Kammerspiel e a Nova Objetividade

A Alemanha está certamente entre os países mais vitais e inovadores na história do cinema das décadas de 1920 e 1930. Além de ser a terra natal do expressionismo, o kammerspiel e A Nova Objetividade também se consolidam, com uma longa série de dramas e filmes históricos. O kammerspiel, que significa atuação de câmara, é um movimento teatral e musical de vanguarda que também contamina o cinema, lançado no teatro em 1906 com a apresentação teatral de Ghosts de Ibsen no Deutsches Theatre em Berlim, e que respeita estritamente o princípio das três unidades: unidade de lugar, unidade de tempo e unidade de ação. A história tem como foco principal a relação entre ator e câmera.

A atuação é minimalista, essencial, focada em fazer o espectador perceber até as mais sutis nuances expressivas dos rostos. As locações são realistas e avassaladoras: são a metáfora visual da condição de sofrimento dos personagens. Inclui um pequeno número de filmes independentes, mas todos muito interessantes. São inspirados nas experiências de Max Reinhardt e são quase todos escritos por Carl Mayer , com regras precisas.

São histórias ambientadas em ambientes da pequena burguesia, dramas de desejos, rancores e presenças ameaçadoras do destino. Mas, acima de tudo, são filmes filmados com total unidade de ação, lugar e espaço. A ideia dos cineastas é contar exclusivamente por meio de imagens de forma totalmente cinematográfica, sem o auxílio de legendas. Kammerspiel como Backstairs, Shattered and New Year’s Eve narram dramas inevitáveis causados pela condição humana e pela mediocridade do cotidiano.

Kammerspiel: Pequenas Tragédias Cotidianas

São pequenas histórias do dia a dia que assumem proporções trágicas. Ao mesmo tempo, o cinema histórico se afirmou na Alemanha. Inspirado pelo sucesso da tradição popular alemã e do filme histórico italiano, mas com maior capacidade de encenação, para movimentar centenas de figurantes e usar os cenários. O diretor Ernst Lubitsch especializou-se nesse gênero no início de sua carreira, passando depois a se interessar pela comédia, especialmente em sua viagem para Hollywood, criando um estilo único apelidado de Lubitsch touch.

O diretor Joe May especializa-se em outro gênero, uma mistura de gêneros entre drama, exotismo, história policial e magia, como no filme The Indian Tomb, escrito por Fritz Lang e sua esposa Thea von Harbou. Fritz Lang também fará um filme extraordinário, considerado um dos projetos mais bem-sucedidos do Kammerspiel, The Last Laugh , que, no entanto, também se apoia em outros estilos e contaminações, como o expressionismo.

Os dramas e dificuldades da vida metropolitana em Berlim na década de 1920 favorecem o sucesso de muitos filmes de drama ambientados nas ruas da cidade. O mundo difícil dos bairros operários, onde pessoas frágeis vivem uma vida de humilhação e sofrimento, sem qualquer possibilidade de redenção.

O kammerspiel e o movimento da Nova Objetividade caminham na direção oposta ao expressionismo e interessam-se pela realidade da Alemanha da época, mas sempre com uma forte marca artística do diretor e sua visão, sem ceder à objetividade como um fim em si mesma.

Os Excluídos da Cidade

Um mundo de ladrões, criminosos, prostitutas e assassinos que vivem nos bairros mais pobres, mas também de burgueses ricos que tentam mudar suas vidas e vencer suas frustrações sem sucesso. O estilo expressionista, no entanto, influencia essa pesquisa visual sobre a realidade. Os medos e ansiedades dos personagens na tela são representados com soluções técnicas visuais de grande impacto, com uma importância fundamental do enquadramento.

Às vezes são sujeitos femininos destinados ao fracasso pelas leis sociais ou desilusões amorosas. Varieté, de Dupont, de 1925, conta o drama de um ex-prisioneiro forçado a sofrer violência, com grande expressividade. Joe May, que havia trabalhado anteriormente em dramas históricos, também realiza um filme que retrata de forma particularmente vívida a nova realidade das cidades alemãs, Asphalt, de 1928.

