A la hora de definir las obras maestras de la historia del cine resulta que encontramos clasificaciones de todo tipo, para todos los públicos y manipuladas por el marketing de las grandes productoras. Clasificaciones que poco o nada tienen que ver con el arte cinematográfico. Ocurre ver películas tan comerciales incluidas en estas listas que uno se pregunta si quienes las escribieron querían burlarse de los lectores o si realmente creen que ciertas películas son grandes obras maestras atemporales.
Si cree que La guerra de las galaxias, Salvar al soldado Ryan, Titanic, Toy Story o la última película del director intelectual de moda premiado en Cannes deben incluirse entre las grandes obras maestras de la historia del cine, deje de leer, este artículo no es para usted. Hay montones de blogs y revistas que te cuentan cualquier cosa por diversas razones comerciales o culturales. La autorizada academia mundial de Pinco Pallino también podría incluir Parque Jurásico en la lista.
Si, por el contrario, desea aclarar y comprender lo que realmente va más allá de la moda del momento y hacerse una idea sobre el verdadero cine de arte y ensayo, el cine concebido y diseñado para ir más allá del tiempo y el espacio en que vivimos, en la visión de lo que se entiende y percibe como arte en la Tradición milenaria en el que el cine es lo último, entonces esta lista de obras maestras cinematográficas es para usted.
Nosferatu (1922)
Nosferatu: una sinfonía de terror es una película muda de terror expresionista alemana de 1922 dirigida por F. W. Murnau y protagonizada por Max Schreck y Gustav von Wangenheim. La película es una adaptación no autorizada de la novela de Bram Stoker de 1897, Drácula, y cuenta la historia del Conde Orlock (Schreck), un vampiro de Transilvania que viaja a Wismar, Alemania, en busca de sangre fresca.
Thomas Hutter es enviado a Transilvania por su empresa, la inmobiliaria Herr Knock, para visitar a un nuevo cliente llamado Conde Orlok que pretende comprar una residencia en la misma casa que Hutter. Al emprender su viaje, Hutter se dirige a una posada cuyos habitantes se sobresaltan con la mera mención del nombre de Orlok.
El país de los fantasmas y la llamada del pájaro de la muerte: Una de las primeras adaptaciones (aunque no autorizada) de Drácula sigue siendo una de las más angustiosas. La eficacia insectil de Max Schreck como el sanguinario Conde Orlok es tan abrumadora e indeseable como hace prácticamente un siglo. Las inquietantes imágenes de un mundo crepuscular del director expresionista alemán FW Murnau han establecido el escalofriante estándar para generaciones de futuras películas de terror.
El acorazado Potemkin (1925)
El acorazado Potemkin (1925) es una película muda soviética dirigida por Sergei Eisenstein. Narra la historia del motín de la tripulación del crucero acorazado Kniaz Potemkin Tavricevskil, que estalló en Odessa el 27 de junio de 1905, uno de los acontecimientos que tuvieron lugar en Rusia durante los movimientos revolucionarios de 1905.
Este drama imprescindible se gestó al calor de la propaganda soviética y fue utilizado por el gobierno comunista para celebrar un acontecimiento 20 años antes. Narra una rebelión de marineros que se convierte en una verdadera revuelta de los trabajadores de la ciudad de Odessa; la película es más famosa por una espectacular secuencia -muy imitada y parodiada- de un cochecito de bebé rodando por las escaleras de Odessa.
El Acorazado Potemkin está repleto de imágenes poderosas e ideas embriagadoras, y el director Sergei Eisenstein está considerado con razón uno de los pioneros del lenguaje cinematográfico, con su enorme influencia a lo largo de las décadas.
El General (1926)
Cómo gané la guerra (1926) es una comedia muda estadounidense dirigida por Buster Keaton y Clyde Bruckman. La película cuenta la historia de Johnny Gray, un joven ingeniero que, durante la Guerra Civil estadounidense, se encuentra solo frente al ejército de la Unión para salvar a su prometida, Annabelle Lee.
Para complacer a Annabelle, Johnnie se apresura a ser el primero en la fila para alistarse en la Guerra Civil Americana, sin embargo es rechazado porque es mucho más útil como ingeniero, aunque no se le informe de la verdadera razón . Al salir, se encuentra con el padre de Annabelle y también con el hermano de ésta, que le piden que se una a ellos en la fila, pero se marcha, dejándoles con la impresión de que no quiere alistarse.
Puede que no parezca un romance al uso, pero eso es exactamente lo que es, una comedia de uno de los artistas fundamentales de la historia del cine, Buster Keaton. Un impresionante despliegue de técnica fotográfica, ritmo y ritmo cómico, todo ello respaldado por un sentimiento genuino. Créenos, es una película que hay que ver, es como una locomotora.
Faust (1926)
Faust (1926), dirigida por F. W. Murnau, es una película muda alemana de terror y fantasía de 1926 basada libremente en el poema épico Fausto de Johann Wolfgang von Goethe.
La película cuenta la historia de Faust, un profesor de teología que ha perdido la fe. Faust es un hombre descontento y desilusionado, que anhela el conocimiento y el poder. Un día, Faust se encuentra con Mefistófeles, un demonio que le ofrece un pacto: a cambio de su alma, Mefistófeles le concederá todo lo que desee.
Faust es una película poderosa y dramática que explora temas universales como la naturaleza del mal, el precio del conocimiento y el poder de la redención. La película es también una obra maestra técnica, con una fotografía impresionante y una puesta en escena expresionista.
Innovaciones técnicas
Faust es una película técnicamente innovadora. Murnau empleó una serie de técnicas cinematográficas innovadoras, entre ellas:
- Panorama: Murnau fue uno de los primeros directores en utilizar ampliamente la panorámica. Esta técnica le permitió crear una experiencia visual más dinámica y envolvente para el público.
- Exposiciones múltiples: Murnau utilizó exposiciones múltiples para crear efectos oníricos y surrealistas. Estas técnicas ayudaron a transmitir la naturaleza sobrenatural del pacto de Fausto con Mefistófeles.
- Enfoque profundo: Murnau fue uno de los primeros directores en utilizar el enfoque profundo de forma sistemática. Esto le permitió mantener enfocados tanto el primer plano como el fondo, creando una imagen más realista y envolvente.
Estilo expresionista
Los decorados y el vestuario de Fausto están diseñados en estilo expresionista. El expresionismo se caracteriza por el uso de formas distorsionadas, rasgos exagerados y colores poco naturales. Esto contribuyó a crear una sensación de inquietud y presentimiento, apropiada para la historia de Faust.
Metrópolis (1926)
Metrópolis (1927) es una película muda alemana de ciencia ficción expresionista dirigida por Fritz Lang. Está considerada un hito del cine y es una de las películas más influyentes de la historia.
Trama
Metrópolis está ambientada en un futuro distópico en el que la clase trabajadora se afana bajo tierra, mientras la élite adinerada vive en una lujosa ciudad de rascacielos. La película cuenta la historia de Freder Fredersen, hijo del gobernante de la ciudad, que se enamora de Maria, una dirigente obrera. María difunde un mensaje de paz e igualdad que amenaza el poder de la clase dominante. Rotwang, mano derecha de Fredersen, crea un androide idéntico a María para sembrar la discordia entre los trabajadores.
Recepción
Metrópolis fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus innovaciones técnicas, sus decorados y vestuarios altamente estilizados y su exploración de temas importantes como las clases sociales, la tecnología y el espíritu humano.
La película también fue controvertida por su representación de la clase trabajadora. Algunos críticos acusaron a la película de antisocialista y de promover la idea de que la clase trabajadora es ignorante y fácilmente manipulable.
A pesar de la polémica, Metrópolis sigue siendo un clásico del cine. Restaurada y reestrenada varias veces, sigue siendo una película popular e influyente.
A Page of Madness (1926)
Una página de locura (狂った一頁, Kurutta Ichipeiji) es una película japonesa muda de terror experimental de 1926 dirigida por Teinosuke Kinugasa. Muchos la consideran una de las mejores películas mudas japonesas de la historia, alabada por su innovador uso de las técnicas de cámara, sus decorados y vestuario expresionistas y sus poderosas interpretaciones. La película se basa libremente en el relato «Diario de un loco» de Ryunosuke Akutagawa.
Trama
La película cuenta la historia de un antiguo calígrafo que se ve obligado a trabajar en un manicomio después de que su mujer se vuelva loca. El calígrafo se obsesiona con una joven paciente, y su obsesión pronto se convierte en locura.
Temas
La película explora temas como la locura, la obsesión y la naturaleza de la realidad. También es una crítica al sistema social japonés de la época.
Estilo
La película está realizada en estilo expresionista, que se caracteriza por el uso de formas distorsionadas, rasgos exagerados y colores poco naturales. Este estilo crea una sensación de inquietud y presentimiento, que resulta apropiada para la historia de la película.
Amanecer: A Song of Two Humans (1927)
Amanecer: A Song of Two Humans (1927), dirigida por F.W. Murnau, es una película alemana muda de drama romántico considerada una de las mejores películas de la historia. La película es una historia de amor, redención y el poder de la naturaleza.
Trama
La película cuenta la historia de un joven granjero que se ve tentado por una mujer de ciudad a matar a su esposa y unirse a ella en la ciudad. Sin embargo, cuando está a punto de cometer el crimen, le invaden los remordimientos y vuelve con su mujer.
Temas
La película explora temas como el amor, la tentación, la redención y el poder de la naturaleza. También es una historia sobre la importancia de la confianza y el perdón.
Estilo
La película está realizada en el estilo del expresionismo alemán, que se caracteriza por el uso de formas distorsionadas, rasgos exagerados y colores poco naturales. Este estilo se utiliza para crear una sensación de inquietud y presentimiento, lo que resulta apropiado para la historia de la película.
La Pasión de Juana de Arco (1928)
La Pasión de Giovanna d’Arco (1928), dirigida por Carl Theodor Dreyer, es una película dramática histórica danesa considerada una de las más importantes e influyentes que se han hecho. La película es una interpretación realista y confortable del proceso y la muerte de Giovanna d’Arco.
Trama
La película cuenta la historia de Giovanna d’Arco, una analfabeta contadina que cree haber sido invitada por Dio para liberar la Francia inglesa. Giovanna guida l’esercito francese alla vittoria, ma viene catturata e processata per esesia.
Estilo
La película está realizada en un estilo realista, con un uso mínimo de efectos especiales. Dreyer ha optado por concentrarse en la interpretación de los actores y en la narración de la historia.
Consulte
El director Carl Theodor Dreyer muestra rigor con la ambientación y el montaje; la película se centra sobre todo en las idas y venidas entre Juana y sus inquisidores. Realizada al final de la era muda, un drama histórico grandioso porque estableció nuevos estándares en la actuación cinematográfica, porque tomó el cine de vanguardia de los años treinta. Y por otras 100 razones.
La multitud (1928)
The Crowd (1928), dirigida por King Vidor, es una película muda estadounidense de drama romántico considerada una de las mejores películas mudas de la historia. La película narra la lucha de un joven por alcanzar el sueño americano.
Trama
La película sigue a John Sims, un joven ambicioso que se traslada a Nueva York con su esposa Mary en busca de una vida mejor. John se abre camino desde un trabajo servil hasta un puesto bien pagado, pero nunca parece poder alcanzar la felicidad y el éxito que desea.
Temas
La película explora temas como la ambición, la desilusión y la naturaleza del sueño americano. También es una historia sobre la importancia de la familia y el amor.
Estilo
La película está realizada en un estilo naturalista, centrado en el realismo y el comentario social. Vidor utiliza diversas técnicas para crear una sensación de realismo, como el rodaje en exteriores, la cámara en mano y la fotografía de enfoque profundo.
M, Una ciudad busca a un asesino (1931)
M (1931) es una película alemana dirigida por Fritz Lang. Narra la historia de un asesino en serie de niños que aterroriza la ciudad de Düsseldorf. La película está considerada una de las precursoras del género negro y ha influido notablemente en el cine posterior.
La historia de la película es sencilla pero eficaz. Un niño asesino en serie, apodado «M», comienza a aterrorizar la ciudad de Düsseldorf. La policía se ve impotente para detenerlo y la población entra en pánico. Un grupo de delincuentes decide tomar cartas en el asunto y capturar ellos mismos al asesino.
La película está ambientada en la Alemania prenazi, y la historia refleja los miedos e inseguridades de la sociedad alemana de la época. La película es también una exploración de la naturaleza del mal y la justicia.
Una de esas películas emblemáticas -sólo hay un puñado de ellas- que se sitúa en la frontera entre el cine mudo y la era del sonoro pero que aprovecha las virtudes de ambos, la película del asesino en serie arde con una profunda oscuridad visual mientras complace los oídos con su silbido «En la sala del rey de la montaña» (interpretada por el propio Lang con los labios fruncidos; su estrella, Peter Lorre, no sabía silbar).
El tema de la película es la vigilancia: debemos proteger a nuestros hijos, pero ¿quién protegerá a la sociedad de sí misma? Obra maestra que no debe perderse del legendario director Fritz Lang.
