Giallo-Filme: Geschichte und Giallo-Filme zum Anschauen

Im italienischen Kino ist der Thriller ein wichtiger Trend, der einige der unbedingt sehenswerten Filme hervorgebracht hat. Die Giallo-Filme sind eine Mischung aus zuvor bestehenden Genres: Es können Elemente von Kriminalfilmen, Thrillern, Horror- und Slasherfilmen, Kriminalgeschichten, Psychothrillern und manchmal übernatürlichen Elementen enthalten sein.

Der Giallo-Film verbindet den fiktionalen Thriller mit Komponenten des Horror-Genres und Erotik und beinhaltet typischerweise einen Mörder, dessen Identität erst im letzten Akt des Films enthüllt wird. Die zwischen Mitte und Ende der 1960er Jahre etablierte Kategorie erreichte in den 1970er Jahren ihren Höhepunkt und ging in den folgenden Jahren im industriellen Mainstream-Kino zurück, obwohl sie bis heute weiterhin produziert werden. Der Giallo-Film war ein Vorläufer und hatte einen großen Einfluss auf die nächste Kategorie amerikanischer Slasherfilme.

Der Begriff Giallo stammt von einer Reihe von Polizei-Mysterien-Pulp-Büchern mit dem Titel Il giallo Mondadori, die seit 1929 vom Verlag Mondadori in Italien veröffentlicht werden und ihren Namen vom charakteristischen gelben Hintergrund des Covers haben. Die Serie bestand aus italienischen Übersetzungen von Büchern amerikanischer und britischer Autoren: Agatha Christie, Ellery Queen, Edgar Wallace, Ed McBain, Rex Stout, Edgar Allan Poe und Raymond Chandler.

Als preiswerte Taschenbücher veröffentlicht, begann der Erfolg der Giallo-Bücher schnell die Aufmerksamkeit anderer italienischer Verlage auf sich zu ziehen. Diese veröffentlichten ihre eigenen Kollektionen und ahmten die gelben Cover nach. Die Faszination dieser Serien führte schließlich dazu, dass das Wort Giallo im Italienischen zum Synonym für einen Kriminalroman mit Mörder wurde. Im umgangssprachlichen und medialen Gebrauch in Italien wird es auch auf ungelöste oder seltsame Angelegenheiten angewandt.

🆕 Auteur-Rätsel: Beste aktuelle Mystery-Filme (2023-2025)

Mystery of an Employee

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Drama, Thriller, von Fabio Del Greco, Italien, 2019.
Jemand will das Leben des Angestellten Giuseppe Russo kontrollieren: die Produkte, die er kauft, seinen politischen und religiösen Glauben, sein Privatleben, sogar seine Träume. Doch er wird alles tun, um der Kontrolle zu entkommen und sein wahres Selbst zu finden. Giuseppe ist ein etwa 45-jähriger Mann, verheiratet, mit einem festen Job und einem eigenen Zuhause. Sein Leben verläuft scheinbar friedlich, bis er einen geheimnisvollen Landstreicher trifft, der ihm einige alte VHS-Videokassetten gibt. Giuseppe beginnt, Videobänder zu sehen, auf denen er in verschiedenen Momenten seines Lebens gefilmt wurde – als Kind, dann als Teenager und als junger Mann. Wer hat diese Videos gedreht, an die er sich nichts erinnert? Giuseppe hat das seltsame Gefühl, ständig beobachtet zu werden, und beginnt zu untersuchen, was vor sich geht. Durch seine Nachforschungen entdeckt er seine wahre Identität wieder und wird sich bewusst, wer er wirklich ist.

Employee's Mystery ist ein Film, der die Gefahr der sozialen Kontrolle hervorhebt und eine Gesellschaft zeigt, in der jeder ständig überwacht und in seinem tiefsten Inneren konditioniert wird. Der Film ist auch eine Analyse der menschlichen Natur und Identität. Fabio Del Greco, der Giuseppe spielt, liefert eine fesselnde Darstellung. Ebenso überzeugend sind Chiara Pavoni in der Rolle der Giada Rubin und Roberto Pensa in der Rolle des Landstreichers. Employee's Mystery ist ein Film, der wichtige Themen auf originelle Weise behandelt, ein psychologischer Thriller, der den Zuschauer bis zum Ende fesselt: eine Metapher für die zeitgenössische Gesellschaft, in der Menschen zunehmend von Medien und Technologien überwacht und beeinflusst werden. Es ist ein mutiges und provokantes Werk, das wichtige Themen auf originelle Weise anspricht.

SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Anatomy of a Fall (2023)

Samuel wird tot im Schnee vor seiner abgelegenen Berghütte bei Grenoble gefunden. Ist er gefallen? Ist er gesprungen? Oder wurde er gestoßen? Die einzige Verdächtige ist seine Frau Sandra (Sandra Hüller), eine erfolgreiche deutsche Schriftstellerin. In Anatomy of a Fall ist der folgende Prozess nicht nur eine juristische Untersuchung, sondern eine brutale Vivisektion ihrer Beziehung, beobachtet durch die verwirrten Augen ihres sehbehinderten Sohnes Daniel, des einzigen unsicheren Zeugen einer schwer fassbaren Wahrheit.

Gewinner der Goldenen Palme in Cannes und des Oscars für das beste Originaldrehbuch, ist Justine Triets Film das definitive Mystery unserer Zeit. Er kehrt die Regeln des Gerichtsdramas um: Es gibt keine sensationellen Wendungen, sondern den Horror aufgezeichneter Worte und häuslicher Streitigkeiten. Es ist ein Film über die Unmöglichkeit, die Menschen, die wir lieben, wirklich zu kennen, wobei die „Lösung“ des Rätsels weniger zählt als die narrative Konstruktion, an die wir zu glauben wählen.

Decision to Leave (2022)

Ein Mann stürzt von einem Berggipfel. Detective Hae-jun, schlaflos und akribisch, untersucht den Tod und trifft die Witwe des Opfers, Seo-rae, eine geheimnisvolle chinesische Frau, die überhaupt nicht betrübt zu sein scheint. In Decision to Leave verwandelt sich das Verhör bald in ein Spiel aus Verführung und Obsession: Der Detective verliebt sich in seine Hauptverdächtige und verliert dabei seine professionelle Klarheit, während sich Beweise anhäufen und sich in einem Labyrinth aus Gefühlen und Manipulationen widersprechen.

Der koreanische Meister Park Chan-wook (Oldboy) inszeniert einen Hitchcock’schen Noir von schockierender visueller Eleganz. Mit dem Preis für die Beste Regie in Cannes ausgezeichnet, nutzt der Film die Sprache des Polizeiverfahrens, um eine unmögliche und tragische Liebesgeschichte zu erzählen. Jeder Shot ist ein Hinweis, jeder Schnitt ein Herzschlag. Es ist ein raffiniertes und sinnliches Geheimnis, das volle Aufmerksamkeit des Zuschauers erfordert, um die Nuancen einer Leidenschaft zu erfassen, die alles zerstört, was sie berührt.

Monster (2023)

Eine verwitwete Mutter bemerkt seltsames Verhalten bei ihrem vorpubertären Sohn Minato und entdeckt, dass ein Lehrer ihn verbal und körperlich misshandelt hat. Die Frau konfrontiert die Schule und fordert Gerechtigkeit. Doch in Monster wird die Geschichte zurückgespult und dreimal aus drei verschiedenen Perspektiven erzählt: der Mutter, des Lehrers und schließlich des Kindes. Jeder Perspektivwechsel stellt die Wahrheit komplett auf den Kopf und offenbart, dass das titelgebende „Monster“ vielleicht nicht der ist, für den wir es halten, oder vielleicht gar nicht existiert.

