancia social.
Gusanos de seda en primavera (1933)
Old Tong Bao es el patriarca de una familia de agricultores de seda que enfrentan la ruina económica. A pesar de su arduo trabajo y la adhesión de su familia a los rituales tradicionales, su cosecha es saboteada por el colapso del mercado internacional de la seda y las presiones del capitalismo moderno. La película documenta meticulosamente el agotador proceso de cría de gusanos de seda, solo para mostrar cómo los esfuerzos de los agricultores se vuelven inútiles por fuerzas mucho más allá de su control.
Dirigida por Cheng Bugao y adaptada de una novela de Mao Dun, la película es uno de los primeros ejemplos del movimiento izquierdista en el cine chino. Se destaca por su retrato realista, casi documental, de la vida rural y su crítica a cómo las fluctuaciones del mercado global destruyen las vidas de campesinos inocentes. La película expone hábilmente la tragedia de una familia atrapada entre sus supersticiones tradicionales y un mundo económico moderno e indiferente.
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