L’imaginaire collectif a étiqueté les films qui défient la logique comme « bizarres » ou « absurdes ». Des œuvres comme Donnie Darko ou Mulholland Drive nous obligent à questionner, à chercher des significations cachées, devenant de véritables films cultes. Mais que voulons-nous dire par « absurde » ? Ce n’est pas seulement une intrigue complexe. C’est un cinéma qui puise dans le surréalisme, la satire grotesque et l’horreur psychologique pour démanteler nos certitudes.
C’est un langage qui privilégie l’expérience sensorielle et émotionnelle plutôt que la cohérence logique. C’est un cinéma qui, à l’instar de celui de David Lynch ou Yorgos Lanthimos, utilise l’absurde comme un outil chirurgical pour disséquer l’âme humaine, les distorsions de la société et les angoisses de notre époque. À une époque saturée de contenus prévisibles, il existe une faim de films qui osent être différents et défier le spectateur.
Ce guide est une exploration de ce territoire. C’est une immersion dans des œuvres qui vous mettront au défi, vous troubleront et laisseront une marque indélébile. Un voyage qui place des chefs-d’œuvre cultes aux côtés de visions expérimentales, transformant le malaise en art.
Beau is Afraid (2023)
Beau Wassermann est un homme doux mais chroniquement paranoïaque. Lorsqu’il doit entreprendre un voyage jusqu’à la maison de sa mère, il est propulsé dans une odyssée surréaliste et cauchemardesque. Chaque étape de son chemin est entravée par des menaces bizarres et des dangers grotesques, transformant un simple déplacement en une descente épique à travers ses peurs les plus profondes, ses traumatismes d’enfance et la relation étouffante avec une mère omnipotente.
Le troisième long métrage d’Ari Aster est la manifestation cinématographique de l’angoisse pure. Une épopée comique et terrifiante de trois heures qui se déroule entièrement dans un paysage de phobies freudiennes et de culpabilité maternelle. C’est un film délibérément épuisant qui pousse l’absurde à son point de rupture pour explorer la psyché d’un homme prisonnier d’un état d’enfance perpétuelle et impuissante. La performance de Joaquin Phoenix est un tour de force de vulnérabilité, rendant ce voyage au cœur des ténèbres d’une âme tourmentée aussi hilarant que profondément angoissant.
I Am Nothing
Drame, thriller, de Fabio Del Greco, Italie, 2015.
L'histoire tourne autour de Vasco, un constructeur romain qui, à 74 ans, profite d'une vie de confort absolu. Sa parabole humaine prend un tournant dramatique lorsqu'une rencontre mystérieuse le conduit à une embuscade. Ayant survécu, mais marqué par un long coma, Vasco se réveille avec une nouvelle sensibilité, développant un lien intime et poétique avec la nature. Cette nouvelle relation avec le monde qui l'entoure le pousse à s'explorer profondément, dans un voyage intérieur et extérieur à travers l'Italie, les États-Unis et l'Inde, à la recherche d'un sens supérieur et d'une guérison. Parallèlement, la menace d'un cataclysme planétaire ajoute une dimension épique à l'histoire.
I Am Nothing explore des thèmes universels tels que le temps, la mémoire, l'oubli et la connexion avec la nature. Fabio Del Greco crée un drame existentiel plein de matière à réflexion. Le réalisateur combine habilement différents matériaux visuels, mêlant images d'archives, photographies de la nature et visions oniriques. Cette expérimentation visuelle se traduit par un montage qui capte l'attention du spectateur, le guidant à travers un cycle de création et de destruction. Les séquences alternant les bâtiments, fierté de Vasco, avec des décharges indiennes et des paysages naturels créent un rythme hypnotique, soulignant la beauté et la fragilité de la vie. Le parcours existentiel de Vasco est un hymne à la transformation et à la renaissance. L'évolution du protagoniste, du luxe débridé à la redécouverte de la pureté, représente une métaphore puissante sur le sens de la vie et la nécessité de se reconnecter aux valeurs authentiques. Io sono nulla se distingue par sa capacité à allier introspection et expérimentation visuelle, offrant une narration suggestive et captivante. C'est un film qui invite à réfléchir sur la condition humaine, notre relation au pouvoir et à la nature, et sur la possibilité de se retrouver à travers le changement. Une œuvre qui laisse une empreinte et se prête à de multiples lectures.
LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais
Titane (2021)
Après un accident de voiture dans son enfance qui lui laisse une plaque en titane dans la tête, Alexia développe une étrange fixation sexuelle sur les voitures. Adulte, elle est danseuse érotique et tueuse en série qui, après une série d’actes violents, prend la fuite. Pour cacher son identité, elle se déguise en garçon disparu depuis longtemps et est recueillie par un capitaine de pompiers solitaire et vieillissant qui croit qu’elle est son fils. Pendant ce temps, Alexia est enceinte d’une union bizarre avec une voiture, et son corps subit une transformation grotesque et métallique.
Le film Palme d’Or de Julia Ducournau est un chef-d’œuvre choquant, tendre et profondément étrange de la « nouvelle chair ». Il pousse l’horreur corporelle à ses limites extrêmes pour explorer les thèmes du genre, du traumatisme, et des manières désespérées et non conventionnelles dont les individus forgent des liens familiaux et trouvent l’amour au milieu de la douleur et de la monstruosité. Les deux lignes narratives du film — l’horreur grotesque de la grossesse métallique et le drame tendre de la famille retrouvée — ne s’opposent pas mais sont les deux faces d’une même pièce. Toutes deux explorent le processus douloureux et transformateur de création d’une nouvelle identité et d’une nouvelle forme d’amour en dehors des normes biologiques et sociales traditionnelles.
Annette (2021)
Henry McHenry est un humoriste provocateur et nihiliste ; Ann Defrasnoux est une cantatrice de renommée mondiale. Les deux forment un couple glamour et passionné, dont la vie est bouleversée par la naissance de leur fille, Annette, représentée par une marionnette en bois. Alors que la carrière d’Henry décline et que celle d’Ann atteint de nouveaux sommets, la jalousie et le ressentiment mènent à la tragédie, et la petite Annette révèle un don mystérieux qui sera exploité par son père.
