Films Giallo : Histoire et Films Giallo à Regarder

Dans le cinéma italien, le thriller a été une tendance importante qui a produit certains des films à voir absolument. Les films Giallo sont un mélange de genres préexistants : ils peuvent contenir des éléments de films policiers, thriller, d’horreur et de slasher, d’histoires criminelles, de thrillers psychologiques et parfois d’éléments surnaturels.

Le film Giallo mêle le thriller fictionnel à des composantes du genre horrifique et de l’érotisme, et inclut typiquement un tueur dont l’identité n’est révélée qu’au dernier acte du film. La catégorie, établie entre le milieu et la fin des années 1960, a culminé dans les années 1970 avant de décliner dans le cinéma industriel grand public au cours des années suivantes, bien qu’ils continuent à être produits encore aujourd’hui. Le film Giallo fut un précurseur et eut un impact majeur sur la catégorie suivante des films slasher américains.

Le terme Giallo dérive d’une série de romans policiers mystérieux intitulée Il giallo Mondadori, publiée par Mondadori en Italie depuis 1929 et qui tire son nom du fond jaune caractéristique de la couverture. La série consistait en des traductions italiennes d’ouvrages d’auteurs américains et britanniques : Agatha Christie, Ellery Queen, Edgar Wallace, Ed McBain, Rex Stout, Edgar Allan Poe et Raymond Chandler.

Publié sous forme de livres de poche économiques, le succès des livres Giallo attira rapidement l’attention d’autres maisons d’édition italiennes. Elles lancèrent leurs propres collections et imitèrent les couvertures jaunes. La fascination pour ces séries développa finalement le mot Giallo comme synonyme en italien d’un livre policier avec meurtrier. Dans l’usage courant et médiatique en Italie, il s’applique aussi à une affaire non résolue ou étrange.

🆕 Énigmes d’Auteur : Meilleurs Films Mystère Récents (2023-2025)

Mystery of an Employee

Maintenant disponible

Drame, thriller, de Fabio Del Greco, Italie, 2019.
Quelqu'un veut contrôler la vie de l'employé Giuseppe Russo : les produits qu'il achète, sa foi politique et religieuse, sa vie privée, même ses rêves. Mais il fera tout pour échapper à ce contrôle et retrouver son vrai moi. Giuseppe est un homme d'environ 45 ans, marié, avec un emploi stable et une maison à lui. Sa vie semble paisible lorsqu'il rencontre un vagabond mystérieux qui lui donne de vieilles cassettes vidéo VHS. Giuseppe commence à voir des vidéos dans lesquelles il est filmé à différents moments de sa vie, depuis son enfance, puis son adolescence et sa jeunesse. Qui a filmé ces vidéos dont il ne se souvient de rien ? Giuseppe a la sensation étrange d'être constamment observé et commence à enquêter sur ce qui se passe. À travers cette enquête sur lui-même, il commence à redécouvrir sa véritable identité et à prendre conscience de qui il est vraiment.

Employee's Mystery est un film qui met en lumière le danger du contrôle social et montre une société où chacun est constamment surveillé et conditionné dans son for intérieur. Le film est aussi une analyse de la nature humaine et de l'identité. Fabio Del Greco, qui incarne Giuseppe, offre une performance captivante. Chiara Pavoni, dans le rôle de Giada Rubin, et Roberto Pensa, dans le rôle du vagabond, sont tout aussi remarquables. Employee's Mystery aborde des thèmes importants de manière originale, un thriller psychologique qui tient le spectateur en haleine jusqu'à la fin : une métaphore de la société contemporaine, où les individus sont de plus en plus surveillés et conditionnés par les médias et les technologies. C’est une œuvre courageuse et provocante, qui traite des thèmes essentiels de façon originale.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Anatomy of a Fall (2023)

Samuel est retrouvé mort dans la neige à l’extérieur de son chalet isolé près de Grenoble. Est-il tombé ? S’est-il jeté ? Ou a-t-il été poussé ? Le seul suspect est sa femme Sandra (Sandra Hüller), une écrivaine allemande à succès. Dans Anatomy of a Fall, le procès qui s’ensuit n’est pas seulement une enquête juridique, mais une vivisection brutale de leur relation, observée à travers les yeux confus de leur fils malvoyant Daniel, le seul témoin incertain d’une vérité insaisissable.

Lauréat de la Palme d’Or à Cannes et de l’Oscar du meilleur scénario original, le film de Justine Triet est le mystère définitif de notre époque. Il renverse les règles du drame judiciaire : il n’y a pas de rebondissements sensationnels, mais l’horreur des mots enregistrés et des disputes domestiques. C’est un film sur l’impossibilité de vraiment connaître ceux que nous aimons, où la « solution » du mystère importe moins que la construction narrative que nous choisissons de croire.

Decision to Leave (2022)

Un homme tombe d’un sommet montagneux. Le détective Hae-jun, insomniaque et méticuleux, enquête sur la mort et rencontre la veuve de la victime, Seo-rae, une mystérieuse femme chinoise qui ne semble pas du tout affectée. Dans Decision to Leave, l’interrogatoire se transforme rapidement en un jeu de séduction et d’obsession : le détective tombe amoureux de sa principale suspecte, perdant sa clarté professionnelle tandis que les preuves s’accumulent et se contredisent dans un labyrinthe de sentiments et de manipulations.

Le maître coréen Park Chan-wook (Oldboy) signe un polar hitchcockien d’une élégance visuelle saisissante. Récompensé du Prix du Meilleur Réalisateur à Cannes, le film utilise le langage du polar policier pour raconter une histoire d’amour impossible et tragique. Chaque plan est un indice, chaque coupure de montage un battement de cœur. C’est un mystère raffiné et sensuel qui exige une attention totale du spectateur pour saisir les nuances d’une passion qui détruit tout ce qu’elle touche.

Monster (2023)

Une mère veuve remarque un comportement étrange chez son fils préadolescent Minato et découvre qu’un enseignant l’a agressé verbalement et physiquement. La femme confronte l’école en exigeant justice. Cependant, dans Monster, l’histoire rembobine et est racontée trois fois sous trois points de vue différents : celui de la mère, de l’enseignant, et enfin de l’enfant. Chaque changement de perspective bouleverse complètement la vérité, révélant que le « monstre » du titre pourrait ne pas être celui que l’on croit, ou peut-être n’existe-t-il pas du tout.

