Films noirs à regarder absolument

Le film noir est un terme cinématographique largement utilisé pour décrire les films policiers hollywoodiens, en particulier ceux qui mettent en avant une vision négative de la vie. Les années 1940 et 1950 sont généralement considérées comme l’âge d’or du film noir américain, période durant laquelle certains des chefs-d’œuvre cinématographiques les plus emblématiques ont été réalisés maîtres.

Le film noir de cette époque est lié à un style visuel en noir et blanc qui puise ses racines dans la cinématographie expressionniste. La plupart des nouvelles proviennent de la collection hardboiled de fiction criminelle née aux États-Unis durant la Grande Dépression.

🌑 Ombres Modernes : Nouveau Cinéma Noir (2023-2025)

The Red House

Maintenant disponible

Thriller noir de Delmer Daves, États-Unis, 1947.
Une jeune fille nommée Meg vit avec son frère adoptif Pete et son père âgé dans une ferme isolée. La maison est entourée de bois et de terres apparemment inaccessibles connues sous le nom de « La Maison Rouge ». La maison est enveloppée de mystère et de légendes locales, et sa présence jette une ombre menaçante sur la vie de Meg et de sa famille. Lorsque Meg commence à aller à l'école, elle tombe amoureuse de Nath, un de ses camarades de classe. Les tensions montent lorsque Nath décide d'explorer le domaine de la Maison Rouge et tente de découvrir les secrets cachés à l'intérieur. Cela provoque la réaction inquiète et intimidante du père de Meg et de Pete, qui semblent vouloir cacher quelque chose d'obscur lié à la Maison Rouge.

La Maison Rouge est un thriller psychologique qui explore les secrets enfouis du passé de la famille et leur impact sur le présent. L'atmosphère sombre et claustrophobe de l'histoire crée un sentiment de suspense et de mystère. Au fur et à mesure que l'histoire se déroule, les secrets de la Maison Rouge et leurs liens avec la famille émergent, menant à des révélations choquantes et à un climax tendu. Le film mêle des éléments de noir et de suspense avec des éléments de drame familial. Il est connu pour sa cinématographie évocatrice et les performances intenses du casting, et explore des thèmes tels que la culpabilité, le secret et la rédemption, avec un regard psychologique sur des dynamiques familiales complexes. C’est une œuvre moins connue du genre thriller psychologique qui est devenue un film culte au fil des ans grâce à son intrigue captivante et ses performances intenses.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

REGARDER MAINTENANT

Motel Destino (2024)

Sous le soleil brûlant du nord du Brésil, Motel Destino est un hôtel à l’heure aux couleurs néon servant de refuge pour des rencontres sexuelles clandestines. Heraldo, un jeune criminel en fuite d’un gang, s’y cache et bouleverse la vie des propriétaires : l’ex-flic Elias et sa jeune épouse Dayana. Dans Motel Destino, se forme un triangle de passion, d’opportunisme et de violence, où Dayana voit en Heraldo le pion parfait pour se débarrasser de son mari oppressif et changer de vie.

Présenté à Cannes 2024, le film de Karim Aïnouz est un « Tropical Noir » dégoulinant de sueur, de sexe et de couleurs saturées. Il réécrit les tropes classiques du genre (pensez à Le facteur sonne toujours deux fois) en les situant dans un contexte exotique et vital. Visuellement hypnotique, c’est un film sensoriel où le désir est la seule échappatoire à un destin marqué par la pauvreté et la domination masculine.

Strange Darling (2024)

Ce qui semble être une aventure d’un soir entre un homme et une femme se transforme rapidement en un cauchemar du chat et de la souris à travers l’Amérique rurale. Le film est divisé en six chapitres non linéaires qui désorientent le spectateur : qui est la proie et qui est le prédateur ? Dans Strange Darling, chaque fois que vous pensez comprendre la dynamique entre « La Dame » et « Le Démon », la perspective bascule, révélant une traînée de sang enracinée dans une folie psychopathe.

Tourné entièrement en 35 mm par J.T. Mollner, ce film indépendant est la surprise esthétique de l’année. C’est un thriller psychologique rendant hommage aux couleurs et aux atmosphères du cinéma des années 70, mais avec une structure narrative moderne à la Tarantino. Willa Fitzgerald livre une performance électrique dans une œuvre qui joue cruellement avec les attentes du public concernant les rôles de genre dans le cinéma policier.

The Man with the Golden Arm

Maintenant disponible

Film dramatique, noir, d'Otto Preminger, États-Unis, 1955.
Frankie Machine (Frank Sinatra), un ancien toxicomane qui tente de se ressaisir après sa sortie de prison. Cependant, Frankie est un très bon batteur et est constamment tenté d'abandonner la drogue pour jouer encore mieux. Sa vie est compliquée par la pression de sa femme Zosch (Eleanor Parker), qui essaie de garder Frankie dans leur cercle criminel, et de son ancienne flamme Molly (Kim Novak), qui tente de l'aider à se débarrasser de sa dépendance à l'héroïne et à changer de vie en jouant de la batterie dans un groupe.

Le film a été très acclamé par la critique pour la performance de Sinatra, qui lui a valu une nomination aux Oscars du meilleur acteur. De plus, la musique d'Elmer Bernstein, qui présente un thème principal triste et mélancolique, est considérée comme l'une des meilleures de l'histoire du cinéma. Le film est également connu pour être l'un des premiers films hollywoodiens à aborder sans filtre le sujet de la toxicomanie, avec une forte critique de la société qui crée les conditions de la dépendance. Preminger a dû lutter contre la censure pour faire approuver le film, en raison des sujets considérés comme tabous dans les années 1950. Sinatra a travaillé dur pour préparer le rôle de Frankie, apprenant à jouer de la batterie et étudiant le comportement des toxicomanes. Novak et Parker, toutes deux au sommet de leur carrière, ont livré des performances inoubliables. Le film a rapporté plus de 4 millions de dollars au box-office à l'époque. Aujourd'hui, il est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de Preminger et l'un des meilleurs films de Sinatra.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

REGARDER MAINTENANT

Eileen (2024)

Boston, années 1960. Eileen est une jeune secrétaire terne et réprimée travaillant dans un centre de détention pour mineurs et vivant avec un père alcoolique. Sa vie grise s’illumine avec l’arrivée de Rebecca (Anne Hathaway), la nouvelle psychologue de la prison — blonde, sophistiquée et mystérieuse. Eileen devient fascinée par elle au point de l’obsession. Mais dans Eileen, cette amitié naissante prend une tournure sombre lorsque Rebecca implique la jeune fille dans un crime choquant lié à l’un des détenus, forçant Eileen à perdre son innocence à jamais.

Adapté du roman d’Ottessa Moshfegh, il s’agit d’un élégant et troublant noir psychologique d’époque. Anne Hathaway incarne une femme fatale intellectuelle qui manipule la réalité, tandis que Thomasin McKenzie incarne parfaitement la solitude qui devient dangereuse. Le film commence comme un drame de personnages pour exploser dans un troisième acte de violence inattendue, typique de la tradition la plus sombre et nihiliste du noir.

Coup de Chance (2024)

Fanny et Jean semblent être le couple parfait de la haute société parisienne : lui est un riche consultant financier qui l’adore, elle est experte en art. Mais Jean est possessif et cache des secrets sur ses affaires. Lorsque Fanny rencontre par hasard Alain, un ancien camarade de lycée devenu écrivain bohème, une liaison passionnée commence. Dans Coup de Chance, Jean découvre la trahison et, au lieu de faire une scène, décide de résoudre le problème avec un froid criminel, planifiant le meurtre parfait en comptant sur le hasard.

Woody Allen signe son cinquantième film en revenant à l’atmosphère de Match Point, mais cette fois en français. C’est un noir moral et cynique, léger comme une bulle de savon empoisonnée. La cinématographie de Vittorio Storaro illumine un Paris automnal où la chance joue un rôle plus important que la justice. C’est un film brillant sur la banalité du mal bourgeois, où le meurtre n’est qu’un autre moyen de maintenir l’ordre social.

Detour

Maintenant disponible

Thriller, noir, par Edgar G. Ulmer, États-Unis, 1945.
Al Roberts, un pianiste au chômage, fait de l'auto-stop. Après avoir obtenu un trajet, il arrive dans un restaurant à Reno, Nevada. Un autre client du restaurant joue un air sur le juke-box : Al est contrarié car cela lui rappelle sa vie à New York. Il se souvient d'une époque où il était amer à cause de son manque de succès en tant que musicien, contraint de jouer dans un club miteux. Un jour, sa partenaire, Sue Harvey, qui est chanteuse dans le même club, ne voyant aucun avenir dans leur relation, part tenter sa chance à Hollywood. Al sombre alors dans la dépression. Après quelques mésaventures, il décide de faire un voyage en Californie pour la revoir et l'épouser. Avec peu d'argent, il est cependant obligé de faire de l'auto-stop à travers le pays. En Arizona, le bookmaker Charles Haskell Jr. propose à Al un trajet jusqu'à Los Angeles. Cette nuit-là, Al conduit pendant que Haskell dort. Lorsqu'une tempête force Al à s'arrêter pour relever la capote de la décapotable, il ne parvient pas à réveiller Haskell. Al ouvre la portière passager et Haskell tombe au sol : il est mort.

Film indépendant à petit budget réalisé par Edgar G. Ulmer, assistant réalisateur du grand Murnau dans "Le Dernier Rire" et "Aurore", Detour est un noir inspiré de l'expressionnisme allemand. Le protagoniste Al Roberts raconte son histoire en s'adressant directement au public, mais plusieurs indices suggèrent que peut-être nous n'écoutons pas ce qui s'est réellement passé, mais ce qu'Al Roberts veut que nous pensions s'être passé. Parfois, des expériences terribles peuvent être remodelées en fantasmes plus faciles à gérer, parfois il faut construire un alibi : c'est peut-être le charme ambigu de "Detour". L'interprétation d'Ann Savage est phénoménale : il n'y a pas une once d'humanité dans son rôle de Vera. "Detour" est un exemple parfait de film à petit budget qui transforme ses limites en un style fort et cohérent. Un film culte où l'obscurité du noir captive le spectateur sans besoin de virtuosité technique, d'act

REGARDER MAINTENANT

Les Chambres Rouges (Red Rooms) (2024)

Kelly-Anne est un mannequin obsédé par le procès très médiatisé d’un tueur en série accusé de torturer et tuer trois filles mineures en direct sur le dark web. Elle dort dans la rue pour assurer une place dans la salle d’audience chaque matin. Mais Kelly-Anne n’est pas là pour la justice. Dans Les Chambres Rouges, sa fascination morbide la pousse à rechercher la vidéo manquante du dernier meurtre, la seule pièce manquante du puzzle, plongeant dans un abîme numérique pour « se connecter » avec le monstre.

