45 chinesische Filme, die man nicht verpassen sollte

Chinesische Filme werden in drei Hauptregionen des chinesischsprachigen Kinos produziert: Festlandchina, Hongkong und Taiwan. Die Geschichte des chinesischen Kinos umfasst zahlreiche unverzichtbare Filme und Meisterwerke. Das Kino kam erstmals 1896 nach China, und der erste chinesische Film, „Dingjun Mountain“, wurde 1905 gedreht. In den Anfangsjahren konzentrierte sich der Kinomarkt hauptsächlich auf Shanghai. Die 1920er Jahre verzeichneten einen bedeutenden Anstieg kommerzieller Filme und kleiner Studio-Produktionen, insbesondere im Wuxia-Action-Genre.

Der erste chinesische Tonfilm, *Sing-Song Girl Red Peony*, wurde 1931 produziert und nutzte die innovative Sound-on-Disc-Technologie. Die 1930er Jahre gelten als die erste goldene Ära des chinesischen Kinos, geprägt von einem Aufschwung linker filmischer Aktivitäten. Der Konflikt zwischen Nationalisten und Kommunisten spiegelte sich in den Filmen dieser Zeit wider. Nach der japanischen Invasion Chinas und der Besetzung Shanghais erlebte die Filmindustrie der Stadt erhebliche Störungen, was viele Filmemacher dazu veranlasste, nach Hongkong, Chongqing (früher Chungking) und andere Orte umzuziehen.

Princess Iron Fan ‌(1941), der erste chinesische Animationsfilm, wurde am Ende dieser Periode veröffentlicht. Er beeinflusste die japanische Kriegsanimationskunst und später Osamu Tezuka. Nachdem die Filmindustrie 1941 durch den Krieg vollständig blockiert wurde, stand die Filmbranche Shanghais bis zum Ende des Konflikts 1945 unter japanischer Kontrolle.

Chinesische Filme nach dem Krieg

Nach dem Krieg begann eine zweite goldene Ära des chinesischen Kinos, mit der Rückkehr der Produktion nach Shanghai. Der Film *Spring in a Small Town* (1948) erhielt bei den 24. Hong Kong Movie Awards den Titel des besten chinesischsprachigen Films. Nach der kommunistischen Machtübernahme 1949 wurden jedoch viele veröffentlichte Filme und ausgewählte internationale Filme 1951 aufgrund strenger Zensurgesetze in China verboten. Trotz dieser Einschränkungen stieg die chinesische Filmproduktion in dieser Zeit dramatisch an. Während der Kulturrevolution jedoch sah sich die Filmindustrie schweren Beschränkungen ausgesetzt und kam von 1967 bis 1972 nahezu zum Erliegen. Nach dem Ende der Kulturrevolution florierte der Markt und produzierte in den 1980er Jahren bemerkenswerte Dramafilme wie *Evening Rain* (1980), *Legend of Tianyun Mountain* (1980) und *Hibiscus Town* (1986). Diese Filme spiegeln die psychologischen Narben jener turbulenten Zeit wider.

Fünfte Generation chinesischer Filme

Ab Mitte bis Ende der 1980er Jahre, mit Filmen wie One and Eight (1983) und Yellow Earth (1984), erhöhte das Aufkommen neuer chinesischer Filmemacher, die als „Fünfte Generation“ bekannt wurden, das Interesse am chinesischen Kino im Ausland, insbesondere auf westlichen Arthouse-Märkten. Filme wie Red Sorghum (1987), The Story of Qiu Ju (1992) und Farewell My Concubine (1993) erlangten weltweite Anerkennung. Das Geschäft kam teilweise nach den Tiananmen-Platz-Demonstrationen von 1989 zum Erliegen. Die Zeit nach 1990 sah den Aufstieg der sechsten Generation und auch der Post-sechsten Generation, die beide autonome Filme außerhalb des chinesischen Hauptkinosystems realisierten, die hauptsächlich auf dem internationalen Filmfestival-Zirkel zirkulierten.

Mit dem globalen industriellen Erfolg von Filmen wie Tiger & Dragon (2000) und Hero (2002) hat sich die Vielfalt der Koproduktionen im chinesischsprachigen Kino verbessert, und es gab auch eine direkte Aktivität des chinesischsprachigen Kinos auf dem globalen Markt. Nachdem chinesische Filme wie The Dream Factory (1997) die Machbarkeit eines großen kommerziellen Erfolgs gezeigt hatten, explodierten chinesische Filme an den Kinokassen, und im Januar 2017 waren 5 der 10 umsatzstärksten Filme in China chinesische Produktionen. Shed in Thailand (2012) war der erste chinesische Film, der an den chinesischen Kinokassen ¥1 Milliarde RMB erreichte. Beast Hunt (2015) war der erste, der ¥2 Milliarden RMB erreichte. The Mermaid (2016) war der erste, der ¥3 Milliarden RMB erreichte. Wolf Warrior 2 (2017) übertraf sie und wurde zum umsatzstärksten Film in China.

China beherbergt die größte Filmproduktionsstätte der Welt, die Oriental Movie Metropolis und Hengdian World Studios, und hatte 2010 den drittgrößten Filmmarkt für Spielfilme, die jährlich produziert werden. Im Jahr 2012 wurde das Land zum zweitgrößten Ticketverkaufsmarkt der Welt. Im Jahr 2016 beliefen sich die Ticketverkäufe in China auf RMB ¥45,71 Milliarden (6,58 Milliarden US-Dollar). Das Land verfügt seit 2016 über die größte Vielfalt an Leinwänden weltweit und wird voraussichtlich bis 2019 zum größten organisierten Markt werden. China ist auch zu einem wichtigen Dienstleistungszentrum für Hollywood-Labore geworden.

Im November 2016 verabschiedete China ein Filmgesetz, das Inhalte verbietet, die als gefährlich für den „Selbstrespekt, die Ehre und Gefühle“ der VR China angesehen werden, sowie die Förderung der „sozialistischen Kernwerte“. Wie die Branchenrichtlinien nahelegen, dürfen Filme einen Monat lang in den Kinos verbleiben. Produktionsfirmen können bei den Regulierungsbehörden eine Erweiterung dieser Frist beantragen.

In den letzten Jahren haben chinesische Zuschauer lokal produzierte chinesischsprachige Filme erheblich genossen. Die Produktionswerte chinesischer Filme haben zugenommen. Es sind große chinesische Blockbuster, die chinesische Filmemacher produzieren und die das Publikum sehen möchte, während das Interesse an Hollywood-Filmen deutlich abgenommen hat. Die hohen Einnahmen an den Kinokassen von chinesischen Filmen aus dem Jahr 2021 wie „Hello, Mom“ und auch „The Battle at Lake Changjin“ bewiesen effektiv, dass der lokale Filmmarkt chinesischer Filme unabhängig geworden ist und keine globale Zielmarktansprache benötigt, um bedeutende Einnahmen zu generieren. Die aktuellen patriotischen chinesischen Filme sind tatsächlich Propagandafilme. Die meisten der aktuellen chinesischen Blockbuster ähneln jenen Hollywood-Filmen, die die Vereinigten Staaten als ein Land darstellen, das den Planeten vor globalen Katastrophen verteidigt.

Frühe chinesische Filme

Das Kino wurde 1896 in China eingeführt. China war nur eine der ersten Nationen, die das Medium Kino entdeckten, nachdem Louis Lumière ein Jahr nach der Entwicklung der Kinematographie seinen Kameramann nach Shanghai schickte. Der erste videografisch aufgezeichnete Filmtest in China fand am 11. August 1896 in Shanghai statt. Der erste chinesische Film, eine Aufnahme der Peking-Oper Dingjun Mountain, wurde im November 1905 in Peking gedreht. In späteren Jahren waren Filmproduktionsfirmen in China hauptsächlich ausländisch besessen, und das lokale Filmviertel wurde in Shanghai etabliert, einem florierenden Handelszentrum und der größten Stadt im Fernen Osten.

Im Jahr 1913 wurde in Shanghai das erste unabhängige Filmskript, The Arduous Couple, von Zheng ‍Zhengqiu und Zhang Shichuan gedreht. Zhang Shichuan gründete später im Jahr ‌1916‌ das erste chinesisch-eigene Filmproduktionsunternehmen. Der erste abendfüllende Spielfilm war Yan ‌Ruishen, der 1921 veröffentlicht wurde. Dabei handelte es sich um einen Dokumentarfilm über den Mord an‍ einer Prostituierten in Shanghai. Während der ‍1920er Jahre bildeten Filmspezialisten aus den Vereinigten Staaten chinesische Fachkräfte in Shanghai aus, und‌ der amerikanische Einfluss war dort ⁣für die nächsten 20 Jahre spürbar. Da das Kino noch in seinen frühen ​Entwicklungsstadien⁢ war, waren viele chinesische Stummfilme jener Zeit meist nur theatralische Kurzfilme oder Komödien, und die technische Ausbildung war sehr mangelhaft.