La comédie musicale rock-opéra de Leos Carax est une œuvre grandiose, bizarre et profondément tragique. Utilisant la musique de Sparks et une esthétique délibérément artificielle (symbolisée par l’enfant-poupée), le film explore les thèmes de la masculinité toxique, de la nature destructrice de la célébrité, et de l’exploitation de l’art et de l’affection. C’est une fable sombre et surréaliste sur la performance, tant sur scène que dans la vie, et le prix que l’ego masculin fait payer à l’amour et à l’innocence. La performance d’Adam Driver est magnétique et terrifiante.
The Sands
Science-fiction, par Noah Paganotto, Argentine, 2022.
Dans un lieu indéterminé sur la planète Terre, à une époque inconnue, Zoilo vit avec sa famille dans un désert entouré de ruines. Ils vivent déracinés, sans mères, sachant que la grossesse pour les femmes est synonyme de mort. Pour eux, il n’y a qu’une seule routine collective : garder le feu vivant. Seul Zoilo échappe à cette logique, observant, intrigué, des détails que les autres ne voient pas et n’apprécient donc pas. La quête personnelle de Zoilo pour des réponses accentuera les différences avec ses proches, révélant de plus en plus un monde vide d’intériorité.
Film d’avant-garde qui brûle lentement dans la première partie puis révèle dans la seconde les conflits profonds d’une famille prisonnière de croyances archaïques. C’est une œuvre dystopique et visionnaire, avec une photographie merveilleuse et des images d’une rare puissance qui nous permettent de saisir la profondeur de l’histoire et son potentiel poétique. Les visages des acteurs, en particulier celui du garçon protagoniste, sont parfaits. The Sands représente métaphoriquement le monde dans lequel nous vivons : une société aliénée, où ce qui nous maintient en vie est diabolisé et accusé de la mort. À l’opposé du rythme rapide du film grand public typique, The Sands est un voyage méditatif au cœur des images. Le film a été tourné en environnements naturels dans la ville de Necochea, province de Buenos Aires, Argentine.
LANGUE : espagnol
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais
Mandy (2018)
En 1983, le bûcheron Red Miller mène une vie tranquille et isolée avec sa compagne, l’artiste Mandy Bloom. Leur existence idyllique est brutalement détruite lorsque Mandy attire l’attention de Jeremiah Sand, le chef d’une secte hippie déviante. Après l’avoir kidnappée avec l’aide d’un trio de motards démoniaques, la secte la tue sous les yeux impuissants de Red. Brisé par le chagrin, Red forge une hache en argent et se lance dans une vengeance furieuse et sanglante.
Le film de Panos Cosmatos est une œuvre divisée en deux : la première moitié est un rêve fiévreux, un mélodrame d’amour éthéré et mélancolique baigné de couleurs saturées et de mouvements de caméra lents ; la seconde moitié est un cauchemar éveillé, une explosion de violence heavy metal, de gore psychédélique et de fureur primordiale. La performance de Nicolas Cage est légendaire dans la capture de la descente d’un homme dans la folie et le deuil. Mandy est une expérience sensorielle écrasante, un film de vengeance qui transcende le genre pour devenir une œuvre d’art viscérale et hypnotique.
Climax (2018)
Au milieu des années 90, une troupe de jeunes danseurs talentueux se réunit dans une école isolée pour faire la fête après les répétitions. La célébration dégénère rapidement en un chaos infernal lorsqu’ils découvrent que la sangria qu’ils ont bue a été trafiquée avec du LSD. À mesure que la drogue fait effet, paranoïa, désir et violence explosent, transformant la fête en une descente collective dans la folie et l’horreur.
Gaspar Noé orchestre une expérience cinématographique immersive et étouffante. Tourné en plans-séquences vertigineux avec une bande-son martelante, le film entraîne le spectateur au cœur d’un « bad trip » collectif. Plus qu’un film narratif, c’est une simulation sensorielle de l’effondrement de l’ordre social, une exploration terrifiante de la manière dont la fine couche de civilisation peut se dissoudre, révélant les instincts les plus sombres et primordiaux. C’est une œuvre aussi techniquement impressionnante que psychologiquement épuisante.
A Page Of Madness
Drame, horreur, par Teinosuke Kinugasa, Japon, 1926.
Une page de folie est un film indépendant tourné avec un budget quasi inexistant puis perdu pendant quarante-cinq ans. Heureusement, le réalisateur l'a redécouvert dans ses archives en 1971. C'est un film réalisé par un groupe d'artistes avant-gardistes japonais, l'École des nouvelles perceptions. Un mouvement dont l'objectif était de dépasser la représentation naturaliste. Dans un asile de campagne, sous une pluie torrentielle, le gardien rencontre des patients atteints de troubles mentaux. Le lendemain, une jeune femme arrive, surprise de trouver son père là, qui travaille comme gardien. La mère de la femme est devenue folle à cause de son mari lorsqu'elle était marin. Le mari a décidé de changer de métier pour rester proche de sa femme à l'asile et s'occuper d'elle. Sa fille dit à son père qu'elle va bientôt se marier, mais le père s'inquiète car il craint, selon les rumeurs populaires de l'époque, que la maladie mentale de la mère soit héréditaire. Si le jeune marié et sa famille découvraient la folie de sa mère, le mariage tomberait à l'eau. Le gardien essaie de s'occuper de sa femme pendant son travail alors qu'elle se fait battre par d'autres pensionnaires, mais cela interfère avec son rôle et il est réprimandé par le directeur de l'asile. Peu à peu, le gardien perd le contact avec la réalité et ses frontières avec le rêve. Il commence à rêvasser de gagner à la loterie lorsque sa fille le revoit pour lui dire que son mariage est en difficulté. L'homme pense à sortir sa femme de l'asile pour cacher son existence et résoudre tous les problèmes. Teinosuke Kinugasa est le réalisateur de certains des meilleurs films japonais des années 1920. Une page de folie a été comparé aux grands films expressionnistes allemands. C'est un film expérimental, d'avant-garde extrême, qui semble anticiper les atmosphères et les thèmes qui rendraient David Lynch célèbre de nombreuses années plus tard. Cauchemars, distorsions, flous, doubles expositions et déformations photographiques : un film qui explore les limites les plus lointaines de l'image animée. Puis il y a ces
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Sorry to Bother You (2018)
Dans un Oakland contemporain alternatif, Cassius « Cash » Green est un télévendeur en difficulté qui découvre une clé magique du succès : utiliser sa « voix blanche ». Cela le propulse dans la hiérarchie d’entreprise jusqu’au monde macabre des « Power Callers », qui vendent de la main-d’œuvre esclave pour une société moralement corrompue appelée WorryFree. Au cours de son ascension, Cash doit choisir entre sa nouvelle richesse et rejoindre ses anciens collègues en grève contre l’exploitation corporative, un choix compliqué par un secret d’entreprise horrifique.
