Die Filme, die im Weltraum spielen

Wenn wir an Filme im Weltraum denken, kommen uns sofort große Sternensagas und epische Schlachten in den Sinn. Es gibt die Meisterwerke, die die kosmische Grenze definierten – und Sie werden sie hier finden. Doch dies ist nur die Oberfläche eines filmischen Universums, das weit größer, fremder und unendlich interessanter ist.

Die wahre Grenze des Weltraumkinos liegt nicht nur im Spektakel, sondern in der Spekulation. Wenn kolossale Budgets verschwinden, hört der Weltraum auf, ein physisches Ziel zu sein, und wird zur metaphysischen Bühne. Das kosmische Vakuum wird zur perfekten Leinwand, auf der wir unsere tiefsten Ängste und ungelösten philosophischen Dilemmata projizieren.

Dieser Leitfaden ist ein Akt filmischer Archäologie. Er ist ein Weg, der die grundlegenden Säulen vereint, von den berühmtesten Filmen bis zum subversivsten Underground-Kino. Sie finden die philosophische Science-Fiction des sowjetischen Blocks, den Weltraum-Horror, in dem der Raum ein schmutziger und infizierter Ort ist, und die Klaustrophobie der Raumstation als Labor für Psychosen.

Dies ist die Gegen-Erzählung, eine Reise durch die Kinos, die verstanden haben, dass der wahre Horror oder das wahre Wunder nicht das ist, was da draußen ist, sondern das, was wir mit uns bringen.

Aelita: Königin vom Mars (1924)

Ein Ingenieur namens Los, besessen von Träumen einer außerirdischen Zivilisation, baut ein Raumschiff und reist zum Mars. Dort findet er eine dekadente, kapitalistische Gesellschaft, die von einem Tyrannen und der schönen Königin Aelita regiert wird, die die Erde ausspioniert hat. Los inspiriert eine Arbeiterrevolte.

Als Urvater der sowjetischen Science-Fiction gilt Aelita als ein beeindruckendes Artefakt. Es ist ein Hybridfilm: halb neorealistisches Drama über die Härten des Lebens in Moskau nach der Revolution, halb expressionistische Fantasie. Der Mars ist ein Triumph des Konstruktivismus, mit geometrischen Kostümen und fremdartigen Kulissen, die den korrupten, kapitalistischen Westen allegorisieren sollen. Doch der Film ist tief ambivalent, mit einem traumhaften Ende, das die Natur der Revolution, die er inspirierte, infrage stellt und nahelegt, dass die Flucht in den Weltraum nur ein romantischer Wahn ist.

Warnung aus dem Weltraum (Uchūjin Tōkyō ni Arawaru) (1956)

Seesternförmige UFOs erscheinen über Tokio und verursachen Panik. Die Außerirdischen, die Pairans, versuchen, Wissenschaftler zu kontaktieren, um die Menschheit vor einer bevorstehenden Katastrophe zu warnen: Ein abtrünniger Planet namens „Planet R“ befindet sich auf Kollisionskurs mit der Erde.

Dieser japanische Film von Daiei ist ein vergessenes Juwel. Er war Japans erster Science-Fiction-Farbfilm und soll einer der Filme gewesen sein, die Stanley Kubrick zu 2001 inspirierten. Anders als zeitgenössische amerikanische Invasionsfilme sind hier die Außerirdischen wohlwollend, wenn auch erschreckend in ihrem Aussehen (Seesternwesen mit einem zentralen Auge, entworfen vom Künstler Taro Okamoto). Es ist ein Werk, das Japans post-atomare Angst widerspiegelt, in dem die Bedrohung nicht der Andere ist, sondern eine kosmische, unpersönliche Katastrophe, und die einzige Rettung in globaler wissenschaftlicher Zusammenarbeit liegt.

Der schweigende Stern (The Silent Star) (1960)

Nachdem ein mysteriöses außerirdisches Artefakt in der Wüste Gobi gefunden wird, wird ein internationales Raumschiff, die Cosmokrator, zum Planeten Venus geschickt. Die Besatzung entdeckt die Überreste einer hochentwickelten Zivilisation, die sich in einem nuklearen Krieg selbst vernichtet hat, kurz bevor sie die Erde hätte erobern können.

Diese Koproduktion zwischen der DDR (DEFA) und Polen, basierend auf einem Roman von Stanisław Lem, ist die Antwort des Ostblocks auf amerikanische Science-Fiction. Anstelle von Paranoia vermittelt der Film eine Botschaft des sozialistischen Internationalismus: Die Besatzung ist ein multikulturelles Kollektiv, das im Einklang zusammenarbeitet. Visuell für seine Zeit opulent, nutzt der Film die Reise zur Venus als kraftvolle Anti-Atomwaffen-Warnung. Der Weltraum ist kein zu erobernder Ort, sondern ein Spiegel, der der Erde ihre mögliche, erschreckende Zukunft zeigt.

2001: Odyssee im Weltraum (1968)

Ein schwarzer Monolith erscheint in der Morgendämmerung der Menschheit und löst die Evolution aus. Millionen Jahre später findet die Menschheit einen weiteren Monolithen auf dem Mond, der ein Signal in Richtung Jupiter sendet. Eine Expedition, angeführt von den Astronauten Bowman (Keir Dullea) und Poole (Gary Lockwood) und gesteuert von der KI HAL 9000, macht sich auf den Weg, um zu untersuchen. Regie führte Stanley Kubrick.