Kammerspiel: Os Filmes de Georg Wilhelm Pabst

Os dramas de rua alcançam seu melhor resultado no cinema de Pabst, que consegue combinar objetividade e grande expressividade em seus filmes. Os atores e os objetos filmados parecem adquirir uma presença pesada, objetiva, corpórea, quase física em seu cinema. A materialidade pesada das coisas e pessoas da vida urbana adquire um valor singular em Pabst, uma força expressiva que deforma a realidade de forma grotesca, graças aos ângulos e à luz usados de maneira inovadora. Pabst é capaz de alternar closes e planos fechados, detalhes e planos mais amplos com uma edição rápida e com uma fluidez e habilidade técnica únicas.

Segredos de uma Alma, de 1926, é um de seus primeiros filmes, totalmente dedicado à psicanálise. Mas o diretor oferece o melhor de sua produção nos dramas de rua, narrando desespero, humilhação e frustração em filmes como A Rua Sem Alegria, de 1925, Lulu, de 1928, e O Diário de uma Garota Perdida, de 1925. Filmes que contam histórias de sensualidade, opressão, desejo e crime. Louise Brooks dá rosto a um personagem particularmente sugestivo, numa história onde pecado e poder se encontram para fazer os personagens caírem na tentação e no mal, com imagens de grande intensidade.

O Kammerspiel Político

As experiências cinematográficas mais radicais estão ligadas a projetos políticos e ideológicos de encenação da miséria das classes mais desfavorecidas das metrópoles capitalistas. São filmes mais realistas que tocam a fronteira com o documentário e tentam representar com precisão a condição de pobreza nos bairros populares das cidades. É um cinema de denúncia das injustiças sociais, das relações de classe, que nasceu como um modelo de cinema engajado dentro dos partidos de esquerda. As experiências cinematográficas no período da República de Weimar estabelecem, portanto, modelos de cinema muito heterogêneos e visões da realidade na Alemanha.

Uma corrente com maior força nas metáforas e símbolos, que dá prioridade à imagem e ao plano único sobre toda a sequência e narrativa. O cinema expressionista deformador e figurativo de Lang e Murnau. Por outro lado, há um cinema mais objetivo que representa e descreve a realidade com uma montagem analítica e uma narrativa clássica que dá menos importância ao aspecto figurativo da imagem única. É um cinema que conta a realidade objetiva que será chamado de A Nova Objetividade, que inclui também um cinema de gênero mais convencional e padronizado, que prefere caminhos e dramaturgias funcionais à estrutura da história.

The Last Laugh

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Drama, de F.W. Murnau, Alemanha, 1924.
Jannings é o porteiro do hotel Atlantic em Berlim, feliz com seu papel e seu uniforme. Mas seu chefe acha que ele é velho demais para receber os clientes na entrada e o coloca para limpar os banheiros. Jannings, profundamente perturbado com o que aconteceu, fica bêbado à noite para esquecer o ocorrido e tenta esconder seu novo trabalho degradante da família e dos amigos. Mas no dia seguinte ele é descoberto. Obra-prima absoluta de Murnau, em equilíbrio entre expressionismo e kammespiel. A câmera ganha vida em um estilo incrivelmente vanguardista de experimentação visual.

Para refletir
Para o ego, trabalho uniforme e respeitável pode ser um valor absoluto. Para o ego, ser colocado para limpar banheiros pode ser a pior das humilhações. Porque o ego raciocina de acordo com as opiniões dos outros e quer que nos conformemos à sua escala de valores. Para nosso eu mais profundo, no entanto, pode ser mais divertido limpar banheiros do que ser porteiro na entrada do hotel.

