Films épiques à regarder absolument

Les films épiques sont un genre cinématographique caractérisé par une mise en scène grandiose et vaste, centrée sur un protagoniste courageux. Ce sont des films réalisés avec de gros budgets et dans cette catégorie, il y a certains films à voir absolument, des chefs-d’œuvre du cinéma muet et moderne. Le caractère enthousiaste d’un film épique le distingue d’autres types de films tels que les films historiques ou les films de voyage. Les films épiques historiques prennent généralement un événement historique ou mythologique et incluent également une scénographie et des costumes somptueux, accompagnés d’une grande composition musicale avec un casting de acteurs célèbres, ce qui en fait sûrement l’un des films les plus coûteux à réaliser.

Le terme « épique » provient initialement du style poétique d’œuvres telles que l’Épopée de Gilgamesh ainsi que les œuvres du cycle de la guerre de Troie. Dans les œuvres littéraires intemporelles, les épopées sont des récits centrés sur les exploits ou les voyages de héros dont dépendent le destin de nombreux individus. Les films épiques prennent généralement une personnalité historique et les sujets typiques sont la noblesse, les gladiateurs, les chefs militaires ou les personnages principaux d’une époque historique. Certains films épiques sont définis uniquement en fonction de leur longue durée et de la large vue panoramique de leurs décors, comme Comment l’Ouest fut gagné ou À l’est d’Éden.

Un film épique se déroule habituellement pendant une période de guerre ou un autre conflit social, et couvre généralement une période beaucoup plus longue, souvent sur plusieurs générations. Ces films ont généralement un cadre historique, bien que des décors fictifs tels que la science-fiction soient devenus courants parmi les films épiques ces dernières années. L’enjeu principal du film est généralement une réalisation d’envergure, souvent transformant la société. Les actions des personnages principaux sont habituellement déterminantes pour résoudre le problème social. Les biopics sont parfois des variations de cette catégorie.

Qu’est-ce qu’un film épique

De nombreux auteurs pourraient définir tout type de film « long métrage » comme épique, ce qui soulève la question de savoir s’il s’agit vraiment d’un « genre ». Ce que l’on reconnaît en regardant des films comme Lawrence d’Arabie, c’est que le terme épique ne se réfère pas au coût ou à la sophistication de la production, mais à la dimension des concepts et de la vision. Le film épique est l’un des premiers genres cinématographiques, avec un exemple précoce notable étant Cabiria de Giovanni Pastrone, un film mythique de trois heures sur les guerres puniques, qui a préparé le terrain pour les épopées muettes ultérieures de DW Griffith.

La catégorie a atteint son apogée dans les tout débuts des années 1960, lorsque Hollywood collaborait régulièrement avec des studios internationaux tels que Cinecittà à Rome pour utiliser des lieux assez uniques en Espagne, au Maroc et dans d’autres endroits pour la production de films impressionnants tels que El Cid (1961) ou Lawrence d’Arabie (1962). Cette période faste des coproductions internationales est considérée comme ayant pris fin avec Cléopâtre (1963), La Chute de l’Empire romain (1964) et Docteur Jivago (1965). 

Les films épiques ont continué à apparaître, avec un exemple notable étant Guerre et Paix, qui a été diffusé dans l’ancienne Union soviétique entre 1967 et 1968. L’attrait durable des films épiques est souvent créé par leur capacité à toucher un large marché cible. La plupart des films les plus rentables de tous les temps ont en réalité été des films épiques. Le film épique Autant en emporte le vent est le film le plus rentable de tous les temps, aux côtés de Titanic et Docteur Jivago. 

Les meilleurs films épiques à regarder

Voici une liste strictement chronologique des meilleurs films épiques à regarder pour les amateurs de ce genre. 

Cabiria (1914)

Cabiria est un film historique épique muet italien de 1914, réalisé par Giovanni Pastrone et tourné à Turin. Le film se déroule dans la Sicile antique, Carthage et Cirta pendant la Deuxième Guerre punique (218-202 av. J.-C.). Il raconte l’histoire d’une femme kidnappée, Cabiria, et inclut une éruption de l’Etna, des rituels à Carthage, le voyage massif d’Hannibal, la perte de la flotte romaine par Archimède lors du siège de Syracuse, et le voyage de Scipion en Afrique du Nord. Le film est notable pour être le premier film dans lequel le personnage Maciste apparaît. Selon Martin Scorsese, dans cette œuvre Pastrone a lancé le film épique et mérite le crédit pour beaucoup des films épiques ultérieurs de DW Griffith et Cecil B. DeMille. Parmi les innovations, on compte l’utilisation complète d’une caméra mobile, libérant le film narratif du « regard fixe ».

Intolérance (1916)

C’est un film épique muet de 1916 réalisé par DW Griffith. Considéré comme l’un des films les plus importants de la période du muet, sa durée impressionnante de trois heures et demie alterne 4 histoires, chacune divisée par les âges : d’abord, un mélodrame moderne de crime et de rédemption ; ensuite, un récit juif : le but et la mort du Christ ; puis, un récit français : les événements entourant le massacre de la Saint-Barthélemy de 1572 ; ainsi que le quatrième, un conte babylonien : la perte de l’empire babylonien face à la Perse en 539 av. J.-C. Chaque récit avait sa propre tonalité de couleur dans l’impression initiale. Les scènes sont liées par des plans d’une femme représentant la Maternité Éternelle, secouant un berceau.

