Kammerspiel et la Nouvelle Objectivité

L’Allemagne figure sans aucun doute parmi les pays les plus vitaux et innovants dans l’histoire du cinéma des années 1920 et 1930. En plus d’être le berceau de l’expressionnisme, le kammerspiel et la Nouvelle Objectivité s’y imposent également, avec une longue série de drames et de films historiques. Le kammerspiel, qui signifie jeu de chambre, est un mouvement avant-gardiste théâtral et musical qui contamine aussi le cinéma, lancé au théâtre en 1906 avec la représentation théâtrale des Fantômes d’Ibsen au Deutsches Theatre de Berlin, et qui respecte strictement le principe des trois unités : unité de lieu, unité de temps et unité d’action. L’histoire a pour centre principal la relation entre l’acteur et la caméra.

Le jeu est minimaliste, essentiel, centré sur la perception par le spectateur des moindres nuances expressives des visages. Les décors sont réalistes et écrasants : ils sont la métaphore visuelle de la condition souffrante des personnages. Il comprend un petit nombre de films indépendants, mais tous sont très intéressants. Ils s’inspirent des expériences de Max Reinhardt et sont presque tous écrits par Carl Mayer , avec des règles précises.

Ce sont des histoires situées dans des milieux petits-bourgeois, des drames de désirs, de rancunes et de présences menaçantes du destin. Mais surtout, ce sont des films tournés avec une unité totale d’action, de lieu et d’espace. L’idée des cinéastes est de raconter exclusivement par les images de manière totalement cinématographique, sans l’aide de sous-titres. Des kammerspiele tels que Backstairs, Shattered et New Year’s Eve racontent des drames inévitables causés par la condition humaine et la médiocrité du quotidien.

Kammerspiel : Petites tragédies quotidiennes

Ce sont de petites histoires quotidiennes qui prennent des proportions tragiques. Parallèlement, le cinéma historique s’est affirmé en Allemagne. Inspiré par le succès de la tradition populaire allemande et du film historique italien, mais avec une plus grande capacité de mise en scène, pour mobiliser des centaines de figurants et utiliser les décors. Le réalisateur Ernst Lubitsch s’est spécialisé dans ce genre au début de sa carrière, avant de s’intéresser plus tard à la comédie, notamment lors de son voyage à Hollywood, créant un style unique surnommé Lubitsch touch.

Le réalisateur Joe May se spécialise dans un autre genre, un mélange de genres entre drame, exotisme, polar et magie, comme dans le film The Indian Tomb, écrit par Fritz Lang et sa femme Thea von Harbou. Fritz Lang réalisera également un film extraordinaire, considéré comme l’un des projets les plus réussis du Kammerspiel, The Last Laugh , qui puise cependant aussi dans d’autres styles et contaminations, comme l’expressionnisme.

Les drames et les difficultés de la vie métropolitaine à Berlin dans les années 1920 favorisent le succès de nombreux films dramatiques se déroulant dans les rues de la ville. Le monde difficile des quartiers ouvriers, où des personnes faibles vivent une vie d’humiliation et de souffrance, sans aucune possibilité de rédemption.

Le kammerspiel et la Nouvelle Objectivité vont à l’encontre de l’expressionnisme et s’intéressent à la réalité de l’Allemagne de l’époque, mais toujours avec une forte empreinte artistique du réalisateur et de sa vision, sans céder à l’objectivité comme une fin en soi.

Les exclus de la ville

Un monde de voleurs, criminels, prostituées et meurtriers vivant dans les quartiers les plus pauvres, mais aussi de riches bourgeois qui tentent de changer leur vie et de triompher de leurs frustrations sans succès. Le style expressionniste influence cependant cette recherche visuelle sur la réalité. Les peurs et les angoisses des personnages à l’écran sont représentées par des solutions techniques visuelles d’un grand impact, avec une importance fondamentale du plan.

Parfois, ce sont des sujets féminins destinés à l’échec par les lois sociales ou les déceptions amoureuses. Varieté de Dupont, en 1925, raconte au contraire le drame d’un ancien prisonnier contraint de subir la violence, avec une grande expressivité. Joe May, qui avait auparavant travaillé dans des drames historiques, réalise également un film qui rend particulièrement vivante la nouvelle réalité des villes allemandes, Asphalt de 1928.