Dies ist der Inbegriff des Science-Fiction-Films, ein philosophisches und visuelles Werk, das das Genre neu definierte. Kubrick verwandelt die Raumfahrt in eine metaphysische Erfahrung, eine Untersuchung des Platzes der Menschheit im Universum, der Evolution und der Gefahren der künstlichen Intelligenz. Es ist ein hypnotisches und unverzichtbares Kunstwerk, das majestätische Bilder und Stille nutzt, um grundlegende Fragen zu stellen.

Planeta Bur (Planet der Stürme) (1962)

Eine gemeinsame sowjetisch-amerikanische Mission (in der Originalversion nur sowjetisch) zur Venus gerät in Schwierigkeiten, als ein Raumschiff zu einer Notlandung gezwungen wird. Die Besatzung, darunter ein Kampfroboter namens „John“, muss die feindliche, prähistorische Landschaft des Planeten durchqueren und dabei Vulkane und Dinosaurier trotzen.

Dieser sowjetische Film ist ein Meisterwerk des Low-Budget-Engineerings und ein entscheidendes Stück der Geschichte des Underground-Sci-Fi-Kinos. Seine Spezialeffekte, darunter ein beeindruckendes fliegendes Auto und Stop-Motion-Kreaturen, waren so fortschrittlich, dass der amerikanische Independent-Produzent Roger Corman die Rechte kaufte. Corman verwendete alle russischen Effektsequenzen und fügte sie in zwei „neue“ kostengünstige amerikanische Filme ein (Voyage to the Prehistoric Planet und Voyage to the Planet of Prehistoric Women), wodurch er effektiv ein Subgenre des Exploitation-Kinos auf Basis internationalen Recyclings begründete.

Ikarie XB-1 (1963)

Im Jahr 2163 unternimmt das Raumschiff Ikarie XB-1 eine fünfzehnjährige Reise zum Alpha-Centauri-System auf der Suche nach Leben. Unterwegs sieht sich die multinationale Besatzung mit Isolation, der Geburt eines Kindes an Bord, einem mysteriösen verlassenen Raumschiff und den psychologischen Auswirkungen eines „dunklen Sterns“ konfrontiert.

In der Tschechoslowakei gedreht, ist Ikarie XB-1 schlicht einer der wichtigsten und einflussreichsten Science-Fiction-Filme aller Zeiten. Es ist der Film, der die Ästhetik der „ernsten Science-Fiction“ lange vor Star Trek oder 2001 definierte (von denen er offensichtlich beeinflusst wurde, vom modernistischen Innendesign bis zum Crew-Management). Anders als

westliche Sci-Fi ist dieser Film von kollektivistischem Optimismus durchdrungen: Die Crew ist eine kompetente Gemeinschaft, die Probleme löst. Er ist ein Meilenstein der philosophischen Sci-Fi, der eine reife und kooperative Zukunft der Raumfahrt imaginiert.

Silent Running (1972)

In einer Zukunft, in der alles Pflanzenleben auf der Erde ausgestorben ist, kümmert sich der Botaniker Freeman Lowell um die letzten überlebenden Wälder, die in riesigen geodätischen Kuppeln auf einem Frachtschiff erhalten werden. Als der Befehl kommt, die Kuppeln zu zerstören, rebelliert Lowell und kapert das Schiff.

Dies ist ein unabhängiger Film im Geiste. Es war das Regiedebüt von Douglas Trumbull, dem Spezialeffekt-Genie hinter 2001. Mit kleinem Budget (1,3 Millionen Dollar) gedreht, ist der Film eine melancholische Umweltelegie. Es ist ein fast einsames Werk, mit Bruce Dern und drei Drohnen (liebevoll Huey, Dewey und Louie genannt) als einzigen Protagonisten. Der Weltraum ist hier die ultimative Wüste, der Ort eines selbst auferlegten Exils zum Schutz des letzten Fragments irdischen Lebens. Es ist ein Low-Budget-Film, der seinen intimen Rahmen nutzt, um eine kraftvolle und verzweifelte Botschaft zu vermitteln.

Alien (1979)

Die Besatzung des Handelssraumschiffs Nostromo empfängt ein Notsignal von einem unbekannten Planeten. Bei der Erkundung wird eines der Mitglieder, Kane (John Hurt), von einer außerirdischen Kreatur angegriffen. Sie bringen ihn an Bord, doch bald entdecken sie, dass sie einen perfekten Albtraum mitgebracht haben: einen xenomorphen Jäger, der sie einzeln verfolgen wird. Regie führte Ridley Scott.

Dies ist ein absolutes Meisterwerk, das Horror und Science-Fiction verschmilzt. Scott schafft eine klaustrophobische und spannungsgeladene Atmosphäre und verlegt einen „Monsterfilm“ in einen Arbeiterkontext (die Crew sind Weltraum-Trucker). Unverzichtbar ist er wegen seines Designs (H.R. Gigers Kreaturen), seiner unvergesslichen Heldin (Ellen Ripley/Sigourney Weaver) und seiner unerbittlichen Spannung.