Kore-eda Hirokazu konstruiert ein zartes und herzzerreißendes Rashomon-artiges Geheimnis. Es gibt keine Leiche (zumindest nicht anfangs), aber das Geheimnis der Kindheit und der Unkommunizierbarkeit. Es ist ein psychologisches und soziales Rätsel, das Vorurteile und die Lügen untersucht, die wir erzählen, um uns selbst oder andere zu schützen. Der Soundtrack, der letzte des legendären Ryūichi Sakamoto, begleitet ein aufschlussreiches Ende von seltener Schönheit und Traurigkeit.

Konklave (2024)

Der Papst ist tot. Hinter den verschlossenen Türen der Sixtinischen Kapelle versammeln sich die mächtigsten Kardinäle der Welt, um einen Nachfolger zu wählen. Kardinal Lawrence (Ralph Fiennes), der mit der Überwachung des Prozesses betraut ist, sieht sich nicht nur mit einer spirituellen Wahl konfrontiert, sondern auch mit einer politischen Verschwörung aus Erpressung, unaussprechlichen Geheimnissen und sexuellen Skandalen, die im Verlauf der Abstimmung ans Licht kommen. In Konklave wirft die Ankunft eines mysteriösen unbekannten Kardinals, der vom verstorbenen Pontifex in pectore ernannt wurde, den gesamten Vatikan in Panik.

Edward Berger (Im Westen nichts Neues) inszeniert einen hochspannenden kirchlichen Thriller, der wie ein klassischer Agatha Christie–Whodunit funktioniert, jedoch in den Hallen der absoluten Macht spielt. Ralph Fiennes ist monumental in der Rolle eines Detektivs im Talar, der die Kirche vor sich selbst retten muss. Es ist ein eleganter, wortreicher Film voller Wendungen, der den Glauben wie ein tödliches Schachspiel behandelt.

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Die Suche nach Wahrheit im Kino ist ein Labyrinth mit vielen Eingängen. Es gibt nicht nur den klassischen Detektiv mit Lupe: Geheimnisse verbergen sich in psychologischer Spannung, Polizeiverfahren, Schatten der Vergangenheit und Autoren-Erzählungen, die die Regeln herausfordern. Um dir die Wahl der perfekten Untersuchung für deinen Abend zu erleichtern, hier unsere unverzichtbaren Leitfäden zu den Genres, die Spannung zu ihrer stärksten Waffe machen.

Unabhängige Thriller & Mysteries

Die faszinierendsten Geheimnisse sind jene, bei denen du nicht weißt, wie sie enden werden. Das unabhängige Kino muss sich nicht der kommerziellen Logik Hollywoods beugen, daher kann es sich unbequeme Enden, ambivalente Protagonisten und Handlungen leisten, die dich zweifeln lassen. Wenn du eine Untersuchung außerhalb der Norm suchst, beginne hier.

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Thriller-Filme

Wenn für dich Ermittlung kein intellektuelles Spiel, sondern eine Frage des Überlebens ist, ist Thriller das richtige Genre. Hier geht es nicht nur um „Wer war’s?“, sondern „Wer wird überleben?“. Entdecke Filme, die alles auf Adrenalin, psychologische Wendungen und Spannung setzen, die dich an den Sitz fesselt.

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Krimi-Filme

Auf der Seite des Gesetzes (meistens). Das Polizeigenre verlagert den Fokus vom reinen Rätsel auf das Verfahren: Verhöre, Fahndungen, Korruption und das Leben im Revier. Wenn du Straßenrealismus und die Herausforderung zwischen Detektiv und Verbrecher liebst, ist dies deine Liste.

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Noir-Filme

Die Wurzeln des Geheimnisses liegen hier. Vor den modernen Profiler gab es zynische Privatdetektive, femmes fatales und nebelverhangene Städte. Noir ist die Inbegriff der Ermittlungsatmosphäre: elegant, desillusioniert und moralisch grau. Für diejenigen, die Stil und Geschichten lieben, in denen niemand wirklich unschuldig ist.

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Kultfilme

Es gibt Ermittlungen, die in die Kinolegende eingegangen sind. Von Rear Window bis The Usual Suspects sind dies Meisterwerke, die die Regeln der Spannung und der finalen Wendung neu geschrieben haben. Die Pflichttitel, die jeder Mystery-Liebhaber mindestens einmal gesehen haben muss.

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🔍 Die Kunst des Mordes: Klassische Mystery-Filme (1931-2000)

Vor der modernen Forensik und DNA-Beweisen war die Lösung eines Falls eine Kunst, die auf Intuition, Deduktion und Psychologie beruhte. Der klassische „Whodunit“ ist ein perfekter Uhrwerkmechanismus, bei dem der Zuschauer herausgefordert wird, das Rätsel vor dem Detektiv zu lösen. Von Fritz Langs expressionistischen Schatten bis zu Hitchcocks unerträglicher Spannung, bis hin zur ästhetischen und blutigen Revolution des italienischen Giallo durch Dario Argento. Hier sind die Meisterwerke, die die Spielregeln erfanden und den Mord zu einer der schönen Künste machten.

M (1931)

Eine deutsche Stadt wird von einem Kindermörder terrorisiert, den die Polizei nicht fassen kann. Die Intensivierung der Ermittlungen und Razzien stört das Geschäft der örtlichen organisierten Kriminalität, weshalb diese beschließt, die Sache selbst in die Hand zu nehmen. In M beginnen die beiden gegensätzlichen Kräfte der Gesellschaft – das Gesetz und die Unterwelt – eine parallele Menschenjagd, um den Mörder Hans Beckert (Peter Lorre) zu finden und ihm zwei verschiedene Arten von Gerechtigkeit zukommen zu lassen.

Fritz Lang inszeniert das erste wahre Meisterwerk des psychologischen und prozeduralen Thrillers. Es ist ein revolutionärer Film, der den Fokus vom „Whodunit?“-Rätsel (der Täter wird fast sofort enthüllt) auf das „Wie fängt man ihn?“ verlagert. Der Einsatz von Ton (das Pfeifen von In the Hall of the Mountain King) und expressionistischen Schatten erzeugt unerträgliche Spannung. Es ist die Mutter aller Serienkiller- und Menschenjagd-Filme.

Die Spur des Falken (1941)

Sam Spade ist ein zynischer und harter Privatdetektiv in San Francisco. Als sein Partner bei der Untersuchung eines scheinbar banalen Falls getötet wird, gerät Spade in ein internationales Netz exzentrischer Verbrecher, die alle nach einer unbezahlbaren Statuette suchen: dem Falken von Malta. In Die Spur des Falken muss Spade sich durch Lügen, femmes fatales (Mary Astor) und skrupellose Männer (Peter Lorre und Sydney Greenstreet) navigieren, um herauszufinden, wer seinen Partner getötet hat und wo der Schatz ist, ohne von der Polizei hereingelegt zu werden.

John Hustons Regiedebüt ist der Film, der den Film Noir definierte. Humphrey Bogart mit seinem Trenchcoat und der Zigarette wird zum Archetyp des Privatdetektivs: moralisch ambivalent, aber einem persönlichen Ehrenkodex treu. Die Dialoge sind schnellfeuerartig, und die Handlung ein Labyrinth aus Täuschungen. Es ist das perfekte deduktive Mystery, in dem jeder für irgendetwas schuldig ist und „das Zeug, aus dem Träume gemacht sind“, nur Blei ist.

