La imaginación colectiva ha etiquetado como «extraños» o «absurdos» a los filmes que desafían la lógica. Obras como Donnie Darko o Mulholland Drive nos obligan a cuestionar, a buscar significados ocultos, convirtiéndose en verdaderos cultos de seguidores. Pero, ¿qué queremos decir con «absurdo»? No es solo una trama compleja. Es un cine que se nutre del surrealismo, la sátira grotesca y el horror psicológico para desmontar nuestras certezas.
Es un lenguaje que privilegia la experiencia sensorial y emocional por encima de la coherencia lógica. Es un cine que, como el de David Lynch o Yorgos Lanthimos, utiliza lo absurdo como una herramienta quirúrgica para diseccionar el alma humana, las distorsiones de la sociedad y las ansiedades de nuestro tiempo. En una era saturada de contenidos previsibles, existe un hambre por películas que se atrevan a ser diferentes y desafíen al espectador.
Esta guía es una exploración de ese territorio. Es una inmersión en obras que te desafiarán, te perturbarán y dejarán una marca indeleble. Un viaje que coloca obras maestras de culto junto a visiones experimentales, transformando la inquietud en arte.
Beau is Afraid (2023)
Beau Wassermann es un hombre apacible pero crónicamente paranoico. Cuando debe emprender un viaje a la casa de su madre, es catapultado a una odisea surrealista y pesadillesca. Cada paso de su camino está obstaculizado por amenazas bizarras y peligros grotescos, convirtiendo un simple viaje en un descenso épico a través de sus miedos más profundos, traumas infantiles y la asfixiante relación con una madre omnipotente.
La tercera película de Ari Aster es la manifestación cinematográfica de la pura ansiedad. Una épica cómica y aterradora de tres horas que transcurre íntegramente en un paisaje de fobias freudianas y culpa maternal. Es un filme deliberadamente agotador que lleva el absurdo al límite para explorar la psique de un hombre atrapado en un estado de infancia perpetua e impotente. La actuación de Joaquin Phoenix es un tour de force de vulnerabilidad, haciendo de este viaje al corazón de las tinieblas de un alma atormentada algo tan hilarante como profundamente angustiante.
I Am Nothing
Drama, thriller, de Fabio Del Greco, Italia, 2015.
La historia gira en torno a Vasco, un constructor romano que, a los 74 años, disfruta de una vida de absoluto confort. Su parábola humana toma un giro dramático cuando un encuentro misterioso lo lleva a una emboscada. Habiendo sobrevivido, pero marcado por un largo coma, Vasco despierta con una nueva sensibilidad, desarrollando un vínculo íntimo y poético con la naturaleza. Esta nueva relación con el mundo que lo rodea lo lleva a explorarse profundamente a sí mismo, en un viaje interno y externo a través de Italia, Estados Unidos e India, en busca de un significado superior y una cura. Paralelamente, la amenaza de un cataclismo planetario añade una dimensión épica a la historia.
Io sono nulla explora temas universales como el tiempo, la memoria, el olvido y la conexión con la naturaleza. Fabio Del Greco crea un drama existencial lleno de reflexión. El director combina hábilmente diferentes materiales visuales, mezclando imágenes de archivo con fotografías de la naturaleza y visiones oníricas. Esta experimentación visual se traduce en una edición que captura la atención del espectador, guiándolo a través de un ciclo de creación y destrucción. Las secuencias que alternan los edificios, el orgullo de Vasco, con vertederos indios y paisajes naturales crean un ritmo hipnótico, subrayando la belleza y fragilidad de la vida. El viaje existencial de Vasco es un himno a la transformación y el renacimiento. La evolución del protagonista, desde el lujo desenfrenado hasta el redescubrimiento de la pureza, representa una poderosa metáfora sobre el sentido de la vida y la necesidad de reconectarse con valores auténticos. Io sono nulla destaca por su capacidad para combinar introspección y experimentación visual, ofreciendo una narración sugestiva y envolvente. Es una película que nos invita a reflexionar sobre la condición humana, nuestra relación con el poder y la naturaleza, y sobre la posibilidad de encontrarnos a nosotros mismos a través del cambio. Una obra que deja huella y se presta a múltiples lecturas.
IDIOMA: Italiano
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Alemán, Portugués
Titane (2021)
Tras un accidente automovilístico en su infancia que le deja una placa de titanio en la cabeza, Alexia desarrolla una extraña fijación sexual por los coches. De adulta, es una bailarina erótica y asesina en serie que, tras una serie de actos violentos, se da a la fuga. Para ocultar su identidad, se disfraza de un niño desaparecido hace mucho tiempo y es acogida por un solitario y envejecido capitán de bomberos que cree que es su hijo. Mientras tanto, Alexia está embarazada de una unión bizarra con un coche, y su cuerpo sufre una grotesca transformación metálica.
La película ganadora de la Palma de Oro de Julia Ducournau es una obra maestra impactante, tierna y profundamente extraña del «nuevo cuerpo». Lleva el horror corporal a sus límites extremos para explorar temas de género, trauma y las formas desesperadas y poco convencionales en que las personas forjan vínculos familiares y encuentran el amor en medio del dolor y la monstruosidad. Las dos líneas narrativas del filme —el horror grotesco del embarazo metálico y el drama tierno de la familia encontrada— no están en oposición, sino que son dos caras de la misma moneda. Ambas exploran el proceso doloroso y transformador de crear una nueva identidad y una nueva forma de amor fuera de las normas biológicas y sociales tradicionales.
Annette (2021)
Henry McHenry es un comediante provocador y nihilista; Ann Defrasnoux es una cantante de ópera de renombre mundial. Los dos forman una pareja glamurosa y apasionada, cuya vida se trastorna con el nacimiento de su hija, Annette, representada por una marioneta de madera. A medida que la carrera de Henry declina y la de Ann alcanza nuevas alturas, los celos y el resentimiento conducen a la tragedia, y la pequeña Annette revela un don misterioso que será explotado por su padre.
