Leitfaden zu den 70 Kultfilmen, die Sie unbedingt sehen müssen

Kultfilm ist ein sehr flexibles, abstraktes Konzept, das auf viele Arten von filmischen Werken angewendet wird, aber leicht für kommerzielle Zwecke manipuliert werden kann. Betrachtet man die Werbung für neue Filme, scheint es, als wären alle Kultfilme. Triumphale Aussagen erscheinen in Trailern: jener oder jener Kritiker nannte ihn ein Meisterwerk. Dieses Magazin sagte, es sei ein neuer Kultfilm.

🎬 Indiecinema Kult

Indiecinema wurde genau dafür gegründet, diesen verwaisten und rebellischen Werken ein Zuhause zu geben. Wenn Sie Filme suchen, die sonst niemand den Mut hat zu vertreiben, sind Sie hier richtig.

👉 Hier klicken, um jetzt Kultfilme zu streamen

Erkunden Sie das Kult-Phänomen

Kultkino ist ein weites Universum. Um Ihnen die Orientierung zu erleichtern, haben wir unsere Sammlung in thematische Pfade unterteilt. Klicken Sie auf die Kategorie, die Sie erkunden möchten:

Die Väter des Kults & Die Visionäre Hinter jedem großen Kultfilm steht ein Geist, der keinen Kompromiss einging. Wir sprechen von Regisseuren wie David Lynch, Alejandro Jodorowsky oder John Waters – Autoren, die die Kamera nutzten, um das Unbewusste, das Heilige und das Profane ohne Netz zu erforschen.

👉 ZUR LISTE: Visionäre Regisseure

Das goldene Zeitalter: Kultfilme der 80er Wenn es ein Jahrzehnt gibt, das die Ästhetik des modernen Kults kodifizierte, dank der Explosion von VHS und Mitternachtsvorführungen, dann ist es dieses. Von Neon-Noir-Sci-Fi bis hin zu praktischem Horror – das sind die Filme, die eine Generation prägten.

👉 ZUR LISTE: Beste Kultfilme der 80er

B-Movies & Underground-Kino Budget ist nicht alles. Oft schärft Geldmangel den Witz (oder den Wahnsinn). Hier feiern wir B-Movies, Exploitation und jene Filme, die „so schlecht sind, dass sie gut sind“ und ihre Glorie in Unvollkommenheit und Übermaß fanden.

👉 ZUR LISTE: B-Movies

Kult-Horror & Terror-Kino

Horror ist das Genre, das in der Geschichte die meisten Kultfilme hervorgebracht hat. Von Universal-Monstern bis zu Slashers der 80er, bis hin zu extremem Body Horror. Wenn Sie Blut, Angst und verstörende Visionen suchen, die der Zensur trotzten, sind Sie hier richtig.

👉 ZUR LISTE: Beste Kult-Horrorfilme

„Verfluchte“ & seltsame Filme Es gibt Werke, die jeder Klassifikation trotzen. Experimentelle, verstörende, traumähnliche Filme, die einen Zuschauer erfordern, der bereit ist, seine rationalen Koordinaten zu verlieren. Von Surrealismus bis Acid-Western ist dies die extremste Zone des Katalogs.

👉 ZUR LISTE: Seltsame & Unklassifizierbare Filme

Nosferatu

Jetzt verfügbar

Als der junge Immobilienmakler Thomas Hutter zum Schloss fährt, um einen Deal abzuschließen, wird Orlok von seinem Blut angezogen und beschließt, ihm in seine Heimatstadt zu folgen. Die Ankunft des Grafen verursacht eine Reihe mysteriöser Todesfälle und verbreitet Panik unter den Bewohnern.

Murnau schafft durch eindrucksvolle Bilder und verstörende Atmosphären ein Werk, das weit über die einfache Adaption von Stokers Roman hinausgeht. Der Film behandelt universelle Themen wie die Angst vor dem Tod, Isolation und den Verlust der Menschlichkeit. Die Produktion von Nosferatu war durch einige rechtliche Schwierigkeiten aufgrund der Urheberrechte an Bram Stokers Roman geprägt. Trotz alledem gelang es Murnau und seinem Team, einen Film mit großer visueller Wirkung zu schaffen. Die Wahl von Max Schreck für die Rolle des Grafen Orlok war genial. Sein leichenhafter Anblick und seine unnatürlichen Bewegungen machten die Figur des Orlok zu einem der ikonischen Monster in der Geschichte des Kinos. Im Laufe der Jahre wurde Nosferatu zu einem Kultfilm, der Generationen von Filmemachern beeinflusste und zu einem Bezugspunkt für das Horrorgenre wurde. Das Bild des Grafen Orlok mit seinen verlängerten Nägeln und eingesunkenen Augen ist zu einer Ikone des Horrorkinos geworden.