Kore-eda Hirokazu construit un mystère délicat et déchirant à la manière de Rashomon. Il n’y a pas de corps mort (du moins pas au départ), mais il y a le mystère de l’enfance et de l’incommunicabilité. C’est un mystère psychologique et social qui explore les préjugés et les mensonges que nous nous racontons pour nous protéger ou protéger les autres. La bande originale, la dernière composée par le légendaire Ryūichi Sakamoto, accompagne une fin révélatrice d’une rare beauté et tristesse.

Conclave (2024)

Le Pape est mort. Derrière les portes closes de la Chapelle Sixtine, les cardinaux les plus puissants du monde se réunissent pour élire un successeur. Le cardinal Lawrence (Ralph Fiennes), chargé de superviser le processus, se retrouve à gérer non seulement une élection spirituelle mais aussi une conspiration politique faite de chantages, de secrets indicibles et de scandales sexuels qui émergent au fur et à mesure des votes. Dans Conclave, l’arrivée d’un mystérieux cardinal inconnu créé in pectore par le défunt pontife plonge tout le Vatican dans la panique.

Edward Berger (À l’Ouest, rien de nouveau) réalise un thriller ecclésiastique d’une tension extrême qui fonctionne comme un classique Agatha Christie whodunit, mais situé dans les couloirs du pouvoir absolu. Ralph Fiennes est monumental dans le rôle d’un détective en soutane qui doit sauver l’Église d’elle-même. C’est un film élégant, verbeux, plein de rebondissements, traitant la foi comme une partie d’échecs mortelle.

🕵️‍♂️ Quel mystère voulez-vous résoudre ?

La quête de la vérité au cinéma est un labyrinthe aux multiples entrées. Il n’y a pas que le détective classique avec sa loupe : le mystère se cache dans la tension psychologique, les procédures policières, les ombres du passé, et les récits d’auteur qui défient les règles. Pour vous aider à choisir l’enquête parfaite pour votre soirée, voici nos guides essentiels des genres qui font du suspense leur arme gagnante.

Thrillers et Mystères Indépendants

Les mystères les plus fascinants sont ceux dont on ignore la fin. Le cinéma indépendant n’a pas à répondre à la logique commerciale hollywoodienne, il peut donc se permettre des fins inconfortables, des protagonistes ambigus, et des intrigues qui vous laissent dans le doute. Si vous cherchez une enquête hors des sentiers battus, commencez ici.

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Films Thriller

Si pour vous l’enquête n’est pas un jeu intellectuel mais une question de survie, le Thriller est le genre qu’il vous faut. Ici, la question n’est pas seulement « qui l’a fait ? », mais « vont-ils survivre ? ». Découvrez des films qui misent tout sur l’adrénaline, les retournements psychologiques, et la tension qui vous tient en haleine.

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Films Policier

Du côté de la loi (pour la plupart). Le genre policier déplace l’attention du simple casse-tête vers la procédure : interrogatoires, traques, corruption, et vie de commissariat. Si vous aimez le réalisme de la rue et le duel entre détective et criminel, cette liste est pour vous.

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Films Noir

Les racines du mystère se trouvent ici. Avant les profileurs modernes, il y avait les détectives privés cyniques, les femmes fatales, et les villes enveloppées de brouillard. Le noir est l’atmosphère quintessentielle de l’enquête : élégant, désabusé, et moralement ambigu. Pour ceux qui aiment le style et les histoires où personne n’est vraiment innocent.

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Films Cultes

Il existe des enquêtes qui sont entrées dans la légende du cinéma. De Fenêtre sur cour à Usual Suspects, ce sont les chefs-d’œuvre qui ont réécrit les règles du suspense et du retournement final. Les titres incontournables que tout amateur de mystère doit voir au moins une fois.

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🔍 L’Art du Meurtre : Films Classiques de Mystère (1931-2000)

Avant la médecine légale moderne et les preuves ADN, résoudre une affaire était un art reposant sur l’intuition, la déduction et la psychologie. Le classique « Whodunit » est un mécanisme d’horlogerie parfait, où le spectateur est mis au défi de résoudre l’énigme avant le détective. Des ombres expressionnistes de Fritz Lang au suspense insoutenable d’Hitchcock, jusqu’à la révolution esthétique et sanglante du Giallo italien par Dario Argento. Voici les chefs-d’œuvre qui ont inventé les règles du jeu, transformant le meurtre en un des beaux-arts.

M (1931)

Une ville allemande est terrorisée par un tueur en série d’enfants que la police ne parvient pas à attraper. L’intensification des enquêtes et des descentes perturbe les affaires du crime organisé local, qui décide alors de prendre les choses en main. Dans M, les deux forces opposées de la société — la loi et le milieu — entament une chasse parallèle pour retrouver le meurtrier, Hans Beckert (Peter Lorre), et lui appliquer deux formes différentes de justice.

Fritz Lang réalise le premier véritable chef-d’œuvre du thriller psychologique et procédural. C’est un film révolutionnaire qui déplace le centre d’intérêt de l’énigme « qui l’a fait ? » (le meurtrier est révélé presque immédiatement) vers « comment l’attraper ? ». L’utilisation du son (le sifflement de In the Hall of the Mountain King) et des ombres expressionnistes crée une tension insoutenable. C’est la mère de tous les films de tueurs en série et de chasses à l’homme.

Le Faucon Maltais (1941)

Sam Spade est un détective privé cynique et dur à San Francisco. Lorsque son partenaire est tué en enquêtant sur une affaire apparemment banale, Spade se retrouve impliqué dans un réseau international de criminels excentriques, tous à la recherche d’une statuette inestimable : le Faucon Maltais. Dans Le Faucon Maltais, Spade doit naviguer à travers mensonges, femmes fatales (Mary Astor) et hommes impitoyables (Peter Lorre et Sydney Greenstreet) pour découvrir qui a tué son partenaire et où se trouve le trésor, sans se faire piéger par la police.

Le premier film réalisé par John Huston est celui qui a défini le Film Noir. Humphrey Bogart, avec son trench-coat et sa cigarette, devient l’archétype du détective privé : moralement ambigu mais fidèle à un code d’honneur personnel. Les dialogues fusent, et l’intrigue est un labyrinthe de tromperies. C’est le mystère déductif parfait, où chacun est coupable de quelque chose et où « la matière dont sont faits les rêves » n’est que du plomb.

