Mas esta é apenas uma parte da história. Além dos estúdios da Cinecittà, existe uma Itália mais complexa e contraditória. É um cinema nascido de uma urgência expressiva, uma necessidade de contar histórias que o mercado considera arriscadas ou de nicho. É o verdadeiro laboratório criativo da sétima arte na Itália, onde nascem novas linguagens e se testam formas narrativas ousadas.
As Oito Montanhas (2022)
Pietro é um garoto da cidade, Bruno é o último filho de uma aldeia esquecida na montanha. Seus verões passados aos pés do Monte Rosa dão origem a uma amizade profunda e indissolúvel. Mas enquanto Pietro viajará pelo mundo, Bruno permanecerá fiel à sua montanha. Suas vidas seguirão caminhos diferentes, mas um vínculo invisível sempre os trará de volta àquele lugar, ao berço de sua amizade e ao reflexo de suas almas.
Baseado no romance de Paolo Cognetti, o filme dos diretores belgas Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch é uma meditação comovente e majestosa sobre a amizade, a relação entre pai e filho, e nosso lugar no mundo. Premiado com o Prêmio do Júri em Cannes, As Oito Montanhas é uma obra de alcance universal, que usa a montanha como metáfora da vida: há aqueles que, como Pietro, precisam explorar as oito montanhas do mundo, e aqueles que, como Bruno, se contentam em alcançar o cume da mais alta, seu Sumeru.
A direção captura a imponência e a dureza da natureza com um formato quase quadrado (4:3) que realça a verticalidade das montanhas. Alessandro Borghi e Luca Marinelli, em perfeita harmonia, dão vida a uma amizade masculina contada com rara delicadeza e profundidade. É um filme que emociona e faz refletir, uma épica íntima que nos lembra da importância das raízes e dos laços que nos definem.
Katabasis
Drama, Mistério, por Samantha Casella, Itália, 2025.
“Katabasis” é uma jornada ao submundo. Nora viveu esse reino sombrio quando criança, quando sofreu abusos. Isso a marcou, moldando-a em uma mulher ambígua e manipuladora, perigosa em sua inescrutabilidade, constantemente buscando situações perturbadoras para reviver a única condição que ela internalizou profundamente: a dor. E a história de amor entre Nora e Aron é tormentosa, estritamente secreta. Aron é um jovem órfão oprimido pelo sistema das estrelas que, orquestrado por Jacob, um gerente cínico, o transformou em uma estrela e impõe outra fachada de vida a ele. De fato, apenas as pessoas que giram em torno da casa-prisão onde o casal vive estão cientes da existência de Nora. Essa majestosa vila é o palco de segredos, mentiras, enganos, bem como episódios inquietantes, já que Nora é capaz de se comunicar com as almas do além.
Biografia da Diretora – Samantha Casella
Samantha Casella estudou vários aspectos do cinema, incluindo roteiro, direção, cinematografia e atuação, em Turim, Florença, Roma e Los Angeles. Sua tese de direção, o curta-metragem "Juliette," ganhou 19 prêmios, incluindo o "Prêmio Europeu Massimo Troisi." Ela continuou seu caminho dirigindo curtas surreais, incluindo "Silenzio Interrotto," "Memoria all'Isola dei Morti," e "Agape." Em 2019, dirigiu "I Am Banksy." No carismático TCL Chinese Theater em Los Angeles, no Golden State Film Festival, ganhou o prêmio de Melhor Curta-Metragem Internacional. Em 2020, dirigiu o curta "A un Dio Sconosciuto." "Santa Guerra" é seu longa-metragem de estreia.
IDIOMA: Italiano
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
Piranhas (2019)
Nápoles, Rione Sanità. Nicola e seus amigos são um grupo de adolescentes de quinze anos que passam os dias andando de scooter, jogando videogames e vivendo os primeiros amores. Cansados de sofrer os abusos dos clãs locais e ver suas famílias pagarem proteção, decidem tomar as rédeas da situação. Conseguem armas e formam sua própria “paranza”, um grupo criminoso de adolescentes, para conquistar o controle do bairro. Mas o jogo logo se transformará em uma espiral de violência sem retorno.
Baseado no romance homônimo de Roberto Saviano, o filme de Claudio Giovannesi é um retrato lúcido e assustador da “geração Gomorra”. Diferentemente dos chefes experientes, os protagonistas de Piranhas são adolescentes que perseguem os mitos do consumismo – roupas de grife, mesas em clubes badalados, dinheiro fácil – através da linguagem do crime. A rebelião deles se transforma em uma trágica imitação do poder que desejam combater.
Giovannesi adota um estilo realista e imersivo, seguindo os garotos com uma câmera no ombro que captura sua energia, ingenuidade e imprudência assustadora. O filme não julga, mas observa com empatia o processo de corrupção da inocência, mostrando como o desejo universal de pertencimento e redenção pode ser desviado para um caminho de autodestruição. Premiado com o Melhor Roteiro em Berlim, é uma obra necessária para entender o presente.
Dogman (2018)
Em um subúrbio desolado na costa do Lácio, Marcello administra um salão de tosa de cães, “Dogman”. Ele é um homem manso, amado por todos no bairro, que tenta sobreviver pelo amor à sua filha. Sua vida tranquila, no entanto, é atormentada por seu relacionamento com Simoncino, um ex-boxeador violento e viciado em cocaína que aterroriza a comunidade. Subjugado e humilhado, Marcello sofrerá uma injustiça que o levará a planejar uma vingança terrível e inesperada.
Inspirando-se livremente em um dos crimes italianos mais hediondos, o crime do Canaro della Magliana, Matteo Garrone cria uma obra universal sobre opressão e a luta pela dignidade. Dogman é um western urbano, uma parábola moral ambientada em um mundo abandonado por Deus e pela lei, onde prevalece apenas a lei do mais forte. A paisagem espectral de Villaggio Coppola, a mesma de O Embalsamador, torna-se o palco para um confronto arquetípico entre Davi e Golias.
Marcello Fonte, premiado como Melhor Ator em Cannes, oferece uma atuação inesquecível, incorporando a fragilidade e a bondade de um homem comum levado ao limite. Sua humanidade, expressa em seu amor pelos cães e pela filha, choca-se com a violência bestial de Simoncino. A direção de Garrone é essencial e poderosa, capaz de criar uma tensão quase insuportável e explorar, sem qualquer julgamento moral, a tênue linha que separa a vítima do algoz.
The Lost Poet
Drama, de Fabio Del Greco, Itália, 2024.
Dante Mezzadri quer ver um velho amigo, apelidado de Iguana, que ele não vê há muitos anos, e que conseguiu transformar a paixão juvenil compartilhada pela poesia em um trabalho, tornando-se um escritor e poeta famoso. O homem foge de sua vida burguesa e de sua esposa para viver como sem-teto na costa romana, imprimindo e tentando vender suas coleções de poesia. À noite, ele dorme em um parque de antigos carros alegóricos de carnaval, dentro de um tanque de papel machê, e espera a oportunidade de encontrar seu velho amigo, que, no entanto, nunca aparece nos encontros nos lugares que frequentavam quando jovens, agora em ruínas. Os livros de poesia de Dante não interessam a ninguém e, para se sustentar, ele é obrigado a "mudar de produto": começa a vender a infame "pílula canibal" em nome de jovens traficantes de drogas, uma nova droga que vende como água e causa êxtase sensorial e consumista. No entanto, ele percebe que essa droga poderosa é muito perigosa para quem a consome, entra em conflito com sua consciência ética e joga todas as pílulas no mar. Contudo, os traficantes querem receber seu dinheiro.
