O imaginário coletivo rotulou filmes que desafiam a lógica como “estranhos” ou “absurdos”. Obras como Donnie Darko ou Mulholland Drive nos forçam a questionar, a buscar significados ocultos, tornando-se verdadeiros cultos de seguidores. Mas o que queremos dizer com “absurdo”? Não é apenas uma trama complexa. É um cinema que se apoia no surrealismo, na sátira grotesca e no horror psicológico para desmontar nossas certezas.
É uma linguagem que privilegia a experiência sensorial e emocional em detrimento da coerência lógica. É um cinema que, como o de David Lynch ou Yorgos Lanthimos, usa o absurdo como uma ferramenta cirúrgica para dissecar a alma humana, as distorções da sociedade e as ansiedades do nosso tempo. Em uma era saturada de conteúdos previsíveis, há uma fome por filmes que ousam ser diferentes e desafiar o espectador.
Este guia é uma exploração desse território. É uma imersão em obras que irão desafiá-lo, perturbá-lo e deixar uma marca indelével. Uma jornada que coloca obras-primas cult ao lado de visões experimentais, transformando o desconforto em arte.
Beau is Afraid (2023)
Beau Wassermann é um homem de temperamento ameno, mas cronicamente paranoico. Quando precisa embarcar em uma viagem até a casa de sua mãe, é catapultado para uma odisseia surreal e aterrorizante. Cada passo de seu caminho é dificultado por ameaças bizarras e perigos grotescos, transformando uma simples viagem em uma descida épica pelos seus medos mais profundos, traumas infantis e a relação sufocante com uma mãe onipotente.
O terceiro longa-metragem de Ari Aster é a manifestação cinematográfica da pura ansiedade. Uma épica comédia aterrorizante de três horas que se passa inteiramente em uma paisagem de fobias freudianas e culpa materna. É um filme deliberadamente exaustivo que leva o absurdo ao limite para explorar a psique de um homem preso em um estado perpétuo e impotente de infância. A atuação de Joaquin Phoenix é um tour de force de vulnerabilidade, tornando essa jornada ao coração das trevas de uma alma atormentada tão hilária quanto profundamente angustiante.
I Am Nothing
Drama, thriller, de Fabio Del Greco, Itália, 2015.
A história gira em torno de Vasco, um construtor romano que, aos 74 anos, desfruta de uma vida de absoluto conforto. Sua parábola humana toma um rumo dramático quando um encontro misterioso o leva a uma emboscada. Tendo sobrevivido, mas marcado por um longo coma, Vasco acorda com uma nova sensibilidade, desenvolvendo um vínculo íntimo e poético com a natureza. Essa nova relação com o mundo ao seu redor o leva a explorar profundamente a si mesmo, em uma jornada interna e externa, pela Itália, Estados Unidos e Índia, em busca de um significado superior e de uma cura. Paralelamente, a ameaça de um cataclismo planetário adiciona uma dimensão épica à história.
Eu Sou Nada explora temas universais como tempo, memória, esquecimento e a conexão com a natureza. Fabio Del Greco cria um drama existencial cheio de alimento para reflexão. O diretor combina habilmente diferentes materiais visuais, misturando imagens de arquivo com fotografias da natureza e visões oníricas. Essa experimentação visual se traduz em uma edição que captura a atenção do espectador, guiando-o por um ciclo de criação e destruição. As sequências que alternam os edifícios, orgulho de Vasco, com lixões indianos e paisagens naturais criam um ritmo hipnótico, sublinhando a beleza e a fragilidade da vida. A jornada existencial de Vasco é um hino à transformação e ao renascimento. A evolução do protagonista, do luxo desenfreado à redescoberta da pureza, representa uma metáfora poderosa sobre o sentido da vida e a necessidade de se reconectar com valores autênticos. Io sono nulla destaca-se por sua capacidade de combinar introspecção e experimentação visual, oferecendo uma narrativa sugestiva e envolvente. É um filme que nos convida a refletir sobre a condição humana, nossa relação com o poder e a natureza, e sobre a possibilidade de nos encontrarmos através da mudança. Uma obra que deixa sua marca e se presta a múltiplas leituras.
IDIOMA: Italiano
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
Titane (2021)
Após um acidente de carro na infância que lhe deixou uma placa de titânio na cabeça, Alexia desenvolve uma estranha fixação sexual por carros. Já adulta, é uma dançarina erótica e assassina em série que, após uma série de atos violentos, foge. Para esconder sua identidade, disfarça-se de um menino desaparecido há muito tempo e é acolhida por um solitário e envelhecido capitão dos bombeiros que acredita ser seu filho. Enquanto isso, Alexia está grávida de uma união bizarra com um carro, e seu corpo passa por uma grotesca transformação metálica.
O filme vencedor da Palma de Ouro de Julia Ducournau é uma obra-prima chocante, terna e profundamente estranha da “nova carne”. Ele leva o horror corporal aos seus limites extremos para explorar temas como gênero, trauma e as formas desesperadas e não convencionais pelas quais as pessoas forjam laços familiares e encontram o amor em meio à dor e à monstruosidade. As duas linhas narrativas do filme — o horror grotesco da gravidez metálica e o drama terno da família encontrada — não estão em oposição, mas são as duas faces da mesma moeda. Ambas exploram o processo doloroso e transformador de criar uma nova identidade e uma nova forma de amor fora das normas biológicas e sociais tradicionais.
Annette (2021)
Henry McHenry é um comediante stand-up provocativo e niilista; Ann Defrasnoux é uma cantora de ópera mundialmente renomada. Os dois formam um casal glamouroso e apaixonado, cuja vida é virada de cabeça para baixo com o nascimento da filha, Annette, representada por uma marionete de madeira. À medida que a carreira de Henry declina e a de Ann atinge novos patamares, o ciúme e o ressentimento levam à tragédia, e a pequena Annette revela um dom misterioso que será explorado por seu pai.