Laura (1944)

Le détective Mark McPherson enquête sur le meurtre de Laura Hunt, une belle cadre publicitaire retrouvée morte dans son appartement, le visage défiguré par un coup de fusil. En interrogeant les hommes de sa vie — le critique ambigu Waldo Lydecker et le fiancé playboy Shelby — et en lisant son journal intime, McPherson commence à tomber amoureux du fantôme de la victime. Dans Laura, le retournement de situation survient à mi-film lorsque la femme que tout le monde croyait morte réapparaît vivante sur le pas de sa porte, transformant l’enquête en un mystère encore plus dense sur l’identité du cadavre et du meurtrier.

Otto Preminger réalise l’un des noirs les plus élégants et pervers de l’histoire. Ce n’est pas le mystère d’action habituel, mais une enquête sur l’obsession et la manipulation psychologique. La bande-son obsédante et la photographie brillante cachent un cœur sombre. C’est le film définitif sur le pouvoir que les morts (ou l’idée que nous en avons) exercent sur les vivants, avec un détective qui commet l’erreur fatale de tomber amoureux de l’affaire.

Le Troisième Homme (1949)

Holly Martins, un écrivain américain de romans western bon marché, arrive dans la Vienne d’après-guerre, divisée en quatre zones d’occupation, à l’invitation de son vieil ami Harry Lime. À son arrivée, il découvre qu’Harry est mort dans un accident de voiture suspect. En enquêtant pour réhabiliter la mémoire de son ami, dans Le Troisième Homme, Martins découvre qu’Harry est non seulement vivant mais est devenu un criminel monstrueux trafiquant de pénicilline adultérée, tuant des enfants innocents pour le profit.

Écrit par Graham Greene et réalisé par Carol Reed, c’est un chef-d’œuvre d’atmosphère et de suspense. La Vienne en ruines, les longues ombres dans les égouts, et la célèbre bande-son au cithare créent un monde où toute morale s’est effondrée. Orson Welles, dans le rôle de Harry Lime, n’apparaît que quelques minutes mais vole la scène avec son monologue de l’horloge à coucou. C’est un mystère politique et moral où le héros doit choisir entre la loyauté envers l’amitié et la justice.

Les Diaboliques (1955)

Dans un pensionnat français pour garçons, la fragile Christina est la propriétaire, mais son mari Michel, le directeur, est un tyran sadique qui la trompe ouvertement avec l’enseignante Nicole. Les deux femmes, victime et maîtresse, s’allient pour tuer l’homme : elles le droguent, le noient dans une baignoire, puis jettent le corps dans la piscine de l’école pour simuler un accident. Mais dans Les Diaboliques, lorsque la piscine est vidée, le corps a disparu. Commence alors un cauchemar paranoïaque : Michel est-il vivant ? Est-il un fantôme ? Ou quelqu’un joue-t-il avec leur esprit ?

Henri-Georges Clouzot signe le thriller qui a surpassé Hitchcock à son propre jeu (le maître anglais voulait les droits du livre). C’est un mécanisme de suspense parfait, claustrophobe et cruel, culminant dans l’une des fins les plus effrayantes et célèbres de l’histoire du cinéma (la scène de la baignoire). Fondamental pour le genre, il a introduit le concept du plot twist psychologique qui renverse complètement la perspective du spectateur.

Fenêtre sur cour (1954)

L.B. Jefferies (James Stewart), photographe d’action confiné dans un fauteuil roulant à cause d’une jambe cassée, passe sa convalescence à espionner avec un téléobjectif la vie des voisins dans la cour de son immeuble de Greenwich Village. Entre cœurs solitaires et danseurs, son attention est attirée par un représentant de commerce, Lars Thorwald, et sa femme malade qui disparaît soudainement. Dans Fenêtre sur cour, Jefferies devient convaincu que Thorwald a tué sa femme, mais sans corps, il doit utiliser uniquement son regard et l’aide de sa petite amie Lisa (Grace Kelly) pour résoudre l’énigme.

Alfred Hitchcock réalise le film définitif sur le voyeurisme et la nature même du cinéma (nous, spectateurs, sommes Jefferies). C’est un mystère en « unité de lieu » où la tension monte sans que la caméra ne quitte jamais l’appartement du protagoniste. Un chef-d’œuvre de construction narrative visuelle, où chaque fenêtre raconte une histoire et chaque détail (un parterre de fleurs dérangé, une alliance) est un indice vital.

Anatomie d’un meurtre (1959)

Paul Biegler (James Stewart), avocat de petite ville passionné de pêche et de jazz, accepte de défendre le lieutenant Manion, accusé d’avoir tué un barman qui aurait violé sa femme Laura. Manion ne nie pas le meurtre, mais la défense repose sur la « folie temporaire ». Dans Anatomie d’un meurtre, le procès devient une partie d’échecs entre l’accusation et la défense, où la vérité est fuyante et les clients ne sont pas les héros immaculés qu’ils semblent être.

Otto Preminger réalise le thriller juridique le plus réaliste et audacieux de l’époque (utilisant pour la première fois des mots comme « sperme » et « culotte » au tribunal, défiant la censure). Ce n’est pas un classique whodunit, mais une enquête sur la manière dont la vérité est manipulée et construite dans une salle d’audience. Ambigu, cynique et moderne, avec une bande-son jazz de Duke Ellington, il laisse le spectateur avec le doute moral de savoir si la justice a vraiment été rendue.

Le Haut et le Bas (1963)

Kingo Gondo, cadre riche d’une entreprise de chaussures, est sur le point d’investir toute sa fortune pour prendre le contrôle de la société. Juste à ce moment, il reçoit un appel téléphonique : son fils a été kidnappé. Mais le kidnappeur a fait une erreur : il a enlevé le fils du chauffeur de Gondo. Dans Le Haut et le Bas (Anatomia di un rapimento), Gondo fait face à un atroce dilemme moral : payer la rançon et risquer la ruine pour sauver le fils d’un employé, ou sauver sa carrière et condamner l’enfant ? La seconde partie du film suit la police dans une chasse à l’homme procédurale et méticuleuse à travers les bidonvilles de Yokohama.