Luces de la ciudad (1931)
Luces de la ciudad (1931) es una película muda de comedia y drama dirigida por Charlie Chaplin. La película cuenta la historia de un vagabundo que se enamora de una florista ciega. Se propone ayudarla a recuperar la vista, aunque eso signifique sacrificar su propia felicidad.
Luces de la ciudad está considerada una de las mejores películas de Chaplin. Es una historia conmovedora que ha sido elogiada por su humor, patetismo y comentario social. La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno, y ha seguido siendo popular desde entonces.
Chaplin, reacio a renunciar a las técnicas visuales que había aprendido, insistió en hacer su nueva comedia Una película muda aunque los espectadores quisieran películas sonoras. Como siempre, la estrella rió la última: la película no sólo fue un gran éxito comercial, sino que terminó con el primer plano más desgarrador de la historia del cine, el colmo de la emoción, sin necesidad de diálogos.
Vampyr (1932)
Vampyr (1932) es una película danesa de terror surrealista dirigida por Carl Theodor Dreyer. La película cuenta la historia de Allan Gray, un joven ocultista que llega a un pueblo francés para investigar una serie de misteriosos asesinatos.
Una de las mayores obras maestras del cine de terror . Vampyr de Carl Theodor Dreyer se realiza en los años del cambio entre el cine sonoro y el cine mudo, utilizando el lenguaje estético del anterior para llevar el estilo de terror a la nueva era. En Vampyr reina una constante sensación de ansiedad y presencias invisibles que acechan en cada esquina. La fotografía de Rudolph Maté documenta cada matiz de luz y oscuridad en una danza extraordinaria.
Imágenes pictóricas entraron en la historia del cine, como la de un hombre con una guadaña que hace sonar una campana, así como la indicación de una posada que sobresale contra un cielo oscuro. Escenas de culto como aquella en la que Allan es introducido por los secuaces del vampiro en un ataúd, en la que Dreyer utiliza un claustrofóbico punto de vista subjetivo.
Cero en conducta (1933)
Cero en conducta es una película de 1933 escrita y dirigida por el director francés Jean Vigo. También conocida por el título internacional de «Cero por conducta», es un clásico del cine de vanguardia y suele considerarse una de las obras maestras del cine francés de los años treinta.
La película está ambientada en un internado regido por un sistema autoritario y represivo, donde los jóvenes estudiantes se ven obligados a vivir en un ambiente opresivo y sin libertad. La historia sigue a un grupo de cuatro chicos, Ribera, Tabard, Bruel y Caussat, que deciden rebelarse contra el sistema escolar y sus normas opresivas.
La rebelión comienza con actos de protesta aparentemente inofensivos, pero pronto el movimiento se convierte en una revuelta en toda regla. Los chicos intentan derrocar el orden establecido y arruinar la fiesta de fin de curso organizada por los profesores y el director.
La película es una crítica social contra el autoritarismo y la educación tradicional, simbolizada por la figura del director, interpretado por Michel Simon. Jean Vigo emplea un estilo de dirección innovador y experimental, con el uso de ángulos inusuales y técnicas de montaje innovadoras para crear una atmósfera surrealista y onírica.
Desgraciadamente, la película fue recibida inicialmente con críticas negativas y fue objeto de varias censuras. Sólo se proyectó en unos pocos cines y apenas se exhibió hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Sólo más tarde, gracias a la revalorización y al reconocimiento de la crítica, «Cero por conducta» se convirtió en una película de culto y en un hito de la historia del cine.
A pesar de su corta duración (aproximadamente 44 minutos), la película dejó una huella significativa en el panorama cinematográfico e inspiró a numerosas generaciones de cineastas posteriores. Su legado perdura hoy, como ejemplo de cine innovador y de protesta contra la injusticia social.
L’Atalante (1934)
«L’Atalante» es una película de 1934 dirigida por el director francés Jean Vigo. Está considerada una de las obras maestras del cine de autor y ha tenido un gran impacto en la historia del cine. La película cuenta la historia de un joven matrimonio, Juliette y Jean, que se casarán y comenzarán su vida juntos a bordo de una barcaza llamada «L’Atalante», navegando por los canales franceses.
«L’Atalante» es un ejemplo de cine poético, caracterizado por una narración onírica y una profunda reflexión sobre la vida y las emociones humanas. Jean Vigo utiliza un enfoque innovador en su dirección, con una combinación de elementos realistas y fantásticos. La película es conocida por sus impresionantes secuencias a bordo del barco, la descripción de la vida de los marineros y el retrato de un amor joven y conflictivo.
Desgraciadamente, Jean Vigo murió a los 29 años, poco después de rodar «L’Atalante», y nunca pudo ver reconocida su obra como una obra maestra del cine. Sin embargo, con el paso de los años, la película ha sido revalorizada y admirada por críticos y cinéfilos de todo el mundo, estableciéndose como una obra seminal de la cinematografía. Si tiene la oportunidad, le recomiendo que vea «L’Atalante» para sumergirse en su poética y singular experiencia visual.
Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo (1935)
Tiempos modernos (1936)
Tiempos modernos (1936) es una película de comedia y drama dirigida por Charlie Chaplin. Está considerada una de las obras maestras de Chaplin y una de las películas más importantes e influyentes de la historia del cine.
Trama
La película cuenta la historia de Charlie, un obrero de la cadena de montaje de una acería. Charlie es un trabajador diligente, pero la cadena de montaje es tan rápida que le vuelve loco.
Charlie es despedido de la fábrica y se encuentra vagando por las calles de una ciudad industrial. Encuentra trabajo como vendedor de periódicos, pero incluso este trabajo es agotador y está mal pagado.
Charlie conoce a un joven huérfano llamado Gamin, y ambos se enamoran. Sin embargo, su relación se ve obstaculizada por las dificultades de la vida en la ciudad.
Temas
La película explora temas como la alienación, la explotación y la lucha de clases. También es una historia sobre la importancia del amor y la solidaridad.
Estilo
La película está realizada en un estilo de comedia dramática, centrada en la humanidad de los personajes. Chaplin utiliza una variedad de técnicas para crear una sensación de comedia y patetismo, incluyendo gags físicos, pantomima y música.
Entre las mejores películas divertidas de todos los tiempos, implacablemente imaginativa, rara vez necesita presentación. Los gags llegan casi tan rápido como uno puede procesarlos, con el estilo de Chaplin evocado aquí por circunstancias que parecen hechas a propósito para acabar en catástrofe.
La Grande Illusion (1937)
La gran ilusión (1937), dirigida por Jean Renoir, es una película francesa de drama bélico ampliamente considerada como una de las mejores películas de la historia. La película es una historia de amistad y lealtad entre dos oficiales franceses capturados durante la Primera Guerra Mundial.
Trama
La película sigue a los capitanes Maréchal y de Boëldieu, dos oficiales franceses capturados por los alemanes. Los dos hombres son trasladados a un campo de prisioneros de guerra, donde entablan amistad con otros oficiales franceses.
Los prisioneros planean una fuga, pero el plan fracasa y los dos capitanes son trasladados a una fortaleza de alta seguridad. En la fortaleza, los dos hombres conocen al capitán von Rauffenstein, un oficial alemán que también es un hombre de honor.
Temas
La película explora temas como la amistad, la lealtad y la naturaleza de la guerra. También es una historia sobre la importancia de la compasión y el respeto mutuo, incluso entre enemigos.
Estilo
La película está realizada con un estilo realista, centrado en la humanidad de los personajes. Renoir utiliza diversas técnicas para crear una sensación de realismo, como el rodaje en exteriores, la cámara en mano y la fotografía de enfoque profundo.
La Bête Humaine (1938)
La Bête Humaine (1938), dirigida por Jean Renoir, es una película francesa de suspense romántico basada en la novela homónima de Émile Zola. La película cuenta la historia de Jacques Lantier, un ingeniero de máquinas de vapor que se ve empujado a la violencia por sus propios demonios interiores.
Trama
La película está ambientada a finales del siglo XIX. Jacques Lantier es un ingeniero de máquinas de vapor casado con Flore. Sin embargo, también se siente atraído por Séverine, la esposa de Roubaud, jefe de estación de Le Havre.
Jacques y Séverine comienzan un romance y planean asesinar a Roubaud. Le atraen hasta un tren y le empujan fuera de las vías. Sin embargo, su plan se tuerce y Jacques es el único que sobrevive.
Temas
La película explora temas como la pasión, la obsesión y el lado oscuro de la naturaleza humana. También es una historia sobre el poder destructivo de la violencia.
Estilo
La película está realizada con un estilo realista, centrándose en los personajes y sus motivaciones. Renoir utiliza diversas técnicas para crear sensación de realismo, como el rodaje en exteriores y la cámara en mano.
La hora cero (1939)
La hora cero (1939) es una película estadounidense de drama criminal dirigida por Sidney Salkow y protagonizada por Otto Kruger, Frieda Inescort y Adrienne Ames. La película es un remake de la película francesa de 1938 La Bête Humaine (LaBestia Humana), dirigida por Jean Renoir y basada en la novela homónima de Émile Zola.
Trama
La película cuenta la historia de Steve Reynolds, un piloto atormentado por el recuerdo de un accidente en el que murieron su mujer y su hijo. También tiene problemas con su alcoholismo y su relación con su novia, Susan.
Una noche, mientras vuela de regreso a casa tras un viaje, Steve se ve obligado a realizar un aterrizaje de emergencia en medio de una tormenta de nieve. Le ayuda una joven llamada Linda, y pronto entablan una relación romántica.
Temas
La película explora temas como la culpa, la obsesión y el poder destructivo de la violencia. También es una historia sobre la condición humana y la lucha por superar los demonios personales.
Estilo
La película está realizada en un estilo oscuro y atmosférico, centrado en la confusión psicológica de los personajes. Salkow utiliza diversas técnicas para crear una sensación de tensión y suspense, como la iluminación discreta, los primeros planos extremos y el montaje rápido.
Reglas del juego (1939)
Las reglas del juego está considerada una de las obras maestras del cine francés y una de las películas más importantes del siglo XX. La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno y ha seguido siendo apreciada por la crítica y el público de todo el mundo.
El aviador André Jurieux llega a París tras cruzar el océano en su avión. Le recibe su amigo Octave, quien informa a André de que Christine, la noble austrofrancesa, no ha venido a recibirle. La pasada relación de Christine con André es aceptada por su pareja, su criada y su amigo Octave.
Jean Renoir cimentó su maestría con esta perfecta búsqueda de los estratos sociales entre los estúpidos, ociosos, a punto de ser aniquilados por la Segunda Guerra Mundial. Los asuntos entre aristócratas y sirvientes florecen durante una semana de caza en un castillo, donde el único delito es confundir frivolidad con sinceridad.
Su chica viernes (1940)
Su chica viernes (1940) es una película estadounidense de comedia screwball dirigida por Howard Hawks, protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell y con Ralph Bellamy y Gene Lockhart. La película es una mirada trepidante, ingeniosa y encantadora al mundo del periodismo, y cuenta con algunos de los diálogos más memorables de la historia del cine.
Walter Burns es el director del periódico The Morning Post que se entera de que su ex mujer y también ex periodista de cabecera, Hildegard «Hildy» Johnson, está a punto de casarse con ella. aseguradora sin brillo Bruce Baldwin y por hacer una vida tranquila como esposa y madre en Albany, Nueva York. Walter decide impedirlo y atrae a una reacia Hildy para encubrir una última historia: la inminente ejecución de Earl Williams, un contable declarado culpable del asesinato de un policía afroamericano.
Entre las muchas películas de alto nivel dirigidas por el director Howard Hawks, His Girl Friday es su película más encantadora y verborreica. El lacónico Hawks habría restado importancia a su protofeminismo a lo largo de su vida, la película es también su más libre; mujeres fuertes que tenían trabajo y trabajaban mejor que los reporteros masculinos era simplemente lo que quería ver. Una divertida obra maestra de la comedia. Si le gustan las palabras, le encantará esta película.
Fantasía (1940)
Fantasía es una película de animación producida por Walt Disney Productions y estrenada en 1940. Se trata de una obra innovadora y experimental para la época, ya que la película mezcla animación y música clásica para crear una especie de «sinestesia» entre los sentidos del oído y la vista.
La película consta de ocho segmentos, cada uno de ellos acompañado por una banda sonora compuesta por grandes músicos como Beethoven, Chaikovski, Stravinski y Bach. Los segmentos, animados por algunos de los mejores artistas de la época, incluyen escenas de ballet, la danza de las hadas, la lucha entre el bien y el mal y mucho más.
Uno de los segmentos más famosos de Fantasía es probablemente «La Consagración de la Primavera» de Stravinsky, que narra la evolución de la vida en la Tierra, desde el nacimiento del sol hasta la aparición de los dinosaurios. El segmento fue criticado en su momento por su brutalidad y violencia, pero se ha convertido en una piedra angular de la animación moderna.
Fantasía fue un gran éxito de taquilla, pero suscitó reacciones encontradas entre la crítica. Sin embargo, en los años siguientes se ha convertido en una película de culto, apreciada tanto por su belleza visual como por su audacia artística. La película fue también muy influyente en la cultura popular, e inspiró muchas otras películas y producciones artísticas.