El musical rock-ópera de Leos Carax es una obra grandiosa, extraña y profundamente trágica. Utilizando música de Sparks y una estética deliberadamente artificial (simbolizada por la marioneta-niña), la película explora temas de masculinidad tóxica, la naturaleza destructiva de la fama y la explotación del arte y el afecto. Es una fábula oscura y surrealista sobre la actuación, tanto en el escenario como en la vida, y el precio que el ego masculino impone al amor y la inocencia. La actuación de Adam Driver es magnética y aterradora.
The Sands
Ciencia ficción, por Noah Paganotto, Argentina, 2022.
En un lugar indeterminado del planeta Tierra, en un tiempo desconocido, Zoilo vive con su familia en un páramo rodeado de ruinas. Viven desarraigados, sin madres, sabiendo que el embarazo para las mujeres es sinónimo de muerte. Para ellos solo existe una rutina colectiva; mantener el fuego vivo. Solo Zoilo escapa de esta lógica, observando, intrigado, detalles que otros no ven y por lo tanto no aprecian. La búsqueda personal de respuestas de Zoilo aumentará las diferencias con sus familiares, revelando cada vez más un mundo vacío de interioridad.
Película vanguardista que arde lentamente en la primera parte y luego revela en la segunda los profundos conflictos de una familia prisionera de creencias arcaicas. Es una obra distópica y visionaria, con una fotografía maravillosa e imágenes de raro poder que nos permiten captar la profundidad de la historia y su potencial poético. Los rostros de los actores, especialmente el del niño protagonista, son perfectos. The Sands representa metafóricamente el mundo en que vivimos: una sociedad alienada, donde lo que nos mantiene vivos es demonizado y culpado de la muerte. En oposición al ritmo rápido del cine comercial típico, The Sands es un viaje meditativo hacia las profundidades de las imágenes. La película fue filmada en entornos naturales en la ciudad de Necochea, provincia de Buenos Aires, Argentina.
IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Alemán, Portugués
Mandy (2018)
En 1983, el leñador Red Miller vive una vida tranquila y aislada con su pareja, la artista Mandy Bloom. Su existencia idílica es brutalmente destruida cuando Mandy atrae la atención de Jeremiah Sand, el líder de un culto hippie desviado. Tras secuestrarla con la ayuda de un trío de motociclistas demoníacos, el culto la mata frente a un Red impotente. Destrozado por el dolor, Red forja un hacha de plata y emprende una furiosa y sangrienta venganza.
La película de Panos Cosmatos es una obra dividida en dos: la primera mitad es un sueño febril, un melodrama amoroso etéreo y melancólico impregnado de colores saturados y movimientos lentos de cámara; la segunda mitad es una pesadilla despierta, una explosión de violencia heavy metal, gore psicodélico y furia primordial. La actuación de Nicolas Cage es legendaria al capturar la caída de un hombre en la locura y el duelo. Mandy es una experiencia sensorial abrumadora, una película de venganza que trasciende el género para convertirse en una obra de arte visceral e hipnótica.
Climax (2018)
A mediados de los años 90, un grupo de jóvenes y talentosos bailarines se reúne en una escuela aislada para una fiesta después de los ensayos. La celebración rápidamente degenera en un caos infernal cuando descubren que la sangría que han estado bebiendo ha sido adulterada con LSD. A medida que la droga hace efecto, la paranoia, el deseo y la violencia estallan, convirtiendo la fiesta en un descenso colectivo hacia la locura y el horror.
Gaspar Noé orquesta una experiencia cinematográfica inmersiva y asfixiante. Filmada con planos secuencia vertiginosos y una banda sonora atronadora, la película arrastra al espectador al corazón de un «mal viaje» colectivo. Más que una película narrativa, es una simulación sensorial del colapso del orden social, una exploración aterradora de cómo la delgada capa de civilización puede disolverse, revelando los instintos más oscuros y primordiales. Es una obra tan impresionante técnicamente como agotadora psicológicamente.
A Page Of Madness
Drama, horror, dirigido por Teinosuke Kinugasa, Japón, 1926.
Una página de locura es una película independiente filmada con un presupuesto casi inexistente y luego perdida durante cuarenta y cinco años. Afortunadamente, el director la redescubrió en su archivo en 1971. Es una película realizada por un grupo de artistas japoneses de vanguardia, la Escuela de nuevas percepciones. Un movimiento cuyo objetivo era superar la representación naturalista. En un asilo del país, bajo una lluvia torrencial, el cuidador se encuentra con pacientes con enfermedades mentales. Al día siguiente llega una joven que se sorprende al encontrar a su padre allí, quien trabaja como cuidador. La madre de la mujer se volvió loca primero debido a su esposo cuando él era marinero. El esposo decidió cambiar de trabajo para quedarse cerca de su esposa en el asilo y cuidarla. Su hija le dice a su padre que pronto se casará, pero el padre está preocupado porque teme, según los rumores populares de la época, que la enfermedad mental de la madre se herede a su hija. Si el joven esposo y su familia se enteraran de la locura de su madre, el matrimonio se desmoronaría. El cuidador intenta cuidar a su esposa durante su trabajo mientras ella es golpeada por otros internos, pero esto interfiere con su rol y es reprendido por el jefe del asilo. Poco a poco, el cuidador pierde el contacto con la realidad y sus límites con el sueño. Comienza a soñar despierto con ganar la lotería cuando su hija lo vuelve a encontrar para decirle que su matrimonio está en problemas. El hombre piensa en sacar a su esposa del asilo para ocultar su existencia y resolver todos los problemas. Teinosuke Kinugasa es el director de algunas de las mejores películas japonesas de la década de 1920. Una página de locura ha sido comparada con las grandes películas expresionistas alemanas. Es una película experimental, de vanguardia extrema, que parece anticipar las atmósferas y temas que harían famoso a David Lynch muchos años después. Pesadillas, distorsiones, desenfoques, dobles exposiciones y deformaciones fotográficas: una película que explora los límites más lejanos de las imágenes en movimiento. Luego están esas máscaras situadas en una sucesión eterna de barras, cerraduras y pasillos
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Sorry to Bother You (2018)
En un Oakland contemporáneo alternativo, Cassius «Cash» Green es un teleoperador en apuros que descubre una clave mágica para el éxito: usar su «voz blanca». Esto lo impulsa por la escalera corporativa hacia el macabro mundo de los «Power Callers», que venden mano de obra esclava para una empresa moralmente corrupta llamada WorryFree. Durante su ascenso, Cash debe elegir entre su nueva riqueza y unirse a sus antiguos colegas en huelga contra la explotación corporativa, una elección complicada por un secreto horripilante de la empresa.