Du Québec vient ce cyber-noir glacial et technologiquement terrifiant réalisé par Pascal Plante. Oubliez les hackers stéréotypés : ici le mal est bureaucratique, silencieux et stérile. Le film est une enquête psychologique troublante sur l’hybridophilie (l’attraction pour les criminels) et le regard voyeuriste du spectateur. C’est une œuvre rigoureuse qui fait peur sans presque rien montrer, construisant une tension insupportable uniquement à travers le visage énigmatique de la protagoniste.

LaRoy, Texas (2024)

Ray est le propriétaire raté d’une quincaillerie qui découvre que sa femme le trompe. Il décide de se suicider dans le parking d’un motel, mais quelques instants avant d’appuyer sur la gâchette, un inconnu entre dans sa voiture en le prenant pour un tueur à gages, lui donnant une enveloppe pleine d’argent et un nom à éliminer. Dans LaRoy, Texas, Ray commet l’erreur de prendre l’argent, se retrouvant poursuivi par le vrai tueur (un psychopathe professionnel) et la police, dans une comédie noire qui tourne rapidement au bain de sang.

Les débuts à la réalisation de Shane Atkinson sont un néo-noir rural sale et désespéré, rappelant les premiers Coen (Blood Simple). C’est un petit film, tourné avec un budget réduit mais doté d’un scénario d’acier. Steve Zahn livre une performance tragicomique en détective privé bon marché tentant d’aider Ray. Un hymne aux perdants qui essaient de jouer les durs, pour finir écrasés par un monde criminel trop vaste pour eux.

The Hitch-Hiker

Maintenant disponible

Thriller, Noir, par Ida Lupino, États-Unis, 1953.
Deux amis, Roy Collins (O'Brien) et Gilbert Bowen (Lovejoy), se dirigent vers la ville mexicaine de San Felipe, dans le golfe de Californie, pour aller pêcher. Juste au sud de Mexicali, ils prennent en stop un auto-stoppeur, Myers, qui sort une arme et les prend en otage. Myers les force à voyager pendant des jours sur des routes de terre jusqu'à la péninsule de Basse-Californie, à Santa Rosalía, où il a l'intention de prendre un ferry à travers le golfe de Californie pour Guaymas afin de leur échapper. Le criminel terrorise et humilie les deux hommes. Une nuit, lors de leur unique tentative d'évasion, Collins se blesse à la cheville. Pendant ce temps, les autorités des États-Unis et du Mexique traquent Myers.

Tourné dans le désert du sud-ouest des États-Unis, entre lieux sauvages et petites villes, le film est basé sur une histoire vraie : la folie meurtrière de Billy Cook, qui en 1950 a tué une famille de cinq personnes et un représentant de commerce. Ida Lupino était une actrice célèbre et a eu l'opportunité de réaliser le film lorsque le réalisateur Elmer Clifton est tombé malade. La société de production fondée par Ida Lupino et son mari Collier Young, "The Filmmakers", a été créée pour produire des films indépendants à petit budget. La réalisatrice a rencontré les deux hommes que Billy Cook avait emprisonnés et a recueilli leurs témoignages ainsi que ceux de Cook lui-même, afin d'intégrer des éléments réels de la vie de Cook dans le scénario. Un film exemplaire par son économie de moyens : trois acteurs talentueux, des paysages austères, le talent des producteurs, scénaristes et réalisatrice. Un film typiquement "masculin" dirigé avec audace par une femme, très réussi dans son atmosphère brute et noire, où la réalisatrice ne relâche jamais la tension une seule minute. Son niveau de sensibilité psychologique envers les personnages est en avance sur son temps. Tendu, exigeant et totalement dépourvu de glorifications masculines, c'est un bijou, avec des interprétations splendides de ses trois protagonistes

REGARDER MAINTENANT

Femme (2023)

Jules est une drag queen londonienne célèbre qui subit une attaque homophobe brutale ruinant sa vie et sa carrière. Quelques mois plus tard, il reconnaît son agresseur, Preston, dans un sauna gay, où l’homme dissimule son homosexualité derrière une façade de criminel de rue dur à cuire. Dans Femme, Jules décide de ne pas le dénoncer, mais de le séduire. Commence alors un jeu dangereux de vengeance où la victime infiltre la vie du coupable, menaçant de révéler son secret au monde criminel hyper-masculin auquel il appartient.

Un thriller noir britannique tendu et claustrophobe. Il renverse complètement le trope de la femme fatale : ici, la séduction est une arme politique et la vengeance ne s’exerce pas avec une arme à feu, mais par la psychologie. George MacKay (l’agresseur) et Nathan Stewart-Jarrett (la drag queen) offrent un duel d’acteurs physique et nerveux. C’est un film qui explore la masculinité toxique et la répression sexuelle comme moteurs de violence extrême.

Kennedy (2023)

Uday Shetty est un ex-flic de Mumbai présumé mort, qui travaille désormais comme tueur à gages fantôme pour le commissaire corrompu qui le contrôle. Surnommé « Kennedy », c’est un sociopathe insomniaque errant dans la nuit indienne, tuant sur commande, tout en cherchant désespérément une rédemption impossible. Dans Kennedy, pendant la pandémie et le confinement, il se retrouve impliqué dans un complot politique qui le transforme de chasseur en proie, dans une ville déserte ressemblant à un purgatoire néon.

Anurag Kashyap, le père du noir indien moderne, réalise un film qui n’a rien à voir avec Bollywood. Présenté à Cannes (séance de minuit), il est brutal, nihiliste et stylistiquement excessif. Le Mumbai dépeint n’est pas celui des danses, mais une jungle urbaine nocturne faite de béton, de sang et de corruption endémique. Un polar asiatique brut montrant le côté sombre de la croissance économique de l’Inde.

Ashkal : L’enquête tunisienne (2023)

Dans les « Jardins de Carthage », un quartier fantôme de Tunis composé de chantiers de luxe abandonnés après la Révolution, des corps calcinés sont découverts. Il n’y a aucun signe d’incendie criminel : les victimes semblent s’être spontanément enflammées. Deux détectives, Fatma et Batal, enquêtent dans un climat de silence et de tension politique. Dans Ashkal, l’enquête policière glisse lentement vers l’horreur et le mystère, suggérant que le feu est une manifestation de la rage collective d’un peuple trahi par les promesses de la démocratie.

Youssef Chebbi signe un polar nord-africain hypnotique et dérangeant, visuellement dominé par le béton gris et les structures inachevées. C’est un film lent, atmosphérique où l’architecture est la véritable protagoniste. Pas le mystère classique avec une solution finale : c’est une allégorie politique sombre utilisant les codes du noir pour raconter le malaise d’une nation. Un cinéma d’auteur pur et rigoureux.

The stranger

Maintenant disponible

Thriller, par Orson Welles, États-Unis, 1946.
Orson Welles, un cinéaste qui a toujours été contre le système hollywoodien, n’a pas aimé ce film réalisé dans les studios, mais étrangement il a réussi à créer un produit commercial au-delà de ses propres attentes, parvenant à y insérer son style inimitable, nous laissant un film étonnant. Dans la petite ville de Harper, vit Charles Rankin, qui est sur le point d’épouser la fille d’un juge important. Mais Charles Rankin est en réalité Frank Kindle, un criminel du Troisième Reich qui s’est créé une nouvelle identité. Cependant, l’inspecteur Wilson est sur sa piste.

Sujet à réflexion
Oubliez les mensonges. Pendant un certain temps, vous pouvez ressentir un certain ennui, peur ou manque de motivation : tandis que ce qui est faux disparaît, il faut du temps pour que ce qui est réel s’impose. Il y aura une période de transition. Laissez-la se produire, et tenez bon. Tôt ou tard vos masques tomberont, les faussetés se dissoudront, et votre vrai visage apparaîtra.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : espagnol, français, allemand, italien, portugais

REGARDER MAINTENANT

🕶️ Nuances de Noir : Explorez l’Obscurité

Noir n’est pas seulement un genre ; c’est un état d’esprit. C’est le style qui a appris au cinéma à trouver la beauté dans les ombres, le cynisme et la défaite. Mais l’esthétique noir — faite de rues mouillées, d’anti-héros et de moralité ambiguë — a contaminé presque tous les autres types de films policiers. Si vous voulez suivre les traces laissées par le « genre sombre » dans d’autres directions, voici nos guides essentiels.

Néo-Noir & Crime Indépendant (La Plateforme)

Le noir est né comme des « B-movies » : petits budgets, histoires fortes et grand style. Le cinéma indépendant contemporain est l’héritier naturel de cette tradition. Si vous cherchez des histoires troubles, des thrillers psychologiques, et des visions qui n’ont pas peur de l’obscurité, voici votre sélection.

👉 PARCOURIR LE CATALOGUE : Regarder des Films Noir & Policier en Streaming

Films Thriller

Le noir repose sur la fatalité, le thriller sur le suspense. Souvent, les deux genres se mêlent. Si vous cherchez des films où la tension psychologique, les rebondissements et la peur sont les protagonistes absolus, mais avec un rythme plus moderne et serré que les classiques, voici la bonne liste.

👉 ACCÉDER À LA LISTE : Films Thriller

Films Policier

Dans le Noir classique, le détective est souvent un privé solitaire en marge de la loi. Le genre Policier déplace l’action à l’intérieur du commissariat : procédures, enquêtes d’équipe, et la lutte (souvent frustrante) pour maintenir l’ordre dans le chaos urbain. Découvrez l’autre face de l’enquête.

👉 ACCÉDER À LA LISTE : Films Policier

Films de Gangsters

Le protagoniste du Noir est souvent une victime des événements ou un loup solitaire. Dans le film de Gangsters, le crime devient affaire, famille et guerre de territoire. Si vous voulez voir l’ascension et la chute des chefs qui règnent sur ces mêmes rues sombres, entrez dans le monde du crime organisé.