JETZT ANSEHEN

Kultfilme, die Sie unbedingt sehen müssen

Eine Auswahl von Kultfilmen, die die Geschichte des Kinos geprägt haben oder die aus irgendeinem Grund Kultwerke darstellen. Werke, die jahrelang vergessen waren und dann wiederentdeckt wurden, Kassenschlager, die zunächst scheiterten und dann zu Kultphänomenen wurden. Erstwerke und Nebenfilme großer Regisseure, die nach dem Ruhm ihrer Autoren Kultfilme wurden. Wegweisende und avantgardistische Filme, die die Filmgeschichte markierten. Dies ist nicht das übliche Ranking, das Filme von Blockbustern bis zu Independent-Filmen vermischt, wie man es auf allgemeinen Filmwebseiten findet. Es ist nicht der übliche große Korb, aus dem man zufällig etwas fischt, nur um eine Seite zu füllen. Viele wissen wahrscheinlich nicht genau, was ein Kultfilm ist, aber jetzt wissen Sie es. Dies ist eine Liste wahrer Kultfilme, die jeder wahre Cineast kennen sollte.

Bugonia (2025)

Zwei junge Verschwörungstheoretiker entführen die CEO einer mächtigen Pharmafirma, überzeugt davon, dass sie tatsächlich eine Außerirdische ist, die zur Zerstörung der Menschheit auf die Erde geschickt wurde. Sie halten sie in ihrem Keller gefangen und unterziehen sie surrealen Verhören und grotesker Folter, um sie zu zwingen, den Invasionsplan zu gestehen, während die Frau versucht, ihre Paranoia zu manipulieren, um sich selbst zu retten.

Yorgos Lanthimos (The Favourite, The Lobster) kehrt mit einem Remake des koreanischen Kultklassikers Save the Green Planet! zurück. Es ist perfektes Material für sein Kino: eine rabenschwarze, paranoide und misanthropische Komödie, die die dünne Grenze zwischen Wahnsinn und Wahrheit erkundet. Lanthimos lässt die Kostüme der Epoche hinter sich und konzentriert sich auf eine scharfe zeitgenössische Satire gegen den Corporatismus und kollektive Psychosen – einer der seltsamsten und verstörendsten Filme des Jahres.

Faust

Jetzt verfügbar

Horror, von F. W. Murnau, deutsch, 1926.
Faust ist ein älterer Gelehrter, der den Glauben an das Leben verloren hat. Er ist besiegt durch seine Unfähigkeit, anderen zu helfen, und durch das Bewusstsein seiner eigenen Sterblichkeit. Eines Tages trifft er Mephistopheles, der ihm einen Pakt anbietet: Im Austausch für seine Seele wird Mephistopheles ihm ewige Jugend und Macht schenken. Faust akzeptiert den Pakt und Mephistopheles führt ihn in eine Welt voller Luxus und Vergnügen. Faust verliebt sich in Gretchen, eine junge unschuldige Frau, doch ihre Liebe wird von Mephistopheles vereitelt.

Faust gilt als einer der größten Stummfilme aller Zeiten. Es ist ein visuell beeindruckender Film, in dem Murnau expressionistische Bildsprache und Symbolik nutzt, um eine dunkle und atmosphärische Welt zu erschaffen. Der Film enthält auch einige der ikonischsten Szenen der Filmgeschichte, wie die Sequenz, in der Faust und Mephistopheles auf einem fliegenden Teppich reisen. Neben seinen künstlerischen Qualitäten war Faust einer der letzten großen deutschen Filme, die vor dem Aufstieg der Nazis produziert wurden. Der dunkle und expressionistische Stil des Films beeinflusste später Regisseure wie Orson Welles und Fritz Lang. Es ist ein visuell beeindruckender und zum Nachdenken anregender Film, der die Themen Versuchung, Erlösung und die menschliche Existenz erforscht.

SPRACHE: Deutsch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Eine Schlacht nach der anderen (2025)

In einem zeitgenössischen Kalifornien, das von einer Atmosphäre der Paranoia und des Verfalls umhüllt ist, gerät ein Mann (Leonardo DiCaprio) in eine weitreichende Verschwörung, die korrupte politische Figuren, die Strafverfolgung und sozialen Chaos umfasst. Die Handlung, noch im Dunkeln liegend, aber inspiriert von der Stimmung in Thomas Pynchons Vineland, folgt dem verzweifelten Versuch des Protagonisten, seine Familie (einschließlich einer Wunderkind-Tochter) zu schützen, während die Welt um sie herum scheinbar auf eine politische und moralische Apokalypse zusteuert.