O musical rock-opera de Leos Carax é uma obra grandiosa, bizarra e profundamente trágica. Utilizando músicas do Sparks e uma estética deliberadamente artificial (simbolizada pela criança-puppet), o filme explora temas como masculinidade tóxica, a natureza destrutiva da fama e a exploração da arte e do afeto. É uma fábula sombria e surreal sobre a performance, tanto no palco quanto na vida, e o preço que o ego masculino cobra do amor e da inocência. A atuação de Adam Driver é magnética e aterrorizante.
The Sands
Ficção científica, de Noah Paganotto, Argentina, 2022.
Em um local indeterminado do planeta Terra, em um tempo desconhecido, Zoilo vive com sua família em um deserto cercado por ruínas. Eles vivem desarraigados, sem mães, sabendo que a gravidez para as mulheres é sinônimo de morte. Para eles, existe apenas uma rotina coletiva; manter o fogo aceso. Apenas Zoilo escapa dessa lógica, observando, intrigado, detalhes que outros não veem e, portanto, não apreciam. A busca pessoal de Zoilo por respostas aumentará as diferenças com seus parentes, revelando cada vez mais um mundo vazio de interioridade.
Filme de vanguarda que queima lentamente na primeira parte e depois revela na segunda os profundos conflitos de uma família presa a crenças arcaicas. É uma obra distópica e visionária, com fotografia maravilhosa e imagens de raro poder que nos permitem captar a profundidade da história e seu potencial poético. Os rostos dos atores, especialmente do garoto protagonista, são perfeitos. The Sands representa metaforicamente o mundo em que vivemos: uma sociedade alienada, onde o que nos mantém vivos é demonizado e culpado pela morte. Em oposição ao ritmo acelerado do filme típico mainstream, The Sands é uma jornada meditativa nas profundezas das imagens. O filme foi filmado em ambientes naturais na cidade de Necochea, província de Buenos Aires, Argentina.
IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
Mandy (2018)
Em 1983, o lenhador Red Miller vive uma vida tranquila e isolada com sua parceira, a artista Mandy Bloom. Sua existência idílica é brutalmente destruída quando Mandy atrai a atenção de Jeremiah Sand, líder de um culto hippie desviante. Após sequestrá-la com a ajuda de um trio de motociclistas demoníacos, o culto a mata diante de um Red impotente. Despedaçado pela dor, Red forja um machado de prata e embarca em uma vingança furiosa e sangrenta.
O filme de Panos Cosmatos é uma obra dividida em duas partes: a primeira metade é um sonho febril, um melodrama etéreo e melancólico de amor imerso em cores saturadas e movimentos de câmera lentos; a segunda metade é um pesadelo acordado, uma explosão de violência heavy metal, gore psicodélico e fúria primordial. A atuação de Nicolas Cage é lendária ao capturar a descida de um homem à loucura e ao luto. Mandy é uma experiência sensorial avassaladora, um filme de vingança que transcende o gênero para se tornar uma obra de arte visceral e hipnótica.
Climax (2018)
Em meados dos anos 90, um grupo de jovens e talentosos dançarinos se reúne em uma escola isolada para uma festa após os ensaios. A celebração rapidamente se transforma em um caos infernal quando descobrem que a sangria que estavam bebendo foi adulterada com LSD. À medida que a droga faz efeito, paranoia, luxúria e violência explodem, transformando a festa em uma descida coletiva à loucura e ao horror.
Gaspar Noé orquestra uma experiência cinematográfica imersiva e sufocante. Filmado com longos planos-sequência vertiginosos e uma trilha sonora pulsante, o filme arrasta o espectador para o coração de uma “bad trip” coletiva. Mais do que um filme narrativo, é uma simulação sensorial do colapso da ordem social, uma exploração aterrorizante de como a fina camada da civilização pode ser dissolvida, revelando os instintos mais sombrios e primordiais. É uma obra tão impressionante tecnicamente quanto psicologicamente exaustiva.
A Page Of Madness
Drama, horror, de Teinosuke Kinugasa, Japão, 1926.
Uma página de loucura é um filme independente filmado com um orçamento quase inexistente e depois perdido por quarenta e cinco anos. Felizmente, o diretor o redescobriu em seu arquivo em 1971. É um filme feito por um grupo de artistas japoneses de vanguarda, a Escola das novas percepções. Um movimento que tinha como objetivo superar a representação naturalista. Em um asilo do país, sob uma chuva torrencial, o zelador encontra pacientes com doenças mentais. No dia seguinte, uma jovem chega e se surpreende ao encontrar seu pai lá, que trabalha como zelador. A mãe da jovem enlouqueceu por causa do marido quando ele era marinheiro. O marido decidiu mudar de emprego para ficar perto da esposa no asilo e cuidar dela. A filha diz ao pai que vai se casar em breve, mas o pai está preocupado porque teme, segundo rumores populares da época, que a doença mental da mãe seja herdada pela filha. Se o jovem marido e sua família descobrirem a loucura da mãe, o casamento desmoronará. O zelador tenta cuidar da esposa durante seu trabalho, enquanto ela é agredida por outros internos, mas isso interfere em seu papel e ele é repreendido pelo chefe do asilo. Lentamente, o zelador perde o contato com a realidade e seus limites com o sonho. Ele começa a fantasiar sobre ganhar na loteria quando sua filha o encontra novamente para dizer que seu casamento está em apuros. O homem pensa em tirar a esposa do asilo para esconder sua existência e resolver todos os problemas. Teinosuke Kinugasa é o diretor de alguns dos melhores filmes japoneses da década de 1920. Uma página de loucura foi comparado aos grandes filmes expressionistas alemães. É um filme experimental, de vanguarda extrema, que parece antecipar as atmosferas e temas que tornariam David Lynch famoso muitos anos depois. Pesadelos, distorções, borrões, duplas exposições e deformações fotográficas: um filme que explora os limites mais distantes das imagens em movimento. Depois, há aquelas máscaras colocadas em uma sucessão eterna de barras, fechaduras e corredores que alimentam o senso de medo e perda dos vários protagonistas ao extremo. Yasunari Kawabata, o escritor da história, ganhou o Pr
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Desculpe o Transtorno (2018)
Em uma Oakland contemporânea alternativa, Cassius “Cash” Green é um telemarketing em dificuldades que descobre uma chave mágica para o sucesso: usar sua “voz branca”. Isso o impulsiona na escada corporativa para o macabro mundo dos “Power Callers”, que vendem trabalho escravo para uma empresa moralmente corrupta chamada WorryFree. Durante sua ascensão, Cash deve escolher entre sua recém-descoberta riqueza e juntar-se aos seus antigos colegas em greve contra a exploração corporativa, uma escolha complicada por um horrível segredo da empresa.