👉 ACCÉDER À LA LISTE : Films de Gangsters

Films Cultes

L’esthétique du Noir a influencé tout : de la science-fiction (Blade Runner) à l’horreur, jusqu’au cinéma postmoderne. Ici, vous trouverez les films légendaires qui ont pris les leçons de style du passé pour en faire des icônes de la culture pop.

👉 ACCÉDER À LA LISTE : Films Cultes

🕵️‍♂️ Film Noir Classique

Noir n’est pas né en couleur. Il est l’enfant de la guerre, de la désillusion et des longues ombres des villes industrielles. Dans ces films, il n’y a pas de héros inoxydables, seulement des hommes fatigués qui ont pris un mauvais tournant et des femmes fatales fumant dans une lumière tamisée. Du cynisme de Humphrey Bogart aux angles de caméra inclinés d’Orson Welles, voici les chefs-d’œuvre qui ont inventé le langage de l’obscurité et défini l’archétype du héros moderne anti-héros.

Angels with Dirty Faces – 1938

Jimmy Cagney, Pat O’Brien, et Humphrey Bogart tiennent les rôles principaux dans ce chapitre révolutionnaire du cinéma noir, une histoire qui explore la moralité à travers la vie de deux amis d’enfance dont les chemins divergent mais finissent par se croiser. En tant que jeunes délinquants à Hell’s Kitchen, le personnage de Cagney, Rocky, prend la chute pour un crime impliquant un braquage de train, sacrifiant son avenir pour sauver son ami Jerry (O’Brien), qui parvient à s’enfuir. Des années plus tard, Rocky se retrouve de nouveau dans une vie de crime, cette fois accompagné de son nouveau partenaire, l’avocat Bogart.

Ce qui différencie Angels With Dirty Faces de ses pairs mafieux précédents et précis (par exemple, The Public Enemy) est un fil psychologique et rédempteur, en plus de se concentrer sur les forces, tant externes qu’internes, qui influencent le destin des personnages. Une conscience sociale et même une interrogation sur soi-même élèvent ce qui, entre des mains moins habiles que celles de Michael Curtiz, serait sûrement du mélodrame.

Lady Gangster – 1942

Lady Gangster est un film policier américain de B movie de 1942 réalisé par Robert Florey et mettant en vedette Faye Emerson, Julie Bishop et Frank Wilcox.

Le film est basé sur la pièce Gangstress, or Women in Prison de Dorothy Mackaye, qui en 1928, sous le numéro #440960, a purgé moins de dix mois d’une peine de un à trois ans à la prison d’État de San Quentin. La pièce avait déjà été adaptée dans le film de 1933 Ladies They Talk About.

Dorothy « Dot » Burton (Emerson) est une jeune femme qui s’implique dans un braquage de banque avec son petit ami, Carey Wells (Roland Drew). Dot est le leurre, et elle utilise son charme pour distraire le garde de la banque pendant que Wells et les autres braqueurs entrent et volent l’argent. Le braquage tourne mal, et Dot est arrêtée.

Scarlet Street

Maintenant disponible

Thriller, de Fritz Lang, États-Unis, 1945.
Lang reprend le casting et le triangle ambigu de "La Femme au portrait" et réalise l'un de ses meilleurs films, racontant une histoire de culpabilité et de dégradation. Un cadre supérieur de banque, Christopher Cross, a une épouse insupportable et un seul passe-temps : la peinture. Un jour, il rencontre une femme, Kitty, qui commence à l'exploiter en découvrant que les tableaux que le caissier peint peuvent se vendre à bon prix.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais

REGARDER MAINTENANT

Dark Mountain – 1944

Dark Mountain est un film noir américain de 1944 réalisé par William Berke et mettant en vedette Robert Lowery, Ellen Drew et Regis Toomey.

Le film est un exemple classique du genre film noir, avec son cadre sombre et atmosphérique, ses personnages cyniques et son accent sur le crime et la violence. L’histoire suit Don Bradley (Robert Lowery), un garde forestier au cœur brisé lorsque Kay Downey (Ellen Drew), la femme qu’il aime, épouse Steve Downey (Regis Toomey), un homme d’affaires prospère. Cependant, Kay découvre bientôt que Steve est en réalité un mafieux, et elle se retrouve piégée dans une situation dangereuse et mortelle.

Le film est bien réalisé et plein de suspense, et les performances sont solides. Robert Lowery est particulièrement bon dans le rôle de Don, le garde forestier honorable et déterminé qui se retrouve pris dans un réseau de corruption et de violence. Ellen Drew est également efficace dans le rôle de Kay, la femme prise entre deux mondes.

Gambler’s Choice – 1944

C’est un autre film réalisé par Maxwell Shane (Fear in the Night, Dark Mountain). Il va sans dire qu’il a réalisé de nombreux films noirs. Ce n’est pas parmi les films noirs les mieux notés, mais la plupart des critiques de cinéma lui ont attribué une note raisonnable.

En 1897, trois jeunes hommes, Ross Hadley, Mike McGlennon, ainsi que Mary Rogers, sont présentés devant un juge pour avoir volé le portefeuille d’un homme. McGlennon et Rogers sont sans antécédents, ils sont donc confiés à leurs parents. Hadley, en revanche, est envoyé dans une école de réforme.

Bluebeard – 1944

Ce film noir a été réalisé par Edgar G. Ulmer (Detour, Strange Illusion) et met en vedette John Carradine (The Ten Commandments, Stagecoach). Plus tard, l’acteur l’a qualifié de film avec son personnage préféré.

Tout Paris est terrifié par les meurtres attribués à « Barbe Bleue ». La modiste Lucille (Jean Parker) est présentée à Gaston Morrell (John Carradine), marionnettiste et peintre, par son amie proche. Ils sont attirés l’un par l’autre, elle accepte donc la mission de concevoir des vêtements pour ses créatures.

Chez lui, Morrell confronte une Renée jalouse (Sonia Sorel), qui joue dans le spectacle de marionnettes de Morrell et est aussi une de ses admiratrices. Lorsqu’elle demande ce qu’il est advenu des plans qu’elle lui avait présentés, il l’étouffe puis jette son corps dans la Seine.

Dangerous Passage – 1944

Avec un scénario de Daniel Mainwaring (Out of the Past, Invasion of the Body Snatchers), ce film noir vaut absolument le détour. Robert Lowery (Batman and Robin) tient le rôle principal dans ce film. 

Joe Beck (Robert Lowery), employé d’une compagnie pétrolière, se trouve dans la jungle hondurienne. Lorsque son grand-père meurt au Texas, il hérite de 200 000 $. Dans un port voisin, il rencontre l’exécuteur testamentaire, l’avocat Daniel Bergstrom (Charles Arnt), pour recevoir la nouvelle, mais lorsqu’il doit retourner dans la jungle, il est suivi par un homme engagé par l’avocat, qui tente de l’assommer. Joe s’occupe plutôt de tuer l’homme et monte à bord d’un navire dans le port.

Gaslight – 1944

Contrairement à d’autres noirs, Gaslight est une histoire d’époque, située à l’ère édouardienne, et réitère l’idée effrayante que le mal peut émerger non seulement d’un environnement urbain corrompu inhérent au genre, mais aussi d’un contexte domestique. Comme le méchant du film, Charles Boyer offre une performance fascinante et glaçante qui correspond parfaitement à la caractérisation changeante de Bergman.

La célèbre cantatrice Alice Alquist a été tuée dans sa résidence au 9 Thornton Square, Londres. Le meurtrier laisse les précieux bijoux pour lesquels il l’a tuée après que la petite-fille d’Alice, Paula, âgée de 14 ans, l’ait surprise. Alice avait élevé Paula après la mort de sa mère. Paula fut ensuite envoyée en Italie pour devenir actrice.

Des années plus tard, Paula adulte rencontre et épouse Gregory Anton. À l’insistance de Gregory, Paula retourne à Londres, où elle n’a pas de bons amis, pour résider dans la maison londonienne de sa tante longtemps absente. Pour apaiser l’anxiété de Paula liée au souvenir du meurtre féroce de sa tante, Gregory suggère de garder les vieux meubles d’Alice dans le grenier.

A Better Life

Maintenant disponible

Drame, thriller, par Fabio Del Greco, Italie, 2007.
Rome : Andrea Casadei est un jeune enquêteur spécialisé dans l'écoute téléphonique qui mène des enquêtes commandées par des maris trompés par leurs épouses, ou par des parents inquiets de ce que leurs enfants font en dehors de la maison. Mais ce qui l'intéresse le plus, c'est de comprendre l'âme humaine, d'écouter les conversations fortuites dans les rues, de savoir ce que les gens pensent. Il rencontre souvent sur la Piazza Navona son ami Gigi, un artiste de rue frustré obsédé par le succès à tout prix, avec qui il partage une passion pour l'écoute téléphonique. Choqué par le mystère de la disparition de Ciccio Simpatia, un autre artiste de rue ami commun, Andrea décide d'abandonner les travaux commandés pour chercher une vie meilleure et réfléchir sur sa propre existence et celle des autres. Il rencontrera l'actrice Marina et, grâce à un micro, il entrera lentement dans sa vie jusqu'à découvrir ses secrets les plus impensables. Le film traite d'un thème important de la société occidentale contemporaine : le manque d'amour. La figure mystérieuse et tourmentée de Marina se reflète dans une Rome sombre et sans âme.

Le réalisateur Fabio Del Greco a déclaré à propos de son film : « Peut-être que ce film est une réflexion sur l'art d'observer, d'écouter, en somme, sur ce que l'on fait quand on quitte le monde réel pour en parler. Peut-être veut-il parler de la relation subtile entre les mirages du succès vantés par la société d'aujourd'hui, le pouvoir et les relations humaines les plus authentiques. Un 'nuage sombre' plane sur la ville : il engloutit tout le monde dans une sorte de masse indistincte et uniforme, où tout le monde pense les mêmes choses, où tout le monde est plus seul. Où est la partie la plus vraie qui nous rend uniques ? Peut-être peut-on essayer de l'intercepter seulement en secret. »

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais, néerlandais.