El debut como director de Boots Riley es una sátira salvajemente inventiva, surrealista y furiosamente política. Utiliza su absurda premisa de ciencia ficción para lanzar una crítica mordaz y hilarante al capitalismo, el racismo, el «cambio de código» y la naturaleza alienante de la cultura corporativa. El elemento satírico más brillante, la «voz blanca», es más que una broma. Es una metáfora de la completa borradura de identidad requerida para triunfar dentro de un sistema capitalista dominado por blancos. El éxito depende de convertirse en un vehículo desencarnado, no amenazante y, en última instancia, inhumano para los intereses corporativos.
Swiss Army Man (2016)
Hank, un hombre desesperado varado en una isla desierta, está a punto de suicidarse cuando ve un cadáver llegar a la orilla. Descubre que el cuerpo, al que llama Manny, tiene una serie de habilidades sobrenaturales, la más útil de las cuales es una flatulencia tan poderosa que puede usarse como motor para una moto acuática. Juntos, emprenden un viaje surrealista para regresar a casa, durante el cual Hank enseña a Manny, que ha perdido la memoria, lo que significa estar vivo.
Lo que podría parecer una broma de mal gusto es en realidad una de las películas más originales, conmovedoras y profundamente humanas de los últimos años. Los directores, conocidos como «Daniels,» utilizan una premisa absurdamente extravagante para contar una historia sincera sobre la soledad, la amistad, la vergüenza y la necesidad de conexión. Es una parábola caprichosa y poética que celebra la rareza y encuentra belleza inesperada en las funciones corporales y los tabúes sociales, demostrando que incluso las ideas más extrañas pueden transmitir emociones auténticas.
Haxan
Documental, de Benjamin Christensen, Suecia, 1922.
Profanación de tumbas, tortura, monjas poseídas por demonios y aquelarre de brujas: Haxan, la brujería a través de los siglos es una película increíblemente original y poco convencional que se ha vuelto legendaria con el tiempo. Entre documental y ficción dramática, la película nos guía a través de la hipótesis científica de que las brujas de la Edad Media sufrían de los mismos males que los enfermos mentales de la era moderna. Un terror gótico aterrador y al mismo tiempo humorístico, con la creación de secuencias documentales y de no ficción que anticipan las innovaciones de la Nouvelle Vague. Algo absolutamente único en la historia del cine.
Para reflexionar
En sánscrito, Diablo y Divino provienen de la misma raíz, dev. La locura es el lado oscuro del hombre y es tan natural como el lado luminoso. Cuando eres capaz de decirle a un loco que no solo está loco sino que tú también lo estás, se crea inmediatamente un puente y es posible ayudarlo. La naturaleza de la vida no es ni lógica ni racional. La vida es ilógica, salvaje y contradictoria.
IDIOMA: Inglés, sueco
SUBTÍTULOS: Español, francés, alemán, portugués
The Greasy Strangler (2016)
Big Ronnie y su hijo de mediana edad, Big Brayden, dirigen un tour a pie en decadencia sobre la historia de la música disco. Su relación tóxica y codependiente, alimentada por comida increíblemente grasosa, se ve interrumpida por la llegada de Janet, una clienta que se enamora de Brayden. Esto desencadena los celos de Ronnie, quien por la noche se cubre de grasa y se transforma en un asesino grotesco y desnudo, el «Greasy Strangler».
Esta película es una experiencia. Una inmersión total en un universo de mal gusto, antihumor y puro malestar. El director Jim Hosking crea un mundo hermético con su propia lógica interna perversa, diálogos repetitivos hasta el punto de la hipnosis y actuaciones deliberadamente desagradables. Es un filme diseñado para ser repulsivo, pero en su absoluta dedicación a su propia estética grotesca, alcanza una forma de genio cómico surrealista. O la amas o la odias, pero es imposible permanecer indiferente ante una obra tan singular y valientemente extraña.
The Lobster (2015)
En un futuro distópico cercano, las personas solteras son arrestadas y enviadas a un hotel donde tienen 45 días para encontrar pareja. Si fracasan, son transformadas en un animal de su elección. David, un hombre recién divorciado, se registra y trata de navegar las absurdas reglas del resort, donde la compatibilidad se basa en rasgos superficiales compartidos. Tras un intento fallido, escapa para unirse a un grupo de solitarios militantes en el bosque, solo para descubrir que sus reglas son igual de opresivas.
Otra obra maestra de la sátira absurda de Yorgos Lanthimos, The Lobster es una crítica seca, hilarante y en última instancia trágica del romance moderno y la presión social para conformarse. La película sostiene que tanto el emparejamiento forzado como la soledad impuesta son igualmente tiránicos, dejando sin espacio para una conexión humana genuina y no coercitiva. El mecanismo satírico central es la «característica definitoria,» la absurda idea de que una relación exitosa debe basarse en una similitud superficial y arbitraria. Esta es una brillante parodia de los algoritmos de aplicaciones de citas y la forma en que la sociedad moderna reduce a individuos complejos a una lista de verificación de rasgos, haciendo imposible la conexión auténtica.