Blade Runner (1982)

In einem dystopischen, regnerischen und überbevölkerten Los Angeles des Jahres 2019 wird der ehemalige Polizist Rick Deckard (Harrison Ford) zurück in den Dienst gerufen. Seine Aufgabe: vier „Replikanten“, Nexus-6 Androiden, die von Menschen nicht zu unterscheiden sind und illegal zur Erde zurückgekehrt sind, um ihren Schöpfer zu finden, „in den Ruhestand zu versetzen“ (zu töten). Regie führte Ridley Scott.

Obwohl die Handlung hauptsächlich auf der Erde spielt, ist dies ein Meilenstein der philosophischen Science-Fiction. Es ist ein visuell beeindruckender Neo-Noir, der grundlegende Fragen stellt: Was bedeutet es, menschlich zu sein? Definiert Erinnerung die Identität? Es ist ein melancholisches und düsteres Werk, ein Muss wegen seiner revolutionären Ästhetik, Vangelis‘ Filmmusik und seiner tiefgründigen Reflexion über Leben und Sterblichkeit.

Solaris (1972)

Der Psychologe Kris Kelvin wird zur Raumstation geschickt, die den empfindungsfähigen Ozean-Planeten Solaris umkreist. Die Besatzung befindet sich inmitten psychologischer Krisen und die Mission ist ins Stocken geraten. Kelvin entdeckt bald den Grund, als der Ozean eine Replik seiner verstorbenen Frau Hari materialisiert.

Andrei Tarkovskys Meisterwerk ist die Inbegriff von philosophischer Science-Fiction. Es ist die sowjetische und auteuristische Antwort auf 2001: Während Kubricks Film eine Reise nach außen, zu den Sternen ist, ist Tarkovskys eine Reise nach innen, in den Abgrund der menschlichen Seele. Der Weltraum ist ein Fegefeuer. Der Planet Solaris ist eine unergründliche Entität, die die Wissenschaftler zwingt, sich nicht dem kosmischen Unbekannten, sondern ihren eigenen Sünden, Schuldgefühlen und verdrängten Erinnerungen zu stellen. Es ist ein langsames, hypnotisches und erschütterndes Werk über Erinnerung und die Unmöglichkeit, „den Anderen“ wirklich zu verstehen.

Dark Star (1974)

An Bord des heruntergekommenen Raumschiffs Dark Star führt eine Crew von vier lustlosen Astronauten seit zwanzig Jahren ihre langweilige Mission aus: instabile Planeten zu zerstören. Zwischen einem schelmischen Alien in Form eines Strandballs und einem in Kryostase gehaltenen toten Kommandanten müssen sie eine existentielle Krise bewältigen, als eine „intelligente Bombe“ beschließt, selbstständig zu denken.

Entstanden als Studentenfilm von John Carpenter und Dan O’Bannon, ist Dark Star das Paradebeispiel für underground Sci-Fi-Kino. Es ist die nihilistische Parodie auf 2001, die das kosmische Epos durch existenzielle Langeweile ersetzt. Das Raumschiff ist kein Tempel der Technologie, sondern ein schmutziger, defekter „Weltraum-Camper“. Der Film ist eine brillante Satire, die in einer philosophischen Debatte über Phänomenologie mit einer empfindungsfähigen Bombe gipfelt. Er erfand die „dreckige“ und „bewohnte“ Ästhetik, die O’Bannon später (in einem Horror-Kontext) im Drehbuch zu Alien perfektionieren sollte.

Contamination (1980)

Ein Frachtschiff treibt verlassen nach New York. Die Polizei findet die Besatzung von innen schrecklich explodiert vor sowie eine Ladung seltsamer, pulsierender grüner Eier. Ein Regierungsagent und ein alkoholkranker Ex-Astronaut ermitteln und decken eine außerirdische Verschwörung auf, die von einer gescheiterten Mars-Mission ausgeht.

Das italienische Exploitation-Kino reagiert auf Alien. Regie führte Luigi Cozzi, dieser Space-Horror ist ein Klassiker des kreativen „Rip-offs“. Der Film verlegt die Handlung geschickt vom Weltraum (zu teuer) auf die Erde und verwandelt die Bedrohung in einen Thriller-Splatter. Die Weltraum-Settings werden auf einen kurzen, effektiven Rückblick auf dem Mars reduziert. Der Film ist berühmt für seine übertriebene Gore-Show, bei der menschliche Brustkörbe beim geringsten Kontakt mit der Flüssigkeit der Eier explodieren. Es ist ein schamloser B-Movie, der auf einem amerikanischen Erfolg mit einer einzigartig italienischen Energie und Brutalität aufbaut.

Gravity (2013)

Dr. Ryan Stone (Sandra Bullock), eine Biomedizintechnikerin auf ihrer ersten Mission, und der erfahrene Astronaut Matt Kowalski (George Clooney) arbeiten außerhalb ihres Shuttles, als ein Trümmerfeld ihr Raumschiff zerstört. Die beiden treiben im absoluten Nichts, nur durch eine Leine miteinander verbunden, und ihr Sauerstoff geht zur Neige. Regie führte Alfonso Cuarón.

Sieger von sieben Academy Awards, ist dies ein immersives und technisch beeindruckendes filmisches Erlebnis. Es ist ein Überlebens-Thriller auf das Wesentliche reduziert, eine angespannte und qualvolle Odyssee im tiefen Weltraum. Ein Muss, weil er den Weltraum wie kein anderer Film nutzt, das Nichts zum furchterregenden Antagonisten macht und den Film zu einer kraftvollen Allegorie der Wiedergeburt verwandelt.