O debut como diretor de Boots Riley é uma sátira selvagemente inventiva, surreal e furiosamente política. Usa sua premissa absurda de ficção científica para lançar uma crítica mordaz e hilária ao capitalismo, racismo, “code-switching” e à natureza alienante da cultura corporativa. O elemento satírico mais brilhante, a “voz branca”, é mais do que uma piada. É uma metáfora para o apagamento completo da identidade exigido para ter sucesso dentro de um sistema capitalista dominado por brancos. O sucesso depende de se tornar um veículo desencarnado, não ameaçador e, em última análise, desumano para os interesses corporativos.
Homem Canivete Suíço (2016)
Hank, um homem desesperado preso em uma ilha deserta, está prestes a se suicidar quando vê um cadáver chegar à praia. Ele descobre que o corpo, que ele chama de Manny, possui uma série de habilidades sobrenaturais, a mais útil das quais é uma flatulência tão poderosa que pode ser usada como motor de jet ski. Juntos, os dois embarcam em uma jornada surreal para voltar para casa, durante a qual Hank ensina a Manny, que perdeu a memória, o que significa estar vivo.
O que poderia parecer uma piada de mau gosto é, na verdade, um dos filmes mais originais, comoventes e profundamente humanos dos últimos anos. Os diretores, conhecidos como “Daniels”, usam uma premissa absurdamente absurda para contar uma história sincera sobre solidão, amizade, vergonha e a necessidade de conexão. É uma parábola caprichosa e poética que celebra a estranheza e encontra uma beleza inesperada nas funções corporais e nos tabus sociais, provando que até as ideias mais bizarras podem transmitir emoções autênticas.
Haxan
Documentário, de Benjamin Christensen, Suécia, 1922.
Profanação de túmulos, tortura, freiras possuídas por demônios e sabá de bruxas: Haxan, Bruxaria Através dos Séculos é um filme incrivelmente original e não convencional que se tornou lendário ao longo do tempo. Entre documentário e ficção dramática, o filme nos guia pela hipótese científica de que as bruxas da Idade Média sofriam dos mesmos males que os doentes mentais da era moderna. Um horror gótico assustador e ao mesmo tempo humorístico, com a criação de sequências documentais e de não-ficção que antecipam as inovações da Nouvelle Vague. Algo absolutamente único na história do cinema.
Para refletir
Em sânscrito, Diabo e Divino vêm da mesma raiz, dev. A loucura é o lado sombrio do homem e é tão natural quanto o lado luminoso. Quando você é capaz de dizer a um louco que ele não só é louco, mas que você também é, uma ponte é imediatamente criada, e é possível ajudá-lo. A natureza da vida não é nem lógica nem racional. A vida é ilógica, selvagem e contraditória.
IDIOMA: Inglês, Sueco
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português
The Greasy Strangler (2016)
Big Ronnie e seu filho de meia-idade, Big Brayden, administram um passeio turístico fracassado sobre a história da música disco. A relação tóxica e codependente deles, alimentada por comida incrivelmente gordurosa, é interrompida pela chegada de Janet, uma cliente que se apaixona por Brayden. Isso desencadeia o ciúme de Ronnie, que à noite se cobre de graxa e se transforma em um assassino grotesco e nu, o “Greasy Strangler”.
Este filme é uma experiência. Uma imersão total em um universo de mau gosto, anti-humor e puro desconforto. O diretor Jim Hosking cria um mundo hermético com sua própria lógica interna perversa, diálogos repetitivos ao ponto da hipnose e atuações deliberadamente desagradáveis. É um filme feito para ser repulsivo, mas em sua dedicação absoluta à sua própria estética grotesca, alcança uma forma de genialidade cômica surreal. Você ou ama ou odeia, mas é impossível permanecer indiferente a uma obra tão singular e corajosamente bizarra.
O Lagosta (2015)
Em um futuro distópico próximo, pessoas solteiras são presas e enviadas a um hotel onde têm 45 dias para encontrar um parceiro. Se falharem, são transformadas em um animal de sua escolha. David, um homem recém-divorciado, faz o check-in e tenta navegar pelas regras absurdas do resort, onde a compatibilidade é baseada em traços superficiais compartilhados. Após uma tentativa fracassada, ele foge para se juntar a um grupo de solitários militantes na floresta, apenas para descobrir que as regras deles são igualmente opressivas.
Outra obra-prima da sátira absurdista de Yorgos Lanthimos, O Lagosta é uma crítica seca, hilária e, em última análise, trágica ao romance moderno e à pressão social para conformar-se. O filme argumenta que tanto o acasalamento forçado quanto a solidão forçada são igualmente tirânicos, não deixando espaço para uma conexão humana genuína e não coercitiva. O mecanismo satírico central é a “característica definidora”, a ideia absurda de que um relacionamento bem-sucedido deve ser baseado em uma semelhança superficial e arbitrária. Esta é uma paródia brilhante dos algoritmos de aplicativos de namoro e da forma como a sociedade moderna reduz indivíduos complexos a uma lista de verificação de traços, tornando a conexão autêntica impossível.