REGARDER MAINTENANT

The Great Flamarion – 1945

Comme beaucoup de films noirs, ce film présente une histoire qui commence par un meurtre puis offre un flashback sur les événements qui ont conduit au crime. The Great Flamarion a été réalisé par Anthony Mann, un réalisateur assez respecté tout au long du mouvement film noir. 

Le film s’ouvre après un meurtre dans un cabaret de Mexico en 1936 ; un coup de feu est entendu, mais le corps de la victime (Connie) a en réalité été étranglé. La police arrête le mari de la dame, supposant qu’il est le meurtrier. Flamarion, qui a été blessé par balle, est le tueur et explique à un machiniste pourquoi il a tué Connie dans un flashback. Le grand Flamarion (Erich von Stroheim) est un tireur d’élite égoïste, sans amis et misogyne sur le circuit du vaudeville.

Strange Illusion – 1945

Strange Illusion est un thriller mystérieux de 1945 réalisé par Edgar G. Ulmer et mettant en vedette Albert Dekker, Nancy Kelly et John Carradine. Il est basé sur une histoire de Cornell Woolrich.

Le film suit Paul Cartwright (Dekker), un étudiant universitaire hanté par des cauchemars dans lesquels un étranger sinistre prétend être son nouveau père. Lorsque le père de Paul, un juge éminent, meurt dans un mystérieux accident de train, les soupçons de Paul grandissent. Il croit que l’étranger de ses rêves est responsable de la mort de son père et qu’il essaie maintenant de conquérir sa mère veuve, Lydia (Kelly).

Paul devient de plus en plus obsédé par ses soupçons, et il commence à s’aliéner ses amis et sa famille. Il se met à suivre l’étranger et à enquêter sur son passé, mais il ne découvre que davantage de mystères. Alors que la santé mentale de Paul commence à vaciller, il devient convaincu que l’étranger est un meurtrier et qu’il tuera Lydia s’il en a l’occasion.

Si vous avez apprécié Detour, vous pourriez vouloir découvrir un autre film noir classique réalisé par Edgar G. Ulmer. Bien que ce film ne soit pas aussi largement connu que ses autres œuvres, certains critiques louent Strange Illusion comme l’un de ses meilleurs films. 

L’Étrange Amour de Martha Ivers – 1946

Non seulement Barbara Stanwyck (Assurance sur la mort, La Dame du vendredi) joue dans ce film noir, mais c’est aussi les débuts d’acteur de Kirk Douglas. Réalisé par Lewis Milestone (À l’Ouest, rien de nouveau, Des souris et des hommes), ce film est largement considéré comme un exemple de haute qualité du mouvement noir.

Par une nuit pluvieuse en 1928, dans une communauté ouvrière d’une usine en Pennsylvanie appelée Iverstown, Martha Ivers, 13 ans, tente de s’échapper de la protection de sa riche et méprisable tante, Mme Ivers, avec son ami Sam Masterson. Elle est capturée et ramenée chez elle. Réprimandée par sa tante, Martha déclare avec défi que son nom n’est pas Ivers, mais Smith, le nom de son père.

Shock – 1946

Réalisé par Alfred L. Werker (Il marcha dans la nuit) et avec Vincent Price dans le rôle principal, ce film noir est relativement bien noté. Alors que certains critiques de cinéma ont reproché les représentations de la maladie mentale dans le film, d’autres ont été très satisfaits de sa qualité. 

Une jeune femme nommée Janet Stewart attend l’arrivée de son mari, ils ont prévu de se retrouver dans un hôtel. Pendant son service militaire, il a été présumé mort, mais il était prisonnier de guerre. Cependant, son transfert de réservation n’est jamais arrivé. Le personnel, après avoir entendu son histoire, accepte de lui fournir une chambre pour la nuit. Troublée, elle ne trouve pas le repos. Elle entend une dispute et se dirige vers la fenêtre de la terrasse de la maison où elle voit un garçon frapper sa femme avec un chandelier. La femme est tuée.

Ils Ont Fait de Moi un Tueur – 1946

Ils Ont Fait de Moi un Tueur est un film policier américain de 1946 réalisé par William C. Thomas et mettant en vedette Robert Lowery, Barbara Britton et Lola Lane.

Le film est un exemple classique du genre B-movie, avec son faible budget et son intrigue simple. Cependant, c’est aussi un film plein de suspense et divertissant qui plaira sûrement aux amateurs du genre.

Le film suit Tom Durling (Lowery), un mécanicien contraint de devenir le chauffeur de fuite lors d’un braquage de banque. Lorsque le braquage tourne mal, Tom est accusé à tort de meurtre et poursuivi par la police. Il est finalement innocenté de toutes les charges, mais sa vie est ruinée.

Le film est une fable morale sur les dangers de s’impliquer dans le crime. Il montre comment même des personnes innocentes peuvent être entraînées dans le monde criminel et voir leur vie détruite.

Le film est bien réalisé et plein de suspense, et les performances sont solides. Robert Lowery est particulièrement bon dans le rôle de Tom Durling, le mécanicien accusé à tort. Barbara Britton est également efficace dans le rôle de Betty Reynolds, la sœur de l’homme tué lors du braquage.

Le Verdict – 1946

Le premier film de Don Siegel, Le Verdict met en vedette deux as du jeu d’acteur : Peter Lorre et Sydney Greenstreet. Siegel aurait pu tourner le film et styliser sa mise en scène comme il le voulait, et rien de tout cela n’aurait vraiment importé tant qu’il gardait ses deux têtes d’affiche au casting. Le film leur est entièrement dédié, tant du point de vue narratif que de l’expérience visuelle.

Lorre reste en marge de la narration, tandis que Greenstreet occupe toujours le centre du cadre. Ils forment un duo amusant d’anti-héros tentant de réhabiliter le surintendant déshonoré de Scotland Yard incarné par Greenstreet, lorsqu’un garçon innocent est envoyé à la potence à cause de son enquête ratée, tandis que Siegel plonge le récit dans un style noir et un humour noir.

Ma Brune Préférée – 1947

Ma Brune Préférée est un film noir de 1947, réalisé par Elliott Nugent et mettant en vedette Bob Hope ainsi que Dorothy Lamour. Le film présente Lon Chaney, Jr. dans le rôle de Willie, Peter Lorre en Kismet, une version comique de ses nombreux rôles dans des films noirs.

L’histoire est racontée en flashbacks depuis le couloir de la mort, alors que Ronnie Jackson (Bob Hope) raconte à un groupe de journalistes les événements qui ont conduit à sa condamnation pour meurtre. Ronnie est un photographe de San Francisco qui rêve d’être un véritable détective privé comme son voisin Sam McCloud.

La Femme Déshonorée – 1947

La Femme Déshonorée est un film noir américain de 1947, un thriller mystérieux réalisé par Robert Stevenson et mettant en vedette Hedy Lamarr, Dennis O’Keefe, et John Loder. Adapté du roman éponyme de Leslie Charteris, il raconte l’histoire de Madeleine Damien, une belle rédactrice artistique au passé trouble, entraînée dans une toile de chantage et de meurtre.

Madeleine Damien est une éditrice d’art prospère et respectée dans un magazine haut de gamme. Cependant, son passé est hanté par un scandale dans lequel elle a été accusée d’adultère. Aujourd’hui, des années plus tard, elle est victime de chantage de la part de Jack Garet, un ancien amant qui menace de révéler son secret à moins qu’elle ne cède à ses exigences.

Madeleine refuse d’abord de céder aux demandes de Garet, mais il est implacable et finit par menacer sa vie. Désespérée, elle se tourne vers Victor Kranish, son patron et éditeur, pour obtenir de l’aide. Kranish accepte de l’aider, mais il a ses propres motivations cachées.

Alors que Madeleine s’enlise dans la toile de chantage et de meurtre tissée par Garet, elle commence à douter de sa propre santé mentale. Elle commence à voir des visions de son passé et devient paranoïaque, convaincue que tout le monde est contre elle.

Le film est un thriller atmosphérique et plein de suspense avec une fin surprenante. C’est un exemple classique du genre film noir, avec sa cinématographie sombre et ombragée, ses personnages cyniques et son accent sur le suspense psychologique. Le film est également remarquable pour la performance de Hedy Lamarr dans le rôle de Madeleine, qui livre une interprétation complexe et nuancée.

Big Town After Dark – 1947

Big Town After Dark est un film policier américain de 1947 réalisé par William C. Thomas et mettant en vedette Phillip Reed, Hillary Brooke et Richard Travis. C’était le troisième d’une série de quatre films basés sur la longue émission radiophonique Big Town.

Le film suit Jack Packard, un journaliste d’investigation engagé, alors qu’il enquête sur un réseau de jeux d’argent dirigé par la mafia. Il est aidé par Lorelei Kilbourne, une belle femme également déterminée à dénoncer ce réseau. Ensemble, ils découvrent un réseau de corruption qui atteint les plus hauts niveaux du gouvernement municipal.

Le film est un thriller plein de suspense et d’action avec un réalisme brut. C’est un exemple classique du genre film noir, avec sa cinématographie sombre et ombragée, ses personnages cyniques et son accent sur le crime et la violence. Le film est également notable pour son utilisation de séquences oniriques, qui explorent l’état mental dégradant de Packard.

Le Baiser de la mort – 1947

Existe-t-il un psychopathe dans la galerie des voleurs du film noir qui frappe avec la même peur immédiate et choquante que Tommy Udo ? Le sourire de loup de Richard Widmark est peut-être le seul aspect de Le Baiser de la mort qui compte vraiment. Sans lui, bien sûr, Henry Hathaway reste solide, mais la performance d’Oscar de Widmark donne à l’ensemble du projet une importance particulière. C’est un méchant inoubliable, probablement sous-estimé en raison de l’exigence d’une fin heureuse. Telle est la vie, qui doit se plier aux règles du cinéma.

La veille de Noël, le malheureux ex-détenu Nick Bianco et ses trois complices cambriolent une bijouterie. Avant qu’ils ne puissent quitter les lieux, cependant, le propriétaire blessé déclenche l’alarme. En tentant de s’échapper, Nick attaque un agent des forces de l’ordre mais est blessé et arrêté.

L’assistant du procureur Louis D’Angelo tente d’encourager Nick à révéler ses complices. Confiant que ses complices et son avocat, Earl Howser, prendront soin de sa femme et de ses deux jeunes filles pendant son incarcération, Nick est également prêt à purger une peine de 20 ans. Trois ans plus tard, à la prison de Sing, après que sa femme n’a pas été vue depuis trois mois, Nick découvre qu’elle s’est suicidée.