Der Marsianer (2015)

Während einer Mission zum Mars wird der Astronaut Mark Watney (Matt Damon) bei einem Sturm von Trümmern getroffen und von seiner Crew für tot gehalten, die den Planeten verlässt. Allein gelassen, mit begrenzten Vorräten und ohne Kommunikationsmöglichkeit, muss Watney seine Einfallsreichtum und botanische Ausbildung nutzen, um auf dem roten Planeten zu überleben. Regie führte Ridley Scott.

Im Gegensatz zu vielen düsteren Weltraumfilmen ist dies eine optimistische Hymne auf menschliche Intelligenz und Problemlösung. Es ist ein unterhaltsamer, kluger und spannender Film. Unverzichtbar wegen Matt Damons charismatischer Darstellung und seiner Feier der Wissenschaft: Es ist die Geschichte eines Mannes, der buchstäblich einen Planeten mit Logik und Ingenieurskunst „kolonisiert“.

Battle Beyond the Stars (1980)

Der friedliche Planet Akir wird vom Tyrannen Sador bedroht. Der junge Shad wird ausgesandt, um eine vielfältige Gruppe von Weltraum-Söldnern zu rekrutieren, die seine Welt verteidigen sollen. Unter ihnen sind ein Weltraum-Trucker, ein Auftragskiller (Robert Vaughn) und eine Walküren-Kriegerin.

Dies ist der König der unabhängigen B-Movies, produziert vom legendären Roger Corman. Es ist die Handlung von Die sieben Samurai (und Die glorreichen Sieben, in dem Vaughn dieselbe Rolle wiederholt) ins Weltall versetzt, um auf der Star Wars-Welle zu reiten. Corman engagierte mit seinem bisher höchsten Budget (2 Millionen Dollar) junge Talente, die für den Ruhm bestimmt waren: James Cameron für die Spezialeffekte (der Raumschiffe aus Schrott baute) und James Horner für die Filmmusik. Es ist eine glorreiche, unterhaltsame und zusammengewürfelte Space-Opera, ein Beweis dafür, dass indie-Einfallsreichtum die großen Studios in ihrem eigenen Spiel schlagen kann.

Galaxy of Terror (1981)

Ein Rettungsschiff, die Quest, landet auf dem Planeten Morganthus, um das Verschwinden eines anderen Schiffes zu untersuchen. Die Crew entdeckt eine mysteriöse außerirdische Pyramide. Im Inneren finden sie nicht ein Monster, sondern eine Kraft, die ihre tiefsten Ängste materialisiert und sie nacheinander tötet.

Ein weiterer Weltraum-Horror, produziert von Roger Corman, oft als Alien-Klon bezeichnet, aber in Wirklichkeit viel seltsamer. Der Film ist ein lovecraftsches Werk, das psychologische Angst erforscht. Das wahre Monster ist der eigene Geist der Crew. Galaxy of Terror ist berüchtigt für seine grafische Gewalt und eine außerirdische Vergewaltigungsszene (mit einem riesigen Wurm), die in die Geschichte des Exploitation-Kinos eingegangen ist. Wiederum wird James Cameron als Produktionsdesigner genannt, und die grotesken, organischen Sets der Pyramide sind ein klarer Vorläufer seiner späteren Arbeiten.

Kin-Dza-Dza! (1986)

Ein Bauleiter und ein Student in Moskau treffen einen barfüßigen Mann, der behauptet, ein Außerirdischer zu sein. Durch das Drücken eines Knopfes an seinem Gerät werden die beiden auf den Wüstenplaneten Pluke in der Kin-Dza-Dza-Galaxie teleportiert. Hier gibt es eine absurde Gesellschaft mit einem Zwei-Wort-Vokabular („Koo“ und „Kyu“), die danach getrennt ist, wer bunte Hosen besitzt oder nicht.

Ein absolutes Juwel des unterirdischen sowjetischen Kinos. Kin-Dza-Dza! ist eine Lo-Fi-„Steampunk“-dystopische Komödie. Das Weltraum-Setting (eine Wüste) ist ein Vorwand für eine der schärfsten und brillantesten Satiren auf Bürokratie, Hierarchien und die Absurdität der sowjetischen Gesellschaft. Mit seinen Raumschiffen, die wie rostige Blechdosen aussehen, und scharfer Gesellschaftskritik, die als Farce getarnt ist, ist dieser Film ein Beweis dafür, dass das ärmste unabhängige Sci-Fi oft das klügste und politisch subversivste ist.

Arrival (2016)

Zwölf mysteriöse, muschelförmige außerirdische Raumschiffe landen an verschiedenen Punkten auf der ganzen Welt. Dr. Louise Banks (Amy Adams), eine weltweit renommierte Linguistin, wird vom US-Militär rekrutiert, um zu versuchen, eine Kommunikation herzustellen. Während die Welt in Panik verfällt, muss sie ihre Sprache entschlüsseln, um zu verstehen, warum sie gekommen sind. Regie führte Denis Villeneuve.

Dies ist ein tiefgründiger, philosophischer und bewegender Science-Fiction-Film, der Kommunikation und Sprache ins Zentrum seiner Erzählung stellt, statt auf Action zu setzen. Er ist ein unverzichtbares Werk wegen seiner melancholischen Atmosphäre und dafür, wie er den „ersten Kontakt“ nutzt, um komplexe Themen wie Zeit, Erinnerung, Trauer und menschliche Einheit zu erforschen.