Griffith a choisi de réaliser ce film en partie en réponse à son précédent film Naissance d’une nation (1915) pour lequel il avait été accusé de soutenir les stéréotypes raciaux du Ku Klux Klan. Le film n’était cependant pas des excuses, car Griffith estimait n’avoir absolument rien à se reprocher : lors de diverses rencontres, il expliqua que le film était une réponse à ses critiques et qu’il pensait vraiment qu’ils étaient, en fait, les intolérants. Dans les années suivant sa sortie, Intolérance a fortement influencé les mouvements cinématographiques . 

Les Dix Commandements (1923)

C’est un film épique et un film spirituel de 1923, réalisé par Cecil B. DeMille. Écrit par Jeanie MacPherson, le film est divisé en deux parties : une ouverture qui recrée le récit scripturaire de l’Exode et une histoire contemporaine impliquant deux frères et leurs visions particulières des Dix Commandements. Admiré pour ses scènes belles et épiques, il utilise la procédure Technicolor 2. C’est le premier de la trilogie écrite par DeMille, qui comprend également Le Roi des Rois (1927) et Le Signe de la Croix (1932).

Autant en emporte le vent (1939)

C’est un film romantique, épique et historique adapté du livre de 1936 de Margaret Mitchell. Le film a été produit par David O. Selznick de Selznick International Pictures et réalisé par Victor Fleming. Situé dans le Sud américain sur fond de guerre de Sécession et de période de Reconstruction, le film raconte l’histoire de Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), la fille déterminée d’un propriétaire de vignoble en Géorgie, qui est amoureuse d’Ashley Wilkes (Leslie Howard), marié à sa cousine, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), et de sa relation conjugale ultérieure avec Rhett Butler (Clark Gable).

La production du film a été difficile. En raison de la décision de Selznick d’utiliser Gable pour le rôle de Rhett, le début du tournage a été retardé de deux ans jusqu’en janvier 1939. L’actrice pour le rôle de Scarlett était difficile à trouver et 1 400 femmes ont passé des auditions pour ce rôle. Le réalisateur initial, George Cukor, a été renvoyé peu après le début du tournage, remplacé par Fleming. La post-production s’est terminée en novembre 1939, juste un mois avant sa sortie. Lors de la 12e cérémonie des Academy Awards, il a remporté 10 Oscars sur treize nominations, dont Meilleur Film, Meilleur Réalisateur (Fleming), Meilleur Scénario pour Sidney Howard, Meilleure Actrice (Leigh), ainsi que Meilleure Actrice dans un second rôle (Hattie McDaniel, devenant la première Afro-Américaine à remporter un Oscar). 

Ben-Hur (1959)

Ben-Hur est un film historique épique américain de 1959 réalisé par William Wyler, produit par Sam Zimbalist, et mettant en vedette Charlton Heston dans le rôle-titre. Remake du film muet de 1925, il est adapté du livre de 1880 de Lew Wallace, Ben-Hur : Une histoire du Christ. Ben-Hur disposait du plus grand budget (15,175 millions de dollars), ainsi que des plus grands décors jamais construits à l’époque. Il a été tourné entre l’Italie, à Cinecittà, et des studios californiens, au format grand écran. Plus de 200 chameaux et 2 500 chevaux ont été utilisés pour le tournage, avec environ 10 000 figurants. La course de chars de neuf minutes est devenue l’une des scènes d’action les plus célèbres du cinéma. 

Spartacus (1960)

Basé sur le roman historique de Howard Fast, Spartacus suit la vie d’un esclave thrace qui se soulève pour diriger l’une des rébellions d’esclaves les plus célèbres contre la République romaine. Réalisé par Stanley Kubrick et avec Kirk Douglas dans le rôle-titre, le film explore les thèmes de la liberté, de la dignité et du sacrifice, culminant dans l’une des fins les plus emblématiques et émotionnellement dévastatrices du cinéma.

Le seul film de commande de Kubrick demeure néanmoins une œuvre monumentale du cinéma épique. Les séquences de bataille sont d’une chorégraphie stupéfiante, tandis que les moments intimes portent un poids émotionnel authentique. Kirk Douglas livre une performance d’une intensité brute, parfaitement complétée par l’interprétation glaçante de Laurence Olivier dans le rôle du général Crassus. La direction artistique du film et la photographie oscarisée de Russell Metty créent un univers d’une grandeur à couper le souffle. Plus qu’un simple spectacle, Spartacus est une méditation profondément humaniste sur la liberté et la résistance, faisant de lui l’un des épopées hollywoodiennes les plus durables et moralement résonnantes.

El Cid (1961)

El Cid est un film dramatique de 1961 réalisé par Anthony Mann. Le film s’inspire librement de la vie du chef de guerre castillan du XIe siècle Rodrigo Díaz de Vivar, surnommé El Cid. Charlton Heston tient le rôle-titre et Sophia Loren incarne Doña Ximena. Le scénario est signé Fredric M. Frank, Philip Yordan et Ben Barzman. Le film a reçu des critiques majoritairement favorables, notamment pour les performances de Heston et Loren, la photographie et l’arrangement musical. Il a été nommé pour 3 Oscars dans les catégories Meilleure réalisation, Meilleure musique et Meilleure chanson originale.

