Documentários Que Você Absolutamente Não Pode Perder

Um documentário é um filme, curto ou longo, filmado registrando a realidade sem um roteiro pré-estabelecido e sem a intenção de manipular fatos reais. O diretor se coloca à disposição para seguir o fluxo dos acontecimentos da vida real, para trazer os eventos à tela conforme eles realmente acontecem. O filme documental adquire, portanto, um valor diferente do cinema de ficção: é um documento, um testemunho do que foi filmado, de um período histórico, de um lugar, de pessoas. É um gênero fundamental e importante no campo do cinema independente. 

No cinema de ficção, a realidade é mediada pela imaginação do diretor e dos roteiristas. De fato, os personagens e ambientes são manipulados e organizados para serem filmados pela câmera de uma certa maneira, para expressar o mundo interior do diretor. Certos filmes querem contar uma história da maneira mais provável possível e onde se cria um pacto com o espectador. Como filmes inspirados em uma história real, ou cinema verdade. O espectador, mesmo sabendo que é uma encenação com atores, suspende seu julgamento para se imergir na impressão de realidade. Esse pacto implícito está na base do prazer do espetáculo cinematográfico. Se o filme tenta criar essa impressão de realidade e falha, o desinteresse do espectador logo chega. Por outro lado, alguns filmes contam explicitamente uma história por meio de um estilo irrealista, deixando clara a encenação e a construção fílmica da ficção. Nesse caso, o diretor torna-se um contador de histórias aos olhos do espectador: o que ele conta poderia ser verdade, ou poderia ser mentira, mas isso não importa. O que importa é o quão fascinante e envolvente é sua história. 

Na realidade, a diferença entre o cinema documental e o cinema de ficção é muito complexa e envolve questões filosóficas e espirituais importantes. É possível para um diretor filmar uma realidade objetiva de maneira totalmente imparcial? Mesmo que não seja o diretor quem imponha uma visão, como no caso dos documentários de propaganda, ela está sempre presente e a realidade está sempre manipulada. Mesmo nos chamados documentários de observação, nos quais o autor tenta desaparecer buscando uma imagem totalmente realista, tornando-se uma espécie de observador supremo, a manipulação típica do cinema também está presente ali. 

De fato, é o diretor quem escolhe o que observar, em qual lugar, de qual ângulo de observação. O diretor escolhe o que destacar e o que não destacar, escolher um close ou uma tomada longa. O filme, na prática, apesar de ser um documentário puro, não faz nada além de refletir o mundo interior e a personalidade do diretor ou criador. A realidade é organizada e montada de acordo com sua sensibilidade e interesses específicos. A narrativa é organizada conforme sua visão de mundo e seus valores. Portanto, não é errado dizer que o cinema documental também é um cinema de artifícios, um mundo construído por quem o cria. A realidade absoluta não é perceptível ao ser humano. 

🆕 Documentários Recentes Imperdíveis

Don Barry: A Quixotic Exploration

Agora disponível

Docuficção, Experimental, por Paul Smart, México, 2026.
Don Barry: Uma Exploração Quixotesca é um longa-metragem de estreia que coloca a biografia de um cineasta e artista experimental de oitenta anos, Barry Gerson, dentro da metanarrativa de Dom Quixote, de Miguel de Cervantes. Don Barry foi filmado na cidade de Guanajuato durante a 51ª edição do Festival Cervantino, assim como durante as vibrantes celebrações do Dia dos Mortos realizadas nos túneis da cidade, listados pela UNESCO. O filme homenageia a longa amizade do diretor com o artista Barry Gerson, inspirando-se em Dom Quixote de Cervantes. As escolhas de direção de Paul Smart criam algo novo que celebra a vida e vai além da narrativa convencional. Uma busca pela magia em nossas vidas reais. Um filme emocionante sobre o significado da vida, da arte e da morte. Imperdível.

Paul Smart é um cineasta outsider orgulhoso, com uma longa história de exibições de filmes. Na década de 1980, ele emergiu na vibrante cena artística jovem de Nova York, trabalhando em produção teatral e posteriormente em cinema, antes de se retirar para a zona rural do norte do estado de Nova York, nas Montanhas Catskill, onde sustentava-se escrevendo e exibindo filmes independentes em antigos salões paroquiais para públicos rurais, muitos dos quais nunca tinham visto um filme.

IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português

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20 Dias em Mariupol (2023)

O documentário é o relato angustiante de um grupo de jornalistas ucranianos presos na cidade sitiada de Mariupol após a invasão russa. Utilizando suas filmagens em primeira mão (frequentemente a única evidência remanescente dos crimes de guerra e do bombardeio ao hospital), o filme foca em narrar o cerco, detalhando a tragédia dos civis e o preço do jornalismo sob fogo.

Esta é uma obra crucial, vencedora do Oscar, valorizada não apenas por seu mérito jornalístico, mas por sua construção narrativa envolvente. O documentário transforma a reportagem política em um thriller de guerra tenso, documentando em tempo real as mentiras e a paranoia de um regime. É um filme que demonstra o poder da reportagem na linha de frente e a obsessão do indivíduo em testemunhar a brutalidade absoluta.

Toda a Beleza e o Derramamento de Sangue (2023)

O documentário entrelaça a biografia íntima da fotógrafa e ativista Nan Goldin com sua batalha legal contra a família Sackler, proprietária da Purdue Pharma e responsável pela epidemia de opioides (OxyContin) nos Estados Unidos. O filme explora dois caminhos paralelos: a história artística de Goldin (a partir de suas fotografias cruas e íntimas das comunidades LGBTQ+ e punk) e sua cruzada para obrigar museus e instituições de arte a rejeitarem financiamentos “sujos” derivados do tráfico de drogas.

Vencedor do Leão de Ouro em Veneza, esta é uma obra-prima que une arte e ativismo. Não é uma investigação fria, mas um ensaio visual profundamente pessoal. A diretora Laura Poitras usa o trabalho de Goldin — que sempre fotografou aqueles que a sociedade rejeitou — como lente para examinar a corrupção institucional e a responsabilidade moral daqueles que lucram com o sofrimento humano.

Self Defence

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Documentário, de Olaf de Fleur, Islândia, 2025.
Autodefesa acompanha a história de Imma Helga, uma instrutora de autodefesa na Islândia que transformou suas dificuldades na adolescência com preconceito, homofobia e depressão em uma missão de empoderamento. Junto com seu irmão Jón Viðar, ela ensina uma abordagem prática e realista de autodefesa, ajudando mulheres a se sentirem mais conscientes, capazes e confiantes. Por meio de aulas, depoimentos e sua presença nas redes sociais com mais de um milhão de seguidores, o filme mostra que a autodefesa não é um ato heroico, mas uma habilidade básica e acessível: uma forma de se proteger, recuperar espaço e afirmar presença. Ao entrelaçar momentos de ensino e a jornada pessoal de Imma, Autodefesa explora a conexão entre crescimento interior e proteção física, revelando como aprender a manter sua posição também significa recuperar força, auto-respeito e liberdade.

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Still: A Michael J. Fox Movie (2023)

O documentário traça a vida e a carreira do ator Michael J. Fox, conhecido por De Volta para o Futuro, com brutal honestidade sobre sua luta de duas décadas contra a doença de Parkinson. A narrativa mistura de forma engenhosa imagens de arquivo (frequentemente sincronizadas com sua própria narração) com sequências de docu-ficção que reconstroem momentos-chave de sua vida. O filme não apenas conta a história de uma doença, mas explora o preço da fama, a obsessão pela imagem e a dinâmica emocional com sua família.

É um ensaio profundamente íntimo sobre resiliência humana e aceitação, que usa o cinema para desconstruir a imagem pública do ator. A direção (de Davis Guggenheim) é impecável ao equilibrar melancolia com humor autodepreciativo. O documentário, embora trate de um tema doloroso, consegue transformar a luta contra o Parkinson em uma meditação tocante e estimulante sobre a esperança.

Quatro Filhas (Les Filles d’Olfa) (2023)

O filme franco-tunisiano-alemão narra a história de Olfa, uma mãe tunisiana, e suas quatro filhas. A narrativa centra-se na ausência e na perda, pois duas das filhas desapareceram para se juntar ao ISIS. A diretora Kaouther Ben Hania utiliza a Docuficção revolucionária e a reconstrução dramática: as duas filhas ausentes são interpretadas por atrizes profissionais que substituem as filhas restantes para explorar a memória familiar e o trauma.

Vencedor em Cannes (L’Œil d’Or), este é um poderoso ensaio visual sobre maternidade, sociedade e extremismo. Misturando drama psicológico com verdade documentada, o filme desconstrói a fronteira entre ficção e realidade para revelar uma verdade emocional mais profunda sobre o papel das mulheres no mundo árabe.

Days Blows by in a Moment

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Documentário, de Cristiana Donghi, Itália, 2022.
Ancilla tem 86 anos. Há dois anos, ela foi morar com sua filha Emanuela no início da pandemia. Ancilla está lentamente perdendo a memória. Ela não se lembra do que almoçou, só recorda eventos do passado, talvez apenas porque os repete há anos. Emanuela cuida dela, dia após dia a acorda, prepara sua comida, a lava, a veste e a acompanha alguns dias por semana ao hospício para fisioterapia. Esse é um dos poucos contatos que ela ainda tem com o resto do mundo. Ancilla tem outro filho, Mauro, que vive em Londres desde que saiu em busca de trabalho. Ela não o vê há dois anos. As rotinas diárias sempre se repetem e só mudam com as estações do ano. As memórias da mãe nos apresentam lentamente Ancilla, seu passado, a vida que viveu e que a trouxe até aqui. Momentos melancólicos se alternam com momentos engraçados e aqueles em que a paciência chega ao limite. A simpatia de Ancilla traz uma brisa leve e fresca para a vida de quem está ao seu redor e permite que vejam tudo de uma forma em que até as nuvens mais ameaçadoras são momentaneamente afastadas por um sopro de vento.

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Anselm (2023)

O diretor cult alemão Wim Wenders dirige um retrato imersivo e contemplativo da vida e obra de seu compatriota, o artista Anselm Kiefer. Filmado em 3D, o documentário não é uma simples entrevista, mas uma viagem pelos estúdios colossais e sombrios de Kiefer e suas instalações que exploram o trauma da história alemã, o Holocausto e o mito.

É uma obra-prima da pura estética, usando a forma documental para executar a crítica de arte. Wenders captura com sucesso o processo criativo de Kiefer e a escala monumental de suas obras, transformando a observação em uma experiência meditativa e quase mística. É um filme essencial para quem se interessa por arte contemporânea e pela forma como o trauma histórico é metabolizado através da criação.