Akira Kurosawa adapte un roman d’Ed McBain en créant le parfait polar policier. Le film est divisé géométriquement : la première partie, théâtrale et statique, se déroule dans le penthouse de luxe de Gondo ; la seconde, frénétique et dynamique, dans la ville étouffante. C’est une analyse impitoyable du fossé entre riches et pauvres et un chef-d’œuvre de tension investigative, influençant des réalisateurs comme Steven Spielberg et Bong Joon-ho.

Charade (1963)

Regina Lampert (Audrey Hepburn) revient à Paris d’un séjour décidé pour demander le divorce, mais découvre que son mari a été assassiné et avait volé une fortune en or pendant la guerre. Lors de ses funérailles, trois anciens camarades mystérieux apparaissent, voulant récupérer le butin et convaincus que Regina sait où il se trouve. Dans Charade (Sciarada), son seul allié semble être le charmant Peter Joshua (Cary Grant), mais lui aussi change de noms et d’identités à chaque rencontre.

Réalisé par Stanley Donen, il est souvent appelé « le meilleur film d’Hitchcock qu’Hitchcock n’ait jamais réalisé ». C’est un mystère sophistiqué mêlant suspense, comédie romantique et thriller en parfaite harmonie. Entre poursuites dans le métro parisien, tueurs aux crochets et dialogues brillants, le film est un mécanisme d’horlogerie de fausses pistes et de rebondissements, un précurseur du cinéma de divertissement intelligent moderne.

La Fille qui en savait trop (1963)

Réalisé par le cinéaste italien Mario Bava, le film met en vedette John Saxon dans le rôle du Dr Marcello Bassi et Letícia Román dans celui de Nora Davis. L’intrigue tourne autour d’une jeune fille nommée Nora, qui fait un voyage à Rome et est témoin d’un meurtre. De nombreux autres meurtres suivent, liés à une série de victimes choisies par ordre alphabétique. La Fille qui en savait trop est considérée comme le tout premier film policier, une catégorie de films mêlant sensualité, horreur et thriller. 

En vacances, Nora Davis (Letícia Román) s’est rendue à Rome pour visiter sa tante âgée malade. La tante de Nora est soignée par le Dr Marcello Bassi (John Saxon). La tante de Nora meurt le soir même de l’arrivée de Nora et celle-ci se rend à l’établissement de santé voisin pour informer le Dr Bassi. Pendant le trajet, elle est volée sur la Piazza di Spagna. Elle voit le corps d’une femme morte étendue sur le sol à côté d’elle ; un homme barbu retire un couteau du dos de la femme. Nora le signale aux autorités, mais elles ne découvrent aucune preuve et pensent qu’elle hallucine.

Blood and Black Lace (1964)

Blood and Black Lace est un film Giallo de 1964 réalisé par Mario Bava et mettant en vedette Eva Bartok et Cameron Mitchell. L’histoire suit les meurtres impitoyables d’un tueur masqué dans une tentative désespérée d’acquérir un journal révélant un scandale. Isabella, mannequin pour Christian Haute Couture, une maison de mode romaine, se promène sur la propriété en soirée lorsqu’elle est éliminée par un tueur portant un masque blanc, un chapeau noir et un imperméable. L’inspecteur de police Silvestri interroge Massimo Morlacchi, qui co-gère le salon de coiffure avec la comtesse récemment veuve Cristiana Cuomo. Silvestri découvre que la jeune fille était une toxicomane et qu’elle avait tenté de lutter contre sa dépendance.

Les Jeunes, les Méchants et les Sauvages (1968) 

Un film policier de Antonio Margheriti. Une femme est noyée dans une baignoire puis placée dans un coffre sur une camionnette en direction du collège St. Hilda. Parmi les instructeurs se trouve Mme Clay, une professeure de sciences. Il y a aussi un jeune instructeur, Richard Barrett, instructeur de plongée. Il n’y a que 7 femmes dans l’institut, les autres étant en voyage. Arrivé sur place, le coffre est placé au sous-sol.

Betty Ann entre au sous-sol, est étranglée puis emportée. La recherche de la dame disparue commence. Toutes les femmes sont invitées à ne pas quitter les lieux, cependant l’une d’elles, Lucille, a une consultation avec son instructeur Richard, avec qui elle a une liaison. Lucille décide de sortir et se rend dans une petite maison sur une colline, où elle découvre le corps de Betty Ann et s’enfuit. Elle rencontre Richard et l’informe de ce qui s’est passé, mais le corps de Betty Ann a disparu à leur retour.

Orgasmo (1969)

Orgasmo est un film Giallo de 1969 réalisé par Umberto Lenzi et mettant en vedette Carroll Baker, Lou Castel et Colette Descombes. L’Américaine Catherine West arrive en Italie depuis New York, attendue par de nombreux journalistes suite au décès de son mari Robert dans un accident de voiture, un baron du pétrole texan qui lui a laissé une fortune de 200 millions de dollars. Elle se retire dans une maison de vacances italienne louée par son austère avocat, Brian Sanders. Catherine rencontre Peter Donovan, un jeune Américain de Boston dont la voiture est tombée en panne à proximité. Catherine, qui au début est froide envers ses avances romantiques, est rapidement séduite par Peter et les deux entament une relation passionnée.

Douce… si perverse (1969)

Douce… si perverse est un film policier réalisé par Umberto Lenzi et écrit par Ernesto Gastaldi, avec Carroll Baker et Jean-Louis Trintignant. Situé à Paris, il raconte l’histoire d’une épouse qui complote pour éliminer un mari riche, mais qui devient elle-même la victime de ses complices.

Jean, un riche industriel parisien, a épousé Danielle, mais elle le rejette désormais. Par vengeance, il se laisse séduire par la femme d’un invité lors d’une soirée. Une femme séduisante emménage dans l’appartement au-dessus du leur et, parfois, ils entendent quelqu’un la gronder et la battre. Jean tente de la protéger, et ils deviennent intimes. Elle s’appelle Nicole et son ex violent est Klaus. Il l’avertit que Klaus tentera de le tuer, ce qui arrive bientôt. Son corps calciné est retrouvé dans un véhicule incendié. Nicole, qui est en réalité la complice de Danielle, révèle que Jean lui avait versé sa part de la récompense. Danielle commence à être harcelée et, alors qu’elle est au téléphone avec Nicole, Klaus entre dans la maison et lui tire dessus. Faute d’indices, l’inspecteur de police accepte à contrecœur l’hypothèse du suicide. 

