Películas ambientadas en Nápoles

Nápoles no es una ciudad; es un cuerpo. Un organismo complejo que respira, sangra y se reinventa ante la cámara. Siempre a la vez musa y personaje, esta metrópolis de dos caras, como el dios Jano, muestra un rostro amable y otro feroz, capaz de contener tanto la belleza más desgarradora como el horror más indescriptible en el mismo encuadre. Es una ciudad de «luce e home» (luz y sombra), un purgatorio de límites difusos donde lo sagrado y lo profano bailan un vals ininterrumpido por los callejones.

Están las grandes obras maestras que han utilizado esta ciudad para historias inmortales—y las encontrarás aquí. Pero es precisamente esta alma contradictoria, «triste y frívola, decidida y apática,» la que la convierte en el terreno más fértil para un cine que rehúye los atajos. Es un cine que no teme ensuciarse las manos, que se pierde en las entrañas de la ciudad no para contar su historia, sino para dejar que la ciudad cuente la suya propia.

Esto no es una simple lista, sino un mapa para navegar el cine napolitano más visceral. Es un camino que une los pilares fundamentales, desde las películas más famosas hasta el cine de autor underground. Obras que, desde los años 90 hasta hoy, han capturado la esencia de una ciudad que ha sido, y siempre será, «viva y sola. Como Nápoles.»

Vito y los Otros (1991)

En la víspera de Año Nuevo, el padre de Vito, de doce años, en un ataque de locura, masacra a su familia, salvando solo a él. Entregado a una tía indiferente, Vito inicia un descenso imparable hacia el mundo del crimen callejero, entre robos, prostitución y violencia, hasta convertirse en un niño asesino.

El debut en el largometraje de Antonio Capuano no es una película; es una detonación. Considerada el nacimiento de la «nueva ola» del cine napolitano, Vito y los Otros abandona toda piedad sociológica para arrojar al espectador a una realidad cruda, casi mitológica. Con un estilo fragmentado, antinaturalista y un elenco de niños de la calle de asombrosa naturalidad, Capuano no solo cuenta una historia de marginación: la hace explotar en pantalla, entregando una imagen sin filtros de la ciudad, un infierno urbano donde la inocencia es un lujo insostenible.

Libera (1993)

Estructurada en tres episodios, la película narra las historias de tres mujeres napolitanas poco convencionales. Aurora, la esposa aburrida de un hombre rico, se enfrenta a su pasado. Carmela afronta el escándalo del barrio cuando se descubre que el padre de su hijo es transexual. Libera, una dueña de quiosco traicionada, convierte su venganza marital en un negocio de luces rojas.

El debut de Pappi Corsicato es una inyección de estética pop, surrealista y queer en el corazón de una Nápoles caótica y barroca. A años luz del realismo sombrío, Corsicato pinta un fresco estridente, casi almodovariano, donde la ciudad se convierte en un escenario al aire libre. Libera explora la identidad de género, la sexualidad y la performance como estrategias de supervivencia, mostrando una Nápoles que libra sus batallas no con violencia, sino con ironía, exceso y una voluntad teatral e indomable de vivir.

Los Agujeros Negros (1995)

Adamo, un joven excéntrico, regresa a su ciudad natal y se enamora de Ángela, una prostituta. Su relación se entrelaza con eventos surrealistas e inexplicables, incluyendo la aparición de un huevo gigante en una colina tras la muerte accidental de un niño causada por Adamo.

Con Los Agujeros Negros, Pappi Corsicato lleva su cine hacia una abstracción aún más radical y visionaria. El título en sí es una metáfora poderosa: los «agujeros negros» son los vacíos existenciales de sus personajes, pero también las grietas gravitacionales de donde puede emerger lo inesperado. Nápoles aquí no es una ciudad, sino un paisaje metafísico, un territorio a la vez pútrido y mágico, donde lo grotesco y lo sublime se funden. Es una obra audaz que utiliza lo fantástico para explorar la soledad y el deseo latente en los márgenes de la sociedad.

Amor Molesto (1995)

Delia, una ilustradora que vive en Bolonia, regresa a su Nápoles natal para el funeral de su madre, Amalia, quien murió en circunstancias misteriosas. La investigación sobre su muerte obliga a Delia a enfrentarse a un pasado reprimido de violencia familiar, secretos y deseos indescriptibles, en un doloroso viaje a través de los laberintos de su memoria y de la ciudad.