Lady in the Lake – 1947

Quarante ans avant que The Blair Witch Project ne popularise le concept d’un film se distinguant par le point de vue de la caméra, l’acteur/réalisateur Robert Montgomery y apporte une touche originale avec Lady in the Lake, son adaptation des enquêtes de Philip Marlowe de Raymond Chandler. Le film mérite assurément d’être vu, ne serait-ce que pour témoigner de la grande audace et de l’ingéniosité de Montgomery.

Fatigué par la baisse de ses honoraires, le détective privé de Los Angeles Phillip Marlowe présente une histoire de meurtre à Kingsby Publications. Il est invité à la maison d’édition pour revoir son travail, mais il se rend vite compte qu’il ne s’agit que d’un résumé. Quelques jours avant Noël, la directrice éditoriale Adrienne Fromsett l’engage pour retrouver Chrystal Kingsby, l’épouse de son employeur, Derace Kingsby. Un mois plus tôt, l’épouse de Kingsby avait en effet envoyé un télégramme à son mari annonçant qu’elle se rendrait au Mexique pour se séparer de lui et épouser un garçon nommé Chris Lavery.

T-Men – 1947

Bien qu’il ne mette en avant aucune star notable ni une histoire particulièrement originale, le film est connu pour sa cinématographie inventive, Mann et le directeur de la photographie John Alton ayant décidé de tourner plusieurs scènes en extérieur à Detroit puis à Los Angeles, ce qui a nécessité une certaine créativité dans l’utilisation des lumières. Ce souci du réalisme renforce le style film noir que nous aimons tous.

L’histoire met en scène deux agents du Trésor américain (« T-men ») qui infiltrent Detroit puis Los Angeles dans une tentative de démanteler un réseau de contrefaçon monétaire. Les agents essaient de rejoindre le gang en se faisant passer pour des faussaires en dehors de la communauté. Ils finissent par s’infiltrer dans le gang, mais les risques sont encore plus grands lorsqu’un d’eux est tué par le gang tandis que l’autre agent infiltré assiste horrifié à la scène.

Key Largo – 1948

Le quatrième et dernier film associant Humphrey Bogart et Lauren Bacall ne se classe pas au même niveau que leurs autres couples à l’écran : la véritable danse ici se joue entre Bogie et Edward G. Robinson. On y voit les rues typiques du film noir avec les environs côtiers de la Floride, aussi claustrophobes et oppressants que la pression barométrique qui baisse. Seules les scènes d’ouverture du film ont été tournées en extérieur, le cadre exotique et le temps renforcent l’isolement à un niveau extrême.

Le vétéran de l’armée Frank McCloud arrive à l’hôtel Largo à Key Largo, en Floride, pour voir la famille de George Temple, un ami qui s’était porté volontaire pour travailler pour lui et qui a été éliminé plusieurs années auparavant. Il rencontre d’abord Nora, la veuve de Temple, et son père James, propriétaire de la station.

Alors que la saison des vacances d’hiver est pratiquement terminée et qu’une tempête approche, la station ne compte que 6 clients : la vive Toots, le grossier Curly, le grincheux Ralph, le serviteur Angel, la séduisante mais alcoolique mûre Gaye Dawn, ainsi qu’un sixième homme qui reste reclus dans son espace. Les visiteurs prétendent être dans les Keys de Floride pour la pêche.

Inner Sanctum – 1948

C’est un film basé sur la série radio, livre et film appelée Inner Sanctum Mystery. Contrairement aux films précédents avec Lon Chaney Jr (The Wolf Man, The Mummy’s Tomb), ce film ne mettait pas en vedette beaucoup de stars notables. Le film suit un meurtrier qui s’échappe et se cache dans un village. Au fil de l’histoire, un garçon partageant son espace avec l’étranger réalise qu’il est un tueur.

Le récit se déroule à bord d’un train de nuit, où une femme élégamment vêtue nommée Eve Miller rencontre un passager mystérieux, un homme connu sous le nom de Fritz Leiber, Sr. À sa grande surprise, elle découvre qu’elle peut prédire chaque secousse, bosse et moment d’obscurité avant qu’ils ne se produisent, bien que l’étranger insiste sur le fait qu’il n’a jamais voyagé sur ce train auparavant. Il semble posséder une forme unique de clairvoyance.

Hollow Triumph – 1948

C’est l’un des titres les plus populaires. Le film a été réalisé par Paul Henreid (Casablanca). Henreid n’a pas été crédité comme réalisateur de Hollow Triumph, qui fut pratiquement ses débuts à la réalisation. Il réalisera ensuite Live Fast, Die Young, ainsi que 28 épisodes d’Alfred Hitchcock Presents. 

Tout juste sorti de prison, John Muller (Paul Henreid) organise un braquage dans un tripot interdit dirigé par Rocky Stansyck (Thomas Browne Henry). Le raid tourne mal et ils capturent plusieurs hommes de Muller, puis les forcent à identifier les autres avant de les éliminer.

Stansyck a la réputation de traquer et d’éliminer ses ennemis, peu importe le temps que cela prend, alors Muller décide de se cacher. Il accepte un poste de bureau conseillé par son frère, Frederick (Eduard Franz), mais il réalise rapidement que travailler pour gagner sa vie n’est pas fait pour lui.

Million Dollar Weekend – 1948

Ce film a reçu plus de critiques positives que négatives. Ce fut le seul film réalisé par Gene Raymond, qui a ensuite eu une excellente carrière à la télévision. Charles Belden (House of Wax) a écrit le scénario. 

Le financier Nicholas Lawrence (Gene Raymond) en a en fait assez de sa vie monotone à Los Angeles et décide un jour de s’enfuir, volant des espèces et des valeurs mobilières de son entreprise d’une valeur d’environ un million de dollars. Il achète un billet d’avion pour Shanghai via Honolulu. Cynthia Strong (Osa Massen, créditée comme Stephanie Paull) assiste aux funérailles de son époux. Après la cérémonie, elle se rend directement à l’aéroport et achète un billet.

Alors que Cynthia se penche en arrière dans son siège, elle est surprise lorsqu’un homme qu’elle reconnaît, nommé Alan Marker (Francis Lederer), s’approche d’elle et affirme l’avoir vue tuer son époux. Pen veut la moitié de l’argent de l’assurance-vie pour garder le silence, mais Cynthia rejette sa demande. Si elle veut lui donner l’argent, Marker lui dit qu’elle a jusqu’à une heure après l’atterrissage de l’avion à Honolulu pour choisir.

Force of Evil – 1948

Un favori de Martin Scorsese, Force of Evil raconte l’histoire d’un avocat qui s’implique avec un grand mafieux voulant prendre le contrôle de tous les petits rackets. Le problème ? L’un de ces rackets est dirigé par le frère aîné de l’avocat.

À l’instar de T-Men, le film fait un usage fantastique de la capture d’images sur le vif. Parfois, les thèmes familiers du film et son écriture stylisée contribuent à élever le conflit à un niveau presque shakespearien (ou biblique, compte tenu de la fréquence à laquelle il fait allusion à l’histoire de Caïn et Abel). Bien que de taille plutôt modeste, Force of Evil réussit son objectif de communiquer des idées vastes et ambitieuses.

Too Late For Tears – 1949

Réalisé par Byron Haskin (La Guerre des mondes, Robinson Crusoé sur Mars) et basé sur un scénario de Roy Huggins (The Fugitive, The Rockford Files), ce film noir met en scène une femme fatale prête à tout pour garder l’argent qu’elle a volé. 

Jane et Alan Palmer ont la chance de mettre la main sur un sac plein d’argent. Ils examinent le sac à Union Station alors qu’ils décident de le garder ou de le remettre aux autorités. Danny Fuller se présente à l’appartement de Palmer pendant qu’Alan part travailler, demande de l’argent à Jane et la menace.

Obsession – 1949

Le film n’est pas du tout délicat. Obsession est l’un des noirs classiques les plus inquiétants, mauvais et à combustion lente. Newton est un personnage effrayant, et Dmytryk maintient un suspense tel que même la dissonance de la comédie ne brise pas le charme insidieux du film.

Clive Riordan, un riche psychiatre londonien, apprend que sa partenaire Storm le trompe avec un Américain, Bill Kronin. Il décide de se venger brillamment des deux en commettant le meurtre parfait de Kronin.

Tension – 1949

Tension, bien que moins reconnu parmi les titres moins connus du film noir, met en lumière la performance impressionnante d’Audrey Totter alors qu’elle explore les thèmes des rôles de genre et du désenchantement d’après-guerre. Bien que le film manque des images iconiques associées aux contemporains de John Berry, il offre une exploration significative de l’identité masculine américaine.

Le lieutenant de l’homicide Collier Bonnabel n’a qu’une seule méthode pour mener une enquête : faire pression sur tous les suspects, jouer sur leurs forces et faiblesses, jusqu’à ce que le stress s’installe entre eux. Puis il évoque une affaire de meurtre impliquant Warren Quimby.

The Asphalt Jungle – 1950

Une séquence de cambriolage habilement mise en scène fait partie des points forts de John Huston, une inspiration notable pour les films Ocean’s 11 et The Hyenas. Ce qui le distingue définitivement du domaine du noir, cependant, c’est une préférence de la censure pour le sombre et impitoyable, un paysage urbain beaucoup plus étouffant et désolé.

Le criminel Doc Reidenschneider (nommé aux Oscars Sam Jaffe) rassemble une équipe de voyous endurcis pour cambrioler un coffre de bijoux fantaisie. Parmi les compagnons de Jaffe se trouvent Sterling Hayden dans le rôle du petit voleur Dix, Louis Calhern en avocat corrompu, et aussi, en tant que maîtresse de ce dernier, une actrice inconnue et novice nommée Marilyn Monroe. Le réalisateur John Huston a évité certains des artifices du genre pour une technique plus naturaliste tout en limitant les pistes musicales. Les dialogues sont à la fois vifs et réalistes.

DOA – 1950

Après avoir travaillé sur des films tels que Vampyr et Foreign Correspondent d’Hitchcock en tant que directeur de la photographie, Rudolph Maté a finalement eu l’occasion de réaliser ses propres films à la fin des années 1940, et celui-ci est l’un de ses films les plus extraordinaires.