Später, nach Experimenten, konnte China Motivation aus seinen eigenen typischen Vorzügen schöpfen und⁣ begann auch mit der Produktion von Martial-Arts-Filmen, beginnend mit Burning of Red⁣ Lotus‌ Temple (1928). Burning of Red Lotus Temple war ein Erfolg, und die Produktion von Star Motion Pictures (Mingxing) verzeichnete anschließend 18 Fortsetzungen, was den Beginn der prestigeträchtigen ​Martial-Arts-Filme Chinas markierte. ⁣Mehrere Nachahmer traten in das Genre ein, darunter U. Lien Studios Red⁤ Heroine (1929). In dieser Zeit entstanden viele der wichtigsten Produktionsfirmen, insbesondere die Mingxing der Shaw-Brüder und ‌Tianyi. Mingxing, gegründet von⁢ Zheng Zhengqiu‌ und Zhang Shichuan im Jahr 1922, konzentrierte sich zunächst auf komödiantische ⁢Kurzfilme, darunter der erste vollständige chinesische Film Laborer’s Love ​(1922). Die Produktion verlagerte sich dann auf Spielfilme​ und Familiendramen wie Orphan Rescues Grandfather ⁣(1923). Tianyi legte seinen Stil auf Mythologie aus und drängte zudem direkt in internationale Märkte; ihr Film White ‌Snake (1926) ist ein Beispiel für ihren ​Erfolg bei den chinesischen Zuschauern in Südostasien.

Frühe chinesische Tonfilme

Im Jahr 1931 wurde der erste chinesische Tonfilm Sing-Song Girl Red Peony produziert, ein Ergebnis der Zusammenarbeit zwischen der Filmproduktion der Mingxing Filmgesellschaft und der Toninnovation von Pathé Frères. Der Ton wurde auf Platte aufgenommen und später synchron zum Bild im Kino abgespielt. Der erste chinesische Dialogfilm war Tianyis Spring on Stage, oder Great China Studio, sowie Jinan Studios Clear Sky After Storm. Musikfilme wie Song at Midnight ⁢(1937) und Street ‍Angels (1937), mit Zhou Xuan in der Hauptrolle, entwickelten sich zu einem der wichtigsten Filmgenres in China.

Die ersten bedeutenden ‌chinesischen Filme wurden ab den 1930er Jahren produziert, mit dem Aufkommen linker politischer Aktivitäten. ⁢Cheng Bugao’s⁣ Spring Silkworms (1933), Wu Yonggangs The Goddess (1934) und Sun Yus The Great Road, auch bekannt als The Big Road (1934). Diese Filme wurden für ihren Fokus auf Klassenkampf und äußere Gefahren wie Japan sowie auf gewöhnliche Menschen, etwa ein Mitglied einer Seidenraupenzüchterfamilie in Spring ⁢Silkworms und eine Prostituierte in La‍ Goddess, in Erinnerung behalten. Teilweise aufgrund des Erfolgs dieses Filmtyps wurde die Periode als erste Goldene Ära des chinesischen Kinos bezeichnet. Die linke Filmbewegung konzentrierte sich meist auf das westlich beeinflusste Shanghai, wo Filmemacher die unteren Klassen einer überbevölkerten Stadt darstellten. Zu den Produktionsfirmen, die den Markt in den frühen bis mittleren 1930er Jahren beherrschten, gehörten die neu gegründete Lianhua, das ältere und größere Mingxing sowie Tianyi. Sowohl Mingxing als auch Lianhua unterstützten linke Politik, besonders Lianhua.

Die Periode brachte auch Chinas erste große Filmstars hervor, wie Hu Die, Ruan Lingyu, Li Lili, Chen Yanyan, Zhou⁤ Xuan, Zhao Dan und Jin Yan. Weitere bedeutende Filme dieser Ära sind Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), Track of the Fishermen (1934), Plunder of Peach and Plum (1934), Crossroads (1937) und Street Angel (1937). Während der 1930er Jahre konkurrierten Nationalisten und Kommunisten heftig um die Kontrolle über die wichtigsten chinesischen Filmproduktionen; dieser Einfluss ist in den Filmen der chinesischen Studios aus dieser Zeit deutlich erkennbar.

Unbedingt anzuschauende chinesische Filme

Hier ist eine umfangreiche Auswahl der besten chinesischen Filme, die Sie unbedingt sehen müssen. Diese Liste reicht von den Meisterwerken des frühen chinesischen Stummfilms über verschiedene Regiegenerationen bis hin zu den Kulturrevolutionen und Propagandafilmen sowie avantgardistischem und zeitgenössischem Independent-Kino. Die Filme sind streng chronologisch geordnet. Die Wahl liegt bei Ihnen.

So Long, My Son (2019)

Dieser bewegende Drama erstreckt sich über drei Jahrzehnte chinesischer Geschichte und folgt einem Paar, Yaojun und Liyun, das mit den Folgen eines tragischen Unfalls um ihren einzigen Sohn ringt. Die Erzählung spannt sich von den 1980er Jahren bis in die Gegenwart und zeigt, wie die Ein-Kind-Politik, wirtschaftliche Veränderungen und persönliche Bedauern ihr Leben und das der Menschen um sie herum beeinflussen.

Regie führte Wang Xiaoshuai, eine prominente Figur der sechsten Generation, und der Film ist ein Meisterwerk emotionaler Tiefe und nicht-linearer Erzählweise. Er erhielt internationale Anerkennung, gewann die Silbernen Bären für den besten Schauspieler und die beste Schauspielerin auf der 69. Berlinale und gilt als definitive Meditation über Trauer und die beständige Natur familiärer Bindungen inmitten staatlich getriebener sozialer Veränderungen.

An Elephant Sitting Still (2018)

Dieses vierstündige Epos folgt vier Personen, deren Leben sich an einem einzigen düsteren Tag in einer nördlichen Industriestadt kreuzen. Verbunden durch ihr gemeinsames Gefühl von Hoffnungslosigkeit und Frustration über eine verfallende Gesellschaft, begeben sie sich auf eine Reise, um einen legendären Elefanten in Manzhouli zu sehen, der angeblich still sitzt und die Welt ignoriert. Der Film bietet einen eindringlichen, kompromisslosen Blick auf die geistige Stagnation und den systemischen Nihilismus im modernen urbanen China.

Tragischerweise war dies der erste und einzige Spielfilm des Regisseurs Hu Bo, der sich kurz nach Abschluss des Schnitts im Alter von 29 Jahren das Leben nahm. Präsentiert wurde der Film der Welt von seinem Mentor Béla Tarr und gewann den FIPRESCI-Preis auf der Berlinale. Kritiker lobten ihn als monumentales Regiedebüt und ein eindringliches Epitaph, das für seine langen Einstellungen und seine Fähigkeit, sozialpolitischen Kommentar mit intimer menschlicher Verzweiflung zu verbinden, bekannt ist.

Ash Is Purest White (2018)

Die Handlung spielt in der Unterwelt des „jianghu“ und folgt Qiao, die für ihren Gangsterfreund Bin die Schuld auf sich nimmt, nachdem dieser von einer rivalisierenden Bande angegriffen wurde. Nach fünf Jahren Haft tritt Qiao in ein China hinaus, das sich bis zur Unkenntlichkeit verändert hat. Sie reist quer durchs Land, um Bin zu finden, nur um zu entdecken, dass die Loyalität und Ehrenkodizes, die sie einst verbanden, im Zuge der rasanten wirtschaftlichen Entwicklung Chinas dahingeschmolzen sind.

Regie führte Jia Zhangke, und in der Hauptrolle ist seine Muse Zhao Tao zu sehen. Der Film ist eine umfassende Synthese seiner wiederkehrenden Themen: die Verdrängung des Individuums und den Zerfall der Tradition. Er konkurrierte um die Goldene Palme in Cannes und wird für seine Mischung aus Film-Noir-Elementen und humanistischer Perspektive gelobt. Die „Asche“ im Titel symbolisiert sowohl die wörtliche vulkanische Landschaft des Schauplatzes als auch den widerstandsfähigen Geist der Figuren, die vom Fortschritt zurückgelassen wurden.

Die Gründung einer Armee (2017)

Dieses historische Epos schildert die Ereignisse des Nanchang-Aufstands von 1927, einen entscheidenden Moment, der zur Gründung der Volksbefreiungsarmee führte. Es konzentriert sich auf die Bemühungen junger kommunistischer Führer, darunter Mao Zedong und Zhou Enlai, die sich vom Kuomintang abspalten, um eine unabhängige Militärmacht zu etablieren. Die Erzählung dient als dramatisierte Chronik der frühen taktischen Kämpfe und ideologischen Formationen der Revolution.

Regie führte Andrew Lau, der Film ist der letzte Teil der Trilogie „Die Gründung des neuen China“. Produziert zum 90. Jahrestag der Volksbefreiungsarmee, setzt er auf hochbudgetierte Actionchoreografien und eine Besetzung junger Idole, um ein modernes Publikum anzusprechen. Während er als Staatspropaganda fungiert, wird er für seine technische Finesse und den Versuch gelobt, historische Figuren durch die Linse eines Blockbuster-Kriegsfilms zu vermenschlichen.

Mountains May Depart (2015)

Der Film ist in drei deutlich voneinander getrennte Zeitabschnitte unterteilt – 1999, 2014 und 2025 – und verfolgt das Leben von Tao, einer jungen Frau aus Fenyang, sowie die zwei Männer, die um ihre Zuneigung konkurrieren. Was als klassisches Liebesdreieck beginnt, entwickelt sich zu einer weitreichenden Geschichte über Migration, den Verlust kultureller Wurzeln und die Entfremdung einer zukünftigen Generation, die in der Diaspora aufwächst. Die wechselnden Bildformate spiegeln die sich wandelnden Epochen und das Schrumpfen persönlicher Verbindungen wider.

