Epische Filme, die man unbedingt sehen muss

Epische Filme sind ein Filmgenre mit einer großen und weitreichenden Inszenierung und konzentrieren sich auf einen mutigen Protagonisten. Es sind Filme mit großen Budgets, und in dieser Kategorie gibt es einige Filme, die man unbedingt sehen sollte, Meisterwerke des Stumm- und modernen Kinos. Die enthusiastische Natur eines epischen Films unterscheidet ihn von anderen Filmtypen wie historischen Filmen oder Reisefilmen. Historische epische Filme greifen typischerweise ein historisches oder mythologisches Ereignis auf und beinhalten zudem aufwändige Kulissen und Kostüme, begleitet von einer großartigen musikalischen Gestaltung mit einem Ensemble aus berühmten Schauspielern, was sie sicherlich zu einigen der teuersten Filme macht, die produziert werden.

Der Begriff „episch“ stammt ursprünglich aus dem poetischen Stil von Werken wie dem Gilgamesch-Epos und auch den Werken des Trojanischen Kriegskreises. In zeitlosen literarischen Werken sind Epen Werke, die sich auf die Taten oder Reisen von Helden konzentrieren, von denen das Schicksal vieler Menschen abhängt. Epische Filme nehmen im Allgemeinen eine historische Persönlichkeit zum Thema, und typische Motive sind Adel, Gladiatoren, Militärführer oder Hauptfiguren einer historischen Epoche. Es gibt einige epische Filme, die allein aufgrund ihrer langen Laufzeit und der weiten Panoramaansicht ihrer Schauplätze definiert werden, wie How the West Was Won oder East of Eden.

Ein epischer Film spielt meist in einer Zeit des Krieges oder eines anderen sozialen Konflikts und erstreckt sich typischerweise über einen viel längeren Zeitraum, oft über ganze Generationen. Solche Filme haben im Allgemeinen einen historischen Hintergrund, obwohl fiktive Schauplätze wie Science-Fiction in den letzten Jahren unter epischen Filmen üblich geworden sind. Der zentrale Einsatz des Films ist meist eine weitreichende, oft gesellschaftlich transformierende Errungenschaft. Die Aktivitäten der Hauptfiguren sind gewöhnlich entscheidend für die Lösung des sozialen Problems. Biopics sind manchmal Variationen dieser Kategorie.

Was sind epische Filme

Viele Autoren könnten jeden „Spielfilm“ als episch definieren, was die Frage aufwirft, ob es sich wirklich um ein „Genre“ handelt. Was man erkennt, wenn man Filme wie Lawrence of Arabia sieht, ist, dass der Begriff episch sich nicht auf die Kosten oder die Raffinesse der Produktion bezieht, sondern auf die Dimension der Konzepte und der Vision. Der epische Film ist eines der ersten kinematografischen Genres, mit einem bemerkenswerten frühen Beispiel in Giovanni Pastrones Cabiria, einem dreistündigen mythischen Film über die Punischen Kriege, der die Grundlage für spätere Stummfilm-Epen von DW Griffith legte.

Die Kategorie erreichte ihren Höhepunkt der Beliebtheit Anfang der 1960er Jahre, als Hollywood regelmäßig mit internationalen Filmstudios wie Cinecittà in Rom zusammenarbeitete, um einzigartige Drehorte in Spanien, Marokko und anderen Orten für die Produktion beeindruckender Filme wie El Cid (1961) oder Lawrence of Arabia (1962) zu nutzen. Diese Boomphase der internationalen Koproduktionen wird als mit Cleopatra (1963), The Fall of the Roman Empire (1964) und Doctor Zhivago (1965) endend betrachtet. 

Epische Filme erschienen weiterhin, ein bemerkenswertes Beispiel ist Krieg und Frieden, der in der ehemaligen Sowjetunion zwischen 1967 und 1968 veröffentlicht wurde. Die anhaltende Anziehungskraft epischer Filme entsteht oft durch ihre Fähigkeit, ein großes Zielpublikum anzusprechen. Die meisten der umsatzstärksten Filme aller Zeiten sind tatsächlich epische Filme. Der epische Film Vom Winde verweht ist zusammen mit Titanic und Doktor Schiwago der umsatzstärkste Film aller Zeiten. 

Die besten epischen Filme zum Anschauen

Hier ist eine streng chronologische Liste der besten epischen Filme zum Anschauen für Fans dieses Genres. 

Cabiria (1914)

Cabiria ist ein italienischer historischer Stummfilm-Epos aus dem Jahr 1914, unter der Regie von Giovanni Pastrone und in Turin gedreht. Der Film spielt im antiken Sizilien, Karthago und Cirta während des Zweiten Punischen Krieges (218-202 v. Chr.). Er erzählt die Geschichte einer entführten Frau, Cabiria, und beinhaltet einen Ausbruch des Ätna, Rituale in Karthago, Hannibals gewaltige Reise, Archimedes’ Verlust der römischen Flotte während der Belagerung von Syrakus und Scipios Reise in Nordafrika. Der Film ist bemerkenswert, da er der erste Film ist, in dem die Filmfigur Maciste auftritt. Laut Martin Scorsese begründete Pastrone mit diesem Werk das epische Kino und verdient Anerkennung für viele der späteren epischen Filme von DW Griffith und Cecil B. DeMille. Zu den Innovationen gehörte die vollständige Nutzung einer beweglichen Kamera, die den narrativen Spielfilm von „dem fixierten Blick“ befreite.

Intolerance (1916)

Es ist ein epischer Stummfilm von 1916 unter der Regie von DW Griffith. Als einer der bedeutendsten Filme der Stummfilmzeit gilt die beeindruckende Laufzeit von dreieinhalb Stunden, in der vier Geschichten erzählt werden, jeweils unterteilt nach Epochen: zunächst ein modernes Melodram über Verbrechen und Erlösung; zweitens eine jüdische Erzählung: das Ziel und der Tod Christi; drittens eine französische Erzählung: die Ereignisse rund um das Bartholomäusnacht-Massaker von 1572; sowie viertens eine babylonische Geschichte: der Verlust des babylonischen Reiches an Persien im Jahr 539 v. Chr. Jede Geschichte hatte in der Erstaufführung ihren eigenen Farbton. Die Szenen werden durch Aufnahmen einer Frau verbunden, die die Ewige Mutterschaft symbolisiert und eine Wiege schüttelt.