Under the Skin (2013)
Una entidad alienígena adopta la forma de una mujer atractiva y conduce por las calles de Escocia en una furgoneta, atrayendo a hombres solitarios. Ella los conduce a una guarida surrealista donde quedan atrapados en un líquido negro y son consumidos. Sin embargo, a través de sus interacciones con la humanidad, el alienígena comienza a experimentar una evolución inesperada, desarrollando una forma de empatía y curiosidad que la lleva a cuestionar su misión y su propia identidad.
La obra maestra de Jonathan Glazer es una película de ciencia ficción hipnótica y aterradora que subvierte las convenciones del género. En lugar de centrarse en el espectáculo, utiliza la perspectiva alienígena como un filtro para observar a la humanidad con una mirada fría, casi documental, deconstruyendo conceptos como la identidad, la empatía y la vulnerabilidad. La actuación casi muda de Scarlett Johansson es extraordinaria al transmitir la transición de un depredador impasible a una presa confundida. Es una obra visualmente deslumbrante y profundamente inquietante que se mete «bajo la piel» del espectador.
The Holy Mountain
Ciencia ficción, drama, de Alejandro Jodorowsky, 1973, México.
Un hombre, apodado El ladrón, que representa la carta del Loco en el Tarot, yace inconsciente en un desierto, entre enjambres de moscas. Cuando despierta, encuentra a un enano sin pies ni manos que representa el Cinco de Espadas. Los dos se hacen amigos y van al pueblo más cercano donde ganan dinero entreteniendo a los turistas. El ladrón se parece a Jesucristo, y después de una pelea con un sacerdote, se come la cara de una estatua de cera de Cristo, simbólicamente comiéndose su cuerpo y ofreciéndose "a sí mismo" al Cielo. Tras muchas desventuras, llega a la cima de una torre que es el laboratorio de un misterioso alquimista. Participando en varios ritos de iniciación, el alquimista lo presenta a las siete personas más poderosas de la Tierra, que trabajan en las industrias del bienestar, las armas, el arte, el entretenimiento, la aplicación de la ley, la construcción y la economía. Juntos deberán llegar a la Montaña Sagrada, una montaña legendaria en una isla inexistente, donde hay nueve sabios que conocen el secreto de la inmortalidad. Su objetivo es eliminarlos y tomar su lugar.
Para reflexionar
En India llaman Maya a la realidad del mundo que nos rodea, que significa ilusión. La verdad está oculta: es como una pantalla de cine en la que proyectas tus sueños y deseos. Los físicos han investigado qué es la materia y han llegado a la conclusión de que no existe. Entonces, ¿de qué está hecha la materia de las cosas? Es solo energía condensada, que vibra a muy alta velocidad, apariencia. A un nivel profundo, la materia no existe.
Upstream Color (2013)
Una mujer llamada Kris es secuestrada y drogada con un parásito que la hace susceptible a la hipnosis, permitiendo a su captor vaciar sus cuentas bancarias. Tras la experiencia, encuentra su vida destrozada y sin memoria de lo ocurrido. Conoce a Jeff, un hombre que parece haber sufrido un trauma similar. Ambos se unen profundamente, descubriendo que forman parte de un ciclo de vida complejo y misterioso que involucra al parásito, cerdos y orquídeas azules.
La segunda película de Shane Carruth es una obra enigmática, lírica y científicamente compleja que desafía la narrativa tradicional. Es un rompecabezas visual y auditivo que explora temas de identidad, trauma, control y las conexiones invisibles que unen a los individuos. La película no ofrece explicaciones explícitas, sino que comunica a través de un flujo de imágenes, sonidos y asociaciones emocionales, requiriendo que el espectador abandone la búsqueda de una trama lineal y se sumerja en una experiencia sensorial que refleja la confusión y la búsqueda de sentido de sus protagonistas.
Holy Motors (2012)
Desde el amanecer hasta el anochecer, seguimos las horas en la vida de Monsieur Oscar, un personaje enigmático que viaja por París en una limusina blanca. En el camino, se transforma en una serie de personajes completamente diferentes: un mendigo anciano, un asesino, un monstruo que vive en las alcantarillas, un hombre de familia. Cada «cita» es una actuación surrealista y autónoma, que plantea preguntas sobre la naturaleza de la identidad, la actuación y la vida misma en la era digital.
La obra de Leos Carax es una elegía misteriosa y conmovedora para el cine y para la experiencia humana. Es una película que desafía la categorización, un flujo visual de conciencia que explora la fragmentación de la identidad en un mundo donde los roles que desempeñamos se han vuelto más reales que nosotros mismos. La actuación transformadora de Denis Lavant es legendaria. Holy Motors es un tributo a la «belleza del gesto», un acto de fe en el poder de las imágenes para crear significado incluso cuando la lógica falla, y una reflexión melancólica sobre un mundo que quizás ha perdido su capacidad de ver la magia.
No me abraces que me asusto (2011)
Esta serie surrealista en stop-motion presenta contenido educativo retorcido en escenarios de pesadilla. Cada episodio deconstruye conceptos simples como el amor, la creatividad y la tecnología a través de imágenes extrañas y perturbadoras y progresiones narrativas ilógicas.
No me abraces que me asusto subvierte los formatos educativos introduciendo la lógica onírica y el miedo existencial. La serie emplea humor absurdo y metáforas visuales inquietantes para explorar conceptos cotidianos, creando una experiencia desorientadora donde el significado convencional se disuelve.
Rubber (2010)
Robert, un neumático abandonado en el desierto de California, de repente cobra vida. Descubre que posee poderes telequinéticos, que usa para hacer explotar pequeños animales y, eventualmente, las cabezas de las personas que se cruzan en su camino. Sus actos asesinos son observados por un grupo de espectadores en el desierto, que comentan la acción como si estuvieran viendo una película, mientras un sheriff intenta poner fin a la carnicería, consciente de la naturaleza ficticia de los eventos.