Ciudadano Kane (1941)
Ciudadano Kane (1941) es una película dirigida por Orson Welles, su primer largometraje. La película cuenta la historia de Charles Foster Kane, magnate de la prensa, a través de los recuerdos de sus amigos y conocidos.
En un castillo llamado Xanadú, que forma parte de una enorme finca en Florida, el anciano Charles Foster Kane se encuentra en su lecho de muerte. Sosteniendo en la mano un objeto que representa un paisaje nevado, pronuncia una palabra, «Rosabella», y muere.
Un noticiario necrológico narra la vida de Kane, un editor de periódicos y magnate industrial enormemente rico. La muerte de Kane se convierte en una noticia asombrosa en todo el mundo, ya que el productor del noticiario encarga al periodista Jerry Thompson que descubra el significado de «Rosabelle».
Un drama existencial -interpretado con inagotable talento por el prodigioso actor y director Orson Welles- de un niño despreciado a un barón de la prensa. Podrá sumergirse en los revolucionarios métodos de la película, como la fotografía de enfoque profundo de Gregg Toland, la genialidad de su puesta en escena, así como su examen del capitalismo estadounidense. Además, es una buena historia que no debería perderse.
El halcón maltés (1941)
El halcón maltés (1941) es una película de cine negro dirigida por John Huston y protagonizada por Humphrey Bogart. La película es una adaptación de la novela homónima de Dashiell Hammett.
En San Francisco, en 1941, los investigadores privados Sam Spade y Miles Archer conocen a una posible clienta, Ruth Wonderly. Esa misma noche, Spade se despierta por una llamada de la policía que le informa de que Archer ha sido asesinado. Dundy sugiere que Spade tuvo la oportunidad y el motivo para matar a Thursby, quien probablemente mató a Archer.
Esa misma mañana, Spade se reúne con su cliente, quien le confiesa que ella creó la historia y que ahora se hace llamar Brigid O’Shaughnessy. En su oficina, Spade se encuentra con Joel Cairo, que primero le ofrece 5.000 dólares por encontrar una «figura negra de un pájaro» en nombre de su supuesto legítimo propietario. Cuando Cairo regresa, contrata a Spade.
La película se estrenó en Nueva York el 3 de octubre de 1941 y fue nominada a tres premios de la Academia. Panorama du Film Noir Américain la considera la primera gran película de cine negro. Entre las mejores películas de cine negro que se pueden ver.
Double Indemnity (1944)
Double Indemnity (1944) es una película de cine negro dirigida por Billy Wilder y protagonizada por Fred MacMurray, Barbara Stanwyck y Edward G. Robinson. La película es una adaptación del relato homónimo de James M. Cain.
En 1938, el vendedor de seguros Walter Neff regresa a su oficina en el centro de Los Ángeles con una herida de bala en el hombro y graba una confesión en un dictáfono. A continuación, un flashback. Neff conoce a la encantadora Phyllis Dietrichson durante una visita a domicilio para aconsejar a su marido que restablezca la póliza del seguro de su vehículo. Phyllis pide adquirir un seguro de accidentes para su pareja.
El deliciosamente oscuro y elegante género del cine negro simplemente no existiría sin Double Indemnity. Ésta lo tiene todo: recuerdos, asesinatos, sombras y cigarrillos en abundancia y, por supuesto, una enrevesada mujer fatal (Barbara Stanwyck). Billy Wilder, uno de los excelentes directores de la época dorada de Hollywood, se distinguió en una amplia gama de géneros cinematográficos, aunque esta joya de cine duro es su obra más influyente.
Roma, ciudad abierta (1945)
Roma, ciudad abierta (1945) es una película dramática y bélica dirigida por Roberto Rossellini. La película está ambientada durante la ocupación nazi de Roma y cuenta la historia de tres personajes que se oponen al régimen: Don Pietro, un sacerdote, Manfredi, un obrero, y Pina, una joven.
Las tropas alemanas de las SS intentan encarcelar a Giorgio Manfredi, ingeniero comunista y jefe de la Resistencia contra los nazis y fascistas italianos. Al principio cree que Giorgio es un policía, pero cuando le aclara que es un confederado Giorgio le pide que transfiera mensajes e incluso dinero en efectivo a un grupo de combatientes de la Resistencia fuera de la ciudad, ya que ahora es reconocido en la Gestapo y no puede hacerlo solo.
Pocos movimientos cinematográficos pueden presumir de tener el éxito del neorrealismo italiano, una oleada posterior a la Segunda Guerra Mundial comprometida con la lucha de la clase obrera que parece no tener más que obras maestras. Roberto Rossellini fue responsable de películas dramáticas, como Alemania Año Cero y también de este drama de represión y resistencia, que cuenta no con una, sino con dos de las escenas de muerte más extraordinarias de todo el cine.
Ladrones de bicicletas (1948)
Ladrones de bicicletas (1948) es una película dramática italiana dirigida por Vittorio De Sica. La película está ambientada en la Roma de posguerra y cuenta la historia de Antonio Ricci, un hombre al que roban su bicicleta, una herramienta esencial para su trabajo como cartelista.
En la comunidad romana de Val Melaina, posterior a la II Guerra Mundial, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) se encuentra sin esperanza de trabajo para mantener a su mujer Maria (Lianella Carell), a su hijo Bruno (Enzo Staiola) y al pequeño. Como el trabajo requiere una bicicleta, informa a María de que no puede comprarla.
María retira con decisión las sábanas de su dote -objetos preciosos para una familia pobre- de la cama y las lleva a la casa de empeños, donde les pagan el dinero suficiente para comprar la bicicleta de Antonio.
La obra maestra neorrealista de Vittorio de Sica está ambientada en un mundo en el que poseer una bicicleta es la clave para trabajar, pero podría igualmente estar ambientada en un mundo en el que la ausencia de un coche, o de guarderías asequibles, o de un hogar, o de seguridad social son barreras insalvables para llevar comida a la mesa. Esto es lo que la convierte tanto en una película para la Italia de posguerra como para la actualidad en todas partes.
Rashomon (1950)
Rashomon (1950) es una película dramática japonesa dirigida por Akira Kurosawa. La película está ambientada en el Japón feudal y narra la historia del asesinato y violación de una mujer, contada desde la perspectiva de cuatro testigos: un leñador, un monje, un vagabundo y el espíritu de la mujer.
La historia comienza en la era Heian, en Kioto. Un leñador y un sacerdote están sentados bajo la puerta de la ciudad de Rashōmon para mantenerse secos durante un aguacero cuando un plebeyo (Kichijiro Ueda) se une a ellos y comienzan a contar una historia extremadamente inquietante relacionada con una violación y un asesinato. Ni el pastor ni el leñador reconocen que todos los implicados pueden haber proporcionado relatos sustancialmente diferentes de exactamente la misma historia.
No es exagerado decir que Rashomon, de Akira Kurosawa, ha redefinido la narrativa cinematográfica y que es una de las películas imprescindibles de la historia del cine. Con su estructura narrativa cambiante y poco fiable -en la que 4 individuos ofrecen distintos relatos de un asesinato-, la película es extremadamente audaz y también actúa como indicador de cómo puede engañarnos cada uno.
Umberto D. (1952)
Umberto D. es una película dramática italiana de 1952, dirigida por Vittorio De Sica, protagonizada por Carlo Battisti en el papel de Umberto Domenico Ferrari, un jubilado que intenta sobrevivir en una Roma de posguerra.
La película narra la conmovedora historia de un anciano que intenta hacer frente a las dificultades de la vida cotidiana: alquiler, pensión insuficiente, aislamiento social. Umberto D. vive con su fiel perro, Flike, e intenta conservar su piso a pesar de las constantes llamadas del propietario.
A pesar de sus esfuerzos, Umberto D. no encuentra un trabajo que le permita mantener su estilo de vida. Intenta vender los objetos de valor, pero se ve obligado a abandonar la idea debido a los precios demasiado bajos que le ofrecen.
La situación de Umberto D. empeora cuando es hospitalizado por una enfermedad y descubre, a su regreso, que el propietario ha decidido desahuciarle. Umberto D. busca ayuda entre sus amigos, incluida la joven institutriz María, pero se da cuenta de que nadie puede ayudarle.
La película termina con Umberto D. que, tras intentar en vano encontrar una solución a sus problemas, decide abandonar su apartamento y marcharse con su perro Flike.
Umberto D. está considerado una de las obras maestras del neorrealismo italiano, movimiento cinematográfico que se desarrolló tras la Segunda Guerra Mundial y que se caracterizó por la representación realista de la vida cotidiana y de las dificultades económicas y sociales de la Italia de posguerra. La película fue apreciada por su delicadeza y profunda humanidad, que convirtieron a Umberto D. en un icono del cine italiano y mundial.
Ugetsu Monogatari (1953)
Ugetsu Monogatari (1953) es una película dramática japonesa dirigida por Kenji Mizoguchi. La película está ambientada en el Japón del siglo XVI y narra tres historias de amor, muerte y ambición.
En la ciudad agrícola de Nakanogō, a orillas del lago Biwa, en la provincia de Ōmi, durante el periodo Sengoku, Genjūrō, un alfarero, lleva sus mercancías a la cercana Ōmizo. Le acompaña su cuñado Tobei, que quiere ser samurái.
Un venerado sabio le dice a la esposa de Genjūrō, Miyagi, que le advierta de los disturbios y ataques a la aldea. Al regresar con las ganancias, Miyagi le pide que deje de ir a la ciudad a vender las vasijas, sin embargo Genjūrō trabaja para terminar su alfarería. Esa noche, el ejército de Shibata Katsuie acaba con Nakanogō.
La codicia, el respeto a los miembros de la familia, la dignidad del trabajo sincero son algunos de los temas de una obra maestra del cine japonés . La película ganó el León de Plata en el Festival de Venecia de 1953, así como otros premios.
Ugetsu es una de las películas más famosas de Mizoguchi , considerada por la crítica una obra de arte del cine de terror japonés , a la que se atribuye haber contribuido a promover el cine japonés en Occidente e influir en el cine japonés posterior. También es una película esotérica que puede leerse a distintos niveles.
Cuentos de Tokio (1953)
Cuentos de Tokio (東京物語, Tōkyō Monogatari) es una película dramática japonesa de 1953 dirigida por Yasujirō Ozu y protagonizada por Chishū Ryū y Chieko Higashiyama. Está considerada como una de las mejores películas de Ozu y una de las mejores de la historia.
El matrimonio de jubilados Shūkichi y Tomi Hirayama reside en Onomichi, al oeste de Japón, con su hija Kyōko, educadora de primaria. La pareja viaja a Tokio para ver a su hijo, su hija y su nuera viuda. Su hijo mayor, Kōichi, es un profesional de la medicina que dirige una pequeña clínica en los suburbios de Tokio, al igual que su hija mayor, Shige, que regenta una peluquería.
Kōichi y Shige están muy ocupados con el trabajo y no tienen mucho tiempo para sus padres. Sólo su nuera viuda, Noriko, la esposa de su hijo mediano Shōji, que perdía su trabajo y se creía muerta durante la Guerra del Pacífico, se desvive por estar con ellos.
El drama familiar fue creado con rigor y de forma impecable. Chishu Ryu y Chieko Higashiyama son dignos y conmovedores como padres que visitan a sus nietos e hijos, sólo para pasar desapercibidos. Suavemente interpretada, perfectamente captada (normalmente con la cámara a pocos centímetros del suelo), la obra de arte de Yasujiro Ozu es una película que ofrece magnificencia e intimidad.
Los siete samuráis (1954)
En 1587, una banda de forajidos habla de irrumpir en un pueblo de montaña, pero su líder decide esperar hasta después de la cosecha. Los aldeanos se enteran y confían en Gisaku, el anciano del pueblo y molinero, que afirma que deben contratar samuráis para protegerlos.
Como no tienen dinero y sólo les sirve la comida, Gisaku sugiere que localicen al samurái hambriento. Varios aldeanos viajan a la ciudad y finalmente también localizan a Kambei, un rōnin anciano pero experimentado, al que ven rescatar a un niño que un ladrón acorralado tenía como rehén.
Un joven samurái llamado Katsushiro pide convertirse en devoto de Kambei. Película de arte y ensayo, 207 minutos de gran cine. Toshiro Mifune está soberbio como samurái medio loco, pero es Takashi Shimura quien da emoción a la película.
Sansho, el alguacil (1954)
Un gobernador virtuoso es desterrado por un señor feudal en una provincia lejana. Su mujer, Tamaki, y sus hijos, Zushiō y Anju, son enviados por su hermano. Antes de separarse, el padre de Zushiō le dice: «Sin gracia, el macho parece un monstruo. Aunque seas duro contigo mismo, sé misericordioso con los demás».
Invita a su novio a recordar sus palabras y también le ofrece una estatuilla de Kannon, la diosa de la misericordia. La madre se introduce en el mundo de la prostitución en Sado y los jóvenes son vendidos por esclavistas en una finca de gente adinerada donde los esclavos son maltratados y marcados cuando intentan escapar.