IDIOMA: Alemão (legendas)
LEGENDAS: Inglês

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Filmes Kammerspiel para Assistir

Backstairs (1921)

Este filme marcou a estreia do diretor alemão Leopold Jessner, que colaborou com Paul Leni para dar vida a este projeto. O renomado roteirista Carl Mayer criou esta história envolvente, feita sob medida para a direção visionária de Jessner. Lançado em 1921, “Backstairs” emergiu como um exemplo pioneiro do estilo cinematográfico kammerspiel alemão, que ganhou destaque ao longo da década de 1920 por seu foco em narrativas íntimas e psicológicas.A história se desenrola com uma garçonete, interpretada por Henny Porten, iniciando seu dia rotineiro, diligentemente atendendo às suas tarefas. Enquanto isso, das limitações de sua casa, o carteiro, vivido por Fritz Kortner, observa-a com certa curiosidade. Enquanto realiza sua tarefa diária de entregar correspondências, ele testemunha a garçonete recebendo uma carta, que ela abre e lê ansiosamente, despertando uma sutil intriga.O filme então nos transporta para a noite, onde a intriga se aprofunda quando a garçonete encontra O Amante, personagem trazido à vida por William Dieterle. Sem que eles saibam, o carteiro observa este encontro clandestino de seu ponto de vista, adicionando camadas de tensão e voyeurismo à narrativa. Quando a noite seguinte chega, a garçonete sai novamente, alheia ao olhar persistente e vigilante do carteiro, mantendo a atmosfera de suspense e drama subjacente do filme.

Shattered (1921)

“Shattered” é um filme mudo alemão de Kammerspiel de 1921 habilmente dirigido pelo aclamado Lupu Pick, com roteiro elaborado pelo talentoso Carl Meyer. Amplamente reconhecido como o exemplo pioneiro do gênero kammerspielfilm, esta obra cinematográfica imerge os espectadores em uma narrativa comovente ambientada contra o cenário sombrio dos rigorosos meses de inverno. A história se desenrola em torno de um diligente trabalhador ferroviário encarregado da responsabilidade crucial de monitorar os trilhos do trem. Ao seu lado, sua família suporta uma existência monótona caracterizada por condições de vida duras em um ambiente desolado ao lado da linha férrea.

A vida diária deles, já marcada pela rotina mundana e tediosa, é subitamente interrompida quando recebem um telegrama surpreendente. Este telegrama traz notícias importantes: o inspetor regional, uma autoridade significativa no domínio ferroviário, está programado para fazer uma visita e pretende ficar com a família durante sua avaliação dos trilhos. Esta visita iminente introduz uma onda de antecipação e tensão em suas vidas, estabelecendo o palco para uma experiência transformadora em seu lar, rica em temas subjacentes de dinâmicas sociais e aspirações pessoais.

Véspera de Ano Novo (1921)

Véspera de Ano Novo é um filme mudo de 1924, dirigido pelo renomado cineasta alemão Lupu Pick, com roteiro elaborado por Carl Meyer. A produção desta obra cinematográfica ocorreu em 1923, e foi apresentada pela primeira vez ao público em Berlim no dia 4 de janeiro de 1924. Este filme é considerado um dos primeiros exemplos de um kammerspiel, um estilo distinto dentro do gênero do cinema mudo que enfatiza a narrativa íntima e a profundidade psicológica de seus personagens. Véspera de Ano Novo foi inovador para sua época, distinguindo-se pelo uso pioneiro de técnicas cinematográficas. Ao contrário de muitos filmes da época, empregou movimentos dinâmicos de câmera, como panorâmicas e travelling, em vez de depender de enquadramentos estáticos, aprimorando assim a narrativa visual. Fiel ao estilo das obras anteriores de Pick, o filme dispensa o uso de intertítulos, permitindo que as ações e expressões dos personagens transmitam a história sem interrupção textual. Essa abordagem não apenas reflete a visão artística de seus criadores, mas também exemplifica a linguagem em evolução do cinema durante a era do cinema mudo.