Une femme à abattre (1969)

Une femme à abattre (One on the other), est un film italien de Giallo de 1969 réalisé par Lucio Fulci et mettant en vedette Jean Sorel, Marisa Mell, Elsa Martinelli, Alberto de Mendoza et John Ireland. Premier véritable film de Giallo réalisé par Fulci, son intrigue tourne autour de George Dummurrier (Sorel), un médecin malhonnête de San Francisco qui pense avoir causé la mort de sa femme asthmatique Susan (Mell) pour toucher une assurance. Le film est considéré comme l’inspirateur de célèbres films hollywoodiens tels que Basic Instinct et Body of Evidence.

George Dumurrier est un médecin riche qui dirige un centre avec son frère cadet Henry, mais il confie les soins de sa femme asthmatique Susan à sa sœur Martha et à une infirmière. Il entretient une relation avec Jane, l’assistante personnelle de Larry, un photographe professionnel. Très amoureuse de George, Jane doute de l’avenir de leur relation. George et Jane partent en escapade romantique à Reno. À leur arrivée au casino, George reçoit un appel d’Henry, qui lui annonce que Susan est morte d’une violente crise d’asthme. De retour dans sa luxueuse maison de San Francisco, George est réconforté par Henry. Une police d’assurance d’un million de dollars laissée par Susan est un bonus opportun pour les affaires de George. Un représentant de la compagnie d’assurance commence à suivre George, découvre sa relation avec Jane et transmet ses soupçons à l’inspecteur de police Wald.

L’Oiseau au plumage de cristal (1970)

C’est un film de Giallo de 1970 réalisé par Dario Argento, à ses débuts en tant que réalisateur. Le film est le précurseur de la catégorie des films italiens de Giallo. À sa sortie, le film a rencontré un succès notable en rapportant 1 650 000 000 de lires italiennes. Il a également connu le succès hors d’Italie. Sam Dalmas est un auteur américain en vacances à Rome avec sa petite amie anglaise, Julia, qui souffre d’un blocage de l’écrivain et est sur le point de retourner en Amérique, lorsqu’il est témoin de l’agression d’une dame dans une galerie d’art par un étrange individu portant des gants noirs et un imperméable. En essayant de l’atteindre, Sam se retrouve coincé entre deux portes vitrées automatiques et ne peut que regarder l’homme s’échapper. La dame, Monica Ranieri, a été attaquée et la police a saisi le passeport de Sam pour l’empêcher de quitter le pays. L’agresseur est soupçonné d’être un tueur en série qui assassine des jeunes filles dans toute la ville et Sam est un témoin crucial.

Qu’as-tu fait à Solange ? (1972)

Qu’as-tu fait à Solange ? est un film Giallo de 1972 réalisé par Massimo Dallamano et mettant en vedette Fabio Testi, Karin Baal, Joachim Fuchsberger, Cristina Galbó et Camille Keaton. L’intrigue suit une série de meurtres violents qui ont lieu dans un pensionnat catholique pour filles à Londres.

Alors qu’elle est sur un bateau avec son professeur Enrico Rosseni, Elizabeth Seccles voit un garçon poignarder une femme dans les bois sur la côte voisine. Rosseni convainc Elizabeth de garder le silence sur ce qu’elle a vu. Une autre fille, étudiante dans le même collège, est ensuite tuée par le même meurtrier. Peu après, Elizabeth est assassinée dans sa salle de bain. Les autorités pensent que c’est Rosseni, qui avoue sa relation avec la sexuellement réprimée Herta dans l’espoir d’obtenir de l’aide pour elle. Mais Rosseni est disculpé : les victimes avaient toutes vu un prêtre et étaient amies avec une fille nommée Solange, qui avait commencé à fréquenter l’école le semestre précédent mais avait disparu de manière inexpliquée.

Giallo (2009)

Giallo est un film d’horreur policier de 2009 écrit et réalisé par Dario Argento et mettant en vedette Adrien Brody, Emmanuelle Seigner et Elsa Pataky. Turin, Italie : Linda, hôtesse de l’air française, et Enzo Avolfi, enquêteur italo-américain, font équipe pour enquêter sur la sœur cadette de Linda, Céline. Céline a été enlevée par un tueur en série connu sous le nom de « Giallo » qui kidnappe de belles étrangères dans son taxi non autorisé. Après les avoir droguées, le tueur continue de les mutiler puis finit par les tuer. Enzo reçoit un appel d’un collègue qui découvre le corps d’une femme asiatique devant une église. Ils découvrent qu’elle est encore vivante et commence à parler en japonais. Enzo et Linda cherchent un traducteur, qui leur dit que la dame répète le mot « jaune ». Ils se rendent à la morgue, où Linda reconnaît que le visage du tueur pourrait être jaune, et le médecin légiste informe Enzo que la peau jaune est un signe de maladie du foie.

Hachette pour la lune de miel (1970)

Hachette pour la lune de miel est un film Giallo de 1970 réalisé par Mario Bava et mettant en vedette Stephen Forsyth, Dagmar Lassander, Laura Betti et Femi Benussi. L’histoire suit John Harrington, un fou armé d’une hache qui tue de jeunes mariées en raison d’un traumatisme juvénile. La production du film a été difficile en raison de tensions entre le casting et l’équipe, de problèmes de lieux de tournage, et d’une interruption notable du tournage lorsque le budget a été épuisé. Il n’a été lancé qu’un an après la fin du tournage et a été largement ignoré tant par le public que par les critiques, restant parmi les nombreux films étranges de Bava même après que son œuvre ait acquis un statut culte.

John Harrington est un beau garçon de 30 ans qui se sent poussé à tuer de jeunes mariées à cause d’un traumatisme juvénile. John réside dans une grande maison de vacances en dehors de Paris, où il dirige une usine de robes de mariée héritée de sa mère disparue et financée par sa femme Mildred. Lui et Mildred ne s’entendent pas, cependant elle refuse de considérer le divorce. Chaque fois qu’il apprend qu’une femme parmi les mannequins travaillant dans l’usine doit se marier, il la tue avec un couperet alors qu’elle essaie sa robe de mariée, brûle le corps et utilise les cendres comme engrais. Chaque meurtre lui donne une image un peu plus claire de son souvenir traumatique. L’inspecteur Russell vient souvent interroger John au sujet des 6 mannequins disparues mais faute de preuves, il est incapable de l’arrêter.