Griffith entschied sich, den Film teilweise als Reaktion auf seinen vorherigen Film Die Geburt einer Nation (1915) zu drehen, für den er beschuldigt wurde, die rassistischen Stereotype des Ku-Klux-Klan zu unterstützen. Der Film war jedoch keine Entschuldigung, da Griffith der Meinung war, dass er sich absolut nichts vorzuwerfen habe: In verschiedenen Gesprächen erklärte er, dass der Film eine Antwort auf seine Kritiker sei und dass er wirklich das Gefühl habe, dass diese in Wirklichkeit die Intoleranten seien. In den Jahren nach seiner Veröffentlichung hat Intolerance die kinematographischen Bewegungen stark beeinflusst. 

Die Zehn Gebote (1923)

Es ist ein epischer Film und spiritueller Film aus dem Jahr 1923, unter der Regie von Cecil B. DeMille. Das Drehbuch stammt von Jeanie MacPherson, der Film ist in zwei Teile gegliedert: eine Eröffnung, die den biblischen Bericht des Exodus nacherzählt, und eine zeitgenössische Geschichte über zwei Brüder und ihre besonderen Visionen der Zehn Gebote. Bewundert für seine schönen und epischen Szenen, verwendet er das Technicolor-2-Verfahren. Es ist der erste Teil von DeMilles Trilogie, zu der auch The King of Kings (1927) und The Sign of the Cross (1932) gehören.

Vom Winde verweht (1939)

Es ist ein Liebesfilm, episch und historisch, adaptiert nach dem Buch von Margaret Mitchell aus dem Jahr 1936. Der Film wurde von David O. Selznick von Selznick International Pictures produziert und unter der Regie von Victor Fleming gedreht. Der Film spielt im amerikanischen Süden vor dem Hintergrund des Amerikanischen Bürgerkriegs und der Rekonstruktionszeit und erzählt die Geschichte von Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), der eigensinnigen Tochter eines Weingutbesitzers aus Georgia, die in Ashley Wilkes (Leslie Howard) verliebt ist, der jedoch mit seiner Verwandten Melanie Hamilton (Olivia de Havilland) verheiratet ist, sowie ihre anschließende Ehe mit Rhett Butler (Clark Gable).

Die Produktion des Films war schwierig. Aufgrund von Selznicks Entscheidung, Gable für die Rolle des Rhett zu besetzen, verzögerte sich der Drehbeginn um zwei Jahre bis Januar 1939. Die Schauspielerin für die Rolle der Scarlett zu finden, war schwierig, und 1.400 Frauen wurden für die Rolle vorsprechen. Der ursprüngliche Regisseur, George Cukor, wurde kurz nach Drehbeginn entlassen und durch Fleming ersetzt. Die Postproduktion endete im November 1939, nur einen Monat vor der Premiere. Bei der 12. Oscarverleihung erhielt der Film 10 Oscars aus dreizehn Nominierungen, darunter Bester Film, Beste Regie (Fleming), Bestes Drehbuch für Sidney Howard, Beste Hauptdarstellerin (Leigh) sowie Beste Nebendarstellerin (Hattie McDaniel, die erste Afroamerikanerin, die einen Oscar gewann). 

Ben-Hur (1959)

Ben-Hur ist ein amerikanischer epischer Historienfilm von 1959 unter der Regie von William Wyler, produziert von Sam Zimbalist und mit Charlton Heston in der Titelrolle. Es ist ein Remake des Stummfilms von 1925 und basiert auf dem Buch Ben-Hur: A Tale of the Christ von Lew Wallace aus dem Jahr 1880. Ben-Hur hatte das größte Budget (15,175 Millionen Dollar) sowie die größten Produktionssets aller zu dieser Zeit gedrehten Filme. Gedreht wurde in Italien, in Cinecittà, und in kalifornischen Studios im Breitbildformat. Über 200 Kamele und 2.500 Pferde wurden für die Dreharbeiten eingesetzt, mit etwa 10.000 Statisten. Das neuneinhalbminütige Wagenrennen entwickelte sich zu einer der berühmtesten Actionszenen der Filmgeschichte. 

Spartacus (1960)

Basierend auf dem historischen Roman von Howard Fast folgt Spartacus dem Leben eines thrakischen Sklaven, der zum Anführer eines der berühmtesten Sklavenaufstände gegen die Römische Republik aufsteigt. Regie führte Stanley Kubrick, und in der Titelrolle ist Kirk Douglas zu sehen. Der Film behandelt Themen wie Freiheit, Würde und Opferbereitschaft und gipfelt in einem der ikonischsten und emotional erschütterndsten Enden der Filmgeschichte.

Kubricks einziger Auftragsfilm ist dennoch ein monumentales Meisterwerk des epischen Filmschaffens. Die Kampfszenen sind atemberaubend choreografiert, während die intimen Momente echte emotionale Tiefe besitzen. Kirk Douglas liefert eine Darbietung von roher Intensität, perfekt ergänzt durch Laurence Oliviers eindringliche Darstellung des Generals Crassus. Das Produktionsdesign und die mit einem Oscar ausgezeichnete Kameraarbeit von Russell Metty erschaffen eine Welt von atemberaubender Größe. Spartacus ist mehr als bloßes Spektakel; es ist eine zutiefst humanistische Meditation über Freiheit und Widerstand und zählt zu den dauerhaftsten und moralisch eindrucksvollsten Epen Hollywoods.

El Cid (1961)

El Cid ist ein Drama-Film aus dem Jahr 1961 unter der Regie von Anthony Mann. Der Film basiert lose auf dem Leben des kastilischen Kriegsherrn Rodrigo Díaz de Vivar aus dem 11. Jahrhundert, genannt El Cid. In der Titelrolle ist Charlton Heston zu sehen, und Sophia Loren spielt Doña Ximena. Das Drehbuch wird Fredric M. Frank, Philip Yordan und Ben Barzman zugeschrieben. Der Film erhielt überwiegend positive Kritiken, besonders für die Leistungen von Heston und Loren, die Kameraführung und die musikalische Gestaltung. Er wurde für drei Academy Awards nominiert: Beste Regie, Beste Filmmusik und Bester Originalsong.