Kammerspiel : Les films de Georg Wilhelm Pabst

Les drames de rue atteignent leur meilleur résultat dans le cinéma de Pabst, qui parvient à combiner objectivité et grande expressivité dans ses films. Les acteurs et les objets filmés semblent acquérir une présence lourde, objective, corporelle, presque physique dans son cinéma. La lourde matérialité des choses et des personnes de la vie urbaine acquiert une valeur singulière chez Pabst, une force expressive qui déforme la réalité de manière grotesque, grâce aux angles et à la lumière utilisés de façon innovante. Pabst sait alterner gros plans et plans rapprochés, détails et plans larges avec un montage rapide et une fluidité et une habileté technique uniques.

Secrets of a Soul de 1926 est l’un de ses premiers films, entièrement dédié à la psychanalyse. Mais le réalisateur offre le meilleur de sa production dans les drames de rue, racontant le désespoir, l’humiliation et la frustration dans des films tels que The Joyless Street, de 1925, Lulu de 1928 et The Diary of a Lost Girl de 1925. Des films qui racontent des histoires de sensualité, d’oppression, de désir et de crime. Louise Brooks prête son visage à un personnage particulièrement suggestif, dans une histoire où le péché et le pouvoir se rencontrent pour faire tomber les personnages dans la tentation et le mal, avec des images d’une grande intensité.

Le Kammerspiel politique

Les expériences cinématographiques les plus radicales sont liées à des projets politiques et idéologiques de mise en scène de la misère des classes les plus défavorisées des métropoles capitalistes. Ce sont des films plus réalistes qui touchent à la frontière du documentaire et tentent de représenter avec précision la condition de pauvreté dans les quartiers populaires des villes. C’est un cinéma de dénonciation des injustices sociales, des relations de classe, qui est né comme un modèle de cinéma engagé au sein des partis de gauche. Les expériences cinématographiques durant la République de Weimar établissent donc des modèles de cinéma très hétérogènes et des visions de la réalité en Allemagne.

Un courant plus fort en métaphores et symboles, qui privilégie l’image et le plan unique par rapport aux séquences entières et à la narration. Le cinéma expressionniste déformant et figuratif de Lang et Murnau. D’autre part, il y a un cinéma plus objectif qui représente et décrit la réalité avec un montage analytique et une narration classique qui accorde moins d’importance à l’aspect figuratif de l’image unique. C’est un cinéma qui raconte la réalité objective que l’on appellera La Nouvelle Objectivité, qui inclut également un cinéma de genre plus conventionnel et standardisé, préférant des chemins et des dramaturgies fonctionnels à la structure de l’histoire.

The Last Laugh

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Drame, de F.W. Murnau, Allemagne, 1924.
Jannings est le portier de l'hôtel Atlantic à Berlin, heureux de son rôle et de son uniforme. Mais son patron pense qu'il est trop vieux pour recevoir les clients à l'entrée et le fait affecter au nettoyage des toilettes. Jannings, profondément troublé par ce qui s'est passé, se saoule le soir pour oublier et essaie de cacher son nouveau travail dégradant à sa famille et à ses amis. Mais le lendemain, il est découvert. Chef-d'œuvre absolu de Murnau, à la frontière entre expressionnisme et kammespiel. La caméra prend vie dans un style incroyablement avant-gardiste d'expérimentation visuelle.

Sujet de réflexion
Pour l'ego, l'uniforme et un travail respectable peuvent être une valeur absolue. Pour l'ego, être affecté au nettoyage des toilettes peut être la pire des humiliations. Car l'ego raisonne selon les opinions des autres et veut que nous nous conformions à leur échelle de valeurs. Pour notre être profond, cependant, il peut être plus agréable de nettoyer les toilettes que d'être portier à l'entrée de l'hôtel.