El cine japonés supo rodar impresionantes historias de fantasmas (Ugetsu) y dramas entre bastidores (La historia de los últimos crisantemos), pero su mayor rasgo fue una profunda e inquebrantable compasión por las mujeres, deprimidas por el patriarcado y desgarradas en su sufrimiento. Un tema que recorre gran parte de la obra de Kenji Mizoguchi.
Esta es una de sus obras maestras. Estas mujeres son las protagonistas de Sansho el alguacil, un drama histórico de disolución familiar que sin duda le impactará, tanto desde el punto de vista del espectáculo del cine de autor, como por la intensidad de la historia narrada. No te disculpes por tus emociones.
La trilogía de Apu (1955)
Las 3 películas componen una narración de tipo bildungsroman; son tres dramas sobre la iniciación y la formación que cuentan los años de infancia, educación y también la primera maduración de un joven bengalí llamado Apu (Apurba Kumar Roy) en la primera parte del siglo XX.
Canción del Caminito
Las primeras experiencias de Apu en Bengala se presentan como hijo de una familia de casta alta. El padre de Apu, Harihar, un brahmán, lucha por mantener a su familia. Tras la muerte de la hermana de Apu, Durga, la familia se traslada a la divina ciudad de Benarés.
Los invencibles
Los recursos financieros de la familia siguen siendo escasos. Tras la muerte de su padre allí, Apu y su madre Sarbajaya también regresan a una ciudad de Bengala. A pesar de la implacable indigencia, Apu recibe una educación formal y acaba siendo un brillante becario. Se traslada a Calcuta en busca de educación y aprendizaje. Poco a poco se va distanciando de sus orígenes campesinos y de su madre, que no se encuentra bien en ese momento.
El mundo de Apu
Intentando convertirse en escritor, Apu se ve de repente obligado a casarse con una chica cuya madre rechazó a su marido, enfermo mental, el día de la celebración de su boda. Su matrimonio termina con la muerte de ella en el parto. Apu, desesperado, abandona a su hijo, pero finalmente regresa para aceptar sus obligaciones.
Hacemos trampas al incluir las tres películas (Pather Panchali, Aparajito y El mundo de Apu), pero, en realidad, ¿cómo se separan las entregas de la magnífica trilogía de Satyajit Ray sobre la mayoría de edad? Algunas de las mejores películas indias de la historia son también plenamente reconocibles, tanto si se es de Calcuta como de Roma o Nueva York.
Un condenado a muerte se ha escapado (1956)
De camino a la prisión, Fontaine, miembro de la Resistencia francesa, aprovecha la oportunidad de escapar de sus captores alemanes cuando el coche que lo transporta se ve obligado a detenerse, sin embargo, es rápidamente detenido , golpeado por su intento de fuga, esposado y llevado a prisión.
Al principio es encarcelado en una celda de la prisión donde puede hablar con tres chicos franceses que están entrenando en el patio. Los hombres consiguen un imperdible para Fontaine, que le permite quitarse las esposas.
Se basa en las memorias de André Devigny, participante en la Resistencia francesa detenido en la prisión de Montluc por los alemanes ocupantes durante la Segunda Guerra Mundial. El protagonista de la película se llama Fontaine. El propio Bresson fue encarcelado por los alemanes como participante en la Resistencia francesa. La segunda parte del título procede de la Biblia.
Obra maestra cinematográfica imperdible: casi todo hecho en una celda de prisión, con un solo actor, sin decorados. Rigor absoluto, cine absoluto. Lo mejor de Bresson junto con Au hasard Balthasar.
El séptimo sello (1957)
El caballero Antonius Block y su escudero Jöns regresan de las Cruzadas para descubrir el país asolado por la peste. El caballero se encuentra con la Muerte, a la que reta al ajedrez, creyendo que podrá sobrevivir mientras la partida continúe. El juego que inician continúa a lo largo del relato. El caballero y su escudero pasan junto a una caravana de actores: Jof y su esposa Mia, con su bebé Mikael y también el actor y manager Jonas Skat. Al despertarse temprano, Jof tiene una visión de María y
Jesús gran drama sobre la muerte de Ingmar Bergman no es una película cualquiera, sino una de las fundamentales de la historia del cine. Es una obra de profundo pensamiento filosófico que hay que ver absolutamente al menos una vez. Pero también 3, 4, 5, 6…
Los 400 golpes (1959)
Los 400 golpes (1959) es una película dramática francesa dirigida por François Truffaut. La película está protagonizada por Jean-Pierre Léaud en el papel de Antoine Doinel, un adolescente problemático que es enviado a un reformatorio.
Los 400 golpes de François Truffaut es la historia de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), atrapado en una vida familiar miserable. Antoine encuentra consuelo vagando, fumando e incluso robando con sus amigos. La mayor recreación cinematográfica de una infancia problemática.
Un drama sobre la dificultad de hacerse adulto para ser visto absolutamente, emocionante, poético, sincero como pocas veces ocurre en el cine. La obra maestra que marcó el movimiento de la Nouvelle Vague.
Vértigo (1958)
Vértigo (1958) es una película de suspense psicológico dirigida por Alfred Hitchcock. La película está protagonizada por James Stewart y Kim Novak.
La película cuenta la historia de Scottie Ferguson, un policía retirado que sufre acrofobia. Scottie es contratado por su amigo Gavin Elster para seguir a su esposa Madeleine, quien cree que está poseída por el espíritu de su antepasado.
Vértigo es una película compleja y fascinante que explora los temas del amor, la pérdida y la locura. La película se caracteriza por una atmósfera inquietante y llena de suspense, y por la magistral dirección de Hitchcock.
Un trastorno mental freudiano que suele considerarse la obra maestra de Alfred Hitchcock, Vértigo vive en un mundo existencial y de suspense. Cambiando a través de los trajes de Edith Head, Kim Novak se encuentra en dos papeles: Madeleine Elster y Judy Barton, ambas deseosas del ex-policía de James Stewart. Para concluir este brillante thriller psicológico está la música de Bernard Herrmann, que se convierte en un final imponente.
La Dolce Vita (1960)
La Dolce Vita (1960) es una película italiana de drama satírico dirigida y coescrita por Federico Fellini. La película está protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée.
La película cuenta la historia de Marcello Rubini, un periodista de escándalos que vive en Roma. Marcello es un hombre cínico y desilusionado, que intenta encontrar sentido a su vida en un mundo que le parece vacío y artificial.
La Dolce Vita es una película compleja y fascinante que explora los temas del vacío, la superficialidad y la pérdida de valores. La película se caracteriza por una atmósfera decadente y decadente, y por la magistral dirección de Fellini.
Paradójicamente, el retrato que hace la película de este entorno como un hedonismo corrosivo para el alma es asombroso. Porque Fellini lo filma todo con tal brío cinematográfico e ingenio que a menudo es difícil no dejarse atrapar por los delirantes acontecimientos de la pantalla. Gran parte de cómo vemos el estrellato se remonta a esta película; incluso nos ofreció la palabra paparazzi. Definitivamente, La dulce vida es una de esas películas que te cambian la vida.
La aventura (1960)
L’avventura (1960) es una película dramática italiana dirigida por Michelangelo Antonioni. La película está protagonizada por Monica Vitti, Gabriele Ferzetti y Lea Massari.
La película cuenta la historia de un grupo de amigos que se van de vacaciones a Sicilia. Durante un viaje en barco, una de las chicas, Anna (Lea Massari), desaparece misteriosamente.
L’avventura es una película compleja y fascinante que explora los temas de la incomunicación, la alienación y la búsqueda de sentido. La película se caracteriza por una atmósfera suspendida y onírica, y por la magistral dirección de Antonioni.
Nacida de una historia de Antonioni escrita con los coguionistas Elio Bartolini y Tonino Guerra, una película de autor sobre la desaparición de una chica (Lea Massari) durante un viaje en barco por el Mediterráneo, y también sobre la posterior traición de su amante (Gabriele Ferzetti) con su amiga (Monica Vitti).
Se rodó en Roma, las Islas Eolias y también en Sicilia en 1959, en condiciones económicas y físicas difíciles. Una obra maestra que hay que ver para comprender la esencia del cine de Antonioni y su impacto en todos los demás cineastas.
Sin aliento (1960)
Michel es un animado delincuente amante del riesgo que sigue el modelo del personaje cinematográfico de Humphrey Bogart. Tras robar un coche y un camión en Marsella, Michel elimina a un policía que intenta acosarle. Afectado por la pobreza y huido de la policía, encuentra una relación amorosa con una americana, Patricia, estudiante y aspirante a periodista, que vende el New York Herald Tribune en los bulevares de París. Patricia lo esconde desprevenido en su apartamento mientras él intenta seducirla y busca dinero para su huida a Italia.
El sísmico debut como director del crítico de cine Jean-Luc Godard podría calificarse de película de drama con influencias del cine de gángsters y del romántico, pero en realidad es una obra que escapa a cualquier género: es un cine de vanguardia revolutionaryIt presenta cortes cubistas, agitadas tomas cámara en mano, planos exteriores, un ritmo estrafalario, así como digresiones inesperadas sobre la pintura, el verso, la sociedad pop, la literatura e incluso el cine. Una atractiva aventura entre el ladronzuelo Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg se convierte en una reflexión existencial extrañamente conmovedora. Es una ficción pulp, pero alquímicamente profunda.
Psycho (1960)
Psicosis (1960) es una película estadounidense de terror psicológico dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin y Martin Balsam. Se basó en la novela homónima de 1959 de Robert Bloch. La película es conocida por su innovador montaje, música y fotografía, así como por su icónica escena de la ducha, que ha sido ampliamente imitada y parodiada.
La película cuenta la historia de Marion Crane, una joven que malversa 40.000 dólares de su empleador y se marcha para empezar una nueva vida. Se detiene en el Motel Bates, regentado por el perturbado Norman Bates. Marion es asesinada en la ducha por la madre de Norman, que la considera una amenaza para la felicidad de su hijo.
Alfred Hitchcock quería rodar su siguiente película después de Psicosis en Disneylandia, pero aun así Walt Disney se negó, calificando Psicosis de «repugnante». Algunos consideran que Psicosis es uno de los primeros ejemplos del cine slasher. Sin embargo, aunque sin duda influyó en el subgénero slasher, en realidad es una de las mejores películas de terror psicológico de todos los tiempos.
Anthony Perkins interpreta a Norman Bates, gerente de un motel cuyo carácter afable esconde una mente enferma. La capacidad de Perkins para exponer de forma creíble la mente perturbada de Norman capa por capa es uno de los logros fantásticos del cine de terror , junto con el estilo de Hitchcock. Psicosis es una de esas películas de terror psicológico que hay que ver absolutamente una vez en la vida.
La primavera virgen (1960)
La primavera virgen es una película sueca de 1960 dirigida por Ingmar Bergman. Se basa en la balada medieval sueca «Töre’s döttrar i Wänge».
La historia está ambientada en la Suecia medieval y cuenta la historia de una joven llamada Karin que es violada y asesinada por tres pastores. Los pastores, inconscientes de lo que han hecho, se refugian en casa del padre de Karin. El padre, Tore, busca venganza y mata a los pastores.
La película explora los temas de la culpa, el perdón y la fe. Bergman utiliza la historia para explorar la naturaleza de la humanidad y las preguntas existenciales que todos nos hacemos.
La película fue un éxito comercial y de crítica y ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961.
La primavera virgen es una película compleja y simbólica. Bergman utiliza la historia para explorar la naturaleza de la humanidad y las preguntas existenciales que todos nos hacemos.
Uno de los temas principales de la película es la culpa. Karin es una chica inocente que es violada y asesinada. Los pastores, en cambio, son culpables de su asesinato. Sin embargo, Bergman no presenta a los pastores simplemente como malvados. Son hombres sencillos que han cometido un terrible error. También son hombres que sufren por lo que han hecho.
Otro tema importante de la película es el perdón. Tore, el padre de Karin, está consumido por la ira y el deseo de venganza. Quiere matar a los pastores que mataron a su hija. Sin embargo, al final, Tore decide perdonar a los pastores. Este gesto de perdón es difícil, pero también es un gesto de amor y compasión.
Accattone (1961)
Vittorio (Franco Citti), apodado «Accattone», lleva una vida de vago hasta que su prostituta, Maddalena, es explotada por sus rivales y condenada. Sin ingresos estables, primero intenta establecerse con la madre de su hijo, pero sus padres le echan; después se topa con la ingenua Stella e intenta inducirla a prostituirse para él.
Está dispuesta a intentarlo, pero cuando su primer cliente empieza a pegarle, llora e incluso se baja del coche. Accattone intenta apoyarla, pero desiste después de que, además de tener una insólita visión de su propia muerte, se va a robar con sus amigos.
Independientemente de que se rodara a partir de un guión, Accattone suele percibirse como una versión cinematográfica de los primeros cuentos de Pasolini, especialmente Ragazzi di vita y también Una vita violenta. Fue la primera película de Pasolini como director, y utiliza rostros que seguramente se verían más tarde como atributos de la marca Pasolini: actores no profesionales del lugar en el que se desarrolla la película, es una de las grandes obras maestras del cine absolutamente sobre individuos afectados por la pobreza.
