Übernatürliche und paranormale Filme zum Anschauen

Übernatürlicher Horrorfilm ist das Reich des Unsichtbaren, ein Genre, das die moderne Angst geprägt hat. Die kollektive Vorstellungskraft ist von Werken geprägt, die Generationen erschreckt haben: das Spukhaus, der Poltergeist, dämonische Besessenheit. Filme wie Der Exorzist oder The Conjuring haben unsere Häuser in Orte des Schreckens verwandelt und spielen mit unseren uralten Ängsten.

Doch jenseits des Jump-Scares ist wahrer übernatürlicher Horror eine Verletzung physikalischer Gesetze, eine philosophische Untersuchung des Unbekannten. Es ist ein Kino, das sich nicht damit begnügt, nur das Monster zu zeigen, sondern das Jenseits, den Teufel und die Natur des Glaubens hinterfragt. Die Gefahr ist nicht materiell, sondern spirituell: eine heimgesuchte Wohnung, ein Fluch, ein religiöses Ritual, das die falschen Türen öffnet. Hier finden Hexerei, Reinkarnation und uralte Wesen ihre kraftvollste Ausdrucksform.

Dieser Leitfaden ist eine Reise durch das gesamte Spektrum. Es ist ein Weg, der die großen Meisterwerke, die das Genre definiert haben, mit den dunkelsten unabhängigen Produktionen verbindet. Wir werden erforschen, wie Geister und Besessenheit genutzt wurden, um die menschliche Psyche zu erkunden, in einem Kino, das nicht nur Schauer bietet, sondern tiefgründige Fragen stellt.

Geschichte der übernatürlichen und paranormalen Filme

Die Angst vor dem Übernatürlichen und Paranormalen wurde in den 1920er und frühen 1930er Jahren mit expressionistischen Filmen verbreitet. Das Filmgenre wurde in den 1930er Jahren viel populärer, als Universal Studios Monsterfilme produzierte, die in einem legendären Transsilvanien oder Osteuropa spielten, in einer unglaublichen Fantasiewelt fernab des Alltags. 

In den frühen 1940er Jahren hatten übernatürliche und paranormale Horrorfilme viel zeitgenössischere Schauplätze, doch wurde die Kategorie unvermeidlich von psychologischen Horrorfilmen abgelöst. Gegen Ende des Zweiten Weltkriegs geriet das Genre des übernatürlichen und paranormalen Horrors in eine Krise, bedingt durch die Gräueltaten des Krieges. In den 1950er Jahren hatten die Filme des Sci-fi-Horrors das Übernatürliche tatsächlich verändert, und psychologische Horrorfilme wurden in denselben Jahren ebenfalls viel prominenter und verdrängten das Übernatürliche. 

Unabhängige übernatürliche und paranormale Horrorfilme, die in den 1950er Jahren entstanden, spielten häufig in Spukhäusern, in der Tradition der in den 1940er Jahren verbreiteten Spukhausfilme. In den 1960er Jahren nutzten gruselige Filme wie The Innocents (1961), The Haunting (1963) und Rosemary’s Baby (1968) übernatürliche und paranormale Elemente. Sie beschäftigten sich jedoch nicht direkt mit dem Paranormalen. 

The Haunting zeigte eine weibliche Hauptfigur, die sich zu einer anderen Frau hingezogen fühlte, eine queere Figur. Solche Charaktere traten überwiegend vor dem Hintergrund übernatürlicher und paranormaler Filme auf. Rosemary’s Baby machte Hexenfilme populär, dämonische Filme, in denen der Teufel auf der Leinwand dargestellt wurde, und löste eine Welle von übernatürlichen und paranormalen Horrorfilmen aus. 

Katabasis

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Drama, Mystery, von Samantha Casella, Italien, 2025.
„Katabasis“ ist eine Reise in die Unterwelt. Nora erlebte dieses dunkle Reich als Kind, als sie Missbrauch erlitt. Dies prägte sie und formte sie zu einer ambivalenten und manipulativen Frau, gefährlich in ihrer Undurchschaubarkeit, ständig auf der Suche nach verstörenden Situationen, um die einzige Bedingung, die sie tief verinnerlicht hat, erneut zu erleben: Schmerz. Und die Liebesgeschichte zwischen Nora und Aron ist qualvoll, streng geheim. Aron ist ein junger Waisenjunge, der vom Sternensystem unterdrückt wird, das von Jacob, einem zynischen Manager, inszeniert wird, der ihn zum Star machte und ihm eine weitere Lebensfassade aufzwingt. Tatsächlich wissen nur die Menschen, die sich um das Haus-Gefängnis drehen, in dem das Paar lebt, von Noras Existenz. Diese majestätische Villa ist die Bühne für Geheimnisse, Lügen, Täuschungen sowie beunruhigende Episoden, da Nora in der Lage ist, mit den Seelen aus dem Jenseits zu kommunizieren.

Regisseurin – Samantha Casella
Samantha Casella studierte verschiedene Aspekte des Kinos, darunter Drehbuchschreiben, Regie, Kameraführung und Schauspiel, in Turin, Florenz, Rom und Los Angeles. Ihre Regiearbeit, der Kurzfilm „Juliette“, gewann 19 Auszeichnungen, darunter den „European Massimo Troisi Award“. Sie setzte ihren Weg fort und drehte surreale Kurzfilme wie „Silenzio Interrotto“, „Memoria all'Isola dei Morti“ und „Agape“. 2019 inszenierte sie „I Am Banksy“. Im charismatischen TCL Chinese Theater in Los Angeles gewann sie beim Golden State Film Festival den Preis für den besten internationalen Kurzfilm. 2020 drehte sie den Kurzfilm „A un Dio Sconosciuto“. „Santa Guerra“ ist ihr Spielfilmdebüt.

SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Lamb (2021)

Ein kinderloses Paar auf einer abgelegenen Farm in Island entdeckt ein mysteriöses halb Schaf, halb Mensch Hybrid und beschließt, es als ihr eigenes Kind aufzuziehen.

Ein dunkles skandinavisches Märchen, dieser A24-Film spielt subtil und zutiefst verstörend mit den Grenzen zwischen Menschlichem und Natürlichem. Der Horror manifestiert sich nicht in furchterregenden Wesen, sondern in den unvermeidlichen Konsequenzen einer Familie, die die Ordnung der Natur herausfordert, indem sie ein Wesen adoptiert, das nicht zu ihr gehört. Der Film ist eine Metapher für den Wunsch nach Mutterschaft und die Arroganz der Menschheit angesichts des natürlichen Zyklus, mit einem Finale, das die Balance brutal wiederherstellt.

Saint Maud (2019)

Eine junge private Pflegekraft, die kürzlich zu einem glühenden religiösen Glauben konvertiert ist, wird überzeugt, dass sie ihre Patientin, eine atheistische ehemalige Tänzerin, vor der ewigen Verdammnis retten muss.

Dieser A24-Film ist eine erschreckende Untersuchung der Gefahren von Isolation, religiösem Fanatismus und unbehandelter psychischer Krankheit. Die Protagonistin, Maud, sieht ihre „göttliche Mission“ als Weg zur Erlösung von einem vergangenen Trauma, doch es bleibt unklar: Sind ihre Visionen Manifestationen eines authentischen Glaubens oder Symptome einer sich verschlimmernden Psychose? Der Film zieht einen in ihre verdrehte und obsessive Perspektive hinein, wodurch die letzte Wendung, bei der die Realität brutal mit Halluzination kollidiert, zu einem Moment reinen, intellektuellen Schreckens wird.