Fogo do Amor (2022)

Através de um incrível arquivo de filmagens originais em 16mm, o filme conta a história de vida, amor e morte dos vulcanólogos franceses Katia e Maurice Krafft. O casal era unido por uma paixão totalizante por vulcões ativos, uma obsessão que os levou a todos os cantos do mundo para filmar erupções cada vez mais próximas e perigosas. O documentário traça seu caminho exploratório, destacando o vínculo simbiótico entre os dois e sua dependência do risco extremo que inevitavelmente levou às suas mortes em 1991.

Visualmente deslumbrante, Fire of Love é uma épica romântica e uma obra de advocacia científica que se lê como uma aventura existencial. Aproveitando filmagens amadoras ricas em cores vívidas e uma narração íntima, o filme explora a fronteira entre a paixão que dá sentido à vida e o impulso autodestrutivo que pode aniquilá-la.

Adriatico - United sea of Europe

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Documentário, por Cristiana Lucia Grilli, Itália, 2019.
Adriático - Mar Unido da Europa é uma jornada fascinante entre a Itália e os Bálcãs para descobrir as comunidades eslavas e albanesas que se estabeleceram no centro da Itália, na região do Molise, já no século XV, após a invasão otomana da Península Balcânica. O documentário é dividido em dois capítulos: o primeiro dedicado aos ítalo-albaneses, o segundo aos ítalo-croatas. Uma viagem para descobrir as comunidades arbëreshë que pela primeira vez se encontram unidas em um destino comum. A terra-mãe da Albânia, e um mar que separa, mas não apaga histórias, arte, sonhos, destinos. Um filme no qual as vozes de pesquisadores, acadêmicos, estudiosos, professores e músicos, incluindo o conhecido compositor bósnio Goran Bregović, se misturam, com o objetivo de recuperar a memória histórica das minorias étnico-linguísticas, valorizando sua língua, costumes e trajes. A história liga a Itália e os Bálcãs e tem suas raízes na era do Reino de Nápoles, quando as comunidades se estabeleceram na área, contribuindo para seu crescimento. O Adriático é a ponte que une as duas margens, que traz salvação e garante um futuro.

“Adriático” foi filmado nas cidades centrais italianas com minorias Arbëreshë e croatas, na Croácia, na Bósnia e Herzegovina, em particular na área da cordilheira de Biokovo e do rio Narenta, locais de origem dos eslavos do Molise. Mas também na Albânia e em Genebra, onde foi colhido o testemunho do músico bósnio Goran Bregović, que encarna o conceito de contaminação cultural. O documentário nasceu da história pessoal da diretora, que pelo lado materno pertence à comunidade Arbëreshë, descendente dos albaneses que chegaram à Itália há centenas de anos. Por outro lado, herdou as raízes gregas de sua avó paterna. As montanhas dos Bálcãs sempre fizeram parte de sua vida e ela sempre foi fascinada por elas: a história de povos que foram capazes de reconstruir suas vidas.

IDIOMA: Italiano
LEGENDAS: Inglês, Espan

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O Eco (El Eco) (2023)

Este filme de arte mexicano-alemão foca na vida em uma vila remota no norte do México, El Eco, onde crianças e mulheres enfrentam a rotina exaustiva da vida rural em uma paisagem árida. A diretora Tatiana Huezo utiliza um estilo lírico e contemplativo de observação para capturar o vínculo entre gerações e a resiliência diante das dificuldades da natureza. Não há entrevistas, apenas a observação quase pictórica de uma existência onde o tempo parece ter parado.

Vencedor do prêmio de Melhor Documentário no Berlinale, El Eco é uma obra de puro “cinema observacional” que eleva a vida camponesa a uma escala épica. Seu ritmo lento e estética poética o tornam perfeito para o público de cinema de arte. É um documentário essencial sobre memória, trabalho manual e a forma como as tradições familiares são transmitidas em um mundo que está esquecendo suas raízes.

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Docuficção

A docuficção opera na tênue linha entre a realidade documentada e a reconstrução dramática. Utilizando atores, roteiros e cenas encenadas, esse estilo busca preencher lacunas em imagens de arquivo ou intensificar o impacto emocional de eventos reais que não podem mais ser filmados. Apesar de sua abordagem híbrida, seu objetivo permanece alcançar uma verdade emocional e narrativa mais profunda do que a simples reportagem.

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Cinéma Vérité (Cinema da Verdade)

Nascido na década de 1960, o movimento Cinéma Vérité (ou Cinema da Verdade) buscava capturar a realidade “ao vivo”, usando câmeras leves e portáteis e uma abordagem destinada a ser o menos intrusiva possível. O objetivo era captar a verdade psicológica dos sujeitos, frequentemente por meio de longas entrevistas diretas ou da observação de situações de crise, trazendo autenticidade e franqueza para a narrativa documental.

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The House is Black

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Documentário, de Forough Farrokhzad, Irã, 1963.
A Casa é Preta é um filme lírico e transcendente que lança um olhar cheio de compaixão e religiosidade sobre uma humanidade sofredora. A única fonte de harmonia é encontrada fora da colônia de leprosos, na natureza: o sofrimento reina dentro. Nem mesmo a fé religiosa é capaz de trazer alívio. Um documentário sobre a vida e o sofrimento em um hospital para leprosos em Esperan, no distrito central do Condado de Tabriz, onde o tempo parece ter parado, onde a rotina diária se repete infinitamente, privada de toda esperança. O filme funde as imagens com a poesia da diretora Forough Farrokhzad e com citações do Antigo Testamento e do Alcorão. Durante as filmagens, a diretora se afeiçoou a Hossein Mansouri, uma criança cujos pais sofriam de lepra, e decidiu adotá-lo. Pouco conhecido na época de seu lançamento, A Casa é Preta tornou-se a referência do cinema iraniano nos anos seguintes. Pode ser considerado o primeiro filme que deu origem ao movimento da Nova Onda Iraniana. Forugh Farrokhzad, uma famosa poeta feminista iraniana com um estilo controverso e modernista, foi uma das vozes femininas mais importantes da poesia e do cinema iranianos. Sua personalidade autoritária e carismática foi severamente testada pelo ostracismo e desaprovação dos conservadores e do governo islâmico, que proibiu seus poemas mais de uma década após sua morte em um trágico acidente de carro aos 32 anos. A Casa é Preta é seu único filme. Farugh Farrokhzad usa sua sensibilidade para aproximar a câmera do que não deveria ser olhado, dos leprosos e marginalizados, com absoluto respeito. Filmes imperdíveis.

IDIOMA: Persa
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Mockumentary

O Mockumentary é um estilo que utiliza todas as convenções visuais e narrativas do cinema documental (entrevistas com especialistas, imagens de arquivo fictícias) para narrar eventos, personagens ou realidades inteiramente inventadas. Sua força está na capacidade de entregar sátira social, paródia ou crítica política justamente explorando a presunção de verdade do gênero, criando um efeito que pode ser hilário ou perturbador.

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Os melhores documentários da década de 1920

Os Melhores Documentários da Década de 1920 O documentário nasceu na década de 1920 como um experimento visual e uma celebração da modernidade urbana. A lente da câmera torna-se um olho mecânico investigando a realidade e as grandes metrópoles (seguindo Vertov e Ruttmann). É uma era de pura vanguarda, onde o não-ficção se afirma como forma de arte, desafiando a ficção com ritmo ágil e uma estética que glorifica a energia da vida moderna.

Os melhores documentários da década de 1930

Os Melhores Documentários da Década de 1930 O advento do som e a Grande Depressão transformam o documentário em uma ferramenta de investigação social e luta política. Nos anos 1930, o cinema não-ficcional foi usado tanto para expor injustiças sociais e apoiar o New Deal, quanto, dramaticamente, como um poderoso veículo de propaganda totalitária, demonstrando pela primeira vez sua força em manipular a opinião pública em larga escala.

Os melhores documentários da década de 1940

Os Melhores Documentários da Década de 1940 Esta década é dominada pela Segunda Guerra Mundial. O documentário abandona sua arte para se tornar essencialmente cinema de guerra, testemunho e reportagem urgente da linha de frente. Frequentemente dirigido por cineastas de Hollywood alistados nas forças militares, o documentário é a ferramenta necessária para registrar a história em tempo real enquanto simultaneamente mantém o moral das tropas e da população civil.

About Nice

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Documentário, de Jean Vigo, França, 1930.
Com uma velha câmera de filme usada comprada com o dinheiro emprestado pelo pai de sua esposa, Jean Vigo filma um documentário sobre Nice. O encontro com Boris Kaufman muda o projeto inicial do diretor francês, que será influenciado pelo operador Dziga Vertov. A natureza e os locais turísticos de Nice: cassinos, carnavais, praias, bares com mesas ao sol. A alta burguesia de Nice é comparada com bairros pobres. Não há encenação. Às vezes, as pessoas filmadas são captadas secretamente: a ideia de Vigo e Kaufman é restaurar o máximo de realismo antecipando as regras do cinema-verdade. A montagem é inspirada nas teorias soviéticas e busca associações livres e significados simbólicos, com ritmo rápido e desacelerações súbitas. Sem diálogos, inspirado em O Homem com a Câmera, é um filme de vanguarda.

Sem diálogos

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Os melhores documentários da década de 1950

Os Melhores Documentários da Década de 1950 Tendo abandonado a urgência e a propaganda da guerra, o documentário dos anos 1950 buscou uma abordagem mais íntima e observacional. Começou a se desenvolver a ideia de que a câmera deveria interferir o mínimo possível na realidade, lançando as bases para a subsequente explosão do Cinéma Vérité. O foco desloca-se das grandes narrativas estatais para pequenos dramas individuais e a vida cotidiana, frequentemente com um tom mais seco e menos retórico.

Noite e Névoa (1955)

“Noite e Névoa” (Nuit et Brouillard) de Alain Resnais, um documentário de 1955 sobre o Holocausto. O título é uma referência à expressão alemã “Nacht und Nebel”, que significa “noite e névoa” e foi o nome de um decreto nazista que autorizava o internamento em campos de concentração e a subsequente eliminação física por câmaras de gás de todos os opositores do regime.

O filme é composto por uma série de imagens em preto e branco de filmagens de arquivo, fotografias e objetos pertencentes aos deportados, alternadas com imagens coloridas dos campos de concentração de Auschwitz e Majdanek, como apareciam em 1955, ano em que o filme foi realizado. O comentário em áudio, lido por Jean Cayrol, é poético e reflexivo, focando na necessidade de lembrar o horror do Holocausto e evitar que ele se repita. “Noite e Névoa” é um filme importante e comovente que ajudou a conscientizar sobre o Holocausto. Foi um sucesso crítico e comercial e ganhou inúmeros prêmios, incluindo o Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza.