Lawrence von Arabien (1962)

Lawrence von Arabien ist ein britisches historisches Epos aus dem Jahr 1962, basierend auf dem Leben von TE Lawrence und dem Roman Seven Pillars of Wisdom von 1926. Regie führte David Lean, und Peter O’Toole spielte Lawrence, während Alec Guinness die Rolle des Prinzen Faisal übernahm. Weitere Darsteller sind Jack Hawkins, Anthony Quinn, Omar Sharif, Anthony Quayle, Claude Rains und Arthur Kennedy. Das Drehbuch wurde von Robert Bolt und Michael Wilson verfasst.

Der Film zeigt Lawrences Erfahrungen in den osmanischen Bezirken Hejaz und Großsyrien während des Ersten Weltkriegs, insbesondere seine Angriffe auf Akaba und Damaskus sowie seine Teilnahme am Arabischen Nationalrat. Thematisch behandelt er Lawrences psychologische Beziehung zur physischen Gewalt des Krieges, seine Identifikation und seine gespaltenen Loyalitäten zwischen Großbritannien und den Völkern der Arabischen Wüste. Der Film wurde bei der 35. Academy Awards 1963 für 10 Oscars nominiert und gewann 7, darunter Bester Film und Beste Regie. Die Filmmusik von Maurice Jarre und die Super Panavision 70-Kinematographie von Freddie Young erhielten ebenfalls große Anerkennung von Filmkritikern. Lawrence von Arabien gilt als eines der größten epischen Filme, die je im Vereinigten Königreich produziert wurden. 

Cleopatra (1963)

Cleopatra ist ein amerikanischer historischer Eposfilm von 1963 unter der Regie von Joseph L. Mankiewicz, mit einem Drehbuch, das von Mankiewicz, Ranald MacDougall und Sidney Buchman nach der Veröffentlichung von 1957 The Life and also Times of Cleopatra von Carlo Maria Franzero sowie nach Erzählungen von Plutarch, Sueton und Appia adaptiert wurde. Der Film mit Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Roddy McDowall und Martin Landau erzählt die Kämpfe der jungen Königin Ägyptens, Cleopatra, um der Eroberung Roms zu widerstehen.

Walter Wanger hatte schon lange die Absicht, einen Biopic über Cleopatra zu drehen. 1958 ging seine Produktionsfirma eine Partnerschaft mit Twentieth Century Fox ein, um den Film zu realisieren. Elizabeth Taylor spielte die Hauptrolle für ein damals rekordverdächtiges Gehalt von 1 Million Dollar. Rouben Mamoulian wurde als Regisseur engagiert, und das Drehbuch wurde mehrfach überarbeitet. Mit Produktionskosten von 31 Millionen Dollar wurde der Film zu einem der teuersten Filme aller Zeiten und brachte die Produktion praktisch an den Rand des Bankrotts.

Der Untergang des Römischen Reiches (1964)

Es ist ein amerikanischer historischer Eposfilm von 1964 unter der Regie von Anthony Mann und produziert von Samuel Bronston, mit einem Drehbuch von Ben Barzman, Basilio Franchina und Philip Jordan. Der Film mit Sophia Loren, Stephen Boyd, Alec Guinness, James Mason, Christopher Plummer, Mel Ferrer und Omar Sharif.

Als die Dreharbeiten zu El Cid (1961) praktisch abgeschlossen waren, entdeckte Anthony Mann ein ähnliches Projekt in Edward Gibbons sechsbändiger Sammlung The History of the Decline and Fall of the Roman Empire (1776–1789) in der Hatchards Buchhandlung. Er schrieb eine Filmadaption für Samuel Bronston, der sich bereit erklärte, das Projekt zu produzieren. Charlton Heston zog sich vom Filmgeschäft zurück, und berühmte Schauspieler wurden für verschiedene Rollen im Film besetzt. Der Filmtitel bezieht sich nicht auf den Zusammenbruch des Römischen Reiches, das tatsächlich noch Jahrhunderte über die im Film dargestellte Zeit hinaus bestand, sondern auf den Beginn von Korruption und Dekadenz, die zum Untergang Roms führten. Der Film behandelt tiefgreifend das Problem der königlichen Familie und analysiert die Beziehung zwischen Vater und Sohn in der Geschichte der römischen Politik.

Krieg und Frieden (1967)

Es ist ein Eposfilm von 1966–67, mitgeschrieben und inszeniert von Sergei Bondarchuk, adaptiert nach dem Roman von Leo Tolstoi aus dem Jahr 1869. Der Film, der in vier Teilen zwischen 1966 und 1967 veröffentlicht wurde, zeigt Bondarchuk in der Hauptrolle des Pierre Bezukhov, neben Vyacheslav Tikhonov und Ludmila Savelyeva, die Fürst Andrei Bolkonsky bzw. Natasha Rostova spielen.

Der Film wurde vom Studio Mosfilm mit erheblicher Unterstützung der sowjetischen Behörden sowie der Roten Armee produziert, die die Produktion mit Tausenden von Pferden und über 10.000 Soldaten unterstützte. Es war einer der teuersten Filme, die in der Sowjetunion hergestellt wurden. Seit seiner Veröffentlichung gilt der Film weithin als das größte Epos, das je gedreht wurde, wobei viele behaupten, sein gewaltiger Umfang sei ein einmaliges Ereignis im Leben.