Laura (1944)

Detective Mark McPherson untersucht den Mord an Laura Hunt, einer schönen Werbefachfrau, die tot in ihrer Wohnung aufgefunden wird, mit ihrem Gesicht durch eine Schrotflintenladung entstellt. Durch die Befragung der Männer in ihrem Leben – den zwielichtigen Kritiker Waldo Lydecker und den Playboy-Verlobten Shelby – und das Lesen ihres Tagebuchs beginnt McPherson, sich in das Gespenst der Opfer zu verlieben. In Laura kommt die Wendung zur Mitte des Films, als die Frau, von der alle glaubten, sie sei tot, lebendig vor ihrer Tür erscheint und die Untersuchung in ein noch dichteres Rätsel über die Identität der Leiche und des Mörders verwandelt.

Otto Preminger inszeniert einen der elegantesten und perversesten Noirs der Geschichte. Es ist kein gewöhnlicher Action-Mystery-Film, sondern eine Untersuchung von Obsession und psychologischer Manipulation. Der obsessive Soundtrack und die glänzende Kinematografie verbergen ein dunkles Herz. Es ist der definitive Film über die Macht, die die Toten (oder die Vorstellung, die wir von ihnen haben) über die Lebenden ausüben, mit einem Detektiv, der den fatalen Fehler begeht, sich in den Fall zu verlieben.

Der dritte Mann (1949)

Holly Martins, ein amerikanischer Autor billiger Westernromane, kommt auf Einladung seines alten Freundes Harry Lime ins Nachkriegs-Wien, das in vier Besatzungszonen aufgeteilt ist. Bei seiner Ankunft erfährt er, dass Harry bei einem verdächtigen Autounfall gestorben ist. Bei der Untersuchung, um das Andenken seines Freundes zu retten, entdeckt Martins in Der dritte Mann, dass Harry nicht nur am Leben ist, sondern ein monströser Verbrecher geworden ist, der mit verfälschtem Penicillin handelt und unschuldige Kinder aus Profitgier tötet.

Geschrieben von Graham Greene und inszeniert von Carol Reed, ist es ein Meisterwerk der Atmosphäre und Spannung. Das zerstörte Wien, die langen Schatten in den Kanälen und der berühmte Zithersoundtrack schaffen eine Welt, in der alle Moral zusammengebrochen ist. Orson Welles erscheint als Harry Lime nur für wenige Minuten, stiehlt aber mit dem Kuckucksuhren-Monolog die Szene. Es ist ein politisches und moralisches Rätsel, bei dem der Held zwischen Loyalität zur Freundschaft und Gerechtigkeit wählen muss.

Les Diaboliques (1955)

In einem französischen Jungeninternat ist die fragile Christina die Besitzerin, doch ihr Ehemann Michel, der Schulleiter, ist ein sadistischer Tyrann, der sie offen mit der Lehrerin Nicole betrügt. Die beiden Frauen, Opfer und Geliebte, verbünden sich, um den Mann zu töten: Sie betäuben ihn, ertränken ihn in einer Badewanne und versenken die Leiche im Schulschwimmbecken, um einen Unfall vorzutäuschen. Doch in Les Diaboliques (Diabolique) ist die Leiche verschwunden, als das Becken abgelassen wird. So beginnt ein Albtraum der Paranoia: Ist Michel am Leben? Ist er ein Geist? Oder spielt jemand mit ihren Köpfen?

Henri-Georges Clouzot zeichnet den Thriller, der Hitchcock in seinem eigenen Spiel besiegte (der englische Meister wollte die Rechte am Buch). Es ist ein perfekter, klaustrophobischer und grausamer Spannungsmechanismus, der in einem der gruseligsten und berühmtesten Enden der Filmgeschichte gipfelt (die Badewannenszene). Grundlegend für das Genre führte er das Konzept des psychologischen Plot-Twists ein, der die Perspektive des Zuschauers vollständig umkehrt.

Das Fenster zum Hof (1954)

L.B. Jefferies (James Stewart), ein Actionfotograf, der durch ein gebrochenes Bein an einen Rollstuhl gefesselt ist, verbringt seine Genesungszeit damit, mit einem Teleobjektiv das Leben der Nachbarn im Innenhof seines Gebäudes in Greenwich Village auszuspionieren. Zwischen einsamen Herzen und Tänzern fällt sein Augenmerk auf einen reisenden Händler, Lars Thorwald, und seine kranke Frau, die plötzlich verschwindet. In Das Fenster zum Hof wird Jefferies überzeugt, dass Thorwald seine Frau getötet hat, doch ohne eine Leiche muss er sich nur auf seinen Blick und die Hilfe seiner Freundin Lisa (Grace Kelly) verlassen, um das Rätsel zu lösen.

Alfred Hitchcock realisiert den endgültigen Film über Voyeurismus und die eigentliche Natur des Kinos (wir Zuschauer sind Jefferies). Es ist ein Rätsel in „Einheit des Ortes“, bei dem die Spannung wächst, ohne dass die Kamera jemals die Wohnung des Protagonisten verlässt. Ein Meisterwerk visueller Erzählstruktur, bei dem jedes Fenster eine Geschichte erzählt und jedes Detail (ein verwüstetes Blumenbeet, ein Ehering) ein entscheidender Hinweis ist.

Anatomie eines Mordes (1959)

Paul Biegler (James Stewart), ein Kleinstadtanwalt mit einer Leidenschaft für Angeln und Jazz, erklärt sich bereit, Leutnant Manion zu verteidigen, der beschuldigt wird, einen Barkeeper getötet zu haben, der angeblich seine Frau Laura vergewaltigt hat. Manion bestreitet den Mord nicht, aber die Verteidigung stützt sich auf „vorübergehende Geisteskrankheit“. In Anatomie eines Mordes wird der Prozess zu einem Schachspiel zwischen Anklage und Verteidigung, bei dem die Wahrheit schlüpfrig ist und die Mandanten nicht die makellosen Helden sind, die sie zu sein scheinen.

Otto Preminger inszeniert den realistischsten und kühnsten Gerichts-Thriller der Ära (zum ersten Mal werden im Gerichtssaal Wörter wie „Sperma“ und „Unterhosen“ verwendet, was die Zensur herausfordert). Es ist kein klassisches Whodunit, sondern eine Untersuchung darüber, wie Wahrheit vor Gericht manipuliert und konstruiert wird. Ambivalent, zynisch und modern, mit einem Jazz-Soundtrack von Duke Ellington, hinterlässt er beim Zuschauer den moralischen Zweifel, ob Gerechtigkeit wirklich geübt wurde.

Hoch und Tief (1963)

Kingo Gondo, ein wohlhabender Geschäftsführer eines Schuhunternehmens, steht kurz davor, sein gesamtes Vermögen zu investieren, um die Kontrolle über das Unternehmen zu übernehmen. Gerade dann erhält er einen Anruf: Sein Sohn wurde entführt. Doch der Entführer hat einen Fehler gemacht: Er nahm den Sohn von Gondos Chauffeur. In Hoch und Tief (Anatomia di un rapimento) steht Gondo vor einem entsetzlichen moralischen Dilemma: Das Lösegeld zahlen und den Ruin riskieren, um den Sohn eines Mitarbeiters zu retten, oder seine Karriere retten und das Kind verurteilen? Der zweite Teil des Films folgt der Polizei bei einer prozeduralen und akribischen Fahndung durch die Slums von Yokohama.