La Baie sanglante (1971)

La Baie sanglante est un film Giallo et slasher de 1971 réalisé par Mario Bava. Bava a écrit le scénario du film avec Giuseppe Zaccariello, Filippo Ottoni et Sergio Canevari. Le film met en vedette Claudine Auger, Luigi Pistilli, Brigitte Skay, Nicoletta Elmi et Laura Betti. Carlo Rambaldi a produit les effets spéciaux macabres. L’histoire montre une série de meurtres rituels qui ont lieu autour d’une baie. C’est un film qui a influencé les films slasher qui suivront des années plus tard, considéré parmi les 50 plus grands films policiers / d’horreur de tous les temps.

Durant la nuit dans son domaine sur la baie, la comtesse Federica Donati en fauteuil roulant est attaquée et étranglée à mort par son compagnon, Filippo Donati. Quelques minutes plus tard, Philip lui-même est poignardé à mort par un agresseur, et ses restes sont ensuite traînés dans la baie. Après un examen, les policiers découvrent ce qu’ils pensent être une note d’adieu écrite par la comtesse, cependant le meurtre de Philip n’est pas découvert. Le représentant immobilier Frank Ventura et sa fiancée Laura complotent pour prendre le contrôle de la baie. Après que la comtesse a refusé de leur offrir la maison, le couple a élaboré un plan avec Philip pour tuer son mari. Pour compléter leur stratégie, Ventura exige que Philip signe une série de documents légaux. Ils n’ont aucune idée, cependant, que Philip lui-même a en réalité été tué.

Un coin tranquille à la campagne (1968)

Un coin tranquille à la campagne est un film Giallo de 1968 réalisé par Elio Petri et mettant en vedette Franco Nero et Vanessa Redgrave. Basé sur la nouvelle « The Beckoning Fair One » d’Oliver Onions, l’intrigue suit un artiste qui emménage dans une maison de campagne avec sa femme, où il commence à vivre des situations de plus en plus effrayantes et surnaturelles.

Désireux de fuir l’agitation de la ville, l’artiste visuel Leonardo Ferri se prépare à déménager de Milan vers une propriété rurale dans la campagne italienne avec sa petite amie britannique, une galeriste nommée Flavia. Son consultant immobilier lui propose une grande maison, mais Leonardo est attiré par une grande location délabrée à proximité. Un après-midi, Leonardo arrive à la propriété clôturée et rencontre Attilio, son gardien, qui l’informe que les propriétaires pourraient la louer. Leonardo finit par louer la maison et commence immédiatement les travaux de restauration.

Les Possédés (1965)

Les Possédés (La donna del lago) est un film italien Giallo de 1965 écrit et réalisé par Luigi Bazzoni et Franco Rossellini et mettant en vedette Peter Baldwin, Virna Lisi, Pia Lindstrom et Philippe Leroy. Il est basé sur le roman La donna del lago de Giovanni Comisso. Bernard (Peter Baldwin), un écrivain célèbre, arrive dans une ville italienne près d’un lac pour un voyage d’hiver. Il explore un vieil hôtel appartenant à Enrico et sa fille Irma (Valentina Cortese), espérant secrètement retrouver leur bonne Tilde : la dernière fois qu’il était là, il avait un béguin pour elle et l’avait même harcelée. Il est stupéfait d’apprendre que Tilde (Virna Lisi) s’est suicidée la saison hivernale précédente après avoir découvert qu’elle était enceinte. Elle a ingéré du poison et s’est même tranché la gorge.

Ténèbres (1982)

Ténèbres est un film italien Giallo de 1982 écrit et réalisé par Dario Argento. Le film met en vedette Anthony Franciosa dans le rôle de l’auteur américain Peter Neal, qui, alors qu’il se trouve à Rome pour promouvoir son dernier livre sur les meurtres et mystères, se retrouve impliqué dans la recherche d’un tueur en série qui pourrait avoir été motivé à tuer par son livre. Le film a été défini comme une histoire de dualisme et d’aberration sexuelle et possède de fortes composantes métaphysiques. Ténèbres représente le retour du réalisateur au sous-genre du thriller d’horreur, qu’il a contribué à promouvoir dans les années 1970. Argento a été influencé par une série d’événements : un fan a téléphoné au réalisateur pour le blâmer des conséquences mentales destructrices de son œuvre précédente. L’appel téléphonique s’est terminé par des menaces de mort contre Argento, qui a intégré cette expérience dans l’écriture de Ténèbres. De même, le réalisateur voulait raconter les absurdités des meurtres qu’il avait réellement vus et dont il avait entendu parler lors de son séjour à Los Angeles en 1980.

Peter Neal, un auteur américain de livres violents et d’horreur, arrive en Italie pour promouvoir son dernier ouvrage, Ténèbres. Il est accompagné de son représentant littéraire, Bullmer, et de son assistante, Anne. Neal n’est pas informé qu’il est suivi à Rome par son ex-petite amie, Jane. Peu avant l’arrivée de Neal à Rome, Elsa, une jeune voleuse, a été tuée avec un rasoir. Le tueur envoie une lettre à Neal lui indiquant que ses livres l’ont influencé à commettre des meurtres. Neal est contacté par le détective Germani et son collègue, l’inspecteur Altieri.

Ne torturez pas un caneton (1972)

Un film italien Giallo de 1972 réalisé par Lucio Fulci, avec Florinda Bolkan, Tomas Milian et Barbara Bouchet. L’intrigue suit un enquêteur examinant une série de meurtres d’enfants dans une ville insulaire du sud de l’Italie. La bande originale du film a été composée par Riz Ortolani avec la voix de Ornella Vanoni. Sorti à l’automne 1972 en Italie, Ne torturez pas un caneton est notable dans la filmographie de Fulci car il fait partie des tout premiers films où il commence à utiliser des impacts gore violents. Le « caneton » dans le titre du film désigne une poupée Donald Duck dont la tête a été coupée par une femme folle, offrant une piste pour les meurtres.