Os melhores documentários dos anos 1960

Os Melhores Documentários dos Anos 1960 Os anos 1960 são a era dourada do Cinéma Vérité. A evolução dos equipamentos (câmeras mais leves) permite aos cineastas saírem às ruas, registrando a realidade sem filtros, em tempo real e com uma franqueza chocante. O documentário torna-se uma arma da contracultura, focando nos movimentos pelos direitos civis, na política e nas vidas de personagens excêntricos com uma franqueza inédita que quebra o pacto de não agressão com o espectador.

The Endless Summer (1966)

“The Endless Summer” é um filme de surf de 1966 dirigido por Bruce Brown. O filme acompanha dois surfistas, Mike Hynson e Robert August, em uma jornada ao redor do mundo para encontrar as melhores ondas para surfar. Cruzando a África, Austrália, Havaí e outros lugares exóticos, os surfistas encontram novas culturas e enfrentam desafios emocionantes em suas pranchas. The Endless Summer é considerado um dos filmes de surf mais influentes de todos os tempos e ajudou a espalhar a cultura do surf globalmente.

“The Endless Summer” segue a história de dois jovens surfistas, Mike Hynson e Robert August, que decidem viajar pelo mundo em busca das melhores ondas para surfar. O filme mostra eles atravessando diferentes partes do mundo, encontrando novas culturas e desafios ao longo do caminho. Durante a jornada, os surfistas conhecem pessoas que compartilham sua paixão pelo surf e enfrentam desafios como barreiras linguísticas e culturais, além de condições climáticas adversas. No entanto, apesar desses obstáculos, os dois surfistas continuam a perseguir seus sonhos e a desfrutar das ondas que surfam. O filme foi aclamado por seus visuais espetaculares e trilha sonora, assim como por sua mensagem de aventura e liberdade. The Endless Summer também influenciou muitas gerações de surfistas e ajudou a difundir a cultura do surf globalmente.

Titicut Follies (1967)

Frederick Wiseman apresenta seu primeiro filme de longa-metragem chocante, Titicut Follies, uma imersão sem filtros na vida diária do Bridgewater State Hospital para criminosos insanos em Massachusetts. Filmado em um estilo observacional rigoroso, sem entrevistas ou narração, o filme expõe com brutal clareza as condições desumanas, abusos e a indiferença sistemática a que os internos-pacientes são submetidos pelos guardas e pela equipe médica.

O trabalho de Wiseman é um marco do cinema direto americano. Sua abordagem é radical em sua aparente neutralidade: a câmera apenas registra, está presente, deixando que as imagens e sons falem por si mesmos. No entanto, essa objetividade é a arma mais poderosa do filme. Wiseman não precisa comentar a humilhação de um paciente despido e zombado, nem a sequência grotesca de um médico alimentando à força um homem enquanto deixa cair a cinza do cigarro no funil. O poder do filme reside precisamente nessa ausência de julgamento explícito, que força o espectador a confrontar diretamente o horror da “coerção não espetacular” e os “gestos cotidianos de humilhação”.

O filme foi tão poderoso que foi proibido por décadas em Massachusetts. A controvérsia legal não surgiu tanto de uma preocupação genuína com a privacidade dos pacientes, mas do poder político disruptivo das imagens de Wiseman. O pedido do estado para censurar o filme foi, de fato, uma admissão de sua verdade avassaladora. Ao se recusar a editorializar, Wiseman conferiu às suas imagens uma autoridade irrefutável que o poder institucional não podia negar, apenas ocultar. Titicut Follies assim demonstra que o ato aparentemente passivo de mostrar a realidade, sem filtros, pode se tornar a forma mais radical e subversiva de crítica social e cinema político.

Apennines

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Documentário, de Emiliano Dante, Itália, 2017.
Appennino é um diário cinematográfico que começa com a lenta reconstrução de L'Aquila, a cidade do diretor, na Itália, e continua com os terremotos nos Apeninos centrais de 2016-17, até o longo e exaustivo asilo das novas vítimas do terremoto em S. Benedetto del Tronto. Uma história íntima e irônica, lírica e geométrica, onde a questão de viver em uma área sísmica se torna a ferramenta para refletir sobre o verdadeiro significado de fazer cinema da realidade.

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Salesman (1968)

Salesman (1968) é um documentário americano dirigido por David Maysles, Albert Maysles e Charlotte Zwerin. Acompanha quatro vendedores de porta em porta de Bíblias enquanto viajam pelos Estados Unidos tentando vender Bíblias caras para católicos da classe trabalhadora. O filme é considerado um marco no cinema direto. Foi filmado em um estilo altamente naturalista, com os cineastas usando narração e interferência mínimas. Isso permitiu que o filme capturasse as emoções cruas e as lutas dos quatro vendedores, bem como a vida cotidiana das pessoas com quem interagiam. O filme foi elogiado por sua honestidade e seus insights sobre a vida dos americanos comuns. Também foi criticado pela forma como retratava os vendedores, que às vezes eram mostrados como manipuladores e exploradores.

Apollo 11 (1969)

Apollo 11 (1969) é um documentário aclamado pela crítica que narra a primeira missão tripulada a pousar na Lua. Dirigido por Todd Douglas Miller, o filme utiliza imagens de arquivo, gravações de áudio e entrevistas com os astronautas para criar uma experiência envolvente e convincente para os espectadores. O filme acompanha os astronautas da Apollo 11 – Neil Armstrong, Buzz Aldrin e Michael Collins – desde seu treinamento na NASA até sua jornada à Lua e seu pouso histórico em 20 de julho de 1969. O uso magistral de Miller das imagens de arquivo e gravações de áudio permite que os espectadores sintam como se estivessem ali com os astronautas, experimentando os altos e baixos da missão.

As entrevistas com os astronautas também são reveladoras, oferecendo insights sobre suas motivações, seus medos e seu senso de realização. A edição cuidadosa e a narração de Miller entrelaçam esses elementos para criar um retrato abrangente e emocionante dessa conquista histórica.

Os melhores documentários da década de 1970

Os melhores documentários da década de 1970 Com o desencanto da era pós-Vietnã e o escândalo Watergate, o documentário dos anos 1970 torna-se mais autoral e ativista. Especializa-se em trabalhos investigativos aprofundados, focando em falhas sistêmicas, justiça social e lutas trabalhistas. O cineasta torna-se um detetive persistente que usa a câmera não apenas para registrar, mas para expor, inaugurando a era dos documentários políticos e pessoais de alto impacto.

Gimmie Shelter (1970)

Gimme Shelter (1970) é um documentário que narra a turnê dos Rolling Stones pelos EUA em 1969 e culmina no desastroso Altamont Free Concert. Dirigido por Albert e David Maysles e Charlotte Zwerin, o filme é um olhar cru e implacável sobre o lado sombrio do movimento contracultural dos anos 1960. O filme acompanha os Stones enquanto viajam de cidade em cidade, se apresentando em estádios lotados e arenas repletas de fãs gritando. No entanto, a turnê é marcada por violência e caos, com o Altamont Free Concert servindo como o ponto mais baixo. O concerto, que deveria ser um encontro pacífico de hippies e fãs de rock, mergulhou no caos e na violência, culminando no assassinato por facadas de Meredith Hunter.

F for Fake (1973)

F for Fake (1973) é um documentário inovador dirigido por Orson Welles. O filme é uma exploração labiríntica da natureza da verdade e da ilusão, tendo como ponto de partida a história de Elmyr de Hory, um renomado falsificador de arte. Entrelaçando entrevistas, imagens de arquivo e a narração característica de Welles, F for Fake mergulha no mundo da arte, do engano e do poder da mídia. Welles examina como a realidade é frequentemente manipulada e distorcida, e questiona nossa capacidade de distinguir entre fato e ficção. F for Fake foi um sucesso crítico e comercial. Foi elogiado por sua estrutura inovadora, seus temas complexos e a narração magistral de Welles. O filme é citado como um dos documentários mais importantes já feitos.

France, almost a self-portrait

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Documentário, de Ilaria Pezone, 2017, Itália.
Ávido cinéfilo, cineasta, ensaísta de cinema, professor. Quem é realmente Francesco Ballo? Talvez seja tudo isso junto, e mais: um fã do Inter, um especialista em vinhos, um cuidadoso amante do jazz... Um cineasta verdadeiramente independente, fora de qualquer lógica comercial, Francesco fala sobre si mesmo neste documentário, guiando o espectador por seu mundo, sua vida cheia de paixões e sua criatividade. Uma jornada sem mapas e sem rotas pré-estabelecidas, tão vertiginosa quanto um filme de Buster Keaton e tão livre quanto uma jam session de Charlie Parker, cheia de reflexões sobre cinema e como fazer filmes.

IDIOMA: italiano
LEGENDAS: inglês

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Grey Gardens (1975)

Este documentário icônico dos irmãos Maysles oferece um retrato íntimo e inesquecível de Edith “Big Edie” Bouvier Beale e sua filha Edith “Little Edie”, tia e prima de Jacqueline Kennedy Onassis. As duas mulheres vivem em quase total isolamento em uma mansão dilapidada de 28 quartos nos Hamptons, cercadas por gatos, lixo e os fantasmas de um passado aristocrático. O filme captura sua relação simbiótica, suas discussões, seus sonhos quebrados e sua vida diária excêntrica.

Grey Gardens é uma obra-prima do cinema direto que transcende um simples retrato para se tornar uma exploração complexa da memória, identidade e performance. O filme mistura gêneros de forma única, evocando o horror gótico na imagem da mansão decadente, quase uma casa assombrada infestada pelo passado, e o melodrama doméstico nas constantes recriminações e contos nostálgicos de amores perdidos. A questão ética central — se o filme é um ato de exploração ou uma colaboração — permanece em aberto, embora a própria Little Edie tenha defendido ferozmente, chamando-o de um encontro entre “duas pessoas muito talentosas e duas senhoras muito talentosas”.

O filme é fundamentalmente uma obra sobre a construção do mito pessoal. As Edies não são sujeitos passivos; elas são as atrizes principais do drama de suas próprias vidas, plenamente conscientes da presença da câmera e ansiosas para contar sua versão da história. A famosa frase da pequena Edie, “é muito difícil manter a linha entre o passado e o presente”, é a chave para entender o filme. A mansão em ruínas não é apenas um cenário, mas a manifestação física de sua incapacidade de escapar de suas memórias. Grey Gardens é uma obra comovente e fascinante sobre como a nostalgia, quando se torna avassaladora, pode se transformar em uma gaiola dourada, e como cada família constrói suas próprias verdades através das histórias que conta a si mesma.