Lawrence d’Arabie (1962)

Lawrence d’Arabie est un film épique historique britannique de 1962, basé sur la vie de TE Lawrence et le roman de 1926 Seven Pillars of Wisdom. Il a été réalisé par David Lean et met en vedette Peter O’Toole dans le rôle de Lawrence, avec Alec Guinness dans le rôle du prince Faisal. Le film réunit également Jack Hawkins, Anthony Quinn, Omar Sharif, Anthony Quayle, Claude Rains et Arthur Kennedy. Le scénario a été écrit par Robert Bolt et également par Michael Wilson.

Le film illustre les expériences de Lawrence dans les districts ottomans du Hedjaz et de la Grande Syrie pendant la Première Guerre mondiale, notamment ses assauts sur Aqaba et Damas ainsi que sa participation au Conseil national arabe. Ses thèmes incluent la relation psychologique de Lawrence à la violence physique de la guerre, son identification et ses loyautés partagées entre la Grande-Bretagne et les peuples du désert arabe. Le film a été nommé pour 10 Oscars lors de la 35e cérémonie en 1963 ; il en a remporté 7, dont Meilleur film et Meilleur réalisateur. La musique de Maurice Jarre et la photographie Super Panavision 70 de Freddie Young ont également reçu les éloges des critiques. Lawrence d’Arabie est considéré comme l’un des plus grands films épiques jamais réalisés au Royaume-Uni. 

Cléopâtre (1963)

Cléopâtre est un film épique historique américain de 1963 réalisé par Joseph L. Mankiewicz, avec un scénario adapté par Mankiewicz, Ranald MacDougall et Sidney Buchman d’après la publication de 1957 The Life and also Times of Cleopatra de Carlo Maria Franzero, ainsi que des récits de Plutarque, Suétone et Appien. Le film met en vedette Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Roddy McDowall et Martin Landau. Il narre les combats de Cléopâtre, la jeune reine d’Égypte, pour résister à la conquête de Rome.

Walter Wanger avait longtemps envisagé de réaliser un biopic sur Cléopâtre. En 1958, sa société de production s’est associée à Twentieth Century Fox pour créer le film. Elizabeth Taylor a joué le rôle principal pour un salaire record à l’époque de 1 million de dollars. Rouben Mamoulian a été engagé comme réalisateur et le scénario a subi plusieurs modifications. Avec des coûts de production de 31 millions de dollars, le film est devenu l’un des plus coûteux jamais réalisés et a pratiquement mis en faillite la production.

La Chute de l’Empire romain (1964)

C’est un film épique historique américain de 1964 réalisé par Anthony Mann et produit par Samuel Bronston, avec un scénario de Ben Barzman, Basilio Franchina et Philip Jordan. Le film met en vedette Sophia Loren, Stephen Boyd, Alec Guinness, James Mason, Christopher Plummer, Mel Ferrer et aussi Omar Sharif.

Lorsque le tournage de El Cid (1961) fut effectivement terminé, Anthony Mann trouva un projet similaire dans la collection en six volumes de 1776-1789 The History of the Decline and Fall of the Roman Empire d’Edward Gibbon à la librairie Hatchards. Il écrivit une adaptation cinématographique pour Samuel Bronston, qui accepta alors de produire le projet. Charlton Heston prit sa retraite du cinéma et des acteurs célèbres furent choisis pour jouer différents rôles dans le film. Le titre du film ne fait pas référence à l’effondrement du royaume romain, qui dura en réalité plusieurs siècles au-delà de la période montrée dans le film, mais plutôt au début de la corruption et de la décadence qui conduisirent à la chute de Rome. Il traite en profondeur du problème de la famille royale et analyse également la relation entre père et fils dans l’histoire de la politique romaine. 

Guerre et Paix (1967)

C’est un film épique de 1966-67 co-écrit et réalisé par Sergei Bondarchuk, adapté du roman de 1869 de Léon Tolstoï. Le film, distribué en quatre parties entre 1966 et 1967, met en vedette Bondarchuk dans le rôle principal de Pierre Bézoukhov, aux côtés de Vyacheslav Tikhonov et Ludmila Savelyeva, qui interprète le prince André Bolkonski et Natasha Rostova.

Le film a été réalisé par le studio Mosfilm avec un soutien considérable des autorités soviétiques ainsi que de l’Armée rouge qui a aidé la production avec des milliers de chevaux et plus de 10 000 soldats. Ce fut l’un des films les plus coûteux jamais réalisés en Union soviétique. Depuis sa sortie, le film est largement considéré comme le plus grand film épique jamais réalisé, beaucoup affirmant que sa production massive était une œuvre unique dans une vie.

Le Bon, la Brute et le Truand (1966)

C’est un film western de 1966 réalisé par Sergio Leone et mettant en vedette Clint Eastwood, Lee Van Cleef et Eli Wallach. Le scénario du film a été écrit par Age & Scarpelli, Luciano Vincenzoni et Leone, basé sur une histoire de Vincenzoni et Leone. Le directeur de la photographie Tonino Delli Colli était responsable de la cinématographie en format large du film, et Ennio Morricone a composé la musique. Le film est remarquable pour l’utilisation par Leone de plans rapprochés longs, ainsi que pour son usage non conventionnel de la violence, de la tension et des fusillades. L’histoire se concentre sur 3 tireurs qui rivalisent pour découvrir une cachette remplie d’or au milieu du tumulte féroce de la guerre de Sécession américaine, en participant à des batailles en chemin. Le film fut la troisième collaboration entre Leone et Clint Eastwood, et aussi la deuxième avec Lee Van Cleef.