Under the Skin (2013)
Uma entidade alienígena assume a forma de uma mulher atraente e dirige pelas ruas da Escócia em uma van, atraindo homens solitários. Ela os conduz a um covil surreal onde ficam presos em um líquido negro e são consumidos. No entanto, através de suas interações com a humanidade, o alienígena começa a experimentar uma evolução inesperada, desenvolvendo uma forma de empatia e curiosidade que a leva a questionar sua missão e sua própria identidade.
A obra-prima de Jonathan Glazer é um filme de ficção científica hipnótico e aterrorizante que subverte as convenções do gênero. Em vez de focar no espetáculo, utiliza a perspectiva alienígena como um filtro para observar a humanidade com um olhar frio, quase documental, desconstruindo conceitos como identidade, empatia e vulnerabilidade. A performance quase muda de Scarlett Johansson é extraordinária ao transmitir a transição de uma predadora impassível para uma presa confusa. É uma obra visualmente deslumbrante e profundamente perturbadora que penetra “sob a pele” do espectador.
The Holy Mountain
Ficção científica, drama, de Alejandro Jodorowsky, 1973, México.
Um homem, apelidado de O ladrão, que representa a carta do Louco no Tarô, está inconsciente no deserto, entre enxames de moscas. Quando acorda, encontra um anão sem pés e mãos que representa o Cinco de Espadas. Os dois se tornam amigos e vão para a cidade mais próxima, onde ganham dinheiro entretendo turistas. O ladrão se assemelha a Jesus Cristo e, após uma briga com um padre, come o rosto de uma estátua de cera de Cristo, simbolicamente comendo seu corpo e oferecendo "a si mesmo" ao Céu. Após muitas desventuras, ele chega ao topo de uma torre que é o laboratório de um misterioso alquimista. Participando de vários ritos de iniciação, o alquimista o apresenta às sete pessoas mais poderosas da Terra, que trabalham nas indústrias do bem-estar, armas, arte, entretenimento, aplicação da lei, construção e economia. Juntos, eles terão que alcançar a Montanha Sagrada, uma montanha lendária em uma ilha inexistente, onde há nove sábios que conhecem o segredo da imortalidade. O objetivo deles é eliminá-los e tomar o lugar deles.
Para refletir
Na Índia, eles chamam a realidade do mundo ao nosso redor de Maya, que significa ilusão. A verdade está escondida: é como uma tela de cinema na qual você projeta seus sonhos e desejos. Físicos investigaram o que é a matéria e chegaram à conclusão de que ela não existe. Então, do que é feita a matéria das coisas? É apenas energia condensada, que vibra em alta velocidade, aparência. Em um nível profundo, a matéria não existe.
IDIOMA: Inglês
LEGENDAS: Espanhol, Francês, Alemão, Português
Upstream Color (2013)
Uma mulher chamada Kris é sequestrada e drogada com um parasita que a torna suscetível à hipnose, permitindo que seu captor esvazie suas contas bancárias. Após o trauma, ela encontra sua vida em ruínas e sem memória do que aconteceu. Ela conhece Jeff, um homem que parece ter sofrido um trauma semelhante. Os dois se conectam profundamente, descobrindo que fazem parte de um ciclo de vida complexo e misterioso envolvendo o parasita, porcos e orquídeas azuis.
O segundo filme de Shane Carruth é uma obra enigmática, lírica e cientificamente complexa que desafia a narrativa tradicional. É um quebra-cabeça visual e auditivo que explora temas como identidade, trauma, controle e as conexões invisíveis que ligam os indivíduos. O filme não oferece explicações explícitas, mas comunica-se por meio de um fluxo de imagens, sons e associações emocionais, exigindo que o espectador abandone a busca por uma trama linear e se mergulhe em uma experiência sensorial que reflete a confusão e a busca por sentido de seus protagonistas.
Holy Motors (2012)
Do amanhecer ao anoitecer, acompanhamos as horas na vida de Monsieur Oscar, um personagem enigmático que viaja por Paris em uma limusine branca. Pelo caminho, ele se transforma em uma série de personagens completamente diferentes: um mendigo idoso, um assassino, um monstro que vive nos esgotos, um homem de família. Cada “compromisso” é uma performance surreal e autônoma, levantando questões sobre a natureza da identidade, da atuação e da própria vida na era digital.
A obra de Leos Carax é uma elegia misteriosa e comovente ao cinema e à experiência humana. É um filme que desafia categorizações, um fluxo visual de consciência que explora a fragmentação da identidade em um mundo onde os papéis que desempenhamos se tornaram mais reais do que nós mesmos. A performance transformadora de Denis Lavant é lendária. Holy Motors é uma homenagem à “beleza do gesto”, um ato de fé no poder das imagens para criar significado mesmo quando a lógica falha, e uma reflexão melancólica sobre um mundo que talvez tenha perdido sua capacidade de ver a magia.
Don’t Hug Me I’m Scared (2011)
Esta série surreal em stop-motion apresenta conteúdos educativos distorcidos em cenários de pesadelo. Cada episódio desconstrói conceitos simples como amor, criatividade e tecnologia por meio de imagens bizarras e perturbadoras e progressões narrativas ilógicas.
Don’t Hug Me I’m Scared subverte formatos educacionais ao introduzir a lógica dos sonhos e o medo existencial. A série emprega humor absurdo e metáforas visuais inquietantes para explorar conceitos cotidianos, criando uma experiência desorientadora onde o significado convencional se dissolve.
Rubber (2010)
Robert, um pneu abandonado no deserto da Califórnia, de repente ganha vida. Ele descobre que possui poderes telecinéticos, que usa para explodir pequenos animais e, eventualmente, as cabeças das pessoas que cruzam seu caminho. Seus atos assassinos são observados por um grupo de espectadores no deserto, que comentam a ação como se estivessem assistindo a um filme, enquanto um xerife tenta pôr fim à carnificina, ciente da natureza fictícia dos eventos.