Harlan County, EUA (1976)

Vencedor do Oscar, este poderoso documentário de Barbara Kopple mergulha no coração de uma greve de 13 meses dos mineiros de carvão em Brookside, Kentucky. O filme documenta a árdua luta de 180 mineiros e suas famílias contra a Duke Power Company para garantir um contrato sindical, em meio a violência, intimidação e uma longa história de exploração conhecida como “Bloody Harlan”.

Harlan County, USA é um exemplo paradigmático do cinema investigativo e ativista, um filme que demonstra como os princípios do cinema direto não implicam necessariamente neutralidade política. A câmera de Barbara Kopple não é um observador objetivo, mas uma ferramenta de luta, um participante ativo ao lado dos mineiros. A energia, a imediaticidade e a paixão que permeiam cada quadro nascem desse envolvimento total. Kopple e sua equipe viveram com a comunidade, marcharam nas linhas de piquete e enfrentaram os mesmos perigos, incluindo serem alvejados por pelegos.

O estilo do filme reflete a crueza da luta: a edição é por vezes “irregular”, a estrutura narrativa segue o fluxo caótico dos eventos, e a trilha sonora é dominada pelas baladas folclóricas e canções de protesto da tradição local, que se tornam a própria voz da resistência. Ao contrário da abordagem distante de Wiseman, que observa o poder de dentro, Kopple posiciona sua câmera ao lado dos oprimidos. Ao fazer isso, ela redefine o potencial do cinema vérité, demonstrando que a busca pela verdade não é apenas um ato de observação, mas pode ser um ato de militância, uma forma de lutar por ela.

Os melhores documentários dos anos 1980

Os Melhores Documentários dos anos 1980 Os anos 1980 são caracterizados por uma mudança formal e um foco obsessivo na ética da representação e da memória. O uso inovador da reconstrução narrativa (como em The Thin Blue Line) e do testemunho monumental (Shoah) elevam o gênero além do mero relato, transformando-o em uma poderosa ferramenta para refletir sobre a verdade, o tempo e a justiça. É uma década em que o documentário aprende a funcionar como um quebra-cabeça.

Koyaanisqatsi (1982)

Koyaanisqatsi (1982) é um filme documentário experimental dirigido por Godfrey Reggio. O título é uma palavra Hopi que significa “vida fora de equilíbrio”. O filme é uma exploração da natureza e da civilização, utilizando imagens de paisagens naturais e urbanas, acompanhadas por uma trilha sonora minimalista de Philip Glass. O filme começa com imagens de paisagens naturais, como rios, florestas e montanhas. Essas imagens são acompanhadas por uma trilha sonora de Glass que cria uma sensação de paz e tranquilidade. À medida que o filme avança, as imagens tornam-se mais urbanas e frenéticas. Paisagens urbanas, fábricas e carros são mostrados. A trilha sonora de Glass torna-se mais intensa e cacofônica.

O filme termina com imagens de uma cidade em chamas. Essas imagens são acompanhadas por uma trilha sonora de Glass que cria uma sensação de caos e destruição. Koyaanisqatsi é um filme poderoso e provocativo que teve um impacto profundo no cinema experimental. O filme foi elogiado por sua beleza visual e sua trilha sonora envolvente. Também provocou discussões sobre a relação entre natureza e civilização.

O Fardo dos Sonhos (1982)

Este lendário documentário de Les Blank acompanha a produção caótica, obsessiva e quase impossível do filme Fitzcarraldo, de Werner Herzog, no coração da selva amazônica peruana. O filme captura a luta titânica de Herzog contra a natureza, os conflitos com tribos indígenas, os problemas com atores (incluindo o infame Klaus Kinski) e, acima de tudo, sua determinação insana de arrastar um verdadeiro navio a vapor de 320 toneladas morro acima.

Considerado por muitos como o maior documentário “making-of” já feito, O Fardo dos Sonhos transcende seu gênero para se tornar uma meditação profunda sobre a natureza da criação artística, sobre a arrogância e a loucura que frequentemente acompanham o gênio. O “fardo dos sonhos” do título é duplo: por um lado, o peso físico do navio que deve ser movido; por outro, o peso psicológico da visão artística de Herzog, um sonho que ameaça destruí-lo e a todos ao seu redor.

O estilo lírico e observacional de Les Blank serve como o contraponto racional perfeito à obsessão romântica e niilista de Herzog. Enquanto Herzog, em seus famosos monólogos, descreve a selva como um lugar “vil e baixo” onde reina apenas “a harmonia de um assassinato coletivo e esmagador”, a câmera de Blank captura momentos de beleza silenciosa e interação cultural. O filme torna-se assim um diálogo entre duas visões de mundo e duas formas de fazer cinema, uma alegoria sisífica da luta do artista contra a matéria e contra seus próprios demônios, e um retrato inesquecível do preço, por vezes terrível, que se paga para transformar um sonho em realidade.

Vegetable skin

Agora disponível

Documentário, de Giovanni Soletta, Itália, 2018.
Um documentário emocionante sobre a misteriosa relação entre arte e natureza. O artista camponês Bruno Petretto criou Molineddu, o lugar onde vive e que há anos recebe artistas visuais de toda a Sardenha, em eventos anuais, que frequentemente deixam suas obras expostas à natureza do parque e à transformação que ela gera. Um homem que cria suas obras artísticas em um vínculo mágico com a criatividade da natureza, longe de motivações de ambição e prestígio. Uma espécie de comunicação com a consciência universal que se expressa através de suas mãos, nunca objetos definitivos, constantemente mudando com a passagem do tempo e das estações.

IDIOMA: italiano
LEGENDAS: inglês, espanhol, francês, alemão, italiano, português

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Sans Soleil (1983)

Uma obra incategorizável do misterioso cineasta francês Chris Marker, Sans Soleil é um filme-ensaio que medita sobre a natureza da memória, do tempo e da imagem. Estruturado como um fluxo de consciência, o filme é narrado por uma mulher que lê cartas de um cinegrafista fictício, Sandor Krasna. Suas reflexões errantes conectam imagens aparentemente díspares, filmadas principalmente no Japão e na Guiné-Bissau, definidas como “dois polos extremos da sobrevivência”.

Sans Soleil é a apoteose do documentário autoral, uma obra em que o verdadeiro protagonista é a própria consciência do diretor. Mais do que um relato factual, o filme é uma jornada filosófica e poética pelos paisagens da mente. Marker explora como a memória funciona de forma não linear, por associação, e como a tecnologia (particularmente o sintetizador de vídeo com o qual manipula algumas imagens) pode alterar e questionar nossa relação com o passado. O filme é um labirinto de ideias que vão da cultura pop japonesa aos rituais africanos, dos videogames ao Vertigo de Hitchcock.

O uso do narrador fictício Sandor Krasna não é um mero capricho para mascarar a assinatura de Marker, mas uma afirmação profunda sobre a própria natureza da memória. A memória, como Krasna, é um intermediário, uma versão subjetiva, imperfeita e reconstruída do passado. Nunca temos acesso direto aos eventos, apenas à história que é contada sobre eles. A estrutura fragmentada e associativa do filme imita perfeitamente o funcionamento da mente humana, criando uma simbiose total entre forma e conteúdo. Sans Soleil é uma experiência cinematográfica hipnótica que nos ensina que lembrar não é reviver, mas reinterpretar constantemente.

Shoah (1985)

A obra monumental de Claude Lanzmann, com nove horas e meia de duração e resultado de onze anos de trabalho, é talvez o filme definitivo sobre o Holocausto. Sua escolha metodológica é tão simples quanto radical: sem imagens de arquivo, sem fotografias da época. O filme é composto inteiramente por testemunhos coletados nas décadas de 1970 e 1980 de sobreviventes, perpetradores (frequentemente filmados secretamente) e testemunhas oculares, intercalados com longos planos meditativos dos locais de extermínio como apareciam na época das filmagens.

Shoah não é um filme sobre a memória, mas um ato de memória. A recusa de Lanzmann em usar imagens de arquivo é uma postura ética e filosófica poderosa. Para o diretor, usar essas imagens significaria historicizar o horror, confiná-lo a um passado seguro e, de certa forma, torná-lo suportável através da estética. Em vez disso, Lanzmann força o espectador a confrontar o presente: um campo gramado, uma floresta silenciosa, os trilhos de uma ferrovia. Sobre essas imagens vazias, as vozes das testemunhas evocam o horror indescritível que aqueles lugares abrigaram.

O filme torna o presente o vestígio visível de uma ausência insuportável. Não busca “representar” o Holocausto, uma tarefa que Lanzmann considerava impossível e obscena, mas evocá-lo através das palavras daqueles que estiveram lá e do silêncio dos lugares. O passado não é mostrado, mas torna-se uma presença opressora que assombra o presente. Shoah é uma experiência cinematográfica exaustiva e necessária que não documenta a história, mas nos força a viver seu legado, demonstrando que o vazio e a ausência podem ser a evidência mais condenatória de um crime.

A Linha Azul da Morte (1988)

O filme de Errol Morris revolucionou o documentário investigativo ao contar a história de Randall Dale Adams, um homem condenado à morte pelo assassinato de um policial de Dallas, crime que ele não cometeu. Por meio de uma série de entrevistas e reencenações estilizadas, Morris desmonta o caso da acusação peça por peça, expondo as contradições, as mentiras das testemunhas e a pressa do sistema judiciário, obtendo finalmente uma confissão do verdadeiro culpado.

A Linha Azul da Morte quebrou as convenções do documentário de sua época. O uso de reencenações dramáticas com atores, uma trilha hipnótica de Philip Glass, e entrevistas nas quais os sujeitos olham diretamente para a câmera (uma técnica que Morris chamaria de “Interrotron”) foi considerado tão radical que o filme foi desqualificado da categoria de documentário no Oscar. Os críticos argumentaram que as reencenações o tornavam uma obra de ficção, mas não conseguiram compreender o gênio da abordagem de Morris.

As reencenações não foram uma tentativa de trair a verdade, mas uma ferramenta para interrogá-la. Ao encenar as versões conflitantes e manifestamente falsas das testemunhas, Morris expôs visualmente sua falta de confiabilidade de uma forma que simples entrevistas jamais poderiam. Ele usou a linguagem estética do film noir não para criar uma realidade falsa, mas para desconstruir aquela construída pelo sistema judiciário. O filme não apenas levou à exoneração de um homem inocente, mas também demonstrou que estilo e artifício podem se tornar as ferramentas mais eficazes na busca pela verdade.

Os melhores documentários dos anos 1990

Os Melhores Documentários dos anos 1990 Com a influência da cultura pop e o surgimento da tecnologia digital, o documentário dos anos 1990 torna-se mais íntimo, por vezes grotesco e autorreflexivo. Estes são os anos dos retratos de figuras cultas nas margens da sociedade (Crumb) e do cinema que explora a esfera privada, antecipando a obsessão pelo reality TV e pela autorreferencialidade. A linha entre documentário e ficção torna-se mais tênue, abrindo caminho para novas formas narrativas.