Akira Kurosawa adaptiert einen Roman von Ed McBain und schafft das perfekte Polizeidrama. Der Film ist geometrisch geteilt: Der erste Teil, theatralisch und statisch, spielt in Gondos luxuriösem Penthouse; der zweite, hektisch und dynamisch, in der drückenden Hitze der Stadt. Es ist eine gnadenlose Analyse der Kluft zwischen Reich und Arm und ein Meisterwerk der ermittlungsspannung, das Regisseure wie Steven Spielberg und Bong Joon-ho beeinflusste.

Charade (1963)

Regina Lampert (Audrey Hepburn) kehrt von einem Urlaub nach Paris zurück, um die Scheidung einzureichen, entdeckt jedoch, dass ihr Mann ermordet wurde und während des Krieges ein Vermögen in Gold gestohlen hatte. Bei seiner Beerdigung tauchen drei mysteriöse ehemalige Kameraden auf, die die Beute zurückhaben wollen und überzeugt sind, dass Regina weiß, wo sie ist. In Charade (Sciarada) scheint ihr einziger Verbündeter der charmante Peter Joshua (Cary Grant) zu sein, doch auch er ändert bei jedem Treffen Namen und Identitäten.

Regie führte Stanley Donen, und der Film wird oft als „der beste Hitchcock-Film, den Hitchcock nie inszeniert hat“ bezeichnet. Es ist ein raffinierter Mysteryfilm, der Spannung, romantische Komödie und Thriller in perfektem Gleichgewicht mischt. Zwischen Verfolgungsjagden in der Pariser Metro, Killern mit Hakenhänden und brillantem Dialog ist der Film ein Uhrwerk aus falschen Hinweisen und Wendungen, ein Vorläufer des modernen intelligenten Unterhaltungskinos.

Das Mädchen, das zu viel wusste (1963)

Unter der Regie des italienischen Regisseurs Mario Bava spielen John Saxon als Dr. Marcello Bassi und Letícia Román als Nora Davis die Hauptrollen. Die Handlung dreht sich um ein Mädchen namens Nora, das eine Reise nach Rom unternimmt und Zeugin eines Mordes wird. Es folgen zahlreiche weitere Morde, die mit einer Reihe von Opfern in alphabetischer Reihenfolge verbunden sind. Das Mädchen, das zu viel wusste gilt als der erste Detektivfilm überhaupt, eine Filmkategorie, die Sinnlichkeit, Horror und Thriller mischt. 

Im Urlaub fliegt Nora Davis (Letícia Román) nach Rom, um ihre kranke alte Tante zu besuchen. Noras Tante wird von Dr. Marcello Bassi (John Saxon) behandelt. Noras Tante stirbt am Abend von Noras Ankunft, und sie geht zur nahegelegenen Gesundheitseinrichtung, um Dr. Bassi zu informieren. Während der Fahrt wird sie auf der Piazza di Spagna ausgeraubt. Sie sieht den Körper einer toten Frau neben sich auf dem Boden liegen; ein bärtiger Mann zieht ein Messer aus dem Rücken der Frau. Nora meldet ihn den Behörden, aber sie finden keine Beweise und glauben, sie halluziniere.

Blood and Black Lace (1964)

Blood and Black Lace ist ein Giallo-Film aus dem Jahr 1964, der von Mario Bava inszeniert wurde und in dem Eva Bartok und Cameron Mitchell die Hauptrollen spielen. Die Geschichte folgt den gnadenlosen Morden eines maskierten Killers, der verzweifelt versucht, ein skandalöses Tagebuch zu erlangen. Isabella, ein Model für Christian Haute Couture, ein römisches Modehaus, spaziert abends über das Gelände, als sie von einem Killer mit weißer Maske, schwarzem Hut und Regenmantel getötet wird. Polizeikommissar Silvestri verhört Massimo Morlacchi, der zusammen mit der kürzlich verwitweten Gräfin Cristiana Cuomo den Friseursalon leitet. Silvestri entdeckt, dass das Mädchen drogenabhängig war und versucht hatte, ihre Sucht zu bekämpfen.

Die Jungen, die Bösen und die Wilden (1968) 

Ein Detektivfilm von Antonio Margheriti. Eine Frau wird in einer Badewanne ertränkt und später in einem Kofferraum auf einem Pickup, der zum St. Hilda College fährt, abgelegt. Unter den Lehrkräften ist Mrs. Clay, eine Wissenschaftslehrerin. Außerdem gibt es einen jungen Lehrer, Richard Barrett, einen Tauchlehrer. Im Institut sind nur 7 Frauen anwesend, während die anderen verreist sind. Vor Ort wird der Kofferraum im Keller abgestellt.

Betty Ann betritt den Keller, wird erwürgt und weggebracht. Die Suche nach der vermissten Frau beginnt. Allen Frauen wird geraten, das Gelände nicht zu verlassen, doch eine, Lucille, hat eine Beratung mit ihrem Lehrer Richard, mit dem sie eine Affäre hat. Lucille beschließt, hinauszugehen, und geht zu einem kleinen Haus auf einem Hügel, wo sie die Leiche von Betty Ann entdeckt und flieht. Sie trifft Richard und informiert ihn über das Geschehene, doch als sie zurückkehren, ist Betty Anns Leiche verschwunden.

Orgasmo (1969)

Orgasmo ist ein Giallo-Film aus dem Jahr 1969, inszeniert von Umberto Lenzi mit Carroll Baker, Lou Castel und Colette Descombes in den Hauptrollen. Die Amerikanerin Catherine West kommt aus New York nach Italien, erwartet von zahlreichen Reportern nach dem Tod ihres Mannes Robert bei einem Autounfall, einem texanischen Ölmagnaten, der ihr sein Vermögen von 200 Millionen Dollar hinterlassen hat. Sie zieht sich in ein italienisches Ferienhaus zurück, das von ihrem strengen Anwalt Brian Sanders gemietet wurde. Catherine trifft Peter Donovan, einen jungen Amerikaner aus Boston, dessen Auto in der Nähe liegen geblieben ist. Catherine, die ihm zunächst gegenüber kühl ist, lässt sich schnell von Peter verführen, und die beiden beginnen eine leidenschaftliche Beziehung.

Süß … so pervers (1969)

Süß … so pervers ist ein Detektivfilm unter der Regie von Umberto Lenzi und geschrieben von Ernesto Gastaldi, mit Carroll Baker und Jean-Louis Trintignant in den Hauptrollen. Der Film spielt in Paris und erzählt die Geschichte einer Ehefrau, die plant, ihren reichen Ehemann zu beseitigen, selbst aber Opfer ihrer Komplizen wird.

Jean, ein wohlhabender Industrieller aus Paris, heiratete Danielle, doch nun weist sie ihn zurück. Aus Rache lässt er sich auf eine Verführung durch die Ehefrau eines Gastes auf einer Party ein. Eine attraktive Frau zieht in die Wohnung über ihnen ein, und manchmal hören sie jemanden, der sie ausschimpft und schlägt. Jean versucht, sie zu beschützen, und sie kommen sich näher. Sie ist Nicole und ihr gewalttätiger Ex ist Klaus. Er warnt ihn, dass Klaus versuchen wird, ihn zu töten, was bald geschieht. Seine verkohlte Leiche wird in einem ausgebrannten Fahrzeug gefunden. Nicole, die tatsächlich Danilles Komplizin ist, offenbart, dass Jean ihr ihren Anteil der Belohnung gegeben hatte. Danielle wird zu einer Zielscheibe von Stalking, und während sie mit Nicole telefoniert, betritt Klaus das Haus und erschießt sie. Mangels Beweisen akzeptiert der Polizeikommissar zögerlich die Hypothese des Selbstmords. 