Jia Zhangke erforscht die menschlichen Kosten der Globalisierung und des „Chinesischen Traums“ und stellt die Frage, was von einer Familie bleibt, wenn sie durch Sprache und Ozeane getrennt ist. Der Film konkurrierte um die Goldene Palme und wurde für seinen visionären Sprung in die Zukunft gelobt, der die lebendige Volksmusik der Vergangenheit mit der sterilen, elektronischen Landschaft der 2020er Jahre kontrastiert. Es ist ein zutiefst leidenschaftliches Werk, das die Zerbrechlichkeit von Erinnerung und Heimat untersucht.

A Touch of Sin (2013)

Inspiriert von realen Ereignissen, die die chinesische Öffentlichkeit erschütterten, erzählt diese Anthologie vier lose verbundene Geschichten von Individuen, die durch soziale Ungerechtigkeit zu extremer Gewalt getrieben werden. Von einem Bergarbeiter, der gegen lokale Korruption kämpft, bis zu einer Rezeptionistin, die durch sexuelle Belästigung an ihre Grenzen getrieben wird, zeichnet der Film ein düsteres Bild der Spannungen, die unter der Oberfläche des wirtschaftlichen Booms im modernen China brodeln. Jeder Abschnitt ist stilistisch vom klassischen Wuxia-Genre und der traditionellen chinesischen Oper beeinflusst.

Regie führte Jia Zhangke, der Film gewann das Beste Drehbuch beim Filmfestival von Cannes. Er markiert eine bedeutende Tonverschiebung für den Regisseur, der vom stillen Realismus zu einer viszeralen, choreografierten Gewalt übergeht. Der Film wurde zunächst von den Zensoren genehmigt, erlitt später jedoch aufgrund seiner offenen Darstellung sozialer Instabilität ein faktisches Verbot im chinesischen Festland. Er bleibt eine der kühnsten Kritiken des moralischen Vakuums, das durch die rasche Modernisierung entstanden ist.

Let the Bullets Fly (2010)

Während der chaotischen Warlord-Ära der 1920er Jahre kapert ein Banditenführer namens Pocky Zhang einen Zug und gibt sich als neuer Gouverneur einer abgelegenen Stadt aus. Bald befindet er sich in einem tödlichen Schlagabtausch mit dem örtlichen Mob-Boss, Meister Huang. Es folgt ein Wirbelwind aus Täuschungen, ausgeklügelten Fallen und explosiven Schießereien, während die beiden Männer um die Kontrolle über den Reichtum der Stadt und die Loyalität ihrer Bewohner kämpfen.

Regie führte Jiang Wen, diese Action-Komödie wurde einer der erfolgreichsten Filme in der chinesischen Geschichte. Sie wird gefeiert für ihren schnellen Dialog, ihren schwarzen Humor und ihre scharfe politische Allegorie, die viele Kritiker als Kommentar zu Macht und Revolution interpretierten. Die erfinderische Erzählweise und die charismatischen Darstellungen machten den Film zu einem Meilenstein des kommerziellen chinesischen Kinos, das intellektuelle Tiefe nicht zugunsten der Unterhaltung opfert.

The Founding of a Republic (2009)

Dieser Film dramatisiert die letzten Jahre der chinesischen Kommunistischen Revolution, von 1945 bis zur Gründung der Volksrepublik 1949. Er konzentriert sich auf die Verhandlungen und militärischen Kampagnen zwischen Mao Zedongs Kommunisten und Chiang Kai-sheks Nationalisten. Die Erzählung versucht, eine „offizielle“ Geschichte der Staatsgründung darzustellen und hebt die strategische Brillanz sowie die breite Unterstützung hervor, die zum Sieg der Kommunisten führten.

Co-Regie führten Han Sanping und Huang Jianxin, der Film ist berühmt für seine beispiellose „All-Star“-Besetzung mit Cameos nahezu aller großen Stars des chinesischen Kinos, darunter Jackie Chan und Jet Li. Als Stück Zhuxuanlu (Propaganda) nutzte er erstklassige Produktionswerte, um jüngere Zuschauer anzusprechen. Er bleibt ein bedeutendes kulturelles Artefakt der staatlichen Bemühungen, politische Botschaften durch Blockbuster-Ästhetik zu modernisieren.

Still Life (2006)

Der Film spielt in der alten Stadt Fengjie, die durch den Bau des Drei-Schluchten-Staudamms langsam überflutet wird, und folgt zwei Fremden auf getrennten Suchaktionen. Ein Kohlearbeiter kommt an, um seine entfremdete Frau und Tochter zu finden, während eine Krankenschwester nach ihrem seit zwei Jahren vermissten Ehemann sucht. Während um sie herum Gebäude abgerissen werden, navigieren sie durch eine Landschaft physischer und emotionaler Zerstörung und suchen nach einem Abschluss in einer Welt, die buchstäblich verschwindet.

Jia Zhangke gewann für dieses Meisterwerk der Sechsten Generation den Goldenen Löwen auf den Filmfestspielen von Venedig. Der Film zeichnet sich durch die Verschmelzung von rauem dokumentarischem Realismus mit surrealistischen Elementen aus, wie etwa einem Gebäude, das wie eine Rakete startet. Er dient als tiefgründiges Zeugnis der Umwelt- und menschlichen Vertreibung, die durch Chinas massive Infrastrukturprojekte verursacht wird, und wurde für seinen mitfühlenden Blick auf die Individuen, die in den Zahnrädern des Fortschritts gefangen sind, hoch gelobt.

Die Welt (2004)

Die Geschichte konzentriert sich auf das Personal des Beijing World Park, eines echten Vergnügungsparks mit maßstabsgetreuen Nachbildungen globaler Wahrzeichen wie dem Eiffelturm und dem Taj Mahal. Die Charaktere, meist Migranten aus ländlichen Provinzen, leben ihr Leben innerhalb der Grenzen des Parks, ihre Beziehungen werden durch Mobiltelefone und digitale Fantasien vermittelt. Trotz der Umgebenheit von der „Welt“ bleiben sie isoliert und gefangen in einem monotonen Kreislauf aus Arbeit und unerfüllten Sehnsüchten.

Dies war Jia Zhangkes erster Film, der offiziell von der chinesischen Regierung genehmigt wurde, was seinen Übergang vom Untergrund zum Mainstream-System markiert. Es ist eine kritische Untersuchung der Globalisierung, die nahelegt, dass die durch moderne Technologie gebotene Vernetzung ein hohler Ersatz für echte menschliche Intimität ist. Der Einsatz von Flash-Animationssequenzen zur Darstellung der inneren digitalen Leben der Charaktere unterstreicht das Thema des Films über die verschwimmende Grenze zwischen Realität und Spektakel.

2046 (2004)

Eine lose Fortsetzung von In the Mood for Love, folgt der Film Chow Mo-wan, einem Schriftsteller, der in seinen vergangenen Romanzen schwelgt, während er an einem Science-Fiction-Roman über einen mysteriösen Zug arbeitet, der zu einem Ort namens 2046 fährt. Die Erzählung wechselt zwischen der neongetränkten Realität des Hongkongs der 1960er Jahre und der futuristischen, digitalen Welt seines Buches, in der die Figuren hoffen, verlorene Erinnerungen zurückzugewinnen. Es ist eine üppige, fragmentarische Erkundung unerwiderter Liebe und der Beharrlichkeit von Bedauern.

Regie führte Wong Kar-wai, der Film ist ein visueller und auditiver Triumph, bekannt für seine Zeitlupen-Kinematografie und den eindringlichen Soundtrack. Die Fertigstellung dauerte vier Jahre und der Film verfügt über eine pan-asiatische Besetzung, darunter Tony Leung, Zhang Ziyi und Gong Li. 2046 gilt als Eckpfeiler des zeitgenössischen chinesischsprachigen Kinos und erweitert die Grenzen der Erzählstruktur, um die fließende und oft schmerzhafte Natur von Zeit und Erinnerung widerzuspiegeln.

Blind Shaft (2003)

In den illegalen Kohlebergwerken Nordchinas betreiben zwei Betrüger einen grausamen Betrug: Sie rekrutieren naive Wanderarbeiter, ermorden sie in den Minen und geben sich dann als deren Verwandte aus, um von den Minenbesitzern „Entschädigungs“-Gelder zu erpressen. Ihr Plan gerät moralisch ins Wanken, als sie einen 16-jährigen Jungen anwerben, was die erfahreneren Mörder zwingt, sich mit den Resten ihrer eigenen Menschlichkeit auseinanderzusetzen. Der Film bietet einen erschreckend realistischen Blick auf den „Wilden Westen“ der industriellen Unterwelt Chinas.

Regie führte Li Yang, basierend auf dem Roman Sacred Grove. Der Film wurde heimlich in echten Minen gedreht, was die Crew oft in echte Gefahr brachte. Er gewann den Silbernen Bären auf der Berlinale, wurde jedoch in China wegen seiner äußerst unvorteilhaften Darstellung der Bergbauindustrie und moralischer Korruption verboten. Er bleibt ein kraftvolles Beispiel für „Underground“-Kino, das die menschlichen Kosten des kohlegetriebenen Wirtschaftswachstums Chinas offenlegt.

Unbekannte Freuden (2002)

Der Film folgt zwei 19-jährigen Faulpelzen in der Industriestadt Datong, die ihre Tage damit verbringen, Motorrad zu fahren und westliche Popkultur aufzusaugen. Losgelöst von den traditionellen Werten ihrer Eltern und ohne klare Zukunft in einer sich wandelnden Wirtschaft treiben sie in Kleinkriminalität und flüchtige Romanzen ab. Er fängt die ziellose Energie einer Generation ein, die unter der Ein-Kind-Politik geboren wurde und den Druck einer Welt spürt, die sie nicht ganz versteht.