La noche (1961)
«La noche» es una película de 1961 dirigida por el director italiano Michelangelo Antonioni. Forma parte de la famosa «trilogía de la soledad» del director, junto con «La aventura» y «El eclipse». La película es un ejemplo significativo del cine de autor italiano y ha tenido un impacto duradero en la historia del cine.
La trama de «La noche» sigue un día en la vida de un intelectual romano, Giovanni Pontano (interpretado por Marcello Mastroianni), y su esposa Lidia (interpretada por Jeanne Moreau), durante una velada en la que asisten a una elegante fiesta y después se enfrentan a los problemas de su relación. La película explora temas como la alienación, la insatisfacción existencial y la dificultad de comunicación entre las personas.
«La noche» es conocida por su peculiar estilo visual, con tomas largas y encuadres precisos que captan la soledad de los personajes y la atmósfera surrealista de las escenas urbanas. Antonioni utiliza a menudo el paisaje urbano como elemento central de sus obras, transmitiendo una sensación de desconexión entre los individuos y la ciudad.
La película fue elogiada por la crítica por su profundo análisis psicológico de los personajes y su sutil pero poderosa reflexión sobre la condición humana. «La noche» es una obra cinematográfica compleja y envolvente que sigue siendo apreciada por su fina cinematografía y su impacto cultural. Si le interesa el cine de autor, esta película es sin duda una elección obligada.
El eclipse (1962)
«El Eclipse» es una película dirigida por el director italiano Michelangelo Antonioni, estrenada en 1962. Como ya he mencionado, «L’eclisse» forma parte de la famosa «trilogía de la soledad» de Antonioni, junto con «L’avventura» y «La notte». La película está considerada una de las obras maestras del cine de autor italiano y ha recibido elogios de la crítica por su visión innovadora y su estilo cinematográfico único.
La trama de «L’eclisse» sigue la historia de una joven, Vittoria (interpretada por Monica Vitti), que se encuentra en una fase de transición emocional tras el fin de una relación. En el transcurso de la película, Vittoria conoce a un joven ambicioso llamado Piero (interpretado por Alain Delon), y entre ambos surge una relación ambigua. La película explora temas como la alienación, el aislamiento y la insatisfacción con la vida moderna.
Antonioni utiliza su característico estilo visual, con largas tomas y encuadres precisos, para crear una atmósfera de incertidumbre y desolación emocional. El director examina la dificultad de comunicación entre las personas y el vacío existencial en sus relaciones. «El Eclipse» también es conocida por su icónica conclusión, en la que una escena de amor se transforma en una escena de abandono y pérdida.
El ángel exterminador (1962)
Durante una cena formal en la extravagante mansión del señor Edmundo Nóbile y su media naranja Lucía, los criados abandonan inexplicablemente sus puestos de trabajo hasta que sólo queda el mayordomo. Después de cenar, los visitantes se reúnen en el salón, donde una de las señoras, Blanca, toca el piano. Más tarde, cuando normalmente se espera que vuelvan a casa, los invitados se quitan extrañamente los abrigos, se aflojan la ropa y se conforman con dormir en sofás, sillas y el suelo.
Los invitados consumen la poca comida y bebida que ha sobrado de la fiesta de la noche anterior. Sólo el Dr. Carlos Conde, aplicando la lógica y la razón, consigue mantener la calma y guiar a los invitados a través del calvario. Un huésped, el anciano Sergio Russell, muere y su cuerpo es depositado en un gran armario.
El ángel exterminador está clasificada entre las 1.000 mejores películas del New York Times y fue adaptada como obra en 2016. Película imprescindible, una de las cumbres del cine surrealista.
El carnaval de las almas (1962)
Carnival of Souls (1962) es una película estadounidense de terror psicológico producida y dirigida por Herk Harvey y escrita por John Clifford a partir de una historia de Clifford y Harvey, y protagonizada por Candace Hilligoss.
Carnival of Souls es una película que sigue la estela de La noche del cazador: creativamente genuina, de un director novel, pero mayoritariamente olvidada en su lanzamiento inicial hasta su redescubrimiento años después que la convirtió en una auténtica película de culto. Dicho esto, no es la obra de arte de La noche del cazador, pero es una pequeña historia inquietante y extraordinaria de espíritus malignos, remordimientos y espíritus inquietos.
La trama nos habla de una mujer (Candace Hilligoss) que huye de su pasado y que se ve perseguida por visiones de un hombre de rostro pálido, bellamente filmado e interpretado por el director Herk Harvey. Carnival of Souls es un clásico del cine de terror de fantasmas, realizado con un presupuesto limitado, e incluso ha sido calificado de culto al sueño por directores como David Lynch.
8½ (1963)
Guido Anselmi, conocido director de cine italiano, lucha contra el «bloqueo del director». Atrapado en su nueva película de ciencia ficción que incluye veladas referencias autobiográficas, en realidad perdió el interés por la vida, en medio de problemas matrimoniales y artísticos. Mientras intenta recuperarse de sus angustias en el balneario de Chianciano, Guido se pone en contacto con un famoso crítico de cine para que evalúe las ideas de su película, pero el crítico las destroza.
Guido tiene visiones recurrentes de una mujer que considera crucial para su historia. Su amante Carla planea visitarle, pero Guido la aloja en otro hotel. El equipo de producción de la película se traslada al hotel de Guido en un intento infructuoso de que trabaje en la película. Guido confiesa a la mejor amiga de su mujer, Rosella, que quería hacer una película tan pura como sincera: lucha por tener algo honesto que decir.
Tras el éxito de La Dolce Vita, Fellini se recupera de un estancamiento creativo con esta obra maestra autobiográfica sobre un director que vive en un bloqueo creativo. Tomando su título del número de películas que Fellini había terminado realmente hasta ese momento (incluidos algunos segmentos cortos para películas antológicas), Otto e mezzo presenta a Guido asediado por aduladores y colaboradores mientras lucha por conseguir el inicio de una engorrosa película de ciencia ficción.
Película de culto para directores de todo el mundo, la cinta de Fellini ha sido citada e imitada en numerosas películas posteriores. Películas que hay que ver al menos una vez antes de morir para comprender las más altas cumbres del cine.
Los pájaros (1963)
Los pájaros (1963) es una película estadounidense de terror psicológico dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Tippi Hedren, Rod Taylor y Jessica Tandy. La película está basada en un relato corto de Daphne du Maurier publicado en 1952.
La película cuenta la historia de Melanie Daniels, una mujer rica y sofisticada que sigue a un joven experto en aves, Mitch Brenner, hasta un pequeño pueblo de California. Cuando Melanie se acerca a Mitch, los pájaros del pueblo empiezan a atacar a los humanos de forma inexplicable.
Una de las obras maestras entre las películas de terror basadas en hechos reales, dirigida por Alfred Hitchcock, Los pájaros se centra en un pequeño pueblo de California aterrorizado por una bandada gigante de pájaros agresivos. Está basada en el cuento de Daphne Du Maurier, pero la película también se basa en una historia real, cuando los residentes de Capitola, California, se despertaron con una escena sacada directamente de una película de terror. En su momento fue un completo misterio, pero los científicos creen ahora que el ácido domoico y sus neurotoxinas fueron la causa del extraño comportamiento de las aves.
I Mostri (1963)
I mostri se encuentra entre las cimas más altas del cine cómico italiano, y fue rodada en 1963 por el director Dino Risi. La película tuvo un notable éxito en Italia y fue una de las más taquilleras del año. Fue censurado en España por situaciones vulgares y embarazosas.
Casi desconocida fuera de Italia, sólo se estrenó en 1968 en Estados Unidos y en 1977 se rodó una secuela, absolutamente a la altura de la primera, que incluso fue nominada al Oscar, titulada Los nuevos monstruos.
Los protagonistas son Ugo Tognazzi y Vittorio Gassman con personajes que se convierten en símbolo de los vicios de la mayoría de los italianos de los años sesenta, en una larga galería de 20 episodios hilarantes.
Sin duda, los divertidos personajes y las circunstancias se escenifican de un modo que roza los límites extremos de la sátira. La sátira de los episodios golpea a personajes de todo tipo y clase social, a políticos y policías que abusan de su poder y a las clases medias.
Au Hasard Balthazar (1966)
Au Hasard Balthazar (1966) es una película dramática francesa dirigida por Robert Bresson y protagonizada por Michel Simon, Anne Wiazemsky y François Lafarge. La película está ambientada en Francia y cuenta la historia de un burro, Baltasar, que pasa de mano en mano, experimentando la crueldad y la bondad de la humanidad.
En la campiña francesa, cerca de los Pirineos, un burro es adoptado por unos niños pequeños: Jacques y sus hermanas, que viven en una granja. Cuando muere una de las hermanas de Jacques, su familia abandona la granja y la familia de Marie se hace cargo del burro. El padre de Marie se ve envuelto en disputas legales sobre la granja con el padre de Jacques y el burro es relegado a una panadería local para realizar trabajos de reparto.
Inspirada en El idiota de Fiódor Dostoievski de 1868-69, la película cuenta la historia de un burro que pasa por varios dueños, muchos de los cuales lo tratan con violencia. Recordada por el riguroso estilo de la dirección de Robert Bresson, también se considera una obra de gran impacto emocional, a menudo descrita como una de las mejores películas de todos los tiempos. Una de esas películas que pueden cambiar tu vida y darte una mayor conciencia.
Persona (1966)
Alma es una joven enfermera diplomada contratada por un médico para cuidar de la actriz Elisabet Vogler. Alma le lee una carta del marido de Elisabet que tiene una foto de su bebé, y la actriz rompe la foto. El médico especula que Elisabet puede recuperarse mejor en una casita junto al mar, y también la envía allí con Alma.
En la casa de campo, Alma informa a Elisabet de que nunca nadie le había prestado atención. Alma cuenta la historia de cómo, estando ya en una relación con Karl-Henrik, éste tomó el sol desnudo con Katarina, una mujer que había conocido.
Ingmar Bergman tiene el poder de convertir a meros seguidores del cine en drogadictos delirantes; Persona es una película que no te puedes perder, un psicodrama por partida doble que, de alguna manera, parece haber sido rodado el pasado fin de semana con dos de las mejores amigas (Bibi Andersson y Liv Ullmann).
Sólo por su intimidad y economía, la película parece un anticipo de los difíciles años venideros. Bergman, convaleciente de una grave neumonía, compuso el guión en el centro de salud, luchando contra una crisis que sublimó en arte del más alto nivel.
Andrei Rublev (1966)
Andrei Rublev es un drama histórico dividido en ocho episodios, con un principio y un final que sólo se relacionan vagamente con la película principal. La película principal recorre la vida del gran pintor de símbolos a través de 7 episodios paralelos a su vida o que representan transiciones anecdóticas en su vida. La época es la Rusia del siglo XV, un duro escenario identificado por las luchas entre príncipes rivales y las intrusiones tártaras.
El retrato épico del director soviético Andrei Tarkovski, de la época de los pintores medievales rusos más famosos, destaca cualidades como el paisaje, el ambiente y los personajes. Es la historia del esfuerzo de un hombre por superar su dilema de fe en un mundo que parece tener un suministro interminable de violencia física y peleas, y es también un extraordinario testimonio de la perseverancia de los artistas que trabajan en sociedades opresivas. Una de las cimas más altas del cine de autor, gran película a nivel figurativo: imágenes que te dejan sin aliento.
2001: Una odisea del espacio (1968)
En una época prehistórica, un pueblo de homínidos es expulsado de su charca por una tribu rival. Al día siguiente, descubren que ha aparecido entre ellos un monolito alienígena que les ayuda a comprender exactamente cómo utilizar un hueso como arma y a ahuyentar a sus adversarios.
Millones de años después, el Dr. Heywood Floyd, Presidente del Consejo Nacional de Astronáutica de Estados Unidos, realiza un viaje a la Base Clavius, un puesto avanzado lunar estadounidense. Su objetivo es inspeccionar un artefacto localizado recientemente, un monolito similar enterrado cuatro millones de años antes cerca del cráter lunar Tycho. Él y otros viajan en un Moonbus hasta el monolito. 2001: Una odisea del espacio es una historia de desarrollo tecnológico y desastre relacionado impregnada de humanidad, en toda su gloria, debilidad, nerviosismo y loca aspiración.
La película de ciencia ficción más importante y más impactanteUn mercado objetivo aturdido por su secuencia de la Puerta de las Estrellas y la introducción de efectos visuales psicodélicos, la consagró inmediatamente como una de las mejores películas de la historia del cine. La aterradora visión del futuro de Kubrick -con IA y todo- sigue pareciendo profética después de más de 50 años. Una película que hay que ver si se ama el arte de la imagen en movimiento: éxtasis visual y sonoro.
Érase una vez en el Oeste (1968)
Érase una vez en el Oeste (1968) es una película italiana del Oeste dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Charles Bronson, Claudia Cardinale, Henry Fonda y Jason Robards. La película está ambientada en el Oeste americano del siglo XIX y cuenta la historia de un misterioso pistolero, Harmonica, que llega a un pequeño pueblo para vengar el asesinato de su familia.