Eine über der anderen (1969)

Eine über der anderen (One on the other) ist ein italienischer Giallo-Film von 1969 unter der Regie von Lucio Fulci mit Jean Sorel, Marisa Mell, Elsa Martinelli, Alberto de Mendoza und John Ireland in den Hauptrollen. Es ist der erste echte Giallo-Film von Fulci, dessen Handlung George Dummurrier (Sorel) erzählt, einen unehrlichen Arzt aus San Francisco, der glaubt, den Tod seiner asthmatischen Frau Susan (Mell) für eine Versicherungspolice verursacht zu haben. Der Film gilt als Inspiration für berühmte Hollywood-Filme wie Basic Instinct und Body of Evidence.

George Dumurrier ist ein wohlhabender Arzt, der zusammen mit seinem jüngeren Bruder Henry ein Zentrum leitet, überlässt jedoch die Pflege seiner asthmatischen Frau Susan seiner Schwester Martha und einer Krankenschwester. Er führt eine Beziehung mit Jane, Larrys persönlicher Assistentin und professioneller Fotografin. Jane, die sehr in George verliebt ist, zweifelt an der Zukunft ihrer Beziehung. George und Jane unternehmen eine romantische Reise nach Reno. Nach der Ankunft im Casino erhält George einen Anruf von Henry, der ihm mitteilt, dass Susan an einem heftigen Asthmaanfall gestorben ist. Zurück in seinem luxuriösen Haus in San Francisco wird George von Henry getröstet. Eine Versicherungspolice über 1 Million Dollar, die Susan hinterlassen hat, ist ein willkommener Bonus für Georges Geschäftsvorhaben. Ein Vertreter der Versicherung beginnt, George zu beobachten, entdeckt seine Beziehung zu Jane und bringt seine Verdachtsmomente zum Polizeiermittler, Inspektor Wald.

Der Vogel mit der Kristallfeder (1970)

Es ist ein Giallo-Film von 1970, regiegeführt von Dario Argento, in seinem Regiedebüt. Der Film gilt als Urheber der italienischen Giallo-Filmkategorie. Bei seiner Veröffentlichung war der Film ein bemerkenswerter Erfolg und erzielte 1.650.000.000 italienische Lire. Auch außerhalb Italiens war er erfolgreich. Sam Dalmas ist ein amerikanischer Autor, der mit seiner englischen Freundin Julia, die unter einer Schreibblockade leidet und kurz davor ist, nach Amerika zurückzukehren, Urlaub in Rom macht. Er wird Zeuge eines Überfalls auf eine Dame in einer Kunstgalerie durch einen seltsamen Mann mit schwarzen Handschuhen und Regenmantel. Als Sam versucht, ihn zu erreichen, wird er zwischen zwei mechanisch betriebenen Glastüren eingesperrt und kann nur zusehen, wie der Mann entkommt. Die Dame, Monica Ranieri, wurde angegriffen, und die Polizei beschlagnahmte Sams Pass, um ihn am Verlassen des Landes zu hindern. Der Täter wird für einen Serienmörder gehalten, der Mädchen in der ganzen Stadt tötet, und Sam ist ein entscheidender Zeuge.

Was habt ihr mit Solange gemacht? (1972)

Was habt ihr mit Solange gemacht? ist ein Giallo-Film aus dem Jahr 1972, inszeniert von Massimo Dallamano mit Fabio Testi, Karin Baal, Joachim Fuchsberger, Cristina Galbó und Camille Keaton in den Hauptrollen. Die Handlung folgt einer Reihe gewalttätiger Morde, die an einer katholischen Mädchenschule in London stattfinden.

Während sie mit ihrem Lehrer Enrico Rosseni auf einem Boot ist, sieht Elizabeth Seccles, wie ein Junge eine Frau im Wald an der nahegelegenen Küste ersticht. Rosseni überredet Elizabeth, über das, was sie gesehen hat, zu schweigen. Ein weiteres Mädchen, eine Schülerin desselben Colleges, wird später vom selben Mörder getötet. Kurz darauf wird Elizabeth in ihrem Badezimmer ermordet. Die Behörden verdächtigen Rosseni, der seine Beziehung zu der sexuell unterdrückten Herta gesteht, in der Hoffnung, ihr Hilfe zu verschaffen. Doch Rosseni wird entlastet: Die Opfer hatten alle einen Priester gesehen und waren mit einem Mädchen namens Solange befreundet, das im vorherigen Semester die Schule besucht hatte, aber auf unerklärliche Weise verschwunden war.

Giallo (2009)

Giallo ist ein Horror-Kriminalfilm aus dem Jahr 2009, geschrieben und inszeniert von Dario Argento mit Adrien Brody, Emmanuelle Seigner und Elsa Pataky in den Hauptrollen. Turin, Italien: Die französische Flugbegleiterin Linda und der italienisch-amerikanische Ermittler Enzo Avolfi tun sich zusammen, um Lindas jüngere Schwester Celine zu suchen. Celine wurde von einem Serienmörder entführt, der als „Giallo“ bekannt ist und schöne ausländische Frauen in seinem nicht lizenzierten Taxi entführt. Nachdem er sie betäubt hat, verstümmelt und tötet der Mörder sie schließlich. Enzo erhält einen Anruf von einem Kollegen, der die Leiche einer asiatischen Frau vor einer Kirche entdeckt. Sie stellen fest, dass sie noch lebt und beginnt, Japanisch zu sprechen. Enzo und Linda suchen einen Übersetzer, der ihnen sagt, dass die Frau immer wieder das Wort „gelb“ wiederholt. Sie gehen zur Leichenhalle, wo Linda erkennt, dass das Gesicht des Mörders gelb sein könnte, und der Gerichtsmediziner informiert Enzo, dass gelbe Haut ein Zeichen für Lebererkrankungen ist.

Beil für die Hochzeitsnacht (1970)

Beil für die Hochzeitsnacht ist ein Giallo-Film aus dem Jahr 1970, inszeniert von Mario Bava mit Stephen Forsyth, Dagmar Lassander, Laura Betti und Femi Benussi in den Hauptrollen. Die Geschichte folgt John Harrington, einem wahnsinnigen Axtmörder, der junge Bräute aufgrund eines Kindheitstraumas tötet. Die Produktion des Films war von Spannungen zwischen Besetzung und Crew, Problemen mit Drehorten und einer deutlichen Unterbrechung der Dreharbeiten aufgrund von Budgetproblemen geprägt. Der Film wurde erst ein Jahr nach Abschluss der Dreharbeiten veröffentlicht und wurde sowohl vom Publikum als auch von Kritikern weitgehend ignoriert, blieb jedoch trotz des Kultstatus von Bavas Werk eines seiner vielen eigenartigen Filme.