Le Bon, la Brute et le Truand a été commercialisé comme le dernier et troisième volet de la trilogie des Dollars, après Pour une poignée de dollars et Et pour quelques dollars de plus. Le film fut un succès commercial, rapportant plus de 38 millions de dollars en ventes internationales de billets et est crédité d’avoir propulsé Eastwood vers la célébrité. En raison du préjugé des critiques envers les westerns spaghetti à l’époque, il n’a pas reçu beaucoup de critiques favorables, mais au fil des années il a acquis une reconnaissance grand public, devenant finalement le « western spaghetti définitif ».

Docteur Jivago (1966)

C’est un film romantique réalisé par David Lean avec un scénario de Robert Bolt, basé sur le livre de 1957 de Boris Pasternak. L’histoire se déroule en Russie pendant la Première Guerre mondiale et la guerre civile russe. Le film met en vedette Omar Sharif dans le rôle-titre de Yuri Zhivago, un médecin marié et poète dont la vie est bouleversée par la Révolution russe et les conflits civils qui s’ensuivent, et Julie Christie dans le rôle de sa passion amoureuse Lara Antipova. Geraldine Chaplin, Tom Courtenay, Rod Steiger, Alec Guinness, Ralph Richardson, Siobhán McKenna et Rita Tushingham jouent des rôles secondaires.

Bien que d’une importance exceptionnelle en Occident, la publication de Pasternak fut interdite pendant des années en Union soviétique. En conséquence, le film n’a pas été tourné en Union soviétique et a été principalement enregistré en Espagne. Il s’agissait d’une coproduction mondiale entre Metro-Goldwyn-Mayer et le producteur italien Carlo Ponti. Les critiques de cinéma ont reproché la durée de plus de 3 heures et ont dit qu’il banalisait le contexte historique, mais ont apprécié la force du romantisme et des sentiments humains. Lors de la 38e cérémonie des Oscars, Docteur Jivago a remporté 5 Oscars.

Il était une fois dans l’Ouest (1968)

C’est un film épique de western spaghetti de 1968 réalisé par Sergio Leone, qui l’a co-écrit avec Sergio Donati d’après une histoire de Dario Argento, Bernardo Bertolucci et également Leone. Il met en vedette Henry Fonda, Charles Bronson, Jason Robards et Claudia Cardinale. La photographie est signée Tonino Delli Colli et la musique par Ennio Morricone.

Après avoir réalisé Le Bon, la Brute et le Truand, Leone décida d’abandonner les westerns et envisagea de produire un film basé sur The Hoods, qui devint à un moment donné Il était une fois en Amérique. Leone avait un accord avec Paramount Pictures pour la disponibilité de Henry Fonda et un budget pour créer un autre western. Il engagea Bertolucci et Argento pour créer l’histoire du film en 1966, tout en examinant divers autres films western. Après que Clint Eastwood ait refusé un rôle principal dans le film, Bronson fut choisi pour le rôle. Lors de sa première sortie le 21 décembre 1968, le film durait 166 minutes. Cette version fut accueillie dans les cinémas européens et fut un succès au box-office. Pour sa sortie américaine le 28 mai 1969, Il était une fois dans l’Ouest fut monté à 145 minutes par Paramount et fut un échec cuisant.

2001 : L’Odyssée de l’espace (1968)

C’est l’un des plus grands films de science-fiction non réalisés, tourné par Stanley Kubrick en 1968. Kubrick a délaissé le cinéma traditionnel et les stratégies narratives classiques pour réaliser un film expérimental. La bande sonore intègre diverses œuvres de musique symphonique, de compositeurs tels que Richard Strauss, Johann Strauss II, Aram Khachaturian et György Ligeti. Le film a reçu des critiques variées, allant de ceux qui le voyaient comme apocalyptique et sombre à ceux qui y voyaient une histoire d’espoir pour l’humanité. Le film traite des grands thèmes du développement humain, de la technologie moderne et de la possibilité de vie extraterrestre. Il est aujourd’hui considéré comme l’un des films les plus importants jamais réalisés. 

À l’époque préhistorique, un peuple d’hominidés est chassé de son point d’eau par un groupe d’hominidés rivaux. Le lendemain, ils découvrent qu’un monolithe extraterrestre est apparu là où ils vivent. Ils apprennent alors à utiliser un os comme arme, et après leur première chasse, ils retournent chasser leurs concurrents avec cette nouvelle arme. Des millions d’années plus tard, le Dr Heywood Floyd, président du Conseil National Américain pour l’Astronautique, fait un voyage à la base Clavius, une station lunaire aux États-Unis. Lors d’une escale à la Station Spatiale 5, il rencontre des chercheurs russes préoccupés par le fait que Clavius semble ne pas répondre. Heywood s’inquiète du secret entourant leur dernière découverte : un monolithe enfoui il y a 4 millions d’années près du cratère lunaire Tycho. Lui et d’autres se rendent en Moonbus jusqu’au monolithe. Lorsqu’ils observent l’objet, il est frappé par la lumière du soleil, ce qui déclenche un signal radio puissant.