Cathnafola - A Paranormal Investigation

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Dokumentarfilm, Horror, von Jason Figgis, USA, 2014.
In „Cathnafola“ beginnt alles, als der renommierte paranormalen Ermittler Chris Halton von Haunted Earth UK Aufnahmen erhält, die von drei Teenagern bei den Ruinen des Cathnafola House in Irland gefilmt wurden. Entschlossen, die Wahrheit hinter der blutigen Vergangenheit des Ortes ans Licht zu bringen, begibt sich Halton auf eine nächtliche Erkundung der berüchtigten Ruinen – und entdeckt bald erschreckende und verstörende Enthüllungen.

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Midsommar (2019)

Eine junge Frau, die von einer Familientragödie erschüttert ist, folgt ihrem Freund und seinen Freunden nach Schweden, um an einem Sommerfest teilzunehmen, das alle 90 Jahre in einer abgelegenen heidnischen Gemeinschaft stattfindet.

Ari Aster verwandelt Folk-Horror in ein Werk über das Ende einer Beziehung und die Verarbeitung von Trauer, getarnt als folkloristisches Märchen. Der Horror verbirgt sich nicht in der Dunkelheit, sondern entfaltet sich im ewigen Tageslicht und unterläuft die Genre-Konventionen. Die Gemeinschaft mit ihren bizarren und brutalen Ritualen bietet eine emotionale Akzeptanz und ein „Teilen“ des Schmerzes, das die Begleiterin der Protagonistin, Dani, ihr nicht geben kann. Der Film verwandelt soziale Angst und das Drama der Trauer in einen rituellen und kathartischen Albtraum, der zu einer seltsamen Form der Befreiung führt.

La Llorona (2019)

Die guatemaltekische Legende der „weinenden Frau“ manifestiert sich im Leben eines pensionierten Generals, der des Völkermords beschuldigt wird und von den Geistern seiner Opfer heimgesucht wird.

Dieser Film von Jayro Bustamante ist ein Werk des Folk-Horrors, das das Genre mit historischem Drama verbindet. Die Geschichte der Legende der „weinenden Frau“ ist mit dem guatemaltekischen Völkermord verflochten. Der Horror besteht nicht nur in der Präsenz eines rachsüchtigen Geistes, sondern im Gewicht der Geschichte und den Verbrechen eines Generals, der nun von seinen Opfern verfolgt wird. La Llorona ist sowohl eine rachsüchtige Figur als auch eine Manifestation poetischer Gerechtigkeit.

The Terror

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Horror, von Roger Corman, Vereinigte Staaten, 1963.
Leutnant Duvalier (Jack Nicholson), ein französischer Soldat, verliert den Kontakt zu seiner Einheit und ist gezwungen, allein in der Nähe der Ostsee umherzuwandern. Auf der Suche nach seinem Regiment entdeckt er Helene (Sandra Knight), eine geheimnisvolle Schönheit, die allein unterwegs ist. Verzaubert beginnt Duvalier, ihr zu folgen, doch sie verschwindet. Später schließt er sich ihr an und folgt ihr in ein Schloss, wo er den bizarren Baron Von Leppe (Boris Karloff) trifft, Anzeichen von Hexerei findet und die schockierende Wahrheit über Helene aufdeckt. Der Terror wurde von Roger Corman innerhalb weniger Tage kostengünstig produziert, wobei er gebrauchte Kulissen und den noch aktiven Vertrag mit Karloff nutzte (der den vorherigen Film frühzeitig beendet hatte). Einige Sequenzen wurden von jungen Regisseuren gedreht, die in der Produktionsstätte arbeiteten und später hoch talentierte Filmemacher wurden: Francis Ford Coppola, Monte Hellman. Die letzten Szenen wurden hingegen von Jack Nicholson und Jack Hill gedreht.

Zum Nachdenken
Alle Religionen berichten mit unterschiedlichen Begriffen von der Existenz „schwarzer Magier“, die in der Lage sind, ohne Wissen des Besitzers die Kontrolle über einen Körper zu übernehmen. Schwarze Magier nutzen ihre Kräfte für eigennützige Zwecke, zur Rache und andere böse Absichten. Das Phänomen wird in verschiedenen Texten recht wissenschaftlich beschrieben: Es geschieht durch das Lösen der ätherischen Brücke, die den physischen Körper des Individuums mit den höheren Körpern verbindet, und das Anheften des eigenen Körpers daran. Ein Mechanismus, der dem bei Hypnose und totaler Anästhesie ähnelt. Das Subjekt muss jedoch angreifbar sein: Sein Wille muss schwach sein, sein Lebensstil und sein Gleichgewicht prekär. Werden diese Bedingungen nicht erfüllt, kann der schwarze Magier keinen Besitz von ihm ergreifen.

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The Lighthouse (2019)

Zwei Leuchtturmwärter, isoliert auf einer abgelegenen Insel, beginnen dem Wahnsinn, Konflikten und Halluzinationen zu verfallen, überzeugt davon, dass eine mysteriöse Meeresgestalt sie jagt.

Ein weiterer Film von Robert Eggers, der zwischen Übernatürlichem und Psychose angesiedelt ist. Er folgt zwei isolierten Leuchtturmwärtern, deren Geist der Einsamkeit und dem Wahnsinn nachgibt. Der Film nutzt kosmischen Horror und Meeresmythologie, um toxische Männlichkeit und geistigen Verfall zu erforschen. Die Mehrdeutigkeit dessen, was real ist und was Halluzination, ist die wahre Quelle des Schreckens und lässt den Zuschauer an dem zweifeln, was er sieht.

Hereditary (2018)

Nach dem Tod der Familienmatriarchin werden die Grahams von einer Reihe erschreckender Ereignisse heimgesucht, die sie dazu bringen, Ahnengeheimnisse und ein finsteres Schicksal aufzudecken, das mit einer dämonischen Besessenheit verbunden ist.

Ari Asters Debüt ist nicht einfach ein Film über Dämonen, sondern ein Familiendrama über Trauer und generationenübergreifendes Trauma, das die Gedanken seiner Figuren vergiftet. Der Horror entsteht hier nicht durch ein lauerndes Monster, sondern durch den psychologischen Zerfall der Familie, wobei die übernatürlichen Manifestationen eine erschreckende visuelle Darstellung dieses Zusammenbruchs sind. Die Absicht des Regisseurs war es genau, zu „traumatisieren“ und nicht nur zu erschrecken, wobei er Toni Collettes Darstellung in einer intensiven Wendung nutzte, die das Schauspiel im Genre neu definierte. Die dämonische Besessenheit ist die direkte Folge von Familiengeheimnissen und Wunden, die nie angesprochen wurden, eine erschreckende Metapher, die den Film zu einem brutal realistischen emotionalen Erlebnis erhebt.