La película de Quentin Dupieux es una obra metacinematográfica brillante y audaz. La premisa, un neumático asesino, es solo un pretexto para una reflexión sobre el absurdo de la narrativa cinematográfica misma. La película comienza con un monólogo sobre el concepto de «sin razón» en las películas, declarando su poética. Rubber es una sátira hilarante de los tópicos del horror y del papel pasivo del espectador, un experimento audaz que deconstruye las reglas del cine mientras las escenifica, celebrando lo ilógico y lo absurdo.
Slow Life
Drama, comedia, thriller, de Fabio Del Greco, Italia, 2021.
Lino Stella toma un período de vacaciones de su trabajo alienante para dedicarse a la relajación y a su pasión: dibujar cómics. Pero no previó ciertos elementos perturbadores: el administrador intrusivo del edificio donde vive, el cartero que entrega multas y facturas de impuestos locas, un guardia de seguridad autoritario, un agente inmobiliario muy emprendedor, la anciana de abajo que cría la colonia felina del condominio. Estos personajes harán de sus vacaciones un infierno.
Para reflexionar
Cuanto más grande es un grupo social, más reglas y burocracia se necesitan, que a menudo no respetan al individuo. Hay que aprender a convivir con personas molestas, pero a veces la presión social y la arrogancia pueden volverse intolerables. Las únicas leyes que siempre nos ayudan son las leyes de la Naturaleza.
IDIOMA: Italiano
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Alemán, Portugués
Enter the Void (2009)
Oscar, un narcotraficante estadounidense en Tokio, es asesinado por la policía durante una redada. Lo que parece el final es en realidad el comienzo de un vasto viaje psicodélico. El espíritu de Oscar abandona su cuerpo y flota por la ciudad bañada en neón, reviviendo recuerdos traumáticos de su pasado, observando las consecuencias de su muerte en su hermana Linda y experimentando un viaje alucinatorio hacia la reencarnación, guiado por los principios del Libro Tibetano de los Muertos.
La película de Gaspar Noé es un experimento radical en la subjetividad cinematográfica, un «melodrama psicodélico» que utiliza una perspectiva implacable en primera persona para atrapar al espectador en la conciencia de su protagonista—antes, durante y después de la muerte. El estilo visual agresivo y en ocasiones nauseabundo no es un mero adorno estético, sino un dispositivo temático. Noé obliga a la audiencia a experimentar el mundo a través de los sentidos de Óscar, incluyendo viajes con drogas, violencia y muerte, para disolver la frontera entre espectador y personaje. El objetivo último es simular el «Vacío» del título: un estado donde la conciencia individual se fragmenta y se funde con un flujo universal y cíclico de memoria y sensación, convirtiéndola en una de las películas más inmersivas e invasivas psicológicamente jamás realizadas.
Kynodontas (Dogtooth) (2009)
Tres hermanos adultos viven en completo aislamiento en el recinto cercado de su familia, sin haber conocido nunca el mundo exterior. Sus padres han construido para ellos una realidad alternativa bizarra, enseñándoles definiciones incorrectas para las palabras (un «zombi» es una pequeña flor amarilla) y controlando toda su existencia mediante un sistema de reglas perversas y recompensas. Este frágil mundo comienza a desmoronarse cuando el padre introduce a un extraño para satisfacer las necesidades sexuales de su hijo.
La película que estableció a Yorgos Lanthimos es una alegoría escalofriante y oscuramente hilarante sobre el control. Utiliza su premisa surrealista para exponer la unidad familiar como un posible estado totalitario, donde el lenguaje es una herramienta de opresión y la ignorancia se impone como medio de poder. El título, Kynodontas (Dogtooth), se refiere a la mentira central contada a los niños: solo pueden salir de la casa cuando se les cae el diente canino, un evento biológicamente imposible para un adulto. Esta mentira es una metáfora perfecta para todos los sistemas de control (familiares, políticos, religiosos) que mantienen el poder creando condiciones inalcanzables para la libertad, atrapando a sus sujetos en un estado de infancia perpetua.
Taxidermia (2006)
A través de tres generaciones de una familia húngara, la película narra tres historias grotescas de obsesión corporal. La primera sigue a un soldado durante la Segunda Guerra Mundial, atormentado por deseos sexuales reprimidos. La segunda se centra en su hijo, un campeón de concursos de comida en la era comunista. La tercera y última historia es la del nieto, un taxidermista delgado y solitario que vive en la Hungría contemporánea y que busca alcanzar la inmortalidad a través de su macabra arte.
La obra de György Pálfi es una audaz y visualmente impresionante alegoría histórica. Utiliza lo grotesco y el horror corporal para pintar un retrato surrealista y satírico de un siglo de historia húngara, donde el cuerpo se convierte en el campo de batalla de ideologías políticas y obsesiones personales. Es una película provocativa y difícil de digerir que mezcla humor negro, imágenes perturbadoras y una profunda reflexión sobre la mortalidad, el arte y el legado, tanto familiar como nacional.
Donnie Darko (2001)
Un adolescente problemático comienza a experimentar visiones de una figura misteriosa y se ve envuelto en una narrativa compleja que involucra viajes en el tiempo y realidades paralelas. La película mezcla drama psicológico con elementos de ciencia ficción de maneras cada vez más crípticas.
Donnie Darko exige múltiples visionados para desenredar su trama que desafía la lógica. La película superpone secuencias oníricas, paradojas temporales y preguntas filosóficas, creando una experiencia que trastorna la mente donde la causalidad se vuelve incierta y la realidad se fractura en múltiples interpretaciones.
Being John Malkovich (1999)
Craig Schwartz, un titiritero callejero desempleado y frustrado, encuentra trabajo como archivero en una extraña oficina ubicada en el piso 7½ de un edificio en Manhattan. Detrás de un archivador, descubre un pequeño portal que conduce directamente a la mente del actor John Malkovich durante quince minutos. Junto con su cínica colega Maxine, de quien está enamorado, decide explotar comercialmente el descubrimiento, desatando una serie de complicaciones surrealistas sobre la identidad, el deseo y la celebridad.