John Harrington ist ein gut aussehender 30-jähriger Mann, der sich gezwungen fühlt, junge Bräute wegen eines jugendlichen Traumas zu töten. John lebt in einem geräumigen Ferienhaus außerhalb von Paris, wo er eine Brautmodenfabrik betreibt, die seiner vermissten Mutter gehörte und finanziell von seiner Frau Mildred unterstützt wird. Er und Mildred kommen jedoch nicht miteinander aus, doch sie weigert sich, eine Scheidung in Betracht zu ziehen. Immer wenn er hört, dass eine Frau unter den Models, die in der Brautmodenfabrik arbeiten, heiraten muss, tötet er sie mit einem Fleischbeil, während sie ihr Hochzeitskleid anprobiert, verbrennt die Leiche und verwendet die Asche als Dünger. Jeder Mord gibt ihm ein etwas klareres Bild seiner traumatischen Erinnerung. Inspektor Russell kommt oft, um John zu den 6 verschwundenen Models zu befragen, doch mangels Beweisen kann er ihn nicht verhaften.

A Bay of Blood (1971)

A Bay of Blood ist ein Giallo- und Slasherfilm aus dem Jahr 1971 unter der Regie von Mario Bava. Bava schrieb das Drehbuch zusammen mit Giuseppe Zaccariello, Filippo Ottoni und Sergio Canevari. In dem Film spielen Claudine Auger, Luigi Pistilli, Brigitte Skay, Nicoletta Elmi und Laura Betti mit. Carlo Rambaldi produzierte die grausamen Spezialeffekte. Die Geschichte zeigt eine Reihe von rituellen Morden, die sich um eine Bucht ereignen. Der Film beeinflusste die Slasherfilme, die Jahre später folgen sollten, und gilt als einer der 50 größten Krimi- / Horrorfilme aller Zeiten.

In der Nacht auf ihrem Anwesen an der Bucht wird die im Rollstuhl sitzende Gräfin Federica Donati von ihrem Partner Filippo Donati angegriffen und erwürgt. Wenige Minuten später wird Philip selbst von einem Angreifer erstochen, und seine Überreste werden in die Bucht gezogen. Nach einer Untersuchung entdecken die Polizisten, was sie für einen Abschiedsbrief der Gräfin halten, doch Philips Mord wird nicht entdeckt. Der Immobilienvertreter Frank Ventura und seine Verlobte Laura planen, die Bucht zu übernehmen. Nachdem die Gräfin sich geweigert hat, ihnen das Haus anzubieten, schmiedet das Paar zusammen mit Philip einen Plan, um ihren Ehemann zu töten. Um ihre Strategie zu vervollständigen, benötigt Ventura von Philip die Unterzeichnung einer Reihe von Rechtsdokumenten. Sie haben jedoch keine Ahnung, dass Philip selbst bereits getötet wurde.

Ein stiller Ort auf dem Land (1968)

Ein stiller Ort auf dem Land ist ein Giallo-Film aus dem Jahr 1968 unter der Regie von Elio Petri mit Franco Nero und Vanessa Redgrave in den Hauptrollen. Basierend auf der Kurzgeschichte „The Beckoning Fair One“ von Oliver Onions folgt die Handlung einem Künstler, der mit seiner Frau in ein ländliches Ferienhaus zieht, wo er zunehmend beängstigende und übernatürliche Situationen erlebt.

Der visuelle Künstler Leonardo Ferri, der es kaum erwarten kann, dem Trubel der Stadt zu entfliehen, bereitet seinen Umzug von Mailand zu einem Landgut auf dem italienischen Land zusammen mit seiner britischen Freundin, einer Galeristin namens Flavia, vor. Sein Immobilienberater bietet ihm ein großes Haus an, doch Leonardo fühlt sich zu einem großen, heruntergekommenen Mietobjekt in der Nähe hingezogen. Eines Nachmittags erreicht Leonardo das eingezäunte Grundstück und trifft Attilio, seinen Hausmeister, der ihm mitteilt, dass die Eigentümer es vermieten könnten. Schließlich mietet Leonardo das Haus und beginnt sofort mit der Restaurierung.

Die Besessenen (1965)

Die Besessenen (La donna del lago) ist ein italienischer Giallo-Film von 1965, geschrieben und inszeniert von Luigi Bazzoni und Franco Rossellini mit Peter Baldwin, Virna Lisi, Pia Lindstrom und Philippe Leroy in den Hauptrollen. Er basiert auf dem Roman La donna del lago von Giovanni Comisso. Bernard (Peter Baldwin), ein berühmter Schriftsteller, taucht für eine Winterreise in einer italienischen Stadt nahe eines Sees auf. Er erkundet ein altes Hotel, das Enrico und seiner Tochter Irma (Valentina Cortese) gehört, und hofft heimlich, ihre Dienstmagd Tilde zu finden: Beim letzten Mal, als er dort war, hatte er eine Schwärmerei für sie und hatte sie sogar verfolgt. Er ist schockiert, als er erfährt, dass Tilde (Virna Lisi) in der vergangenen Wintersaison Selbstmord begangen hat, nachdem sie entdeckt hatte, dass sie schwanger war. Sie nahm Gift zu sich und schnitt sich sogar die Kehle durch.

Tenebrae (1982)

Tenebrae ist ein italienischer Giallo-Film von 1982, geschrieben und inszeniert von Dario Argento. Der Film mit Anthony Franciosa als amerikanischem Autor Peter Neal, der während einer Buchpromotion in Rom für sein neuestes Werk über Morde und Geheimnisse in die Suche nach einem Serienmörder verwickelt wird, der möglicherweise durch sein Buch zum Töten motiviert wurde. Der Film wurde als Geschichte von Dualismus und sexueller Abweichung mit starken metaphysischen Komponenten definiert. Tenebrae markierte die Rückkehr des Regisseurs zum Horror-Thriller-Subgenre, das er in den 1970er Jahren mitgeprägt hatte. Argento wurde von einer Reihe von Ereignissen beeinflusst: Ein Fan rief den Regisseur an, um ihm die zerstörerischen mentalen Folgen seiner vorherigen Arbeit vorzuwerfen. Das Telefonat gipfelte in Morddrohungen gegen Argento, die er in die Entstehung von Tenebrae einfließen ließ. Ebenso wollte der Regisseur den Unsinn der Morde erzählen, die er tatsächlich gesehen und während seines Aufenthalts in Los Angeles 1980 erfahren hatte.

Peter Neal, ein amerikanischer Autor von gewalttätigen und Horror-Büchern, kommt nach Italien, um sein neuestes Werk Tenebrae zu promoten. Er wird von seinem Literaturagenten Bullmer und seiner Assistentin Anne begleitet. Neal weiß nicht, dass er in Rom von seiner Ex-Freundin Jane verfolgt wird. Kurz bevor Neal in Rom ankommt, wird Elsa, eine junge Diebin, mit einem Rasiermesser getötet. Der Mörder schickt Neal einen Brief, in dem er ihm mitteilt, dass seine Bücher ihn zu den Morden inspiriert haben. Neal wird von Detective Germani und seinem Kollegen, Inspektor Altieri, kontaktiert.

Folter nicht das Entlein (1972)

Ein italienischer Giallo-Film von 1972 unter der Regie von Lucio Fulci, mit Florinda Bolkan, Tomas Milian und Barbara Bouchet in den Hauptrollen. Die Handlung folgt einem Ermittler, der eine Reihe von Kindermorden in einer Inselstadt im Süden Italiens untersucht. Der Soundtrack des Films wurde von Riz Ortolani komponiert, mit der Stimme von Ornella Vanoni. Im Herbst 1972 in Italien veröffentlicht, ist Folter nicht das Entlein bemerkenswert in Fulcis Filmografie, da es zu den allerersten Filmen gehört, in denen er begann, gewalttätige Gore-Effekte einzusetzen. Das „Entlein“ im Filmtitel beschreibt eine Donald-Duck-Puppe, deren Kopf von einer verrückten Frau abgeschnitten wurde, was eine Idee für die Morde liefert.