Filmado ao longo de 2 anos, o filme é uma reflexão sobre os escombros culturais e artísticos da sociedade em que o protagonista vive, em um mundo cada vez mais mecanizado, consumista e árido. Dante Mezzadri é mais um ser humano que renunciou à sua inspiração e criatividade, mas, ao contrário de muitos, não está disposto a entregar sua vida a um sistema que o distancia de sua verdadeira identidade. O mundo físico ao seu redor, no entanto, parece construído de tal forma que parece impossível escapar dessa "gaiola invisível". O entusiasmo das pessoas que ele encontra é despertado apenas pela gratificação sensorial, por visões irreais de afirmação pessoal e sucesso, por "metaversos" que oferecem uma fuga para uma realidade ilusória e destrutiva. A casa do poeta na costa, onde ele se encontrava com seus amigos quando jovem, é apenas um monte de escombros abandonados. O que aconteceu com todos aqueles que queriam se tornar poetas e acabaram se tornando outra coisa? Existem forças internas com as quais essa casa pode ser "
Suspiria (2018)
Mais de quatro décadas após seu lançamento inicial, o clássico icônico do horror de Dario Argento foi reinventado em um remake envolvente dirigido pelo renomado Luca Guadagnino. Esta versão moderna, assim como sua predecessora, se passa nos limites assustadores de uma misteriosa academia de dança. Aqui, a narrativa inquietante se desenrola à medida que uma série de assassinatos brutais direcionados a mulheres vem à tona. A personagem central do filme é interpretada com notável intensidade por Dakota Johnson, que conta com o apoio de um elenco excepcional incluindo Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Tilda Swinton e Sylvie Testud. Esses talentosos atores dão vida às figuras sinistras e autoritárias que guiam a academia com mão de ferro, ocultando perigos escondidos sob suas fachadas severas.
Suspiria é um dos filmes de horror mais aguardados de 2018, cativando o público com uma abordagem narrativa fresca que o distingue nitidamente da criação original de Argento. Sob a direção habilidosa de Guadagnino, este filme transcende os limites típicos do horror sobrenatural, criando uma obra-prima cinematográfica que mergulha nas profundezas da psique humana. A linguagem cinematográfica expansiva do diretor transforma a história arrepiante em uma homenagem artística ao gênero de horror, ao mesmo tempo em que se inspira e expande seus elementos tradicionais. O resultado não é apenas um filme, mas uma peça extraordinária de cinema de arte que emergiu das recentes produções dentro do panorama do gênero de horror — uma obra que, sem dúvida, está entre os melhores filmes produzidos nas últimas duas décadas.
A Ciambra (2017)
Em Gioia Tauro, Calábria, vive a Ciambra, uma comunidade Romani assentada. Pio Amato é um garoto de quatorze anos que quer crescer rápido. Ele fuma, bebe e segue seu irmão mais velho Cosimo como uma sombra, aprendendo os truques do ofício: pequenos furtos e golpes. Seu mundo é um equilíbrio complexo entre sua família, os italianos locais e os migrantes africanos. Quando Cosimo é preso, é hora de Pio provar que é um homem.
Jonas Carpignano, um diretor ítalo-americano, mergulha completamente na realidade que retrata, criando uma obra de autenticidade chocante. O segundo capítulo de sua trilogia sobre Gioia Tauro, A Ciambra é um filme que desfoca as linhas entre ficção e documentário. O diretor trabalha com a verdadeira família Amato, que interpreta a si mesma, construindo uma narrativa que surge diretamente de suas vidas. A câmera, na mão e nervosa, segue Pio, nos atraindo para seu mundo com uma fisicalidade e imediaticidade raras.
O filme é uma poderosa história de amadurecimento ambientada em um contexto de marginalização social, mas evita todos os estereótipos. Carpignano não julga seus personagens, mas os observa com empatia, mostrando a complexidade de seus laços, seus códigos de honra e sua luta pela sobrevivência. É um cinema imersivo que nos leva a um lugar específico para contar uma história universal sobre família, amizade e as difíceis escolhas que marcam a transição para a idade adulta.
Apennines
Documentário, de Emiliano Dante, Itália, 2017.
Appennino é um diário cinematográfico que começa com a lenta reconstrução de L'Aquila, a cidade do diretor, na Itália, e continua com os terremotos nos Apeninos centrais de 2016-17, até o longo e exaustivo asilo das novas vítimas do terremoto em S. Benedetto del Tronto. Uma história íntima e irônica, lírica e geométrica, onde a questão de viver em uma área sísmica se torna a ferramenta para refletir sobre o verdadeiro significado de fazer cinema da realidade.
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
O Intruso (2017)
Giovanna dirige “La Masseria”, um centro recreativo para crianças em um bairro difícil de Nápoles, um oásis de legalidade e esperança arrancado da decadência. O equilíbrio precário de sua comunidade é ameaçado quando Maria, a jovem esposa de um chefe da Camorra recentemente preso, busca refúgio no centro com seus dois filhos. Sua presença desencadeia medo e raiva entre os outros pais, forçando Giovanna a uma escolha impossível entre acolhimento e segurança.
Leonardo Di Costanzo, com uma formação como documentarista, cria uma obra de extraordinária finesse psicológica e rigor moral. O Intruso não é um filme sobre a Camorra, mas sobre aqueles que são forçados a viver sob sua sombra, sobre as dinâmicas complexas de uma comunidade que tenta construir uma alternativa. O filme se passa quase inteiramente dentro das paredes do centro, um espaço fechado que se torna o palco de um dilema ético universal.
A direção é minimalista e observacional, atenta aos gestos, olhares e tensões não ditas. Di Costanzo não oferece soluções fáceis, mas explora as áreas cinzentas da solidariedade, medo e responsabilidade. É um cinema civil no sentido mais nobre do termo, que questiona os fundamentos da convivência e a dificuldade de traçar uma linha clara entre o certo e o errado em um contexto onde toda escolha tem consequências imprevisíveis.
Abacuc (2015)
Um filme experimental que desafia o público com inovações que realmente conseguem encontrar novos elementos na linguagem cinematográfica, algo hoje em dia muito raro. O filme narra o cotidiano de um personagem surreal que não se esquece facilmente, Abacuc, um homem condenado a vagar por uma cidade provincial gelada no norte da Itália que parece um inferno congelado e sem vida. Abacuc é um homem que pesa quase 200 quilos, que investe seu tempo em um limbo afastado de qualquer tipo de sensação, ele principalmente frequenta o cemitério e os parques temáticos da Riviera da Romagna. Abacuc representa a necessidade da arte cinematográfica de se autoextinguir e implodir em si mesma. A obra do diretor Luca Ferri é muito importante, pois cria novos caminhos para o cinema de vanguarda, caminhos esquecidos e ignorados pela crítica e pelo público, mas que são os alicerces do cinema do futuro.
Corona days
Drama, de Fabio Del Greco, Itália, 2020.
Um homem permanece sozinho em casa devido às medidas de emergência do coronavírus. A solidão, o tempo e o espaço tornam-se seus adversários, enquanto a imaginação, as memórias e o anseio pela liberdade tornam-se seus aliados. O diretor Fabio Del Greco documenta de forma íntima e pessoal os dias de isolamento pelo coronavírus, filmando cenas externas exclusivamente com um smartphone. A crônica desses dias peculiares serve como um catalisador para a reflexão sobre a relatividade do tempo e do espaço, e como a liberdade é algo que pode transcender a realidade para encontrar seu lugar dentro de nossas almas.
Nos tempos do coronavírus, um cineasta genuíno e instintivo como Del Greco colheu os frutos de seu excêntrico "cinediário" elaborado durante as semanas de quarentena. Ele capturou sua própria solidão de perto e, a uma distância segura, a de seus amigos e familiares. Acima de tudo, ele aproveitou as limitadas "horas de ar" concedidas pelas autoridades para filmar em um mundo esvaziado de humanidade e submetido a rigorosas fiscalizações policiais. Tudo visto através da lente de um autor que, como de costume, é brincalhão, desiludido e sutilmente irônico, mesmo quando atua como ator. Enquanto continua a explorar a realidade, entre percepções melancólicas e lampejos de ironia, Fabio Del Greco transcende essa intenção inicial e transforma seu longa-metragem em um conjunto de bonecas russas, onde diversas contribuições audiovisuais convergem. Essas contribuições podem ser cronologicamente díspares, mas são todas profundamente estimulantes e carregadas de significado. A interação entre presente e passado, habilmente orquestrada até na edição, cria um curto-circuito onde o passado não é apenas um almanaque de memórias, mas outra fuga para o reino da imaginação. À medida que uma crítica sociopolítica emerge, embora legítima, a narrativa gradualmente se desloca para um quadro existencial mais amplo.