Dans la ville d’Accendura, dans le sud de l’Italie, il y a 3 enfants, Bruno, Michele et Tonino. Giuseppe Barra, un simple d’esprit qui espionne 2 concitoyens allant avec une prostituée, se met en colère lorsque les 3 enfants qui le voient commencent à se moquer de lui. Sur les collines entourant la ville, La Magiara, une sorcière solitaire, pratique des rituels de magie noire, exhumant d’abord les restes d’un enfant puis plantant des épingles entre les têtes de 3 petites poupées en argile. Le rituel est lié aux 3 garçons qui ridiculisent Giuseppe.

Ta maison aux fenêtres qui rient (1976)

est un film italien Giallo de 1976 écrit et réalisé par Pupi Avati. Le film a été tourné à Lido degli Scacchi dans la province de Ferrare. Stefano (Lino Capolicchio) arrive dans un village des vallées de Comacchio où il a été appelé pour restaurer une fresque représentant ce qui semble être le martyre de San Sebastiano, qui a en réalité été peint sur un mur en ruine de l’église par un étrange artiste décédé depuis longtemps nommé Legnani. 

Alors qu’il réside momentanément dans la maison qui appartenait en fait auparavant aux 2 frères du peintre disparu, Stefano entame une liaison avec Francesca (Francesca Marciano), et découvre que le peintre avait en réalité été un fou. En particulier, Stefano découvre que l’artiste, aidé par ses 2 frères tout aussi fous, avait été un meurtrier. Certains villageois sont tués, y compris sa partenaire, et Stefano croit que le tueur essaie de l’empêcher de découvrir la vérité sur l’artiste de la fresque.

Brève nuit des poupées de verre, 1971

Brève nuit des poupées de verre est un film italien Giallo de 1971. C’est le premier film réalisé par Aldo Lado et met en vedette Ingrid Thulin, Jean Sorel et Barbara Bach. Les restes du journaliste Gregory Moore (Jean Sorel) sont découverts sur une place de Prague et livrés à la morgue. Cependant, Moore est vivant, piégé dans son propre cadavre, et se remémore frénétiquement comment la disparition de sa magnifique petite amie (Barbara Bach) a conduit à une effrayante conspiration.

Il commence à pénétrer dans son esprit. Il enquête et découvre un club où se déroulent des rituels occultes. Il finit par se rendre au club et explore l’endroit où le corps sans vie de sa petite amie Mira a disparu, allongé dans une pièce secrète couverte de fleurs. Alors que Moore s’en va sans la trouver, le gardien du club regarde le corps de Mira et pense à quel point elle aussi est charmante après sa mort. Finalement, toute la vérité revient à Moore, et cela se termine de manière stupéfiante et troublante.

Spasm (1974)

Spasmo est un film italien de Giallo de 1974 réalisé par Umberto Lenzi et mettant en vedette Robert Hoffmann et Suzy Kendall. Christian et sa petite amie se rendent sur une plage pour avoir des relations sexuelles où ils trouvent une femme pendue : en réalité, il s’agit d’un mannequin mutilé. Puis ils tombent sur le corps d’une femme, cette fois face contre terre. Elle n’est pas morte, elle s’appelle Barbara et sans expliquer comment elle est arrivée là, elle disparaît rapidement. Christian ne peut pas sortir Barbara de son esprit : il la retrouve sur un bateau amarré dans une marina. Lui et sa petite amie vont à une fête à bord du bateau, où ils rencontrent Barbara et son amant, Alex.

Le genre des films Giallo

Dans le contexte cinématographique, pour le public italien, un film Giallo désigne tout type de thriller mystérieux ou d’horreur. Les publics anglophones ont en fait utilisé le terme thriller pour désigner spécifiquement une catégorie de films thriller-horreur italiens présentés aux spectateurs italiens comme un Giallo italien. 

Dans le monde anglophone, les films Giallo italiens sont souvent décrits comme Spaghetti Thriller ou Spaghetti Slashers, de la même manière que les westerns italiens et les films policiers ont été décrits comme Spaghetti Western et Spaghetti Giallo. Le sous-genre Giallo du cinéma italien a commencé comme de véritables adaptations de livres Giallo. Les cinéastes ont rapidement commencé à exploiter au maximum les stratégies cinématographiques modernes pour produire une catégorie spéciale qui conservait le mystère et la fiction des livres policiers, cependant, ils ont également exploré le territoire des thrillers psychologiques ou de l’horreur psychologique. Certains des attributs communs de ces films ont été intégrés dans la catégorie suivante des slashers américains.

Le film Giallo met souvent en scène un homme inconnu qui est témoin d’un meurtre et qui finit par être la cible du tueur lorsqu’il essaie d’en savoir plus sur le crime. D’autres fois, le film Giallo inclut une protagoniste féminine impliquée dans une histoire plus psychologique et sexuelle, généralement centrée sur sa sexualité, son esprit et son humeur. Les histoires de détectives incluent souvent des infractions criminelles et des enquêtes, mais ne doivent pas être confondues avec l’autre catégorie populaire de Giallo italien des années 1970, les policiers, qui consiste en des films plus orientés action sur des agents des forces de l’ordre combattant le crime organisé. 

Les acteurs et réalisateurs passaient souvent d’une catégorie à l’autre et il existe un certain chevauchement entre elles. Alors que de nombreux policiers ont raconté les affrontements entre la Mafia et la police, certains premiers exemples dans la catégorie se sont concentrés sur des enquêtes de meurtres, et en particulier des cas où une femme est tuée dans des situations sexuelles. Ces films étaient plus psychologiques que centrés sur l’action, et présentaient des styles et des thèmes différents des thrillers, comme Dans la peau d’un citoyen (1970). Certains films pourraient également être envisagés sous la bannière des deux catégories, tels que Violence nue (1969) de Fernando Di Leo et La police demande aide de Massimo Dallamano de 1974 (Que leur avez-vous fait, à vos filles ?).

Caractéristiques des films Giallo

Les films Giallo sont généralement des thrillers macabres mêlant meurtres et mystères, intégrant les éléments du thriller d’enquête avec des scènes d’horreur. Le scénario stéréotypé du Giallo inclut un assassin mystérieux portant des gants noirs qui tue une série de femmes. Alors que beaucoup de Giallo mettent en scène un tueur humain, certains incluent également une dimension surnaturelle.