LANGUE : Allemand (intertitres)
SOUS-TITRES : Anglais

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Films Kammerspiel à Voir

Backstairs (1921)

Ce film a marqué les débuts du réalisateur allemand Leopold Jessner, qui a collaboré avec Paul Leni pour donner vie à ce projet. Le scénariste renommé Carl Mayer a conçu cette histoire captivante, spécialement adaptée à la direction visionnaire de Jessner. Sorti en 1921, « Backstairs » est devenu un exemple pionnier du style de film kammerspiel allemand, qui a gagné en importance tout au long des années 1920 pour son focus sur des récits intimes et psychologiques.L’histoire s’ouvre sur une serveuse, incarnée par Henny Porten, qui commence sa journée de routine, s’acquittant consciencieusement de ses tâches. Pendant ce temps, depuis le confinement de son domicile, le facteur, joué par Fritz Kortner, l’observe avec une certaine curiosité. Alors qu’il accomplit sa tâche quotidienne de distribution du courrier, il assiste à la réception d’une lettre par la serveuse, qu’elle ouvre et lit avec empressement, suscitant une intrigue subtile.Le film nous transporte ensuite dans la nuit, où l’intrigue s’épaissit lorsque la serveuse rencontre L’Amant, un personnage incarné par William Dieterle. À leur insu, le facteur observe cette rencontre clandestine depuis son point de vue, ajoutant des couches de tension et de voyeurisme au récit. Lorsque la soirée suivante arrive, la serveuse s’aventure de nouveau dehors, ignorant le regard persistant et attentif du facteur, maintenant ainsi l’atmosphère de suspense et de drame sous-jacent du film.

Shattered (1921)

« Shattered » est un film muet allemand de 1921 de style Kammerspiel habilement réalisé par le célèbre Lupu Pick, avec un scénario écrit par le talentueux Carl Meyer. Largement reconnu comme l’exemple pionnier du genre kammerspielfilm, cette œuvre cinématographique plonge les spectateurs dans un récit poignant se déroulant dans le cadre austère des mois d’hiver rigoureux. L’histoire suit un cheminot consciencieux chargé de la responsabilité cruciale de surveiller les voies ferrées. À ses côtés, sa famille endure une existence monotone marquée par des conditions de vie difficiles dans un décor morne au bord de la voie ferrée.

Leur quotidien, déjà entaché par une routine banale et fastidieuse, est soudainement bouleversé lorsqu’ils reçoivent un télégramme surprenant. Ce télégramme apporte une nouvelle importante : l’inspecteur de secteur, une autorité importante dans le domaine ferroviaire, doit effectuer une visite et prévoit de séjourner chez la famille pendant son évaluation des voies. Cette visite imminente introduit une vague d’anticipation et de tension dans leur vie autrement terne, préparant le terrain pour une expérience transformatrice au sein de leur foyer, riche en thèmes sous-jacents de dynamiques sociales et d’aspirations personnelles.

La Saint-Sylvestre (1921)

La Saint-Sylvestre est un film muet de 1924, réalisé par le célèbre cinéaste allemand Lupu Pick, avec un scénario écrit par Carl Meyer. La production de cette œuvre cinématographique a eu lieu en 1923, et elle a été présentée pour la première fois au public à Berlin le 4 janvier 1924. Ce film est salué comme l’un des premiers exemples de kammerspiel, un style distinctif du cinéma muet qui met l’accent sur une narration intime et la profondeur psychologique de ses personnages. La Saint-Sylvestre fut innovant pour son époque, se distinguant par son utilisation révolutionnaire des techniques cinématographiques. Contrairement à de nombreux films de l’époque, il employait des mouvements de caméra dynamiques tels que les panoramiques et les travellings, plutôt que de s’appuyer sur des cadrages statiques, renforçant ainsi la narration visuelle. Fidèle au style des œuvres antérieures de Pick, le film renonce à l’utilisation de cartons intertitres, laissant les actions et les expressions de ses personnages raconter l’histoire sans interruption textuelle. Cette approche reflète non seulement la vision artistique de ses créateurs, mais illustre également le langage évolutif du cinéma durant l’ère du film muet.