The Cabinet of Dr. Caligari

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Horror, Fantasy, von Robert Wiene, Deutschland, 1920.
Der symbolische Film des filmischen Expressionismus. Francis erzählt einem Mann eine Geschichte: Im Jahr 1830, in einer kleinen Stadt, spielt ein Typ namens Caligari den Jahrmarktsansager, um die Attraktion von ihm zu präsentieren, einen Schlafwandler, den er unter Hypnose in einem Sarg hält. Der Arzt behauptet, der Schlafwandler könne die Vergangenheit kennen und die Zukunft vorhersagen. Unwirkliche Atmosphären und deformierte Kulissen, stilisierte Schauspielkunst, gespaltene Persönlichkeit, Verwirrung zwischen Traum und Wirklichkeit.

Denkanstoß
Persönlichkeit stammt vom griechischen Wort person, das Maske bedeutet. Person kommt vom Wort Persönlichkeit. Individualität ist ein Geschenk des Daseins, Persönlichkeit wird von der Gesellschaft auferlegt. Persönlichkeit folgt der Schafherde, Individualität ist ein Löwe, der seinen eigenen Weg geht. Solange du deine Persönlichkeit nicht loslässt, wirst du deine Individualität nicht finden können.

SPRACHE: Deutsch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Portugiesisch

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The Endless (2017)

Zwei Brüder kehren zurück, um den Kult zu besuchen, dem sie vor Jahren entflohen waren, nur um zu entdecken, dass die mysteriösen Phänomene, von denen die Mitglieder sprachen, die erschreckende Wahrheit sind.

In diesem Film der Regisseur-Autoren Justin Benson und Aaron Moorhead verschmilzt Science-Fiction mit kosmischem Horror. Er folgt zwei Brüdern, die zu einem UFO-Kult zurückkehren, den sie verlassen hatten, nur um zu entdecken, dass die Realität eine Reihe von Zeitschleifen ist, die von einer unbegreiflichen Entität kontrolliert werden. Der Horror ist nicht der Kult, sondern das Gefühl, eine Figur in einer Geschichte zu sein, die jemand anderes schreibt. Der Film erforscht Themen wie freien Willen, Sucht und die Suche nach Zugehörigkeit, alles eingebettet in eine übernatürliche Entität, die allwissend und gleichgültig ist.

Hagazussa: A Heathen’s Curse (2017)

Im 15. Jahrhundert in den Alpen wird eine einsame Ziegenhirtin ständig von einer Gemeinschaft verfolgt, die sie als „Hexe“ stigmatisiert und fürchtet. Ein weiteres Beispiel für Folk-Horror, der in psychologischem Terror verwurzelt ist, versetzt uns der Film in eine Zeit des Aberglaubens, um das isolierte Leben einer Ziegenhirtin zu verfolgen. Regisseur Lukas Feigelfeld taucht in die Psyche der Protagonistin Albrun ein und zeigt, wie ihre Einsamkeit und die erlittenen Traumata sie in einen Abgrund des Wahnsinns treiben, der sie dazu bringt, genau jene Übel zu manifestieren, die andere ihr zugeschrieben haben. Es ist eine rohe und visuelle Analyse darüber, wie Misogynie und Ignoranz das Böse erschaffen können, das sie fürchten, und es dadurch real machen.

The Killing of a Sacred Deer (2017)

Das Leben eines erfolgreichen Chirurgen wird durch einen mysteriösen Jungen auf den Kopf gestellt, der sich in seine Familie einschleicht und ihn verflucht, sodass er gezwungen ist, ein Familienmitglied zu opfern, um die Schuld für den Tod des Vaters des Jungen zu begleichen.

Yorgos Lanthimos nutzt eine übernatürliche Prämisse, um die Konzepte von Gerechtigkeit, Schicksal und Strafe zu erforschen. Der Film ist ein surrealer und verstörender Horror, der in einer sterilen, emotionslosen Welt spielt, in der Gewalt und das Übernatürliche mit klinischer Distanz behandelt werden. Es ist ein Werk, das den Zuschauer herausfordert, sich tiefgreifenden moralischen Fragen zu stellen und zu fragen, ob das Schicksal eine unausweichliche Kraft oder eine gnadenlose Wahl ist.

Carnival of souls

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Horror, von Herk Harvey, Vereinigte Staaten, 1962.
Mary Henry überlebt unverletzt einen Autounfall, bei dem ihre zwei Begleiter ums Leben kommen, und begibt sich auf ein seltsames Abenteuer in Salt Lake City, wo sie sich zu einem verfallenen Pavillon am See hingezogen fühlt und von einer geisterhaften Gestalt (gespielt vom selben Regisseur) heimgesucht wird. Ein Low-Budget-Horror-Meisterwerk (30.000 $), das bei seiner Veröffentlichung unbeachtet blieb, aber seit den späten 1980er Jahren in den Vereinigten Staaten zum Kultfilm geworden ist. Klänge und Bilder, die Regisseure wie George Romero und David Lynch inspiriert haben (die maskierte Figur aus „Lost Roads“).

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Italienisch

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Raw (2016)

Eine junge vegetarische Tiermedizinstudentin wird während eines Aufnahmerituals gezwungen, rohes Fleisch zu essen, und entwickelt eine unwiderstehliche Gier nach menschlichem Fleisch.

Julia Ducournau schafft einen Body-Horror, der Themen wie Sexualität, Hunger und Identität durch die Linse des Kannibalismus erforscht. Obwohl die Handlung nicht strikt übernatürlich ist, werden die Körperverwandlung der Protagonistin und ihr wachsender „Hunger“ auf eine viszerale und transzendente Weise behandelt, fast wie eine Art Besessenheit. Der Film ist eine kraftvolle Metapher für sexuelles Erwachen und die Akzeptanz der eigenen ursprünglichsten Natur.

The Monster (2016)

Eine sich von Alkoholabhängigkeit erholende Frau und ihre jugendliche Tochter, am Rande eines Zusammenbruchs, finden sich auf einer abgelegenen Landstraße gestrandet und werden von einer furchterregenden Kreatur angegriffen.

In diesem Indie-Film ist die äußere übernatürliche Bedrohung ein Monster, das angreift, doch die wahre Angst entspringt dem Familienkonflikt und der Unfähigkeit der Mutter, ihre Tochter zu schützen. Der Film nutzt die äußere Bedrohung als Katalysator, um die inneren Dämonen der Figuren anzusprechen, und bietet eine Überlebensgeschichte, die zugleich ein kraftvolles psychologisches Drama über Erlösung und die Stärke familiärer Bindungen ist.

The Wailing (2016)

In einem abgelegenen koreanischen Dorf untersucht ein Polizist eine Reihe mysteriöser Todesfälle und Krankheiten, die scheinbar mit der Ankunft eines japanischen Fremden zusammenhängen.

Ein Meisterwerk des südkoreanischen Kinos, das einen Polizeithriller, übernatürlichen Horror und schamanische Folklore miteinander verbindet. Die Untersuchung eines Polizisten zu mysteriösen Todesfällen in einem abgelegenen Dorf verwandelt sich in einen Abstieg in Paranoia und spirituelle Unsicherheit. Der Horror entsteht aus der Mehrdeutigkeit zwischen dämonischer Besessenheit, einer Epidemie und Psychose, wodurch der Zuschauer jeden Hinweis und jede Figur anzweifelt, in einem Film, der „mehr Schauer als Antworten bietet.“

The Blackcoat’s Daughter (2015)

An einem abgelegenen Mädchenschul-Internat finden sich zwei Schülerinnen, die während der Winterferien allein zurückbleiben, als Opfer einer finsteren übernatürlichen Macht wieder, während ein drittes Mädchen an einem anderen Ort sich auf denselben Weg begibt.