In der Stadt Accendura im Süden Italiens gibt es drei Kinder: Bruno, Michele und Tonino. Giuseppe Barra, ein Einfaltspinsel, der zwei Mitbürger ausspioniert, die mit einer Prostituierten unterwegs sind, wird wütend, als die drei Kinder, die ihn sehen, anfangen, sich über ihn lustig zu machen. Auf den Hügeln rund um die Stadt führt La Magiara, eine einsame Hexe, schwarze Magierituale durch, indem sie zunächst die Überreste eines Kindes ausgräbt und dann Nadeln zwischen die Köpfe von drei kleinen Tonpuppen steckt. Das Ritual steht in Verbindung mit den drei Jungen, die Giuseppe verspotten.

Dein Haus mit lachenden Fenstern (1976)

ist ein italienischer Giallo-Film von 1976, geschrieben und inszeniert von Pupi Avati. Der Film wurde in Lido degli Scacchi in der Provinz Ferrara gedreht. Stefano (Lino Capolicchio) kommt in ein Dorf in den Comacchio-Tälern, wo er gerufen wurde, um ein Fresko zu restaurieren, das scheinbar das Martyrium des San Sebastiano darstellt, das tatsächlich von einem seltsamen Künstler namens Legnani auf einer verfallenen Kirchenmauer gemalt wurde, der vor einiger Zeit gestorben ist. 

Während er vorübergehend in dem Haus wohnt, das zuvor den zwei Brüdern des verschwundenen Malers gehörte, beginnt Stefano eine Liebesaffäre mit Francesca (Francesca Marciano) und entdeckt, dass der Maler tatsächlich ein Narr war. Insbesondere stellt Stefano fest, dass der Künstler, unterstützt von seinen zwei ebenso verrückten Brüdern, ein Mörder war. Einige Dorfbewohner werden getötet, darunter seine Partnerin, und Stefano glaubt, dass der Täter versucht, ihn daran zu hindern, die Wahrheit über den Maler des Gemäldes herauszufinden.

Kurze Nacht der Glaspuppen, 1971

Kurze Nacht der Glaspuppen ist ein italienischer Giallo-Film aus dem Jahr 1971. Es ist der Regieeinstand von Aldo Lado und mit Ingrid Thulin, Jean Sorel und Barbara Bach besetzt. Die Überreste des Journalisten Gregory Moore (Jean Sorel) werden auf einem Platz in Prag gefunden und zur Leichenhalle gebracht. Doch Moore lebt, ist in seinem Leichnam gefangen und erinnert sich panisch daran, wie das Verschwinden seiner wunderschönen Freundin (Barbara Bach) zu einer erschreckenden Verschwörung führte.

Er beginnt, seinen Geist zu betreten. Er untersucht und findet einen Club, in dem okkulte Rituale stattfinden. Schließlich geht er in den Club und erkundet den Ort, an dem der leblosen Körper seiner Freundin Mira verschwunden ist, der in einem geheimen Raum liegt, bedeckt mit Blumen. Als Moore ohne sie zu finden geht, betrachtet der Hüter des Clubs Miras Körper und denkt, wie bezaubernd sie auch nach ihrem Tod ist. Schließlich prallt die ganze Wahrheit auf Moore zurück und endet in einem atemberaubenden und verstörenden Finale.

Spasm (1974)

Spasmo ist ein italienischer Giallo-Film von 1974 unter der Regie von Umberto Lenzi mit Robert Hoffmann und Suzy Kendall in den Hauptrollen. Christian und seine Freundin gehen an einen Strand, um Sex zu haben, wo sie eine erhängte Frau finden: in Wirklichkeit ist es eine verstümmelte Schaufensterpuppe. Dann stoßen sie auf den Körper einer Frau, diesmal mit dem Gesicht nach unten. Sie ist nicht tot, ihr Name ist Barbara, und ohne zu sagen, wie sie dorthin gekommen ist, verschwindet sie schnell. Christian kann Barbara nicht aus dem Kopf bekommen: Er findet sie auf einem Boot, das in einer Marina vertäut ist. Er und seine Freundin gehen zu einer Party an Bord des Bootes, wo sie Barbara und ihren Liebhaber Alex treffen.

Das Genre der Giallo-Filme

Im filmischen Kontext beschreibt der Begriff Giallo-Film für das italienische Publikum jede Art von mysteriösem Mord- oder Horror-Thriller. Das englischsprachige Publikum verwendet den Begriff Thriller tatsächlich, um speziell eine Kategorie italienischer Thriller-Horror-Filme zu bezeichnen, die dem italienischen Publikum als italienischer Giallo präsentiert werden. 

In der englischsprachigen Welt werden italienische Giallo-Filme oft als Spaghetti Thriller oder Spaghetti Slashers bezeichnet, ähnlich wie italienische Western und Polizeifilme als Spaghetti Western und Spaghetti Giallo beschrieben werden. Das Subgenre Giallo des italienischen Kinos begann als echte Adaptionen von Giallo-Büchern. Filmemacher begannen schnell, moderne filmische Strategien zu nutzen, um eine besondere Kategorie zu schaffen, die das Geheimnis und die Fiktion von Kriminalromanen bewahrte, jedoch auch in das Gebiet der psychologischen Thriller oder psychologischen Horrorfilme vordrang. Einige der gemeinsamen Merkmale dieser Filme wurden in die nächste Kategorie des amerikanischen Slasherfilms integriert.

Giallo-Filme zeigen oft einen unbekannten Mann, der Zeuge eines Mordes wird und schließlich zum Ziel des Killers wird, wenn er versucht, mehr über das Verbrechen herauszufinden. Manchmal beinhaltet der Giallo-Film eine weibliche Protagonistin, die in eine eher psychologische und sexuelle Geschichte verwickelt ist, die sich meist auf ihre Sexualität, ihren Geist und ihre Stimmung konzentriert. Die Detektivgeschichten beinhalten oft Straftaten und Ermittlungen, sollten jedoch nicht mit der anderen populären italienischen Giallo-Kategorie der 1970er Jahre verwechselt werden, den Polizisten, die eher actionorientierte Filme über Strafverfolgungsbeamte darstellen, die gegen die organisierte Kriminalität kämpfen. 

Schauspieler und Regisseure bewegten sich oft zwischen den beiden Kategorien, und es gibt einige Überschneidungen zwischen ihnen. Während viele Polizisten die Auseinandersetzungen zwischen der Mafia und der Polizei schilderten, konzentrierten sich einige frühe Beispiele in der Kategorie auf Mordermittlungen, insbesondere auf Fälle, in denen eine Frau in sexuellen Situationen getötet wird. Diese Filme waren eher psychologisch als actiongetrieben und wiesen andere Stile und Themen als Thriller auf, wie zum Beispiel Ein Bürger über jeden Verdacht (1970). Einige Filme könnten auch unter das Banner beider Kategorien fallen, wie Nackte Gewalt (1969) von Fernando Di Leo und Die Polizei bittet um Hilfe von Massimo Dallamano aus dem Jahr 1974 (Was habt ihr den Mädchen getan?).

Merkmale der Giallo-Filme

Giallo-Filme sind meist grausame Mord- und Mystery-Thriller, die die Thriller-Elemente der Ermittlungsfiktion mit Horrorelementen verbinden. Die stereotypische Giallo-Handlung beinhaltet einen mysteriösen Attentäter mit schwarzen Handschuhen, der eine Reihe von Frauen tötet. Während viele Giallo einen menschlichen Mörder zeigen, beinhalten einige auch eine da-look übernatürliche Film.