Paris Is Burning (1990)

O documentário de Jennie Livingston é uma imersão vibrante e essencial na “cultura ball” do Harlem dos anos 1980, uma subcultura criada por jovens afro-americanos e latinos gays e transgêneros. O filme nos leva para dentro das “casas”, famílias escolhidas que oferecem apoio e pertencimento, e nos mostra os “balls”, competições luxuosas onde os participantes desfilam em diferentes categorias, esforçando-se para alcançar a “realness” — a capacidade de incorporar perfeitamente um ideal inalcançável na vida cotidiana.

Paris Is Burning é uma obra fundamental do cinema queer e um documento social de valor inestimável. Além do brilho e da energia das competições, o filme revela as duras realidades enfrentadas por seus protagonistas: pobreza, racismo, homofobia, transfobia e a ameaça da AIDS. O conceito de “realness” torna-se o núcleo temático do filme: não é uma simples imitação, mas um ato político de reapropriação e subversão dos símbolos de poder e privilégio da cultura branca e heteronormativa.

O filme é uma crítica profunda e comovente ao Sonho Americano. Para as comunidades representadas, esse sonho não é algo a ser alcançado, mas algo a ser encenado, a ser performado com habilidade virtuosa. A passarela do ballroom é um espaço utópico de autoafirmação, mas a tragédia, ressaltada pela morte de uma de suas protagonistas, Venus Xtravaganza, é que essa performance, por mais perfeita que seja, não pode protegê-los da violência do mundo exterior. O filme, embora sujeito a debates sobre sua criação por uma cineasta branca, permanece um testemunho insubstituível de resiliência, criatividade e da busca universal por amor e aceitação.

Three Songs about Lenin

Agora disponível

Documentário, de Dziga Vertov, Rússia, 1934.
O filme mais famoso enquanto o diretor Dziga Vertov estava vivo, um grande sucesso do cinema documental socialista. Um documentário experimental que celebra Lenin com o uso de som e canções folclóricas. A libertação das mulheres muçulmanas no Uzbequistão, imagens do funeral de Lenin, suas aparições públicas e um de seus discursos gravado ao vivo.

IDIOMA: Russo
LEGENDAS: Inglês, Italiano, Espanhol, Francês, Alemão, Português

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Baraka (1992)

Baraka é um documentário sem narração ou comentário. Explora os motivos por meio de uma coleção de eventos naturais, vida, atividades humanas e fenômenos filmados em 24 países de 6 continentes ao longo de 14 meses. O filme toma seu nome da ideia sufi de baraka, que indica essência, bênção ou sopro.

O filme é a sequência de Ron Fricke para o documentário não verbal de Godfrey Reggio, Koyaanisqatsi. Fricke foi diretor de fotografia e colaborador do filme de Reggio, e para Baraka, ele começou sozinho a refinar e expandir as estratégias fotográficas usadas em Koyaanisqatsi. Filmado em 70mm, é composto por uma mistura de estilos fotográficos consistindo em câmera lenta e time-lapse. Para alcançar isso, dois sistemas de filmagem foram usados. Um sistema Todd-AO foi usado para filmar cenas tradicionais, mas para fazer a série de time-lapse do filme, Fricke construiu uma câmera especial que integrava fotografia digital time-lapse com movimento impecavelmente controlado.

Crumb (1994)

Terry Zwigoff apresenta um documentário implacável e fascinante sobre Robert Crumb, o lendário cartunista underground. O filme explora a vida de Crumb, suas obsessões sexuais, suas opiniões controversas sobre raça e mulheres, e sua relação com a fama. Mas o coração sombrio do filme é o encontro com sua família disfuncional, particularmente seus dois irmãos, Charles e Maxon, artistas talentosos consumidos por doenças mentais e uma infância traumática.

Crumb redefiniu o documentário biográfico sobre um artista, rejeitando qualquer forma de celebração para oferecer, em vez disso, uma análise psicológica crua e perturbadora. Zwigoff, amigo de Crumb, não tenta justificar ou suavizar os aspectos mais controversos de sua obra. Pelo contrário, o filme estabelece um vínculo inseparável entre a arte transgressora de Crumb e suas patologias pessoais, sugerindo que sua criatividade é alimentada diretamente pelos traumas que sofreu.

O filme destrói o mito romântico do “artista torturado” e o substitui por uma realidade muito mais complexa e inquietante, na qual a arte se torna uma “barreira contra a loucura”. O gênio de Robert é contrastado com a tragédia de seus irmãos, forçando-nos a questionar a tênue linha que separa a criatividade da doença mental. Crumb nos coloca numa posição desconfortável: para apreciar o poder da arte, devemos confrontar suas origens psicológicas mais sombrias, aceitando que o gênio pode nascer da dor sem ser redimido por ela.

Os melhores documentários dos anos 2000

Os melhores documentários dos anos 2000 A revolução digital torna a realização de documentários acessível a todos, provocando um boom quantitativo com uma multiplicação de vozes e estilos. É a década do “filme ensaio pessoal”, onde cineastas usam a câmera para explorar sua própria história, raízes e memória familiar, mesclando reportagem com reflexão autobiográfica. Simultaneamente, surgem os primeiros documentários globais de grande orçamento, frequentemente influenciados pela política pós-11 de setembro.

Os Catadores e Eu (Les glaneurs et la glaneuse) (2000)

Nesta obra-prima de fim de carreira, a lendária diretora Agnès Varda explora o mundo dos “catadores” modernos. Inspirada pela famosa pintura de Jean-François Millet, Varda viaja pela França, do campo às cidades, para encontrar pessoas que vivem recuperando alimentos e objetos descartados pela sociedade de consumo. Com sua pequena câmera digital, Varda torna-se ela mesma uma “catadora”, uma coletora de imagens, histórias e encontros.

Os Catadores e Eu é um filme ensaio profundamente pessoal e político. Varda usa o antigo ato de catar como metáfora para criticar o desperdício da sociedade contemporânea e celebrar a resiliência e criatividade daqueles que vivem à margem. O filme é um mosaico de retratos humanos: há pessoas que catam por necessidade, outras por razões éticas, e artistas que transformam o lixo em obras de arte. Varda entrelaça essas histórias com reflexões pessoais sobre seu próprio processo criativo, sobre o envelhecimento (frequentemente enquadrando suas mãos enrugadas) e sobre a própria natureza do cinema.

A escolha de Varda em usar uma câmera digital de vídeo de consumo não é aleatória, mas um gesto filosófico e político. Ao abraçar uma ferramenta “humilde”, ela se alinha esteticamente com seus sujeitos, rejeitando a distância e o “domínio do olhar” típicos do cinema tradicional. Sua câmera torna-se uma ferramenta de catação, permitindo que ela se aproxime, seja tátil, coloque-se no mesmo nível das pessoas que filma. Seu método de filmagem torna-se assim a metáfora perfeita para o tema do filme, um ato de modéstia e recuperação que encontra beleza e valor onde outros veem apenas desperdício.

Bowling for Columbine (2002)

Bowling for Columbine (2002) é um documentário dirigido por Michael Moore que examina a alta taxa de violência armada nos Estados Unidos. Explora as razões por trás da violência e propõe soluções para o problema.

Moore viaja para Littleton, Colorado, local do massacre na Columbine High School, para entrevistar sobreviventes e testemunhas. Ele também visita feiras de armas, convenções da NRA e residências onde ocorreram casos de violência armada.

Bowling for Columbine foi um sucesso crítico e comercial. Foi elogiado por sua análise perspicaz e provocativa sobre a violência armada na América. O filme ganhou inúmeros prêmios, incluindo o Oscar de Melhor Documentário.

The Dream of Homer

Agora disponível

Documentário, de Emiliano Aiello, Itália, 2018.
O que faz aqueles que vivem sem ver sonharem? Que tipo de imagens e figuras povoam sua imaginação e seus sonhos? O Sonho de Homero é um documentário sobre os sonhos de Rosa, Domenico, Gabriel, Daniela e Fabio: cegos desde o nascimento, unidos por sua condição e pelo hábito de narrar seus sonhos para um gravador, um diário oral que cada um deles grava todas as manhãs ao se levantar da cama.

IDIOMA: italiano
LEGENDAS: inglês

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Capturing the Friedmans (2003)

Capturing the Friedmans (2003) é um documentário perturbador e instigante que explora o escândalo de abuso sexual infantil dos anos 1980 envolvendo a família Friedman de Great Neck, Nova York.

Dirigido por Andrew Jarecki, o filme utiliza imagens de arquivo, entrevistas com membros da família e amigos, e documentos legais para criar um retrato complexo e inquietante do caso.

Capturing the Friedmans foi um sucesso crítico e comercial. Foi elogiado por sua representação nuançada e perturbadora do caso. O filme ganhou diversos prêmios, incluindo o Grande Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Sundance e o prêmio de Melhor Documentário no Oscar.

Grizzly Man (2005)

Grizzly Man (2005) é um documentário germano-americano dirigido por Werner Herzog que explora a vida de Timothy Treadwell, um entusiasta americano de ursos que passou treze verões vivendo entre ursos pardos no Parque Nacional Katmai, no Alasca.

O filme é composto inteiramente por imagens de vídeo feitas pelo próprio Treadwell durante seu tempo no parque. Herzog utiliza essas imagens para montar um retrato da vida de Treadwell e sua obsessão pelos ursos.

As filmagens de Treadwell são frequentemente íntimas e reveladoras, oferecendo aos espectadores um vislumbre de sua vida diária e suas interações com os ursos. No entanto, também são perturbadoras em certos momentos, pois mostram a natureza às vezes perigosa dos encontros de Treadwell com os ursos.

Herzog contrapõe as filmagens de Treadwell com seu próprio comentário, que oferece uma perspectiva mais crítica sobre as ações de Treadwell. Herzog questiona as motivações de Treadwell e sua crença de que poderia viver em harmonia com os ursos. Ele também questiona a ética das ações de Treadwell, já que ele colocou a si mesmo e a outros em risco ao viver entre os ursos.

Sintonizando (2008)

Sintonizar é uma prática que se refere aos momentos em que uma pessoa, normalmente em estado de transe, estabelece um vínculo psíquico com um ser espiritual. O canalizador então é capaz de atuar como um intermediário dimensional ao trazer vários outros humanos para tocar a entidade, além de analisar as mensagens da entidade.