O filme de Quentin Dupieux é uma obra metacinematográfica brilhante e audaciosa. A premissa, um pneu assassino, é apenas um pretexto para uma reflexão sobre a absurdidade da própria narrativa cinematográfica. O filme começa com um monólogo sobre o conceito de “sem razão” nos filmes, declarando sua poética. Rubber é uma sátira hilária dos clichês do horror e do papel passivo do espectador, um experimento ousado que desconstrói as regras do cinema enquanto as encena, celebrando o ilógico e o sem sentido.
Slow Life
Drama, comédia, suspense, de Fabio Del Greco, Itália, 2021.
Lino Stella tira um período de férias do seu trabalho alienante para se dedicar ao relaxamento e à sua paixão: desenhar quadrinhos. Mas ele não previu certos elementos perturbadores: o administrador intrusivo do prédio onde mora, o carteiro que entrega multas e contas de impostos malucas, um segurança autoritário, um corretor de imóveis muito empreendedor, a senhora idosa do andar de baixo que cria a colônia felina do condomínio. Esses personagens transformarão suas férias em um inferno.
Para refletir
Quanto maior é um grupo social, mais regras e burocracia são necessárias, que muitas vezes não respeitam o indivíduo. É preciso aprender a conviver com pessoas irritantes, mas às vezes a pressão social e a arrogância podem se tornar intoleráveis. As únicas leis que sempre nos ajudam são as leis da Natureza.
IDIOMA: Italiano
LEGENDAS: Inglês, Espanhol, Francês, Alemão, Português
Enter the Void (2009)
Oscar, um traficante americano em Tóquio, é morto pela polícia durante uma batida. O que parece o fim é na verdade o começo de uma vasta jornada psicodélica. O espírito de Oscar deixa seu corpo e flutua pela cidade banhada em néon, revivendo memórias traumáticas do passado, observando as consequências de sua morte sobre sua irmã Linda e experimentando uma jornada alucinatória rumo à reencarnação, guiado pelos princípios do Livro Tibetano dos Mortos.
O filme de Gaspar Noé é um experimento radical em subjetividade cinematográfica, um “melodrama psicodélico” que utiliza uma perspectiva implacável em primeira pessoa para aprisionar o espectador na consciência de seu protagonista—antes, durante e após a morte. O estilo visual agressivo e por vezes nauseante não é um mero floreio estético, mas um dispositivo temático. Noé força o público a experimentar o mundo através dos sentidos de Oscar, incluindo viagens de drogas, violência e morte, para dissolver a fronteira entre espectador e personagem. O objetivo final é simular o “Vazio” do título: um estado onde a consciência individual se fragmenta e se funde com um fluxo universal e cíclico de memória e sensação, tornando-o um dos filmes mais imersivos e psicologicamente invasivos já feitos.
Dente Canino (2009)
Três irmãos adultos vivem em completo isolamento no terreno cercado da família, nunca tendo conhecido o mundo exterior. Seus pais construíram uma realidade alternativa bizarra para eles, ensinando definições incorretas para palavras (um “zumbi” é uma pequena flor amarela) e controlando toda a sua existência através de um sistema de regras e recompensas perversas. Esse mundo frágil começa a ruir quando o pai apresenta um estranho para satisfazer as necessidades sexuais do filho.
O filme que estabeleceu Yorgos Lanthimos é uma alegoria arrepiante e darkmente hilária sobre controle. Usa sua premissa surreal para expor a unidade familiar como um potencial estado totalitário, onde a linguagem é uma ferramenta de opressão e a ignorância é imposta como meio de poder. O título, Kynodontas (Dente Canino), refere-se à mentira central contada às crianças: elas só podem sair de casa quando seu dente canino cair, um evento biologicamente impossível para um adulto. Essa mentira é uma metáfora perfeita para todos os sistemas de controle (familiar, político, religioso) que mantêm o poder criando condições inalcançáveis para a liberdade, aprisionando seus sujeitos em um estado de infância perpétua.
Taxidermia (2006)
Através de três gerações de uma família húngara, o filme conta três histórias grotescas de obsessão corporal. A primeira acompanha um soldado durante a Segunda Guerra Mundial, atormentado por desejos sexuais reprimidos. A segunda foca em seu filho, um campeão de competição de comer na era comunista. A terceira e última história é a do neto, um taxidermista magro e solitário vivendo na Hungria contemporânea que busca alcançar a imortalidade através de sua arte macabra.
O trabalho de György Pálfi é uma alegoria histórica ousada e visualmente impressionante. Usa o grotesco e o horror corporal para pintar um retrato surreal e satírico de um século da história húngara, onde o corpo se torna o campo de batalha para ideologias políticas e obsessões pessoais. É um filme provocativo e difícil de digerir que mistura humor negro, imagens perturbadoras e uma profunda reflexão sobre mortalidade, arte e legado, tanto familiar quanto nacional.
Donnie Darko (2001)
Um adolescente perturbado começa a ter visões de uma figura misteriosa e se vê envolvido em uma narrativa complexa que envolve viagem no tempo e realidades paralelas. O filme mistura drama psicológico com elementos de ficção científica de maneiras cada vez mais enigmáticas.
Donnie Darko exige múltiplas assistidas para desvendar sua trama que desafia a lógica. O filme sobrepõe sequências oníricas, paradoxos temporais e questões filosóficas, criando uma experiência alucinante onde a causalidade se torna incerta e a realidade se fragmenta em múltiplas interpretações.
Quero Ser John Malkovich (1999)
Craig Schwartz, um marionetista de rua desempregado e frustrado, consegue um emprego como arquivista em um estranho escritório localizado no 7½º andar de um prédio em Manhattan. Atrás de um arquivo, ele descobre um pequeno portal que leva diretamente à mente do ator John Malkovich por quinze minutos. Junto com sua colega cínica Maxine, por quem está apaixonado, ele decide explorar comercialmente a descoberta, desencadeando uma série de complicações surreais sobre identidade, desejo e celebridade.