Osgood Perkins nutzt das Besessenheits-Genre als „Trojanisches Pferd“, um eine Geschichte von Verlust und Einsamkeit zu erzählen. Die fragmentarische Erzählweise und die frostige, klaustrophobische Atmosphäre spiegeln den Geisteszustand der Figuren wider, gefangen in einem Waisenhaus und metaphorisch in ihren eigenen Traumata. Die übernatürliche Bedrohung ist eine direkte Reflexion emotionaler Leere und Verzweiflung, die einen Horror-Thriller in eine eindringliche Meditation über Entfremdung und das erschreckende Schicksal verwandelt, das die drei Protagonistinnen verbindet.

A Dark Song (2016)

Eine trauernde Frau mietet für Monate ein abgelegenes Haus und engagiert einen Okkultisten, der ein komplexes und gefährliches magisches Ritual durchführt, das ihr erlauben soll, mit dem Geist ihres verstorbenen Sohnes Kontakt aufzunehmen.

Der Film entfernt sich von klassischen satanischen Ritualen, um eine wahre monatelange esoterische Reise zu erkunden. Die Spannung entsteht nicht aus dem „Was“ erscheinen wird, sondern aus dem psychologischen Druck der erzwungenen Isolation und dem unerbittlichen Konflikt zwischen den beiden Protagonisten. Das Übernatürliche dient hier als Mittel, um Trauer, Vergebung und Rache zu erforschen, mit einem Höhepunkt, der die Geduld des Zuschauers mit einer rituellen Katharsis belohnt, die Genre-Konventionen übersteigt.

The Witch (2015)

Eine puritanische Familie wird aus ihrer Gemeinschaft verbannt und lässt sich auf einer Farm am Rande eines Waldes nieder, wo eine verdächtige Hexe lauert und beginnt, sie zu quälen.

Im Neuengland der 1630er Jahre angesiedelt, ist The Witch ein Meisterwerk des Folk-Horrors, das die religiöse Panik und den Aberglauben jener Zeit ausnutzt. Der Schrecken entsteht nicht durch die direkten Handlungen der Hexe, sondern durch den fortschreitenden Verfall einer puritanischen Familie, die von Paranoia und Schuldgefühlen für ihre Sünden verzehrt wird. Das Übernatürliche ist eine allgegenwärtige und mehrdeutige Kraft, die einen zweifeln lässt, ob das Böse real ist oder aus menschlichem Wahnsinn und der Starrheit des Glaubens geboren wird. Robert Eggers’ Regie schafft eine Atmosphäre „unheimlicher Authentizität“, die eine neue Welle des „erhabenen Horrors“ einläutete.

The Invitation (2015)

Ein von seiner Vergangenheit Gequälter nimmt an einem Abendessen bei seiner Ex-Frau teil, wo er beginnt zu vermuten, dass die Gäste einen finsteren und tödlichen Plan verbergen.

Ein psychologischer Thriller, der die soziale Spannung eines Abendessens unter Freunden nutzt. Die klaustrophobische Atmosphäre und die wachsende Paranoia des Protagonisten lassen ihn glauben, dass etwas Unheimliches im Gange ist. Der Film ist eine Meisterklasse in „subtilem Terror“, bei dem sich der Horror in dem fortschreitenden Verlust des Verstandes manifestiert und in der finalen Offenbarung, dass der Verdacht tatsächlich begründet war, jedoch auf eine völlig unerwartete und übernatürliche Weise, was das Erlebnis ebenso beunruhigend wie brillant macht.

The Babadook (2014)

Eine verwitwete Mutter und ihr schwieriger sechsjähriger Sohn werden von einem Monster heimgesucht, das sich durch die Seiten eines geheimnisvollen Pop-up-Kinderbuchs manifestiert.

The Babadook ist nicht nur ein Monster aus einem Kinderbuch, sondern eine eindringliche Metapher für unausgesprochenen Schmerz, Depression und toxische Mutterschaft. Der Film erforscht, wie Trauer, die jahrelang nicht verarbeitet wurde, sich als eine Entität manifestieren kann, die von Angst und Schuld lebt und für die Protagonistin Amelia zu einem echten Albtraum wird. Die Verwendung einer düsteren, märchenhaften Ästhetik verstärkt das Gefühl eines von innen geborenen Terrors und verwandelt eine einfache Geistergeschichte in eine komplexe psychologische Analyse, die tief mit den Ängsten des wirklichen Lebens mitschwingt.

Ein Mädchen geht nachts allein nach Hause (2014)

In einer gespenstischen iranischen Geisterstadt namens Bad City streift eine einsame Vampirin, die einen Chador trägt, nachts umher und bestraft perverse und grausame Männer.

Selbst beschrieben als der „erste iranische Vampir-Western“, ist dieser Schwarz-Weiß-Film ein Kunstwerk, das Genre-Konventionen unterläuft. Die Vampirin, eine Figur, die gewalttätige und perverse Männer bestraft, ist sowohl eine feministische Heldin als auch eine Metapher für Einsamkeit und soziale Entfremdung. Die traumhafte Atmosphäre, der eklektische Soundtrack und die stilisierte Kinematographie schaffen eine Welt voller Horror und Schönheit, die zugleich eine kraftvolle Gesellschaftskritik an der Lage der Frauen in einer unterdrückerischen Gesellschaft darstellt.

It Follows (2014)

Nach einer beiläufigen sexuellen Begegnung wird ein Mädchen von albtraumhaften Visionen und dem unausweichlichen Gefühl verfolgt, dass ihr etwas langsam und unerbittlich folgt.

Mit einer einfachen und erschreckenden Prämisse (ein sexuell übertragener Fluch) erzeugt der Film ein unerbittliches Gefühl von Spannung und Paranoia. Die Entität, die die Gestalt zufälliger Personen annimmt und sich langsam, aber unaufhaltsam bewegt, ist eine kraftvolle Metapher für sexuell übertragbare Krankheiten, Trauma und erzwungene Reifung. Die Retro-Ästhetik und der Synth-Wave-Soundtrack tragen zu einer einzigartigen Atmosphäre modernen Terrors bei, die tief mit den Ängsten des zeitgenössischen Lebens resoniert.

The Guest (2014)

Ein mysteriöser Soldat taucht bei der Familie eines verstorbenen Kameraden auf und schleicht sich in ihr Leben ein. Sein charmanter, aber beunruhigender Umgang deutet darauf hin, dass er ein dunkles und übernatürliches Geheimnis verbirgt.

The Guest verbindet Actionthriller und Horror zu einem Werk mit einem Flair der 80er Jahre. Die Bedrohung ist zunächst nicht klar, doch das beunruhigende Verhalten des Protagonisten deutet auf eine fast dämonische Natur hin. Der Film spielt mit Retro-Ästhetik und einem Gefühl der Bedrohung, das unter einer scheinbaren Normalität lauert, und bietet ein Erlebnis, das sowohl gewalttätig als auch unerklärlich ist, indem er körperliche und übernatürliche Spannungen kombiniert.