Regie führte Jia Zhangke, der Film war ein Anwärter auf die Goldene Palme in Cannes. Er ist der letzte Teil seiner „Out of Fenyang“-Trilogie, die die Transformation des provinziellen Chinas durch die Augen seiner Jugend erforscht. Bekannt für seine digitale Kinematographie und langen Einstellungen, ist der Film ein definitives Porträt der „Geburtenkontrolle“-Generation und des kulturellen Vakuums, das durch den plötzlichen Zustrom globaler Medien und Konsum entsteht.

Blue Gate Crossing (2002)

Diese zarte Coming-of-Age-Geschichte dreht sich um ein Liebesdreieck zwischen drei Oberschülern in Taipeh. Kerou, ein burschikoses Mädchen, wird von ihrer besten Freundin Yuezhen gebeten, ihr zu helfen, sich einem beliebten Jungen, Shihao, zu nähern. Doch als Shihao beginnt, sich stattdessen in Kerou zu verlieben, wird Kerou gezwungen, sich mit ihren eigenen verwirrenden Gefühlen und der Erkenntnis ihrer wahren Identität auseinanderzusetzen. Es ist eine sanfte, nuancierte Erkundung jugendlicher Sehnsüchte und der Angst vor dem Erwachsenwerden.

Regie führte Yee Chin-yen, der Film ist ein Meilenstein des Einflusses der „Taiwanesischen Neuen Welle“ auf das Jugendkino. Er wird für seine naturalistischen Darstellungen, insbesondere von der jungen Gwei Lun-mei, und seine sensible Behandlung von LGBTQ+-Themen gefeiert. Der Film verzichtet auf das für das Genre typische Melodrama und fängt das bittersüße Wesen eines Sommers ein, der das Ende kindlicher Unschuld und den Beginn der Selbstfindung markiert.

Beijing Bicycle (2001)

Guei, ein 17-jähriger Migrant vom Land, findet Arbeit als Kurier in Peking und erhält ein hochwertiges Mountainbike zugewiesen. Als das Fahrrad gestohlen wird, verbringt er Wochen damit, die Stadt abzusuchen, und findet es schließlich im Besitz von Jian, einem örtlichen Schüler, der es auf einem Flohmarkt gekauft hat, um ein Mädchen zu beeindrucken. Die beiden Jungen, die aus völlig unterschiedlichen sozialen Verhältnissen stammen, geraten in einen verzweifelten Kampf um das Fahrrad, das für den einen Überleben und für den anderen Status bedeutet.

Regie führte Wang Xiaoshuai, und der Film gewann den Großen Preis der Jury bei der Internationalen Filmfestspiele Berlin. Er wird oft mit dem italienischen Neorealismus-Klassiker Fahrraddiebe verglichen, jedoch mit einer deutlich modernen chinesischen Note, die die wachsende Kluft zwischen der ländlichen Armut und der städtischen Mittelschicht hervorhebt. Obwohl er zunächst in Festlandchina verboten war, weil er ohne Genehmigung im Ausland gezeigt wurde, gilt er heute als ein wichtiges Werk der Sechsten Generation.

Platform (2000)

Der Film folgt einer provinziellen Theatergruppe in Fenyang von den späten 1970er Jahren bis in die 1980er. Während die maoistische Ideologie den wirtschaftlichen Reformen von Deng Xiaoping weicht, vollzieht die Truppe den Übergang von revolutionären Opern zu westlich geprägter Popmusik. Die Figuren erleben ihr Erwachsenwerden vor dem Hintergrund radikaler gesellschaftlicher Veränderungen, wobei ihre persönlichen Träume und Herzschmerzen die langsame, oft schmerzhafte Modernisierung der Nation widerspiegeln.

Jia Zhangkes weitläufiges Meisterwerk gilt als einer der bedeutendsten Filme des 21. Jahrhunderts. Es fängt die „Übergangszeit“ mit unvergleichlicher Detailgenauigkeit ein, nutzt lange Einstellungen und die diegetische Tonspur, um ein Gefühl gelebter Geschichte zu erzeugen. Der Titel bezieht sich sowohl auf einen Bahnsteig, der den Wunsch nach Flucht symbolisiert, als auch auf die Bühne, auf der die Figuren ihr Leben aufführen. Es ist ein unverzichtbares Werk zum Verständnis der psychologischen Verschiebungen der Nach-Kulturrevolutions-Generation.

Devils on the Doorstep (2000)

Während des Zweiten Chinesisch-Japanischen Krieges werden ein japanischer Soldat und sein Übersetzer auf mysteriöse Weise vor die Haustür eines Bauern namens Ma Dasan in einem abgelegenen Dorf gesetzt. Die Dorfbewohner werden angewiesen, sie gefangen zu halten oder schlimme Konsequenzen zu fürchten, doch als Monate vergehen und die „Besitzer“ nie zurückkehren, um sie abzuholen, entsteht eine bizarre Bindung zwischen den Gefangenen und ihren Bewachern. Die inhärente Absurdität und Grausamkeit des Krieges führt jedoch schließlich zu einem verheerenden und ironischen Höhepunkt.

Regie führte Jiang Wen, diese schwarze Komödie gewann den Großen Preis von Cannes, wurde aber in China berüchtigt verboten wegen ihrer „falschen“ Darstellung der Geschichte und der Darstellung bäuerlicher Unwissenheit. In hochkontrastiertem Schwarzweiß gedreht, um die Nachrichtenfilme der 1940er Jahre zu imitieren, ist der Film eine scharfe Kritik an der Gewaltspirale und der entmenschlichenden Natur des Nationalismus. Er bleibt einer der provokativsten und stilistisch einzigartigsten Kriegsfilme, die je in China gedreht wurden.

Tiger & Dragon (2000)

Die Handlung spielt in der Qing-Dynastie und folgt einem legendären Schwertkämpfer, Li Mu Bai, der sein Schwert „Grünes Schicksal“ seiner geheimen Liebe Yu Shu Lien anvertraut. Als das Schwert von einer mysteriösen und talentierten jungen Adligen, Jen Yu, gestohlen wird, entfaltet sich eine Reihe von schwerkraftwidrigen Kämpfen und romantischen Verfolgungen an den Grenzen Chinas. Die Erzählung untersucht die Spannung zwischen sozialer Pflicht und dem Wunsch nach persönlicher Freiheit sowie die schwere Last alter Vermächtnisse.

Regie führte Ang Lee. Dieses Meisterwerk der Kampfkunst wurde zu einem globalen kulturellen Phänomen und gewann vier Academy Awards, darunter den für den besten fremdsprachigen Film. Es wird zugeschrieben, das „Wuxia“-Genre einem breiten westlichen Publikum durch seine poetische Action-Choreographie und tiefe emotionale Resonanz nähergebracht zu haben. Die atemberaubende Kinematographie und die philosophischen Grundlagen des Films setzten einen neuen Maßstab für das Genre, indem sie Arthouse-Sensibilität mit Blockbuster-Spannung verbanden.

Xiao Wu (1997)

Xiao Wu ist ein Kleinkrimineller und Taschendieb in der Stadt Fenyang, der sich zunehmend entfremdet fühlt, da seine ehemaligen Komplizen sich zu respektablen Geschäftsleuten wandeln. Während die Polizei die Kriminalität bekämpft und die Stadt einer raschen Urbanisierung unterliegt, driftet Xiao Wu durch eine Reihe gescheiterter Verbindungen zu seiner Familie und einer lokalen Prostituierten. Er bleibt eine „vage“ Figur, unfähig oder unwillig, sich an die neue kapitalistische Realität anzupassen, die Profit über traditionelle Loyalität stellt.

Dies war das Regiedebüt von Jia Zhangke, gedreht mit einem Mini-Budget von 50.000 US-Dollar auf 16mm-Film. Es gilt als Gründungswerk der unabhängigen „Sechsten Generation“, die durch ihren schonungslosen Realismus und den Fokus auf die marginalisierten Verlierer des Wirtschaftsbooms gekennzeichnet ist. Der Erfolg des Films auf internationalen Festivals ebnete Jia den Weg und etablierte eine neue Ästhetik des beobachtenden Kinos, die bis heute chinesische unabhängige Filmemacher beeinflusst.

Der Opiumkrieg (1997)

Dieses historische Epos schildert die Ereignisse des Ersten Opiumkriegs (1839–1842) zwischen dem Qing-Reich und dem Britischen Empire. Es konzentriert sich auf die Bemühungen von Lin Zexu, den illegalen Opiumhandel in Guangzhou zu unterdrücken, und die anschließende militärische Eskalation durch die britische Marine. Die Erzählung stellt den Konflikt als Zusammenprall einer absteigenden alten Zivilisation mit einer aufsteigenden, technologisch überlegenen Kolonialmacht dar, was zum „Jahrhundert der Demütigung“ führte.

Regie führte Xie Jin, der prominenteste Filmemacher der „Dritten Generation“. Der Film wurde mit starker staatlicher Unterstützung produziert, um mit der Übergabe Hongkongs im Jahr 1997 zusammenzufallen. Mit einem Budget von 15 Millionen US-Dollar war es die teuerste chinesische Produktion seiner Zeit. Obwohl er eine starke nationalistische Botschaft trägt, wird er für seine hohe Produktionsqualität und den Versuch, eine detaillierte, wenn auch parteiische, historische Darstellung der Ursprünge der modernen chinesischen Außenpolitik zu liefern, anerkannt.