Basada en la novela debut de la entonces desconocida Elena Ferrante, la película de Mario Martone es un thriller psicológico de rara intensidad. Nápoles no es un simple telón de fondo, sino un laberinto mental, una proyección física del trauma de la protagonista. Los callejones, los edificios, los sonidos de la ciudad se convierten en elementos de un rompecabezas mnemónico que Delia debe recomponer. Martone traduce la prosa densa y febril de Ferrante en una experiencia cinematográfica casi táctil, donde cada lugar evoca un recuerdo, cada rostro oculta una verdad enterrada.

Pianese Nunzio, 14 en Mayo (1996)

En el Rione Sanità, el joven y carismático Don Lorenzo lucha contra la Camorra desde el púlpito, convirtiéndose en un modelo a seguir para la juventud del barrio. Entre ellos está Nunzio, un talentoso chico de catorce años por quien el sacerdote siente un afecto que florece en una pasión prohibida. El mundo del hampa usará este vínculo para desacreditar y destruir al sacerdote.

Antonio Capuano regresa para explorar los territorios más oscuros e incómodos del alma humana. Pianese Nunzio es una película valiente y frontal, que aborda temas tabú como la pedofilia en el clero y la connivencia entre la Iglesia y la mafia sin moralizar. El estilo de Capuano es directo, a veces brutal, obligando al espectador a cuestionar la naturaleza ambigua del poder, el deseo y la fe en un contexto donde las líneas entre el bien y el mal se difuminan trágicamente. Un film de culto rodado en Nápoles que aún hoy conmociona y cuestiona.

Los 2000: Autores, Documentales y Nuevos Territorios

El nuevo milenio vio la consolidación de las carreras de los maestros de los 90 y la aparición de nuevas voces, como la de Paolo Sorrentino. El cine napolitano se abrió a influencias internacionales mientras redescubría simultáneamente el documental como herramienta para investigar su propia identidad compleja.

One Man Up (2001)

Nápoles, años 80. Las vidas paralelas de dos hombres con el mismo nombre, Antonio Pisapia. Uno es un cantante exitoso, adicto a la cocaína y mujeriego en la cima de su fama. El otro es un futbolista honesto e introvertido cuya carrera se ve truncada por una lesión. Ambos experimentarán una caída ruinosa, enfrentando el fracaso y la soledad.

El debut como director de Paolo Sorrentino ya contiene en forma embrionaria todos los temas y obsesiones de su futuro cine. Inspirada en las figuras reales de Franco Califano y Agostino Di Bartolomei, la película es un relato melancólico y grotesco sobre el éxito, la derrota y la imposibilidad de reinventarse. El Nápoles de Sorrentino es ya una ciudad estilizada, casi abstracta, un escenario existencial donde sus personajes trágicos y ridículos representan el drama de su inadecuación en el mundo.

El Resto de Nada (2004)

La película recorre la vida de Eleonora Pimentel Fonseca, una noble de origen portugués, poeta e intelectual que se convirtió en una de las figuras principales de la breve y trágica experiencia de la República Napolitana de 1799. Desde los esplendores de la corte borbónica hasta la pasión revolucionaria, hasta su sentencia de muerte.

Basada en la novela homónima de Enzo Striano, la película de Antonietta De Lillo es una obra histórica rigurosa y apasionada, un retrato poderoso de una mujer que sacrificó todo por un ideal de libertad. Lejos de la grandilocuencia del cine de época, De Lillo elige un estilo casi documental, mezclando reconstrucción histórica con inserciones de animación. Es la historia de un sueño destrozado, el de un Nápoles que por un momento imaginó un futuro diferente, pero también la celebración de una figura femenina de extraordinaria modernidad.

Crossing the Line (2007)

Un viaje a bordo de los trenes exprés de larga distancia que cruzan Italia de norte a sur durante la noche. El documental captura los rostros, historias y silencios de una humanidad diversa de viajeros, trabajadores y pasajeros, observando un país en movimiento pero a menudo indiferente a las vidas que lo atraviesan.

Antes de establecerse como uno de los autores más importantes del cine italiano contemporáneo, Pietro Marcello creó este deslumbrante documental. Crossing the Line es una obra de cine puro, un poema visual que transforma el viaje en tren en una metáfora de la condición humana. Nápoles no es solo una parada, sino uno de los corazones palpitantes de esta red venosa que sostiene al país. La mirada de Marcello es lírica y profundamente humana, capaz de capturar la belleza oculta en los gestos cotidianos y la soledad que habita los espacios de tránsito.