IDIOMA: italiano
LEGENDAS: inglês, francês, alemão, português, espanhol
Não Seja Mau (2015)
Ostia, 1995. Vittorio e Cesare são amigos para sempre, “irmãos para a vida.” Seus dias são passados lidando com drogas sintéticas, brigando e frequentando clubes. Eles vivem em um mundo marginal e violento onde o futuro parece não existir. Quando Vittorio, após uma experiência de quase morte, decide mudar de vida e encontrar um trabalho honesto, tenta arrastar Cesare junto com ele, mas salvá-lo de seu demônio autodestrutivo será uma tarefa quase impossível.
O testamento espiritual de Claudio Caligari, um diretor cult que faleceu pouco depois do término das filmagens, Não Seja Mau é uma obra poderosa e desesperada, um soco no estômago que idealmente fecha a trilogia sobre a marginalidade romana que começou com Amore tossico. O filme é um conto pasoliniano, cru e lírico ao mesmo tempo, que olha para seus personagens sem julgamento, mas com uma humanidade profunda e dolorosa.
A própria produção do filme é um ato de cinema independente, concluído graças à tenacidade do ator Valerio Mastandrea e de toda uma comunidade cinematográfica. Alessandro Borghi e Luca Marinelli, em duas interpretações extraordinárias, dão corpo e alma a uma geração perdida, presa em um presente sem saída. É um cinema visceral que não poupa nada e que nos devolve um pedaço da realidade italiana com uma sinceridade brutal e comovente.
Virgem Jurada (2015)
Para escapar de um destino de submissão em uma sociedade arcaica e patriarcal nas montanhas da Albânia, a jovem Hana apela a uma antiga lei, o Kanun. Ela jura permanecer virgem para sempre e se torna um homem, Mark, obtendo os mesmos direitos e liberdades que os outros homens. Anos depois, Mark muda-se para a Itália para viver com sua irmã e lá, em um mundo completamente diferente, começa uma jornada difícil e dolorosa para redescobrir seu corpo e sua feminilidade reprimida.
O longa-metragem de estreia de Laura Bispuri é um filme intenso e delicado que explora com grande sensibilidade os temas da identidade de gênero, memória e liberdade. A história das “virgens juradas” albanesas torna-se uma metáfora universal para a construção da identidade e a possibilidade de se reinventar. O filme se move constantemente entre duas linhas do tempo e dois lugares: o passado nas montanhas acidentadas da Albânia e o presente em uma cidade italiana moderna, refletindo o conflito interior da protagonista.
Alba Rohrwacher oferece uma atuação extraordinária, toda construída na subtração e na fisicalidade. Seu corpo rígido e desajeitado, seus gestos masculinos e seu olhar perdido contam, melhor do que qualquer diálogo, a prisão em que ela se trancou. A direção de Bispuri é íntima e sensorial, atenta aos detalhes e pequenas epifanias que marcam a jornada de Hana/Mark rumo à reconquista de si mesma.
Almas Negras (2014)
Três irmãos de Africo, em Aspromonte, encarnam três destinos diferentes ligados à ‘Ndrangheta. Luigi é um traficante internacional de drogas que vive entre Milão e Amsterdã. Rocco é um empresário que lava dinheiro sujo, buscando uma respeitabilidade burguesa impossível. Luciano, o mais velho, permaneceu na Calábria, agarrado a uma ilusão de pureza pastoral. Um ato imprudente do jovem filho de Luciano reacenderá uma antiga rixa, arrastando todos para uma espiral inevitável de violência.
Francesco Munzi cria uma obra poderosa e austera que eleva o filme de máfia à estatura da tragédia grega. Longe da espetacularização de Gomorra, Almas Negras é um filme que mergulha nas raízes antropológicas e psicológicas do crime, explorando o peso do sangue, da terra e de um passado que não pode ser apagado. A paisagem dura e arcaica de Aspromonte não é apenas um cenário, mas um personagem que paira sobre os destinos dos homens.
A direção é rigorosa, quase ritualística, atenta aos silêncios e gestos de um mundo governado por códigos antigos. Munzi evita os clichês do gênero para se concentrar no drama interior de seus personagens, na luta impossível deles para escapar de um destino já escrito. É um filme que não oferece esperança, mas uma compreensão lúcida e terrível da lógica da vingança, uma obra-prima de tensão e profundidade que deixou uma marca indelével no cinema italiano.
The Kempinsky Method
Drama, de Federico Salsano, Itália 2020.
O filme introspectivo de estrada imaginária de um homem no labirinto de sua própria mente, suas memórias da juventude, suas paixões nunca adormecidas e verdades contraditórias. A estrada é feita de água, o destino é falsamente desconhecido. Seus companheiros de viagem são três homens misteriosos, projeções de sua imaginação e de diferentes aspectos de sua personalidade: a melancolia perene, o criativo louco, a criança introvertida. Ele também é seguido por uma presença feminina que conta a enésima história humana. Em certo ponto da travessia, ele decide abandonar o barco e seus fantasmas, mergulhando no mar e chegando nadando a uma praia deserta, nu, com um pequeno boneco Pinóquio fechado por um cadeado.
Neste esplêndido filme, a vida é como uma longa viagem pelo mar e o ser humano é uma pequena criatura enfrentando a imensidão. Às vezes o oceano está calmo, outras vezes há tempestades terríveis. Às vezes somos capitães de um barco com uma rota bem definida, outras vezes estamos naufragados em busca de uma terra onde nos salvar. Mas apesar da longa jornada e do movimento no espaço físico, há outras questões que ressoam na mente: quem são esses homens com quem viajo? Qual é o mistério dessa imensa massa de água que parece ser feita das minhas memórias? Você pode circunavegar o mundo inteiro, mas a principal pergunta sempre permanece a mesma: quem sou eu realmente?
IDIOMA: italiano
LEGENDAS: inglês, espanhol, português, alemão, francês
A Grande Beleza (2013)
Jep Gambardella é um jornalista de 65 anos, charmoso e desiludido, o rei das noites sociais de uma Roma decadente e magnífica. Após um único romance de sucesso escrito na juventude, ele desperdiçou seu talento numa vida de festas, conversas fiadas e cinismo. A notícia da morte de seu primeiro amor o obriga a confrontar o passado, impulsionando-o numa jornada onírica pela cidade, em busca de um sentido perdido e de uma “grande beleza” que parece ter desaparecido.
Vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, A Grande Beleza é a obra que consagrou Paolo Sorrentino mundialmente. Frequentemente comparado a La Dolce Vita, de Fellini, o filme é, na verdade, uma obra profundamente pessoal e contemporânea, um réquiem para um mundo em decadência e uma meditação pungente sobre o tempo, a memória e a criação artística. A Roma de Sorrentino é um palco irreal, um labirinto de terraços luxuosos, palácios antigos e ruínas silenciosas, onde o sagrado e o profano se misturam em um carnaval melancólico.
A direção é um triunfo de virtuosismo visual, uma sinfonia de imagens opulentas que capturam a beleza efêmera e o vazio profundo da vida de Jep. Toni Servillo, mais uma vez, é sublime ao dar corpo e voz a um personagem complexo, um esteta cínico que esconde uma nostalgia incurável pela inocência. É um filme que questiona o sentido da arte e da vida em uma era que parece ter perdido todos os valores, uma obra-prima que trouxe o cinema italiano de volta ao centro do palco internacional.
Sacro GRA (2013)
Longe do monumental centro de Roma, outra cidade pulsa às margens do Grande Raccordo Anulare, a rodovia que circunda a capital. Aqui, neste território invisível para a maioria, vivem e trabalham personagens extraordinários: um botânico que estuda palmeiras infestadas por um parasita, um pescador de enguias que vive em uma barcaça no Tibre, um nobre decadente, um paramédico que assiste vítimas de acidentes de trânsito. Um mosaico de vidas nas bordas da metrópole.