East Palace, West Palace (1996)

Der Film spielt in einer einzigen Nacht in einer Polizeistation in Peking und folgt der Vernehmung von A-Lan, einem jungen schwulen Schriftsteller, der in einem Park in der Nähe der Verbotenen Stadt festgenommen wurde. Während der Beamte Xiao Shi ihn befragt, erzählt A-Lan seine Lebensgeschichte und seine Erfahrungen innerhalb der Untergrund-„Cruising“-Kultur. Die Machtverhältnisse zwischen den beiden Männern verschieben sich, als sie ein psychologisches Spiel von Anziehung und Abstoßung führen, das die unterdrückten Wünsche des Beamten offenbart.

Regie führte Zhang Yuan; dies war der erste Festlandchina-Film, der offen Homosexualität thematisierte. Aufgrund des sensiblen Themas wurde der Film heimlich gedreht, und das Negativ musste aus China geschmuggelt werden, um geschnitten zu werden. Er ist ein Meilenstein der Sechsten Generation, die mit einem klaustrophobischen Setting die staatliche Einmischung in das Privatleben und die performative Natur von Autorität kritisiert. Der Film bleibt ein wichtiges Dokument der LGBTQ+-Geschichte in China.

Der Postbote (1995)

Xiao Wu ist ein ruhiger, unauffälliger Postbote in Peking, der eine transgressive Gewohnheit entwickelt: Er fängt an, die Briefe abzufangen und zu lesen, die er eigentlich zustellen soll. Durch diese gestohlenen Einblicke in das Privatleben fremder Menschen wird er zu einem voyeuristischen „Gott“, der schließlich in deren Angelegenheiten eingreift, um deren Ausgang zu manipulieren. Seine Obsession mit den Geheimnissen anderer führt jedoch schließlich zum Zusammenbruch seiner eigenen geistigen Gesundheit und seiner fragilen Verbindung zur Realität.

Regie führte He Jianjun; der Film ist ein typisches Werk der Sechsten Generation, bekannt für seinen minimalistischen Stil und den Fokus auf städtische Entfremdung. Er bietet ein scharfes, modernes Bild Chinas, das in starkem Kontrast zu den historischen Epen der Fünften Generation steht. Im Westen wurde der Film für seine transgressiven Themen Voyeurismus und Untreue gelobt und dient als psychologische Studie der Einsamkeit, die die Bewohner einer schnell wachsenden und unpersönlichen Metropole heimsucht.

Leben! (1994)

Nach dem Roman von Yu Hua erzählt der Film das Leben von Fugui, einem wohlhabenden Mann, der sein Familienvermögen verspielt und sich als Schattenspieler neu erfinden muss. Über vier Jahrzehnte hinweg erleben Fugui und seine Frau Jiazhen den Zweiten Chinesisch-Japanischen Krieg, den Bürgerkrieg, den Großen Sprung nach vorn und die Kulturrevolution. Trotz herzzerreißender persönlicher Verluste findet die Familie die Kraft weiterzuleben, ihr Überleben wird zum Zeugnis für die Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes.

Unter der Regie von Zhang Yimou gewann der Film den Grand Prix in Cannes, wurde jedoch in China wegen seiner kritischen Darstellung der Kommunistischen Parteipolitik verboten. Er gilt als eines der bewegendsten historischen Dramen des Weltkinos, bekannt für seine üppige Kinematographie und die kraftvollen Darstellungen von Ge You und Gong Li. Der Film verwandelt eine spezifische nationale Tragödie in eine universelle Meditation über Durchhaltevermögen und die einfache, tiefgründige Tat des Überstehens historischer Verwüstung.

Abschied, meine Konkubine (1993)

Dieses epische historische Drama folgt zwei Peking-Opern-Stars, Cheng Dieyi und Duan Xiaolou, über fünfzig Jahre Freundschaft und Rivalität. Dieyi, der sich auf Frauenrollen spezialisiert hat, kämpft damit, seine Bühnenidentität von der Realität zu unterscheiden, während er eine tiefe, unerwiderte Liebe zu Xiaolou hegt. Ihr Leben wird durch die japanische Besatzung, den Sieg der Kommunisten und die brutalen Säuberungen der Kulturrevolution zerrissen, die sie dazu zwingen, einander zu verraten, um zu überleben.

Regie führte Chen Kaige; es war der erste chinesischsprachige Film, der die Goldene Palme in Cannes gewann. Es ist ein Meisterwerk der Fünften Generation, gefeiert für sein opulentes Produktionsdesign und seine furchtlose Erforschung von Homosexualität und Geschlechtsidentität innerhalb einer traditionellen Kultur. Trotz erheblicher Zensur und zeitweiliger Verbote in China wird er heute als einer der größten Filme aller Zeiten anerkannt und dient als kraftvolle Allegorie für die Seele Chinas im 20. Jahrhundert.

Die Tage (1993)

In kargem Schwarz-Weiß gedreht, folgt der Film Dong und Chun, einem jungen Künstlerpaar in Peking, das mit Armut und künstlerischer Stagnation kämpft. Während sie durch ihre eintönigen Alltagsroutinen treiben, wächst die Stille zwischen ihnen, und ihre Beziehung beginnt unter der Last unerfüllter Erwartungen zu zerfallen. Es ist ein klaustrophobisches und intimes Porträt der „intellektuellen“ Klasse, die sich im Zuge der politischen Umbrüche der späten 1980er Jahre verloren und verlassen fühlt.

Regie führte Wang Xiaoshuai mit einem Budget von weniger als 10.000 Dollar; es war einer der ersten wirklich unabhängigen „Underground“-Filme, die außerhalb des staatlichen Studiensystems entstanden. Nach seiner Veröffentlichung wurde er von der chinesischen Filmbehörde auf die schwarze Liste gesetzt, die Wang anschließend mehrere Jahre lang das Filmemachen untersagte. Dennoch erlangte er international immense kritische Anerkennung, wobei die BBC ihn zu einem der 100 besten Filme aller Zeiten zählte. Es ist ein wegweisendes Werk, das die Ästhetik der urbanen Verzweiflung der Sechsten Generation definierte.

Die Geschichte von Qiu Ju (1992)

Als ein Dorfvorsteher ihrem Ehemann während eines Streits in den Schritt tritt, weigert sich eine schwangere Bäuerin namens Qiu Ju, eine einfache Geldentschädigung zu akzeptieren. Entschlossen, eine formelle Entschuldigung zu erhalten, begibt sie sich auf eine bürokratische Odyssee, reist von ihrem Dorf über die Kreisstadt bis in die Großstadt. Ihre hartnäckige Suche nach Gerechtigkeit offenbart die Komplexität des Rechtssystems und den Konflikt zwischen traditionellen Dorfregeln und dem modernen chinesischen Recht.

Regie führte Zhang Yimou, in der Hauptrolle Gong Li. Der Film gewann den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig. Er ist bekannt für seinen „neo-realistischen“ Ansatz, bei dem versteckte Kameras und Laiendarsteller eingesetzt werden, um die Textur des Alltagslebens im ländlichen China einzufangen. Der Film markierte eine Abkehr von Zhangs früheren stilisierten Melodramen und bietet einen bodenständigeren und humorvollen Blick auf das Beharren des Individuums gegen die gesichtslose Maschinerie des Staates.

Raise the Red Lantern (1991)

In den 1920er Jahren wird eine junge Studentin namens Songlian gezwungen, als vierte Ehefrau eines wohlhabenden Herren zu heiraten. Sie betritt eine Welt starrer Traditionen, in der das Anzünden einer roten Laterne anzeigt, welche Ehefrau der Herr jede Nacht besuchen wird. Songlian wird bald in einen erbitterten Wettbewerb mit den anderen Ehefrauen um die Gunst des Herrn hineingezogen, ein Spiel aus Manipulation und Verrat, das schließlich zu Wahnsinn und Tod innerhalb der grauen Mauern des Familienanwesens führt.

Dieses visuelle Meisterwerk von Zhang Yimou ist berühmt für seinen atemberaubenden Einsatz von Farbe und symmetrischer Bildkomposition, die sowohl Luxus als auch Gefangenschaft vermitteln. Der Film wurde für den Oscar als Bester fremdsprachiger Film nominiert und gilt als eines der gefeiertsten Werke der Fünften Generation. Obwohl er zunächst in China wegen seiner vermeintlichen allegorischen Kritik am Autoritarismus verboten war, wird er heute als zeitlose Studie über die zerstörerische Macht des Patriarchats angesehen.

Ju Dou (1990)

Der Film spielt im ländlichen China der 1920er Jahre und erzählt die tragische Geschichte von Ju Dou, einer schönen jungen Frau, die als Ehefrau an einen grausamen und alten Seidenfärber namens Jinshan verkauft wird. Unfähig, Jinshans Misshandlungen zu ertragen, beginnt sie eine verbotene Affäre mit seinem adoptierten Neffen Tianqing. Sie bekommen heimlich ein Kind, doch ihr Versuch, innerhalb der Grenzen des Hauses des Färbers Glück zu finden, wird durch soziale Tabus und das rachsüchtige Erbe des Patriarchen vereitelt, was zu einem gewaltsamen und unvermeidlichen Ende führt.

Unter der Regie von Zhang Yimou und Yang Fengliang war der Film die erste chinesische Produktion, die jemals für den Oscar als bester fremdsprachiger Film nominiert wurde. Er ist bekannt für seinen Einsatz von lebendigem Technicolor, insbesondere die Flüsse aus gefärbter Seide, die als visuelle Metapher für die Leidenschaften und das Blut der Figuren dienen. Wie viele von Zhangs frühen Werken wurde er im Heimatland lange verboten, wurde jedoch international als kraftvolle Kritik an feudaler Moral und der Unterdrückung der Frauen gefeiert.