Napoli, Napoli, Napoli (2009)

Un retrato de la ciudad que mezcla documental y ficción. La película alterna entrevistas con reclusas en la prisión de Pozzuoli, quienes cuentan sus historias de vida y crimen, con tres episodios ficticios escritos por autores locales, que representan diferentes aspectos de la realidad napolitana, desde la violencia hasta la búsqueda de una vía de escape.

El gran director estadounidense Abel Ferrara, siempre fascinado por las ciudades fronterizas y las figuras marginales, se sumerge en el vientre de Nápoles con su estilo crudo y directo. Napoli, Napoli, Napoli es una obra híbrida y desigual, pero poderosa en su capacidad para captar la energía desesperada y vital de la ciudad. Ferrara no juzga, sino que observa, dando voz a los sin voz y mostrando una metrópolis donde la línea entre legalidad e ilegalidad, entre víctima y perpetrador, se renegocia constantemente.

La Ola Contemporánea: Viviendo a la Sombra de Gomorra y Más Allá

El impacto global de Gomorra (tanto el libro, la película de Garrone, como la serie) creó un nuevo paradigma. El cine independiente napolitano de los últimos quince años ha tenido que enfrentarse a esta poderosa imagen, reaccionando de dos maneras opuestas: por un lado, profundizando la narrativa de la realidad criminal con un nuevo realismo implacable; por otro, buscando vías de escape a través de la comedia, el pop y la fantasía para reclamar un imaginario diferente.

Là-bas: Una Educación Criminal (2011)

Yssouf, un joven inmigrante africano, llega a Castel Volturno, en la costa al norte de Nápoles, para reunirse con su tío Moses. Pronto descubre que la única forma de ganar dinero y sobrevivir en esa tierra de nadie es entrar en el negocio de la droga que dirige su tío. Su «educación criminal» se entrelazará con la sangrienta disputa entre clanes locales y africanos.

Inspirado en la masacre de San Gennaro de 2008, el debut de Guido Lombardi es un golpe al estómago. Là-bas muestra una Nápoles «otra», descentralizada, la de la provincia de Caserta que se ha convertido en uno de los mayores enclaves africanos de Europa. Rodada con actores no profesionales y un realismo casi documental, la película es un noir poderoso y desesperado que retrata el crimen como la única forma trágica de integración posible para quienes viven en los márgenes de los márgenes. Una obra necesaria que ha desvelado una realidad largamente ignorada por el cine.

El arte de la felicidad (2013)

Sergio, un taxista y músico desencantado, conduce por una Nápoles apocalíptica, sumergida bajo la lluvia y la basura. La noticia de la muerte de su hermano, que años atrás se fue para convertirse en monje budista en el Tíbet, lo obliga a enfrentar su pasado. A través de encuentros con sus pasajeros, Sergio emprende un viaje interior en busca de un nuevo sentido para su vida.

El primer largometraje de animación de Alessandro Rak es una obra de extraordinario poder visual y filosófico. Lejos de cualquier cliché, El arte de la felicidad utiliza la animación para crear una Nápoles transfigurada, casi onírica, espejo del alma atormentada de su protagonista. Es un filme existencial, denso en reflexiones sobre la vida, la muerte y la posibilidad de encontrar equilibrio en el caos del mundo moderno. Una obra maestra que ha revelado al mundo el talento de una nueva escuela de animación napolitana.

Perez. (2014)

Demetrio Perez es un defensor público mediocre y asustadizo que ha elegido una vida discreta para evitar problemas. Cuando su hija Tea se enamora del hijo de un peligroso jefe de la Camorra, Perez se ve obligado a salir de su caparazón y romper todas las reglas, haciendo un pacto con un criminal para salvar a la joven.

Edoardo De Angelis sitúa su noir en una Nápoles inédita y espectral: el Centro Direzionale, con sus rascacielos de vidrio y concreto, se convierte en un laberinto modernista que refleja la prisión existencial del protagonista. Perez. es una película tensa y oscura, un relato del descenso al infierno de un hombre común, magistralmente interpretado por Luca Zingaretti. La ciudad, despojada de su iconografía clásica, aparece como un lugar frío y alienante, un paisaje del alma perfecto para un drama sobre el miedo y la redención.