Escrita por el genio de Charlie Kaufman y dirigida por Spike Jonze, esta película es una comedia surrealista y profundamente filosófica que cuestiona la naturaleza de la identidad y el deseo. La extraña premisa se convierte en un vehículo para explorar la desesperada búsqueda humana de escapar de uno mismo y la celebridad como una cáscara vacía para habitar. La película plantea preguntas vertiginosas: ¿quiénes somos sin nuestros cuerpos? ¿Qué significa amar a alguien? ¿Y qué sucede cuando el arte de la marioneta—el control—se aplica a la vida misma? Es una sátira hilarante y melancólica sobre la condición humana.
The Exterminating Angel
Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
La trama gira en torno a un grupo de personas que se reúnen en una suntuosa villa para una cena de gala. Sin embargo, después de la cena, descubren que no pueden salir de la villa, a pesar de que las puertas y ventanas están cerradas con rejas y las salidas aparentemente bloqueadas. Lo que sigue es una especie de pesadilla surrealista donde el grupo de invitados queda atrapado en la villa y sus comportamientos y relaciones sociales comienzan a degradarse de manera extraña.
La película aborda temas como la conformidad social, la alienación y la caída de las convenciones sociales. Es conocida por sus secuencias surrealistas y la forma en que desafía la realidad y la lógica tradicional. "El ángel exterminador" suele interpretarse como una crítica satírica a la clase alta y a las normas sociales autojustificadas. Esta película se ha convertido en un ícono del cine surrealista y representa una de las obras más distintivas y provocativas de Luis Buñuel. Es valorada tanto por su complejidad conceptual como por su extravagancia visual, y ha sido influyente en el mundo del cine por su capacidad para romper los límites del arte cinematográfico. En su momento, muchos pensaron que sería la última película de la carrera de Buñuel. Sin embargo, fue la primera de una serie de obras maestras.
IDIOMA: Español
SUBTÍTULOS: Inglés
Pi (1998)
Maximilian Cohen es un genio matemático solitario y paranoico convencido de que todo en la naturaleza puede entenderse a través de los números. Usando una supercomputadora en su apartamento de Chinatown, busca patrones numéricos en el mercado bursátil. Su investigación lo lleva a descubrir un misterioso número de 216 dígitos que parece ser la clave no solo para el mercado de valores sino quizás también para un código divino oculto en la Torá, atrayendo la atención tanto de una poderosa firma de Wall Street como de un grupo de cabalistas.
El debut de Darren Aronofsky es un thriller psicológico de bajo presupuesto, filmado en blanco y negro granuloso y de alto contraste, que explora la obsesión por encontrar orden en el caos. La película plantea el conflicto entre la fe (en los números, en Dios) y lo incognoscible, entre la racionalidad científica y el misticismo. El descenso de Max a la locura es una parábola sobre la peligrosa arrogancia del conocimiento humano frente a misterios mayores, un viaje febril que culmina no en un descubrimiento divino, sino en una renuncia violenta y liberadora a la búsqueda misma.
Gummo (1997)
Tras un devastador tornado, el pequeño pueblo de Xenia, Ohio, es un lugar de desolación y apatía. La película sigue las vidas fragmentadas de un grupo de adolescentes y residentes, incluyendo a dos chicos que pasan sus días cazando gatos callejeros para venderlos a un restaurante local. A través de una serie de viñetas aparentemente desconectadas, la película pinta un retrato nihilista y perturbador de la pobreza y el abandono en la América olvidada.
El debut como director de Harmony Korine es una obra controvertida e inolvidable. Usando un estilo no lineal, casi documental, y mezclando actores no profesionales con escenas deliberadamente extrañas y perturbadoras, Gummo desafía al espectador a confrontar una realidad que preferiría ignorar. No hay juicio moral, solo una observación fría y a veces extrañamente poética de la desolación. Es una película que busca una belleza perversa en los escombros, una instantánea cruda y alucinatoria de una generación perdida que ha dejado una marca indeleble en el cine independiente.
Tetsuo: The Iron Man (1989)
Un oficinista japonés atropella accidentalmente a un «fetichista del metal» que se estaba incrustando pedazos de hierro en su cuerpo. Poco después, el oficinista comienza a sufrir una metamorfosis horrenda. Fragmentos de metal brotan de su carne, su cuerpo se contorsiona y lentamente se transforma de manera violenta en un híbrido monstruoso de carne y chatarra industrial, culminando en un enfrentamiento final con su enemigo resucitado.
Una obra maestra convulsiva del horror corporal cyberpunk, Tetsuo es un asalto implacable y vertiginoso a los sentidos, visualizando la violenta colisión entre la humanidad y la tecnología en el Tokio postindustrial. La transformación no es solo un horror físico, sino una metáfora de la rabia reprimida y la ansiedad sexual del «salaryman» moderno. La rígida y conformista coraza del empleado es brutalmente destrozada, reemplazada por una nueva forma monstruosa, fálica y destructiva que representa una liberación aterradora de las restricciones sociales. El «Hombre de Hierro» es el Id del protagonista hecho manifiesto; el metal no es solo tecnología, sino la energía cruda, violenta y sexual que su vida civilizada le ha obligado a suprimir.
Begotten (1989)
En un mundo primordial y desolado, una figura divina se suicida desentrañándose a sí misma. De su cadáver emerge la Madre Tierra, quien se insemina con su semilla y da a luz a un hijo deformado y tembloroso, el Hijo de la Tierra. Esta nueva criatura es torturada y asesinada por un grupo de nómadas sin rostro, en un ciclo interminable de muerte violenta y renacimiento, mientras la naturaleza renace de sus restos.