Roter Sorghum (1988)

Die Geschichte folgt einer jungen Frau, Jiu’er, die geschickt wird, um den an Lepra erkrankten Besitzer einer Sorghum-Weinbrennerei zu heiraten. Nach dem mysteriösen Tod ihres Mannes übernimmt sie die Kontrolle über das Geschäft und verliebt sich schließlich in einen ihrer Arbeiter. Ihr Leben ist glücklich und wohlhabend, bis die brutale Invasion der japanischen Armee ihre friedliche Brennerei in einen Ort des Widerstands und tragischen Opfers verwandelt. Die Erzählung besitzt eine mythische, legendäre Qualität.

Dies war das Regiedebüt von Zhang Yimou und die Durchbruchrolle für Gong Li, die den Goldenen Bären auf der Berlinale gewann. Es markierte einen Wendepunkt im chinesischen Kino, weg von der Didaktik der Vergangenheit hin zu einem „üppigen“ und sinnlich geprägten Stil. Der Film wird für seine rohe Energie, seine Feier der bäuerlichen Vitalität und seine ikonische Verwendung der Farbe Rot gefeiert und etablierte die Fünfte Generation als dominante Kraft im Weltkino.

Der Vorfall mit der schwarzen Kanone (1985)

Zhao Shuxin, ein sanftmütiger Ingenieur, entdeckt auf einer Geschäftsreise, dass er eine „schwarze Kanone“ – ein Schachfigur – verloren hat. Er sendet ein kryptisches Telegramm an sein Hotel: „Schwarze Kanone vermisst. Zimmer 301. Suche.“ Die Behörden missverstehen dies als codierte Spionagebotschaft, was zu einer geheimen Untersuchung führt, die Zhaos Karriere zerstört und ein wichtiges Industrieprojekt verzögert. Der Film ist eine scharfe Satire auf die Paranoia, Bürokratie und den Anti-Intellektualismus, die im China nach Mao fortbestanden.

Unter der Regie von Huang Jianxin ist der Film ein herausragendes Werk der Fünften Generation, da er sich auf das städtische Leben konzentriert und „deutsch-expressionistische“ visuelle Stile verwendet. Er nutzt eine sterile, kalte Farbpalette und übertriebene Bühnenbilder, um die Absurdität des staatlichen Misstrauens zu betonen. Der Film ist von großer Bedeutung für seine mutige Kritik an der Tendenz der Partei, ideologische Reinheit über fachliche Kompetenz zu stellen, und gilt als eine der wirkungsvollsten politischen Satiren der chinesischen Geschichte.

Yellow Earth (1984)

Im Jahr 1939 reist ein kommunistischer Soldat in ein abgelegenes Dorf auf dem Loess-Plateau, um Volkslieder für die Revolution zu sammeln. Er wohnt bei einer Bauernfamilie, deren Tochter Cuiqiao von seinen Geschichten über die Befreiung der Frauen in der Roten Armee inspiriert ist. Als sie zu einer arrangierten Ehe mit einem älteren Mann gezwungen wird, versucht Cuiqiao eine verzweifelte Flucht über den Gelben Fluss, um sich der Revolution anzuschließen und eine Freiheit zu suchen, die das uralte, karge Land ihr zu verweigern scheint.

Regie führte Chen Kaige mit der Kameraarbeit von Zhang Yimou. Dieser Film gilt als das „Manifest“ der Fünften Generation. Er brach mit dem traditionellen Sozialistischen Realismus, indem er eindrucksvolle, minimalistische Bilder und lange Schweigen anstelle von didaktischem Dialog verwendete. In China löste er eine intensive Debatte über die ambivalente Darstellung der Fähigkeit der Partei aus, das Leben der Bauern zu verändern, und wird heute als einer der wichtigsten chinesischen Filme überhaupt für seine revolutionäre Ästhetik eingestuft.

Eins und Acht (1983)

Mitten im Zweiten Chinesisch-Japanischen Krieg wird ein kommunistischer Offizier fälschlicherweise des Verrats beschuldigt und zusammen mit acht gewöhnlichen Kriminellen, darunter Banditen und Deserteure, eingesperrt. Während sie durch eine kriegszerstörte Landschaft transportiert werden, gewinnt die unerschütterliche Würde und das Engagement des Offiziers für die Sache langsam die „Schurken“ für sich. In einem letzten verzweifelten Kampf gegen die Japaner findet die Gruppe durch kollektives Opfer eine Chance zur Erlösung.

Regie führte Zhang Junzhao. Dieser Film gilt als das erste echte Werk der „Fünften Generation“ von Filmemachern. Er zeichnet sich durch seine raue Kameraführung und den Fokus auf individuelle Psychologie statt einfacher Propaganda aus. Durch die Betonung von Humanismus und den inneren Kämpfen seiner Figuren markierte der Film einen bedeutenden Bruch mit den starren Erzählungen der Kulturrevolution und bereitete den Boden für die kreative Explosion des chinesischen Kinos in den 1980er Jahren.

Bruch mit alten Ideen (1975)

Die Handlung spielt während des Großen Sprungs nach vorn 1958 und folgt Long Guozheng, einem kommunistischen Beamten, der beauftragt wird, eine neue landwirtschaftliche Universität in Jiangxi zu leiten. Er gerät in Konflikt mit der „kapitalistischen“ Fakultät, die elitär akademische Standards bewahren will. Long initiiert radikale Reformen, wie Unterricht auf den Feldern und die Zulassung ungebildeter Bauern basierend auf ihren „schorfigen Händen“ statt auf Testergebnissen. Der Film gipfelt in einem triumphalen Sieg der Massen über die intellektuelle Elite.

Regie führte Li Wenhua. Dies ist ein typischer Film der „Kulturrevolution“, produziert unter strengen politischen Vorgaben zur Förderung der maoistischen Bildungsideologie. Er ist ein faszinierendes historisches Dokument, das den extremen Antiintelektualismus der Ära und die Verherrlichung manueller Arbeit illustriert. Während er heute als schwerfällige Propaganda betrachtet wird, bleibt er unerlässlich zum Verständnis der ideologischen Atmosphäre, die die chinesische Filmindustrie vor den 1980er Jahren fast zerstörte.

Die Rote Abteilung der Frauen (1970)

Wu Qinghua ist ein Bauernmädchen, das in den 1930er Jahren von einem grausamen Grundbesitzer auf der Insel Hainan flieht. Sie schließt sich einer rein weiblichen Einheit der Roten Armee an und verwandelt sich unter der Führung eines männlichen Kommissars von einer rachsüchtigen Flüchtigen in eine disziplinierte revolutionäre Soldatin. Der Film ist eine filmische Aufzeichnung des gleichnamigen Balletts, das stilisierte Kämpfe und dramatische Darstellungen zeigt, die den Kampf des Proletariats verherrlichen.

Dieser Film ist eines der acht „Revolutionären Modellwerke“ (Yangbanxi), die während der Hochphase der Kulturrevolution die einzigen erlaubten Theaterproduktionen waren. Er repräsentiert den Höhepunkt der maoistischen „ästhetischen“ Kontrolle, bei der jede Geste und jeder Kamerawinkel von der politischen Theorie diktiert wurde. Trotz seiner strengen Natur wird der Film für seine hohe technische Qualität und seinen nachhaltigen Einfluss auf die chinesische Popkultur geschätzt und dient als die definitive visuelle Darstellung des revolutionären Eifers jener Ära.

Fünf goldene Blumen (1959)

Während des Großen Sprungs nach vorn trifft ein junger Mann namens Ah Peng auf einem Fest in Yunnan ein Mädchen namens Jin Hua (Goldene Blume) und verliebt sich in sie. Ein Jahr später kehrt er zurück, um sie zu finden, entdeckt jedoch, dass es im Dorf fünf Mädchen mit dem Namen Jin Hua gibt. Der Film folgt seiner humorvollen und von Verwechslungen geprägten Suche durch verschiedene sozialistische Arbeitsstätten – Staudämme, Eisenwerke und Genossenschaften –, während er versucht, seine wahre Liebe unter den fleißigen „Blumen“ zu identifizieren.

Regie führte Wang Jiayi, und diese musikalische Komödie ist ein seltenes Beispiel für einen „charmanten“ Film aus einer hochpolitischen Ära. Sie wurde produziert, um die Errungenschaften der landwirtschaftlichen Kollektivierung zu feiern, wird heute jedoch eher für ihre schöne Landschaft und ihren populären Soundtrack in Erinnerung behalten. Während der Kulturrevolution wurde sie wegen zu großer „Romantik“ und mangelndem revolutionärem Leid verboten, später jedoch restauriert und gilt heute als Klassiker des chinesischen Kinos der 1950er Jahre.

Die unvollendete Komödie (1957)

Der Film zeigt zwei Komiker, die eine Reihe von Sketchen für einen Filmzensurbeamten mit dem Spitznamen „Der Knüppel“ aufführen. Der Zensor wird als buchstäblich blind und taub dargestellt, doch er besitzt die absolute Macht darüber, was die Öffentlichkeit sehen darf, und lehnt betrunken alles ab, was er auch nur entfernt lustig oder realistisch findet. Der Film ist eine selbstreflexive Satire, die genau jene Autoritäten verspottet, die damals die Kreativität chinesischer Filmemacher erstickten.