The Last Laugh (1924)

Un portier d’hôtel vieillissant et fier, distingué par son uniforme magnifique, est rétrogradé au poste d’agent d’entretien des toilettes lorsque la direction décide qu’il est trop âgé pour son poste prestigieux. Dépouillé de son uniforme et de l’identité sociale qu’il représente, il devient la risée de son quartier ouvrier. Le chef-d’œuvre de F.W. Murnau suit son effondrement psychologique avec une empathie extraordinaire et une invention visuelle remarquable, s’appuyant presque entièrement sur les images et les mouvements de caméra — avec pratiquement aucun intertitre — pour narrer cette histoire d’humiliation moderne et de la cruauté de la stratification sociale.

The Last Laugh demeure l’une des réalisations suprêmes du cinéma de Weimar et une synthèse parfaite de l’intimité du Kammerspiel et de la critique sociale sobre de la Nouvelle Objectivité. Murnau et le directeur de la photographie Karl Freund y ont développé la technique de la « caméra déchaînée », libérant l’objectif pour suivre, incliner et glisser avec une liberté sans précédent, internalisant l’expérience subjective du portier. Emil Jannings livre une performance d’une extraordinaire amplitude physique et émotionnelle, transformant une dégradation sociale apparemment mineure en une méditation sur la dignité, le vieillissement et l’indifférence du capitalisme moderne envers l’individu. Le célèbre épilogue satirique du film, ajouté à la demande du studio, approfondit paradoxalement sa tragédie en exposant la fantaisie de la rédemption. Son influence sur le cinéma mondial reste incommensurable.

Éclats (1921)

Un cheminot mène une vie tranquille et isolée avec sa femme et sa fille dans un paysage recouvert de neige, éloigné de tout. Lorsqu’un inspecteur de la compagnie arrive cherchant un abri, il entame une liaison passionnée avec la fille. Cette liaison détruit l’équilibre fragile de la famille, poussant le père à un point de rupture marqué par la violence et la tragédie. Réalisé par Lupu Pick, Éclats est considéré comme l’un des textes fondateurs du mouvement Kammerspiel, éliminant les intertitres et s’appuyant entièrement sur la performance, l’environnement et la mise en scène pour raconter son histoire dévastatrice.

Éclats représente une intervention formelle radicale dans le cinéma allemand des débuts. Lupu Pick, travaillant à partir d’un scénario de Carl Mayer, supprime totalement les intertitres, forçant le film à communiquer par le geste, l’expression et le poids oppressant de son décor hivernal. Cette austérité s’aligne parfaitement avec la philosophie du Kammerspiel : un drame compressé à ses essentiels psychologiques et sociaux les plus nus. Le monde spatial confiné du film — la cabane ferroviaire, les rails enneigés, l’intérieur domestique étouffant — reflète l’emprisonnement psychologique de ses personnages. Dans le contexte de la Nouvelle Objectivité, Éclats anticipe le désenchantement du mouvement envers l’idéalisme romantique, présentant les relations humaines comme des structures fragiles s’effondrant sous la pression du désir et de l’isolement social. Il demeure une œuvre fondatrice et résolument moderne.

Varieté (1925)

Il s’agit d’un drame muet de 1925 réalisé par Ewald Andre Dupont, adapté du roman de 1912 The Oath of Stephan Huller de Felix Hollaender. Les scènes de trapèze se déroulent au théâtre Wintergarten à Berlin. Dans le film, Jannings incarne « Boss Huller », un ancien trapéziste gravement blessé dans un accident et qui dirige actuellement un cirque miteux avec sa femme (Maly Delschaft) et leur jeune fils. Huller pousse la famille à engager une inconnue (Lya De Putti) comme nouvelle danseuse, avec laquelle il prépare une nouvelle routine de trapèze. L’homme tombe amoureux de la danseuse et l’histoire se termine de manière dramatique.