Zwei glorreiche Halunken (1966)

Es ist ein Westernfilm aus dem Jahr 1966, inszeniert von Sergio Leone mit den Hauptdarstellern Clint Eastwood, Lee Van Cleef und Eli Wallach. Das Drehbuch wurde von Age & Scarpelli, Luciano Vincenzoni und Leone verfasst, basierend auf einer Geschichte von Vincenzoni und Leone. Für die Breitbild-Kinematographie war Tonino Delli Colli verantwortlich, und Ennio Morricone komponierte die Filmmusik. Der Film ist bekannt für Leones Einsatz von langen, Nahaufnahmen sowie seinen unkonventionellen Umgang mit Gewalt, Spannung und Schießereien. Die Handlung dreht sich um drei Revolverhelden, die im wilden Durcheinander des Amerikanischen Bürgerkriegs um die Entdeckung eines Goldschatzes in einem Versteck konkurrieren und dabei an verschiedenen Gefechten teilnehmen. Der Film war die dritte Zusammenarbeit zwischen Leone und Clint Eastwood sowie die zweite mit Lee Van Cleef.

Zwei glorreiche Halunken wurde als letzter und dritter Teil der Dollars-Trilogie vermarktet, nach Für eine Handvoll Dollar und Für ein paar Dollar mehr. Der Film war ein kommerzieller Erfolg, erzielte über 38 Millionen Dollar an internationalen Einnahmen und wird zugeschrieben, Eastwood zum Ruhm verholfen zu haben. Aufgrund der damaligen Vorurteile der Kritiker gegenüber Spaghetti-Western erhielt er zunächst wenig positive Kritiken, gewann aber im Laufe der Jahre an Anerkennung und gilt heute als der „definitive Spaghetti-Western“.

Doktor Schiwago (1966)

Es ist ein Liebesfilm unter der Regie von David Lean mit einem Drehbuch von Robert Bolt, basierend auf dem Buch von Boris Pasternak aus dem Jahr 1957. Die Handlung spielt in Russland während des Ersten Weltkriegs und des Russischen Bürgerkriegs. Der Film zeigt Omar Sharif in der Titelrolle als Yuri Schiwago, ein verheirateter Arzt und Dichter, dessen Leben durch die Russische Revolution und den darauf folgenden Bürgerkrieg verändert wird, sowie Julie Christie als seine große Liebe Lara Antipowa. Geraldine Chaplin, Tom Courtenay, Rod Steiger, Alec Guinness, Ralph Richardson, Siobhán McKenna und Rita Tushingham übernehmen Nebenrollen.

Während Pasternaks Veröffentlichung im Westen außerordentlich wichtig war, wurde sie in der Sowjetunion jahrelang verboten. Daher wurde der Film nicht in der Sowjetunion gedreht, sondern hauptsächlich in Spanien. Es handelte sich um eine weltweite Koproduktion zwischen Metro-Goldwyn-Mayer und dem italienischen Produzenten Carlo Ponti. Filmkritiker bemängelten die Länge von über drei Stunden und kritisierten, dass der historische Kontext verharmlost werde, lobten jedoch die Stärke der Liebesgeschichte und der menschlichen Gefühle. Bei der 38. Oscar-Verleihung gewann Doktor Schiwago fünf Oscars.

Spiel mir das Lied vom Tod (1968)

Es ist ein epischer Spaghetti-Western aus dem Jahr 1968, inszeniert von Sergio Leone, der das Drehbuch zusammen mit Sergio Donati nach einer Geschichte von Dario Argento, Bernardo Bertolucci und auch Leone selbst verfasste. Die Hauptrollen spielen Henry Fonda, Charles Bronson, Jason Robards und Claudia Cardinale. Die Kamera führte Tonino Delli Colli und die Musik stammt von Ennio Morricone.

Nach der Regie von Spiel mir das Lied vom Tod beschloss Leone, sich von Western abzuwenden und plante, einen Film basierend auf The Hoods zu produzieren, der sich zeitweise zu Once Upon a Time in America entwickelte. Leone hatte eine Vereinbarung mit Paramount Pictures bezüglich der Verfügbarkeit von Henry Fonda und ein Budget, um einen weiteren Western zu drehen. Er engagierte Bertolucci und Argento, um 1966 die Geschichte des Films zu entwickeln, während er verschiedene andere Westernfilme studierte. Nachdem Clint Eastwood ein Angebot für die Hauptrolle abgelehnt hatte, wurde Bronson für die Rolle verpflichtet. Bei der Erstveröffentlichung am 21. Dezember 1968 lief der Film 166 Minuten. Diese Version wurde in europäischen Kinos gezeigt und war ein Kassenerfolg. Für die US-Veröffentlichung am 28. Mai 1969 wurde Spiel mir das Lied vom Tod von Paramount auf 145 Minuten gekürzt und war ein kommerzieller Misserfolg.

2001: Odyssee im Weltraum (1968)

Es zählt zu den größten unverfilmten Science-Fiction-Filmen und wurde 1968 von Stanley Kubrick gedreht. Kubrick verzichtete auf traditionelle Film- und Erzählmethoden, um einen experimentellen Film zu schaffen. Der Soundtrack integriert verschiedene Werke symphonischer Musik von Komponisten wie Richard Strauss, Johann Strauss II, Aram Chatschaturjan und György Ligeti. Der Film erhielt unterschiedliche Kritiken, von denen einige ihn als düster-apokalyptisch, andere als hoffnungsvolle Geschichte für die Menschheit betrachteten. Der Film behandelt die großen Themen der menschlichen Entwicklung, der modernen Technologie und der Möglichkeit außerirdischen Lebens. Heute gilt der Film als einer der bedeutendsten Filme aller Zeiten. 

In prähistorischer Zeit werden eine Gruppe von Hominiden von einer konkurrierenden Gruppe von ihrem Wasserloch vertrieben. Am nächsten Tag entdecken sie, dass ein außerirdischer Monolith an ihrem Wohnort erschienen ist. Sie lernen, einen Knochen als Waffe zu benutzen, und nach ihrer ersten Jagd kehren sie zurück, um ihre Konkurrenten mit der neuen Waffe zu vertreiben. Millionen Jahre später unternimmt Dr. Heywood Floyd, Präsident des US National Council for Astronautics, eine Reise zur Clavius-Basis, einer Mondstation in den Vereinigten Staaten. Während eines Zwischenstopps auf der Raumstation 5 trifft er russische Forscher, die besorgt sind, dass Clavius nicht reagiert. Heywood sorgt sich um die Geheimhaltungspflicht bezüglich ihrer neuesten Entdeckung: ein Monolith, der vor 4 Millionen Jahren in der Nähe des Mondkraters Tycho vergraben wurde. Er und andere reisen mit einem Mondbus zum Monolithen. Als sie das Objekt betrachten, wird es vom Sonnenlicht getroffen, woraufhin es ein hochleistungsfähiges Funksignal aussendet.