La obra de E. Elias Merhige es una pesadilla experimental en blanco y negro, una experiencia visual extrema que reescribe el Génesis como un poema de horror cósmico. Filmada y luego re-fotografiada cuadro por cuadro para lograr una imagen degradada, parpadeante y casi irreconocible, la película elimina el diálogo y la narrativa tradicional para comunicarse mediante un lenguaje puramente visual y visceral. Es una exploración brutal y fascinante de los temas de la creación, la destrucción y el sufrimiento, una obra de arte radical que empuja los límites de lo que el cine puede representar.
Devil Story (1986)
Esta película francesa de terror sigue una narrativa caótica que involucra a un asesino deformado, una momia y un caballo poseído. Los personajes aparecen y desaparecen sin explicación, creando una trama incoherente que se siente como un sueño febril.
Devil Story ejemplifica el surrealismo involuntario a través de su desconcertante estructura narrativa y escenas inexplicables. La película desafía la lógica convencional del relato, convirtiéndola en un estudio fascinante sobre cómo la absurdidad emerge de la confusión narrativa más que de una intención artística deliberada.
The Grin and the Cow
Película experimental y musical, de Fabio Nicosia, Italia, 2020.
Película musical con un giro psicológico. Los monstruos de las imágenes infantiles transmigrados en las diversas etapas de la existencia del individuo. Las sombras, los fantasmas y los miedos que hemos logrado domesticar pero no eliminar y que siguen resurgiendo en los sueños, el lenguaje, la pintura, la arquitectura y la narración. Una película poco convencional capaz de penetrar la mirada del espectador con imágenes no convencionales. En busca de ese mundo onírico que pertenecía al niño que fuimos y que podemos redescubrir, con su creatividad y con sus miedos.
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Videodrome (1983)
Max Renn, presidente de un canal de televisión por cable de bajo presupuesto, descubre una transmisión pirata llamada «Videodrome», que parece mostrar torturas y asesinatos reales. Su búsqueda del origen de la señal lo lleva a una conspiración que involucra tumores cerebrales alucinógenos, una nueva filosofía de la «nueva carne» y la fusión inducida por los medios entre realidad y fantasía. Su propio cuerpo comienza a mutar, desarrollando una hendidura vaginal en su estómago para insertar cintas de video.
Décadas adelantada a su tiempo, Videodrome es la tesis profética y aterradora de David Cronenberg sobre la relación entre los medios, la realidad y el cuerpo humano. La película sostiene que los medios masivos no son una ventana pasiva al mundo, sino un agente biológico activo que literalmente remodela nuestra percepción y nuestra carne. La idea más radical del filme es que el contenido de los medios es irrelevante; es el medio mismo el mensaje y el mutágeno. La señal de Videodrome funciona a través de cualquier transmisión, no solo las violentas. Esta percepción convierte a la película en una crítica mucho más profunda que una simple advertencia sobre la «violencia en la televisión»: es una advertencia sobre los efectos neurológicos y fisiológicos de la pantalla misma, una idea aterradoramente premonitoria para la era de internet.
Stalker (1979)
En un mundo post-apocalíptico y desolado, existe una misteriosa «Zona», un área sellada por el gobierno donde se dice que las leyes de la física están suspendidas y donde, en una habitación, se pueden cumplir los deseos más profundos de una persona. Un «Stalker», un guía atormentado, conduce a dos clientes, un Escritor cínico y un Profesor pragmático, en un peligroso y metafísico viaje a través de este enigmático y cambiante paisaje.
La obra maestra de Andrei Tarkovsky es más que una película de ciencia ficción; es un viaje filosófico y espiritual al corazón del alma humana. Lenta, hipnótica y visualmente impresionante, la película utiliza su premisa para explorar temas complejos como la fe, la duda, el cinismo y la naturaleza del deseo. La Zona misma se convierte en un personaje, una entidad que parece responder a los estados internos de los viajeros. Stalker no ofrece respuestas fáciles, sino que plantea preguntas profundas, dejando al espectador en un estado de contemplación meditativa sobre la condición humana.
Eraserhead (1977)
En un páramo industrial desolado, el tímido Henry Spencer descubre que ha engendrado un monstruoso bebé mutante que llora con su novia, Mary X. Atrapado en su apartamento claustrofóbico, Henry desciende a un mundo de pesadilla lleno de visiones surrealistas, incluyendo a una mujer cantando dentro de un radiador, mientras lucha con las aplastantes ansiedades de la paternidad, el compromiso y su realidad sombría.
Eraserhead es la pesadilla definitiva de la ansiedad doméstica transpuesta al cine. David Lynch traduce los miedos abstractos de la paternidad y la alienación urbana en una experiencia sensorial tangible, grotesca e inolvidable, usando el sonido y la materialidad de la imagen como sus principales herramientas narrativas. El título mismo, «La mente que borra», se refiere no solo al peinado del protagonista o a la secuencia onírica en la fábrica de lápices, sino al deseo psicológico fundamental que impulsa la película: la necesidad de borrar una realidad insoportable. El opresivo paisaje sonoro industrial y la fotografía en blanco y negro, austera y desolada, son cruciales para materializar este sentido de angustia. El acto final y violento de Henry es solo el trágico cumplimiento de este deseo de aniquilación, donde la muerte se convierte en la única escapatoria hacia el «cielo» cantado por la Dama en el Radiador.
Hausu (1977)
Una colegiala llamada Gorgeous, decepcionada por la nueva pareja de su padre, decide pasar las vacaciones de verano en la casa de campo de una tía que nunca ha conocido, llevando consigo a seis de sus amigas. La casa pronto se revela como una trampa sobrenatural y carnívora, que comienza a devorar a las chicas una por una de las maneras más imaginativas y absurdas: un piano que come dedos, un gato demoníaco y colchones voladores son solo algunos de los horrores psicodélicos que las esperan.