Jeremiah Johnson (1972)

Il s’agit d’un western américain de 1972 réalisé par Sydney Pollack et mettant en vedette Robert Redford et Will Geer. Il est partiellement basé sur la vie de John Jeremiah Johnson. Le scénario a été écrit par John Milius et Edward Anhalt ; le film a été tourné dans de nombreux endroits dans l’État de l’Utah. Il a été présenté au Festival de Cannes 1972 Festival de Cannes.

Le vétéran de la guerre américano-mexicaine Jeremiah Johnson est un homme des montagnes qui vit isolé dans les Montagnes Rocheuses en tant que chasseur. Sa première saison hivernale est rude et il fait la rencontre de Paints-His-Shirt-Red, un chef du peuple Crow. Il commence à chasser avec un fusil Hawken de calibre .30 jusqu’à ce qu’il découvre le corps gelé de l’homme des montagnes Hatchet Jack tenant un fusil Hawken de calibre .50. Avec sa nouvelle arme, Johnson interrompt accidentellement la chasse à l’ours grizzly de l’excentrique et âgé Chris Lapp, surnommé « Bear Claw », qui lui enseigne comment vivre en montagne. 

Aguirre, la colère de Dieu (1972)

Il s’agit d’un film épique et historique ouest-allemand de 1972 produit, écrit et réalisé par Werner Herzog. Klaus Kinski joue le rôle principal du soldat espagnol Lope de Aguirre, qui mène une équipe de conquistadors sur le fleuve Amazone en Amérique du Sud à la recherche de la légendaire cité d’or, El Dorado. Utilisant une méthode rigoureuse de narration et de dialogue, le film développe une vision de la folie et de l’imprudence en conflit avec la forêt amazonienne. Basé librement sur ce que l’on sait d’Aguirre, Herzog a reconnu des années après la sortie du film que son histoire est une œuvre de fiction. Certaines circonstances et même des personnages ont pu être influencés par le récit de Gaspar de Carvajal sur une exploration amazonienne antérieure.

Aguirre fut la première de cinq collaborations entre Herzog et Kinski. Ils avaient des opinions divergentes sur la manière d’interpréter le rôle et se sont affrontés pendant le tournage ; le tournage a eu lieu dans la jungle péruvienne sur le fleuve Amazone pendant cinq semaines éprouvantes. Les acteurs et l’équipe ont gravi des collines, déraciné de lourdes lianes pour ouvrir des chemins vers différentes zones de la forêt, et navigué sur des rapides dangereux dans des bateaux fabriqués par des artisans locaux. Aguirre a été salué par la critique et est rapidement devenu un film culte majeur, ainsi que l’un des films les plus populaires du réalisateur. De nombreux critiques de cinéma ont affirmé que le film est une œuvre d’art. 

L’Enfer des Tours (1974)

Il s’agit d’un film catastrophe américain de 1974 réalisé par John Guillermin, avec un casting mené par Paul Newman et Steve McQueen. [8] Il a été adapté par Stirling Silliphant à partir des livres The Tower (1973) de Richard Martin Stern, et The Glass Inferno (1974) de Thomas N. Scortia et Frank M. Robinson. Le film a reçu des critiques favorables lors de sa sortie et a connu un succès au box-office.

L’architecte Doug Roberts revient à San Francisco pour travailler sur la Glass Tower, qu’il a conçue pour James Duncan. La tour, haute de 515 mètres et comptant 138 étages, est la structure la plus haute du monde. Lors de la cérémonie d’inauguration, une panne électrique déclenche un incendie au 81e étage, juste après qu’une autre panne similaire se soit produite dans la salle principale de stockage. En découvrant cela, Roberts constate que les circuits sont inadéquats et pense que Roger Simmons, le sous-traitant et gendre de Duncan, a fait des économies de bouts de chandelle. Roberts confronte Simmons, qui feint l’innocence.

Barry Lyndon (1975)

L’adaptation hypnotique de Stanley Kubrick du roman de William Makepeace Thackeray suit Redmond Barry, un opportuniste irlandais qui manigance et séduit son chemin à travers l’aristocratie européenne du XVIIIe siècle, accédant finalement à la richesse et au titre avant sa chute inévitable. Narré avec un détachement froid, le film se déploie comme une série de tableaux vivants, retraçant l’ambition implacable d’un homme contre la vaste toile indifférente de l’histoire.

Barry Lyndon est peut-être le film le plus visuellement somptueux jamais réalisé. Kubrick a utilisé, de manière célèbre, des objectifs conçus par la NASA pour filmer entièrement à la lumière naturelle et à la bougie, produisant des images d’une beauté picturale à couper le souffle qui reflètent les œuvres de Hogarth et Gainsborough. La cinématographie oscarisée de John Alcott élève chaque plan au rang d’œuvre d’art digne d’un musée. Le rythme délibéré de trois heures du film est entièrement intentionnel, créant un sentiment d’envergure historique irrésistible. La performance discrète de Ryan O’Neal sert parfaitement le regard anthropologique froid de Kubrick. C’est le cinéma épique à son apogée intellectuelle et esthétique.