Jeremiah Johnson (1972)

Es ist ein amerikanischer Westernfilm von 1972 unter der Regie von Sydney Pollack mit Robert Redford und Will Geer in den Hauptrollen. Er basiert teilweise auf dem Leben von John Jeremiah Johnson. Das Drehbuch wurde von John Milius und Edward Anhalt geschrieben; der Film wurde an zahlreichen Orten im Bundesstaat Utah gedreht. Er wurde beim Filmfestival von Cannes 1972 gezeigt.

Der Veteran des Mexikanisch-Amerikanischen Krieges Jeremiah Johnson ist ein Einsiedler und Jäger, der in den Rocky Mountains lebt. Seine erste Wintersaison ist hart, und er hat eine Begegnung mit Paints-His-Shirt-Red, einem Häuptling der Crow. Er beginnt mit einem .30-Kaliber-Hawken-Gewehr zu jagen, bis er die gefrorene Leiche des Bergmanns Hatchet Jack entdeckt, der ein .50-Kaliber-Hawken-Gewehr hält. Mit seinem neuen Gewehr unterbricht Johnson versehentlich die Grizzlybärenjagd des exzentrischen und alten Chris Lapp, genannt „Bear Claw“, der ihm beibringt, in den Bergen zu leben. 

Aguirre, Der Zorn Gottes (1972)

Es ist ein westdeutscher epischer und historischer Film von 1972, produziert, geschrieben und inszeniert von Werner Herzog. Klaus Kinski spielt die Hauptrolle des spanischen Soldaten Lope de Aguirre, der ein Team von Konquistadoren den Amazonas hinaufführt, um die sagenumwobene Goldstadt El Dorado in Südamerika zu finden. Mit einer rigorosen Erzähl- und Dialogmethode entwickelt der Film eine Vision von Wahnsinn und Rücksichtslosigkeit im Konflikt mit dem Amazonas-Regenwald. Lose basierend auf dem, was über Aguirre bekannt ist, gab Herzog Jahre nach der Veröffentlichung zu, dass seine Geschichte ein Werk der Fiktion ist. Einige Umstände und sogar Personen könnten von Gaspar de Carvajals Bericht über eine frühere Amazonas-Expedition beeinflusst sein.

Aguirre war die erste von fünf gemeinsamen Produktionen zwischen Herzog und Kinski. Sie hatten unterschiedliche Auffassungen darüber, wie die Rolle zu spielen sei, und gerieten während der Dreharbeiten aneinander; die Aufnahmen fanden in der peruanischen Dschungelregion am Amazonas über harte fünf Wochen statt. Schauspieler und Crew erklommen Hügel, rissen schwere Lianen aus, um Wege zu verschiedenen Waldgebieten zu öffnen, und fuhren gefährliche Flussstromschnellen in von lokalen Handwerkern gefertigten Booten. Aguirre wurde von Kritikern gelobt und wurde schnell zu einem bedeutenden Kultfilm sowie zu einem der beliebtesten Filme des Regisseurs. Zahlreiche Filmkritiker haben erklärt, dass der Film ein Kunstwerk ist. 

Der Turm in Flammen (1974)

Es ist ein amerikanischer Katastrophenfilm von 1974 unter der Regie von John Guillermin, mit einer Besetzung unter der Leitung von Paul Newman und Steve McQueen. [8] Er wurde von Stirling Silliphant adaptiert nach den Büchern The Tower (1973) von Richard Martin Stern und The Glass Inferno (1974) von Thomas N. Scortia und Frank M. Robinson. Der Film erhielt bei seiner Veröffentlichung positive Kritiken von Filmkritikern und war ein Kassenerfolg.

Der Architekt Doug Roberts kehrt nach San Francisco zurück, um an dem Glass Tower zu arbeiten, den er für James Duncan entworfen hat. Der Turm, 515 Meter hoch und mit 138 Stockwerken, ist das höchste Bauwerk der Welt. Während der Grundsteinlegung verursacht ein Stromausfall einen Brand im 81. Stock, kurz nachdem ein weiterer solcher Ausfall im Hauptlagerraum aufgetreten ist. Als Roberts dies entdeckt, sieht er, dass die Schaltkreise unzureichend sind, und vermutet, dass Roger Simmons, Duncans Subunternehmer und Schwiegersohn, Abkürzungen genommen hat. Roberts konfrontiert Simmons, der Unschuld vortäuscht.

Barry Lyndon (1975)

Stanley Kubricks hypnotische Adaption des Romans von William Makepeace Thackeray folgt Redmond Barry, einem irischen Opportunisten, der sich durch die europäische Aristokratie des 18. Jahrhunderts intrigiert und verführt, um schließlich zu Reichtum und Titel aufzusteigen, bevor sein unvermeidlicher Fall eintritt. Mit kühler Distanz erzählt, entfaltet sich der Film wie eine Reihe lebendiger Gemälde, die den unerbittlichen Ehrgeiz eines Mannes vor der weiten, gleichgültigen Leinwand der Geschichte nachzeichnen.

Barry Lyndon ist vielleicht der visuell atemberaubendste Film, der je gemacht wurde. Kubrick nutzte berühmt NASA-entworfene Objektive, um ausschließlich mit natürlichem Licht und Kerzenlicht zu drehen, was zu Bildern von überwältigender, malerischer Schönheit führte, die den Werken von Hogarth und Gainsborough ähneln. John Alcotts Oscar-prämierte Kameraführung erhebt jeden Frame zu musealer Kunstqualität. Das absichtlich langsame, dreistündige Tempo des Films ist vollkommen beabsichtigt und erzeugt ein Gefühl unwiderstehlicher historischer Weite. Ryan O’Neals zurückhaltende Darstellung dient Kubricks kühlem, anthropologischem Blick perfekt. Dies ist episches Kino in seiner intellektuell ambitioniertesten und ästhetisch außergewöhnlichsten Form.