Auf dem Silberplaneten (Na srebrnym globie) (1988)

Eine Gruppe von Astronauten stürzt auf einem fremden Planeten ab und gründet eine neue Zivilisation. Jahrzehnte später sind ihre Nachfahren in einen Stammes- und mythischen Zustand zurückgefallen und verehren den letzten Überlebenden. Die Ankunft eines zweiten Astronauten von der Erde, Marek, wird als Erfüllung einer messianischen Prophezeiung angesehen.

Dieser Film ist eine Legende des Underground-Science-Fiction-Kinos. Regie führte der visionäre Pole Andrzej Żuławski in den 1970er Jahren. Die Produktion wurde von den kommunistischen Behörden eingestellt und zerstört, da sie als anti-totalitäre Allegorie angesehen wurde. Żuławski konnte erst ein Jahrzehnt später 80 % des Materials wiederfinden und schneiden, wobei er die fehlenden Szenen mit einem Voice-over ergänzte, das beschreibt, was verloren ging. Das Ergebnis ist ein fieberhaftes, philosophisches und brutales Epos über die Entstehung von Religion, Gewalt und Macht. Es ist ein überwältigendes und delirierendes visuelles Erlebnis.

Space Truckers (1996)

John Canyon ist ein freiberuflicher „Space-Trucker“, der quadratische Schweine schmuggelt. Für einen letzten großen Coup stimmt er zu, eine mysteriöse (und illegale) Fracht zur Erde zu transportieren und gerät dabei in eine Verschwörung mit Piraten, einem Killer-Cyborg und einer Armee von Kriegsrobotern.

Regie führte der Kult-Horror-Meister Stuart Gordon (Re-Animator). Dieser Independent-Film (trotz seines Budgets von 25 Millionen Dollar) ist der Inbegriff von „Blue-Collar“-Science-Fiction. Dennis Hopper verkörpert den rauen, ausgebeuteten Space-Trucker. Der Weltraum hier ist nicht elegant; er ist eine kosmische Tankstelle, schmutzig, korrupt und kommerziell. Der Film ist eine zusammengewürfelte und stolz trashige Action-Komödie, die die „gelebt“- und antiheldenhafte Ästhetik im Gegensatz zur glänzenden Hollywood-Science-Fiction feiert.

Der amerikanische Astronaut (2001)

Der interplanetare Händler Samuel Curtis navigiert durch ein trostloses Sonnensystem. Seine Mission ist es, eine Katze zu liefern, eine Klonversion eines „Real Live Girl“ zu beschaffen, sie gegen den Körper des legendären „Jungen, der eine Brust sah“ zu tauschen und diesen schließlich den Frauen der Venus zu übergeben, damit er ihr neuer König wird.

Dieser Film ist die Definition von Underground-Science-Fiction-Kino. Es ist ein surrealistischer Space-Western, ein Rockabilly-Musical und eine absurdistische Komödie, gedreht in körnigem Schwarzweiß, das ihn wie ein verlorenes Artefakt erscheinen lässt. Regie, Drehbuch und Hauptrolle liegen bei Cory McAbee. Der Film erschafft ein Lo-Fi-Universum, in dem Raumschiffe wie Kessel aussehen und Weltraum-Bars staubige Saloons sind. Es ist ein Werk, das sich jeder Kategorisierung entzieht und den Weltraum als absurden Hintergrund für eine picareske Geschichte über Einsamkeit und die Grenze nutzt.

Moon (2009)

Sam Bell beendet einen Dreijahresvertrag als alleiniger Betreiber einer Bergbaubasis auf der dunklen Seite des Mondes, mit nur dem Computer GERTY (gesprochen von Kevin Spacey) als Gesellschaft. Kurz vor seiner Rückkehr zur Erde hat er einen Unfall und trifft auf eine jüngere Version seiner selbst.

Duncan Jones‚ Regiedebüt ist der Film, der die unabhängige Science-Fiction im 21. Jahrhundert neu belebte. Es ist ein Low-Budget-Film-Meisterwerk, das ganz auf Sam Rockwells unglaubliche Leistung und ein klaustrophobisches Produktionsdesign setzt. Es ist eine Rückkehr zur philosophischen Sci-Fi der 70er Jahre, die Themen wie Identität, Isolation, Unternehmensethik und die Natur der menschlichen Seele erforscht. Moon beweist, dass die kraftvollsten Ideen keine übertriebenen Spezialeffekte brauchen, sondern ein makelloses Drehbuch und ein menschliches Herz.

Das fünfte Element (1997)

In einer bunten und chaotischen Zukunft (New York, 2263) findet sich der Ex-Soldat und Taxifahrer Korben Dallas (Bruce Willis) zufällig in der Rolle wieder, die Welt retten zu müssen. Seine Passagierin ist Leeloo (Milla Jovovich), die Verkörperung des „Fünften Elements“, das einzige Wesen, das das ultimative Böse, das das Universum bedroht, aufhalten kann. Regie führte Luc Besson.