O primeiro e único documentário a ganhar o Leão de Ouro no Festival de Veneza, Sacro GRA é uma obra que redefine os limites do cinema da realidade. Gianfranco Rosi, com seu olhar paciente e curioso, mergulha por anos nesse mundo submerso, encontrando o épico no cotidiano e a poesia no ordinário. O filme não tem uma tese a provar nem uma história a contar no sentido tradicional; é antes um fresco humano, um “mistério secular” que revela a humanidade oculta em lugares aparentemente anônimos.
A direção de Rosi é precisa e pictórica. Cada plano é cuidadosamente composto, transformando as paisagens marginais do Raccordo em cenas cheias de significado. O diretor não entrevista seus personagens, mas os observa vivendo, capturando momentos de intimidade, ironia e melancolia. É um cinema que exige do espectador abandonar as expectativas narrativas para se deixar levar por um fluxo de imagens e encontros, à descoberta da beleza inesperada que jaz nas margens do visível.
Reality (2012)
Luciano, um encantador e exuberante peixeiro napolitano, ganha a vida com pequenas trapaças e sonha com uma vida diferente. Impulsionado por sua família, ele faz um teste para o “Big Brother”. Essa experiência aparentemente inofensiva desencadeia uma obsessão totalizante nele. Convencido de que está constantemente sendo vigiado pela produção do reality show, Luciano mergulha em uma paranoia que progressivamente o distancia da realidade, transformando seu sonho de celebridade em um pesadelo.
Após a crua realidade de Gomorra, Matteo Garrone surpreende a todos com uma fábula sombria, grotesca e dolorosa sobre a Itália contemporânea e sua obsessão pela fama. Reality é uma crítica implacável à “espetacularização do nada”, de uma sociedade onde o parecer substituiu o ser. Garrone abandona o estilo documental para abraçar um registro mais felliniano, usando hipérbole e o surreal para descrever o absurdo de um mundo moldado pela televisão.
O filme é uma parábola amarga sobre a perda da inocência e a fragilidade humana diante do miragem do sucesso fácil. A atuação de Aniello Arena, um ator com passado de preso comum, é extraordinária pela capacidade de encarnar a ingenuidade bondosa de Luciano e sua subsequente descida à loucura. Premiado com o Grand Prix em Cannes, Reality confirma a versatilidade de um autor capaz de ler as patologias do presente com um olhar afiado e profundamente humano.
Caesar Must Die (2012)
Na ala de alta segurança da prisão de Rebibbia, em Roma, um grupo de detentos, muitos condenados por crimes de máfia, encena “Júlio César” de William Shakespeare. Durante os ensaios, as palavras do dramaturgo inglês se fundem com suas vidas, suas memórias e seus códigos de honra. A linha entre ficção e realidade se confunde, e o teatro torna-se um espelho para refletir sobre temas como traição, poder e liberdade.
Vencedor da Urso de Ouro no Festival de Cinema de Berlim, Caesar Must Die é uma obra extraordinária que hibridiza documentário, ficção e teatro. Os irmãos Taviani, mestres do cinema italiano, criam um filme poderoso e comovente no qual a força do texto de Shakespeare é amplificada pela verdade dos rostos e experiências dos atores-detentos. A escolha de filmar quase inteiramente em preto e branco dentro das paredes da prisão cria uma atmosfera claustrofóbica e atemporal.
O filme explora a função catártica da arte. Para esses homens, atuar não é apenas uma fuga, mas uma forma de confrontar seu passado e sua condição. A famosa frase final de um dos protagonistas – “Desde que conheci a arte, esta cela se tornou uma prisão” – encerra o paradoxo do filme: a arte liberta a mente, mas torna ainda mais aguda a consciência da reclusão física. Uma obra de rara inteligência e humanidade.
Mystery of an Employee
Drama, suspense, de Fabio Del Greco, Itália, 2019.
Alguém quer controlar a vida do funcionário Giuseppe Russo: os produtos que ele compra, sua fé política e religiosa, sua vida privada, até mesmo seus sonhos. Mas ele fará de tudo para escapar do controle e encontrar seu verdadeiro eu. Giuseppe é um homem de cerca de 45 anos, casado, com um emprego estável e uma casa própria. Sua vida flui aparentemente pacificamente quando ele conhece um vagabundo misterioso que lhe entrega algumas fitas VHS antigas. Giuseppe começa a assistir a vídeos nos quais é filmado em alguns momentos de sua vida desde a infância, depois na adolescência e na juventude. Quem filmou esses vídeos que ele não lembra de nada? Giuseppe tem a estranha sensação de estar constantemente observado e começa a investigar o que está acontecendo. Através de sua investigação, ele começa a redescobrir sua verdadeira identidade e a tomar consciência de quem realmente é.
Employee's Mystery é um filme que destaca o perigo do controle social e mostra uma sociedade onde todos são constantemente monitorados e condicionados em seu íntimo. O filme também é uma análise da natureza humana e da identidade. Fabio Del Greco, que interpreta Giuseppe, oferece uma atuação envolvente. Igualmente boas são Chiara Pavoni, no papel de Giada Rubin, e Roberto Pensa no papel do vagabundo. Employee's Mystery é um filme que aborda temas importantes de forma original, um suspense psicológico que mantém o espectador grudado na tela até o fim: uma metáfora para a sociedade contemporânea, na qual as pessoas são cada vez mais monitoradas e condicionadas pelos meios de comunicação e pelas tecnologias. É uma obra corajosa e provocativa, que trata temas importantes de maneira original.
IDIOMA: Italiano
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
As Quatro Vezes (2010)
![Le Quattro Volte (2011) Official Trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FNZDO4GJehQs%2F0.jpg)
Em uma pequena e antiga aldeia na Calábria, a vida flui segundo ritmos imutáveis. Um velho pastor doente passa seus últimos dias cuidando de suas cabras. Sua alma, segundo a doutrina pitagórica, será reencarnada em um cabrito recém-nascido, depois em um majestoso abeto e, finalmente, no carvão produzido a partir daquela árvore. Um ciclo eterno de transformação que une os reinos humano, animal, vegetal e mineral em uma única e silenciosa sinfonia.
Michelangelo Frammartino cria uma obra radical e poética, um filme quase sem diálogos que se apoia unicamente na força das imagens e nos sons da natureza. As Quatro Vezes é um exemplo puro de “slow cinema”, um cinema contemplativo que convida o espectador a desacelerar, observar e perceber as conexões invisíveis que ligam toda forma de vida. Não é um documentário, mas um poema visual que explora conceitos filosóficos complexos com uma simplicidade desarmante.
A direção de Frammartino é rigorosa e paciente. A câmera, muitas vezes fixa, captura a beleza austera da paisagem calabresa e a ritualidade dos gestos cotidianos, encontrando o universal no particular. É um cinema que rejeita as convenções narrativas para se tornar uma experiência sensorial e espiritual, uma obra corajosa que demonstra a capacidade do cinema independente de explorar novos territórios linguísticos e alcançar uma profundidade rara.
Gomorra (2008)
Baseado no romance investigativo de Roberto Saviano, o filme entrelaça cinco histórias que revelam o poder penetrante da Camorra no interior napolitano. Desde o descarte de resíduos tóxicos até a alta moda, do tráfico de drogas às aspirações criminosas de dois jovens exaltados, os acontecimentos mostram um sistema onde a violência é a única lei e a vida humana tem um preço insignificante. Um fresco coral e implacável que documenta a normalidade do mal.
Gomorra é um ponto sem retorno para o cinema italiano e para a representação do crime organizado. Matteo Garrone realiza uma operação radical: abandona todo romantismo mafioso para adotar um estilo quase documental, cru e observacional. Não há heróis nem anti-heróis, apenas indivíduos presos em um mecanismo maior que eles mesmos. A câmera acompanha os personagens, registrando suas ações com uma frieza que amplifica o horror.
O filme é uma experiência imersiva e sufocante. O uso de atores não profissionais, o dialeto carregado e as locações reais contribuem para criar uma sensação opressiva de autenticidade. Garrone não explica, ele mostra. Rejeita o didatismo do cinema investigativo tradicional para restaurar a realidade em sua brutalidade fragmentada. Seu sucesso internacional demonstrou a existência de um público global ávido por histórias italianas contadas sem filtros, redefinindo o gênero e influenciando toda uma geração de diretores.