Bagnoli Jungle (2015)

La película sigue las vidas de tres generaciones que se cruzan entre las ruinas de la antigua planta siderúrgica Italsider en Bagnoli: Giggino, un cincuentón que vive de su ingenio; su padre Antonio, un anciano jubilado nostálgico del pasado obrero; y Marco, un joven repartidor que busca un futuro.

Antonio Capuano vuelve a retratar la periferia napolitana con su estilo inconfundible, a la vez crudo y poético. Bagnoli Jungle es una película sobre el fin de una era, la industrial, y el vacío que ha dejado atrás. El imponente esqueleto de la planta siderúrgica se convierte en el símbolo de un progreso fallido, una «jungla» postindustrial donde los personajes se mueven como supervivientes. Es un cine que mezcla realismo, momentos oníricos y una profunda humanidad al retratar un fragmento olvidado de la ciudad, suspendido entre un pasado glorioso y un presente incierto.

Indivisible (2016)

Daisy y Viola son gemelas siamesas, unidas por la cadera, dotadas de hermosas voces. Explotadas por su padre, quien las hace actuar en bodas y fiestas como un espectáculo de fenómenos, sueñan con una vida normal. Cuando un médico revela que pueden ser separadas quirúrgicamente, su deseo de individualidad choca con los intereses de su familia.

Ambientada en la degradada costa Domitiana, Indivisible de Edoardo De Angelis es un poderoso y conmovedor cuento de hadas oscuro. La película mezcla un realismo crudo, mostrando un territorio devastado por el crimen y la construcción ilegal, con elementos de realismo mágico. La condición física de las dos protagonistas se convierte en una potente metáfora de un vínculo familiar que puede ser tanto refugio como prisión. Una obra original y emotiva, realzada por la música de Enzo Avitabile y la extraordinaria actuación de las hermanas Fontana.

Cenicienta la Gata (2017)

En una Nápoles futurista y decadente, la joven Cenicienta vive como sirvienta a bordo del Megaride, un enorme barco tecnológico-hub atracado en el puerto. El barco está ahora en manos de su malvada madrastra y del jefe Salvatore Lo Giusto, conocido como ‘O Re, quien quiere convertirlo en el centro mundial de reciclaje. Cenicienta, muda por el trauma de la muerte de su padre, debe encontrar la fuerza para rebelarse y buscar venganza.

El colectivo de animadores liderado por Alessandro Rak entrega otra obra maestra, una reinterpretación oscura y cyberpunk del cuento de hadas de Giambattista Basile. Cenicienta la Gata es una obra visualmente impresionante, que combina animación 3D y 2D para crear una Nápoles distópica que es a la vez fascinante y espectral. La película es un noir adulto, violento y melancólico que utiliza el cuento de hadas para contar una historia de renacimiento y redención en una ciudad que, como su protagonista, lucha por liberarse de los fantasmas del pasado.

El Intruso (2017)

Giovanna dirige con pasión un centro recreativo para niños en un barrio difícil en las afueras de Nápoles, un oasis de legalidad y esperanza. El equilibrio del centro se ve alterado cuando Giovanna decide acoger a María, la joven esposa de un miembro buscado de la Camorra, y a sus dos hijos. Su presencia se convierte en fuente de conflicto, obligando a todos a confrontar sus propios prejuicios.

Leonardo Di Costanzo dirige una película de extraordinaria finura psicológica, un drama moral que explora los límites entre la aceptación y el miedo, entre la solidaridad y la autopreservación. Con un estilo casi documental, seco y desprovisto de retórica, El Intruso plantea preguntas complejas sin ofrecer respuestas fáciles. La Nápoles del film es un microcosmos social donde la lucha diaria por una alternativa a la violencia choca con la realidad ineludible de su presencia.

Nacido en Casal di Principe (2017)

Basada en una historia real, la película narra la desesperada búsqueda de Amedeo Letizia, un joven actor al inicio de su carrera en Roma, que regresa a Casal di Principe en 1989 cuando su hermano Paolo es secuestrado. Durante una semana, Amedeo se sumerge en la pesadilla de su tierra natal, enfrentándose al código de silencio, la violencia y la impotencia ante el poder de la Camorra.