Dies ist ein poppiges, flamboyantes und völlig einzigartiges Werk. Anders als dunkle und ernste Sci-Fi ist dies eine visuell atemberaubende (mit Kostümen von Jean Paul Gaultier) und humorvolle „Camp“-Oper. Ein Film, den man wegen seiner ansteckenden Energie, visuellen Kreativität und als unterhaltsames, bizarr-unvergessliches Weltraumabenteuer gesehen haben muss.

Cargo (2009)

Im Jahr 2267 ist die Erde unbewohnbar und die Menschheit überlebt auf überfüllten Raumstationen. Dr. Laura Portmann schließt sich der Crew des Frachtschiffs Kassandra für eine achtjährige Reise an, in der Hoffnung, genug zu verdienen, um sich ihrer Schwester auf dem Paradiesplaneten Rhea anzuschließen. Während ihrer einsamen Wache beginnt sie zu vermuten, dass sie nicht allein an Bord ist.

Der erste ambitionierte Schweizer Science-Fiction-Film. Cargo ist ein atmosphärischer und klaustrophobischer Thriller, der stark von Alien und Solaris inspiriert ist. Obwohl das Budget begrenzt ist, gelingt es dem Film, ein Gefühl von leerer Weite und Paranoia innerhalb des gigantischen, verfallenen Schiffes zu erzeugen. Der Horror ist nicht (nur) ein Monster, sondern eine Verschwörung. Der Weltraum ist hier der Ort einer schrecklichen Ernüchterung: die Entdeckung, dass die Hoffnung auf eine neue Welt, Rhea, nur eine Lüge ist, eine virtuelle Realität, die geschaffen wurde, um die verzweifelten Massen zu beruhigen.

Love (2011)

Astronaut Lee Miller ist der einzige Bewohner der Internationalen Raumstation. Plötzlich bricht jeglicher Kontakt zur Erde ab, und der Planet unter ihm verstummt. Jahrelang allein gelassen, kämpft Miller darum, seinen Verstand zu bewahren, bis er an Bord ein mysteriöses Tagebuch aus dem Bürgerkrieg entdeckt.

Ein beeindruckendes Beispiel für Micro-Budget-Kino. Regie führte William Eubank (der die ISS-Sets im Garten seiner Eltern baute) und produziert wurde der Film von der Band Angels & Airwaves. Love ist ein visuell ambitionierter Kunstfilm. Stark beeinflusst von 2001 und Solaris, ist der Film eine Meditation über Einsamkeit, Isolation und das menschliche Bedürfnis nach Verbindung. Der Weltraum ist kein Ort des Abenteuers, sondern ein psychologisches Gefängnis. Es ist ein Werk, das mehr emotional als narrativ ist und erforscht, wie Erinnerung und Geschichten die einzigen Dinge sind, die uns angesichts des absoluten Nichts menschlich bleiben lassen.

Iron Sky (2012)

Im Jahr 2018 entdeckt eine Marketing-Mission zum Mond eine geheime Basis auf der dunklen Seite. Sie wird von Nazis bewohnt, die 1945 geflohen sind, eine Flotte fliegender Untertassen gebaut haben und bereit sind, das Vierte Reich gegen die Erde zu starten, geleitet von der Propaganda einer Nazi-Version von Charlie Chaplin.

Einer der ersten großen Erfolge des Crowdfundings, ist Iron Sky eine unabhängige finnisch-deutsch-australische Koproduktion. Es ist eine schamlose und groteske satirische Komödie. Die absurde Prämisse „Nazis auf dem Mond“ dient als Vorwand, um die moderne Politik zu verspotten, insbesondere die amerikanische Regierung (mit einem Präsidenten, der ein Klon von Sarah Palin ist) und die Heuchelei der Vereinten Nationen. Es ist ein Kultfilm, der überraschend gute Spezialeffekte (für das Budget) mit einer politischen Farce verbindet, die zeigt, wie der Weltraum die perfekte Bühne für die absurdeste Satire sein kann.

Europa Report (2013)

Ein privates Unternehmen finanziert eine bemannte Mission zum Europa, dem eisigen Mond des Jupiter, um das Vorhandensein eines unterirdischen Ozeans zu bestätigen und nach Leben zu suchen. Der Film wird vollständig durch Bordkameras und Crew-Tagebücher präsentiert, die ihre Entdeckung und die darauf folgenden Katastrophen dokumentieren.

Dieser unabhängige Film, unter der Regie des Ecuadorianers Sebastián Cordero, ist ein Triumph der „harten“ Science-Fiction im Found-Footage-Format. Der Einsatz von festen Kameras und fragmentiertem Audio erzeugt einen spannungsgeladenen und klaustrophobischen Realismus. Anders als viele Horrorfilme kommt der Schrecken hier nicht vom Monster, sondern von dem Unbekannten und der feindlichen Weite des Weltraums. Der Film ist ein kraftvolles Drama über wissenschaftliches Opfer: Die Mission dient nicht dazu, die Crew zu retten, sondern sicherzustellen, dass die Daten (der Beweis für Leben) zur Erde zurückkehren.

High Life (2018)

Eine Gruppe von zum Tode verurteilten Gefangenen wird auf eine Einwegmission zu einem Schwarzen Loch geschickt. An Bord des Schiffes werden sie von einer Wissenschaftlerin (Juliette Binoche) als Versuchskaninchen für Reproduktionsversuche im Weltraum benutzt. Isolation und Verzweiflung führen die Crew zu Gewalt und Zusammenbruch.