Une séquence d’ouverture montre Frank Bigelow marchant dans le long couloir d’un commissariat pour signaler son propre meurtre. Bigelow est un comptable professionnel et notaire de Banning, Californie, qui choisit de partir en vacances à San Francisco. Il finit dans une boîte de nuit où, à son insu, un parfait inconnu échange son verre contre un autre.

Quicksand – 1950

Avec Mickey Rooney (Breakfast at Tiffany’s) et aussi Peter Lorre (Le Faucon maltais, Casablanca), ce film regroupe de nombreux tropes classiques du film noir, incluant une histoire de criminels, de femmes fatales, et plus encore.

Dan Brady (Mickey Rooney), un jeune mécanicien automobile en Californie, vole 20 $ dans le registre des ventes pour payer un rendez-vous avec la blonde femme fatale Vera Novak (Jeanne Cagney), qui travaille dans un restaurant voisin. Dans un plan pour rembourser les 20 $ qu’il a pris, Dan décide de verser seulement un dollar comme acompte dans une boutique de bijoux fantaisie pour une montre à 100 $. 

Femme en fuite – 1950

Ce film met en vedette Ann Sheridan (Angels With Dirty Faces) ainsi que Dennis O’Keefe (Brewster’s Millions). Un véhicule s’arrête à proximité : Frank Johnson est un peintre raté qui promène son chien une nuit. À l’insu de Frank, un homme dans la voiture, un homme d’âge moyen avec un accent irlandais, tente de faire chanter le conducteur.

L’homme garantit qu’il ne révélera pas les liens du conducteur avec Freeman en échange d’argent. Frank entend un coup de feu alors que le criminel en herbe est poussé hors de la voiture. Le garçon blessé implore la pitié avant que le conducteur du véhicule ne le tue d’une seconde balle. Le meurtrier aperçoit alors Frank caché dans l’ombre.

Borderline – 1950

Bien que ce ne soit peut-être pas un film noir très apprécié ou connu, il présente les performances de quelques excellentes stars à leur apogée. Fred MacMurray (Double Indemnity, The Apartment) et Raymond Burr (Fenêtre sur cour, Godzilla) jouent dans ce titre peut-être sous-estimé. 

Pete Ritchie (Raymond Burr) dirige un trafic de drogue vers les États-Unis depuis le Mexique, que le département de police de Los Angeles et même le gouvernement fédéral américain ont tenté de démanteler sans succès. Les autorités américaines n’ont également pas réussi à localiser ses sources ou ses clients et n’espèrent pas de percée en raison des opérations prudentes de Ritchie. En dernier recours, Madeleine Haley (Claire Trevor), une officier du LAPD, est secrètement envoyée au Mexique.

La Seconde Femme – 1950

Ce film n’est pas particulièrement connu, mais il a reçu de bonnes critiques au fil des années depuis sa sortie. Il a été annoncé comme la suite de Rebecca, qui est certainement l’un des films noirs les plus efficaces jamais réalisés.

Ce thriller psychologique raconte l’histoire de Jeff Cohalan (Young). C’est un ingénieur hanté depuis que sa future épouse, Vivian Sheppard, a été tuée dans un accident de voiture improbable la veille de leur mariage. Se reprochant sa mort, Cohalan passe son temps seul, pleurant la maison sur la falaise qu’il avait créée pour sa future épouse.

L’Homme Qui Se Trahit – 1950

C’est l’un des titres les mieux accueillis à sa sortie. Lee J. Cobb (12 Angry Men, The Exorcist) incarne le détective qui tente de réparer un crime odieux. À l’époque, les dirigeants du studio hésitaient à distribuer ce film en raison de son interprétation précédente de Willy Loman dans Mort d’un commis voyageur à Broadway.

La riche mondaine Lois Frazer, qui se sépare de son époux intéressé, Howard, trouve une arme qu’il a prise. Elle l’élimine avec devant le nouvel homme de sa vie, le lieutenant Ed Cullen, un détective de San Francisco. Lois, mariée deux fois, parvient à contrôler Cullen en lui faisant se débarrasser de l’instrument du meurtre et en déplaçant le corps.

Le Bruit et la Fureur – 1950

La conscience sociale, un style récurrent en arrière-plan du noir, rencontre le côté choquant de la politique nationale dans le film moins connu de Cy Endfield, tiré directement des gros titres. Comme The Wrong Man, Le Bruit et la Fureur prétend être basé sur des faits réels. Entre les mains d’Endfield, l’histoire devient une enquête déconcertante sur les dispositions américaines à prendre les choses en main.

Contrairement à de nombreux méchants, Howard Tyler de Frank Lovejoy fait de mauvaises choses pour de très bonnes raisons. C’est un homme marié qui est tombé en disgrâce. Endfield cite sa culpabilité, mais avec la vision du monde compliquée du noir, il peut critiquer le manque de compassion sociale qui l’accompagne vers un échec disproportionné à son crime. Ce que le film manque en style, il le compense par une émotion brute.

Gun Crazy – 1950

Parmi tous les films de cette liste, Gun Crazy de Joseph H. Lewis est peut-être le point de départ le plus efficace pour ceux qui cherchent à se rapprocher du genre noir. Plus que tout autre film noir de n’importe quelle époque, Gun Crazy vous fait comprendre pourquoi les gens regardent des noirs, pourquoi l’élément criminel a un attrait étrangement romantique.

Le film est réalisé avec un savoir-faire de haut niveau : la séquence de cambriolage dans une institution financière est filmée de manière époustouflante. Les hommes font toutes sortes de choses folles au nom de l’amour.

The Prowler – 1951

The Prowler de Joseph Losey s’approche le plus du style absolument hitchcockien. C’est sombre et inquiétant, le genre de film qui semble tout droit sorti de la toile des comics pulp ; c’est un excellent épisode de Tales From the Crypt, extrêmement macabre. Que se passe-t-il lorsque le charme s’empare de vous ?

Que se passe-t-il lorsque vous commencez lentement à vous transformer et à dépérir en la variation la plus terrible de vous-même, tout cela pour obtenir les bonnes idées dans la vie que vous pensez avec arrogance mériter ? Dans The Prowler, la police cupide et meurtrière incarnée par Van Heflin est bouleversée par ses propres intrigues. Une grande leçon de vie sur la cupidité.

Angel Face – 1952

Certains noirs vous captivent dès les deux premières minutes et ne vous lâchent pas même après le générique. Angel Face n’en fait pas partie. C’est un film calculé et réfléchi qui a une destination en tête et ne craint pas de prendre le temps pour y arriver. C’est un film d’Otto Preminger, minimaliste, peut-être pas l’un de ses films les plus populaires. Il vaut néanmoins votre temps. C’est un film qui surprend continuellement jusqu’au climax final. C’est une histoire d’amour folle entre Robert Mitchum et Jean Simmons. Ne laissez pas l’apparente lenteur vous faire reculer. Le calme contribue aux plaisirs les plus sombres du film.

Frank Jessup (interprété par Robert Mitchum) gagne sa vie en conduisant une ambulance, mais rêve de diriger son propre atelier et de réparer des voitures de sport. Un soir, en répondant à un appel d’urgence, il rencontre une belle héritière, Diane Tremayne (Jean Simmons). Un rendez-vous en entraîne un autre, et même avant que Frank n’ait réellement quitté sa future épouse, Mary Wilton (Mona Freeman). Et même lorsque la famille Tremayne offre à Frank un emploi de chauffeur/mécanicien, avec un logement sur le domaine, il accepte.

Kansas City Confidential – 1952

Kansas City Confidential (1952) est un thriller policier classique du film noir américain réalisé par Phil Karlson et mettant en vedette John Payne, Coleen Gray, Preston Foster et Lee Van Cleef. Il est basé sur le roman du même nom de Lionel White.

Le film se concentre sur Joe Rolfe (Payne), un ancien soldat accusé à tort d’un braquage de fourgon blindé. Après sa libération de prison, il se lance dans une quête pour s’exonérer et retrouver les véritables coupables. Au cours de son périple, il découvre un réseau sinistre de tromperie et de corruption qui s’étend jusqu’aux plus hautes sphères de la police de Kansas City.

Kansas City Confidential est un film à suspense et atmosphérique avec un réalisme brut. C’est un exemple classique du genre film noir, avec sa cinématographie sombre et ombragée, ses personnages cyniques, et son accent sur le crime et la violence. Le film est également remarquable pour son utilisation des flashbacks, qui servent à explorer le passé de Rolfe et ses motivations. Bien qu’il ne soit pas un exemple préféré des films noirs, l’histoire de ce film a en fait inspiré Quentin Tarantino.

Clash by Night – 1952

Le triangle amoureux de Fritz Lang, adapté de la pièce de Clifford Odets, se distingue grâce à sa protagoniste Barbara Stanwyck. Divisé en deux parties, séparées par un an, d’une longueur presque égale, Clash By Night devient plus que la somme de ses parties. Alors que Mae accepte la futilité de tout cela – « Aimer parce que nous sommes seuls, aimer parce que nous avons peur, aimer parce que nous nous ennuyons » – Clash By Night offre un exemple sensationnel du film noir classique, avec sa femme fatale bien définie.

L’Histoire de Joe Louis – 1953

L’Histoire de Joe Louis (1953) est un film biographique et dramatique sportif réalisé par Robert Gordon et mettant en vedette Coley Wallace, Hilda Simms, et Paul Stewart. Il raconte la vie du champion poids lourd afro-américain de boxe Joe Louis.

Le film suit Louis depuis ses débuts modestes à Detroit, Michigan, jusqu’à son ascension vers la célébrité dans la boxe. Il relate ses luttes contre le racisme et la discrimination, ainsi que sa détermination à surmonter l’adversité.

L’Histoire de Joe Louis est un film bien réalisé et inspirant qui célèbre la vie et les réalisations d’un véritable héros américain. C’est un incontournable pour les amateurs de boxe et tous ceux qui apprécient l’histoire d’un outsider qui a surmonté de grandes difficultés pour atteindre la grandeur.

Bien qu’il s’agisse assurément d’un film d’activité sportive, il adhère à de nombreux tropes du film noir. L’histoire de cette légende de la boxe est racontée principalement à travers un flashback, un outil narratif largement utilisé par le noir.