Regie führte Lu Ban, und dieser Film ist eines der bekanntesten Opfer der „Antirechtsbewegung“. Er wurde vor seiner Veröffentlichung verboten, und Lu Ban wurde für den Rest seines Lebens das Filmemachen untersagt. Funktionäre der Kommunistischen Partei bezeichneten ihn als „gefährliches Unkraut“ und „antisozialistisch“. Heute gilt er als mutiges und tragisches Meisterwerk der politischen Satire und bietet ein einzigartiges Fenster in die kurze Phase relativer Offenheit vor der totalen Zensur der Kulturrevolution.

Das Leben des Wu Xun (1950)

Dieser biografische Film erzählt die wahre Geschichte von Wu Xun, einem Bettler des 19. Jahrhunderts, der sein Leben damit verbrachte, Pfennige zu sammeln, um kostenlose Schulen für verarmte Kinder zu gründen. Der Film stellt ihn als eine heilige Figur dar, deren Hingabe an die Bildung einen Weg der Hoffnung für die Bedürftigen bietet. Er wurde zunächst mit großem Beifall als Geschichte selbstloser Hingabe an das Volk veröffentlicht.

Kurz nach seiner Veröffentlichung startete Mao Zedong jedoch persönlich einen vernichtenden Angriff auf den Film in der People’s Daily und bezeichnete Wu Xun als „reaktionär“, der dem feudalen System diente, anstatt es zu stürzen. Dies löste die erste große ideologische Kampagne in der chinesischen Filmindustrie aus, die zur Verbannung des Films für über 30 Jahre führte. Seine Restaurierung im Jahr 1986 markierte einen bedeutenden Moment in der Liberalisierung der chinesischen Filmgeschichte und brachte einen verlorenen „humanistischen“ Klassiker zurück.

Krähen und Spatzen (1949)

Der Film spielt in einem Wohnhaus in Shanghai während der letzten Tage der nationalistischen Regierung und folgt einer Gruppe unterschiedlicher Mieter, die von einem korrupten Beamten mit Räumung bedroht werden. Die „Spatzen“ (die Mieter) müssen ihre Differenzen überwinden und sich vereinen, um ihre Wohnungen gegen die „Krähe“ (den Beamten) zu verteidigen. Der Film fängt das Chaos, die Hyperinflation und den sozialen Verfall einer Stadt ein, die am Rande eines massiven politischen Umbruchs steht.

Regie führte Zheng Junli, produziert von den linken Kunlun Studios, wurde der Film heimlich gedreht, als die kommunistische Armee sich der Stadt näherte. Er ist ein Meilenstein der politischen Allegorie und nutzt das Gebäude als Mikrokosmos der chinesischen Gesellschaft. Bekannt für seine scharfen Darstellungen und seine Kritik an der Korruption der Nationalisten, wurde er kurz nach dem kommunistischen Sieg veröffentlicht und bleibt eines der wichtigsten Zeugnisse vom Ende der Ära des „Alten China“.

Frühling in einer kleinen Stadt (1948)

In einem zerstörten Familienanwesen nach dem Krieg lebt eine Frau namens Yuwen ein stagnierendes Leben mit ihrem kränklichen Ehemann. Ihre ruhige Existenz wird durch die Ankunft eines alten Schulfreundes ihres Mannes gestört, der zugleich Yuwens erste Liebe war. Über mehrere Tage hinweg navigieren die drei Figuren durch ein zartes und quälendes Netz aus unterdrückter Begierde, Pflicht und Bedauern zwischen den bröckelnden Mauern ihres Hauses. Es ist ein tief innerliches, poetisches Drama.

Regie führte Fei Mu, der Film gilt weithin als der größte chinesische Film aller Zeiten. Bei seiner Veröffentlichung wurde er sowohl von links als auch von rechts für sein Fehlen einer „offensichtlichen“ politischen Auseinandersetzung kritisiert, da er sich ganz auf intime menschliche Emotionen konzentrierte. In den 1980er Jahren wurde er jedoch wiederentdeckt und wird heute für seinen innovativen Einsatz von langen Einstellungen und seine tiefgründige Mitmenschlichkeit gefeiert. Er ist ein grundlegender Text des Weltkinos, der die „Ruinen“ der menschlichen Seele erforscht.

Der Frühlingsfluss fließt nach Osten (1947)

Dieses dreistündige Epos folgt einem jungen Paar, Sufen und Zhongliang, die durch den Zweiten Chinesisch-Japanischen Krieg getrennt werden. Während Sufen in Shanghai bleibt, um ihre Familie in Armut zu versorgen, zieht Zhongliang in die Kriegs-Hauptstadt Chongqing, wo er schließlich seine Ideale und seine Frau aufgibt, um in eine reiche, korrupte Familie einzuheiraten. Ihre spätere Wiedervereinigung nach dem Krieg dient als verheerende Anklage gegen den moralischen Verfall der herrschenden Klasse.

Regie führten Cai Chusheng und Zheng Junli; der Film wird oft als das „chinesische Vom Winde verweht“ bezeichnet. Er war ein enormer kommerzieller Erfolg und sprach ein Publikum an, das gerade Jahre des Krieges und der Vertreibung hinter sich hatte. Der Film ist ein Grundpfeiler des chinesischen Realismus, der eine weitläufige historische Erzählung mit einem zutiefst persönlichen Melodram verbindet. Er bleibt einer der kritisch wichtigsten Filme der chinesischen Geschichte wegen seiner kraftvollen Gesellschaftskritik und seines epischen Umfangs.

Es lebe die Frau! (1947)

Der Film ist eine anspruchsvolle „Sittenkomödie“, die das Leben einer klugen Hausfrau aus Shanghai verfolgt, während sie die Eigenheiten ihres Mannes, seiner anspruchsvollen Familie und ihre eigenen sozialen Ambitionen navigiert. Durch eine Reihe von Missverständnissen und häuslichen Intrigen bietet die Erzählung einen witzigen und oft bissigen Blick auf die Rolle der Frauen in der chinesischen Mittelschicht der Nachkriegszeit. Im Mittelpunkt steht die „Kunst“, in einer patriarchalen Welt Ehefrau zu sein.

Mit einem Drehbuch der legendären Schriftstellerin Eileen Chang und unter der Regie von Sang Hu gilt der Film als die beste chinesische Komödie der 1940er Jahre. Er war ein großer Erfolg, weil er sich von den schweren politischen Dramen der Zeit abwandte und einen nachvollziehbaren, melodramatischen und humorvollen Blick auf das häusliche Leben bot. Kritiker loben ihn für seinen scharfen Dialog und seine sympathische, aber unsentimentale Darstellung der Widerstandskraft von Frauen, was ihn zu einem einzigartigen Höhepunkt des goldenen Zeitalters des Kinos in Shanghai macht.

Mulan zieht in die Armee ein (1939)

Diese musikalische Version der Legende von Hua Mulan erzählt die Geschichte einer mutigen jungen Frau, die sich als Mann verkleidet, um anstelle ihres alten Vaters in der kaiserlichen Armee zu dienen. Sie führt ihre Kameraden zum Sieg gegen eindringende Nomaden, während sie ihr Geheimnis bewahrt. Der Film betont Mulans kindliche Pietät und ihre taktische Intelligenz und endet mit ihrer triumphalen Rückkehr zu ihrer Familie und ihrer wahren Identität.

Unter der Regie von Richard Poh während der japanischen Besetzung Shanghais gedreht, war der Film ein großer „Nationalverteidigungs“-Erfolg und lief 85 Tage am Stück. Obwohl er scheinbar von einem alten Krieg handelt, erkannten die Zuschauer ihn leicht als Allegorie auf den zeitgenössischen Widerstand gegen Japan. Der Erfolg des Films machte die Hauptdarstellerin Chen Yunshang zum Superstar und ist bekannt für seine clevere Nutzung historischer Erzählungen, um die japanische Zensur zu umgehen und die nationale Moral zu stärken.

Lied um Mitternacht (1937)

Ein junger Schauspieler in einer reisenden Theatertruppe trifft auf einen entstellten Mann, der in den Dachbalken eines verfallenden Opernhauses lebt. Diese geheimnisvolle Figur ist Song Danping, ein ehemaliger Revolutionär und Opernstar, der von seinen politischen Feinden mit Säure übergossen wurde. Song wird zum Mentor des jungen Schauspielers, um seine Rollen zu spielen und ihm zu helfen, sich mit seiner verlorenen Liebe wieder zu vereinen. Der Film ist eine gotische, atmosphärische Mischung aus Horror und revolutionärem Eifer, stark inspiriert von Das Phantom der Oper.

Unter der Regie von Ma-Xu Weibang gilt dieser Film weithin als Chinas erster echter Horrorfilm. Er ist bedeutsam dafür, wie er das Horrorgenre nutzte, um eine „linke“ politische Botschaft zu verbergen, wobei der entstellte Protagonist den vernarbten Zustand der Nation unter kolonialer Herrschaft und innerer Unterdrückung symbolisiert. Die eindringlichen Bilder des Films und seine Themen von unerwiderter Liebe und politischem Opfer machten ihn zu einem Meilenstein des Kinos der 1930er Jahre und beeinflussten die Entwicklung des Genres in Ostasien.

Kreuzungen (1937)

Die Geschichte dreht sich um vier Hochschulabsolventen in Shanghai, die während der Großen Depression Schwierigkeiten haben, Arbeit zu finden. Sie leben in einer beengten Wohnung und navigieren durch Arbeitslosigkeit, Armut und flüchtige Romanzen. Die Erzählung konzentriert sich auf Zhao, der sich in ein Mädchen verliebt, das im nächsten Zimmer wohnt, ohne zu wissen, dass sie dieselbe Person ist, mit der er sich bei seinem Gelegenheitsjob streitet. Trotz ihrer Schwierigkeiten bewahren die Freunde ihren Humor und ein wachsendes politisches Bewusstsein.