Paul Thomas Anderson inszeniert den teuersten und „kommerziellsten“ Film seiner Karriere und versammelt eine monumentale Besetzung, zu der Sean Penn und Benicio del Toro gehören. Es ist eine Rückkehr zum großen amerikanischen Freskostil von Magnolia, jedoch aktualisiert auf die Neurosen der Gegenwart. Gedreht im IMAX-Format, verspricht er ein intellektueller Actionthriller zu werden, der körperliche Verfolgung mit einer philosophischen Untersuchung über den Niedergang des Westens verbindet. Es ist nicht nur ein erwarteter Film; es ist das cineastische Ereignis, das das Autorenkino mit Blockbuster-Spektakel vereinen will.

Strange Darling (2024)

Was als scheinbar unschuldiger One-Night-Stand zwischen einer Frau („Die Dame“) und einem Mann („Der Dämon“) beginnt, entwickelt sich schnell zu einem brutalen Katz-und-Maus-Spiel durch die Wildnis Oregons. Die Erzählung ist in sechs nicht-lineare Kapitel zersplittert, die ständig die Wahrnehmung des Zuschauers darüber dekonstruieren, wer das Opfer und wer der Täter ist, und eine Blutspur enthüllen, die von einem Serienmörder hinterlassen wurde, der den Bundesstaat terrorisiert.

Regie führt JT Mollner, gedreht wurde vollständig auf 35mm-Film von Kameramann Giovanni Ribisi. Dies ist ein ästhetisch atemberaubender Horror-Thriller, der das Slasher-Genre neu definiert. Es ist kein gewöhnlicher Survival-Film: Es ist ein psychologisches Puzzle mit übersättigten Farben und traumhafter Atmosphäre, das sogar von Stephen King für seine geniale Struktur gelobt wurde. Ein sofortiger Kultklassiker, der grafische Gewalt nicht zur Schockwirkung nutzt, sondern um Machtverhältnisse und Manipulation innerhalb einer toxischen Beziehung bis zum Äußersten zu erforschen.

Beat the Devil

Jetzt verfügbar

Abenteuer, Komödie, von John Huston, Vereinigte Staaten, 1953.
Der Film beginnt mit einer Gruppe sehr unterschiedlicher und zwielichtiger Charaktere, die sich in einem italienischen Hafen befinden und auf ein Schiff warten, das sie nach Afrika bringen soll. Die Gruppe besteht aus Billy Dannreuther (gespielt von Humphrey Bogart) und seiner Frau Maria (gespielt von Gina Lollobrigida), Charles „O'Hara“ (gespielt von Peter Lorre) und seiner Frau Gwendolen (gespielt von Jennifer Jones) sowie einem exzentrischen und wohlhabenden britischen Gentleman, Peterson (gespielt von Robert Morley). Diese Charaktere und weitere sind alle daran interessiert, zu einer Uranmine in Afrika zu gelangen, um deren potenzielle Gewinne auszubeuten. Doch jeder von ihnen verbirgt seine Geheimnisse und verborgenen Motive. Während sie auf ihren Transport warten, verbringen sie die Zeit damit, miteinander zu interagieren und zu versuchen, die wahren Ziele der anderen zu entschlüsseln. Während der Reise treten Spannungen und Verrat innerhalb der Gruppe zutage. Die Dannreuthers entpuppen sich als Betrüger, die die anderen täuschen wollen, Peterson versucht, seine eigenen finanziellen Interessen zu schützen, und O'Hara scheint eine Verbindung zu einem mysteriösen versteckten Diamanten zu haben. Gleichzeitig entsteht die Idee, dass die Mine ein Betrug sein könnte und der Plan zum Scheitern verurteilt ist. Die Geschichte wird zunehmend chaotisch, mit unerwarteten Wendungen und Intrigen.

Der Film basiert auf einem gleichnamigen Roman von James Helvick (Pseudonym von Claud Cockburn) und ist eine groteske Komödie, die Elemente von Abenteuer, Noir und Komödie mischt, oft mit satirischem Ton. Die Besetzung ist bemerkenswert und umfasst Schauspieler wie Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Gina Lollobrigida, Peter Lorre und Robert Morley. Der Film wurde zunächst als ernster Thriller beworben, stellte sich jedoch am Ende als sehr anders heraus als die Erwartungen des Publikums, mit einem leichteren und ironischeren Ton. Obwohl er an den Kinokassen ein Misserfolg war und bei seiner Veröffentlichung gemischte Kritiken erhielt, hat er im Laufe der Jahre Kultstatus erlangt aufgrund seines einzigartigen St

JETZT ANSEHEN

Sasquatch Sunset (2024)

Ein Jahr im Leben einer Familie von vier Bigfoots (Sasquatch), die durch die Wälder Nordamerikas streifen. Es gibt keinen Dialog, keinen Off-Kommentar, keine sichtbaren Menschen. Nur Grunzen, Gesten und den täglichen Kampf ums Essen, Paaren und Überleben in einer sterbenden Natur. Unter schwerem, unerkennbaren Prothesen-Make-up verbergen sich berühmte Schauspieler wie Jesse Eisenberg und Riley Keough, die sich völlig in die animalischen Rollen hineinversetzen.