As Consequências do Amor (2004)
Durante oito anos, Titta Di Girolamo viveu uma existência estéril e metódica em um hotel anônimo na Suíça italiana. Cada dia seu é marcado por uma rotina imutável, por uma aparente apatia que esconde um segredo inconfessável: ele está cumprindo uma pena em nome da Cosa Nostra. O encontro com Sofia, a jovem e curiosa garçonete do hotel, quebra sua armadura de solidão, desencadeando uma cadeia de eventos que o levará a fazer um gesto tão romântico quanto fatal.
Se L’uomo in più era uma explosão de talento, As Consequências do Amor é sua consagração estilística. Paolo Sorrentino dirige uma obra de perfeição formal quase geométrica, onde cada enquadramento, cada movimento de câmera, cada silêncio é calibrado para construir uma prisão existencial ao redor de seu protagonista. O filme é um thriller da alma, um noir metafísico que transforma uma história de máfia em uma reflexão profunda sobre liberdade, destino e o preço das emoções.
Toni Servillo oferece uma de suas performances mais icônicas, incorporando a solidão e a dignidade de um homem que desistiu de tudo. A direção de Sorrentino é glacial, porém vibrante, capaz de criar uma tensão insuportável através da repetição de gestos e do uso magistral da trilha sonora. É um cinema que abandona a ação para focar nos estados interiores, uma obra modernista que mostra como a elegância formal pode se tornar a ferramenta mais eficaz para contar a história do caos da alma humana.
O Embalsamador (2002)
Peppino, um anão taxidermista tão habilidoso quanto ambíguo, vive e trabalha no desolado Villaggio Coppola, um não-lugar na costa de Caserta. Sua vida solitária é virada de cabeça para baixo pelo encontro com Valerio, um jovem de beleza extraordinária que ele contrata como assistente. Desenvolve-se entre os dois uma relação mórbida de dependência e controle, um triângulo mortal completado pela chegada de Deborah, namorada de Valerio, destinada a um fim trágico.
Antes do sucesso internacional de Gomorra, Matteo Garrone já havia demonstrado uma rara capacidade de perscrutar os abismos da alma humana com um estilo cru e quase tátil. O Embalsamador é uma obra fundamental que marca uma virada no novo cinema italiano, um noir atípico que se transforma em um melodrama extremamente negro. Inspirado em um fato real, o filme usa a profissão da taxidermia como uma poderosa metáfora: Peppino não se limita a embalsamar animais, mas busca possuir e petrificar a beleza de Valerio, para torná-la eterna e inofensiva.
A paisagem espectral de Villaggio Coppola, com sua arquitetura ilegal e decadente, não é apenas um cenário, mas um espelho da desolação interior dos personagens. Garrone filma os corpos e os lugares com um realismo sem filtros, tornando o grotesco perturbador e plausível. É um cinema físico, que mergulha o espectador em uma atmosfera de putrefação moral e afetiva, marcando o nascimento de um novo noir italiano, desvinculado dos modelos americanos e profundamente enraizado nas ansiedades sociais do país.
One Man Up (2001)
Nápoles, anos 1980. As vidas paralelas de dois homens com o mesmo nome, Antonio Pisapia, se cruzam e divergem. Um é um cantor de sucesso, Tony, um viciado em cocaína e audacioso; o outro é um futebolista tímido e rigoroso, Antonio. Ambos estão no auge de suas carreiras, mas um destino cruel os empurrará para um declínio inexorável e tragicômico, forçando-os a confrontar o fracasso, a solidão e a busca por uma liberdade impossível.
Com sua estreia brilhante, Paolo Sorrentino lança as bases de todo o seu cinema futuro. One Man Up não é apenas um filme; é um manifesto poético. Aqui nascem os temas que se tornarão sua obsessão: a solidão dos personagens públicos, a dialética entre sucesso e fracasso, a máscara grotesca que esconde uma profunda melancolia. Inspirando-se nas figuras reais de Franco Califano e Agostino Di Bartolomei, o filme transcende a biografia para se tornar uma metáfora universal da existência.
É também o início da parceria artística quase simbiótica com Toni Servillo, cujo Tony Pisapia já é um arquétipo perfeito sorrentiniano: um homem que esconde sua fragilidade atrás de uma armadura impenetrável de cinismo e ironia. O estilo já é inconfundível: direção suntuosa que encontra o sublime no sórdido, diálogos brilhantes e uma habilidade única de transformar notícias em uma parábola existencial.
Feast
Documentário, de Franco Piavoli, 2018, Itália.
Franco Piavoli, autor da obra-prima "O Planeta Azul", retorna à direção para capturar a "noite do dia da celebração", entre Leopardi e Pascoli. Uma viagem entre o poético e o antropológico. O que é uma "festa"? O que ela representa, do ponto de vista simbólico e material? Que fardos, ou que alívios, traz para a mente das pessoas? E que valor assume quando se transforma em um ato coletivo? Festa não precisa de enfeites, e chega direto ao coração do espectador sem estratificação, sem qualquer desvio do caminho, sem qualquer adição.
Idioma: italiano
Legendas: inglês
A Árvore dos Tamancos de Madeira (1978)
É um filme italiano de 1978 escrito e dirigido por Ermanno Olmi. O filme conta a história da vida camponesa lombarda em uma fazenda do final do século XIX. Apresenta algumas semelhanças com o movimento neorrealista italiano anterior, e os papéis foram interpretados por camponeses e moradores reais, em vez de atores profissionais. O filme ganhou quatorze prêmios, incluindo a Palma de Ouro em Cannes e o César de melhor filme estrangeiro. A variação inicial do filme é falada em lombardo de Bérgamo.
Quatro famílias camponesas que trabalhavam em fazendas para o mesmo senhor juntam um lucro escasso em 1898 no campo de Bérgamo. Ao longo de um ano, nascem crianças, planta-se colheitas, abatem-se animais e casam-se casais; orações e histórias são trocadas na fazenda compartilhada pelas famílias. Correntes transformadoras são percebidas pelos camponeses, mas em sua maioria ignoradas; um rebelde comunista faz um discurso em uma feira regional, e quando um casal recém-casado visita a grande cidade de Milão, testemunham a prisão de prisioneiros políticos. A primavera chega, o pai corta uma árvore para fazer tamancos de madeira que seu filho possa calçar para ir à escola, porém o proprietário da terra percebe isso, e a família é forçada a deixar a terra.
Suspiria (1977)
Uma estudante americana que frequenta uma academia de balé na Alemanha descobre que a escola é apenas uma fachada para algo sinistro, ambientado em meio a uma série de assassinatos horrendos. Essa narrativa arrepiante é habilmente dirigida por Dario Argento. O filme conta com Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci e Miguel Bosé, que dão vida à história com suas performances envolventes. Argento, mestre do thriller, cria uma experiência cinematográfica que prende o público, mantendo-o na ponta da cadeira, instilando uma sensação de dúvida e inquietação ao longo de todo o filme.
Este filme se destaca como uma obra fascinante, sofisticada e excepcionalmente vibrante, caracterizada por seu estilo visual bizarro e cativante, realçado pela cinematografia excepcional de Vittorio Storaro. Embora o diálogo possa ocasionalmente falhar, Suspiria encanta e aterroriza com seu foco no sangue e no medo. O diretor mantém conscientemente uma trama minimalista, optando por destacar os visuais impressionantes do filme, em contraste com seus trabalhos anteriores, ultrapassando os limites do horror e mantendo uma atmosfera intensa e assustadora.
A Casa das Janelas que Riem (1976)
A Casa das Janelas que Riem é um conto assombroso que mergulha profundamente no mundo arrepiante do horror italiano. Stefano, um jovem restaurador de arte entusiasta e talentoso, tem a oportunidade única de trabalhar em um misterioso afresco situado nas paredes da igreja de uma vila isolada e sombria, distante da agitação da vida moderna. Sob a direção habilidosa de Pupi Avati, e trazido à vida pelas performances envolventes de Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina e Giulio Pizzirani, este filme oferece uma narrativa cativante que prende o público do início ao fim.