Unter der Regie von Shen Xiling ist dieser Film ein Klassiker der „linken“ Filmbewegung, bekannt für seine gelungene Mischung aus heiterer Komödie und ernsthafter sozialer Kommentierung. Er fängt die Unsicherheit der Jugend Ende der 1930er Jahre ein, die sowohl mit wirtschaftlichem Ruin als auch mit der drohenden Kriegsgefahr durch Japan konfrontiert war. Das optimistische Ende des Films, in dem die Freunde einer besseren Zukunft entgegenmarschieren, diente als Aufruf zur nationalen Einheit und bleibt ein Schlüsselwerk der zweiten goldenen Ära Shanghais.

Straßenengel (1937)

Das im Elendsviertel von Shanghai spielende Film folgt einer Gruppe marginalisierter Individuen: einem Trompeter, einer Teestuben-Sängerin, einem Zeitungsjungen und einer Prostituierten. Die Handlung dreht sich um den Versuch des Trompeters, die junge Sängerin davor zu bewahren, an einen reichen Mann verkauft zu werden. Die Geschichte ist eine Mischung aus romantischem Melodrama, Komödie und Tragödie und illustriert die täglichen Kämpfe des „unterdrückten Proletariats“ in einer modernen Stadt, die sie im Stich gelassen hat.

Regie führte Yuan Muzhi, und der Film gilt als Meisterwerk des chinesischen linken Kinos. Er ist berühmt dafür, die Karriere von Zhou Xuan, der „Goldenen Stimme“ Chinas, zu starten und enthält zwei Lieder, die bis heute legendäre kulturelle Klassiker sind. Der Film wird für sein erfinderisches Sounddesign und seine realistische Darstellung städtischer Armut gelobt, was ihn zu einem wichtigen sozialen Dokument des Shanghai der 1930er Jahre und zu einem der beliebtesten Filme der chinesischen Geschichte macht.

Neue Frauen (1935)

Die Geschichte folgt Wei Ming, einer gebildeten Frau und Musiklehrerin, die darum kämpft, ein unabhängiges Leben in Shanghai zu führen. Konfrontiert mit sexueller Belästigung, wirtschaftlichen Schwierigkeiten und der Krankheit ihrer Tochter, wird sie schließlich durch die unerbittlichen Gerüchte einer Boulevardpresse zum Selbstmord getrieben. Der Film ist eine scharfe Kritik an der patriarchalen Gesellschaft, die von Frauen verlangte, „neu“ und modern zu sein, sie aber bestrafte, wenn sie versuchten, außerhalb der traditionellen männlichen Kontrolle zu leben.

Regie führte Cai Chusheng, und mit Ruan Lingyu in der Hauptrolle wurde der Film nach Ruan’s eigenem Selbstmord nur wenige Monate nach der Veröffentlichung sofort zum Klassiker. Basierend auf dem Leben der Schauspielerin Ai Xia, diente er als kraftvolle feministische Untersuchung des Status der Frauen in China. Die letzten Szenen des Films, in denen Wei Ming schreit „Ich will leben!“, gehören zu den erschütterndsten im frühen Kino und festigen das „Neue Frau“-Archetyp als tragische, aber wesentliche Figur der chinesischen Modernisierung.

Die große Straße (1934)

Eine Gruppe temperamentvoller junger Männer und Frauen arbeitet gemeinsam am Bau einer Autobahn, die für die Landesverteidigung gegen einen unbenannten „Eindringling“ von entscheidender Bedeutung ist. Trotz der zermürbenden Arbeit entstehen tiefe Freundschaften und Romanzen. Doch ihre Arbeit wird durch Verräter und den drohenden Schatten des Krieges bedroht. Der Film gipfelt in einem heroischen Opfer, bei dem die Bauarbeiter beweisen, dass ihre Arbeit für das Überleben des Landes ebenso wichtig ist wie der Dienst eines Soldaten.

Unter der Regie von Sun Yu ist dieser Stummfilm (mit synchronisiertem Soundtrack) ein Schlüsselwerk des „Nationalen Verteidigungskinos“. Er ist bekannt für seine Feier der männlichen Physis und seine „reizvolle und elegante“ Art, anti-japanische Stimmung zu vermitteln, ohne den Feind direkt zu benennen. Der Fokus des Films auf kollektive Anstrengung und das Proletariat machte ihn zum Favoriten linker Kritiker, und er wird weiterhin für seine lebendige Energie und seinen bahnbrechenden Einsatz von Ton und Gesang gefeiert.

Die Göttin (1934)

Eine namenlose junge Frau in Shanghai führt ein Doppelleben: tagsüber eine hingebungsvolle Mutter und nachts eine Prostituierte. Sie erträgt die Ausbeutung durch einen lokalen Schläger und das soziale Stigma ihres Berufs, alles um sicherzustellen, dass ihr Sohn eine Ausbildung erhält und eine bessere Zukunft hat. Ihre tragische Reise erforscht die Tiefe mütterlichen Opfers und die kalte Gleichgültigkeit einer Gesellschaft, die denen, die an ihre Ränder gedrängt werden, keine Gnade zeigt.

Unter der Regie von Wu Yonggang zeigt der Film Ruan Lingyu in ihrer ikonischsten Rolle. Er gilt als Höhepunkt des Stummfilms für seine zurückhaltende Schauspielkunst und seine anspruchsvolle visuelle Erzählweise. Im Gegensatz zu vielen anderen Filmen der Zeit vermeidet er übermäßige Belehrungen und konzentriert sich stattdessen auf die menschliche Würde seiner Protagonistin. Er wurde als einer der 100 besten Filme Chinas anerkannt und dient als zeitlose Anklage gegen soziale Heuchelei und den Mangel an Schutz für die Verletzlichen.

Plünderung von Pfirsich und Pflaume (1934)

Zwei idealistische Hochschulabsolventen, Tao und Li, heiraten und geloben, ihre Bildung mit Integrität der Gesellschaft zu widmen. Doch sie werden schnell von der Korruption und Gier der Wirtschaftswelt zerschmettert. Tao verliert seinen Job, weil er sich weigert, an Bestechung teilzunehmen, und das Paar gerät in Armut. Ihr tragischer Niedergang dient als Warnung, dass in einer korrupten Kultur selbst die talentiertesten und tugendhaftesten Menschen ihrer Zukunft beraubt werden können.

Unter der Regie von Ying Yunwei und geschrieben vom Hauptdarsteller Yuan Muzhi war dies einer der frühesten erfolgreichen Tonfilme Chinas. Produziert von der linken Diantong Company wurde er ein großer Erfolg wegen seiner nachvollziehbaren Darstellung der Kämpfe der gebildeten Jugend. Die klare Botschaft des Films über die Unvereinbarkeit persönlicher Ethik und systemischer Korruption fand in den 1930er Jahren großen Widerhall und machte ihn zu einem Meilenstein des sozialbewussten Kinos.

Spielzeuge (1933)

Eine ältere Spielzeugherstellerin und ihre Tochter, die in der Stadt alles verloren haben, ziehen in ein ländliches Dorf, um weiterhin traditionelle Spielzeuge von Hand herzustellen. Sie fordern die Bürger auf, dem Zustrom billiger, massenproduzierter internationaler Konkurrenz zu widerstehen und ihr traditionelles Handwerk zu bewahren. Die Geschichte folgt ihrem Kampf durch Vertreibung, Krieg und den Verlust der Familie und zeigt ihr Engagement für traditionelle Spielzeuge als einen wichtigen Akt nationaler Bewahrung.

Regie führte Sun Yu, mit Ruan Lingyu in der Hauptrolle, und der Film ist ein patriotisches marxistisches Melodram, das Chinas Angst vor der raschen Urbanisierung und dem Einfluss ausländischer Imperialisten einfängt. Produziert von der linken Lianhua Company, gilt er als einer der wirkungsvollsten chinesischen Filme des 20. Jahrhunderts. Ruan Lingyus Darstellung des Archetyps der „Neuen Frau“ – hier definiert durch Einfallsreichtum und nationalistische Entschlossenheit – trug dazu bei, den Film als zeitloses Werk von großer gesellschaftlicher Bedeutung zu etablieren.

Frühlingsseidenraupen (1933)

Old Tong Bao ist der Patriarch einer Familie von Seidenbauern, die wirtschaftlich am Abgrund stehen. Trotz seiner harten Arbeit und der Einhaltung traditioneller Rituale durch seine Familie wird ihre Ernte durch den Zusammenbruch des internationalen Seidenmarktes und den Druck des modernen Kapitalismus sabotiert. Der Film dokumentiert akribisch den mühsamen Prozess der Zucht von Seidenraupen, nur um zu zeigen, wie die Bemühungen der Bauern durch Kräfte zunichtegemacht werden, die weit außerhalb ihrer Kontrolle liegen.

Unter der Regie von Cheng Bugao und basierend auf einem Roman von Mao Dun ist der Film eines der frühesten Beispiele der linken Bewegung im chinesischen Kino. Er zeichnet sich durch seine realistische, fast dokumentarische Darstellung des Landlebens und seine Kritik daran aus, wie globale Marktschwankungen das Leben unschuldiger Bauern zerstören. Der Film legt gekonnt die Tragödie einer Familie offen, die zwischen ihren traditionellen Aberglauben und einer gleichgültigen, modernen Wirtschaftswelt gefangen ist.