Eine Brücke zu weit (1977)

Eine Brücke zu weit ist ein Kriegs-Epos von 1977, das die Operation Market Garden zeigt, eine gescheiterte alliierte Operation in den von den Nazis besetzten Niederlanden während des Zweiten Weltkriegs. Basierend auf einer gleichnamigen Sachbuchveröffentlichung des Chronisten Cornelius Ryan, wurde der Film von Richard Attenborough inszeniert, mit einem Drehbuch von William Goldman. In den Hauptrollen sind Dirk Bogarde, James Caan, Michael Caine, Sean Connery, Edward Fox, Elliott Gould, Gene Hackman, Anthony Hopkins, Hardy Krüger, Laurence Olivier, Ryan O’Neal, Robert Redford, Maximilian Schell und Liv Ullmann.

Es war der zweite Film, der auf den Ereignissen der gescheiterten Operation Market Garden im Zweiten Weltkrieg basierte. Eine Koproduktion zwischen Großbritannien und den USA, wurde der Film in einer Region der Niederlande gedreht, in der sich die historischen Ereignisse tatsächlich zugetragen hatten. Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung war er einer der teuersten Filme aller Zeiten. Der Film ist teuer, groß angelegt und mit Stars besetzt, aber nicht beeindruckend. Er wurde als der längste B-Kriegsfilm bezeichnet.

Blade Runner (1982)

Es ist ein Science-Fiction-Film aus dem Jahr 1982, der von Ridley Scott inszeniert und von Hampton Fancher und David Peoples geschrieben wurde. Mit Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young und Edward James Olmos in den Hauptrollen, ist es eine Adaption von Do Androids Dream of Electric Sheep? Es ist ein dystopischer Film, der im Jahr 2019 in Los Angeles spielt, in dem künstliche Menschen, sogenannte Replikanten, von der Tyrell Corporation bioengineert werden. Als ein flüchtiges Team von Replikanten unter der Führung von Roy Batty (Hauer) zur Erde entkommt, stimmt der Polizist Rick Deckard (Ford) widerwillig ihrer Jagd zu.

Blade Runner lief anfangs in nordamerikanischen Kinos und bei Filmkritikern unter den Erwartungen, wobei einige seine thematische Komplexität und visuelle Gestaltung lobten, während andere das langsame Tempo und den Mangel an Action kritisierten. Später wurde er zu einem Kultfilm und gilt als einer der besten Science-Fiction-Filme aller Zeiten. Blade Runner wird oft sowohl als führendes Beispiel des Neo-Noir-Kinos als auch als wegweisendes Werk des Cyberpunk-Genres betrachtet. Der Soundtrack des Films, komponiert von Vangelis, wurde 1982 für einen BAFTA und einen Golden Globe nominiert. Der Film hat tatsächlich mehrere Science-Fiction-Filme, Computerspiele, Anime und Fernsehserien beeinflusst. Er brachte die Werke von Philip K. Dick ins Interesse Hollywoods, und viele seiner Werke wurden später verfilmt. 

Ran (1985)

Das Meisterwerk von Akira Kurosawa verlegt Shakespeares König Lear ins feudale Japan und folgt dem alternden Kriegsherrn Hidetora Ichimonji, der sein Reich unter seinen drei Söhnen aufteilt, was eine katastrophale Spirale aus Verrat, Krieg und Wahnsinn auslöst. Eine atemberaubende Meditation über Stolz, Sterblichkeit und die zyklische Natur der Gewalt, steht Ran als eines der visuell und emotional überwältigendsten Epen, die je verfilmt wurden.

Über vier Jahre mit einem legendären Produktionsbudget gedreht, zeigt Ran Kurosawas absolute Meisterschaft des Kinos in einem fast unvorstellbaren Ausmaß. Die Schlachtszenen, gemalt in lebendigen, blutgetränkten Farben vor Takao Saitos atemberaubenden Breitbildkompositionen, bleiben in der Geschichte des Kriegskinos unerreicht. Tatsuya Nakadais Darstellung des zerfallenden Hidetora ist eindringlich und unvergesslich. Emi Wadas Kostümdesign gewann verdientermaßen den Academy Award. Ran übersteigt sein Ausgangsmaterial und wird zu einer universellen Klage über menschliche Torheit, die ein visuelles und philosophisches Erlebnis von verheerender, fast unerträglicher Kraft bietet.

The Mission (1986)

Britisches episches Historiendrama über die Erfahrungen eines jesuitischen Missionars im Südamerika des 18. Jahrhunderts. Regie führte Roland Joffé, in den Hauptrollen sind Robert De Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally, Aidan Quinn, Cherie Lunghi und Liam Neeson zu sehen. Der Film erhielt von Filmkritikern positive Bewertungen für seine beeindruckenden Bilder und Ennio Morricones berühmte Filmmusik, obwohl einige der Meinung sind, dass die Dialoge und psychologischen Darstellungen nicht tief genug in die Charaktere eindringen.

Im Jahr 1750 kommt der spanische Jesuitenpriester Vater Gabriel in den Nordosten Argentiniens und die Dschungel des östlichen Paraguays, um die Guaraní zum Christentum zu bekehren. Die Guaraní sind zunächst weder dem Christentum noch Fremden im Allgemeinen gegenüber aufgeschlossen, und als Gabriel einen Priester zu ihnen schickt, setzen sie den Priester auf ein hölzernes Kreuz und schicken ihn zu den Iguazú-Wasserfällen, wo er sterben soll. Gabriel selbst unternimmt daraufhin eine Reise zu den Wasserfällen, schließt sich den Protagonisten an und versucht, durch Musik eine Verbindung zu ihnen herzustellen, indem er seine Oboe spielt. 