Embora fãs do horror italiano possam achar certos filmes do gênero previsíveis ou formulaicos, esta obra-prima gótica se distingue por criar uma sensação avassaladora de inquietação e suspense persistente, tecendo habilmente uma tapeçaria de horror que supera seus contemporâneos. À medida que a trama se desenrola, o medo penetrante se intensifica, prendendo os espectadores em um abraço implacável que se recusa a soltar, expandindo-se finalmente para um crescendo intolerável quando a história alcança seu clímax arrepiante.
L’uccello dalle piume di cristallo (1970)
É um filme italiano de 1970 dirigido pelo mestre do Giallo italiano Dario Argento em sua estreia como diretor. O filme é o primeiro na categoria Giallo italiano, que inaugurou um longo período de sucesso para esse tipo de filme. Após seu lançamento, o filme foi um grande sucesso de bilheteria. Também foi um sucesso fora da Itália.
Sam Dalmas é um escritor americano de férias em Roma com sua namorada inglesa, Julia, que está passando por um bloqueio criativo e está prestes a voltar para a América, porém ele testemunha uma mulher sendo atacada em uma galeria de arte por um estranho com luvas pretas e capa de chuva. Tentando alcançá-lo, Sam fica preso entre duas portas de vidro operadas mecanicamente e só consegue ver o homem escapar. A garota, Monica Ranieri, foi atacada e as autoridades ficaram com o passaporte de Sam para impedir que ele deixasse o país. Acredita-se que o agressor seja um serial killer que vem eliminando mulheres por toda a cidade, e Sam é uma testemunha importante.
O Conformista (1970)
![The Conformist (1970) Original Trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2Fw2djvGyhZ-k%2F0.jpg)
Bernardo Bertolucci dirige este thriller psicológico que examina um assassino fascista que tenta estabelecer a normalidade através do casamento enquanto recebe ordens para matar seu antigo professor, explorando temas como cumplicidade política, identidade e compromisso moral durante o regime de Mussolini.
Filmado com extraordinária sofisticação visual, Bertolucci utiliza a cinematografia e a mise-en-scène para sondar a psicologia do fascismo e da conformidade. O brilho formal e a profundidade temática do filme criam uma meditação inquietante sobre como os indivíduos racionalizam sua participação em sistemas opressivos.
Dillinger Está Morto (1969)
É um drama italiano de 1969 dirigido por Marco Ferreri. No elenco, Michel Piccoli, Anita Pallenberg e Annie Girardot. A história é uma mistura satírica sombria de sonho e realidade. O filme acompanha um homem entediado e alienado durante a noite em sua casa. O título origina-se de um artigo de jornal incluído no filme que declara a morte do gângster americano John Dillinger. O filme foi considerado controverso em seu lançamento preliminar por seu conteúdo e violência, mas agora é geralmente considerado a obra mais importante na filmografia de Ferreri. Ele era bem conhecido pela principal publicação francesa de cinema Cahiers du cinéma e Ferreri viveu e trabalhou em Paris por vários anos.
Glauco, um designer comercial de máscaras de gás de meia-idade, está cansado de sua profissão. Após discutir alienação com um parceiro na fábrica, ele retorna para casa. Sua esposa está deitada na cama com dor de cabeça, mas deixou o jantar na mesa, que esfriou. Ele fica desapontado com a comida e começa a preparar uma refeição melhor para si mesmo.
Pássaros Feios e Pássaros Pequenos (1966)
É um filme italiano de 1966 dirigido por Pier Paolo Pasolini. O filme participou do Festival de Cinema de Cannes de 1966, onde recebeu uma “Menção Especial” para Totò. O filme pode ser descrito como parcialmente neorrealista e trata de questões marxistas de dificuldade e conflito de classes. Inclui o popular ator cômico italiano Totò acompanhado em uma jornada por seu filho, interpretado por Ninetto Davoli. Este é o último filme estrelado por Totò antes de sua morte em 1967.
Totò e seu filho Ninetto vagam pelo campo romano. Durante sua caminhada, observam um corpo sendo retirado de uma casa após um assassinato. Em seguida, encontram um corvo falante, que é explicado nas legendas: “Para benefício daqueles que não estavam prestando atenção ou permanecem em dúvida, avisamos que o corvo é – como afirmam – um intelectual de esquerda do tipo que existia antes da morte de Palmiro Togliatti. Após muitas tentativas frustradas, os 2 personagens encontram a linguagem dos pássaros e conseguem pregar o amor às famílias, mas os falcões continuam a matar e comer os pardais, pois isso está em sua natureza.
A Mulher Macaco (1964)
O filme italiano de 1964, habilmente dirigido por Marco Ferreri, mergulha em temas intrigantes e instigantes enquanto explora as complexidades da natureza humana. Esta obra cinematográfica marcou presença ao ser exibida no prestigiado Festival de Cinema de Cannes de 1964, capturando a atenção do público e da crítica. O filme se inspira na comovente narrativa real de Julia Pastrana, que viveu no século XIX e enfrentou inúmeras adversidades devido à sua condição única.A história se desenrola em torno de Marie, frequentemente chamada de “Mulher Macaco”, uma personagem que enfrenta escrutínio e exploração devido ao seu corpo completamente coberto de pelos. Descoberta pelo empresário Focaccia em um convento em Nápoles, sua vida sofre uma reviravolta drástica. As freiras, protetoras porém pragmáticas, insistem que Focaccia a case como pré-requisito para sua libertação. Uma vez casado, Focaccia embarca em uma jornada de exibir Marie ao público, movido pelo desejo de lucrar com sua singularidade.Em um reflexo das atitudes sociais, Focaccia tenta oferecê-la a um jovem como símbolo de pureza intocada, mas Marie permanece hesitante em aceitar tais arranjos. Ao alcançar certo reconhecimento em Paris, sua vida toma um rumo trágico. Marie falece tragicamente durante o parto, um desfecho comovente para uma vida tumultuada. Indiferente à sua morte, Focaccia recupera seu corpo do museu naturalista, optando por exibi-lo em Nápoles, garantindo que sua história continue a evocar fascínio e reflexão muito depois de seu falecimento.
8½ (1963)
A obra-prima cinematográfica de Federico Fellini mergulha profundamente na vida de um renomado diretor de cinema que enfrenta uma profunda paralisia criativa. Imerso nas angústias de seu tumulto pessoal e no desconcerto existencial que o cerca, ele se encontra em uma encruzilhada. O diretor está preso em uma teia de bloqueio artístico justamente quando tenta concretizar sua mais recente visão cinematográfica. Ao longo da narrativa, ele deve confrontar o caos tumultuado que permeia tanto suas obrigações profissionais quanto as dinâmicas complexas de seus relacionamentos íntimos. Esta evocativa exploração apresenta um retrato intricado de um homem artisticamente e pessoalmente à deriva, esforçando-se para reconstruir seu mundo fragmentado em meio aos redemoinhos de confusão e incerteza que ameaçam dominá-lo a cada passo.
Esta obra-prima inovadora transformou o mundo do cinema ao introduzir uma estrutura narrativa única e inovadora que entrelaçava perfeitamente a realidade com sequências imaginativas de fantasia. A exploração perspicaz e reflexiva de Fellini sobre a jornada artística, juntamente com seu exame profundo das relações humanas, ultrapassou os limites do que era considerado possível no cinema. Esta obra abriu novas possibilidades formais e estabeleceu um precedente que inspirou inúmeros diretores ao longo das gerações. Seu impacto substancial na forma de arte consolidou sua posição como uma das conquistas mais monumentais na história do cinema, celebrando tanto a expressão criativa quanto as complexidades da experiência humana.
O Leopardo (1963)
O drama épico de Luchino Visconti narra o declínio da aristocracia siciliana durante a unificação da Itália, acompanhando uma família nobre que enfrenta agitação política, conflito geracional e a inevitável transformação de seu mundo durante o Risorgimento.
A conquista monumental de Visconti combina um estudo íntimo dos personagens com um amplo escopo histórico por meio de uma cinematografia deslumbrante e um design de produção meticuloso. A atuação de Burt Lancaster como o príncipe envelhecido captura tanto a dignidade quanto a resignação, enquanto o filme explora temas de mudança histórica inevitável e obsolescência pessoal.