Bruno Oliviero dirige una película que cuenta el otro lado de Gomorra: el de las víctimas, de personas comunes abrumadas por una violencia sin sentido. Nacido en Casal di Principe es una obra dolorosa y tensa, que reconstruye rigurosamente una tragedia personal en el contexto de una de las páginas más oscuras de la historia de Campania. Es un relato de impotencia y dolor, que muestra la realidad criminal no como una épica, sino como una fuerza ciega que destruye vínculos y destroza vidas.

Veneno (2017)

Cosimo es un agricultor y criador de búfalos que vive y trabaja en la «Tierra de los Fuegos». Cuando descubre que tiene cáncer, causado por residuos tóxicos vertidos ilegalmente en sus campos, comienza una batalla desesperada contra la Camorra, que quiere obligarlo a vender sus tierras, y contra la enfermedad que lo consume.

Diego Olivares lleva a la pantalla uno de los dramas ambientales y sociales más graves de nuestro tiempo. Veneno es un film de protesta civil, un relato de resistencia y dignidad frente a un enemigo invisible y omnipotente. Lejos de la espectacularización de la violencia, la película se centra en el drama humano de una familia y una comunidad envenenadas en cuerpo y alma. Es un cine necesario que utiliza el poder de la narración para arrojar luz sobre una herida aún abierta.

Achille Tarallo (2018)

Achille Tarallo es un conductor de autobús con el sueño de convertirse en cantante como su ídolo, Fred Bongusto. Junto con su amigo Cafè, actúa en bodas con un repertorio «tamarro-italiano», esperando una oportunidad que cambie su vida. Una oportunidad inesperada lo llevará a reconsiderar sus ambiciones y su relación con la realidad.

A punto de cumplir ochenta años, Antonio Capuano sorprende a todos dirigiendo una comedia pop, ligera y colorida. Achille Tarallo es una obra anómala y libre, que abandona los tonos oscuros y dramáticos de gran parte de su cine para abrazar lo cómico y lo surrealista. Es un retrato afectuoso e irónico de una humanidad soñadora y algo destartalada que encuentra en la música una escapatoria a una vida cotidiana mediocre. Una película que demuestra la extraordinaria vitalidad de un maestro del cine auteur napolitano.

Pirañas (2019)

Nápoles. Un grupo de adolescentes de quince años del Rione Sanità, liderados por el carismático Nicola, decide abandonar la venta minorista de drogas para aspirar a algo más grande. Con la temeridad y arrogancia de su edad, se arman y lanzan un asalto para conquistar el barrio, soñando con dinero, poder y respeto, sin comprender el precio que tendrán que pagar.

Basada en la novela homónima de Roberto Saviano, la película de Claudio Giovannesi es una historia criminal de madurez con un realismo impresionante. Filmada con un elenco de extraordinarios debutantes, Pirañas documenta el ascenso y caída de una generación que quema su adolescencia en el altar del poder efímero. La mirada de Giovannesi es inmersiva, casi antropológica, y muestra la violencia no como un acto espectacular, sino como el lenguaje trágico e inevitable de chicos a quienes no se les ofreció alternativa alguna.

Rose Stone Star (2020)

Carmela es una joven madre soltera que vive en Portici, luchando por llegar a fin de mes con trabajos precarios y pequeños engaños. Su relación con su hija de once años, María, es tensa y conflictiva. Para obtener un permiso de residencia para un inmigrante argelino, se embarca en un trato ilegal que pondrá en riesgo el frágil equilibrio de su vida.

Marcello Sannino, un documentalista reconocido, debuta en la ficción con un retrato femenino intenso y realista. Rose Stone Star (el título es una línea de una famosa canción de Sergio Bruni) es una película sobre la precariedad, no solo económica sino sobre todo emocional. Lejos de cualquier estereotipo de la «mamá napolitana», el filme retrata con sensibilidad la lucha de una mujer por ser madre en un contexto que no le ofrece apoyo, mostrando un Nápoles periférico y poco contado.

El agujero en la cabeza (2020)

Maria vive una vida suspendida en la provincia de Nápoles, marcada por un trauma que nunca experimentó directamente: su padre, un policía, fue asesinado en Milán durante una manifestación de la extrema izquierda en 1977, antes de que ella naciera. Cuando descubre que el asesino ha cumplido su condena y es un hombre libre, decide ir a Milán para conocerlo.