Le premier film de Boots Riley est une satire furieusement politique, surréaliste et d’une inventivité folle. Il utilise son postulat absurde de science-fiction pour lancer une critique cinglante et hilarante du capitalisme, du racisme, du « code-switching » et de la nature aliénante de la culture d’entreprise. L’élément satirique le plus brillant, la « voix blanche », est plus qu’un simple gag. C’est une métaphore de l’effacement complet de l’identité nécessaire pour réussir dans un système capitaliste dominé par les Blancs. Le succès dépend de devenir un véhicule désincarné, non menaçant et finalement inhumain pour les intérêts corporatifs.
Swiss Army Man (2016)
Hank, un homme désespéré échoué sur une île déserte, est sur le point de se suicider lorsqu’il voit un cadavre s’échouer sur la rive. Il découvre que le corps, qu’il nomme Manny, possède une série de capacités surnaturelles, dont la plus utile est une flatulence si puissante qu’elle peut servir de moteur pour un jet ski. Ensemble, les deux entreprennent un voyage surréaliste pour rentrer chez eux, durant lequel Hank enseigne à Manny, qui a perdu la mémoire, ce que signifie être vivant.
Ce qui pourrait sembler une blague de mauvais goût est en réalité l’un des films les plus originaux, émouvants et profondément humains de ces dernières années. Les réalisateurs, connus sous le nom de « Daniels », utilisent un postulat outrageusement absurde pour raconter une histoire sincère sur la solitude, l’amitié, la honte et le besoin de connexion. C’est une parabole fantaisiste et poétique qui célèbre la bizarrerie et trouve une beauté inattendue dans les fonctions corporelles et les tabous sociaux, prouvant que même les idées les plus étranges peuvent transmettre des émotions authentiques.
Haxan
Documentaire, par Benjamin Christensen, Suède, 1922.
Profanation de tombes, torture, nonnes possédées par des démons et sabbat des sorcières : Haxan, la sorcellerie à travers les âges est un film incroyablement original et non conventionnel qui est devenu légendaire avec le temps. Entre documentaire et fiction dramatique, le film nous guide à travers l'hypothèse scientifique que les sorcières du Moyen Âge souffraient des mêmes maux que les malades mentaux de l'époque moderne. Un horreur gothique effrayante et en même temps humoristique, avec la création de séquences documentaires et non fictionnelles qui anticipent les innovations de la Nouvelle Vague. Quelque chose d'absolument unique dans l'histoire du cinéma.
Sujet de réflexion
En sanskrit, Diable et Divin viennent de la même racine, dev. La folie est le côté sombre de l'homme et elle est aussi naturelle que le côté lumineux. Lorsque vous êtes capable de dire à un fou qu'il est non seulement fou mais que vous l'êtes aussi, un pont est immédiatement créé, et il est possible de l'aider. La nature de la vie n'est ni logique ni rationnelle. La vie est illogique, sauvage et contradictoire.
LANGUE : anglais, suédois
SOUS-TITRES : espagnol, français, allemand, portugais
The Greasy Strangler (2016)
Big Ronnie et son fils d’âge moyen, Big Brayden, dirigent une visite guidée en déclin sur l’histoire de la musique disco. Leur relation toxique et co-dépendante, alimentée par une nourriture incroyablement grasse, est perturbée par l’arrivée de Janet, une cliente qui tombe amoureuse de Brayden. Cela déclenche la jalousie de Ronnie, qui la nuit se couvre de graisse et se transforme en un meurtrier grotesque et nu, le « Greasy Strangler ».
Ce film est une expérience. Une immersion totale dans un univers de mauvais goût, d’anti-humour et de pur inconfort. Le réalisateur Jim Hosking crée un monde hermétique avec sa propre logique interne perverse, des dialogues répétitifs au point de l’hypnose, et des performances délibérément désagréables. C’est un film conçu pour être répugnant, mais dans son dévouement absolu à sa propre esthétique grotesque, il atteint une forme de génie comique surréaliste. On l’aime ou on le déteste, mais il est impossible de rester indifférent à une œuvre aussi singulièrement et courageusement bizarre.
The Lobster (2015)
Dans un futur dystopique proche, les célibataires sont arrêtés et envoyés dans un hôtel où ils disposent de 45 jours pour trouver un partenaire. S’ils échouent, ils sont transformés en un animal de leur choix. David, un homme fraîchement divorcé, s’enregistre et tente de naviguer dans les règles absurdes de la station, où la compatibilité repose sur des traits superficiels partagés. Après une tentative ratée, il s’échappe pour rejoindre un groupe de solitaires militants dans les bois, seulement pour découvrir que leurs règles sont tout aussi oppressives.
Un autre chef-d’œuvre de satire absurde de Yorgos Lanthimos, The Lobster est une critique pince-sans-rire, hilarante et finalement tragique de la romance moderne et de la pression sociale à la conformité. Le film soutient que le couplage forcé comme la solitude imposée sont également tyranniques, ne laissant aucune place à une connexion humaine authentique et non coercitive. Le mécanisme satirique central est la « caractéristique définissante », l’idée absurde qu’une relation réussie doit être basée sur une similarité superficielle et arbitraire. C’est une parodie brillante des algorithmes des applications de rencontres et de la manière dont la société moderne réduit des individus complexes à une liste de traits, rendant impossible une connexion authentique.