Black Sabbath (1963)
![Black Sabbath (1963) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FJO8LJjLjncc%2F0.jpg)
Boris Karloff estrela em um trio de histórias assustadoras que incluem uma garota de programa abusada, um vampiro aproveitando ao máximo sua casa e uma enfermeira que está sendo assombrada pelo legítimo dono de seu anel. Diretor do filme: Mario Bava. Elenco: Michèle Mercier, Lidia Alfonsi, Boris Karloff, Mark Damon. O elemento mais assustador do filme é seu estilo, especialmente os interiores sujos e pesados de The Drop of Water, enquanto a atuação é menos convincente. Até mesmo os efeitos sonoros e ópticos às vezes parecem excessivamente extremos: um rigor maior teria beneficiado o filme.
O Eclipse (1962)
É um filme de arte italiano de 1962 escrito e dirigido por Michelangelo Antonioni e estrelado por Alain Delon e Monica Vitti. Filmado entre Roma e Verona, a história acompanha uma jovem (Vitti) que tem um relacionamento com um jovem corretor da bolsa no mercado financeiro (Delon). Quando ocorre um eclipse solar em Florença, Antonioni associou algumas de suas inspirações ao filme. O filme é o final de uma trilogia e é precedido por L’Avventura (1960) e La Notte (1961). L’Eclisse ganhou o Prêmio Especial do Júri no Festival de Cinema de Cannes de 1962 e foi escolhido para a Palma de Ouro. Definido por Martin Scorsese como o filme mais ousado da trilogia, está entre as obras mais conhecidas do diretor.
Numa segunda-feira de julho de 1961, ao amanhecer, Vittoria, uma jovem tradutora literária, termina seu relacionamento com Riccardo em seu apartamento no bairro imobiliário EUR de Roma, após uma longa noite de discussões. Riccardo tenta persuadi-la a ficar, mas ela o informa que não o ama mais e vai embora. Enquanto ela passeia pelas ruas desertas da madrugada, passando pela torre de água do EUR, Riccardo a alcança e a acompanha por um lugar arborizado até seu apartamento, onde se despedem pela última vez.
Accattone (1961)
Vittorio (Franco Citti), apelidado de “Accattone”, leva uma vida de vagabundo até que sua mulher de rua, Maddalena, é explorada por suas concorrentes e condenada. Sem uma renda fixa, ele inicialmente tenta reatar com a mãe de seu filho, mas é rejeitado pelos pais dela; então conhece uma garota da periferia, Stella, e tenta transformá-la em prostituta para ele, mas quando seu primeiro cliente a espanca, ela foge. Accattone tenta consolá-la, mas a deixa, depois que ela tem uma visão incomum de sua própria morte, para ir com suas amigas.
Embora tenha sido filmado com um roteiro, Accattone é uma versão cinematográfica das primeiras histórias de Pasolini, especialmente Ragazzi di vita e Una vita violenta. Foi o primeiro filme de Pierpaolo Pasolini como diretor, e utiliza estilos de direção que certamente seriam vistos como características marcantes de Pasolini: atores não profissionais do local onde o filme se passa, sendo uma das excelentes obras cinematográficas para se ver certamente sobre pessoas afetadas por dificuldades.
Il posto (1961)
É um filme italiano de 1961 dirigido por Ermanno Olmi. Tipicamente citado como a primeira grande obra de Olmi, é um exemplo do neorrealismo italiano. Olmi ganhou o David di Donatello de melhor diretor por seu trabalho no filme. O filme conta a história de Domenico, um rapaz que abandona a escola porque sua família precisa de dinheiro e ele precisa trabalhar. Conseguindo um emprego em uma grande corporação da cidade, ele passa por uma estranha série de exames, testes e entrevistas. Durante uma breve pausa nos ensaios, ele conhece Antonietta, uma garota que, assim como ele, abandonou os estudos porque precisa de dinheiro para sustentar a si mesma e sua mãe. Durante esse encontro, eles tomam café em um café e conversam sobre suas vidas e aspirações. Domenico se sente atraído por ela, mas eles se separam quando conseguem empregos em vários departamentos.
La Notte (1961)
A obra-prima de Michelangelo Antonioni retrata um casal casado — um romancista de sucesso e sua esposa — passando uma noite em Milão reexaminando seus laços emocionais, vagando pela vida noturna e pelos círculos intelectuais da cidade enquanto enfrentam o distanciamento e a incerteza existencial.
A mise-en-scène precisa de Antonioni e o trabalho de câmera móvel transformam paisagens urbanas em topografias emocionais. A exploração sustentada do filme sobre o alienamento conjugal e a desconexão moderna, ancorada por performances luminosas de Marcello Mastroianni e Jeanne Moreau, estabeleceu o estilo definitivo de Antonioni na representação do tédio contemporâneo.
A Aventura (1960)
![L'Avventura (1960) ORIGINAL TRAILER [FHD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FOeTTaScAHLU%2F0.jpg)
Este filme italiano é baseado em uma história de Michelangelo Antonioni escrita com os co-roteiristas Elio Bartolini e Tonino Guerra, um filme de arte sobre o desaparecimento de uma senhora (Lea Massari) durante uma viagem de barco pelo Mediterrâneo, e também sobre a subsequente traição de seu admirador (Gabriele Ferzetti) com sua parceira (Monica Vitti). Foi filmado em Roma, nas Ilhas Eólias e na Sicília em 1959, em condições econômicas e logísticas difíceis. Uma obra de arte para ver e entender a essência do cinema de Antonioni e seu efeito sobre todos os outros cineastas.
Enquanto Claudia espera no andar de baixo, Anna e Sandro fazem sexo na casa dela. Na manhã seguinte, o iate de luxo pessoal chega às Ilhas Eólias, no norte da Sicília. Tendo passado por Basiluzzo, Anna impulsivamente mergulha na água para nadar e Sandro pula atrás dela. Sandro tenta salvá-la quando Anna chora dizendo que na verdade viu um tubarão. Anna confessa a Claudia que o tubarão foi uma mentira para despertar o interesse de Sandro. Depois de ver Claudia gostar de sua blusa, ele diz para ela vesti-la, que fica muito melhor nela, e que ela pode ficar com ela. Anna está insatisfeita com as longas viagens de negócios de Sandro, que ignora seus problemas e dorme nas pedras.
Domingo Negro (1960)
Uma bruxa e seu servo maligno retornam do túmulo e embarcam em uma estratégia sangrenta para recuperar o corpo do descendente da bruxa. Diretor do filme: Mario Bava. Elenco: Barbara Steele, John Richardson, Andrea Checchi, Ivo Garrani. Críticos do cinema italiano moderno criticaram negativamente o filme, embora alguns tenham apreciado a cinematografia. O filme possui belos movimentos de câmera e o estilo visual de Bava produz poesia e sentimento, assim como medo. Bava é um autor de filmes pictóricos e esta é uma de suas melhores obras.
Olhos Sem Rosto (1960)
O instrutor Génessier, um renomado cirurgião plástico que trabalha com transplantes, é responsável por um acidente de carro do qual sua filha Christiane saiu viva, mas com o rosto terrivelmente mutilado. Com a ajuda de um assistente, ele atrai mulheres para seu ateliê para arrancar a pele de seus rostos e usá-la nas feridas de sua filha. Uma operação tão difícil que é necessário repeti-la sistematicamente, após cada falha dos enxertos. Christiane, com uma máscara no rosto, ainda não entende absolutamente nada…
Críticos franceses afirmaram que era uma imitação do Expressionismo Alemão ou simplesmente um erro na transição do diretor de documentários para filmes de gênero. A imprensa britânica afirmou que, quando um diretor como Georges Franju faz um filme de horror, não se deve tentar encontrar alegorias ou níveis de leitura. Os Olhos Sem Rosto foi relançado nos cinemas em setembro de 1986 para acompanhar retrospectivas no National Movie Theater de Londres e na Cinémathèque Française, e o filme começou a ser reavaliado. As críticas francesas ao filme foram particularmente mais encorajadoras do que na sua estreia preliminar. O público descobriu a natureza poética do filme ao compará-lo com a obra do poeta e diretor francês Jean Cocteau. Franju utiliza um poema estranho no qual a inspiração de Cocteau aparece.