Pela primeira vez, seis dos mais famosos canalizadores americanos aparecem no mesmo filme para obter a compreensão correta da sensação, junto com as informações obtidas. As entidades que se manifestam em cada um, com um caráter forte e distinto, foram entrevistadas em detalhes pelo diretor e o resultado é excepcional: através do espaço e do tempo descobrimos que as entidades falam como uma só, transmitindo uma mensagem clara e ampla de empoderamento para a humanidade.

Valsando com Bashir (2008)

O diretor Ari Folman embarca em uma jornada para recuperar suas memórias reprimidas de seu serviço no exército israelense durante a Guerra do Líbano de 1982, que culminou no massacre dos campos de refugiados de Sabra e Shatila. Como ele não tem memória direta dos eventos, Folman entrevista antigos camaradas, um jornalista e seu terapeuta na tentativa de montar o quebra-cabeça de seu passado. O filme usa animação para dar vida a essas memórias, sonhos e alucinações.

Valsando com Bashir é uma obra pioneira que demonstrou o potencial da animação como ferramenta para o documentário autoral. A escolha desse formato não é puramente estilística; é uma metáfora visual para a dissociação psicológica causada pelo trauma. O estilo hiper-realista, porém onírico, da animação captura perfeitamente o estado mental de alguém tentando processar uma experiência indizível. As memórias não são apresentadas como fatos objetivos, mas como fragmentos subjetivos, distorcidos e surreais, exatamente como aparecem na mente de alguém que sofre de transtorno de estresse pós-traumático.

A genialidade do filme está em seu desfecho. Nos momentos finais, a animação para abruptamente para dar lugar a imagens reais e arrepiantes de arquivo, mostrando as consequências do massacre. Essa ruptura formal é um choque para o espectador, que é arrancado da distância estética “segura” do mundo animado e lançado na realidade insuportável do evento. Folman sugere que algumas verdades são tão horríveis que só podem ser abordadas através do filtro da arte, mas que, em última análise, esse filtro deve ser rasgado para enfrentar a realidade em toda a sua crueza.

Kymatica (2009)

Kymatica é um documentário fascinante que mergulha na inquietante crença de que uma elite sombria orquestra eventos globais, conduzindo o mundo rumo à ruína inevitável. Explora a ansiedade generalizada que domina muitos ao contemplarem o iminente fim dos tempos — visões de apocalipse e Armagedom — que parecem selar o destino da humanidade. Mas essa narrativa reflete um espelho para o público, sugerindo que o verdadeiro arauto dessa queda percebida não é uma força externa, mas nós mesmos. Há um raciocínio profundo por trás dessa afirmação, convidando-nos a pausar e confrontar nossas próprias contribuições para esses medos.

O filme desafia os espectadores a mudarem o foco dos conceitos caóticos e alarmantes de dominação global e desastres catastróficos para uma mentalidade mais introspectiva. Incentiva-os a serem vigilantes e atentos, instando-nos a ouvir as mensagens latentes que o mundo está enviando, como advertências sutis sobre nossas falhas pessoais. Em vez de sucumbir ao medo da tirania e da desgraça, Kymatica nos convida a refletir sobre as questões subjacentes internas e apresenta um caminho para abordar e corrigir essas falhas, oferecendo esperança e insight para nosso caminho compartilhado adiante.

Lightning part 2

Agora disponível

Documentário, dirigido por Manuela Morgaine, França, 2013.
Esta fresco é um cinema de ziguezagues, semelhante à ramificação dos relâmpagos. Desdobra seu tema por diferentes países do mundo e ao longo de vários séculos, apresentados simultaneamente em formas documentais e lendárias. A primavera traz de volta à vida Syméon o estilita, um louco que viveu no topo de sua coluna por 40 anos. Simeão foi morto na Síria, no deserto de Cham perto de Palmira. Mas ele também é quem examina a terra, contando a verdadeira história do sabão de Alepo, que é um caldeirão repleto de mitologia. Além disso, mergulha em como o relâmpago gera uma trufa afrodisíaca chamada Kama uma vez por ano, na primavera – um fenômeno conhecido como "Vegetal de Alá" nos contos de As Mil e Uma Noites. O verão encena, a partir de "La dispute" de Marivaux, o amor à primeira vista entre duas criaturas, Azor e Églé, isoladas em uma ilha chamada Sutra. Nesta ilha paradisíaca, eles consomem o Kama, o fruto proibido, e então, consumidos pelo amor, são banidos. Finalmente, ramificando-se, Baal, Saturno, Simeão, o melancólico, e os oprimidos unem-se aos amantes despedaçados no relâmpago noturno.

Com quase quatro horas de duração, este documentário é, sem dúvida, um dos mais originais já criados, oferecendo uma experiência auditiva e visual fantástica que transita entre documentário e lenda. Para aqueles que buscam redescobrir, mesmo que simbolicamente, energias perdidas, assistir a este filme dividido em quatro partes é indispensável. Um dos artefatos cinematográficos mais raros e magníficos. Um filme que realmente abala você até o âmago e exige introspecção após a exibição.

IDIOMA: Francês
LEGENDAS: Inglês, Italiano, Alemão, Espanhol, Português

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Os melhores documentários da década de 2010

Os melhores documentários da década de 2010 A década de 2010 é marcada pela crise da verdade e pela exploração da identidade. O documentário torna-se “meta”, ultrapassando os limites da forma e mesclando animação, ficção e realidade (docu-ficção). O foco desloca-se para a natureza da memória e o papel do próprio cineasta, que frequentemente se torna um personagem ativo na narrativa. É também a década em que o gênero começa a se cruzar regularmente com a indústria de streaming, aumentando significativamente sua visibilidade global.

I Am (2010)

I Am é um documentário americano de 2010 criado, dirigido e também narrado por Tom Shadyac. O filme levanta a questão: “O que há de errado com o mundo, e o que podemos fazer a respeito?”, e revela a jornada individual de Shadyac após um acidente de bicicleta em 2007 que o levou à resposta sobre “a natureza da ‘humanidade’, ‘a dependência cada vez maior do mundo no materialismo’, bem como ‘os laços humanos’. Filmado com uma equipe de 4 pessoas, o filme contrasta fortemente com as obras cômicas mais proeminentes do diretor, como Ace Ventura: Um Detetive Diferente, Mentiroso Mentiroso e até mesmo Todo Poderoso, todos eles trabalhando ao lado do comediante canadense Jim Carrey.

Exit Through the Gift Shop (2010)

Apresentado como um filme do misterioso artista de rua Banksy, este documentário acompanha Thierry Guetta, um excêntrico lojista francês em Los Angeles obcecado por filmar tudo. Guetta mergulha no mundo da arte urbana, documentando artistas como Shepard Fairey e o próprio Banksy. Mas quando Guetta decide tornar-se artista, sob o nome Mr. Brainwash, a história toma um rumo inesperado e surreal, culminando em uma exposição de sucesso que questiona a própria natureza da arte e da autenticidade.

Exit Through the Gift Shop é uma obra brilhante e multifacetada, um “mockumentário” que funciona como uma crítica feroz e bem-humorada ao mundo da arte contemporânea. É uma história verdadeira ou uma complexa armadilha orquestrada por Banksy? A dúvida é o motor do filme e o coração de sua mensagem. Através da parábola de Mr. Brainwash, um artista que alcança fama sem qualquer visão ou talento aparente, simplesmente imitando e reproduzindo estilos alheios em grande escala, Banksy levanta questões fundamentais.

O filme explora a mercantilização da arte, o poder do marketing e a obsessão pela “marca” do artista, que frequentemente se torna mais importante que a própria obra. É uma sátira mordaz à credulidade do público e dos colecionadores, e à linha cada vez mais tênue entre arte e comércio, entre expressão autêntica e oportunismo cínico. Seja uma história verdadeira ou uma farsa, Exit Through the Gift Shop é um comentário brilhante e subversivo que usa a linguagem do documentário para encenar sua própria tese: no mundo da arte, como no cinema, a percepção é tudo.

Samsara (2012)

Realizado ao longo de 5 anos em 25 países diferentes ao redor do mundo, foi filmado em 70mm em formato eletrônico. O filme estreou no Festival Internacional de Cinema de Toronto em 2011 e teve lançamento limitado em agosto de 2012.

O site oficial descreve o filme: “Expandindo os temas abordados em Baraka (1992) e Chronos (1985), Samsara descobre as maravilhas do nosso mundo, do mundano ao transcendente, considerando os limites incompreensíveis da espiritualidade da humanidade e também a experiência humana. Não é um documentário convencional nem um diário de viagem, Samsara parece mais uma meditação guiada não verbal.

Inner Worlds, Outer Worlds (2012)

Inner Worlds, Outer Worlds (2012) explora o conceito de um campo vibracional que serve como conexão unificadora entre todos os elementos da existência. Esse campo tem sido reconhecido e referido por inúmeros nomes em várias culturas e disciplinas — Akasha, Logos, o om primordial, a música das esferas, o campo de Higgs, energia escura, entre muitos outros, todos descrevem essa força misteriosa e unificadora. Akasha, em particular, é vista como o fio comum que atravessa o tecido de todas as religiões e investigações científicas, simbolizando a conexão intrínseca entre nossa consciência interna e o universo externo. Este documentário busca iluminar a profunda compreensão de que, apesar das diversas terminologias e interpretações, existe um vínculo fundamental que une nossas realidades internas às vastas extensões externas, sugerindo uma visão profundamente interconectada e holística do universo. Ao mergulhar nesses conceitos antigos e modernos, Inner Worlds, Outer Worlds convida os espectadores a explorar a relação entre o metafísico e o empírico, incentivando uma perspectiva mais integrada sobre a existência.

Lightning part 1

Agora disponível

Documentário, de Manuela Morgaine, França, 2013.
Um filme dividido em duas partes, uma lenda entrelaçada com um documentário ao longo de quatro estações. Este retrato se desenrola como um caleidoscópio cinematográfico, zigzagueando como os ramificações dos relâmpagos. A narrativa se passa em diferentes países ao redor do mundo e abrange vários séculos, apresentados simultaneamente em formas documentais e lendárias. No segmento de outono, um caçador de relâmpagos avança, personificando o deus sírio do relâmpago, Baal. Com visão visionária, Baal projeta 25 anos de arquivos de vídeo sobre o relâmpago, revelando as chaves científicas desse fenômeno notável, porém devastador. No inverno, ocorre uma exploração da melancolia, o estágio final da depressão, e como ela pode ser superada. Um psiquiatra personifica o enigmático deus Saturno, viajando da África à Síria para rastrear suas origens e certas práticas ancestrais. Entre elas está um ritual praticado por mulheres nas profundezas da Guiné-Bissau, dervixes rodopiantes, e um bagre que guarda o segredo da cura na antiga cidade de Aleppo.