Escrito pelo gênio Charlie Kaufman e dirigido por Spike Jonze, este filme é uma comédia surreal e profundamente filosófica que questiona a natureza da identidade e do desejo. A premissa bizarra torna-se um veículo para explorar a desesperada busca humana por escapar de si mesmo e a celebridade como uma casca vazia para habitar. O filme levanta questões vertiginosas: quem somos sem nossos corpos? O que significa amar alguém? E o que acontece quando a arte da marionetaria — o controle — é aplicada à própria vida? É uma sátira hilária e melancólica sobre a condição humana.
The Exterminating Angel
Drama, de Luis Buñuel, México, 1962.
A trama gira em torno de um grupo de pessoas que se reúnem em uma villa suntuosa para um jantar de gala. No entanto, após o jantar, eles descobrem que não conseguem deixar a villa, apesar de as portas e janelas estarem trancadas e as saídas aparentemente bloqueadas. O que se segue é uma espécie de pesadelo surreal onde o grupo de convidados fica preso na villa e seus comportamentos e relações sociais começam a se degradar de maneira bizarra.
O filme aborda temas como conformidade social, alienação e a queda das convenções sociais. É conhecido por suas sequências surreais e pela forma como desafia a realidade e a lógica tradicional. "O Anjo Exterminador" é frequentemente interpretado como uma crítica satírica à classe alta e às normas sociais autojustificadoras. Este filme tornou-se um ícone do cinema surrealista e representa uma das obras mais distintivas e provocativas de Luis Buñuel. É valorizado tanto por sua complexidade conceitual quanto por sua extravagância visual, e tem sido influente no mundo do cinema por sua capacidade de ultrapassar os limites da arte cinematográfica. Na época, muitos pensaram que seria o último filme da carreira de Buñuel. No entanto, foi o primeiro de uma série de obras-primas.
IDIOMA: Espanhol
LEGENDAS: Inglês
Pi (1998)
Maximilian Cohen é um gênio matemático solitário e paranoico, convencido de que tudo na natureza pode ser compreendido através dos números. Usando um supercomputador em seu apartamento no Chinatown, ele busca padrões numéricos no mercado de ações. Sua pesquisa o leva a descobrir um misterioso número de 216 dígitos que parece ser a chave não apenas para o mercado financeiro, mas talvez também para um código divino oculto na Torá, atraindo a atenção tanto de uma poderosa firma de Wall Street quanto de um grupo de cabalistas.
O debut de Darren Aronofsky é um thriller psicológico de baixo orçamento, filmado em preto e branco granuloso e de alto contraste, que explora a obsessão por encontrar ordem no caos. O filme encena o conflito entre fé (nos números, em Deus) e o incognoscível, entre a racionalidade científica e o misticismo. A descida de Max à loucura é uma parábola sobre a arrogância perigosa do conhecimento humano diante de mistérios maiores, uma jornada febril que culmina não em uma descoberta divina, mas em uma renúncia violenta e libertadora da própria busca.
Gummo (1997)
Após um tornado devastador, a pequena cidade de Xenia, Ohio, é um lugar de desolação e apatia. O filme acompanha as vidas fragmentadas de um grupo de adolescentes e moradores, incluindo dois garotos que passam os dias caçando gatos vadios para vender a um restaurante local. Por meio de uma série de vinhetas aparentemente desconectadas, o filme pinta um retrato niilista e perturbador da pobreza e do abandono na América esquecida.
A estreia na direção de Harmony Korine é uma obra controversa e inesquecível. Usando um estilo não linear, quase documental, e misturando atores não profissionais com cenas deliberadamente bizarras e perturbadoras, Gummo desafia o espectador a confrontar uma realidade que preferiria ignorar. Não há julgamento moral, apenas uma observação fria e, por vezes, estranhamente poética da desolação. É um filme que busca uma beleza perversa nos escombros, um retrato cru e alucinatório de uma geração perdida que deixou uma marca indelével no cinema independente.
Tetsuo: The Iron Man (1989)
Um assalariado japonês atropela acidentalmente um “fetichista do metal” que estava implantando pedaços de ferro em seu corpo. Pouco depois, o assalariado começa a sofrer uma metamorfose horrível. Fragmentos de metal irrompem de sua carne, seu corpo se contorce, e ele lentamente se transforma violentamente em um híbrido monstruoso de carne e sucata industrial, culminando em um confronto final com seu inimigo ressuscitado.
Uma obra-prima convulsiva do horror corporal cyberpunk, Tetsuo é um ataque implacável e em alta velocidade aos sentidos, visualizando a colisão violenta entre humanidade e tecnologia no Tóquio pós-industrial. A transformação não é apenas um horror físico, mas uma metáfora para a raiva reprimida e a ansiedade sexual do “assalariado” moderno. A casca rígida e conformista do empregado é brutalmente destruída, substituída por uma nova forma monstruosa, fálica e destrutiva que representa uma libertação aterrorizante das restrições sociais. O “Homem de Ferro” é o Id do protagonista manifestado; o metal não é apenas tecnologia, mas a energia crua, violenta e sexual que sua vida civilizada o forçou a suprimir.
Begotten (1989)
Em um mundo primordial e desolado, uma figura divina comete suicídio se esvaziando por dentro. De seu cadáver emerge a Mãe Terra, que se insemina com sua semente e dá à luz um filho deformado e trêmulo, o Filho da Terra. Essa nova criatura é torturada e morta por um grupo de nômades sem rosto, em um ciclo interminável de morte violenta e renascimento, enquanto a natureza renasce de seus restos.