O Último Riso (1924)

Um porteiro de hotel envelhecido e orgulhoso, distinguido por seu magnífico uniforme, é rebaixado a atendente de lavabo quando a administração decide que ele está velho demais para seu posto prestigioso. Despojado de seu uniforme e da identidade social que ele representa, ele se torna objeto de ridículo em seu bairro de classe trabalhadora. A obra-prima de F.W. Murnau acompanha seu colapso psicológico com empatia extraordinária e invenção visual, confiando quase inteiramente em imagens e movimentos de câmera — com praticamente nenhum intertítulo — para narrar esta história de humilhação moderna e da crueldade da estratificação social.

The Last Laugh é uma das maiores realizações do cinema de Weimar e uma síntese perfeita da intimidade do Kammerspiel com a sóbria crítica social da Nova Objetividade. Murnau e o diretor de fotografia Karl Freund desenvolveram aqui a técnica da ‘câmera desencadeada’, libertando a lente para acompanhar, inclinar e deslizar com liberdade inédita, internalizando a experiência subjetiva do porteiro. Emil Jannings entrega uma performance de extraordinária amplitude física e emocional, transformando uma aparente rebaixamento social menor em uma meditação sobre dignidade, envelhecimento e a indiferença do capitalismo moderno ao indivíduo. O notório epílogo satírico do filme, acrescentado por exigência do estúdio, paradoxalmente aprofunda sua tragédia ao expor a fantasia da redenção. Sua influência no cinema mundial permanece incalculável.

Estilhaços (1921)

Um ferroviário vive uma vida tranquila e isolada com sua esposa e filha em uma paisagem remota coberta de neve. Quando um inspetor da empresa chega buscando abrigo, ele inicia um caso apaixonado com a filha. O caso destrói o frágil equilíbrio da família, levando o pai a um ponto de ruptura de violência e tragédia. Dirigido por Lupu Pick, Estilhaços é considerado um dos textos fundadores do movimento Kammerspiel, eliminando os intertítulos e confiando inteiramente na atuação, no ambiente e na mise-en-scène para contar sua devastadora história.

Estilhaços representa uma intervenção formal radical no cinema alemão inicial. Lupu Pick, trabalhando a partir de um roteiro de Carl Mayer, elimina completamente os intertítulos, forçando o filme a comunicar-se por meio do gesto, da expressão e do peso opressivo de seu cenário invernal. Essa austeridade alinha-se perfeitamente com a filosofia do Kammerspiel: drama comprimido aos seus essenciais psicológicos e sociais mais básicos. O mundo espacial confinado do filme — a cabana ferroviária, os trilhos nevados, o interior doméstico sufocante — espelha o aprisionamento psicológico de seus personagens. No contexto da Nova Objetividade, Estilhaços antecipa o desencanto do movimento com o idealismo romântico, apresentando as relações humanas como estruturas frágeis que desmoronam sob a pressão do desejo e do isolamento social. Continua sendo uma obra fundamental e surpreendentemente moderna.

Varieté (1925)

É um drama mudo de 1925 dirigido por Ewald Andre Dupont, baseado no romance de 1912 The Oath of Stephan Huller, de Felix Hollaender. As cenas de trapézio foram filmadas no teatro Wintergarten em Berlim. No filme, Jannings interpreta “Boss Huller”, um ex-artista de trapézio que sofreu um grave acidente e atualmente dirige um circo decadente com sua esposa (Maly Delschaft) e seu jovem filho. Huller insiste para que a família contrate uma estranha (Lya De Putti) como nova dançarina, com quem ele prepara uma nova rotina de trapézio. O homem se apaixona pela dançarina e a história termina dramaticamente.