L’Homme dans le Grenier – 1953

Si vous connaissez le conte de The Lodger d’Alfred Hitchcock, l’histoire de ce film devrait vous sembler assez familière. Jack Palance (City Slickers, Shane) joue le personnage principal Slade, qui devient suspect dans une série de meurtres. 

Lors de la troisième nuit des meurtres de Jack l’Éventreur, M. Slade, pathologiste dans une société de recherche, arrive assez tard chez M. et Mme Harley, cherchant à louer une chambre. Slade paie le loyer d’un grenier, qu’il prétend utiliser pour son travail d’atelier.

Suddenly – 1954

Dans l’Amérique d’après-guerre, un train transportant le chef d’État américain s’arrête dans le village de Suddenly, en Californie. Prétendant être des représentants du FBI qui vérifient la sécurité avant l’arrivée du président, trois hommes arrivent chez les Benson : Ellen, une veuve, son fils « Pidge » et son beau-père, « Pop » Benson.

La maison est perchée au sommet d’une colline surplombant la gare où le train gouvernemental doit s’arrêter, ce qui en fait un excellent poste d’observation pour tirer sur le chef d’État lorsque son train s’arrête.

Il devient rapidement évident que ces hommes ne sont pas des agents gouvernementaux mais des meurtriers, dirigés par l’insensible John Baron, qui prennent possession de la résidence et retiennent les membres de la famille en otage, planifiant d’éliminer le chef d’État depuis une fenêtre de la maison offrant une vue imprenable sur la gare.

5 Minutes to Live – 1961

Il s’agit en réalité d’un film néo-noir sorti en 1961. Cay Forester (DOA) a écrit l’histoire et joué dans le film. Ce fut l’un des seuls deux rôles de Johnny Cash, surtout reconnu pour ses chansons.

Malgré la puissance des stars, ce film n’a pas été populaire auprès des critiques. Cependant, il est en fait devenu une sorte de film culte. 

Fred est assis dans une pièce sombre et raconte son dernier cambriolage dans une institution financière. Il explique précisément comment il s’est associé au criminel Johnny Cabot pour exécuter son plan. Cabot est sur le point de prendre en otage la femme du vice-président de la banque. Se présentant comme un professeur de guitare, Cabot s’introduit dans la résidence et prend Nancy Wilson en otage. Le film met en vedette Cathy Downs (My Darling Clementine, The Dark Corner) et Paul Langton (The Big Knife, Twilight Zone). 

Jigsaw – 1962

Jigsaw (1962) est un thriller noir britannique en noir et blanc réalisé par Val Guest et mettant en vedette Jack Warner, Ronald Lewis et Yolande Donlan. Il est basé sur le roman policier Sleep Long, My Love de Hillary Waugh, avec le cadre déplacé de la petite ville fictive de Stockford, Connecticut, à Brighton, Sussex, tout en conservant les noms et les caractéristiques de base de ses deux protagonistes policiers et de la plupart des autres personnages.

Le film suit les détectives Fred Fellows et Jim Blake alors qu’ils enquêtent sur le meurtre d’une femme retrouvée morte près de Brighton. L’affaire prend une tournure inattendue lorsque les témoins confirment leurs déclarations sur ce qu’ils ont vu.

Jigsaw est un film à suspense et atmosphérique avec un réalisme brut. C’est un exemple classique du genre film noir, avec sa cinématographie sombre et ombragée, ses personnages cyniques, et son accent sur le crime et la violence. Le film est également remarquable pour son utilisation des flashbacks, qui servent à explorer le passé de la victime et des témoins.

Le Samouraï – 1967

Lancez une pièce en l’air pour choisir si Le Samouraï ou Le Doulos est le meilleur film de Melville ; il y a de fortes chances qu’elle retombe sur le côté droit, car c’est une différence difficile à discerner. Les films de Melville vibrent d’une fraîcheur inexprimable.

En ce qui concerne Le Samouraï, la preuve de l’engagement de Melville repose sur l’impact considérable du film : tout le monde, de Jim Jarmusch à Madonna, reconnaît le talent de Melville et l’a même imité ou mêlé à ses propres traits distinctifs. Il y a des films de tueurs à gages, et il y a des films de tueurs à gages, et Le Samouraï est nettement au-dessus de la plupart d’entre eux, un film qui relie le cinéma à la véritable art.

The Long Goodbye – 1973

À Los Angeles, Philip Marlowe (Elliott Gould) est impliqué dans une enquête obscure. Il réside dans un complexe d’appartements avec un groupe de jeunes étudiantes toujours nues qui pratiquent l’amour libre. Il se trouve à la périphérie incultivée d’une ville indifférente, un homme qui n’a absolument rien de mieux à faire tard le soir que de nourrir son félin.

Marlowe est un facteur, « un perdant-né », comme l’appellent aussi ses amis les plus proches. Et le monde dans lequel Altman l’abandonne n’est pas fait de ruelles sombres ou de lueur pâle et humide des lampadaires – au diable le clair-obscur – c’est l’aube intense de quelque chose de nouveau.

The Long Goodbye est la tentative et la destruction du film noir par Altman, qui confronte son protagoniste assiégé non pas aux mécanismes usés, anciens et profondément enracinés du mal institutionnalisé, mais à une marque bien plus jeune que le nihilisme. Dans le désert et le noir de Robert Altman, rien ne se cache sous la surface – tout est surface – et même notre boussole éthique est un lourd fumeur asexué qui est simplement ignoré.

Black Widow – 1987

Portant le cliché de la femme fatale à l’extrême littéral, le réalisateur Bob Rafelson, dont les crédits incluent Five Easy Pieces ainsi que le remake de 1981 de The Postman it always plays twice, crée un noir contemporain. Debra Winger joue une agente du FBI, Alex, qui devient obsédée par le coupable d’une série de meurtres. Jane Fonda joue l’antagoniste de manière caméléon, tandis que l’excellente cinématographie de Conrad L. Hall (Cool Hand Luke, American Beauty) cherche le suspense dans les ombres et met en lumière les yeux d’acier de Russell. Il y a aussi un caméo amusant de Dennis Hopper.

Les Arnaqueurs – 1990

Le réalisateur britannique Stephen Frears réalise une adaptation remarquable du romancier des années 1950 Jim Thompson dans ce néo-noir oedipien et pulp. Ce spectacle de dégâts freudiens et de tromperies, écrit pour l’écran par Donald E. Westlake, est troublant même selon les standards de Thompson.

Lilly Dillon est un vétéran de l’arnaque. Il travaille pour Bobo Justus, un bookmaker mafieux qui prend de grosses mises sur les hippodromes. En voyage à La Jolla pour une course, il quitte Los Angeles pour voir son fils, Roy, un petit escroc qu’il n’a pas vu depuis huit ans.

Il le trouve douloureux et ensanglanté après qu’une de ses victimes l’ait surpris en train de faire une petite arnaque et l’ait frappé au ventre avec un marteau-piqueur. Lorsque les secours médicaux arrivent enfin, Lilly confronte le médecin, le menaçant de le faire tuer si son fils meurt.

Red Rock West – 1993

Red Rock West (1993) est un thriller policier néo-noir réalisé par John Dahl et mettant en vedette Nicolas Cage, Dennis Hopper, Lara Flynn Boyle et J.T. Walsh. Il s’agit d’un remake du film de 1950 High Noon.

Le film suit Michael Williams (Cage), un vagabond qui arrive dans la petite ville de Red Rock, Wyoming, à la recherche de travail. Il est pris pour un tueur à gages par Wayne (Hopper), un shérif corrompu, et se voit offrir 10 000 $ pour tuer sa femme, Suzanne (Boyle). Michael joue le jeu, mais il se retrouve rapidement pris dans une toile de tromperies et de violence.

Red Rock West est un film plein de suspense et d’atmosphère avec un réalisme brut. C’est un exemple classique du genre néo-noir, avec sa cinématographie sombre et ombragée, ses personnages moralement ambigus et son accent sur le crime et la violence. Le film est également remarquable pour son utilisation de flashbacks, qui servent à explorer le passé de Michael et ses motivations.

Figure clé de la renaissance du néo-noir au début des années 1990, John Dahl a fait ses débuts prometteurs en tant que réalisateur avec Kill Me Again, suivi de Red Rock West et, un an plus tard, The Last Seduction.

The Last Seduction – 1994

The Last Seduction est un thriller érotique néo-noir américain de 1994 réalisé par John Dahl, avec Linda Fiorentino, Peter Berg et Bill Pullman. Le film a été produit par ITC Entertainment et distribué par October Films.

Bridget Gregory (Linda Fiorentino) est une directrice de télémarketing à succès à New York, mariée à un médecin en difficulté nommé Clay (Bill Pullman). Lorsque Clay s’endette auprès d’un usurier, il accepte de vendre de la cocaïne pharmaceutique volée à deux trafiquants de drogue. Bridget convainc Clay de la laisser gérer la transaction, mais elle le double, volant les 700 000 $ du produit et s’enfuit à Chicago.

En route pour Chicago, Bridget s’arrête dans la petite ville de Beston, New York, où elle rencontre Mike Swale (Peter Berg), un vendeur d’assurances. Elle séduit Mike et le convainc de monter une arnaque avec elle, lui promettant une part des bénéfices. Cependant, le véritable plan de Bridget est de manipuler Mike pour qu’il tue Clay et récupère l’argent de l’assurance.

Devil in a Blue Dress – 1995

Devil in a Blue Dress dépeint parfaitement Denzel Washington en vétéran malchanceux de la Seconde Guerre mondiale qui s’installe à Los Angeles pour commencer une nouvelle carrière de détective privé. Comme cela arrive souvent dans ce sous-genre, l’homme se retrouve inévitablement mêlé à une affaire de meurtre compliquée.

Apportant sa propre touche aux intrigues noires maintes fois exploitées, le scénariste/réalisateur Carl Franklin utilise l’histoire policière de son film comme tremplin pour explorer le paysage racial de l’Amérique des années 1940. Philip Marlowe a certes connu son lot de rencontres difficiles, mais il avait l’avantage de ne jamais être jugé instantanément en fonction de la couleur de sa peau.