Die Hauptfigur im Giallo ist typischerweise ein Besucher, Reisender, Gestrandeter oder ein in Ungnade gefallener Privatdetektiv und oft ein Mädchen, das allein in einer seltsamen Situation oder in einer fremden Umgebung ist. Das Geheimnis ist die Identität des Mörders, die oft im Höhepunkt enthüllt wird. Er verbirgt seine Identität mit einer Tarnung: Hut, Maske, Sonnenbrille, Handschuhe, Regenmantel. So bleibt der literarische Thriller-Aspekt der Giallo-Bücher erhalten, während Elemente der Horrorfilme und die Inszenierung von Blut und Gewalt integriert werden. 

Einige Filme, zum Beispiel Mario Bavas Ein Beil für die Brautnacht von 1970, in dem der Mörder als Protagonist auftritt, verändern die konventionelle Struktur erheblich oder verzichten ganz darauf und behalten nur die Themen oder den Stil bei. Ein konstantes Element der Kategorie ist ein ungewöhnlicher Mangel an Fokus auf eine logische oder kohärente Erzählung. Während viele eine kleine geheime Struktur haben, gibt es oft scheinbar unsinnige oder bizarre Handlungselemente und eine grundlegende Missachtung von Realismus in Schauspiel, Dialog und Charakteren. 

Die Bilder der Giallo-Filme

Die Giallo sind oft mit starker technischer Kinematografie und eleganten Bildern, leuchtenden Farben und ungewöhnlichen Kamerawinkeln, übertriebenem Schwenken und grellen Tracking-Shots, chaotischer Bildkomposition und Struktur, Nahaufnahmen von zitternden Augen und ungewöhnlichen Objekten verbunden. Neben den berühmten Bildern von schattenhaften Attentätern in schwarzen Handschuhen verwenden Giallo oft sehr elegante und sogar surreale Farbgebungen. Die Regisseure Dario Argento und Mario Bava sind besonders bekannt für ihre impressionistischen Bilder und den Einsatz starker Farben, obwohl andere Giallo-Regisseure wie Lucio Fulci eher nüchterne und realistische Stile verwendet haben. 

Neben der Tradition der Giallo-Bücher wurden die frühen Giallo-Filme von den deutschen „Krimi“-Filmen der frühen 1960er Jahre beeinflusst. Produziert vom dänisch-deutschen Studio Rialto Film, basierten diese Schwarzweißfilme auf den Geschichten von Edgar Wallace und enthielten geheime Handlungsstränge mit einem maskierten Mörder, doch sie wiesen wenig von der extremen Stilistik und dem Blut der italienischen Giallo-Filme auf. Der schwedische Regisseur Arne Mattsson wurde ebenfalls als mögliche Inspiration für die Detektivgeschichte genannt, insbesondere sein Film Mannequin in Red von 1958. Der Film weist narrative und stilistische Ähnlichkeiten mit späteren Giallo-Filmen auf, vor allem in der Verwendung von Farbe und dem mehrfachen Mordplot. 

Die Ära der Giallo-Filme

Der erste echte Kriminalfilm überhaupt gilt als Mario Bavas The Girl Who Knew Too Much (1963). In Schwarzweiß gedreht und ohne die Gewalt und Sexualität, die spätere Detektivfilme prägen sollten, wird dem Film zugeschrieben, die wesentliche Struktur des Genres etabliert zu haben: Darin wird eine junge amerikanische Touristin in Rom Zeugin eines Mordes, ihre Aussage wird von den Behörden abgelehnt, und sie muss selbst versuchen, die Identität des Mörders herauszufinden. Bava nutzte die Tradition der deutschen Krimi-Filme zusammen mit dem Hitchcock’schen Design, das im Titel angedeutet wird, und die Struktur des Films fungierte als Standard-Designmodell für die meisten Thriller, die folgen sollten.

Nach The Girl Who Knew Too Much drehte Bava im folgenden Jahr den einflussreichen und eleganten Film Blood and Black Lace (1964). Der Film zeigte eine Vielzahl von Aspekten, die schließlich emblematisch für das Genre wurden: ein maskierter Stalker mit einer Waffe in der schwarz behandschuhten Hand, der eine Reihe attraktiver Frauen tötet. Der Film war zur damaligen Zeit kein finanzieller Erfolg, doch die eingeführten Tropen wie der schwarz behandschuhte Mörder, provokative Sexualität und der mutige Einsatz von Farbe wurden ikonisch für das Genre.

In den folgenden zwei Jahren folgten zahlreiche ähnlich thematisierte Giallo-/Thriller-Filme, darunter die ersten Filme der Regisseure Antonio Margheriti, Umberto Lenzi und Lucio Fulci, die später bedeutende Regisseure im wachsenden Giallo-Genre wurden. Dario Argentos erster Spielfilm von 1970 verwandelte den Thriller in ein großes kulturelles Phänomen. Dieser Film, The Bird with the Crystal Plumage, war stark von Blood and Black Lace beeinflusst und präsentierte eine Sprache eleganter Gewalt und Spannung, die dazu beitrug, das Filmgenre neu zu definieren. Der Film war ein Erfolg und wurde vielfach nachgeahmt. Sein Erfolg führte zu einer langen Reihe ähnlicher italienischer Filme mit mörderischen, gewalttätigen und sexuell faszinierenden Handlungen. Argento drehte in den folgenden fünf Jahren drei weitere Filme.

Die Giallo-Kategorie hatte ihren ersten Erfolg von 1968 bis 1978. Die berühmteste Periode war jedoch das fünfjährige Intervall zwischen 1971 und 1975, in dem 96 verschiedene Giallo-Filme produziert wurden. Regisseure wie Bava, Argento, Fulci, Lenzi und Margheriti produzierten auch in den 1970er Jahren und darüber hinaus weiterhin Giallo-Filme, und weitere wichtige Regisseure wurden schnell engagiert, darunter Sergio Martino, Paolo Cavara, Armando Crispino, Ruggero Deodato und der Sohn von Bava, Lamberto Bava. Die Kategorie machte auch Spanien Anfang der 1970er Jahre zu schaffen, was zu Filmen wie La residencia (The House That Screamed) (1969) und Los Ojos Azules de la Muñeca Rota (Blue Eyes Of The Broken Doll) (1973) führte. 

Einfluss der Giallo-Filme

Giallo-Filme wurden auch in den 1970er und 1980er Jahren weiterhin produziert, doch allmählich ließ ihre Anziehungskraft nach und die Film-Budgetpläne begannen zu sinken. Regisseur Pupi Avati parodierte die Kategorie 1977 mit einem Giallo-Slapstick mit dem Titel All dead … except the dead. Die Produktion von Giallo-Filmen ging in den 1990er Jahren drastisch zurück und es gab nur wenige Titel in den 2000er Jahren. Die italienische Giallo-Fiktion hinterließ tatsächlich einen nachhaltigen Einfluss auf die Produktion von Horrorfilmen und Mordrätseln, indem sie die Grundlage für die amerikanischen Slasher- und Splatterfilme schuf, die Anfang der 1980er Jahre populär wurden. Selbst Alfred Hitchcock mit Brian De Palmas Frenzy (1972) und Dressed to Kill (1980) sind eindeutig von der Kategorie inspiriert.