O trabalho de E. Elias Merhige é um pesadelo experimental em preto e branco, uma experiência visual extrema que reescreve o Gênesis como um poema de horror cósmico. Filmado e depois re-fotografado quadro a quadro para alcançar uma imagem degradada, tremeluzente e quase irreconhecível, o filme elimina o diálogo e a narrativa tradicional para comunicar-se por meio de uma linguagem puramente visual e visceral. É uma exploração brutal e fascinante dos temas da criação, destruição e sofrimento, uma obra de arte radical que ultrapassa os limites do que o cinema pode representar.
Devil Story (1986)
Este filme de horror francês segue uma narrativa caótica envolvendo um assassino deformado, uma múmia e um cavalo possuído. Personagens aparecem e desaparecem sem explicação, criando um enredo incoerente que parece um sonho febril.
Devil Story exemplifica o surrealismo involuntário por meio de sua estrutura narrativa desconcertante e cenas inexplicáveis. O filme desafia a lógica convencional da narrativa, tornando-se um estudo fascinante de como a absurdidade emerge da confusão narrativa em vez de uma intenção artística deliberada.
The Grin and the Cow
Filme experimental e musical, de Fabio Nicosia, Itália, 2020.
Filme musical com um toque psicológico. Os monstros da imaginação infantil transmigraram nas várias fases da existência do indivíduo. As sombras, os fantasmas e os medos que conseguimos domar, mas não eliminar, e que continuam ressurgindo em sonhos, linguagem, pintura, arquitetura e narrativa. Um filme não convencional capaz de penetrar o olhar do espectador com imagens não convencionais. Em busca daquele mundo dos sonhos que pertencia à criança que fomos e que podemos redescobrir, com sua criatividade e seus medos.
IDIOMA: Italiano
LEGENDAS: Inglês
Videodrome (1983)
Max Renn, presidente de um canal de TV a cabo de baixo orçamento, descobre uma transmissão pirata chamada “Videodrome”, que parece mostrar tortura e assassinato reais. Sua busca pela origem do sinal o envolve em uma conspiração envolvendo tumores cerebrais alucinógenos, uma nova filosofia da “nova carne” e a fusão induzida pela mídia entre realidade e fantasia. Seu próprio corpo começa a mutar, desenvolvendo uma fenda vaginal em seu estômago para inserir fitas de vídeo.
Décadas à frente de seu tempo, Videodrome é a tese profética e aterrorizante de David Cronenberg sobre a relação entre mídia, realidade e o corpo humano. O filme argumenta que a mídia de massa não é uma janela passiva para o mundo, mas um agente biológico ativo que literalmente remodela nossa percepção e nossa carne. A ideia mais radical do filme é que o conteúdo da mídia é irrelevante; é o próprio meio que é a mensagem e o mutagênico. O sinal Videodrome funciona através de qualquer transmissão, não apenas as violentas. Essa percepção torna o filme uma crítica muito mais profunda do que um simples alerta sobre a “violência na TV”: é um aviso sobre os efeitos neurológicos e fisiológicos da própria tela, uma ideia assustadoramente premonitória para a era da internet.
Stalker (1979)
Em um mundo pós-apocalíptico e desolado, existe uma misteriosa “Zona”, uma área isolada pelo governo onde as leis da física supostamente são suspensas e onde, em uma sala, os desejos mais profundos de uma pessoa podem ser realizados. Um “Stalker”, um guia atormentado, conduz dois clientes, um Escritor cínico e um Professor pragmático, em uma jornada perigosa e metafísica através desta paisagem enigmática e mutável.
A obra-prima de Andrei Tarkovsky é mais do que um filme de ficção científica; é uma jornada filosófica e espiritual ao coração da alma humana. Lento, hipnótico e visualmente deslumbrante, o filme usa sua premissa para explorar temas complexos como fé, dúvida, cinismo e a natureza do desejo. A própria Zona torna-se um personagem, uma entidade que parece responder aos estados internos dos viajantes. Stalker não oferece respostas fáceis, mas faz perguntas profundas, deixando o espectador em um estado de contemplação meditativa sobre a condição humana.
Eraserhead (1977)
Em um desolado deserto industrial, o tímido Henry Spencer descobre que gerou um bebê mutante monstruoso e chorão com sua namorada, Mary X. Preso em seu apartamento claustrofóbico, Henry mergulha em um mundo de pesadelos e visões surreais, incluindo uma mulher cantando dentro de um radiador, enquanto luta contra as angústias esmagadoras da paternidade, do compromisso e de sua realidade sombria.
Eraserhead é o pesadelo máximo da ansiedade doméstica transposto para o cinema. David Lynch traduz os medos abstratos da paternidade e da alienação urbana em uma experiência sensorial tangível, grotesca e inesquecível, usando o som e a materialidade da imagem como suas principais ferramentas narrativas. O próprio título, “A mente que apaga”, refere-se não apenas ao penteado do protagonista ou à sequência do sonho na fábrica de lápis, mas ao desejo psicológico fundamental que move o filme: a necessidade de apagar uma realidade insuportável. A opressiva paisagem sonora industrial e a fotografia em preto e branco, austera e desolada, são cruciais para materializar esse sentimento de angústia. O ato final e violento de Henry é apenas a trágica realização desse desejo de aniquilação, onde a morte se torna a única fuga para o “céu” cantado pela Dama no Radiador.
Hausu (1977)
Uma colegial chamada Gorgeous, desapontada com a nova parceira de seu pai, decide passar as férias de verão na casa de campo de uma tia que nunca conheceu, levando seis amigas com ela. A casa logo se revela uma armadilha sobrenatural e carnívora, que começa a devorar as garotas uma a uma das formas mais imaginativas e absurdas: um piano que come dedos, um gato demoníaco e colchões voadores são apenas alguns dos horrores psicodélicos que as aguardam.