La película de Nobuhiko Ōbayashi es una explosión de creatividad antirrealista, una historia de fantasmas que abandona toda pretensión de sustos tradicionales para abrazar una estética pop, juguetona y delirante. Usando efectos visuales deliberadamente artificiales, animación, collage y una edición frenética, Hausu se siente como un episodio de Scooby-Doo dirigido por un cineasta bajo los efectos del ácido. Sin embargo, bajo su superficie colorida y loca, yace una reflexión melancólica sobre el trauma de la guerra y la pérdida, convirtiéndola en una obra tan divertida y surrealista como secretamente profunda.
La montaña sagrada (1973)
Un ladrón semejante a Cristo vaga por un paisaje de cuadros grotescos, sacrílegos y satíricos que representan la corrupción social. Es acogido por un poderoso Alquimista que le presenta a siete de las personas más influyentes del mundo, cada una simbolizando un planeta y un aspecto corrupto de la sociedad. Juntos, abandonan sus egos y emprenden una búsqueda mística hacia la Isla del Loto para escalar la Montaña Sagrada y obtener la inmortalidad de los dioses que allí residen.
La obra maestra de Alejandro Jodorowsky no es una película para ser vista, sino un ritual alquímico para ser experimentado. Utiliza un torrente de simbolismo esotérico, sátira social e imágenes psicodélicas para deconstruir el poder, la religión y la misma naturaleza de la realidad. El viaje de los discípulos es un proceso alquímico clásico de purificación, despojándolos del materialismo para prepararlos para la iluminación. El final, con su giro impactante que revela el set de filmación, no es un truco cínico sino la culminación última de este camino. La verdadera «inmortalidad» no era un secreto místico en la cima de la montaña, sino el despertar a la «vida real» y la deconstrucción de la ilusión—la propia película. Jodorowsky ofrece al espectador la iluminación suprema: la conciencia de estar frente a una obra de arte y el imperativo de regresar a la propia realidad, transformado por la experiencia.
Pink Flamingos (1972)
La infame drag queen Divine vive bajo el seudónimo de Babs Johnson, orgullosa poseedora del título de «la persona más asquerosa viva». Su reputación atrae la envidia de Connie y Raymond Marble, una pareja criminal que dirige una red de tráfico de bebés y se dedica a diversas perversiones. Los Marble deciden desafiar a Divine por el título, desatando una escalada de actos cada vez más grotescos, escandalosos y repugnantes.
La obra maestra «trash» de John Waters es un acto revolucionario de mal gusto, un asalto frontal a todas las convenciones sociales y cinematográficas. Realizada con un presupuesto mínimo y una estética deliberadamente amateur, la película celebra lo repugnante y lo tabú como formas de rebelión. Se ha convertido en un ícono del cine de medianoche y un hito de la cultura queer, no solo por su audacia transgresora sino por su espíritu anárquico y liberador. Pink Flamingos es un recordatorio de que el arte puede encontrarse incluso en los lugares más sórdidos, y que a veces, ser «asqueroso» es el acto más honesto de todos.
La naranja mecánica (1971)
La obra maestra distópica de Stanley Kubrick sigue a un joven violento sometido a un condicionamiento conductual experimental. La película presenta una sociedad de pesadilla donde la violencia, la estética y la moralidad chocan de maneras impactantes e ilógicas.
La naranja mecánica desafía la lógica narrativa convencional al rechazar el desarrollo tradicional de personajes y los marcos morales. Kubrick crea un mundo donde la brutalidad se vuelve ritualística y la belleza se entrelaza con la violencia, obligando a los espectadores a confrontar el absurdo tanto de la sociedad como del cine mismo.
El Topo (1970)
Un misterioso pistolero vestido de negro, El Topo, viaja a través de un paisaje desértico surrealista con su hijo desnudo. Tras abandonar al niño, emprende una misión para derrotar a cuatro maestros pistoleros y probar su supremacía espiritual. Traicionado y dado por muerto, renace como un loco santo, convirtiéndose en el salvador de una comunidad de marginados deformes que viven en una cueva, a quienes debe liberar excavando un túnel hacia el mundo exterior.
El Topo es el progenitor del género «Western Ácido», una película que apropia la iconografía de la frontera americana para inyectarla con misticismo oriental, alegoría cristiana y un surrealismo brutal. Es una odisea espiritual en dos actos sobre la destrucción del ego y el doloroso camino hacia la redención y el sacrificio. La estructura bipartita del filme refleja el arco narrativo del Antiguo y Nuevo Testamento. La primera mitad es el Antiguo Testamento: un «Dios» vengativo y egoísta (El Topo) que busca el dominio mediante la violencia. La segunda mitad es el Nuevo Testamento: una figura humilde, casi crística, que alcanza la iluminación a través del sufrimiento, la comunidad y el sacrificio supremo. Jodorowsky utiliza así el arquetipo del western para recontar toda la parábola de la mitología religiosa occidental, pasando de un paradigma de poder violento a uno de compasión y martirio.
Un perro andaluz (1929)
Cortometraje surrealista mudo que desafía toda lógica narrativa convencional. Presenta una serie de imágenes impactantes, oníricas y desconectadas, incluyendo la famosa escena inicial del ojo de una mujer siendo cortado por una navaja. La película sigue a un hombre y una mujer a través de encuentros extraños que incluyen hormigas saliendo de una mano, burros muertos sobre pianos y saltos temporales inexplicables, todo gobernado por la lógica del subconsciente.
Esta obra es el grito primordial del cine surrealista, un ataque directo a la sensibilidad burguesa y al pensamiento racional. Luis Buñuel y Salvador Dalí, basando el guion en sus propios sueños, siguieron la estricta regla de rechazar cualquier imagen que pudiera tener una explicación lógica. La infame escena del corte del ojo es una declaración meta-cinematográfica de intenciones: la película está literalmente «cortando» la forma convencional de ver del espectador, obligándolo a abandonar la observación pasiva e interactuar con las imágenes en un nivel puramente visceral y subconsciente. Este acto establece el principio central de gran parte del cine extraño que vendrá: la experiencia prevalece sobre la explicación.
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