Under the Skin (2013)

Eine außerirdische Entität in Gestalt einer Frau streift durch die Straßen Schottlands, um Männer zu locken und zu entführen.

Ein einzigartiges filmisches Erlebnis, das einem außerirdischen Wesen folgt, das Männer anlockt und „sammelt“. Der Horror liegt nicht in den „Schrecken“, sondern in der Entmenschlichung und der erschreckenden außerirdischen Perspektive auf unsere Spezies, die als bloßes Schlachtfleisch betrachtet wird. Der Film ist eine tiefgründige Meditation über Sexualität, Identität und Empathie sowie über die dünne Linie, die Beobachter von Beteiligung trennt, und verwendet versteckte Kameras, um die Grenze zwischen Fiktion und Dokumentation zu verwischen.

A Field in England (2013)

Während des Englischen Bürgerkriegs gerät eine Gruppe von Deserteuren, nachdem sie halluzinogene Pilze konsumiert haben, in einem Feld in eine Falle, wo metaphysische Kräfte ihr Schicksal zu kontrollieren scheinen.

Ein sinnliches und metaphysisches Erlebnis, dieser Film ist eine Erkundung des Okkulten, der Psychose und des freien Willens. Die scheinbar einfache Handlung entfaltet sich zu einer Spirale aus Halluzinationen und Ritualen und schafft eine desorientierende, „sphärische“ Erzählung. Der Film bietet keine einfachen Antworten und lässt den Zuschauer mit einer Realität ringen, die sich zunehmend auflöst – ebenso wie die Geisteszustände der Figuren –, was beweist, dass das wahre Gefängnis die eigene verzerrte Wahrnehmung sein kann.

Sinister (2012)

Ein kämpfender True-Crime-Autor zieht mit seiner Familie in das Haus, in dem ein mysteriöser Mord geschah, und entdeckt Heimvideos, die die Wahrheit enthüllen und eine schreckliche Entität zeigen, die seine Familie heimsucht.

Obwohl nicht strikt Indie, markierte dieser Film eine Rückkehr zum „Found-Footage-Terror“ mit einer Geschichte von Besessenheit und einem Fluch, der durch Bilder übertragen wird. Die Prämisse eines Autors, der eine Kiste mit Filmen entdeckt, die die Tode mehrerer Familien dokumentieren, ist ein kraftvoller erzählerischer Aufhänger. Der Horror manifestiert sich darin, wie die übernatürliche Entität die Filme als Medium nutzt, um zu jagen und zu kommunizieren, wodurch das Medium selbst zur Waffe wird, um ihre dämonische Natur zu offenbaren.

Kill List (2011)

Zwei ehemalige Soldaten, jetzt Auftragskiller, nehmen einen sehr gut bezahlten Auftrag an, doch ihre „Kill-Liste“ führt sie in eine dunkle und rituelle Welt, die sie nicht begreifen können.

Ben Wheatley unterläuft die Erwartungen des Publikums mit einem Film, der als roher Krimi-Thriller beginnt und sich in einen erschreckenden Folk-Horror-Albtraum verwandelt. Das Übernatürliche wird erst am Ende explizit, doch seine Präsenz ist zunehmend spürbar, wie eine unsichtbare und bösartige Kraft, die die Ereignisse lenkt. Die rohe Gewalt des ersten Teils dient dazu, den Zuschauer zu desorientieren, was das rituelle Ende umso schockierender und unerklärlicher macht.

Trollhunter (2010)

Eine Gruppe norwegischer Studenten untersucht eine Reihe mysteriöser Bärentode und entdeckt, dass die Ursache ein Mann ist, der tatsächlich im Auftrag der Regierung Trolle jagt.

Ein Film, der nordische Mythologie mit dem Found-Footage-Stil verbindet, ist Trollhunter eine Mockumentary, die es schafft, sowohl ein Monsterfilm als auch ein modernes Märchen zu sein. Es ist kein Film, der versucht, Angst zu machen, sondern vielmehr zu faszinieren, indem er Abenteuer mit Spannung und einer visuellen Ästhetik mischt, die die Trolle in all ihrer Majestät unglaublich real erscheinen lässt. Der Film spielt mit Humor und einem Gefühl des Staunens und beweist, dass Horror nicht dunkel sein muss, um fesselnd zu sein.

Antichrist (2009)

Ein trauerndes Paar zieht sich nach dem Tod ihres Kindes in eine abgelegene Hütte im Wald zurück. Während der Ehemann versucht, die Depression seiner Frau zu behandeln, scheint sich die Natur selbst gegen sie zu wenden, und dunkle, urtümliche Kräfte beginnen, beide zu verschlingen.

Lars von Triers viszeral verstörendstes Werk ist ein zutiefst persönlicher Abstieg in Trauer, Schuld und Chaos. Die Verbindung von psychosexuellem Horror mit der atemberaubenden Kinematographie von Anthony Dod Mantle stellt die Grenze zwischen psychischem Zusammenbruch und echtem übernatürlichem Bösen in Frage und hinterlässt das Publikum zutiefst verstört und philosophisch angeregt.

Lake Mungo (2008)

Die Familie Palmer trauert nach dem tragischen Tod ihrer sechzehnjährigen Tochter Alice, doch sie beginnen, eine Reihe unerklärlicher Ereignisse zu erleben und nehmen ihre Präsenz wahr.

Als Mockumentary präsentiert, ist Lake Mungo ein Kunstwerk, das das Übernatürliche als Mittel nutzt, um Trauer und die Entdeckung der Identität einer Person nach ihrem Tod zu erforschen. Das „Spuken“ ist weniger eine Geistergeschichte als vielmehr ein introspektives Drama über die Familie Palmer, die durch Aufnahmen und Erinnerungen entdeckt, wer ihre verstorbene Tochter Alice wirklich war. Der Horror liegt im langsamen und methodischen Enthüllen von Geheimnissen und dem Gefühl der Leere, das selbst nach der Offenbarung der Wahrheit bestehen bleibt.

Martyrs (2008)

Eine traumatisierte junge Frau sucht Rache an ihren Peinigern aus der Kindheit, nur um zu entdecken, dass ein unheimlicher Geheimbund hinter ihrer Folter steckt.

Ein Werk, das die „Neue Französische Extreme“ definierte, ist Martyrs ein Rachefilm, der sich zu einer erschütternden philosophischen Erkundung von Schmerz und Transzendenz entwickelt. Während die frühen Szenen reiner Körperhorror sind, erhebt sich der Film durch sein Thema des „Märtyrertums“ und das Ziel eines Kults, durch extreme Folter übernatürliche Erleuchtung zu erlangen, d.h. „Wissen“ darüber, was nach dem Tod erwartet. Der Horror hier ist sowohl physisch als auch metaphysisch und zwingt den Zuschauer, sich mit Gewalt auseinanderzusetzen, die einen größeren Zweck als bloßen Schock verfolgt.

Lass den Richtigen rein (2008)

Oskar, ein einsamer und gemobbter Zwölfjähriger, freundet sich mit Eli an, einem geheimnisvollen Mädchen, das in seinem Wohnkomplex lebt, entdeckt jedoch, dass sie ein dunkles Geheimnis verbirgt.