O filme de Nobuhiko Ōbayashi é uma explosão de criatividade antirrealista, uma história de fantasmas que abandona toda pretensão de sustos tradicionais para abraçar uma estética pop, lúdica e delirante. Usando efeitos visuais deliberadamente artificiais, animação, colagem e edição frenética, Hausu parece um episódio de Scooby-Doo dirigido por um cineasta sob efeito de ácido. Sob sua superfície colorida e louca, porém, reside uma reflexão melancólica sobre o trauma da guerra e da perda, tornando-o uma obra tão divertida e surreal quanto secretamente profunda.
A Montanha Sagrada (1973)
Um ladrão semelhante a Cristo vagueia por uma paisagem de quadros grotescos, sacrilégios e satíricos que representam a corrupção social. Ele é acolhido por um poderoso Alquimista que o apresenta a sete das pessoas mais influentes do mundo, cada uma simbolizando um planeta e um aspecto corrupto da sociedade. Juntos, eles abandonam seus egos e embarcam em uma busca mística até a Ilha do Lótus para escalar a Montanha Sagrada e obter a imortalidade dos deuses que lá residem.
A obra-prima de Alejandro Jodorowsky não é um filme para ser assistido, mas um ritual alquímico para ser experienciado. Utiliza um turbilhão de simbolismo esotérico, sátira social e imagens psicodélicas para desconstruir o poder, a religião e a própria natureza da realidade. A jornada dos discípulos é um processo alquímico clássico de purificação, despindo-os do materialismo para prepará-los para a iluminação. O final, com sua reviravolta chocante que revela o set de filmagem, não é um truque cínico, mas a realização máxima desse caminho. A verdadeira “imortalidade” não era um segredo místico no topo da montanha, mas o despertar para a “vida real” e a desconstrução da ilusão — o próprio filme. Jodorowsky oferece ao espectador a iluminação suprema: a consciência de estar diante de uma obra de arte e o imperativo de retornar à própria realidade, transformado pela experiência.
Pink Flamingos (1972)
A infame drag queen Divine vive sob o pseudônimo Babs Johnson, a orgulhosa detentora do título de “pessoa mais imunda viva”. Sua reputação atrai a inveja de Connie e Raymond Marble, um casal criminoso que dirige um esquema de tráfico de bebês e se envolve em diversas perversões. Os Marbles decidem desafiar Divine pelo título, desencadeando uma escalada de atos cada vez mais grotescos, escandalosos e repugnantes.
A obra-prima “trash” de John Waters é um ato revolucionário de mau gosto, um ataque frontal a todas as convenções sociais e cinematográficas. Feito com um orçamento mínimo e uma estética deliberadamente amadora, o filme celebra o repugnante e o tabu como formas de rebeldia. Tornou-se um ícone do cinema da meia-noite e um marco da cultura queer, não apenas por sua audácia transgressora, mas por seu espírito anárquico e libertador. Pink Flamingos é um lembrete de que a arte pode ser encontrada mesmo nos lugares mais sórdidos, e que, às vezes, ser “imundo” é o ato mais honesto de todos.
Laranja Mecânica (1971)
A obra-prima distópica de Stanley Kubrick acompanha um jovem violento submetido a um condicionamento comportamental experimental. O filme apresenta uma sociedade de pesadelo onde violência, estética e moralidade colidem de maneiras chocantes e ilógicas.
Laranja Mecânica desafia a lógica narrativa convencional ao rejeitar o desenvolvimento tradicional de personagens e os quadros morais. Kubrick cria um mundo onde a brutalidade se torna ritualística e a beleza se entrelaça com a violência, forçando os espectadores a confrontar o absurdo tanto da sociedade quanto do próprio cinema.
El Topo (1970)
Um misterioso pistoleiro vestido de preto, El Topo, viaja por uma paisagem desértica surreal com seu filho nu. Após abandonar a criança, ele empreende uma missão para derrotar quatro mestres pistoleiros para provar sua supremacia espiritual. Traído e dado como morto, ele renasce como um santo tolo, tornando-se o salvador de uma comunidade de excluídos deformados que vivem em uma caverna, que ele deve libertar cavando um túnel para o mundo exterior.
El Topo é o progenitor do gênero “Acid Western”, um filme que apropria a iconografia da fronteira americana para injetá-la com misticismo oriental, alegoria cristã e surrealismo brutal. É uma odisseia espiritual em dois atos sobre a destruição do ego e o doloroso caminho para a redenção e o sacrifício. A estrutura bipartida do filme espelha o arco narrativo do Antigo e do Novo Testamento. A primeira metade é o Antigo Testamento: um “Deus” vingativo e egoísta (El Topo) buscando domínio através da violência. A segunda metade é o Novo Testamento: uma figura humilde, quase cristológica, que alcança a iluminação através do sofrimento, da comunidade e do sacrifício supremo. Jodorowsky usa assim o arquétipo do western para recontar toda a parábola da mitologia religiosa ocidental, movendo-se de um paradigma de poder violento para um de compaixão e martírio.
Um Cão Andaluz (1929)
Um curta-metragem surrealista mudo que desafia toda lógica narrativa convencional. Apresenta uma série de imagens chocantes, oníricas e desconexas, incluindo a famosa cena inicial do olho de uma mulher sendo cortado por uma navalha. O filme acompanha um homem e uma mulher através de encontros bizarros que incluem formigas saindo de uma mão, burros mortos sobre pianos e saltos inexplicáveis no tempo, tudo governado pela lógica do subconsciente.
Esta obra é o grito primordial do cinema surrealista, um ataque direto à sensibilidade burguesa e ao pensamento racional. Luis Buñuel e Salvador Dalí, baseando o roteiro em seus próprios sonhos, seguiram a regra estrita de rejeitar qualquer imagem que pudesse ter uma explicação lógica. A infame cena do corte do olho é uma declaração meta-cinematográfica de intenção: o filme está literalmente “cortando” a maneira convencional de ver do espectador, forçando-o a abandonar a observação passiva e a interagir com as imagens em um nível puramente visceral e subconsciente. Este ato estabelece o princípio central de muito do cinema estranho que viria: a experiência prevalece sobre a explicação.
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