Crisis (1925)

Situé dans la Vienne d’après-guerre durant une période d’inflation catastrophique, ce film suit les habitants d’une seule rue appauvrie alors qu’ils luttent pour leur survie. Parmi eux se trouve la fille d’un fonctionnaire ruiné qui fait face à la tentation constante de la prostitution pour sauver sa famille. Réalisé par G.W. Pabst et mettant en vedette une performance lumineuse de Greta Garbo dans un de ses premiers rôles, le film dresse un portrait sans concession du désespoir économique et du compromis moral, montrant comment la pauvreté systémique dégrade la dignité humaine et impose des choix impossibles aux gens ordinaires.

L’approche de G.W. Pabst incarne ici le regard sociologique de la Nouvelle Objectivité : la caméra observe avec un détachement documentaire, refusant d’esthétiser la souffrance tout en construisant simultanément un panorama social richement stratifié. Le film oscille avec fluidité entre mélodrame et réalisme social, ancrant le destin de ses personnages dans des conditions matérielles spécifiques — files d’attente pour la nourriture, effondrement monétaire, exploitation de classe. La direction de Pabst pour Garbo et Asta Nielsen révèle son don pour le portrait psychologique intime au sein d’une vaste toile sociale, faisant de ce film un pont indispensable entre l’intimité du Kammerspiel et les ambitions critiques plus larges de la Nouvelle Objectivité.

Asphalt (1929)

Joe May, qui avait auparavant travaillé dans des drames historiques, réalise également un film qui rend particulièrement vivante la nouvelle réalité des villes allemandes, Asphalt de 1928. Le film met en vedette Gustav Fröhlich et Betty Amann et raconte l’histoire d’une jeune fille de Berlin qui se retrouve en difficulté et vole un bijou précieux. Elle est arrêtée par un policier, et la femme tente de le convaincre de la laisser partir. Le film a été tourné entre octobre et décembre 1928 à l’UFA.

À Berlin, une jeune fille nommée Else est une belle escroc. Ses vêtements de haute couture et son maquillage impeccable lui permettent de mériter de contempler un rubis alors qu’elle séduit le bijoutier. Elle est prise en flagrant délit de vol et avoue que c’était la première fois et qu’elle avait besoin d’argent.

Secrets of a Soul (1926)

Secrets of a Soul, réalisé par Pabst en 1926, est l’une de ses premières œuvres cinématographiques et s’immerge profondément dans le domaine de la psychanalyse. Le récit se déroule autour de Martin Fellman, un éducateur tourmenté par des maux de tête persistants qui le conduisent à craindre qu’il ne perde la raison. Cette anxiété intense et cette détresse se manifestent par une terreur écrasante qu’il pourrait nuire à sa partenaire bien-aimée. Dans une quête pour apaiser ses peurs grandissantes et affronter les turbulences psychologiques qui envahissent son esprit, Martin cherche le soutien du Dr Orth, un psychanalyste dévoué. Ensemble, ils entreprennent un parcours thérapeutique pour démêler et traiter les couches complexes des psychoses de Martin, visant à restaurer l’équilibre de son âme troublée. À travers cette exploration, le film plonge profondément dans les complexités de la psyché humaine, examinant l’interaction entre peur, réalité et pensées subconscientes dans le cadre de la théorie psychanalytique du début du XXe siècle.

La Rue sans joie (1925)

Il s’agit d’un film muet allemand de 1925 réalisé par Georg Wilhelm Pabst avec Greta Garbo et Asta Nielsen. Il est basé sur une nouvelle de Hugo Bettauer et est considéré comme une expression de la Nouvelle Objectivité au cinéma. Dans une rue appelée Melchiorgasse, dans un quartier mal famé de Vienne en 1921, en Autriche, les vies de quelques personnes s’entrecroisent. Marie, fille d’un père violent, souhaite quitter son foyer avec l’aide de son petit ami Egon, un caissier. Grete est la fille aînée du pauvre fonctionnaire Rumfort. Marie et Grete attendent à la boucherie tenue par le brutal Josef Geiringer, mais Grete s’évanouit et perd son emploi. Marie et son amie Else parviennent à entrer dans la boutique de Geiringer, où elles obtiennent un morceau de viande en échange de relations sexuelles.