Dieses schwedische Meisterwerk ist eine der originellsten Neuinterpretationen des Vampirmythos und verwandelt ihn in eine Geschichte über Freundschaft, Einsamkeit und jugendliche Liebe. Der übernatürliche Horror ist stets präsent, dient aber vor allem als Hintergrund für ein existenzielles und poetisches Drama. Der Film unterläuft Genre-Klischees, um sich auf Beziehungsdynamiken zu konzentrieren und zeigt, wie eine tiefe Bindung selbst zwischen einem verletzlichen Jungen und einem jahrhundertealten Räuber entstehen kann.

[•REC] (2007)

Ein Fernsehteam, das einen Bericht über Feuerwehrleute dreht, gerät in einem Wohnhaus in eine Falle, in dem sich eine tollwutähnliche Epidemie ausbreitet und die Bewohner in Monster verwandelt.

Dieser Film definierte das Found-Footage-Genre mit einem hektischen Tempo und unaufhörlicher Action neu. Die Geschichte eines Fernsehteams, das während einer Epidemie in einem Gebäude gefangen ist, ist nicht nur Horror, sondern auch eine Kritik an der Besessenheit vom sensationslüsternen Journalismus. Das Übernatürliche nimmt hier die Form eines gewalttätigen und mysteriösen Erregers an, der sich mit erschreckender Geschwindigkeit ausbreitet und den Zuschauer in ein klaustrophobisches Erlebnis eintauchen lässt.

The Poughkeepsie Tapes (2007)

Die Polizei entdeckt eine Sammlung von über 800 Videokassetten, die die Verbrechen eines Serienmörders dokumentieren und einen erschreckenden Einblick in seinen perversen Geist bieten.

Dieser Film bewegt sich an der Grenze zwischen Pseudo-Dokumentation und purem Horror. Er konzentriert sich auf einen Serienmörder, der seine Verbrechen aufzeichnet, doch der wahre Schrecken liegt in der Dekonstruktion des Verstandes der Opfer, einer psychologischen Erforschung, wie ein Mensch so gebrochen werden kann, dass er seinen Peiniger „liebt“. Obwohl das Thema näher am Crime-Horror liegt, macht die Art und Weise, wie der Film mit unserer Wahrnehmung der Realität spielt, ihn zu einem verstörenden und einprägsamen Werk, das die Natur des Bösen hinterfragt.

The Host (2006)

Eine koreanische Familie, Besitzer eines Straßenimbisses, versucht, ihre jugendliche Tochter zu retten, die von einem mutierten Monster entführt wurde, das aus dem Han-Fluss in Seoul auftaucht.

Im Gegensatz zum gleichnamigen YA-Film ist dieses Meisterwerk von Bong Joon Ho ein Monsterfilm mit einer tief politischen Seele und einer Kritik am Autoritarismus. Das Wesen, das Seoul terrorisiert, ist nicht nur eine physische Bedrohung, sondern eine direkte Folge eines Formaldehyd-Lecks in den Fluss, ein fahrlässiger Akt, der auf ein reales Nachrichtenereignis verweist. Der Film ist eine „gesellschaftliche Satire“, getarnt als Genrefilm, bei dem die wahre Monstrosität in der Korruption und Ineffizienz der Institutionen liegt.

Noroi: Der Fluch (2005)

Die Arbeit eines Dokumentarfilmers, der sich auf paranormale Phänomene spezialisiert hat, wird nach seinem Verschwinden gefunden und dokumentiert eine Reihe scheinbar zusammenhangloser Ereignisse, die in einem schrecklichen Fluch gipfeln.

Ein Meilenstein des japanischen Found-Footage-Genres, Noroi ist ein Mockumentary, das Terror durch eine Eskalation scheinbar unverbundener Ereignisse aufbaut und ein „Kaninchenschacht“ voller Geheimnisse und folkloristischer Schrecken schafft. Seine Stärke liegt im Fehlen von Jump-Scares und der Fähigkeit, ein allgegenwärtiges Gefühl der Unruhe zu erzeugen. Der Zuschauer wird gezwungen, die Arbeit eines Ermittlers zu übernehmen, der versucht, aus einem Chaos von Aufnahmen, Fernsehsendungen und Interviews einen Sinn zu machen, der einen übernatürlichen Fluch offenbart, der größer und furchterregender ist, als man sich vorstellen kann.

Das Rückgrat des Teufels (2001)

Während der letzten Tage des Spanischen Bürgerkriegs wird ein Waisenkind in einem abgelegenen Internat zurückgelassen, das eine nicht explodierte Bombe und einen gequälten Geist verbirgt.

Regisseur Guillermo del Toro nutzt ein historisches Setting und verbindet es mit einem Geisterfilm in einer poetischen und beklemmenden Erzählung. Der Kindergeist, der das Waisenhaus bewohnt, sucht keine Rache, sondern Gerechtigkeit und Aufmerksamkeit. Der größte Horror sind nicht die ruhelosen Erscheinungen, sondern die Geheimnisse und die Gewalt, die von den Menschen selbst begangen werden. Der Geist ist eine Metapher für verlorene Unschuld und die Last der Geschichte, eine Präsenz, die nicht nur Angst macht, sondern auch bewegt.

The Others (2001)

Eine Mutter lebt mit ihren zwei Kindern, die an Lichtempfindlichkeit leiden, in einem abgelegenen Herrenhaus in England und wird überzeugt, dass das Haus von Geistern heimgesucht wird.

Ein moderner Klassiker des Genres, The Others ist ein Geisterfilm, der mit den Konventionen des Genres spielt, um eine Atmosphäre von Spannung und Geheimnis zu schaffen. Der Film spielt kurz nach dem Zweiten Weltkrieg in einem Haus, das ständig von Nebel umhüllt ist, und erzeugt durch Geräusche, Schatten und das Gefühl, dass etwas nicht stimmt, eine spürbare Unruhe. Die letzte Wendung ist ein elegantes Umordnen aller Hinweise, das den Zuschauer zwingt, alles Gesehene neu zu überdenken und die Geschichte in eine eindringliche Meditation über Verlust und Akzeptanz verwandelt.

The Blair Witch Project (1999)

Drei Filmstudenten wagen sich in einen Wald in Maryland, um eine Dokumentation über die Legende der Blair-Hexe zu drehen, und verschwinden. Das Einzige, was bleibt, ist ihr Filmmaterial.

Dieser Film hat das Found-Footage-Genre mit einem minimalen Budget und einer brillanten viralen Marketingkampagne neu erfunden, wodurch das Publikum glaubte, die Schauspieler seien tatsächlich verschwunden. Das Fehlen visueller Spezialeffekte und der Einsatz von Handkameras erzeugen ein Gefühl reinen psychologischen Schreckens. Der Zuschauer wird gezwungen, die übernatürliche Entität selbst vorzustellen, was das Erlebnis persönlicher und furchterregender macht. Es ist nicht die Hexe, die Angst macht, sondern die Vorstellung, dass sie existiert, und die Unfähigkeit der Protagonisten zu entkommen, gefangen in einer unerklärlichen Schleife.