Un pont trop loin (1977)

Un pont trop loin est une épopée de guerre de 1977 montrant l’Opération Market Garden, une opération alliée infructueuse dans les Pays-Bas occupés par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale. Basé sur une publication non-fictionnelle du même nom par le chroniqueur Cornelius Ryan, le film est réalisé par Richard Attenborough avec un scénario de William Goldman. Il met en vedette Dirk Bogarde, James Caan, Michael Caine, Sean Connery, Edward Fox, Elliott Gould, Gene Hackman, Anthony Hopkins, Hardy Krüger, Laurence Olivier, Ryan O’Neal, Robert Redford, Maximilian Schell et Liv Ullmann.

C’était le deuxième film basé sur les événements de l’échec de l’Opération Market Garden pendant la Seconde Guerre mondiale. Une coproduction entre le Royaume-Uni et les États-Unis, le film a été tourné dans une région des Pays-Bas, la plupart des lieux réels où les événements historiques ont eu lieu. Au moment de sa sortie, c’était l’un des films les plus coûteux jamais réalisés. Le film est cher, immense et rempli de stars, mais il n’est pas impressionnant. Il a été qualifié de film de série B de la guerre la plus longue.

Blade Runner (1982)

Il s’agit d’un film de science-fiction de 1982 réalisé par Ridley Scott et écrit par Hampton Fancher et David Peoples. Avec Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young et Edward James Olmos, il s’agit d’une adaptation de Do Androids Dream of Electric Sheep? C’est un film dystopique situé à Los Angeles en 2019, dans lequel des êtres artificiels appelés réplicants sont bio-ingénierés par la Tyrell Corporation. Lorsqu’une équipe de réplicants fugitifs dirigée par Roy Batty (Hauer) s’échappe sur Terre, l’officier de police Rick Deckard (Ford) accepte à contrecœur leur quête.

Blade Runner a initialement sous-performé dans les salles nord-américaines et auprès des critiques de cinéma, certains louant sa complexité thématique et ses visuels, tandis que d’autres critiquaient son rythme lent et son manque d’action. Il est devenu par la suite un film culte, et est considéré comme l’un des meilleurs films de science-fiction de tous les temps. Blade Runner est souvent considéré à la fois comme un exemple majeur du cinéma néo-noir et une œuvre fondatrice du genre cyberpunk. La bande originale du film, composée par Vangelis, a été nominée en 1982 pour un BAFTA et un Golden Globe. Le film a en réalité influencé plusieurs films de science-fiction, jeux vidéo, anime et séries télévisées. Il a porté l’œuvre de Philip K. Dick à l’attention d’Hollywood, et plusieurs de ses œuvres sont ensuite devenues des films. 

Ran (1985)

Le magnum opus d’Akira Kurosawa transpose le Roi Lear de Shakespeare dans le Japon féodal, suivant le seigneur de guerre vieillissant Hidetora Ichimonji alors qu’il divise son royaume entre ses trois fils, déclenchant une spirale catastrophique de trahison, de guerre et de folie. Une méditation époustouflante sur l’orgueil, la mortalité et la nature cyclique de la violence, Ran demeure l’une des épopées les plus visuellement et émotionnellement bouleversantes jamais portées à l’écran.

Tourné sur quatre ans avec un budget de production légendaire, Ran illustre la maîtrise absolue du cinéma par Kurosawa à une échelle presque incompréhensible. Les séquences de bataille, peintes en couleurs vives et ensanglantées contre les compositions panoramiques époustouflantes de Takao Saito, restent inégalées dans l’histoire du cinéma de guerre. La performance de Tatsuya Nakadai dans le rôle du Hidetora en décomposition est hantante et absolument inoubliable. La conception des costumes d’Emi Wada a remporté à juste titre l’Oscar. Ran transcende son matériau source pour devenir une lamentation universelle sur la folie humaine, offrant une expérience visuelle et philosophique d’une puissance dévastatrice, presque insoutenable.

The Mission (1986)

Drame historique épique britannique sur les expériences d’un missionnaire jésuite en Amérique du Sud au XVIIIe siècle. Réalisé par Roland Joffé, le film met en vedette Robert De Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally, Aidan Quinn, Cherie Lunghi et Liam Neeson. Le film a reçu des critiques favorables pour ses visuels époustouflants et la célèbre bande originale d’Ennio Morricone, bien que certains estiment que les dialogues et les portraits psychologiques n’explorent pas profondément les personnages.

En 1750, le prêtre jésuite espagnol Père Gabriel arrive dans le nord-est de l’Argentine et les jungles de l’est du Paraguay pour convertir les Guaraní au christianisme. Les Guaraní ne sont pas d’abord favorables au christianisme ni aux étrangers en général, et lorsque Gabriel envoie un prêtre les rejoindre, ils placent le prêtre sur une croix en bois et l’envoient mourir aux chutes d’Iguazu. Gabriel lui-même fait ensuite un voyage aux chutes, rejoint les protagonistes et, dans une tentative d’établir un lien avec eux par la musique, joue de son hautbois. 