La Boîte de Pandore (1929)

Il s’agit d’un drame muet allemand de 1929 réalisé par Georg Wilhelm Pabst avec Louise Brooks, Fritz Kortner et Francis Lederer. Le film raconte Lulu, une jeune femme séduisante dont la nature spontanée crée des problèmes pour elle-même et pour ceux qui l’aiment. Il est basé sur les pièces d’Frank Wedekind Erdgeist (1895) et Die Büchse der Pandora (1904). Rejeté par la critique à sa sortie, le film fut plus tard redécouvert par les historiens du cinéma comme un classique du cinéma allemand de Weimar.

Lulu est la petite amie d’un auteur de journaux respecté d’âge mûr, le Dr Ludwig Schön. Un jour, un vieil homme, son « premier client », Schigolch, se présente à la porte de sa maison. Lorsque Schön arrive également, il fait cacher Schigolch sur la terrasse. Schön annonce à Lulu qu’il va très probablement épouser Charlotte von Zarnikow, la fille du ministre de l’Intérieur.

Journal d’une fille perdue (1929)

Il s’agit d’un film muet allemand de 1929 réalisé par GW Pabst et mettant en vedette l’actrice américaine Louise Brooks. Il existe deux versions du film : de 79 minutes à 116 minutes. Ce fut le dernier et le deuxième film de Brooks avec Pabst et, comme leur précédente collaboration Lulu, il est considéré comme un film classique. Il est basé sur le roman à succès de Margarete Böhme publié en 1905 et portant le même titre. Le livre avait déjà été adapté par Richard Oswald.

Thymian Henning, la naïve petite fille du pharmacologue Robert Henning, est déconcertée lorsque leur gouvernante, Elisabeth, part soudainement le jour de la confirmation de la fillette. Il s’avère que son père a rendu Elisabeth enceinte. Le corps d’Elisabeth est ensuite amené à la pharmacie ce jour-là, un suicide évident, et cet événement cause une grande douleur à Thymian.

L’aide du père de Thymian, Meinert, s’assure de tout lui expliquer tard dans la nuit, mais au lieu de cela, il la viole alors qu’elle est inconsciente et elle tombe elle aussi enceinte. Thymian refuse de reconnaître le père de l’enfant, ses proches découvrent cela dans son journal intime et décident que la meilleure chose est qu’elle épouse Meinert. Lorsqu’elle refuse, ils confient le bébé à une sage-femme et l’envoient dans une prison pour femmes en difficulté dirigée par une femme autoritaire et son aide.

People on Sunday (1930)

Un film muet semi-documentaire suivant quatre jeunes Berlinois — un marchand de vin, un figurant, un chauffeur de taxi et un mannequin — durant un seul dimanche alors qu’ils fuient la ville pour une sortie au bord d’un lac. Des flirts se développent, de petites tensions apparaissent, et la journée se termine sur un calme anticlimax. Réalisé par Robert Siodmak et Edgar G. Ulmer d’après un scénario de Billy Wilder et Curt Siodmak, le film utilise des acteurs non professionnels et des prises de vue en extérieur pour saisir la culture de loisir de la classe ouvrière berlinoise avec un naturalisme candide et non posé, créant un document unique de la vie quotidienne à l’époque de la République de Weimar.

People on Sunday est l’un des films les plus remarquables issus de la période de Weimar, et sa relation avec la Nouvelle Objectivité est directe et profonde. L’utilisation de lieux réels, d’acteurs non professionnels et d’un travail de caméra d’observation traduit le programme esthétique des arts visuels de la Neue Sachlichkeit directement en langage cinématographique. Il n’y a pas d’intrigue dramatique au sens conventionnel — seulement la texture de l’expérience vécue, capturée avec une précision affectueuse. Son attention aux petits rituels des loisirs dominicaux de la classe ouvrière, au langage corporel de la cour, à la fugacité du plaisir, incarne l’engagement de la Nouvelle Objectivité à dépeindre la réalité contemporaine sans idéalisation ni distorsion expressionniste. Œuvre transitionnelle cruciale, il fait le pont entre l’intimité du Kammerspiel muet et la tradition émergente du néoréalisme italien et de la Nouvelle Vague française.