Der letzte Kaiser (1987)

Es ist ein biografischer Eposfilm von 1987 über das Leben von Puyi, dem letzten Kaiser Chinas. Regie führte Bernardo Bertolucci nach einem Drehbuch, das er gemeinsam mit Mark Peploe schrieb und das auf Puyis Memoiren von 1964 basiert. Der Film zeigt Puyis Leben von seiner Thronbesteigung als Kind über die Gefängniszeit bis hin zur „politischen Rehabilitation“ durch die Kommunistische Partei Chinas. In den Hauptrollen sind John Lone, Peter O’Toole, Joan Chen, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Vivian Wu, Lisa Lu und Ryuichi Sakamoto, der zusammen mit David Byrne und Cong Su auch die Filmmusik beisteuerte. Es war der erste westliche Spielfilm, dem die Volksrepublik China erlaubte, in der Verbotenen Stadt in Peking zu drehen.

Bertolucci gelingt es, Puyis Gefängniszeit noch paradoxer erscheinen zu lassen, da der gesamte Film in einem Gebiet innerhalb der Volksrepublik China gedreht wurde und ihm zudem erlaubt wurde, in der Verbotenen Stadt zu filmen – einer riesigen mittelalterlichen Stadt, die etwa 100 Hektar umfasst und 9.999 Räume beinhaltet. Die Geschichte und die Qualität des Films sind untrennbar mit dem bemerkenswerten szenografischen Eindruck der Verbotenen Stadt, den Kostümen und vielen weiteren Tricks am Set verbunden, die das Alltagsleben dieses Kaiser-Kindes nachbilden.

Der letzte Mohikaner (1992)

Es ist ein amerikanischer historischer Eposfilm von 1992, der im Jahr 1757 während des Indischen und Französischen Krieges spielt. Regie führte Michael Mann und der Film basiert auf dem Roman Der letzte Mohikaner: Eine Erzählung aus dem Jahre 1757 von James Fenimore Cooper aus dem Jahr 1826 sowie auf der Filmadaption von 1936. In den Hauptrollen sind Daniel Day-Lewis und Madeleine Stowe zu sehen, mit Jodhi May, Russell Means, Wes Studi, Eric Schweig und Steven Waddington in Nebenrollen. Der Film ist eine faszinierende Reise, die das Setting spielerisch nutzt und daraus einen actiongeladenen Film macht. Filmkritiker lobten den Film für seine Kinematografie und den Sound.

Im Jahr 1757 taucht der britische Armeemajor Duncan Heyward während des Franzosen- und Indianerkriegs in Albany, New York, auf. Er wird Colonel Edmund Munro zugeteilt, dem Leiter von Fort William Henry in den Adirondack Mountains. Heyward erhält den Auftrag, Munros zwei Kinder, Cora und Alice, zu ihrem Vater zu bringen. Bevor sie aufbrechen, bittet Heyward Cora, ihn zu heiraten, doch sie bittet um mehr Zeit, bevor sie ihre Antwort gibt. Ein Mohawk namens Magua wird Heyward, den beiden Frauen und einer Truppe britischer Soldaten im Fort zugeteilt, doch tatsächlich führt ein Huron sie in einen Hinterhalt, der die meisten Soldaten auslöscht. Mohikaner Chingachgook, sein Sohn Uncas und sein adoptierter weißer Sohn „Hawkeye“ kommen hinzu und eliminieren alle Huronen bis auf Magua. Das Trio beschließt, die Frauen und Heyward zum Fort zu bringen. Unterwegs entdecken sie ein weiteres Massaker auf einer Farm.

Der schmale rote Grat (1998)

Es ist ein amerikanisches Kriegs-Epos aus dem Jahr 1998, geschrieben und inszeniert von Terrence Malick. Es ist die zweite Verfilmung der gleichnamigen Geschichte von 1962 von James Jones, nach dem Film von 1964. Die fiktive Variation der Schlacht am Mount Austen, die Teil der Guadalcanal-Pazifik-Kampagne im Zweiten Weltkrieg wurde, zeigt die US-Soldaten der Kompanie C, 1. Bataillon, 27. Infanterieregiment, 25. Infanteriedivision, gespielt von Sean Penn, Jim Caviezel, Nick Nolte, Elias Koteas und Ben Chaplin. Es gilt als einer der besten Kriegsfilme, die je gemacht wurden, mit großartigen Kampfszenen. Es ist nicht nur ein historischer Film, sondern vor allem ein psychologischer Film mit emotionalen Bildern: ein Film über Entwicklung, das Überwinden von Konflikten und über Liebe.

Tiger und Drachen (2000)

Es ist ein Film aus dem Jahr 2000 unter der Regie von Ang Lee, der Schauspieler chinesischer Herkunft umfasst, darunter Chow Yun-fat, Michelle Yeoh, Zhang Ziyi und Chang Chen. Er basiert auf dem gleichnamigen chinesischen Buch von Wang Du Lu. Die Geschichte entfaltet sich ähnlich einem Comic, wobei die Charaktere und Szenarien mit großen Pinselstrichen in einem theatralischen und grandiosen Stil gemalt werden. Der Film ist eine geniale Mischung aus atemberaubenden Kampfszenen, wunderschönem Bühnenbild und Drama. 

Im China der Qing-Dynastie im 19. Jahrhundert ist Li Mu Bai ein angesehener Wudang-Schwertkämpfer, und seine Freundin Yu Shu Lien, eine Macheten-Kämpferin, leitet eine private Sicherheitsfirma. Shu Lien und Mu Bai hatten lange Zeit Gefühle füreinander, doch da Shu Lien mit Mu Bais Freund Meng Sizhao verlobt war, bevor dieser starb, fühlen sich Shu Lien und Mu Bai Meng Sizhao verpflichtet und drücken ihre Gefühle füreinander nicht aus. Mu Bai bittet Shu Lien, sein legendäres 400 Jahre altes Schwert „Green Destiny“ ihrem Wohltäter Sir Te in Peking zu übergeben. Vor langer Zeit wurde Mu Bais Lehrer von Jade Fox getötet, einer Frau, die versucht, Wudangs Fähigkeiten zu entdecken. 