Un hombre llamado «Armónica» busca venganza contra el criminal Frank. En segundo lugar, Frank trabaja como asesino para el magnate del ferrocarril, Morton, que pretende adquirir ciertas tierras propiedad de la familia Brett McBain. Los guardapolvos que se ponen les hacen creer que son los Cheyennes. Frank deja pruebas para culpar a Cheyenne de los asesinatos.
Obra maestra del spaghetti western ambientada en una América civilizada, aunque rodada principalmente en Roma, así como en España. La película se desarrolla en una frontera abstracta de lo viejo frente a lo nuevo, de héroes de la vida que se desvanecen en la memoria. Es el triunfo de un mundo desaparecido y de un cine impresionante. La fría mirada de Henry Fonda, las guitarras de Ennio Morricone y el enorme Charles Bronson como el pistolero definitivo son sólo tres factores entre un millón de cosas preciosas.
El bebé de Rosemary (1968)
Como agnóstico, Roman Polanski ha tejido intencionadamente un hilo de incertidumbre en su adaptación del libro. Esa incertidumbre aumenta el elemento de horror psicológico de Rosemary’s Baby.
Cuando una joven pareja, Rosemary (Mia Farrow) y Guy (John Cassavetes), se mudan a una casa de Nueva York y entablan amistad con un matrimonio de ancianos, sus vidas empiezan a tomar caminos diferentes.
La profesión del hombre evoluciona y, mientras tanto, Rosemary imagina oscuros escenarios. El creciente temor de Rosemary podría deberse a un trastorno mental o a que algo siniestro está ocurriendo dentro del apartamento.
El bebé de Rosemary es una obra maestra del terror que ha acabado siendo uno de los hitos del género.
La noche de los muertos vivientes (1968)
La noche de los muertos vivientes es una película apocalíptica y de terror de 1968 realizada con bajo presupuesto por George A. Romero y un grupo de sus amigos. En la película los protagonistas Barbra (interpretada por Judith O’Dea) y Johnny (Russell W. Streiner) están viendo la tumba de su padre en un cementerio rural de Pensilvania cuando un desconocido les golpea. Durante la pelea, Johnny muere, pero Barbra consigue escapar. Busca refugio en una granja, donde encuentra el cadáver medio devorado del propietario. Aterrorizada, se topa con un ejército de muertos vivientes.
La película de terror que se convierte en una auténtica tarjeta de presentación para su director, La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, comienza con un único zombi en un cementerio y se convierte en un ejército de muertos vivientes que ataca una casa particular. Muchos clichés contemporáneos del terror comienzan con esta película indie. Sin embargo, absolutamente nada la supera en estilo, ingenio mordaz, crítica racial, política y miedo.
Block Notes di un regista (1969)
Apuntes de un director es una película documental de 1969 dirigida por Federico Fellini. La película se rodó en Cinecittà y sigue a Fellini mientras trabaja en su película Satyricon. La película es una mezcla de entrevistas, escenas entre bastidores y momentos de la vida cotidiana en Cinecittà.
Fellini habla de su proceso creativo y de su visión del cine. También habla de su relación con sus actores y de su pasión por el cine. La película es un retrato íntimo de Fellini como artista y como hombre.
Notas de un director es una película importante en la carrera de Fellini. Es una de las primeras películas en las que Fellini se dejó llevar por su lado más personal y autobiográfico. La película fue un éxito comercial y de crítica y contribuyó a consolidar la reputación de Fellini como uno de los más grandes directores del siglo XX.
Estas son algunas de las cosas que dice Fellini en la película:
«El cine es un sueño. Es una forma de escapar de la realidad. Es una forma de explorar nuestros miedos y deseos».
«Los actores son mis herramientas. Me ayudan a dar vida a mis historias».
«El cine es un juego. Es una forma de divertirse. Es una forma de comunicarse con la gente».
Block Notes di un regista (1969) es una grandiosa película de vanguardia que habla de cine, pero también es una película que habla de la vida y emociona profundamente. Es una obra maestra del cine experimental que nos hace reflexionar sobre la naturaleza del cine y la naturaleza de la vida. Es una película que nos hace soñar y nos entretiene. Es una película que nos hace pensar.
El pájaro del plumaje de cristal (1970)
El pájaro de la pluma de cristal es una película de 1970 dirigida por el maestro del cine giallo italiano Dario Argento, en su debut como director. La película es la primera del género thriller italiano que inauguró un largo periodo de éxitos en la categoría. En su estreno, la película obtuvo un gran éxito de taquilla, con una recaudación de 1.650.000.000 de liras italianas. También fue un éxito fuera de Italia.
Sam Dalmas es un escritor norteamericano de vacaciones en Roma con su novia inglesa, Julia, que sufre un bloqueo de escritor y está a punto de regresar a América, sin embargo presencia el asalto a una dama en una galería de arte por parte de un extraño sujeto con guantes negros y gabardina. Al intentar llegar hasta él, Sam queda atrapado entre 2 puertas de cristal accionadas mecánicamente y sólo puede ver cómo escapa el hombre.
La señora, Monica Ranieri, fue agredida y la policía confiscó el pasaporte de Sam para impedirle salir del país. Se cree que el agresor es un asesino en serie que está matando a chicas por toda la ciudad y Sam es un testigo crucial.
La naranja mecánica (1971)
La naranja mecánica (1971) es una película de ciencia ficción distópica dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Michael Bates y Warren Clark. La película está basada en la novela homónima de Anthony Burgess publicada en 1962.
Los 4 matones protagonistas de la película irrumpen en una casa de campo, apalean a un viejo escritor y también violan a su mujer, que más tarde muere. Cuando un intento de robo sale mal y Alex mata a una anciana con un enorme falo de mármol, es condenado a 14 años de cárcel.
Inmerso en una Inglaterra distópica, es el relato en primera persona de un delincuente juvenil sometido a rehabilitación emocional auspiciada por el Estado. Obra maestra del cine, película para ver y revisar. Una de esas películas que te cambian la vida, increíble sátira sobre sistemas políticos extremos que se basan en versiones opuestas de la perfectibilidad humana.
El Padrino (1972)
El Padrino (1972 ) es una película épica de gángsters dirigida por Francis Ford Coppola y protagonizada por Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, John Marley, Richard Conte y Diane Keaton. La película está basada en la novela homónima de Mario Puzo publicada en 1969.
De los ensayos de Goodfellas a Los Soprano, todos los imperios de la actividad criminal que siguieron a El Padrino son hijos de los Corleone: La ópera magna de Francis Ford Coppola es una de las obras maestras de la mafia. Una significativa frase inicial («Creo en América») pone en marcha el drama de Mario Puzo, antes de que la epopeya de Coppola se convierta en un escalofriante relato que destruye el sueño americano.
La historia, impregnada de corrupción, narra la lucha de una familia de inmigrantes entre los valores paradójicos del poder y la religión; esas oposiciones morales cristalizan en una serie épica de bautizos, bellamente comisariada en paralelo al asesinato de cuatro personas de poder entre los clanes. Con innumerables detalles legendarios -la cabeza cortada de un caballo, la voz jadeante de Marlon Brando, el memorable vals de Nino Rota-, la autoridad del Padrino perdura en el tiempo.
Roma (1972)
Federico Fellini habla de su juventud en Roma. La película comienza con una multitud alborotada y pintoresca que da la bienvenida al joven que baja de un tren en la estación de Termini. Siguen secuencias que muestran Roma durante el régimen fascista en los años treinta y setenta.
Un joven Fellini (González) se muda a un enorme apartamento romano habitado por gente grotesca (incluido un doble de Benito Mussolini) y regentado también por una mujer obesa. Visita dos burdeles -uno destartalado y abarrotado y otro más lujoso y elegante- y, al parecer, también ama a una prostituta que trabaja en este último. Luego hay un teatro de vodevil barato, calles, túneles, así como una antigua catacumba con frescos que son destruidos por el aire fresco poco después de que las excavadoras la descubran.
Es un homenaje a la ciudad, que se muestra en una serie de episodios vagamente conectados, ambientados tanto en el presente como en el pasado de Roma. La trama es muy pequeña, y el único «personaje» que se afirma considerablemente es la propia Roma. Peter Gonzales interpreta al joven Fellini y la película incluye a muchos actores no profesionales.
Película para ver por su estilo único, anti-narrativo, en bloques de secuencias autónomas. Visionario, psicodélico, delirante. Cada secuencia es una obra maestra, una película dentro de otra película. Cada toma, incluso las que sólo duran dos segundos, es un cuadro digno de una prestigiosa galería de arte. Uno de los grandes viajes visuales del siglo XX.
Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972)
Petra von Kant (Carstensen) es una famosa diseñadora de moda afincada en Bremen. La película está rodada casi por completo en el dormitorio de su apartamento, decorado con una importante recreación del Midas de Poussin y también de Baco (c.1630), que representa a mujeres y hombres desnudos y parcialmente vestidos. La sala también contiene varios maniquíes de tamaño natural para su trabajo.
Las relaciones matrimoniales de Petra terminaron en muerte o separación. Su primer cónyuge, Pierre, fue un gran amor, que murió en un accidente de coche cuando Petra estaba embarazada; el segundo empezó igual, pero acabó mal. Petra vive con Marlene, otra diseñadora, a la que trata como a una esclava, y esta relación revela las tendencias pervertidas de Petra.
Este drama es probablemente su más agudo y psicológicamente complejo; indiscutiblemente, es su más gilipollas. Hay tanto que adorar del enfrentamiento de Fassbinder, que va más allá del espectáculo de dos duelos de fashionistas, para adentrarse en una profunda exploración del envejecimiento y la obsolescencia.
Solaris (1972)
Solaris es una película de ciencia ficción de 1972, dirigida por el cineasta soviético Andrei Tarkovsky. La película está basada en la novela de ciencia ficción de 1961 escrita por el autor polaco Stanisław Lem. Está considerada una de las obras maestras del cine soviético y una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia.
Trama
La trama de «Solaris» gira en torno al Dr. Kris Kelvin, interpretado por Donatas Banionis, un cosmonauta y psicólogo enviado a una estación espacial en órbita alrededor del planeta alienígena Solaris. La estación espacial sólo está poblada por unos pocos científicos y parece estar envuelta en extraños fenómenos.
Solaris es un planeta cubierto por un vasto océano inteligente que parece capaz de materializar los miedos, esperanzas y recuerdos de los miembros de la tripulación en forma de manifestaciones físicas.
Consulte
La película explora temas filosóficos y psicológicos, centrándose en el aislamiento, la soledad, el amor, la memoria y la naturaleza de la realidad. «Solaris» es una obra lenta y contemplativa, caracterizada por largas tomas, escenas evocadoras e impactante fotografía. La dirección de Tarkovsky enfatiza la atmósfera surrealista y onírica del planeta alienígena, mientras que los actores ofrecen interpretaciones atractivas que captan la intensidad emocional de la historia.
Amarcord (1973)
Amarcord (1973) es una comedia dramática semiautobiográfica dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Bruno Zanin, Pupella Maggio, Magali Noël, Armando Brancia y Enzo Fazioli. La película está ambientada en la ciudad natal de Fellini, Rímini (Italia), en la década de 1930, y cuenta la historia de Titta, un niño que crece en una pequeña ciudad durante una época de agitación política y social.
Amarcord está considerada una de las películas más personales y autobiográficas de Fellini. Es una celebración de la infancia, la memoria y la belleza del cine. La película está llena de humor, patetismo y nostalgia, y es una visita obligada para cualquier fan de la obra de Fellini.
El título de la película es una univerbación de la expresión romañola a m ‘arcôrd («lo tengo presente»). El personaje de Titta se basa sin duda en el compañero de juventud de Fellini en Rímini, Luigi Titta Benzi. Benzi acabó siendo abogado y siguió en estrecho contacto con Fellini durante toda su vida. Obra maestra llena de humanidad y poesía, es una película imprescindible para todos, incluso para aquellos que no entienden del todo las películas más complejas de Fellini.
El exorcista (1973)
En el norte de Irak, el sacerdote católico Lankester Merrin participa en una excavación histórica donde descubre un medallón de San José y un artefacto que representa a Pazuzu, un demonio. Cuando Merrin se prepara para abandonar Irak, encuentra una gran escultura de Pazuzu y también observa a 2 animales domésticos luchando en el desierto.
En Georgetown, la actriz Chris MacNeil trabaja en una película dirigida por su amigo Burke Dennings. El sacerdote de Georgetown Damien Karras visita a su madre en Nueva York. Chris oye ruidos en el ático y Regan le habla de un amigo imaginario llamado «Capitán Howdy».
Hay una razón por la que los espectadores salían del cine en camilla cuando William Friedkin desató su infierno cinematográfico sobre la humanidad, y es la misma razón por la que después nos convertimos en sombras temblorosas. pasar algún tiempo con Regan – no te lo puedes perder. Obra maestra del cine y una de las películas de terror más aterradoras de la historia.