Under the Skin (2013)
Une entité extraterrestre prend la forme d’une femme séduisante et parcourt les rues d’Écosse dans une camionnette, attirant des hommes solitaires. Elle les conduit dans un repaire surréaliste où ils sont piégés dans un liquide noir et consommés. Cependant, à travers ses interactions avec l’humanité, l’extraterrestre commence à vivre une évolution inattendue, développant une forme d’empathie et de curiosité qui la pousse à remettre en question sa mission et sa propre identité.
Le chef-d’œuvre de Jonathan Glazer est un film de science-fiction hypnotique et terrifiant qui subvertit les conventions du genre. Plutôt que de se concentrer sur le spectacle, il utilise la perspective extraterrestre comme un filtre pour observer l’humanité avec un regard froid, presque documentaire, déconstruisant des concepts tels que l’identité, l’empathie et la vulnérabilité. La performance presque muette de Scarlett Johansson est extraordinaire pour transmettre la transition d’un prédateur impassible à une proie confuse. C’est une œuvre visuellement époustouflante et profondément dérangeante qui pénètre « sous la peau » du spectateur.
The Holy Mountain
Science-fiction, drame, par Alejandro Jodorowsky, 1973, Mexique.
Un homme, surnommé Le voleur, qui représente la carte du Fou dans le Tarot, est allongé inconscient dans un désert, entouré d'essaims de mouches. Lorsqu'il se réveille, il rencontre un nain sans pieds ni mains représentant le Cinq d'Épées. Les deux deviennent amis et se rendent dans la ville la plus proche où ils gagnent de l'argent en divertissant les touristes. Le voleur ressemble à Jésus-Christ, et après une querelle avec un prêtre, il mange le visage d'une statue de cire du Christ, symboliquement dévorant son corps et s'offrant « lui-même » au Ciel. Après de nombreuses mésaventures, il arrive au sommet d'une tour qui est le laboratoire d'un alchimiste mystérieux. Participant à divers rites d'initiation, l'alchimiste le présente aux sept personnes les plus puissantes de la Terre, qui travaillent dans les industries du bien-être, des armes, de l'art, du divertissement, de l'application de la loi, de la construction et de l'économie. Ensemble, ils devront atteindre la Montagne Sacrée, une montagne légendaire sur une île inexistante, où se trouvent neuf sages qui connaissent le secret de l'immortalité. Leur but est de les éliminer et de prendre leur place.
Sujet de réflexion
En Inde, ils appellent la réalité du monde qui nous entoure Maya, ce qui signifie illusion. La vérité est cachée : c'est comme un écran de cinéma sur lequel vous projetez vos rêves et désirs. Les physiciens ont étudié ce qu'est la matière et sont arrivés à la conclusion qu'elle n'existe pas. Alors, de quoi la matière des choses est-elle faite ? Ce n'est que de l'énergie condensée, qui vibre à très grande vitesse, une apparence. À un niveau profond, la matière n'existe pas.
LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais
Upstream Color (2013)
Une femme nommée Kris est kidnappée et droguée avec un parasite qui la rend susceptible à l’hypnose, permettant à son ravisseur de vider ses comptes bancaires. Après cette épreuve, elle trouve sa vie en ruines et sans aucun souvenir de ce qui s’est passé. Elle rencontre Jeff, un homme qui semble avoir subi un traumatisme similaire. Les deux se lient profondément, découvrant qu’ils font partie d’un cycle de vie complexe et mystérieux impliquant le parasite, des cochons et des orchidées bleues.
Le second film de Shane Carruth est une œuvre énigmatique, lyrique et scientifiquement complexe qui remet en question la narration traditionnelle. C’est une énigme visuelle et auditive qui explore les thèmes de l’identité, du traumatisme, du contrôle et des liens invisibles qui unissent les individus. Le film ne fournit aucune explication explicite mais communique à travers un flux d’images, de sons et d’associations émotionnelles, exigeant du spectateur qu’il abandonne la recherche d’une intrigue linéaire pour s’immerger dans une expérience sensorielle reflétant la confusion et la quête de sens de ses protagonistes.
Holy Motors (2012)
Du lever au coucher du soleil, nous suivons les heures dans la vie de Monsieur Oscar, un personnage énigmatique qui parcourt Paris dans une limousine blanche. En chemin, il se transforme en une série de personnages complètement différents : un mendiant âgé, un assassin, un monstre qui vit dans les égouts, un homme de famille. Chaque « rendez-vous » est une performance surréaliste et autonome, soulevant des questions sur la nature de l’identité, du jeu d’acteur et de la vie elle-même à l’ère numérique.
Le travail de Leos Carax est une élégie mystérieuse et émouvante pour le cinéma et pour l’expérience humaine. C’est un film qui défie toute catégorisation, un flux de conscience visuel qui explore la fragmentation de l’identité dans un monde où les rôles que nous jouons sont devenus plus réels que nous-mêmes. La performance transformative de Denis Lavant est légendaire. Holy Motors est un hommage à la « beauté du geste », un acte de foi dans le pouvoir des images à créer du sens même lorsque la logique échoue, et une réflexion mélancolique sur un monde qui a peut-être perdu sa capacité à voir la magie.
Don’t Hug Me I’m Scared (2011)
Cette série surréaliste en stop-motion présente un contenu éducatif déformé en scénarios cauchemardesques. Chaque épisode déconstruit des concepts simples comme l’amour, la créativité et la technologie à travers des images bizarres et inquiétantes ainsi que des progressions narratives illogiques.
Don’t Hug Me I’m Scared subvertit les formats éducatifs en introduisant une logique onirique et une angoisse existentielle. La série emploie un humour absurde et des métaphores visuelles dérangeantes pour explorer des concepts quotidiens, créant une expérience déstabilisante où le sens conventionnel se dissout.
Rubber (2010)
Robert, un pneu abandonné dans le désert californien, prend soudain vie. Il découvre qu’il possède des pouvoirs télékinétiques, qu’il utilise pour faire exploser de petits animaux et, finalement, les têtes des personnes qui croisent son chemin. Ses actes meurtriers sont observés par un groupe de spectateurs dans le désert, qui commentent l’action comme s’ils regardaient un film, tandis qu’un shérif tente de mettre fin au carnage, conscient de la nature fictive des événements.