The Last Emperor (1987)

C’est un film épique biographique de 1987 sur la vie de Puyi, le dernier empereur de Chine. Il est réalisé par Bernardo Bertolucci à partir d’un scénario qu’il a co-écrit avec Mark Peploe, adapté des mémoires de Puyi de 1964. Le film dépeint la vie de Puyi depuis son accession au trône enfant jusqu’à la prison puis à la « réhabilitation politique » par le Parti communiste chinois. Il met en vedette John Lone, Peter O’Toole, Joan Chen, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Vivian Wu, Lisa Lu et Ryuichi Sakamoto qui a également contribué à la musique du film avec David Byrne et Cong Su. Ce fut le premier long métrage occidental autorisé par la République populaire de Chine à tourner dans la Cité interdite à Pékin.

Bertolucci a la capacité de rendre la période d’emprisonnement de Pu Yi encore plus paradoxale car tout le film a été tourné dans une zone de la République populaire de Chine, et il a également été autorisé à filmer dans la Cité interdite, une immense ville médiévale couvrant environ 100 hectares et comprenant également 9 999 espaces. L’histoire et la qualité du film ne peuvent être dissociées de l’impact scénique remarquable de la Cité interdite, des costumes et de nombreux autres artifices sur le plateau pour recréer la vie quotidienne de cet empereur enfant.

Le Dernier des Mohicans (1992)

C’est un film épique historique américain de 1992 se déroulant en 1757 pendant la guerre entre Indiens et Français. Il a été réalisé par Michael Mann et est basé sur le roman de 1826 The Last of the Mohicans: A Narrative of 1757 de James Fenimore Cooper ainsi que sur l’adaptation cinématographique de 1936. Le film met en vedette Daniel Day-Lewis et Madeleine Stowe, avec Jodhi May, Russell Means, Wes Studi, Eric Schweig et Steven Waddington dans des rôles secondaires. Le film est un voyage fascinant qui joue avec le décor de manière désinvolte et en tire un film riche en action. Les critiques de cinéma ont salué le film pour sa cinématographie et son son.

En 1757, le major Duncan Heyward de l’armée britannique arrive à Albany, New York, pendant la guerre de Sept Ans (guerre de la Conquête). Il est affecté au colonel Edmund Munro, chef du Fort William Henry dans les montagnes Adirondack. Heyward a pour mission d’emmener les deux enfants de Munro, Cora et Alice, auprès de leur père. Avant leur départ, Heyward demande Cora en mariage, mais elle lui demande plus de temps avant de donner sa réponse. Un Mohawk nommé Magua est assigné pour assister Heyward, les deux femmes et une troupe de soldats britanniques au fort, cependant c’est en réalité un Huron qui les conduit dans une embuscade qui élimine la plupart des soldats. Le Mohican Chingachgook, son fils Uncas, et son fils adoptif blanc « Hawkeye » arrivent et éliminent tous les Hurons sauf Magua. Le trio accepte d’emmener les femmes et Heyward au fort. En chemin, ils découvrent un autre massacre dans une ferme.

La Ligne rouge (1998)

C’est un film épique de guerre américain de 1998 écrit et réalisé par Terrence Malick. Il s’agit de la deuxième adaptation cinématographique de l’histoire éponyme de 1962 de James Jones, après le film réalisé en 1964. Racontant une variation fictive de la bataille du mont Austen, qui fit partie de la campagne du Pacifique à Guadalcanal pendant la Seconde Guerre mondiale, il montre les soldats américains de la Compagnie C, 1er Bataillon, 27e Régiment d’infanterie, 25e Division d’infanterie, incarnés par Sean Penn, Jim Caviezel, Nick Nolte, Elias Koteas et Ben Chaplin. Considéré comme l’un des meilleurs films de guerre jamais réalisés, avec de grandes scènes de combat. Ce n’est pas seulement un film historique mais avant tout un film psychologique avec des images émotionnelles : un film sur le développement, le dépassement des conflits et l’amour.

Tigre et dragon (2000)

C’est un film de 2000 réalisé par Ang Lee qui inclut des acteurs d’origine ethnique chinoise, notamment Chow Yun-fat, Michelle Yeoh, Zhang Ziyi et Chang Chen. Il est basé sur le livre chinois du même nom de Wang Du Lu. L’histoire se déroule de manière similaire à une bande dessinée, avec des personnages et des décors peints à grands traits dans une approche théâtrale et grandiose. Le film est un mélange ingénieux de scènes de combat époustouflantes, de magnifiques décors et de drame. 

Dans la Chine de la dynastie Qing au XIXe siècle, Li Mu Bai est un épéiste distingué de Wudang et son amie Yu Shu Lien, une guerrière à la machette, dirige une société de sécurité privée. Shu Lien et Mu Bai ont en réalité des sentiments l’un pour l’autre depuis longtemps, cependant, puisque Shu Lien avait été fiancée à l’ami de Mu Bai, Meng Sizhao, avant sa mort, Shu Lien et Mu Bai se sentent engagés envers Meng Sizhao et n’expriment pas leurs sentiments l’un pour l’autre. Mu Bai demande à Shu Lien de remettre son légendaire sabre vieux de 400 ans, « Green Destiny », à leur bienfaiteur Sir Te à Pékin. Il y a longtemps, l’instructeur de Mu Bai a été éliminé par Jade Fox, une femme cherchant à découvrir les capacités de Wudang. 