Com quase quatro horas de duração, este documentário certamente está entre os mais originais já feitos, oferecendo uma experiência audiovisual excepcional que funde documentário e mito. Para aqueles que desejam redescobrir, mesmo que simbolicamente, energias perdidas, assistir a este filme dividido em quatro partes é imperativo. Uma das criações cinematográficas mais raras e magníficas. Um filme que realmente abala até o âmago e, após a exibição, exige uma análise profunda da experiência.

IDIOMA: Francês
LEGENDAS: Inglês, Italiano, Alemão, Espanhol, Português

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Pezzi (2012)

Pezzi (2012) é um documentário italiano dirigido por Luca Ferrari. O filme acompanha a vida de Massimo, um homem que vive nos arredores de Roma. Massimo é um ex-presidiário que sofreu com dependência de drogas e alcoolismo. Ele é um homem perturbado e violento que tenta desesperadamente encontrar seu lugar no mundo. O filme é filmado de maneira crua e realista. Ferrari não tenta adoçar a vida de Massimo. Ele mostra suas quedas e ascensões, suas esperanças e suas decepções. Pezzi é um filme poderoso e comovente que oferece um olhar sem filtros sobre a vida à margem da sociedade. É um filme que nos faz refletir sobre a natureza do sofrimento humano e a possibilidade de redenção.

Histórias que Contamos (2012)

A diretora Sarah Polley volta a câmera para sua própria família para desvendar um segredo guardado há muito tempo: a identidade de seu pai biológico. Por meio de entrevistas francas e contraditórias com seus irmãos, seu pai Michael e outras testemunhas, Polley constrói um mosaico de memórias sobre sua falecida mãe, Diane, uma mulher vibrante e enigmática. O filme explora a natureza subjetiva da verdade e como as histórias que contamos definem nossas famílias e a nós mesmos.

Histórias que Contamos é um documentário biográfico revolucionário que desconstrói o gênero por dentro. Polley não apenas coleta testemunhos; ela questiona o próprio ato de contar histórias. Sua inovação mais radical é misturar entrevistas e imagens de arquivo autênticas com falsos “filmes caseiros” filmados em Super 8 com atores, que o espectador inicialmente acredita serem reais. A revelação, perto do final do filme, de que grande parte do material nostálgico é uma reencenação, não é uma enganação, mas a própria tese da obra.

Polley demonstra magistralmente que até nossas memórias mais queridas são, em certo sentido, reconstruções, narrativas que moldamos para dar sentido ao passado. Ao revelar sua própria artimanha — mostrando-se dirigindo os atores que interpretam seus pais — ela força o público a reconhecer que todo documentário é uma construção, uma seleção curada de histórias, não uma janela transparente para a realidade. Histórias que Contamos é uma obra comovente e intelectualmente vertiginosa que nos ensina que a verdade de uma família não reside em um único fato, mas na polifonia de vozes e versões que a compõem.

Finding Vivian Maier (2013)

Este documentário conta a incrível história de Vivian Maier, uma babá que secretamente tirou mais de 100.000 fotografias ao longo de sua vida, revelando-se postumamente como uma das maiores fotógrafas de rua do século XX. O filme acompanha a busca do co-diretor John Maloof, que descobriu acidentalmente seu imenso arquivo em um leilão, enquanto tenta montar a vida enigmática dessa mulher solitária, excêntrica e, por vezes, sombria.

Finding Vivian Maier é uma investigação envolvente que levanta questões complexas sobre arte, anonimato e a ética da fama póstuma. O filme se desenrola em uma dupla vertente: por um lado, a história de detetive de Maloof enquanto ele tenta dar um nome e uma história às imagens que encontrou; por outro, o retrato fragmentado de uma mulher que deliberadamente escolheu esconder seu talento do mundo. Os testemunhos daqueles que a conheceram pintam um quadro contraditório de uma mulher brilhante, mas também profundamente atormentada.

O filme é também uma narrativa meta-cinematográfica sobre o processo de criação de um legado artístico no século XXI. Maloof não é apenas um diretor, mas também o curador, promotor e executor de fato da obra de Maier. O documentário não apenas “encontra” Vivian Maier; ele documenta o próprio ato de “construir” a figura de “Vivian Maier, a artista.” Isso torna o filme uma reflexão fascinante sobre as dinâmicas de poder no mundo da arte e a ética de dar voz e narrativa a uma artista que, ao longo da vida, escolheu o silêncio.

Planetary (2015)

Planetary nos convida a repensar quem realmente somos, a reconsiderar nossa relação conosco mesmos, com os outros e com o mundo ao nosso redor – a lembrar disso. Em uma exploração visual impressionante, o filme entrelaça imagens das missões Apollo da NASA com visões da Via Láctea, mosteiros budistas no Himalaia e os sons cacofônicos do centro de Tóquio e Manhattan, com entrevistas íntimas de especialistas renomados, incluindo os astronautas Ron Garan e Mae Jemison (a primeira mulher afro-americana no espaço), o ambientalista celebrado Bill McKibben, o vencedor do National Book Award Barry Lopez, o antropólogo Wade Davis, a exploradora da National Geographic Elizabeth Lindsey, e o chefe da escola budista tibetana Kagyu, o 17º Karmapa. Eles lançam nova luz sobre as maneiras pelas quais nossa visão de mundo está afetando profundamente a vida em nosso planeta.

Cameraperson (2016)

A cineasta Kirsten Johnson cria uma autobiografia única e poderosa ao reunir imagens descartadas de documentários nos quais trabalhou ao longo de 25 anos. De um encontro com um ex-guarda de Guantánamo na Bósnia a uma clínica de maternidade na Nigéria, até momentos íntimos com sua mãe sofrendo de Alzheimer, o filme é um mosaico de fragmentos que exploram a relação entre quem filma e quem é filmado, e as complexas questões éticas do cinema documental.

Cameraperson é um filme-ensaio profundamente autorreflexivo que transforma os “retalhos” do processo de filmagem em seu coração pulsante. Johnson, cuja presença é sentida apenas através do movimento de sua câmera e de sua voz fora de cena, nos convida a considerar o peso e a responsabilidade de cada tomada. O filme é uma meditação sobre o poder do olhar e o contrato implícito criado entre o documentarista e seu sujeito.

A ideia central do filme é que não existe material “não utilizado”. Ao recontextualizar esses momentos descartados, Johnson demonstra que o significado emocional e ético de uma imagem não é intrínseco, mas criado através da edição, justaposição e do quadro narrativo dado a ela. Uma tomada descartada de um filme sobre um crime de guerra pode se tornar, no contexto de Cameraperson, uma reflexão sobre memória e perda pessoal. O filme é uma elegia comovente e uma investigação rigorosa que nos lembra que o documentarista nunca é um observador neutro, mas um participante cuja presença e escolhas inevitavelmente moldam a realidade que pretende capturar.

Feast

Agora disponível

Documentário, de Franco Piavoli, 2018, Itália.
Franco Piavoli, autor da obra-prima "O Planeta Azul", retorna à direção para capturar a "noite do dia da celebração", entre Leopardi e Pascoli. Uma viagem entre o poético e o antropológico. O que é uma "festa"? O que ela representa, do ponto de vista simbólico e material? Que fardos, ou que alívios, traz para a mente das pessoas? E que valor assume quando se transforma em um ato coletivo? Festa não precisa de enfeites, e chega direto ao coração do espectador sem estratificação, sem qualquer desvio do caminho, sem qualquer adição.

Idioma: italiano
Legendas: inglês

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Os melhores documentários da década de 2020

Os Melhores Documentários da Década de 2020 A produção documental no início dos anos 2020 atingiu uma maturidade comercial sem precedentes, tornando-se uma força motriz para as plataformas de streaming. A cobertura de crises globais (pandemia, clima), True Crime de alta produção e investigações sociais urgentes dominam a cena. É uma era de documentários de alto orçamento e formatos seriados, onde a busca pela verdade frequentemente colide com a necessidade de entretenimento em massa, mas permite que um número maior de histórias alcance um público global.

Uma Breve História do Cinema Documental

O Nascimento do Documentário

O cinema nasceu com o filme documental, nas projeções dos primeiros filmes dos irmãos Lumiere filmados na França. Posteriormente, os inventores do cinema enviaram dezenas de operadores ao redor do mundo para filmar países distantes: lugares exóticos nunca vistos pelos menos afortunados que agora poderiam ser conhecidos na tela grande. O cinema documental pode abrir amplas janelas para mundos inacessíveis em nosso espaço e em nosso tempo. 

O Documentário de Viagem

O cinema sempre representou para o público a possibilidade de viajar para outros mundos enquanto está sentado em uma poltrona. Mesmo hoje, embora o mundo tenha mudado radicalmente e muitos lugares distantes se tornaram facilmente acessíveis, assistimos a documentários para descobrir lugares e pessoas distantes. Mundos que provavelmente nunca encontraremos na vida real. Ou que talvez decidamos alcançar logo após assistir a um documentário. Alguns dos primeiros curtas documentais consistiam em paisagens filmadas que eram exibidas em feiras. Eram chamados de Hale’s Tours, e eram projeções de paisagens que os espectadores viam pela janela de vagões ferroviários falsos, feitas entre 1905 e 1912 pelo americano George C. Hale. Um rico banqueiro parisiense, Kahn, promoveu nas décadas de 1910 e 1920 Les Archives de la planète, formando uma equipe de operadores que filmaram várias partes do mundo destinadas a um catálogo enciclopédico-geográfico utópico. Outro diretor de filmes de viagem foi o italiano Luca Comerio. Suas tomadas foram usadas como material de arquivo no filme From the Pole to the Equator, em 1986.

O Documentário na Década de 1920

O documentário pode multiplicar incrivelmente o conhecimento e a percepção da realidade. O documentário de exploração poderia proporcionar aos espectadores tanto a emoção de uma aventura perigosa quanto o conhecimento de mundos distantes. Os lugares que mais atraíram os cineastas foram certamente o gelo dos polos. The great white silence (1924), de Herbert G. Ponting, foi um dos primeiros filmes importantes de exploração. Os materiais assinados foram inicialmente usados em palestras, depois remontados com uma trilha sonora em 1933, com o título 90 ° South. South (1917), de Frank Hurley, é um documentário dedicado a outra expedição ao Polo Sul, a de E. Shackleton. A lista de filmes de exploração filmados na Grã-Bretanha é longa. Talvez o mais importante seja The epic of Everest, de Joel BL Noel (1924). 

Nos Estados Unidos, vale a pena ver Grass (1925) e Chang (1927, Elefante), de Ernest B. Schoedsack e Merian C. Cooper, os autores do futuro King Kong. São filmes filmados no Curdistão, Turkestão e Norte da Tailândia. Simba, o Rei das Feras (1928), de Martin e Osa Johnson, foi filmado na África; na França, La croisière Noire (1926), de Léon Poirier e, na era sonora, La croisière Jaune (1933), de André Sauvage, as expedições promocionais da Citroën na África e Ásia; Voyage au Congo (1927), no qual Marc Allégret acompanha seu tio André Gide em sua viagem africana, seguido em 1952 pelo biográfico Avec André Gide. 