Le film de Quentin Dupieux est une œuvre méta-cinématographique brillante et audacieuse. Le prétexte, un pneu tueur, n’est qu’un prétexte à une réflexion sur l’absurdité même de la narration cinématographique. Le film s’ouvre sur un monologue sur le concept de « pas de raison » dans les films, déclarant sa poétique. Rubber est une satire hilarante des tropes de l’horreur et du rôle passif du spectateur, une expérience audacieuse qui déconstruit les règles du cinéma tout en les mettant en scène, célébrant l’illogique et le non-sens.
Slow Life
Drame, comédie, thriller, par Fabio Del Greco, Italie, 2021.
Lino Stella prend une période de vacances loin de son travail aliénant pour se consacrer à la détente et à sa passion : dessiner des bandes dessinées. Mais il n’avait pas prévu certains éléments perturbateurs : l’administrateur intrusif de l’immeuble où il habite, le facteur qui distribue des amendes folles et des avis d’imposition, un agent de sécurité autoritaire, un agent immobilier très entreprenant, la vieille dame du dessous qui élève la colonie féline de la copropriété. Ces personnages vont transformer ses vacances en enfer.
Sujet de réflexion
Plus un groupe social est grand, plus il faut de règles et de bureaucratie, qui ne respectent souvent pas l’individu. Il faut apprendre à vivre avec des personnes agaçantes, mais parfois la pression sociale et l’arrogance peuvent devenir intolérables. Les seules lois qui viennent toujours à notre secours sont les lois de la Nature.
LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais
Enter the Void (2009)
Oscar, un trafiquant de drogue américain à Tokyo, est tué par la police lors d’une descente. Ce qui semble être la fin est en réalité le début d’un vaste voyage psychédélique. L’esprit d’Oscar quitte son corps et flotte à travers la ville baignée de néons, revivant des souvenirs traumatiques de son passé, observant les conséquences de sa mort sur sa sœur Linda, et expérimentant un voyage hallucinatoire vers la réincarnation, guidé par les principes du Livre tibétain des morts.
Le film de Gaspar Noé est une expérience radicale de la subjectivité cinématographique, un « mélodrame psychédélique » qui utilise une perspective à la première personne implacable pour piéger le spectateur dans la conscience de son protagoniste — avant, pendant et après la mort. Le style visuel agressif et parfois nauséeux n’est pas un simple ornement esthétique mais un dispositif thématique. Noé force le public à vivre le monde à travers les sens d’Oscar, incluant les trips sous drogue, la violence et la mort, afin de dissoudre la frontière entre spectateur et personnage. L’objectif ultime est de simuler le « Vide » du titre : un état où la conscience individuelle se brise et fusionne avec un flux universel et cyclique de mémoire et de sensation, faisant de ce film l’un des plus immersifs et psychologiquement invasifs jamais réalisés.
Dogtooth (2009)
Trois frères et sœurs adultes vivent en isolement complet dans l’enceinte clôturée de leur famille, n’ayant jamais connu le monde extérieur. Leurs parents ont construit pour eux une réalité alternative étrange, leur enseignant des définitions erronées des mots (un « zombie » est une petite fleur jaune) et contrôlant toute leur existence par un système de règles perverses et de récompenses. Ce monde fragile commence à s’effondrer lorsque le père introduit un étranger pour satisfaire les besoins sexuels de son fils.
Le film qui a établi Yorgos Lanthimos est une allégorie glaçante et sombrement hilarante sur le contrôle. Il utilise son postulat surréaliste pour exposer l’unité familiale comme un État totalitaire potentiel, où le langage est un outil d’oppression et l’ignorance est imposée comme moyen de pouvoir. Le titre, Kynodontas (Dogtooth), fait référence au mensonge central raconté aux enfants : ils ne peuvent quitter la maison que lorsque leur dent de chien tombe, un événement biologiquement impossible pour un adulte. Ce mensonge est une métaphore parfaite pour tous les systèmes de contrôle (familial, politique, religieux) qui maintiennent le pouvoir en créant des conditions inatteignables pour la liberté, piégeant leurs sujets dans un état d’enfance perpétuelle.
Taxidermia (2006)
À travers trois générations d’une famille hongroise, le film raconte trois histoires grotesques d’obsession corporelle. La première suit un soldat pendant la Seconde Guerre mondiale, tourmenté par des désirs sexuels refoulés. La deuxième se concentre sur son fils, champion de concours de nourriture à l’époque communiste. La troisième et dernière histoire est celle du petit-fils, un taxidermiste mince et solitaire vivant dans la Hongrie contemporaine, qui cherche à atteindre l’immortalité par son art macabre.
Le travail de György Pálfi est une allégorie historique audacieuse et visuellement époustouflante. Il utilise le grotesque et l’horreur corporelle pour peindre un portrait surréaliste et satirique d’un siècle d’histoire hongroise, où le corps devient le champ de bataille des idéologies politiques et des obsessions personnelles. C’est un film provocateur et difficile à digérer qui mêle humour noir, images dérangeantes et une profonde réflexion sur la mortalité, l’art et l’héritage, tant familial que national.
Donnie Darko (2001)
Un adolescent tourmenté commence à avoir des visions d’une mystérieuse silhouette et se retrouve mêlé à une intrigue complexe impliquant des voyages dans le temps et des réalités parallèles. Le film mêle drame psychologique et éléments de science-fiction de manière de plus en plus cryptique.
Donnie Darko exige plusieurs visionnages pour démêler son intrigue défiant la logique. Le film superpose des séquences oniriques, des paradoxes temporels et des questions philosophiques, créant une expérience déroutante où la causalité devient incertaine et la réalité se fracture en multiples interprétations.
Dans la peau de John Malkovich (1999)
Craig Schwartz, un marionnettiste de rue au chômage et frustré, trouve un emploi de commis aux archives dans un étrange bureau situé au 7½ étage d’un immeuble de Manhattan. Derrière un classeur, il découvre un petit portail qui mène directement dans l’esprit de l’acteur John Malkovich pendant quinze minutes. Avec sa collègue cynique Maxine, dont il est amoureux, il décide d’exploiter commercialement cette découverte, déclenchant une série de complications surréalistes autour de l’identité, du désir et de la célébrité.