Das englischsprachige Debüt der französischen Autorin Claire Denis ist ein verstörendes und leibhaftiges Kunstwerk. Dies ist Arthouse-Science-Fiction. Der Weltraum ist das ultimative Gefängnis, eine luftdichte Box für Tabus und Körperflüssigkeiten. Es gibt keinen Heroismus, nur die Verzweiflung von Menschen, die von der Gesellschaft „recycelt“ und ins Nichts geworfen werden. Es ist ein Film über die Entropie von Körper und Geist, in dem die einzige Form von Hoffnung, zerbrechlich und beunruhigend, die Vaterschaft des Protagonisten (Robert Pattinson) in einem absoluten Vakuum ist.

Aniara (2018)

Ein riesiges Luxusschiff, die Aniara, transportiert Tausende von Kolonisten von einer verwüsteten Erde zum Mars. Ein Unfall bringt es vom Kurs ab und verurteilt es dazu, endlos im Weltraum zu treiben, ohne Hoffnung auf Rückkehr. Der Film verfolgt den psychologischen und sozialen Zusammenbruch der Passagiere über Jahrzehnte.

Dieser schwedische Film, basierend auf einem epischen Gedicht, ist vielleicht die nihilistischste und erschreckendste Vision des Lebens im Weltraum. Es ist existenzieller Weltraum-Horror. Das Raumschiff ist ein treibendes Einkaufszentrum, ein Symbol für Konsumismus, der selbst angesichts der Apokalypse weiterbesteht. Das Herz des Films ist Mima, eine KI, die den Passagieren virtuelle Erinnerungen an die Natur der Erde bietet, bis sie „stirbt“, weil sie zu viel Schmerz absorbiert hat. Aniara ist eine kraftvolle Allegorie für den Klimakollaps und unsere Unfähigkeit, dem Ende ins Auge zu sehen.

Prospect (2018)

Die Teenagerin Cee und ihr Vater Damon landen auf einem giftigen fremden Mond mit dem Ziel, wertvolle organische Edelsteine zu ernten. Die Arbeit ist gefährlich, und ihre Mission wird zu einem verzweifelten Überlebenskampf, als sie auf andere Prospektoren treffen, darunter der zwielichtige und gesprächige Ezra.

Prospect ist der perfekte moderne „Weltraum-Western“. Es ist ein Low-Budget-Film, der dank unglaublich taktiler und „rauer“ Weltgestaltung triumphiert. Die Ästhetik ist alles: Die Technologie ist schmutzig, analog und mit Klebeband repariert. Die Grenze ist kein Planet, sondern ein giftiger Wald voller Sporen. Es ist eine „Arbeiterklasse“-Überlebensgeschichte, die ihr Science-Fiction-Setting nutzt, um ein klassisches Western-Drama über Gier, Vertrauen und die Bindung zwischen Cee und dem Söldner, gespielt von Pedro Pascal, zu erzählen.

Cosmos (2019)

Drei Freunde, Amateurastronomen, campen in einem Van, der für eine Beobachtungsnacht ausgestattet ist. Während sie neue Software testen, empfangen sie ein Funksignal aus dem tiefen Weltraum. Schnell erkennen sie, dass es kein natürliches Signal ist und dass jemand oder etwas antwortet.

Der Inbegriff des indie-„Zero-Budget“-Kinos. Gedreht von einer Crew aus drei Personen (den Weaver-Brüdern) über fünf Jahre hinweg ohne externe Finanzierung, ist Cosmos ein Film, der nicht im Weltraum spielt, sondern ganz über das Universum handelt. Die gesamte Handlung spielt sich im Inneren und um ein Auto herum ab. Es ist eine Rückkehr zur Science-Fiction des Staunens, im Stil von Contact. Der Film beweist, dass man für Spannung und ein Gefühl kosmischer Entdeckung keine Spezialeffekte braucht, sondern nur eine großartige Idee und ein exzellentes Drehbuch.

Sputnik (2020)

Sowjetunion, 1983. Zwei Kosmonauten haben bei der Wiedereintrittsphase einen mysteriösen Unfall. Einer stirbt; der andere, Konstantin, überlebt, ist aber nicht allein. Er wird in eine geheime Militäranlage gebracht, wo eine umstrittene Psychologin, Tatyana, entdeckt, dass nachts eine parasitäre außerirdische Kreatur aus seinem Körper hervorkommt.

Eine exzellente und spannungsgeladene Wiederbelebung des russischen Science-Fiction-Horrors. Sputnik greift Elemente von Alien (der Parasit) und The Thing (die Paranoia) auf, taucht sie jedoch in die bedrückende Atmosphäre des Kalten Krieges. Das Setting der isolierten Militärbasis ist perfekt für einen klaustrophobischen Thriller. Der Film setzt nicht auf billige Schreckmomente, sondern baut Spannung auf der symbiotischen Beziehung zwischen Konstantin und der Kreatur sowie auf der kalten Logik des Militärs auf, das das Alien nicht als Bedrohung sieht, die vernichtet werden muss, sondern als Waffe, die kontrolliert werden soll.

Gagarine (2020)

Youri, ein 16-jähriger Weltraumfanatiker, lebt im Wohnkomplex Cité Gagarine am Stadtrand von Paris. Als das Gebäude, benannt nach dem berühmten sowjetischen Kosmonauten, zum Abriss freigegeben wird, weigert sich Youri zu gehen. Er verbarrikadiert sich und beginnt, seine Wohnung in eine Raumkapsel zu verwandeln.