Le personnage principal du Giallo est typiquement un visiteur, un voyageur, un naufragé ou un détective privé déshonoré, souvent une jeune femme seule dans une situation étrange ou dans un environnement inconnu. Le secret réside dans l’identité du tueur, qui est souvent révélée lors du climax. Il dissimule son identité par un camouflage : chapeau, masque, lunettes de soleil, gants, imperméable. Ainsi, l’aspect thriller littéraire des livres Giallo est maintenu, tout en intégrant des éléments des films d’horreur et la mise en scène du sang et de la violence. 

Certains films, par exemple Le Couteau de la mariée de Mario Bava de 1970, qui inclut le tueur comme protagoniste, modifient significativement la structure conventionnelle ou l’abandonnent complètement, ne conservant que les thèmes ou le style. Un élément constant de la catégorie est un manque inhabituel d’attention à une narration logique ou cohérente. Bien que beaucoup aient une structure secrète, il existe souvent des aspects d’intrigue apparemment absurdes ou bizarres et un mépris fondamental pour le réalisme dans le jeu d’acteur, les dialogues et les personnages. 

Les images des films Giallo

Les Giallo sont souvent associés à une cinématographie technique forte et à des images élégantes, des couleurs vives et des angles de caméra inhabituels, des panoramiques excessifs et des travellings criards, un cadrage et une structure chaotiques, des gros plans sur des yeux tremblants et des objets insolites. En plus des images célèbres des assassins ombragés en gants noirs, les Giallo utilisent souvent des usages très élégants et même surréalistes de la couleur. Les réalisateurs Dario Argento et Mario Bava sont particulièrement connus pour leurs images impressionnistes et l’utilisation de couleurs fortes, bien que d’autres réalisateurs Giallo comme Lucio Fulci aient adopté des styles plus sobres et réalistes. 

En plus de la tradition des livres Giallo, les premiers films Giallo ont été influencés par les films allemands « krimi » du début des années 1960. Produits par le studio danois/allemand Rialto Film, ces films en noir et blanc basés sur les histoires d’Edgar Wallace incluaient des intrigues secrètes avec un tueur masqué, mais ils manquaient de la stylisation extrême et du sang caractéristiques des films italiens Giallo. Le réalisateur suédois Arne Mattsson a également été cité comme une possible source d’inspiration pour le récit policier, notamment avec son film de 1958 Mannequin in Red. Ce film partage des similitudes narratives et stylistiques avec les films Giallo ultérieurs, notamment son utilisation de la couleur et son intrigue à multiples meurtres. 

La période des films Giallo

Le premier véritable film policier est considéré comme étant La Fille qui en savait trop de Mario Bava (1963). Tourné en noir et blanc et dépourvu de la violence et de la sexualité qui allaient définir les films policiers par la suite, ce film est crédité d’avoir établi la structure essentielle du genre : une jeune touriste américaine à Rome est témoin d’un meurtre, son témoignage est rejeté par les autorités et elle doit elle-même tenter de découvrir l’identité du tueur. Bava a utilisé la tradition des films krimi allemands ainsi que le style hitchcockien évoqué dans le titre, et la structure du film a servi de modèle standard pour la plupart des thrillers qui allaient suivre.

Après La Fille qui en savait trop, Bava a tourné l’année suivante le film influent et élégant Le Sang des innocents (1964). Le film présentait plusieurs aspects qui allaient devenir emblématiques de la catégorie : un traqueur masqué avec une arme dans sa main gantée de noir tuant une série de femmes séduisantes. Le film n’a pas rencontré de succès financier à l’époque, mais les tropes qu’il introduisait, tels que le tueur ganté de noir, la sexualité provocante et l’usage audacieux de la couleur, allaient devenir iconiques du genre.

De nombreux films Giallo/thrillers au thème similaire ont suivi au cours des deux années suivantes, comprenant les premiers films des réalisateurs Antonio Margheriti, Umberto Lenzi, et Lucio Fulci, qui allaient devenir des réalisateurs importants dans la catégorie Giallo en pleine expansion. Le premier long métrage de Dario Argento, en 1970, a transformé le thriller en un grand phénomène culturel. Ce film, L’Oiseau au plumage de cristal, a été fortement influencé par Le Sang des innocents, et a présenté un langage de violence élégante et de thriller qui a contribué à redéfinir le genre cinématographique. Le film a rencontré un grand succès et a été largement imité. Son succès a donné lieu à une longue série de films italiens similaires, avec des intrigues meurtrières, violentes et sexuellement intrigantes. Argento en a réalisé 3 autres dans les 5 années suivantes.

La catégorie Giallo a connu son premier succès de 1968 à 1978. La période la plus célèbre, cependant, fut l’intervalle de cinq ans entre 1971 et 1975, durant lequel 96 films Giallo différents furent produits. Des réalisateurs tels que Bava, Argento, Fulci, Lenzi et Margheriti continuèrent à produire des films Giallo tout au long des années 1970 et au-delà, et d’autres réalisateurs importants furent rapidement engagés, notamment Sergio Martino, Paolo Cavara, Armando Crispino, Ruggero Deodato et le fils de Bava, Lamberto Bava. La catégorie a également sévi en Espagne au début des années 1970, donnant lieu à des films tels que La residencia (The House That Screamed) (1969) et Los Ojos Azules de la Muñeca Rota (Blue Eyes Of The Broken Doll) (1973). 

Influence des films Giallo

Les films Giallo ont continué à être produits dans les années 1970 et 1980, mais leur attrait a lentement diminué et les budgets des films ont commencé à baisser. Le réalisateur Pupi Avati a parodié la catégorie en 1977 avec un Giallo burlesque intitulé All dead … except the dead. Les films Giallo ont chuté drastiquement dans les années 1990 et ont vu peu de titres dans les années 2000. La fiction Giallo italienne a en réalité eu un impact durable sur la production de films d’horreur et de mystères policiers en créant les bases des films américains de slasher et splatter qui ont fini par être populaires au début des années 1980. Même Alfred Hitchcock avec Brian De Palma et Frenzy (1972) ainsi que Dressed to Kill (1980) sont clairement inspirés par cette catégorie.