La Dolce Vita (1960)
O estudo de personagem de quase três horas de Federico Fellini acompanha um jornalista de tabloide através de encontros episódicos na alta sociedade de Roma, revelando o fascínio decadente e a decadência moral da la dolce vita — a doce vida — por meio de encontros com aristocratas, celebridades e figuras da sociedade.
Este filme profundamente estiloso transcende sua duração através de uma narrativa magnética e da performance cativante de Marcello Mastroianni. Captura a essência da sociedade italiana enquanto explora temas de desejo, espiritualidade e desilusão, tornando-se o filme favorito de Roger Ebert e um marco na história do cinema.
The Cry (1957)
É um filme italiano de 1957 dirigido por Michelangelo Antonioni e estrelado por Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair e Dorian Gray. Baseado em um conto de Antonioni, o filme narra a história de um homem que vagueia sem rumo, longe de sua cidade, longe da mulher que amava, e acaba mental e socialmente instável. Il Grido ganhou o Leopardo de Ouro no Festival Internacional de Cinema de Locarno em 1957 e a Fita de Prata de Melhor Direção de Fotografia (Gianni di Venanzo) em 1958.
Aldo trabalhou na fábrica de açúcar em Goriano por 7 anos. Sua noiva, Irma, descobre que seu parceiro, que havia partido para a Austrália anos antes em busca de trabalho, faleceu recentemente lá. Irma vai até a fábrica de açúcar e leva o almoço para Aldo. Aldo retorna para sua casa onde discutem a morte de seu parceiro. Aldo diz que, após 7 anos, finalmente podem se casar e legitimar sua filhinha, Rosina. No dia seguinte, Irma revela que gosta de outra pessoa. Aldo não acredita em suas palavras. Nos dias seguintes, ele tenta freneticamente fazê-la mudar de ideia, mas sem sucesso, e o caso termina com ele dando um tapa nela em público.
Abandonados (1955)
É um filme italiano de 1955 ambientado no período pós-invasão dos Aliados na Itália em 1943 durante a Segunda Guerra Mundial. O filme foi apresentado no Festival de Cinema de Veneza de 1955. É o lançamento como diretor de Francis Maselli. A música foi composta por Giovanni Fusco e orquestrada por Ennio Morricone.
No verão de 1943, a Condessa Luisa e seu filho Andrea deixam Milão devido às batalhas dos Aliados na cidade e se retiram para sua propriedade fora da cidade, onde hospedam dois colegas de Andrea, seu primo Carlo, filho de um fascista que fugiu para a Suíça, e seu amigo Ferruccio, filho de um oficial do exército que participou da guerra. Os três jovens passam o tempo em doce ociosidade, tomando sol à beira do rio, mal conscientes da disputa em curso, graças às transmissões da Rádio Londres. Eles começam a se conscientizar da gravidade do cenário quando os deslocados chegam da cidade e Andrea é obrigado a aceitar hospedar alguns deles na propriedade, para o desconforto de sua mãe.
Ladrões de Bicicleta (1948)
No bairro romano de Val Melaina, após a Segunda Guerra Mundial, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) não tem esperança de trabalho para sustentar sua esposa Maria (Lianella Carell) e seu filho Bruno (Enzo Staiola). Como a atividade exige uma bicicleta, ele avisa Maria que não pode comprar uma. Maria pega os lençóis de seu dote da cama e os leva para o penhor, onde recebem dinheiro suficiente para a compra da bicicleta de Antonio.
A obra neorrealista de Vittorio de Sica está enraizada em um mundo onde possuir uma bicicleta é essencial para o trabalho, mas também poderia se passar em um mundo onde a falta de um carro, ou de creche acessível, ou de uma casa, ou de segurança social são barreiras esmagadoras para colocar comida na mesa. Isso é o que torna o filme tanto para a Itália do pós-guerra quanto para qualquer época.
La terra trema (1948)
É um filme italiano neorrealista de 1948 dirigido, co-escrito e produzido por Luchino Visconti. Uma adaptação livre do romance de 1881 I Malavoglia de Giovanni Verga, o filme narra os sofrimentos individuais dos pescadores sicilianos. O filme tem estilo documental, inclui um elenco de atores não profissionais e uma mistura de cenas roteirizadas e não roteirizadas. É considerado um dos filmes importantes do movimento neorrealista e está entre os melhores filmes de todos os tempos.
Os Valastros são uma família de pescadores da classe trabalhadora em Aci Trezza, uma pequena cidade de pescadores na costa leste da Sicília. A primeira parte narra o esforço dos pescadores para melhorar suas vidas. Os pescadores pedem um preço mais alto pelo peixe, impulsionados pelo filho mais velho ‘Ntoni, para se rebelar contra os atacadistas. Os pescadores acabam na prisão. Os atacadistas percebem que é mais lucrativo ter ‘Ntoni e seus amigos pescando, então libertam os pescadores. Ntoni, que viveu fora da Sicília por um tempo, trouxe alguns novos conceitos para sua terra e tenta formar uma cooperativa, mas ninguém se junta a ele. Escolhendo seguir sozinho, ele convence sua família a hipotecar a casa para comprar um barco e começa sua nova vida.
Alemanha, Ano Zero (1948)
É um filme italiano de 1948 dirigido por Roberto Rossellini, e também é o último filme da trilogia de filmes de guerra de Rossellini, que segue Roma, Cidade Aberta e Paisà. Alemanha, Ano Zero se passa na Alemanha ocupada pelos Aliados, ao contrário dos outros que ocorrem na Roma ocupada pelos alemães e durante a invasão aliada da Itália.
Como em muitos filmes neorrealistas, Rossellini usou principalmente atores não profissionais. Filmado em Berlim no ano seguinte à sua quase total destruição na Segunda Guerra Mundial, inclui imagens significativas da Berlim arruinada e da luta humana pela sobrevivência em meio à destruição da Alemanha nazista. Muitos críticos de cinema que anteriormente aplaudiram Rossellini condenaram o filme como teatral e imprudente. Um filme inovador, definido por Charlie Chaplin como o filme italiano mais belo que ele já tinha visto, é uma produção cinematográfica muito distante dos cânones visuais de Hollywood.
Paisà (1946)
É um filme dramático do neorrealismo italiano de guerra de 1946 dirigido por Roberto Rossellini. Em 6 episódios independentes, conta a liberdade da Itália da pressão dos Aliados durante a última fase da Segunda Guerra Mundial. O filme estreou no Festival Internacional de Cinema de Veneza e ganhou inúmeros prêmios nacionais e globais.
Em todo o mundo, o filme adquiriu reconhecimentos importantes. O crítico francês André Bazin escolheu-o como o filme essencial para revelar o valor do neorrealismo italiano, destacando sua apreensão da verdade com uma mistura de documentário e ficção. Ele alcançou reconhecimento nos Estados Unidos, Bélgica, Japão e Suíça.
Roma, Cidade Aberta (1945)
Soldados da SS alemã tentam prender Giorgio Manfredi, engenheiro comunista e líder da Resistência contra nazistas e fascistas italianos. Eles pensam que Giorgio é um policial, no entanto, quando ele insinua que é um confederado, Giorgio pede que ele envie dinheiro para um grupo de combatentes da Resistência fora da cidade, pois agora é reconhecido pela Gestapo e não pode agir sozinho.
Poucos movimentos cinematográficos podem se orgulhar do sucesso do neorrealismo italiano, uma onda pós-Segunda Guerra Mundial que participou da batalha da classe trabalhadora que produziu muitos filmes de arte. Roberto Rossellini esteve entre os principais diretores do neorrealismo. Este drama de repressão e resistência possui algumas das cenas mais incríveis de todo o cinema.
Obsession (1943)
É um filme italiano de 1943 baseado no romance de 1934 O Carteiro Sempre Toca Duas Vezes, de James M. Cain. O primeiro longa-metragem de Luchino Visconti é considerado por muitos como o primeiro filme neorrealista italiano, embora a precisão dessa classificação seja debatida. Apresenta algumas semelhanças com o estilo caligráfico.
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