Écrit par le génie de Charlie Kaufman et réalisé par Spike Jonze, ce film est une comédie surréaliste et profondément philosophique qui interroge la nature de l’identité et du désir. Le postulat bizarre devient un véhicule pour explorer la quête désespérée de l’humain pour s’échapper de soi-même et la célébrité comme coquille vide à habiter. Le film pose des questions vertigineuses : qui sommes-nous sans notre corps ? Que signifie aimer quelqu’un ? Et que se passe-t-il lorsque l’art de la marionnette — le contrôle — s’applique à la vie elle-même ? C’est une satire hilarante et mélancolique de la condition humaine.
The Exterminating Angel
Drame, de Luis Buñuel, Mexique, 1962.
L'intrigue tourne autour d'un groupe de personnes réunies dans une somptueuse villa pour un dîner de gala. Cependant, après le dîner, ils découvrent qu'ils sont incapables de quitter la villa, bien que les portes et fenêtres soient barricadées et les sorties apparemment bloquées. Ce qui suit est une sorte de cauchemar surréaliste où le groupe d'invités est piégé dans la villa et leurs comportements ainsi que leurs relations sociales commencent à se dégrader de manière bizarre.
Le film traite des thèmes de la conformité sociale, de l'aliénation et de la chute des conventions sociales. Il est connu pour ses séquences surréalistes et la manière dont il remet en question la réalité et la logique traditionnelle. « L'Ange exterminateur » est souvent interprété comme une critique satirique de la haute société et des normes sociales autojustifiées. Ce film est devenu une icône du cinéma surréaliste et représente l'une des œuvres les plus distinctives et provocatrices de Luis Buñuel. Il est apprécié tant pour sa complexité conceptuelle que pour son extravagance visuelle, et a influencé le monde du cinéma par sa capacité à repousser les limites de l'art cinématographique. À l'époque, beaucoup pensaient que c'était le dernier film de la carrière de Buñuel. C'était cependant le premier d'une série de chefs-d'œuvre.
LANGUE : espagnol
SOUS-TITRES : anglais
Pi (1998)
Maximilian Cohen est un génie mathématique solitaire et paranoïaque convaincu que tout dans la nature peut être compris à travers les nombres. Utilisant un superordinateur dans son appartement de Chinatown, il cherche des motifs numériques dans le marché boursier. Ses recherches le conduisent à découvrir un mystérieux nombre à 216 chiffres qui semble être la clé non seulement du marché boursier mais peut-être aussi d’un code divin caché dans la Torah, attirant l’attention à la fois d’une puissante firme de Wall Street et d’un groupe de kabbalistes.
Le premier film de Darren Aronofsky est un thriller psychologique à petit budget, tourné en noir et blanc granuleux à fort contraste, qui explore l’obsession de trouver de l’ordre dans le chaos. Le film met en scène le conflit entre la foi (dans les nombres, en Dieu) et l’inconnaissable, entre la rationalité scientifique et le mysticisme. La descente de Max dans la folie est une parabole sur l’arrogance dangereuse du savoir humain face à des mystères plus grands, un voyage fiévreux qui culmine non pas dans une découverte divine, mais dans un renoncement violent et libérateur à la recherche elle-même.
Gummo (1997)
À la suite d’une tornade dévastatrice, la petite ville de Xenia, dans l’Ohio, est un lieu de désolation et d’apathie. Le film suit les vies fragmentées d’un groupe d’adolescents et d’habitants, dont deux garçons qui passent leurs journées à chasser des chats errants pour les vendre à un restaurant local. À travers une série de vignettes apparemment déconnectées, le film dresse un portrait nihiliste et dérangeant de la pauvreté et de la négligence dans une Amérique oubliée.
Le premier film de Harmony Korine est une œuvre controversée et inoubliable. Utilisant un style non linéaire, presque documentaire, et mêlant des acteurs non professionnels à des scènes délibérément bizarres et troublantes, Gummo pousse le spectateur à affronter une réalité qu’il préférerait ignorer. Il n’y a aucun jugement moral, seulement une observation froide et parfois étrangement poétique de la désolation. C’est un film qui cherche une beauté perverse dans les décombres, un instantané brut et hallucinatoire d’une génération perdue qui a laissé une marque indélébile sur le cinéma indépendant.
Tetsuo : L’Homme de Fer (1989)
Un salarié japonais renverse accidentellement un « fétichiste du métal » qui s’implantait des morceaux de fer dans le corps. Peu après, le salarié commence à subir une métamorphose horrifique. Des éclats de métal jaillissent de sa chair, son corps se contorsionne, et il se transforme lentement et violemment en un hybride monstrueux de chair et de ferraille industrielle, culminant dans une confrontation finale avec son ennemi ressuscité.
Chef-d’œuvre convulsif d’horreur corporelle cyberpunk, Tetsuo est une attaque implacable et à grande vitesse des sens, visualisant la collision violente entre l’humanité et la technologie dans le Tokyo post-industriel. La transformation n’est pas seulement une horreur physique mais une métaphore de la rage refoulée et de l’anxiété sexuelle du « salaryman » moderne. La carapace rigide et conformiste de l’employé est brutalement brisée, remplacée par une nouvelle forme monstrueuse, phallique et destructrice qui représente une libération terrifiante des contraintes sociales. L’« Homme de Fer » est l’Id du protagoniste manifesté ; le métal n’est pas seulement la technologie, mais l’énergie brute, violente et sexuelle que sa vie civilisée l’a forcé à réprimer.
Begotten (1989)
Dans un monde primordial et désolé, une figure divine se suicide en s’éventrant. De son cadavre émerge la Terre Mère, qui s’insémine elle-même avec sa semence et donne naissance à un fils déformé et tremblant, le Fils de la Terre. Cette nouvelle créature est torturée et tuée par un groupe de nomades sans visage, dans un cycle sans fin de mort violente et de renaissance, tandis que la nature renaît de leurs restes.