Cure (1997)

Ein erschöpfter Detektiv aus Tokio untersucht eine beunruhigende Mordserie, bei der gewöhnliche Menschen brutale Taten begehen, ohne sich an ihre Motive zu erinnern. Die Spur führt zu einem mysteriösen, amnestischen Landstreicher, der scheinbar etwas tief Dunkles im menschlichen Bewusstsein freizuschalten vermag.

Kiyoshi Kurosawas Cure fungiert als eine äußerst verstörende Meditation über Identität, Suggestion und die Leere, die in gewöhnlichen Menschen lauert. Das übernatürliche Element wird nie sensationalisiert, sondern in die alltägliche Banalität eingebettet, was es umso beunruhigender macht. Sein absichtlich langsames, beklemmendes Tempo und das mehrdeutige Ende markieren ihn als eine der intellektuell anspruchsvollsten Errungenschaften des japanischen Horrors.

Nightmare (1984)

1981 erwacht die Teenagerin Tina Gray aus einem erschreckenden Albtraum, in dem ein monströser Mann mit einem Handschuh voller scharfer Klingen sie in einem Heizraum angreift. Ihre Mutter weist auf vier Schnitte an ihrem Nachthemd hin. Am Morgen treffen sich Tinas Freundin Nancy Thompson und Nancys Freund Glen Lantz, um sie zu trösten, und offenbaren, dass auch sie in der Nacht zuvor einen Albtraum hatten. Beide bleiben bei Tina zu Hause, während Tinas Eltern verreisen. Tinas Freundin Rod Lane unterbricht ihre Übernachtung. Als Tina einschläft, träumt sie von dem Mann, der sie verfolgt. Pole sieht, wie sie von einer unsichtbaren Kraft weggezogen und getötet wird, und entkommt, während Nancy und Glen aufwachen und Tina blutüberströmt und tot vorfinden.

Wes Cravens Kultklassiker von 1984, A Nightmare on Elm Street, terrorisiert Zuschauer seit Jahrzehnten mit der Einführung von Freddy Krueger, einem verbrannten und mit Krallen bewaffneten übernatürlichen Monster, das seine Opfer im Schlaf heimsucht. Der Film schuf eine erfolgreiche Franchise mit der unglaublich populären Figur Krueger, die in den folgenden Filmen zunehmend komisch, witzig und intelligent wurde.

Shining (1980)

Jack Torrance nimmt eine Stelle als Winterhausmeister im abgelegenen Overlook Resort in den Rocky Mountains an, das jede Wintersaison schließt. Bei seiner Ankunft informiert ihn der Aufseher Stuart Ullman darüber, dass ein früherer Hausmeister, Charles Grady, seine Familie und sich selbst im Resort getötet hat. In Boulder hat Jacks Sohn Danny eine Vorahnung. Jacks Frau Wendy erzählt dem Arzt von einem früheren Vorfall, bei dem Jack Dannys Schulter ausgekugelt hat, während er betrunken war. Dieses Ereignis veranlasste Jack, mit dem Alkohol aufzuhören. Bevor er in die saisonale Pause geht, unterweist der Küchenchef Dick Hallorann Danny in einer telepathischen Fähigkeit, die beide teilen und die er „Schimmer“ nennt. Hallorann warnt Danny, dass das Hotel ebenfalls einen „Schimmer“ aus Rückständen früherer unangenehmer Ereignisse hat, und rät ihm, Zimmer 237 zu meiden.

Shining von Stanley Kubrick bleibt ein zeitloser Film, ein Meisterwerk im Genre des übernatürlichen Horrors. Der Film basiert auf einem Roman von Stephen King und zeigt Jack Nicholson als Jack Torrence, einen Schriftsteller, der nach seltsamen Ereignissen eine Stelle als Hotelhausmeister in der Nebensaison annimmt. Während der Film von Fans und Kritikern gleichermaßen geliebt wird, konnte er Stephen King nie begeistern. Der Autor bestand stets darauf, dass The Shining eine schlechte Adaption seines Werks sei. Der Film war bei seiner Veröffentlichung nicht sofort erfolgreich – es dauerte eine Weile, bis er populär wurde.

Carrie (1976)

Die schüchterne 16-jährige Carrie White lebt mit ihrer psychisch instabilen Mutter und religiösen Fanatikerin Margaret zusammen, hat Schwierigkeiten in der Schule und wird von ihren Mitschülern gemobbt. Als Carrie in der Schulinstitution ihre erste Periode bekommt, ist sie beunruhigt, da sie das Phänomen nicht versteht. Carries Mitschüler demütigen sie. Nach Gesprächen mit Miss Collins und dem Schulleiter wird Carrie für einen Tag von der Schule suspendiert. Zu Hause angekommen, teilt Margaret Carrie mit, dass ihre Periode eine Folge der Sünde sei, und sperrt sie in einen altarähnlichen „Gebetsschrank“, damit sie um Gnade betet.

Der Film basiert auf Stephen Kings erstem Buch. Regisseur Brian De Palma war von der Geschichte fasziniert. Es ist die erste von über 100 Film- und Fernsehproduktionen, die auf Kings veröffentlichten Werken basieren oder diese adaptieren. Carrie wurde kurz nach seiner Veröffentlichung zu einem Kultfilm und gilt als eine der besten Buch-zu-Film-Adaptionen aller Zeiten.

Das Omen (1976)

In Das Omen versucht ein amerikanischer Diplomat mit seiner Partnerin Katherine ein Kind zu bekommen. Nachdem Katherine ein totgeborenes Baby zur Welt bringt, entscheidet sich das Paar, einen Jungen namens Damien zu adoptieren. Kurz darauf begeht Damiens erste Babysitterin Selbstmord, und ein Priester warnt das Paar, dass Damien der Familie sicherlich Unglück bringen wird. Der Priester stirbt bald darauf, und die schwangere Katherine verliert ihr ungeborenes Kind, nachdem Damien sie von einer Veranda gestoßen hat. Damien beginnt, viele Unglücke zu verursachen, was Robert dazu veranlasst, die Vergangenheit des Jungen zu erforschen. Schließlich entdeckt er, dass Damien der Antichrist sein könnte.

Der Erfolg des Films im Jahr 1976 könnte das Ergebnis eines damals in der westlichen Welt herrschenden Gefühls der Verzweiflung gewesen sein. Was, wenn alle Anzeichen der Apokalypse gerade jetzt stattfinden? Während die meisten Menschen, die den Film 1976 sahen, diese Sichtweise wahrscheinlich nicht akzeptierten, verlieh allein das Gefühl, dass die Welt oder der Westen am Rande eines Abgrunds stand, dem Film eine Atmosphäre, die seine späteren Fortsetzungen nicht hatten. Die Zahl 666 ist das „Zeichen des Teufels“ und höchstwahrscheinlich war sich das Publikum 1976 dieses Aspekts der Offenbarung nicht bewusst, doch infolge der Popularität des Films ist die Zahl 666 in die Popkultur eingegangen und ein noch größerer Teil der Menschen, selbst solche ohne religiöse Neigung, ist sich des teuflischen Werts dieser Zahl bewusst.