Crisis (1925)

Situado na Viena do pós-guerra durante um período de inflação catastrófica, este filme acompanha os habitantes de uma única rua empobrecida enquanto lutam pela sobrevivência. Entre eles está a filha de um funcionário público arruinado que enfrenta a constante tentação da prostituição para salvar sua família. Dirigido por G.W. Pabst e apresentando uma performance luminosa de Greta Garbo em um papel inicial, o filme traça um retrato implacável do desespero econômico e do compromisso moral, mostrando como a pobreza sistêmica degrada a dignidade humana e impõe escolhas impossíveis às pessoas comuns.

A abordagem de G.W. Pabst aqui incorpora o olhar sociológico da Nova Objetividade: a câmera observa com um distanciamento documental, recusando-se a estetizar o sofrimento enquanto simultaneamente constrói um panorama social ricamente elaborado. O filme transita entre melodrama e realismo social com confiança fluida, fundamentando os destinos de seus personagens em condições materiais específicas — filas para comida, colapso da moeda, exploração de classe. A direção de Pabst sobre Garbo e Asta Nielsen revela seu talento para o retrato psicológico íntimo dentro de uma ampla tela social, tornando este filme uma ponte indispensável entre a intimidade do Kammerspiel e as ambições críticas mais amplas da Nova Objetividade.

Asphalt (1929)

Joe May, que anteriormente havia trabalhado em dramas históricos, também realiza um filme que retrata a nova realidade das cidades alemãs de forma particularmente vívida, Asphalt de 1928. O filme é estrelado por Gustav Fröhlich e Betty Amann e conta a história de uma garota de Berlim que se mete em problemas e rouba uma joia preciosa. Ela é capturada por um policial, e a mulher tenta convencê-lo a deixá-la ir. O filme foi rodado entre outubro e dezembro de 1928 na UFA.

Em Berlim, uma garota chamada Else é uma bela vigarista. Suas roupas de alta costura e maquiagem impecável a fazem merecer olhar para um rubi enquanto seduz o joalheiro. Ela é pega tentando um furto e confessa que foi sua primeira vez e que precisava do dinheiro.

Segredos de uma Alma (1926)

“Segredos de uma Alma”, dirigido por Pabst em 1926, é uma das suas primeiras empreitadas cinematográficas e está profundamente imerso no campo da psicanálise. A narrativa gira em torno de Martin Fellman, um educador atormentado por dores de cabeça persistentes que o levam a temer estar perdendo a sanidade. Essa intensa ansiedade e angústia manifestam-se em um terror avassalador de que ele possa ferir sua amada parceira. Em uma busca para acalmar seus medos crescentes e confrontar a turbulência psicológica que domina sua mente, Martin procura a orientação do Dr. Orth, um dedicado psicanalista. Juntos, embarcam em uma jornada terapêutica para desvendar e abordar as camadas intrincadas das psicoses de Martin, visando restaurar o equilíbrio à sua alma perturbada. Por meio dessa exploração, o filme mergulha profundamente nas complexidades da psique humana, examinando a interação entre medo, realidade e pensamentos subconscientes dentro do quadro da teoria psicanalítica do início do século XX.

A Rua Sem Alegria (1925)

É um filme mudo alemão de 1925 dirigido por Georg Wilhelm Pabst estrelando Greta Garbo e Asta Nielsen. Baseado em um conto de Hugo Bettauer, é considerado uma expressão da Nova Objetividade no cinema. Em uma rua chamada Melchiorgasse, em um bairro pobre de Viena, Áustria, em 1921, as vidas de algumas pessoas se cruzam. Marie, filha de um pai abusivo, quer deixar sua casa com a ajuda de seu namorado Egon, um caixa. Grete é a filha mais velha do pobre funcionário Rumfort. Marie e Grete esperam na açougue de Josef Geiringer, um homem abusivo, mas Grete desmaia e perde seu emprego. Marie e sua amiga Else conseguem entrar na loja de Geiringer, onde recebem um pedaço de carne em troca de sexo.