Le travail d’E. Elias Merhige est un cauchemar expérimental en noir et blanc, une expérience visuelle extrême qui réécrit la Genèse comme un poème d’horreur cosmique. Filmé puis re-photographié image par image pour obtenir une image dégradée, vacillante et presque méconnaissable, le film élimine les dialogues et la narration traditionnelle pour communiquer à travers un langage purement visuel et viscéral. C’est une exploration brutale et fascinante des thèmes de la création, de la destruction et de la souffrance, une œuvre d’art radicale qui repousse les limites de ce que le cinéma peut représenter.
Devil Story (1986)
Ce film d’horreur français suit une narration chaotique impliquant un tueur difforme, une momie et un cheval possédé. Les personnages apparaissent et disparaissent sans explication, créant une intrigue incohérente qui ressemble à un rêve fiévreux.
Devil Story illustre le surréalisme involontaire à travers sa structure narrative déconcertante et ses scènes inexplicables. Le film défie la logique conventionnelle du récit, en faisant une étude captivante de la manière dont l’absurdité émerge de la confusion narrative plutôt que d’une intention artistique délibérée.
The Grin and the Cow
Film expérimental et musical, de Fabio Nicosia, Italie, 2020.
Film musical avec une touche psychologique. Les monstres de l'imagerie enfantine transmigrés à travers les différentes étapes de l'existence de l'individu. Les ombres, les fantômes et les peurs que nous avons réussi à apprivoiser mais pas à éliminer, et qui ressurgissent sans cesse dans les rêves, le langage, la peinture, l'architecture et la narration. Un film non conventionnel capable de pénétrer le regard du spectateur avec des images atypiques. À la recherche de ce monde onirique qui appartenait à l'enfant que nous étions et que nous pouvons redécouvrir, avec sa créativité et ses peurs.
LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais
Videodrome (1983)
Max Renn, président d’une chaîne câblée de bas étage, découvre une émission pirate appelée « Videodrome », qui semble montrer de la torture et des meurtres réels. Sa quête de l’origine du signal le plonge dans une conspiration impliquant des tumeurs cérébrales hallucinogènes, une nouvelle philosophie de la « nouvelle chair » et la fusion induite par les médias entre réalité et fantasme. Son propre corps commence à muter, développant une fente vaginale sur son ventre pour y insérer des cassettes vidéo.
Décennies en avance sur son temps, Videodrome est la thèse prophétique et terrifiante de David Cronenberg sur la relation entre les médias, la réalité et le corps humain. Le film soutient que les médias de masse ne sont pas une fenêtre passive sur le monde mais un agent biologique actif qui remodèle littéralement notre perception et notre chair. L’idée la plus radicale du film est que le contenu des médias est sans importance ; c’est le médium lui-même qui est le message et le mutagène. Le signal Videodrome agit à travers toute diffusion, pas seulement les plus violentes. Cette intuition fait du film une critique bien plus profonde qu’un simple avertissement contre la « violence à la télévision » : c’est un avertissement sur les effets neurologiques et physiologiques de l’écran lui-même, une idée terriblement prémonitoire à l’ère d’internet.
Stalker (1979)
Dans un monde post-apocalyptique et désolé, il existe une mystérieuse « Zone », une zone scellée par le gouvernement où les lois de la physique seraient suspendues et où, dans une pièce, les désirs les plus profonds d’une personne peuvent être exaucés. Un « Stalker », un guide tourmenté, conduit deux clients, un Écrivain cynique et un Professeur pragmatique, dans un voyage dangereux et métaphysique à travers ce paysage énigmatique et changeant.
Le chef-d’œuvre d’Andrei Tarkovsky est bien plus qu’un film de science-fiction ; c’est un voyage philosophique et spirituel au cœur de l’âme humaine. Lent, hypnotique et visuellement époustouflant, le film utilise son postulat pour explorer des thèmes complexes tels que la foi, le doute, le cynisme et la nature du désir. La Zone elle-même devient un personnage, une entité qui semble répondre aux états intérieurs des voyageurs. Stalker n’offre pas de réponses faciles mais pose des questions profondes, laissant le spectateur dans un état de contemplation méditative sur la condition humaine.
Eraserhead (1977)
Dans un désert industriel désolé, le timide Henry Spencer découvre qu’il a engendré un bébé mutant monstrueux et pleurant avec sa petite amie, Mary X. Enfermé dans son appartement claustrophobe, Henry plonge dans un monde cauchemardesque de visions surréalistes, dont une femme chantant à l’intérieur d’un radiateur, alors qu’il lutte contre les angoisses écrasantes de la paternité, de l’engagement et de sa réalité sombre.
Eraserhead est le cauchemar ultime de l’angoisse domestique transposé au cinéma. David Lynch traduit les peurs abstraites de la paternité et de l’aliénation urbaine en une expérience sensorielle tangible, grotesque et inoubliable, utilisant le son et la matérialité de l’image comme principaux outils narratifs. Le titre lui-même, « L’esprit qui efface », ne fait pas seulement référence à la coiffure du protagoniste ou à la séquence onirique dans l’usine de crayons, mais au désir psychologique fondamental qui anime le film : le besoin d’effacer une réalité insupportable. Le paysage sonore industriel oppressant et la photographie en noir et blanc austère et désolée sont essentiels pour matérialiser ce sentiment d’angoisse. L’acte final et violent d’Henry n’est que l’accomplissement tragique de ce désir d’annihilation, où la mort devient la seule échappatoire au « paradis » chanté par la Dame dans le Radiateur.
Hausu (1977)
Une écolière nommée Gorgeous, déçue par la nouvelle compagne de son père, décide de passer les vacances d’été dans la maison de campagne d’une tante qu’elle n’a jamais rencontrée, emmenant avec elle six de ses amies. La maison se révèle rapidement être un piège surnaturel et carnivore, qui commence à dévorer les filles une par une de la manière la plus imaginative et absurde : un piano mangeur de doigts, un chat démoniaque et des matelas volants ne sont que quelques-unes des horreurs psychédéliques qui les attendent.