Der Exorzist (1973)

In Der Exorzist sucht eine Mutter Hilfe bei zwei katholischen Priestern, nachdem ihre Tochter von satanischen Kräften besessen ist. Im Norden des Irak schließt sich der katholische Priester Lankester Merrin einer archäologischen Ausgrabung an, die ein Medaillon des Heiligen Joseph und ein Artefakt, das Pazuzu repräsentiert, eine uralte satanische Kraft, zutage fördert. Während Merrin sich darauf vorbereitet, den Irak zu verlassen, begegnet er einer großen Statue von Pazuzu und beobachtet außerdem zwei Hunde in der Wüste. In Georgetown dreht die Schauspielerin Chris MacNeil einen Film unter der Regie ihres Freundes Burke Dennings. Chris lebt zur Miete in einem gut ausgestatteten Haus mit ihrer kleinen Tochter Regan. Chris hört Geräusche auf dem Dachboden: Regan berichtet ihr von einem imaginären Freund namens „Captain Howdy“. In einer örtlichen Kirche befindet sich eine Skulptur der entweihten Maria.

Der Exorzist war der erste Horrorfilm, der jemals für den Besten Film nominiert wurde. Er wurde außerdem für zehn weitere Oscars ausgewählt. Überraschenderweise hatten mehrere prominente Hollywood-Stars Angebote für Rollen in dem Film abgelehnt, da sie sich nicht sicher waren, ob er ein Erfolg werden würde. Der Film hielt 20 Jahre lang den Rekord als umsatzstärkster Film mit R-Rating, bevor er von Terminator: Judgment Day abgelöst wurde.

Der Wicker Man (1973)

Ein frommer schottischer Polizeisergeant reist zu einer abgelegenen Insel, um das Verschwinden eines jungen Mädchens zu untersuchen, nur um einer Gemeinschaft gegenüberzustehen, die eine dunkle Form des keltischen Paganismus angenommen hat.

Dieser Film ist der geistige Großvater des modernen Folk-Horrors. Die Spannung ist nicht im strengen Sinne übernatürlich, sondern rituell und psychologisch, entspringt dem Zusammenprall zwischen religiöser Intoleranz und einem radikalen Glauben. Sein schockierendes Ende und die gnadenlose Logik des Kultes etablierten ein Archetyp des Schreckens, das bis heute tief nachhallt und zeigt, wie wahrer Horror aus blinder Gefolgschaft gegenüber Dogmen entsteht, sei es christlich oder heidnisch.

Rosemary’s Baby (1968)

Regie führte der Regisseur Roman Polanski. Rosemary’s Baby handelt von einem Paar, das in ein neues Zuhause in New York zieht, wo sie ihre neuen, etwas seltsamen Nachbarn kennenlernen. Als Rosemary schwanger wird, beginnt sie zu glauben, dass ihr Baby Opfer eines dämonischen Kultes ist.

Eine ausgezeichnete Verfilmung von Ira Levins diabolischem Buch. Drehbuchautor und Regisseur Roman Polanski feierte tatsächlich mit seinem ersten in den Vereinigten Staaten gedrehten Film einen Triumph. Der Film zieht Aufmerksamkeit auf sich, ohne körperliche Gewalt oder Blut zu zeigen. Farrows Darstellung ist herausragend. Nach den Fehlgriffen Cul de Sac und Dance of the Vampires kehrt Polanski zur Inspiration von Repulsion zurück, mit wachsender Fähigkeit, blankes Entsetzen in familiäre Routinen zu bringen, und hat ein intelligent kalkuliertes Thriller-Remake zu einem großen Meisterwerk gemacht.

The Haunting (1963)

Dr. John Markway erzählt die Geschichte des Hill House, das in Massachusetts von Hugh Crain als Heim für seine Frau erbaut wurde. Die Frau starb, als ihre Kutsche auf dem Heimweg gegen einen Baum prallte. Crain heiratete erneut, doch seine zweite Frau starb im Haus durch einen Sturz die Treppe hinunter. Crains Tochter Abigail blieb für den Rest ihres Lebens zu Hause. Sie starb, während sie die Krankenschwester rief. Die Freundin kaufte das Haus, erhängte sich später jedoch an einer Wendeltreppe. Das Hill House wurde schließlich von einer Mrs. Sanderson gekauft, stand aber tatsächlich eine Zeit lang leer.

The Haunting erschien auf vielen Listen der „besten Horrorfilme“. Sogar der Regisseur Martin Scorsese bezeichnete ihn einst als den besten Horrorfilm aller Zeiten. Ein Remake mit Liam Neeson wurde gedreht, wurde jedoch von Publikum und Kritikern stark verrissen.

The Innocents (1961)

Im viktorianischen England angesiedelt, zeigt The Innocents einen wohlhabenden Mann, der eine neue Dienstmagd für seine verwaiste Nichte Flora und seinen Neffen Miles einstellt. Er befiehlt der Haushälterin Miss Giddens, die Kinder bestmöglich zu erziehen. Doch die Arbeit erweist sich nicht als so brillant wie die Idee. Er beginnt schnell zu glauben, dass die Kinder von den Geistern der früheren Betreuerin Miss Jessel und des Kammerdieners Peter Quint besessen sind, die beide gestorben sind. So macht er es sich zur Aufgabe, sich mit Geistern und seltsamen Gewohnheiten auf dem Anwesen auseinanderzusetzen.

Die Themen des Films stehen im Zusammenhang mit sexueller Repression, im Gegensatz zu Aspekten des Films Robert Wises The Haunting (1963), basierend auf Shirley Jacksons The Haunting of Hill House. Die letzte Szene des Films kann als eine verdorbene Variation des Dornröschen-Märchens interpretiert werden, da Kerr die Figur symbolisch mit einem Kuss befreit.

13 Geister (1960)

Der Okkultist Dr. Plato Zorba schenkt seinem armen Neffen Cyrus ein großes Haus. Zusammen mit seiner Frau Hilda, der jugendlichen Tochter Medea und dem jüngeren Jungen Buck wird Cyrus darüber informiert, dass das Haus von den Geistern heimgesucht wird, die Dr. Zorba aus aller Welt mitgebracht hat. Das Testament legt fest, dass die Familie im Haus bleiben und es nicht verkaufen darf. Die Familienmitglieder sind schockiert, als sie feststellen, dass das Haus tatsächlich von 12 Geistern heimgesucht wird. Zum Anwesen gehört auch die furchterregende Hausverwalterin Elaine sowie eine überraschende Menge Bargeld, die irgendwo im Gebäude versteckt ist.

Ähnlich wie bei vielen seiner bekanntesten Produktionen nutzte Produzent William Castle einen Gimmick, um 13 Geister zu bewerben: die Fähigkeit, Geister in 3D zu sehen. Im Kino blieben viele Szenen schwarz-weiß, doch die Geisterszenen wurden mit einem Effekt namens „Illusion-O“ gezeigt. Die Bildkomponenten mit den Charakteren und den Kulissen, abgesehen von den Geistern, hatten einen blauen Filter, während die Geister einen roten Filter hatten und über das Bild gelegt wurden. Das Publikum schaute mit Brillen mit roten und blauen Filtern. Im Gegensatz zu frühen 3D-Brillen mit einem roten und einem cyan- oder blauen Auge hatte Illusion-O eine einzige Farbe für beide Augen. Die Verwendung des roten Filters verstärkte die Geisterbilder, während der hellblaue Filter sie „eliminierte“.