Na União Soviética, foi produzido Document on Shanghai, de Jakov M. Blioch, Turksib (1929), de Viktor A. Turin, sobre a construção da linha ferroviária entre Turkestão e Sibéria. Salt for Svanetia, 1930, do georgiano Mikhail K. Kalatozov. Na Alemanha, encontramos os filmes de montanha de Arnold Fanck, especializado no gênero, como Der Heilige Berg (1926) e The Tragedy of Pizzo Palù, em 1929. Die letzten Segelschiffe (1926-1930), de Heinrich Hauser, sobre os últimos navios à vela. O gênero dos filmes de exploração tornou-se tão popular que alguém decidiu parodiá-lo, como no curta-metragem Crossing the Great Sagrada (1924), do diretor inglês Adrian Brunel.

Na década de 1920, o documentário se mistura com a ficção graças aos extraordinários filmes de Robert Flaherty: Nanook, The Last Eden e The Man of Aran. Flaherty inventou o cinema documental poético, um gênero com o qual artistas como Jean Epstein e Luchino Visconti se confrontaram. Em 1929, o diretor Dziga Vertov, convencido da superioridade do documentário sobre o cinema de ficção, condensou sua experiência como realizador de documentários de propaganda, teórico da montagem e seu talento cinematográfico para filmar um documentário de vanguarda que marcaria a história do cinema: Man with a Movie Camera. 

O Som no Documentário

Na década de trinta, com a chegada do som, a produção de documentários e filmes de ficção torna-se muito mais cara. Os meios de gravação sonora eram muito pesados e limitavam as possibilidades dos documentaristas de se deslocarem facilmente em viagens. Um uso muito original do som para contornar esse problema de produção é Enthusiasm, também conhecido como a Sinfonia da Bacia do Don. O diretor Dziga Vertov, após o cine-olho, teoriza o rádio-olho colocando o novo instrumento em prática com verdadeiro entusiasmo. Ele usa o som em sincronia e contraponto em um jogo de vozes, ruídos e música que compõem, com uma montagem muito complexa e em camadas, numa época em que a mixagem de sons ainda era impossível, a primeira grande sinfonia documental e abstrata do som no cinema. O filme permanece um exemplo sem sucessores. 

Devido às dificuldades técnicas, poucos outros diretores tentam usar som ao vivo em seus filmes documentários. Alguns exemplos podem ser encontrados em La croisière jaune, Campo de ‘Fiori, Housing problems (1935) do inglês Edgar Anstey e Arthur Elton. Os noticiários também utilizam o método de dublagem gravando sons e vozes narrativas em estúdio. Filmagem posterior. Apenas alguns diretores decidem gravar ruídos ambientes e som no local real de filmagem, para depois inseri-los na pós-produção. 

Documentário e o Uso Criativo do Som

Alguns diretores optam por um uso criativo do som em seus filmes documentários, confirmando o que Jean Luc Godard disse anos depois: todo grande filme documental é um filme de ficção. Em Philips radio (1931) o diretor Ivens faz um uso rítmico do som. Em North Sea Watt’s (1938) ele é usado como ferramenta para identificação realista. Em alguns filmes ingleses, o som é usado como ferramenta literária e poética: Coal Face (1935) de Cavalcanti, Night Mail (1936) de Watt e Basil Wright, e Listen to Britain (1942) de Jennings. Em Las Hurdes – Tierra sin pan (1932) Luis Buñuel usa voz e música de forma aparentemente convencional, mas na realidade eles entram em conflito com as imagens de extrema pobreza mostradas no filme. 

O Documentário Ficção

Na década de trinta, o cinema documental mistura-se com a ficção. Começa a usar atores não profissionais sob a direção de cineastas. Por exemplo, em Hunger in Waldenburg de Phil Jutzi, Chang, L’or des mers, um documentário de propaganda suíço. Ein werktag de Richard Schweizer (1931); o inacabado ¡Qué viva México! (1931-32) de Sergej M. Ejzenštejn, Redes (1935) de Strand e Fred Zinnemann, Man of Aran (1934) de Flaherty. The Edge of the world (1937), filmado por Michael Powell nas Ilhas Shetland, A Handful of Rice (1938), filmado na Tailândia pelo húngaro Paul Fejos e o sueco Gunnar Skoglund. Native Land, Fires were started (1943) de Jennings, um documentário sobre os bombeiros durante um ataque alemão a Londres.

Documentário e Neorrealismo

O Neorrealismo italiano deve muito ao cinema documental, do qual extrai enorme inspiração. Men at the Bottom (1941) Alfa Tau! (1942) de Francesco De Robertis e La Nave Bianca (1941) de Roberto Rossellini são os primeiros exemplos de documentários neorrealistas. Como disse Jean-Luc Godard, “todos os grandes filmes de ficção tendem ao documentário, assim como todos os grandes documentários tendem à ficção. 

Documentário e Televisão

Após a chegada da televisão, esta se dedicou a difundir o documentário popular, enquanto o cinema continuou a propor o documentário como filmes de arte com conteúdo artístico, dramatúrgico e estético de alto nível. Nos últimos anos, o documentário tem sido reavaliado em relação aos filmes de ficção. Documentários têm conquistado os prêmios mais prestigiados em festivais ao redor do mundo. A distinção entre documentário e filme de ficção está agora obsoleta. 

A Voz-Off nos Documentários

As primeiras vozes narrativas nas décadas de 30 e 40 eram frequentemente confiadas a uma voz masculina. Era um método muito impessoal que não dava personalidade ao filme. Parecia quase que havia um único narrador que era o mesmo para todos os documentários, tanto que muitos ironicamente o apelidaram de a voz de Deus. Alguns diretores tentaram dar aos seus filmes uma narrativa sonora mais original, em alguns casos assumindo eles mesmos o papel de narrador. Por exemplo, em Nieuwe Gronden, em The Land (1942) de Flaherty, em The Battle of San Pietro (1944) de John Huston. 

Em outros filmes, foi empregada uma voz popular, como a de Ernest Hemingway e Orson Welles em Spanish Earth. Em The 400 Million (1938), ambos de Ivens; em Native Land (1942) de Leo Hurwitz e P. Strand, com a voz do ator negro Paul Robeson. Nos documentários do inglês Humphrey Jennings, London can take it (1940) com a voz do comentarista americano Quentin Reynolds. Em Words for Battle (1941) a voz de Laurence Olivier, The True Story of Lili Marlene (1944), voz de Marius Goring, A Diary for Timothy (1945) voz de Michael Redgrave. Let There Be Light (1946) de Huston, com a voz de seu pai Walter Huston, um documentário sobre soldados sofrendo de transtornos psicóticos, foi censurado até 1980.

Cinema Independente e Documentário

Se há um gênero favorito do cinema independente e da vanguarda, certamente é o documentário, porque permite, sem os artifícios do cinema de ficção, experimentar novas linguagens e criar obras importantes sem precisar de grandes orçamentos. A diferença entre documentário e cinema de ficção não tem razão de existir porque mesmo o autor do documentário, ao filmar a realidade, a filtra através de sua própria visão de mundo. Nada é tão real quanto o olhar subjetivo do espectador. O documentarista também cria seu filme a partir de sua imaginação, fazendo escolhas de narrativa, enquadramento, edição e som. O documentário interpreta e reinventa a realidade assim como o cinema de ficção, usando “pedaços” da vida real. 

Tipos de Documentário

O Documentário Falso

É tudo verdade e F for fake: com esses dois títulos Orson Welles experimenta o documentário falso como pioneiro. O documentário falso é um gênero no qual os eventos são encenados pelo método da ficção, mas apresentados como evidências de fatos e ações reais. O diretor pode usar atores dirigindo-os como em um filme de ficção, mas fazendo o público acreditar que tudo é verdade, gravado em contato direto com a realidade, sem sua intervenção. 

Na realidade, o documentário falso é uma invenção muito mais antiga. Entre os primeiros filmes que podemos mencionar está a obra-prima Haxan, de Benjamin Christiansen, um filme que mistura terror, documentário e filmes ensaio. Neste filme, transitamos com incrível facilidade de uma encenação rica em fantasia para sequências em que a narração é conduzida como um documentário científico (falso). O documentário falso encontrou, no final dos anos noventa e início dos anos 2000, uma grande aplicação no cinema de terror. Muitos filmes de terror, como The Blair Witch Project, são filmados em estilo realista, frequentemente com a câmera na mão, para criar uma impressão de realidade que torna a narrativa mais assustadora. 

Esta é a técnica do found footage, onde a descoberta de um vídeo constitui o princípio da narração. Em alguns casos, como em Don’t Open That Door, o found footage compõe apenas uma pequena parte do filme e está inserido dentro de uma estrutura geral de ficção. Em The Blair Witch Project, por outro lado, o pretexto do found footage é a base para a narrativa e o estilo de todo o filme, do início ao fim. Outros diretores como Woody Allen usam o documentário falso criando noticiários com um estilo muito realista, semelhante aos noticiários de propaganda. Um exemplo é o filme de Allen Zelig, onde as aventuras do personagem principal são contadas através desses falsos inserts jornalísticos. 

Mockumentário

Enquanto o documentário falso tem uma intenção narrativa e o tom com que o narrador conta a história é plausível, o mockumentário tem a intenção de manipular a realidade com efeitos de paródia. No mockumentário, o diretor pode entrar em territórios abstratos, onde usa a realidade para zombar da realidade. O mockumentário é, portanto, principalmente uma questão de estilo. O narrador usa a estética do documentário, mas os eventos são obviamente irreais, grotescos e excessivos. Como, por exemplo, naquele estranho objeto cinematográfico que é Fellini: Caderno de um Diretor de Federico Fellini: uma obra-prima que eleva o gênero mockumentário a um nível nunca antes experimentado. 

Docuficção

Docuficção não deve ser confundida com documentário falso ou mockumentary. Estes são geralmente filmes nos quais alguns eventos da narrativa são reconstruídos com ficção, devido à impossibilidade de filmá-los de fato. Por exemplo, documentários onde há necessidade de reconstruções de época com atores, documentários nos quais é necessária uma encenação do passado, do futuro. Ou um presente que não pode ser filmado. 

Keep it real!

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Curta-metragem, de Antonello Matarazzo, Itália.
Em uma velha casa abandonada, uma garota encontra em um baú um par de sapatos vermelhos que fazem sua fantasia voar... seus sonhos de uma Estrela.

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