Le film de Nobuhiko Ōbayashi est une explosion de créativité anti-réaliste, une histoire de fantômes qui abandonne toute prétention aux frayeurs traditionnelles pour embrasser une esthétique pop, ludique et délirante. Utilisant des effets visuels délibérément artificiels, de l’animation, du collage et un montage frénétique, Hausu ressemble à un épisode de Scooby-Doo réalisé par un cinéaste sous acide. Sous sa surface colorée et folle, cependant, se cache une réflexion mélancolique sur le traumatisme de la guerre et de la perte, faisant de cette œuvre un film aussi amusant et surréaliste que secrètement profond.
La Montagne sacrée (1973)
Un voleur christique erre à travers un paysage de tableaux grotesques, sacrilèges et satiriques représentant la corruption sociale. Il est recueilli par un puissant Alchimiste qui lui présente sept des personnes les plus influentes du monde, chacune symbolisant une planète et un aspect corrompu de la société. Ensemble, ils abandonnent leur ego et entreprennent une quête mystique vers l’île du Lotus pour gravir la Montagne sacrée et obtenir l’immortalité auprès des dieux qui y résident.
Le chef-d’œuvre d’Alejandro Jodorowsky n’est pas un film à regarder, mais un rituel alchimique à vivre. Il utilise un torrent de symbolisme ésotérique, de satire sociale et d’images psychédéliques pour déconstruire le pouvoir, la religion et la nature même de la réalité. Le voyage des disciples est un processus alchimique classique de purification, les dépouillant du matérialisme pour les préparer à l’illumination. La fin, avec son retournement choquant révélant le plateau de tournage, n’est pas un artifice cynique mais l’accomplissement ultime de ce chemin. La véritable « immortalité » n’était pas un secret mystique au sommet d’une montagne, mais l’éveil à la « vraie vie » et la déconstruction de l’illusion — le film lui-même. Jodorowsky offre au spectateur l’ultime illumination : la conscience d’être devant une œuvre d’art et l’impératif de retourner à sa propre réalité, transformé par l’expérience.
Pink Flamingos (1972)
L’infâme drag queen Divine vit sous le pseudonyme de Babs Johnson, fière détentrice du titre de « personne la plus sale du monde ». Sa réputation attire l’envie de Connie et Raymond Marble, un couple de criminels qui dirigent un réseau de trafic de bébés et se livrent à diverses perversions. Les Marble décident de défier Divine pour le titre, déclenchant une escalade d’actes de plus en plus grotesques, outranciers et dégoûtants.
Le chef-d’œuvre « trash » de John Waters est un acte révolutionnaire de mauvais goût, une attaque frontale contre toutes les conventions sociales et cinématographiques. Réalisé avec un budget dérisoire et une esthétique délibérément amateur, le film célèbre le dégoûtant et le tabou comme formes de rébellion. Il est devenu une icône du cinéma de minuit et une étape majeure de la culture queer, non seulement pour son audace transgressive mais aussi pour son esprit anarchique et libérateur. Pink Flamingos rappelle que l’art peut se trouver même dans les lieux les plus sordides, et que parfois, être « sale » est l’acte le plus honnête qui soit.
Orange mécanique (1971)
Le chef-d’œuvre dystopique de Stanley Kubrick suit un jeune violent soumis à un conditionnement comportemental expérimental. Le film présente une société cauchemardesque où violence, esthétique et morale s’entrechoquent de manière choquante et illogique.
Orange mécanique défie la logique narrative conventionnelle par son rejet du développement traditionnel des personnages et des cadres moraux. Kubrick crée un monde où la brutalité devient rituelle et où la beauté s’entrelace avec la violence, obligeant les spectateurs à affronter l’absurdité à la fois de la société et du cinéma lui-même.
El Topo (1970)
Un mystérieux pistolero vêtu de noir, El Topo, traverse un paysage désertique surréaliste avec son fils nu. Après avoir abandonné l’enfant, il entreprend une mission pour vaincre quatre maîtres tireurs afin de prouver sa suprématie spirituelle. Trahi et laissé pour mort, il renaît en fou sacré, devenant le sauveur d’une communauté de parias difformes vivant dans une grotte, qu’il doit libérer en creusant un tunnel vers le monde extérieur.
El Topo est le précurseur du genre « Acid Western », un film qui s’approprie l’iconographie de la frontière américaine pour y injecter un mysticisme oriental, une allégorie chrétienne et un surréalisme brutal. C’est une odyssée spirituelle en deux actes sur la destruction de l’ego et le chemin douloureux vers la rédemption et le sacrifice. La structure bipartite du film reflète l’arc narratif de l’Ancien et du Nouveau Testament. La première moitié est l’Ancien Testament : un « Dieu » vengeur et égoïste (El Topo) cherchant la domination par la violence. La seconde moitié est le Nouveau Testament : une figure humble, presque christique, qui atteint l’illumination par la souffrance, la communauté et le sacrifice ultime. Jodorowsky utilise ainsi l’archétype du western pour réécrire toute la parabole de la mythologie religieuse occidentale, passant d’un paradigme de pouvoir violent à un paradigme de compassion et de martyre.
Un Chien Andalou (1929)
Un court métrage surréaliste muet qui défie toute logique narrative conventionnelle. Il présente une série d’images choquantes, oniriques et déconnectées, incluant la célèbre scène d’ouverture où l’œil d’une femme est tranché par un rasoir. Le film suit un homme et une femme à travers des rencontres bizarres comprenant des fourmis sortant d’une main, des ânes morts sur des pianos, et des sauts temporels inexplicables, le tout régi par la logique de l’inconscient.
Cette œuvre est le cri primordial du cinéma surréaliste, une attaque directe contre la sensibilité bourgeoise et la pensée rationnelle. Luis Buñuel et Salvador Dalí, s’inspirant de leurs propres rêves pour le scénario, ont suivi la règle stricte de rejeter toute image pouvant avoir une explication logique. La scène infâme de la coupe de l’œil est une déclaration méta-cinématographique d’intention : le film « coupe » littéralement la manière conventionnelle de voir du spectateur, le forçant à abandonner l’observation passive et à interagir avec les images sur un plan purement viscéral et subconscient. Cet acte établit le principe fondamental de beaucoup de cinéma étrange à venir : l’expérience prime sur l’explication.
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