Musa (2001)

C’est un film épique d’action sud-coréen de 2001 réalisé par Kim Sung-su, avec Jung Woo-sung, Ahn Sung-ki, Joo Jin-mo et la star chinoise Zhang Ziyi. Le récit semi-historique relate les expériences d’une délégation de paix coréenne tentant de regagner la Corée à travers les déserts inhospitaliers du nord de la Chine. Le film est considéré comme l’un des plus grands films du cinéma sud-coréen. Au moment de sa production, son budget était le plus important jamais alloué à un film coréen. Il inclut un haut niveau de précision historique dans les costumes d’époque, les accessoires, la mise en scène et la langue. Le film fut le huitième plus grand succès au box-office en 2001 avec plus de 2 millions de billets vendus.

Black Hawk Down (2001)

C’est un film de guerre de 2001 réalisé par Ridley Scott, d’après un scénario de Ken Nolan. Il est basé sur la publication non-fictionnelle de 1999 du journaliste Mark Bowden du même nom, concernant le raid militaire américain de 1993 à Mogadiscio. Le film comprend un large casting d’acteurs, comprenant Josh Hartnett, Ewan McGregor, Eric Bana, Tom Sizemore, William Fichtner, Jason Isaacs, Sam Shepard, Jeremy Piven, Ioan Gruffudd, Ewen Bremner, Hugh Dancy, et Tom Hardy dans son rôle principal. Orlando Bloom, Ty Burrell et Nikolaj Coster-Waldau ont également de petits rôles.

Bien que pauvre en développement de personnages et en compassion sociale, Black Hawk Down est une représentation palpitante et réaliste de la guerre, créée par l’exceptionnelle maîtrise de Ridley Scott, qui permet au public de vivre les expériences réelles des soldats plutôt que de simplement les montrer : une approche inhabituelle pour un film de guerre qui renverse les conventions du genre.

Apocalypto (2006)

C’est un film épique historique de 2006 produit, co-écrit et réalisé par Mel Gibson. Le film met en scène des acteurs amérindiens et des stars indigènes mexicaines, notamment Rudy Youngblood, Raoul Trujillo, Mayra Sérbulo, Dalia Hernández, Gerardo Taracena, Rodolfo Palacios, Bernardo Ruiz Juarez, Amell Rodrigo Mendoza, Ricardo Diaz Mendoza et Israel Contreras. Tous les autochtones du film étaient Mayas. La langue maya yucatèque indigène est traduite par des sous-titres.

Situé dans le Yucatán, au Mexique, vers l’année 1502, Apocalypto montre le voyage héroïque d’un homme nommé Jaguar Paw, un prospecteur mésoaméricain tardif, et de ses compagnons de tribu pris dans une invasion ennemie. Après la destruction de leur ville, ils sont entraînés dans un périlleux voyage vers une cité maya destinée au sacrifice humain. Le film a connu un succès au box-office, rapportant plus de 120 millions de dollars dans le monde, et a reçu des critiques majoritairement favorables, les critiques saluant la réalisation de Gibson, la cinématographie de Dean Semler et la performance des acteurs. Cependant, la représentation du monde maya et la précision historique ont été critiquées.

The Road (2009)

C’est un film post-apocalyptique de 2009, réalisé par John Hillcoat et écrit par Joe Penhall, basé sur l’histoire éponyme de 2006 de Cormac McCarthy. Le film met en vedette Viggo Mortensen et Kodi Smit-McPhee dans les rôles d’un père et de son fils dans un marais post-apocalyptique. La fidélité de The Road à la vision sombre de Cormac McCarthy peut aussi s’avérer implacable pour certains, mais le film mise sur des performances efficaces de Viggo Mortensen et Kodi. C’est un portrait obsédant de l’Amérique avec des personnages qui doivent compter sur eux-mêmes pour le reste de leur vie, avec la terrifiante certitude que rien ne se passera jamais bien.

The Tree of Life (2011)

The Tree of Life est un film d’auteur expérimental américain de 2011 réalisé par Terrence Malick et mettant en vedette Brad Pitt, Sean Penn, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Jessica Chastain et Tye Sheridan dans son premier long métrage. Le film narre la quête de sens dans la vie à travers les souvenirs d’enfance d’un homme d’âge moyen et des membres de sa famille vivant dans le Texas des années 1950, mêlés à des images des débuts du cosmos et de la création de la vie sur Terre. Les premières critiques furent mitigées. Le film a remporté la Palme d’Or et deux de ses producteurs, Bill Pohlad et Sarah Green, ont accepté le prix pour le solitaire Malick. The Tree of Life fut le premier film américain à remporter la Palme d’Or après Fahrenheit 9/11 en 2004.

Mud (2012)

C’est un drame américain de 2012 sur le passage à l’âge adulte, réalisé par Jeff Nichols. Dans le film, Tye Sheridan et Jacob Lofland incarnent deux adolescents qui rencontrent Mud (Matthew McConaughey), un fugitif caché sur une petite île, et acceptent de l’aider à échapper à ses poursuivants. Porté par une performance solide de Matthew McConaughey dans le rôle-titre, Mud offre un drame intéressant qui s’attache à rester authentique. Nichols a la capacité de décrire les émotions et de générer la tension nécessaire, avec profondeur et acuité mentale. Le film fut important pour établir McConaughey comme une star du cinéma américain.