A Caixa de Pandora (1929)

É um drama mudo alemão de 1929 dirigido por Georg Wilhelm Pabst e estrelado por Louise Brooks, Fritz Kortner e Francis Lederer. O filme é sobre Lulu, uma garota sexy cuja natureza espontânea cria problemas para si mesma e para aqueles que gostam dela. Baseia-se nas peças de Frank Wedekind, Erdgeist (1895) e Die Büchse der Pandora (1904). Ignorado pela crítica em seu lançamento inicial, o filme foi posteriormente redescoberto por estudiosos do cinema como um clássico do cinema alemão de Weimar.

Lulu é a namorada de um respeitado autor de jornal de meia-idade, Dr. Ludwig Schön. Um dia, um velho, seu “primeiro cliente”, Schigolch, aparece na porta de sua casa. Quando Schön também chega, ele faz Schigolch se esconder no terraço. Schön anuncia a Lulu que provavelmente vai se casar com Charlotte von Zarnikow, filha do Ministro do Interior.

Diário de uma Garota Perdida (1929)

É um filme mudo alemão de 1929 dirigido por GW Pabst e estrelado pela atriz americana Louise Brooks. Existem 2 versões do filme: de 79 minutos a 116 minutos. Este foi o último e segundo filme de Brooks com Pabst e, como sua colaboração anterior Lulu, é considerado um filme clássico. Baseia-se no romance de sucesso de 1905 de Margarete Böhme, com o mesmo nome. O livro já havia sido adaptado por Richard Oswald.

Thymian Henning, a ingênua filhinha do farmacêutico Robert Henning, fica perplexa quando sua cuidadora, Elisabeth, sai repentinamente no dia da confirmação da menina. Descobre-se que seu pai engravidou Elisabeth. O corpo de Elisabeth é levado para a farmácia naquele mesmo dia, um suicídio óbvio, e o evento causa angústia em Thymian.

O assistente do pai de Thymian, Meinert, garante esclarecer tudo para ela tarde naquela noite, mas em vez disso a estupra enquanto ela está inconsciente e ela também fica grávida. Thymian se recusa a reconhecer o pai da criança, seus parentes descobrem pelo seu diário e decidem que o melhor é que ela se case com Meinert. Quando ela recusa, eles entregam o bebê a uma parteira e a enviam para uma prisão para mulheres problemáticas, administrada por uma mulher autoritária e seu assistente.

Pessoas no Domingo (1930)

Um filme mudo semi-documental que acompanha quatro jovens berlinenses — um comerciante de vinhos, um figurante de cinema, um motorista de táxi e uma modelo — ao longo de um único domingo enquanto escapam da cidade para um passeio à beira do lago. Flertes se desenvolvem, tensões menores surgem, e o dia termina com um anticlimax silencioso. Dirigido por Robert Siodmak e Edgar G. Ulmer a partir de um roteiro de Billy Wilder e Curt Siodmak, o filme usou atores não profissionais e filmagens em locação para capturar a cultura de lazer da classe trabalhadora de Berlim com um naturalismo espontâneo e não posado, criando um documento único da vida cotidiana da era de Weimar.

Pessoas no Domingo é um dos filmes mais notáveis a emergir do período de Weimar, e sua relação com a Nova Objetividade é direta e profunda. O uso de locações reais, não-atores e trabalho de câmera observacional traduz o programa estético das artes visuais da Neue Sachlichkeit diretamente para a linguagem cinematográfica. Não há enredo dramático no sentido convencional — apenas a textura da experiência vivida, capturada com precisão afetuosa. Sua atenção aos pequenos rituais do lazer dominical da classe trabalhadora, à linguagem corporal do namoro, à transitoriedade do prazer, incorpora o compromisso da Nova Objetividade em retratar a realidade contemporânea sem idealização ou distorção expressionista. Uma obra crucial de transição, ela faz a ponte entre a intimidade do Kammerspiel silencioso e a tradição emergente do neorrealismo italiano e da Nouvelle Vague francesa.