El fantasma del paraíso (1974)
La historia sigue al compositor Winslow Leach, visto por el infernal productor discográfico Swan durante su actuación como telonero del nostálgico grupo de los años 50 The Juicy Fruits, creado por Swan. Swan piensa que las canciones de Winslow son las mejores para inaugurar «El Paraíso» -el esperadísimo nuevo auditorio de Swan- y ordena a su mano derecha, Arnold Philbin, que adquiera los derechos de las canciones de Leach.
Un mes después, Winslow acude a Swan’s Death Records para interesarse por su música, pero le echan. Se cuela en la mansión de Swan y observa cómo las mujeres ensayan sus canciones para una audición. Una es Phoenix, aspirante a cantante, a quien Winslow considera ideal para sus canciones. Winslow se enamora de Phoenix. Winslow descubre el plan de Swan de abrir Heaven con sus canciones y se cuela en Swan Records, pero Swan ordena a sus secuaces que golpeen a Winslow y lo inculpen por tráfico de drogas.
Película de terror de culto, imprescindible por su locura y por la innovación que Brian De Palma ha aportado al lenguaje cinematográfico. Uno de los hitos de la carrera del director italoamericano.
Tiburón (1975)
En la ciudad costera de Amity Island, Nueva Inglaterra, una chica, Chrissie Watkins, se sumerge en el mar. Mientras nada, es atacada por un gran pez. Al día siguiente, sus restos aparecen en la playa. Según el médico, la muerte se debió al ataque de un tiburón. El jefe de policía Martin Brody es persuadido de cerrar las costas.
El alcalde Larry Vaughn le convence para que dé marcha atrás, temiendo que se destruya el negocio turístico de la ciudad. El forense acepta provisionalmente la teoría del alcalde de que Chrissie murió en un accidente de navegación. Brody acepta a regañadientes su decisión hasta que el tiburón mata a un joven, Alex Kintner, en una playa abarrotada.
El implacable éxito de Steven Spielberg no requiere previsión política para seguir siendo relevante: es una película sobre un gran tiburón que consume a la gente. Gracias en gran parte a la propia película, se trata de una ansiedad ilógica que el público nunca deja escapar. Cada vez que aparece un funcionario estatal inepto es difícil no pensar en el alcalde Vaughn con su tonto mono estampado diciendo a la gente de Amity Island que es seguro volver al agua. Lo que hace de El tiburón una película imprescindible es que los tiburones son terroríficos, pero la codicia y la incompetencia son mucho más temibles.
Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
Este cine de asilo y locura está basado en el libro homónimo de 1962 de Ken Kesey, y se encuentra entre las 3 únicas películas de la historia de Hollywood que han ganado los 5 Oscar principales a la Mejor Película, Director, Guión, Actriz y Actor. El nido del cuco se basa en un libro de Ken Kesey que utiliza el maltrato psiquiátrico como metáfora de la crueldad del Estado.
En el otoño de 1963, Randle McMurphy es encontrado en una granja de Oregón por la violación de una mujer de 15 años. Finge ser psicológicamente inestable para ser trasladado a una institución psiquiátrica y evitar los trabajos forzados. El pabellón está controlado por la enfermera jefe Mildred Ratched, una fría autócrata pasivo-agresiva que asusta a sus clientes.
Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruselas (1975)
Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) es una película dramática dirigida por Chantal Akerman. La película cuenta la historia de Jeanne Dielman, una viuda belga que vive con su hijo adolescente en un pequeño apartamento de Bruselas. Jeanne es una mujer ordenada y metódica que cuida de su hijo y se gana la vida como prostituta.
No se trata sólo de una película de arte y ensayo, sino de una ventana abierta a una condición universal, representada con un estilo estructuralista. Introduciéndonos en la rutina, Akerman y la actriz Delphine Seyrig crean un extraordinario sentido de la simpatía pocas veces igualado por otras películas. Jeanne Dielman representa un compromiso total con la vida de una mujer, hora a hora, minuto a minuto.
Taxi Driver (1976)
Travis Bickle es un veterano de la guerra de Vietnam de 26 años que lucha contra un trauma psíquico. Vive solo en Nueva York. Travis acepta un trabajo como taxista en el turno de noche para controlar su persistente insomnio y aislamiento. Visita a menudo los cines porno de la calle 42 y también lleva un diario en el que intenta escribir conscientemente sus pensamientos. Se rebela contra la actividad delictiva y la degeneración de la ciudad de la que es testigo, además de fantasear con limpiar las calles de delincuencia.
Viaje a un Nueva York desaparecido y retrato de un hombre retorcido, Taxi Driver está a la altura del cine de autor que ha caracterizado al Nuevo Hollywood de los años 70. La visión de Martin Scorsese está cargada de una atmósfera inquieta, suspendida entre el drama y el noir, e incluso el guión de la película de Paul Schrader sondea las profundidades del alma humana que nos brindó la memorable interpretación de Robert De Niro.
Ese oscuro objeto del deseo (1977)
Un amor a veces terrible e incluso inútil entre Mathieu (Fernando Rey), un francés rico de mediana edad, y una joven y pobre bailaora de flamenco sevillana, Conchita, interpretada por Carole Bouquet y también Ángela Molina. Las dos actrices aparecen inesperadamente en escenas separadas y varían no sólo físicamente, sino también temperamentalmente.
La mayor parte de la película es un flashback recordado por Mathieu. La película comienza con Mathieu viajando en tren de Sevilla a París. Intenta distanciarse de su joven novia Conchita. Cuando el tren de Mathieu se prepara para partir, descubre que Conchita le persigue. Desde el tren le tira agua por la cabeza, humillándola. Ella cree que esto le pondrá trabas, pero insiste y se embarca.
Basada en la novela de 1898 La mujer y la marioneta de Pierre Louÿs. Fue el último esfuerzo de dirección de Luis Buñuel antes de su muerte en julio de 1983. Ambientada en España y Francia con el trasfondo de un levantamiento terrorista, la película cuenta con estilo surrealista la historia a través de una serie de flashbacks de un anciano francés, Mathieu (interpretado por Fernando Rey), que cuenta el enamoramiento de una bella joven española, Conchita (interpretada indistintamente por dos actrices, Carole Bouquet y Ángela Molina) , que frustra repetidamente sus deseos sexuales y románticos.
Apocalipse Now (1979)
Durante la guerra de Vietnam, el coronel de las fuerzas especiales del ejército estadounidense Walter E. Kurtz se ha vuelto loco y libra una despiadada guerra de guerrillas contra las presiones del EVN y el FPL sin el consentimiento de sus mandos. En un puesto avanzado de Camboya, dirige a las tropas estadounidenses, que lo consideran un semidiós. El agente quemado del MACV-SOG, el capitán Benjamin L. Willard, es movilizado al cuartel general de la I Fuerza de Campo en Nha Trang.
Su misión es «acabar con el mando de Kurtz». La guerra de Vietnam es implacable mientras Martin Sheen intenta eliminar al renegado coronel Marlon Brando. Por el camino, hay búsquedas, una fantástica incursión en helicóptero, olor a napalm, tigres. y conejitas de Playboy, hasta que Sheen se baje del barco.
Alien (1979)
La nave espacial Nostromo regresa a la Tierra con un equipo de siete personas en tensión: El capitán Dallas, el oficial ejecutivo Kane, la suboficial Ripley, el navegante Lambert, el oficial científico Ash, los diseñadores Parker e incluso Brett. Al detectar una transmisión procedente de una luna cercana, el ordenador de la nave, la Madre, pone en vilo al personal. Ripley descubre el contenido de la transmisión, identificándola como una advertencia, pero no puede comunicar la información a los que se encuentran en la nave abandonada.
Si todo lo que Alien hizo fue introducir un negocio de franquicia centrado en la superviviente de Sigourney Weaver, el estándar de horror claustrofóbico de ciencia ficción de Ridley Scott seguiría cimentado en el canon cinematográfico. Sin embargo, Alien se convierte en una obra de arte subversiva. Los efectos especiales y la criatura de dos mandíbulas de HR Giger, un espectáculo espeluznante, es una de las piezas más extraordinarias de pura artesanía en el cine. Una de las películas ineludibles del cine de ciencia ficción.
Fanny y Alexander (1982)
Fanny y Alexander (título original: «Fanny och Alexander») es una película de 1982 escrita y dirigida por el famoso director sueco Ingmar Bergman. Es una de las obras más conocidas y aclamadas de Bergman y está considerada una de sus obras maestras.
La película está ambientada en la Suecia de principios del siglo XX y cuenta la historia de dos hermanos, Fanny y Alexander, que pertenecen a una familia de actores y viven en un ambiente teatral. La trama se desarrolla en torno a las experiencias vitales de los dos chicos, que pasan por momentos de alegría y felicidad, pero también por períodos de tristeza y dificultad.
La familia de Fanny y Alexander está formada por personajes complejos y polifacéticos, entre ellos el padrastro de Fanny y Alexander, el cruel y manipulador obispo Vergérus, interpretado por Jan Malmsjö, que representa una figura oscura y autoritaria en la vida de los chicos.
La película explora temas profundos y universales como la infancia, la familia, el amor, la espiritualidad, la muerte y la dimensión mágica y surrealista de la vida. Bergman emplea una estética visual y narrativa extraordinariamente rica y atractiva, con un ojo para los detalles escénicos y los diálogos intensos.
«Fanny y Alexander» fue un gran éxito internacional y ganó cuatro premios de la Academia, incluido el de mejor película de habla no inglesa. La película también cosechó admiración crítica y comercial, consolidando el prestigio de Ingmar Bergman como uno de los directores más influyentes de la historia del cine.
Es importante señalar que existen diferentes versiones de «Fanny y Alexander», incluida una versión cinematográfica más corta y una versión televisiva más larga. Ambas versiones ofrecen una valiosa experiencia cinematográfica, pero la versión televisiva es especialmente completa y permite sumergirse aún más en la riqueza de la historia y los personajes.
Blade Runner (1982)
En noviembre de 2019, en Los Ángeles, el ex policía Rick Deckard es detenido por el agente Gaff y llevado por su antiguo representante, Bryant. Deckard, cuyo trabajo como «blade runner» consistía en localizar humanoides bioingenierizados y «jubilarlos» de forma terminal, es informado de que 4 replicantes se encuentran ilegalmente en la Tierra. Los dos ven un vídeo de un blade runner llamado Holden realizando el test Voight-Kampff, que se hace para diferenciar a los replicantes de los humanos basándose en sus acciones.
La visión de Ridley Scott de un futuro distópico es una de las películas de ciencia ficción más elegantes de la historia. Con un aspecto visual inspirado en el cine negro y una inquietante banda sonora de Vangelis (gran influencia de Prince), Blade Runner es un icono no sólo por su aspecto, que define una época, sino también por su profunda reflexión filosófica al respecto. indicando ser humano.
Muchos han intentado imitar el impresionante escenario de la película, pero estas calles empapadas por la lluvia y las sombrías vistas presentan algo único.
Érase una vez en América (1984)
Érase una vez en América (1984) es una película épica de gángsters dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Joe Pesci y Diane Keaton. La película está basada en la novela autobiográfica homónima de 1952 de Harry Grey (The Hoods en inglés).
Érase una vez en América está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. La película ha sido elogiada por su dirección, guión, fotografía, interpretaciones y banda sonora.
Tal vez más. En primer lugar, la película de Leone dura 4 horas. No se suele proyectar en su forma original, e incluso los propios productores de la película pensaron que era demasiado larga para que la gente la viera entera.
La versión original de Leone para la película eran dos pases de 180 minutos que se proyectarían en días consecutivos. Tras el estreno inicial, el director planea cambiar las dos partes a una única versión de cuatro horas y 29 minutos. Una película para ver sobre la amistad viril y el paso del tiempo, para entrar en la dimensión del mito, típica de las películas de Sergio Leone.
Stand By Me (1986)
El autor Gordie Lachance lee un artículo de prensa sobre un apuñalamiento mortal. Recuerda un acontecimiento juvenil en el que él, su amigo Chris Chambers y otros 2 amigos, Teddy Duchamp y Vern Tessio, viajaron para descubrir el cadáver de un chico desaparecido cerca de la comunidad de Castle Rock, Oregón, durante el fin de semana del Trabajo. Día de septiembre de 1959.
Para muchos nacidos en los años 70 o 60, Stand By Me es la película de culto de los 80 que unió a cinéfilos y espectadores de a pie. Sin duda, se encuentra entre las mejores películas de la década de 1980. La película tiene una belleza y una profundidad que parecen resonar en cada generación. Un intenso y atractivo sentimiento de nostalgia juvenil que se convierte en una profunda reflexión sobre el sentido de la vida humana.
Stand by me es una película magistral sin edad, con un séquito de fieles seguidores que la celebran cada año, un elemento básico de la memoria de los más jóvenes para el paso iniciático entre los años de la infancia y la edad adulta, una película poco común que siempre mejora con el paso del tiempo.
Ellos viven (1988)
«They Live» es una película de terror de los años 80 de John Carpenter. La película está ambientada en un Los Ángeles distópico, donde los alienígenas han asumido la forma de humanos y controlan en secreto la sociedad.