Dieser französische Film spielt technisch gesehen nicht im Weltraum, nutzt den Weltraum jedoch als zentrales Metapher. Es ist ein Werk des magischen Realismus, das harte soziale Realität (Gentrifizierung, Verlust der Gemeinschaft) mit dem poetischen Traum vom kosmischen Entkommen verbindet. Gedreht im echten Cité Gagarine-Komplex vor dessen Abriss, verwandelt der Film die urbane Ruine in ein provisorisches Raumschiff. Youri wird zum Astronauten in seiner eigenen Welt, ein einsamer Held, der sein Zuhause verteidigt, indem er es in seinen Traum verwandelt. Es ist poetische und zutiefst politische Science-Fiction.

Stowaway (2021)

Kurz nach dem Start einer zweijährigen Mission zum Mars entdeckt die dreiköpfige Crew einen blinden Passagier an Bord: einen Bodentechniker, der beim Start eingeschlossen wurde. Ein irreparabler Schaden am Luftrecyclingsystem stellt die Crew vor ein schreckliches moralisches Dilemma: Es gibt nur genug Sauerstoff für drei Personen.

Dieser indie psychologische Thriller (vertrieben von Netflix) ist ein reines ethisches Drama. Es ist die moderne Version der klassischen Geschichte „The Cold Equations“. Es gibt keine Außerirdischen, keine Bösewichte oder zufällige Ausfälle; die Bedrohung ist Mathematik. Regie führte Joe Penna, der Film ist ein spannungsgeladener, klaustrophobischer Thriller, der sich ganz um eine unmögliche Wahl dreht. Es ist Low-Budget-Science-Fiction, die darin brilliert, moralische Fragen zu stellen: Was würdest du tun, wenn das Überleben eines Menschen den Tod aller anderen bedeutet?

Vesper (2022)

Nach dem Zusammenbruch des Ökosystems der Erde überlebt die 13-jährige Vesper in einer sumpfigen, feindlichen Welt und kümmert sich um ihren gelähmten Vater. Die Gesellschaft ist geteilt zwischen den „Zitadellen“ (wohlhabende Enklaven) und der äußeren Verwüstung. Vesper, eine Bio-Hackerin, versucht, mit außerirdischer Technologie eine Zukunft zu erschaffen.

Obwohl auf der Erde spielend, ist Vesper ein unabhängiger „Biopunk“-Science-Fiction-Film, der scheint, als käme er von einem anderen Planeten. Diese litauisch-französisch-belgische Koproduktion erschafft eine fremde Welt auf der Erde, gefüllt mit genetisch veränderten Flora und Fauna, die zugleich grotesk und schön sind. Die Ästhetik ist für einen Low-Budget-Film unglaublich und verbindet ein organisches, schleimiges Design mit einer Überlebensgeschichte. Es ist ein Beispiel dafür, wie unabhängiges Kino komplexe fremde Welten erschaffen kann, ohne jemals den Boden zu verlassen, und sich dabei auf Biotechnologie als neue Grenze konzentriert.

Rubikon (2022)

Auf der Raumstation Rubikon, die von einem Konzern kontrolliert wird, testen ein Soldat und zwei Wissenschaftler ein sauerstofferzeugendes System auf Algenbasis. Plötzlich hüllt eine Umweltkatastrophe die Erde in einen giftigen Nebel. Die Crew, vielleicht die letzten Menschen, muss entscheiden, ob sie sicher bleiben oder alles riskieren, um zurückzukehren und nach Überlebenden zu suchen.

Dieser spannende österreichische Weltraumthriller ist ein weiteres hervorragendes Beispiel für ein „moralisches Dilemma“ im Orbit. Wie Stowaway nutzt Rubikon die Isolation des Weltraums als ethisches Labor. In einer dystopischen Zukunft, die von Konzernen dominiert wird, erforscht der Film Loyalität, Schuld und Klassenverantwortung. Die Raumstation mit ihrer sauberen Luft wird zum letzten „Rettungsboot“ für die Privilegierten und stellt eine schreckliche Frage: Wer verdient es zu überleben, wenn die Welt endet?

The Green Slime (1968)

Ein Asteroid bedroht die Erde. Eine Crew unter der Leitung von Commander Jack Rankin landet auf dem Asteroiden, um ihn zu zerstören. Während der Mission sammelt ein Crewmitglied eine Probe einer seltsamen grünen Schleimsubstanz. Zurück auf der Raumstation Gamma 3 ernährt sich der Schleim von Energie, wächst und vermehrt sich, wodurch tentakelbewehrte, einäugige Monster entstehen.

Diese US-japanische Koproduktion (gedreht in Japan mit amerikanischen Schauspielern) ist der ultimative Space-B-Movie. Berühmt ist sie für ihren psychedelischen Rock-Theme-Song und ihre offensichtlich „gummiartigen“ Monster. Der Film erschien ein Jahrzehnt vor Alien und erforscht bereits klaustrophobischen Weltraum-Horror. Trotz technischer Naivität ist The Green Slime ein grundlegender Kultklassiker, der zeigt, wie unabhängiges und Exploitation-Kino den Weltraum als kostengünstiges Set für einen klassischen Monsterfilm nutzte.