Fargo – 1996

Après avoir réalisé le néo-noir le plus traditionnel avec leur premier film, Blood Simple, les frères Coen ont opté pour une version plus subversive avec Fargo. L’histoire met en scène un vendeur de voitures au tempérament doux qui engage deux hommes pour kidnapper sa femme. Il espère que la rançon de son père pourra résoudre certains de ses problèmes financiers. Bien sûr, la situation dégénère et l’agente de police Marge Gunderson (une excellente Frances McDormand), qui est enceinte, est prête à enquêter.

Échangeant les images habituelles baignées d’ombres du sous-genre contre de vastes étendues enneigées du Midwest, les Coen prennent un cadre noir conventionnel, le placent dans un environnement inhabituel et superposent les enquêtes sous une couche de courtoisie typiquement midwestienne. Le résultat est une comédie noire diaboliquement créative qui marque l’explosion du style des Coen.

Dark City – 1998

S’inspirant de Blade Runner, la magnum opus de 1998 d’Alex Proyas offre une extravagance de science-fiction cérébrale filtrée à travers les tropes visuels du cinéma allemand et de l’expressionnisme noir. Le résultat est une réalisation époustouflante qui, comme Blade Runner, fut d’abord oubliée pour être ensuite revitalisée en un classique culte adoré.

Rufus Swell joue un amnésique qui se lève une nuit et découvre que sa ville est contrôlée par une bande d’hommes étrangement lumineux vêtus de trench-coats noirs comme l’ébène. Aux côtés de Kiefer Sutherland en savant fou et de Jennifer Connelly dans le rôle de l’épouse de notre héros.

Comment est né le genre du film noir ?

Le terme film noir a été inventé en 1946 par le critique de cinéma français Nino Frank, qui observa quelque chose d’obscur de loin, essentiellement dans le cinéma américain. Le terme noir a fait l’objet de nombreux débats. Est-ce une catégorie ? Un sous-genre ? Une tendance ? Un style ? 

Le film noir comprend une variété d’intrigues : le protagoniste peut être un détective privé, un agent des forces de l’ordre en civil, un vétéran âgé, un escroc malchanceux, ou un résident honnête ayant eu une vie de criminel. Bien que le film noir soit initialement lié à la production américaine, le terme a en réalité été utilisé dans le monde entier. De nombreux films sortis à partir des années 1960 partagent des caractéristiques avec le film noir classique, tout en respectant certaines conventions propres. Certains qualifient ces œuvres de néo-noir.

Le film noir est onirique, étrange, sensuel, ambivalent et vicieux, mais tous les films noirs n’incarnent pas ces cinq attributs à parts égales : l’un peut être plus onirique, un autre particulièrement brutal. Les efforts répétés des critiques de cinéma pour une définition alternative ont été repris dans des études ultérieures : au cours des cinq décennies suivantes, d’innombrables tentatives de définition ont eu lieu, mais, selon l’historien du cinéma Mark Bould, le film noir reste un « phénomène insaisissable… toujours juste hors de portée ».

Bien que le film noir soit généralement associé à un style visuel non conventionnel dans un contexte hollywoodien, mettant en avant un éclairage subtil et des structures déséquilibrées, les films communément reconnus comme noirs mettent en lumière une sélection d’approches visuelles, y compris celles qui s’insèrent aisément dans le courant dominant d’Hollywood. Le film noir embrasse également une variété de catégories, des films de mafia aux films policiers, de l’amour gothique aux films traitant de problèmes sociaux.

Alors que de nombreux critiques de cinéma décrivent le film noir comme une catégorie à part entière, d’autres affirment que ce ne peut pas être le cas. Foster Hirsch précise qu’une catégorie est identifiée par « des conventions de structure narrative, de caractérisation, de motif et même de style esthétique ».

Hirsch, qui soutient que les films noirs constituent un genre, affirme que ces aspects existent « en abondance ». Il note qu’il existe des fonctions unificatrices de ton, de conception visuelle et même de narration suffisantes pour classer les films noirs comme un genre distinct.

Les films noirs sont souvent associés à un cadre urbain, mais de nombreux films noirs classiques se déroulent dans de petites villes, en banlieue, en milieu rural ou sur des routes ouvertes ; le cadre ne peut donc pas être décisif pour son genre, comme c’est le cas pour le western.

Alors que le détective privé et la femme fatale sont des types de personnages récurrents conventionnellement identifiés aux films noirs, la plupart des films noirs n’en présentent aucun ; il n’y a donc pas de base de personnages pour la désignation du genre comme dans le film de gangsters. De même, les films noirs ne reposent pas sur des éléments aussi évidents que les éléments monstrueux ou surnaturels du film d’horreur.

Films Noir et Sources Littéraires

Le numéro d’octobre 1934 de Black Mask incluait la première histoire du personnage détective que Raymond Chandler transforma en le populaire Philip Marlowe. L’impact littéraire clé sur les films noir fut le hardboiled de la fiction policière américaine ainsi que l’activité criminelle, menée dans ses premières années par des auteurs tels que Dashiell Hammett (dont la première nouvelle, Red Harvest, fut publiée en 1929) et James M. Cain (dont The Postman Always Rings Twice parut 5 ans plus tard), et popularisée dans des magazines pulp comme Black Mask. 

Le film noir traditionnel Le Faucon Maltais (1941) et La Clé de verre (1942) étaient basés sur les romans de Hammett ; les romans de Cain ont servi de base à Double Indemnity (1944), Mildred Pierce (1945), The Postman Always Rings Twice (1946) et Slightly Scarlet (1956 ; adapté de Love’s Lovely Counterfeit). Sorti le mois précédant M de Lang, City Streets revendique être le premier grand film noir ; son style et son histoire présentaient de nombreuses caractéristiques du noir.

Raymond Chandler, qui fit ses débuts en tant que romancier avec The Big Sleep en 1939, devint rapidement l’auteur le plus célèbre de l’école hardboiled. Non seulement les romans de Chandler furent adaptés en grands films noirs – Meurtre, mon amour (1944 ; adapté de Farewell, My Lovely), The Big Sleep (1946) et Lady in the Lake (1947) – mais il fut aussi un scénariste éminent du genre, produisant les scénarios de Double Indemnity, The Blue Dahlia (1946) et Strangers on a Train (1951).

Aucun auteur n’a vu plus d’œuvres publiées servir de base à des films noirs classiques de la période que Woolrich – treize au total, dont Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946) et Fear in the Night (1947).

Une autre ressource littéraire clé pour les films noirs fut WR Burnett, dont le premier roman publié fut Little Caesar, en 1929. Il fut développé par Warner Bros. en 1931 ; l’année suivante, Burnett fut engagé pour écrire les dialogues de Scarface, tandis que The Beast of the City (1932) fut adapté d’une de ses histoires. Au moins une œuvre phare cruciale détermine ce dernier comme un film noir malgré sa date bien antérieure à la période du film noir. 

La technique narrative particulière de Burnett se situait quelque part entre celle des auteurs hardboiled essentiels et leurs compatriotes de la fiction noire : ses personnages principaux étaient généralement héroïques à leur manière, ce qui semblait être la même caractéristique des gangsters.

Son œuvre, à la fois en tant que romancier et scénariste, a servi de base à sept films désormais largement considérés comme des films noirs, dont 3 des plus populaires : High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942) et Jungle Asphalt (1950).

Les Films Noir comme Réaction

Les films noir n’étaient rien d’autre qu’une réaction, le reflet d’une nation vacillant à l’étranger et aussi en raison des bouleversements sur le front intérieur. Les films noir ne respectaient aucune règle, pas vraiment. Nous considérons les noirs comme des récits urbains, cependant, ce n’est pas toujours le cas : pour chaque légende se déroulant à Los Angeles ou à New York, il y a un petit désastre au cœur du pays.

Nous pensons à une soirée interminable, trempée de pluie – le soleil cède la place au néon et aux reflets nocturnes, au maquillage optique des miroirs, et même à l’obscurité – mais d’un autre côté, les jours des films noir ont consumé ses personnages. 

Nous apprécions son approche fortement stylisée – angles de caméra exagérés, mise en scène créant la tension, flashbacks, accentuation profonde et ombres – mais aussi ses expériences néoréalistes et même documentaires.

Nous parlons des contours et des tropes des films noir, mais en vérité, il s’inspirait d’une large gamme de sources, incluant les films de mafia des époques de la Grande Dépression et de la Prohibition, les drames criminels, les films de braquage, les films d’horreur, les mélodrames, les thrillers gothiques, les films B à petit budget, et d’autres genres typiquement américains comme les westerns. Ses influences étaient omniprésentes, et les films noir ont établi leur propre langage, leur propre manuel et leur propre univers.

Certains définissent les films noir par le ton, et c’est un état d’esprit, une sensibilité. Les films noir sont un état d’esprit, de l’inconscient, un rêve fiévreux, une crise existentielle. À mesure que la période classique des films noir, généralement considérée comme allant de 1940 à 1958, avançait, des soldats fatigués et pessimistes, choqués par les balles, revenaient dans un paysage urbain et suburbain à jamais changé.

Il n’en va pas de même pour les femmes, avec ce complexe de la madone-putain qui se répand à travers les dynamiques de genre freudiennes désagréables des films noir. Le cauchemar est devenu la réalisation d’un souhait. Il n’est pas exagéré de lire tout cela à travers les quelque 300 titres généralement considérés comme le canon classique des films noir.

Sauf que ce n’était pas si simple. Comme l’encre sur ces pages jaunes, les films noir étaient un événement brouillé dès le départ, difficile à définir et encore plus difficile à intégrer. Ses personnages étaient impurs, frustrés, méfiants, et tout simplement stupides. Chacun menait une sorte d’arnaque, même la police, surtout la police. Chaque personne était hors de soi, fausse selon ses vices et peurs les plus vils. L’attraction touristique était aussi horrible que la répulsion. 

C’est pourquoi les films noirs jetaient leurs marginaux dans un labyrinthe séduisant et terrible d’après-guerre, où la terreur était à la fois interne et externe. L’inquiétude face au débat sur l’au-delà, l’anxiété mutuelle, la crainte de ne jamais revenir à un temps pur, la peur de reconnaître qu’en réalité il n’y en a jamais eu un.

Une quête des extrêmes qui traitait des allusions en s’écartant des normes culturelles approuvées et aussi, parfois, de l’humanité fondamentale : le film ne devient même pas plus maléfique, ni même plus impénitent à cet égard, que le cadre du film noir.