El protagonista de la película es Nada, un parado que se encuentra viviendo en la calle. Un día, Nada encuentra unas gafas de sol negras que le permiten ver la realidad tal y como es: los alienígenas son en realidad criaturas monstruosas que controlan la mente de la gente a través de mensajes subliminales transmitidos por la televisión y la publicidad.
Aturdido por esta revelación, Nada se embarca en una lucha sin cuartel para liberar a la humanidad del control de los alienígenas. Uno de los culto de las películas de extraterrestres .
Goodfellas (1990)
Goodfellas es una película biográfica estadounidense de 1990 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Scorsese y Nicholas Pileggi, basada en el libro Wiseguy de Pileggi, que narra la vida del mafioso Henry Hill.
Trama
La película cuenta la historia de Hill, un joven italoamericano que crece en Brooklyn en los años cincuenta. Hill se siente fascinado por el mundo del crimen organizado y empieza a trabajar para Paulie Cicero, un jefe de la mafia local. Hill asciende rápidamente y se hace amigo de Jimmy Conway y Tommy DeVito, dos gángsters despiadados.
Los tres amigos viven una vida de lujo y delincuencia, pero su amistad empieza a tambalearse cuando Tommy se vuelve cada vez más violento e inestable. Hill, por su parte, empieza a arrepentirse de su vida como gángster, pero ya es demasiado tarde para dar marcha atrás.
Tres décadas después sigue siendo pura adrenalina cinematográfica: la ópera de gángsters de Martin Scorsese es un epitafio gloriosamente ejecutado para héroes que se revelan con pies de barro y manos empapadas de sangre. Es famoso por muchas cosas: la icónica Copacabana, los mil momentos de agonía, la muerte de Billy Batts, los cuellos de camisa de Joe Pesci, y mucho más… pero si hay una sola razón por la que es el favorito de todos, ésa es sin duda la desventura del antihéroe de Ray Liotta, Henry Hill.
El cabo del miedo (1991)
Martin Scorsese y Robert De Niro pueden haber alcanzado su punto álgido desde que thriller psicológico con la trascendental Taxi Driver en 1976, sin embargo el Película de terror de los 90 El Cabo del Miedo es otra película imprescindible… En el papel de Max Cady, un violador psicópata, De Niro trama una venganza contra su antiguo representante legal Sam Bowden (Nick Nolte) por ocultar pruebas que podrían haberle absuelto.
Cady invade todos los aspectos de la vida de Bowdens como una espesa sombra que cubre a su familia y su trabajo en una inevitable espiral de asesinatos y crueldad. Cady seduce como una serpiente, encandila a sus víctimas y se transforma en un monstruo psicópata que golpea a la familia Bowden durante una tormenta torrencial. La imprevisibilidad y el sadismo de Cady hacen de El cabo del miedo una película absolutamente soberbia en su género.
Obras maestras recientes
Mulholland Drive (2001)
Betty se sorprende al descubrir a una mujer que sufre amnesia y se hace llamar «Rita» tras ver un póster de la película Gilda con Rita Hayworth. Para ayudar a la mujer a recordar su identidad, Betty busca en el bolso de Rita, donde descubre una gran cantidad de dinero y también un inusual secreto azul.
Se puede ver Mulholland Drive, sin duda uno de los mejores thrillers psicológicos y una de las películas más significativas del nuevo siglo, cien veces y seguir obteniendo algo diferente con cada visionado. El extravagante dolor de cabeza de Los Ángeles de David Lynch está lleno de secretismo, miedo e incluso perturbadora sensualidad, temas que habían sido durante mucho tiempo una constante en la obra del autor, pero que aquí alcanzaron su ineludible apoteosis.
Spirited Away (2001)
Es una película de animación japonesa de 2001 dirigida por el legendario director Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. La película sigue las aventuras de Chihiro, una joven que se ve atrapada en un mundo sobrenatural después de que sus padres se conviertan en cerdos por una maldición.
Chihiro debe intentar salvar a sus padres y encontrar el camino de vuelta a casa, pero para ello tendrá que superar una serie de retos y conocer a diversos personajes extraños y maravillosos, como el espíritu del río Haku y la misteriosa bruja Yubaba.
Uno de los aspectos más fascinantes de la película es su surrealista mundo de fantasía, repleto de criaturas extrañas y maravillosas, como dragones, espíritus de la naturaleza y otros seres mágicos. La animación es increíblemente detallada y los efectos visuales están llenos de colores vivos y detalles que hacen del mundo de Spirited Away un lugar impresionante y encantador.
La película también aborda temas importantes como la importancia de la familia, la fuerza interior y el valor de la humanidad, todo ello envuelto en una historia fantástica y atractiva que ha sido aclamada por la crítica y el público de todo el mundo. La película ganó numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película de animación en 2003, y está considerada una de las mejores películas de animación de todos los tiempos.
El pianista (2002)
En septiembre de 1939, Władysław Szpilman, pianista judío polaco, tocaba en directo en la radio de Varsovia durante la invasión nazi de Polonia. Esperando un éxito rápido, Szpilman se alegra con su familia en casa cuando se entera de que Gran Bretaña e incluso Francia han declarado la guerra a Alemania, pero la ayuda garantizada no llega.
Los combates duraron poco más de un mes, y las fuerzas armadas alemanas y soviéticas invadieron Polonia simultáneamente en varios frentes. Varsovia se une al gobierno general controlado por los nazis. Pronto se impide a los judíos trabajar o tener empresas y también se les obliga a llevar brazaletes azules con la estrella de David.
Drama histórico producido por Francia, Reino Unido, Alemania y Polonia. El pianista se estrenó en el Festival de Cannes de 2002 el 24 de mayo de 2002, donde ganó la Palma de Oro, y se lanzó a gran escala en septiembre; la película obtuvo una amplia e importante aclamación, con elogios de la crítica cinematográfica para
La dirección de Polanski, la interpretación de Brody y el guión de Harwood. En la 75ª edición de los premios de la Academia, la película ganó el premio al mejor director (Polanski), al mejor guión adaptado (Harwood) y al mejor actor (Brody), y fue nominada a otros 4 galardones, incluido el de mejor película.
Oldboy (2003)
Probablemente la mejor película coreana de terror de todos los tiempos, un thriller de venganza de Park Chan-wook de 2003, «Oldboy». Oh Dae-su (Choi Min-sik) estuvo encarcelado en un pequeño apartamento sin ventanas durante 15 años. No tiene ni idea de quién lo hizo ni por qué. Un día es liberado y comienza la búsqueda de quienes le han arruinado la vida para poder vengarse de él. Por el camino, Dae-su se enamora de una mujer, lo que dificulta la venganza.
Se trata de una película llena de giros, conspiraciones y mentiras; cuando crees entender hacia dónde va la película, Park da la vuelta a tus expectativas. Park es un director excepcionalmente dotado y registra la sutileza y complejidad de la venganza, un estilo que expande en el resto de su Trilogía de la Venganza, compuesta por «Sympathy for Mr. Vengeance» y «Lady Vengeance».
No es país para viejos (2007)
«No es país para viejos» es una película basada en la novela homónima de Cormac McCarthy. Es un thriller neo-occidental que sigue la historia de Llewelyn Moss, un cazador que encuentra un maletín lleno de dinero tras un tiroteo entre narcotraficantes en el desierto de Texas. Este acto desencadenará una serie de violentos acontecimientos, entre ellos la implacable persecución de Anton Chigurh, un despiadado asesino, y el intento del viejo sheriff Ed Tom Bell de detener la violencia que parece inexplicable y carente de sentido.
La película obtuvo un gran éxito y ganó cuatro premios de la Academia, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor actor de reparto por la extraordinaria interpretación de Javier Bardem como Anton Chigurh. Es una película aclamada por la crítica y conocida por su tensión, su peculiar estilo visual y las impecables interpretaciones del reparto.
Sicilian Ghost Story (2017)
Sicilian Ghost Story es una película de 2017 dirigida por Fabio Grassadonia y Antonio Piazza. La película está inspirada en una historia real ocurrida en Sicilia en los años 90. Es una mezcla de elementos del cine fantástico y del drama social, que narra una historia de amor entre dos jóvenes: Luna, una chica de 13 años, y Giuseppe, un chico de la misma edad que desaparece misteriosamente por culpa de la mafia.
La película explora temas como la violencia del crimen organizado, la inocencia de los niños y el poder del amor. La narración se desarrolla a través de una entrelazada fusión de realismo mágico y metáforas visuales, ofreciendo una perspectiva única de las consecuencias de una época marcada por el crimen y la corrupción.
La película fue aclamada por la crítica por su profundidad emocional y su mensaje, así como por la maestría técnica y visual de los realizadores. En nuestra opinión, se trata de una de las mejores películas sobre la mafia jamás rodadas, una obra de arte de gran valor desconocida en los circuitos convencionales.
Isle of Dogs (2018)
Isle of Dogs es una película de animación stop-motion de 2018 dirigida por Wes Anderson. La película está ambientada en un futuro distópico en el que el alcalde de la ciudad japonesa de Megasaki ha declarado que todos los perros están enfermos y los ha exiliado a un vertedero en la Isla de los Perros.
La historia sigue a un niño de doce años llamado Atari Kobayashi, sobrino del alcalde, que se aventura a la Isla de los Perros en busca de su perro mascota, Spots. Allí conoce a un grupo de perros callejeros que le ayudan en su búsqueda. La Pandilla Canina incluye al líder, Rex, el pastor alemán; Boss, el bulldog americano; Duke, el perro callejero; King, el perro que una vez fue líder de un circo; y Chief, el solitario perro callejero.
La película destaca por su singular estética y banda sonora, que incorpora elementos de la cultura japonesa y de la orquesta tradicional japonesa de taiko. El reparto de voces incluye nombres como Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Tilda Swinton y Yoko Ono.
En general, la película fue bien recibida por la crítica y ganó el Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín de 2018. Sin embargo, la película también ha sido criticada por su representación de la cultura japonesa y su uso de estereotipos culturales.
Suspiria (2018)
Suspiria es una película de 2018 dirigida por Luca Guadagnino, director italiano conocido por obras como «Call me by your name» y «I am love». Se trata de un remake de la película de terror homónima de 1977 dirigida por Dario Argento. La película es una adaptación moderna que se desvía significativamente del original, tanto en la trama como en el estilo.
Trama
Suspiria» está ambientada en el Berlín de 1977 y sigue a la joven bailarina estadounidense Susie Bannion (interpretada por Dakota Johnson), que ingresa en una prestigiosa escuela de danza dirigida por Madame Blanc (interpretada por Tilda Swinton). Pronto, Susie descubre que la escuela está llena de misterios, oscuros secretos y fuerzas sobrenaturales. Durante su estancia, empiezan a surgir sospechas de asesinatos y desapariciones, lo que lleva a Susie a descubrir una verdad espeluznante sobre su escuela y sus profesores.
Estilo
A diferencia de la original, que se centraba mucho en su estética colorista y experimental, Guadagnino ha creado una atmósfera muy diferente en su «Suspiria». La película se caracteriza por un tono más oscuro, gris y opresivo, con elaboradas y espectaculares escenas de baile entrelazadas con secuencias inquietantes y viscerales. La banda sonora, compuesta por Thom Yorke de Radiohead, contribuye a la atmósfera inquietante y espeluznante.
Actuaciones: El reparto de la película está encabezado por Dakota Johnson, Tilda Swinton y Mia Goth, y todas ellas ofrecen unas interpretaciones impresionantes. Tilda Swinton merece una mención especial, ya que no sólo interpreta a Madame Blanc, sino también a otros personajes, incluido un personaje masculino que no aparece en los créditos.
«Suspiria» recibió críticas mixtas de crítica y público. Algunos la alabaron por su audacia y originalidad, mientras que otros preferían la atmósfera y el estilo de la película original de Dario Argento. Sin embargo, es innegable que la película de Guadagnino es una interesante y ambiciosa obra de autor, con una visión distintiva y provocadora del terror.
Bardo (2022)
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades es una película mexicana de 2022 dirigida por Alejandro G. Iñárritu. La película está protagonizada por Daniel Giménez Cacho en el papel de un famoso periodista mexicano que se prepara para su muerte. La película se estrenó mundialmente en el 78º Festival de Cine de Venecia el 2 de septiembre de 2022, donde ganó el León de Oro.
La película es un viaje a través de la memoria y la identidad del protagonista, que se enfrenta a su pasado y a su presente. La película es una exploración de la condición humana, de la pérdida y el duelo. La película fue elogiada por su dirección, fotografía e interpretaciones.
La película fue elogiada por su dirección, fotografía e interpretaciones. La dirección de Iñárritu es magistral. Crea una atmósfera onírica y surrealista que refleja el mundo interior del protagonista. La fotografía de Rodrigo Prieto es preciosa. Capta la belleza de México, pero también su crueldad.
Las interpretaciones de los actores son todas excelentes. Giménez Cacho está especialmente bien en el papel principal. Consigue transmitir la complejidad del personaje y su lucha por encontrar el sentido de la vida. Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades es una película poderosa y conmovedora. Es una película que le acompañará mucho tiempo después de haberla visto.