Musa (2001)

Es ist ein südkoreanischer Action-Epos-Film aus dem Jahr 2001, der von Kim Sung-su inszeniert wurde und in dem Jung Woo-sung, Ahn Sung-ki, Joo Jin-mo und der chinesische Star Zhang Ziyi mitspielen. Der halb-historische Bericht erzählt die Erfahrungen einer koreanischen Friedensdelegation, die versucht, durch die unwirtlichen Wüsten Nordchinas zurück nach Korea zu gelangen. Der Film gilt als einer der größten Filme des südkoreanischen Kinos. Zum Zeitpunkt seiner Produktion war sein Budget das größte, das je für einen koreanischen Film aufgebracht wurde. Er beinhaltet ein hohes Maß an historischer Genauigkeit in Bezug auf Kostüme, Requisiten, Inszenierung und Sprache der Epoche. Der Film war der acht-erfolgreichste Film des Jahres 2001 mit über 2 Millionen verkauften Eintrittskarten.

Black Hawk Down (2001)

Es ist ein Kriegsfilm aus dem Jahr 2001, der von Ridley Scott inszeniert wurde, basierend auf einem Drehbuch von Ken Nolan. Er basiert auf der gleichnamigen Sachbuchveröffentlichung von Journalist Mark Bowden aus dem Jahr 1999, die den US-Militärangriff 1993 auf Mogadischu behandelt. Der Film verfügt über eine große Besetzung, darunter Josh Hartnett, Ewan McGregor, Eric Bana, Tom Sizemore, William Fichtner, Jason Isaacs, Sam Shepard, Jeremy Piven, Ioan Gruffudd, Ewen Bremner, Hugh Dancy und Tom Hardy in seiner Hauptrolle. Orlando Bloom, Ty Burrell und Nikolaj Coster-Waldau haben ebenfalls kleine Rollen.

Obwohl der Film in Bezug auf Charakterentwicklung und soziale Empathie oberflächlich bleibt, ist Black Hawk Down ein atemloser, realistischer Kriegsfilm, geschaffen durch das außergewöhnliche Können von Ridley Scott, der es dem Publikum ermöglicht, die realen Erfahrungen der Soldaten zu erleben, anstatt sie nur darzustellen: ungewöhnlich für einen Kriegsfilm, der die Genre-Konventionen auf den Kopf stellt.

Apocalypto (2006)

Es ist ein historischer Epos-Film aus dem Jahr 2006, produziert, mitgeschrieben und inszeniert von Mel Gibson. Der Film zeigt indianische Schauspieler und indigene mexikanische Stars, darunter Rudy Youngblood, Raoul Trujillo, Mayra Sérbulo, Dalia Hernández, Gerardo Taracena, Rodolfo Palacios, Bernardo Ruiz Juarez, Amell Rodrigo Mendoza, Ricardo Diaz Mendoza und Israel Contreras. Alle Ureinwohner im Film waren Maya. Die indigene Yucatec-Maya-Sprache wird mit Untertiteln übersetzt.

Der Film spielt in Yucatán, Mexiko, um das Jahr 1502 und zeigt die Heldenreise eines Mannes namens Jaguar Paw, eines späten mesoamerikanischen Prospektors, und seiner Stammesgenossen, die in eine feindliche Invasion geraten. Nachdem ihre Stadt zerstört wurde, werden sie auf eine gefährliche Reise zu einer Maya-Stadt für Menschenopfer geschickt. Der Film war ein Kassenerfolg und spielte weltweit über 120 Millionen Dollar ein. Er erhielt überwiegend positive Kritiken, wobei Filmkritiker Gibsons Regie, die Kameraführung von Dean Semler und die schauspielerischen Leistungen lobten. Die Darstellung der Maya-Welt und die historische Genauigkeit wurden jedoch kritisiert.

The Road (2009)

Es ist ein postapokalyptischer Film aus dem Jahr 2009, inszeniert von John Hillcoat und geschrieben von Joe Penhall, basierend auf der gleichnamigen Geschichte von Cormac McCarthy aus dem Jahr 2006. Der Film zeigt Viggo Mortensen und Kodi Smit-McPhee als Vater und Sohn in einem postapokalyptischen Sumpfgebiet. Die Treue von The Road zu Cormac McCarthys düsterer Vision mag für manche unerbittlich erscheinen, doch der Film profitiert von den eindrucksvollen Darstellungen von Viggo Mortensen und Kodi. Es ist ein eindringliches Bild Amerikas mit Figuren, die für den Rest ihres Lebens auf sich allein gestellt sind, mit der erschreckenden Gewissheit, dass absolut nichts gut ausgehen wird.

The Tree of Life (2011)

The Tree of Life ist ein Arthouse-Film aus dem Jahr 2011, ein amerikanischer experimenteller Film unter der Regie von Terrence Malick mit Brad Pitt, Sean Penn, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Jessica Chastain und Tye Sheridan in seinem Debütfilm. Der Film erzählt die Suche nach dem Sinn des Lebens anhand der jugendlichen Erinnerungen eines Mannes mittleren Alters und seiner Familienmitglieder, die in den 1950er Jahren in Texas leben, vermischt mit Bildern vom Beginn des Kosmos und der Entstehung des Lebens auf der Erde. Die ersten Kritiken waren gemischt. Der Film gewann die Goldene Palme, und zwei seiner Produzenten, Bill Pohlad und Sarah Green, nahmen die Auszeichnung für Malicks Einzelgänger entgegen. The Tree of Life war der erste amerikanische Film, der nach Fahrenheit 9/11 im Jahr 2004 die Goldene Palme gewann.

Mud (2012)

Es ist ein amerikanisches Coming-of-Age-Drama aus dem Jahr 2012 unter der Regie von Jeff Nichols. Im Film spielen Tye Sheridan und Jacob Lofland zwei Teenager, die Mud (Matthew McConaughey), einen Flüchtigen, der sich auf einer kleinen Insel versteckt, treffen und sich bereit erklären, ihm zu helfen, sich vor seinen Verfolgern zu retten. Angetrieben von einer starken Leistung von Matthew McConaughey in der Titelrolle bietet Mud ein interessantes Drama, das sich mit Wahrhaftigkeit auseinandersetzt. Nichols besitzt die Fähigkeit, Emotionen zu beschreiben und die notwendige Spannung mit Tiefe und geistiger Schärfe zu erzeugen. Der Film war wichtig, um McConaughey als amerikanischen Filmstar zu etablieren.