El inconfundible Antonio Capuano dirige una obra poderosa que conecta la violencia política de los Años de Plomo con la violencia endémica y social de la Nápoles contemporánea. El agujero en la cabeza es el viaje de una mujer en busca de un origen y, quizás, de un perdón imposible. A través de la extraordinaria actuación de Teresa Saponangelo, la película explora el peso del odio heredado y la posibilidad de reconciliación, trazando un hilo rojo de dolor y esperanza que une dos épocas y dos ciudades.

Viaje ilegal (2023)

Checco es un taxista ilegal que trabaja día y noche, distanciándose cada vez más de su familia. Para ganar dinero extra, comienza a colaborar con un traficante de drogas, terminando en un torbellino de negocios turbios y consumo de estupefacientes. Un encuentro con una joven clienta, Viola, se convierte en una obsesión para él, la ilusión de una escapatoria de su vida.

Ganadora del Festival de Cine de Nápoles, la ópera prima de Andrea Bifulco es un noir metropolitano que profundiza en la psique de su protagonista. La Nápoles de la película es lívida, nocturna y casi irreconocible, un paisaje mental que refleja el descenso de Checco hacia la soledad y la paranoia. Viaje ilegal es un viaje alucinatorio al lado oscuro de la ciudad y del alma, un film de bajo presupuesto que demuestra la vitalidad de un cine napolitano contemporáneo capaz de explorar el género con una mirada personal y visionaria.

El ojo realista y grotesco de Matteo Garrone

Matteo Garrone, a pesar de no ser napolitano de nacimiento, ha interpretado la ciudad y sus alrededores con una mirada única, capaz de moverse desde el noir más crudo hasta la fábula grotesca. Sus películas ambientadas en Campania se han convertido en referentes, redefiniendo la imagen global de la región.

El embalsamador (2002)

Peppino, un taxidermista que sufre de enanismo y tiene vínculos con el mundo del hampa, desarrolla una relación ambigua y obsesiva con Valerio, un joven encantador que contrata como asistente. El equilibrio perverso entre ambos se rompe cuando Valerio se enamora de Deborah, despertando los celos de Peppino y llevando la situación a un trágico desenlace. Inspirada en una historia real, El embalsamador es un noir del alma, una obra de belleza siniestra y perturbadora. Garrone sitúa la historia en un suburbio desolado, entre la costa de Caserta y los pequeños pueblos del interior, transformando el paisaje en un espejo para las almas perdidas de sus protagonistas. Es una película sobre el dolor de vivir, la soledad y la búsqueda desesperada de un amor capaz de normalizar existencias marginadas. La Nápoles de Garrone aquí es un no-lugar fantasmal, una tierra de niebla y almas excluidas donde se despliega un triángulo amoroso tan mórbido como trágico.

Gomorra (2008)

Basada en el bestseller de Roberto Saviano, la película entrelaza cinco historias para contar la historia del poder, el dinero y la sangre del «Sistema» Camorra. Las vidas de un sastre, un contable, un experto graduado en eliminación de residuos tóxicos y dos jóvenes delincuentes chocan con la violencia diaria y las reglas despiadadas del clan que controla las provincias de Nápoles y Caserta.

Con Gomorra, Garrone hace una película no sobre la Camorra, sino dentro de la Camorra. Abandonando toda mitificación, adopta un estilo casi documental, crudo y despiadado, que sumerge al espectador en un ecosistema criminal. Nápoles y sus suburbios, como Scampia, no son un telón de fondo, sino un organismo enfermo, una zona de guerra donde la violencia es el lenguaje y la ilegalidad la norma. La película cambió para siempre la percepción global de la ciudad, mostrando el crimen no como una saga de jefes, sino como una empresa expansiva que envenena la tierra y las almas.

Reality (2012)

Luciano, un amable pescadero napolitano, alentado por su familia, asiste a las audiciones para «Gran Hermano». Desde ese momento, la espera de una llamada de la producción se convierte en una obsesión. Luciano se convence de que está siendo constantemente observado y juzgado, perdiendo el contacto con la realidad en un vórtice de paranoia y locura.

Tras la brutalidad de Gomorra, Garrone regresa a Nápoles para rodar un relato amargo, una comedia negra sobre el ser y el parecer. Inspirada en una historia real, la película transforma la ciudad en un escenario grotesco donde el sueño de la fama televisiva se convierte en una alucinación colectiva. La Nápoles de Reality es un lugar donde la diferencia entre realidad y representación desaparece, una especie de Pinocho moderno donde el País de los Juguetes es un estudio de televisión y la fama es el único, ilusorio, camino hacia la salvación.