Dies ist der seltsamste, mutigste und absurdeste Film des Jahres. Die Zellner-Brüder haben eine fiktive Naturdokumentation geschaffen, die zwischen skatalogischer Komödie (Rülpsen, Sex, Erbrechen) und tragischer Poesie über die Einsamkeit einer bedrohten Spezies oszilliert. Es ist ein Ausdauertest für den Mainstream-Zuschauer, aber ein Juwel der Originalität für diejenigen, die etwas suchen, das sie so noch nie gesehen haben. Sofortiger Kult wegen seines Wahnsinns.

Stopmotion (2024)

Ella ist eine Stop-Motion-Animatorin, die im Schatten ihrer dominanten Mutter lebt, einer legendären Künstlerin auf diesem Gebiet. Als ihre Mutter erkrankt, beginnt Ella an einem makabren Projekt zu arbeiten, bei dem sie rohes Fleisch, tote Tiere und organische Materialien verwendet, um ihre Puppen zu erschaffen. Während der Film Gestalt annimmt, bröckelt Ellas Verstand: Die Puppen scheinen ein Eigenleben zu entwickeln, und die Grenze zwischen ihrer Kunst und ihrem eigenen Fleisch beginnt sich in einem Delirium aus Blut und Ton zu verwischen.

Regie führte Robert Morgan (ein wahrer Meister der gruseligen Animation). Dies ist ein Film über künstlerische Obsession, die sich in Selbstzerstörung verwandelt. Es ist ein sinnliches und texturales Erlebnis: Man kann das verrottende Fleisch riechen und das quitschende Geräusch der Puppen hören. Hier gibt es nichts Digitales oder Glänzendes; es ist ein taktiler, schmutziger und grotesker Albtraum, der an den frühen David Lynch oder Jan Švankmajer erinnert. Ein sofortiger Kultklassiker für alle, die Kunst lieben, die weh tut.

The Red House

Jetzt verfügbar

Thriller, Noir, von Delmer Daves, Vereinigte Staaten, 1947.
Ein junges Mädchen namens Meg lebt mit ihrem Adoptivbruder Pete und ihrem betagten Vater auf einer abgelegenen Farm. Das Haus ist von Wald und scheinbar unzugänglichem Land umgeben, das als „Das Rote Haus“ bekannt ist. Das Haus ist von Geheimnissen und lokalen Legenden umhüllt, und ihre Anwesenheit wirft einen unheilvollen Schatten auf das Leben von Meg und ihrer Familie. Als Meg beginnt, zur Schule zu gehen, verliebt sie sich in Nath, einen ihrer Klassenkameraden. Die Spannungen steigen, als Nath beschließt, das Gelände des Roten Hauses zu erkunden und versucht, die darin verborgenen Geheimnisse zu enthüllen. Dies ruft die besorgte und einschüchternde Reaktion von Megs Vater und Pete hervor, die scheinbar etwas Dunkles im Zusammenhang mit dem Roten Haus verbergen wollen.

„Das Rote Haus“ ist ein psychologischer Thriller, der die verborgenen Geheimnisse der Familienvergangenheit und deren Auswirkungen auf die Gegenwart erforscht. Die düstere und klaustrophobische Atmosphäre der Geschichte erzeugt ein Gefühl von Spannung und Geheimnis. Im Verlauf der Handlung kommen die Geheimnisse des Roten Hauses und seine Verbindungen zur Familie ans Licht, was zu schockierenden Enthüllungen und einem spannungsgeladenen Höhepunkt führt. Der Film verbindet Elemente von Noir und Spannung mit Elementen des Familiendramas. Er ist bekannt für seine eindrucksvolle Kameraführung und die intensiven Darstellungen der Besetzung und behandelt Themen wie Schuld, Geheimhaltung und Erlösung mit einem psychologischen Blick auf komplexe Familiendynamiken. Es ist ein weniger bekanntes Werk des psychologischen Thriller-Genres, das im Laufe der Jahre aufgrund seiner fesselnden Handlung und intensiven Darstellungen zu einem Kultfilm geworden ist.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Kultfilm der 10er Jahre

Um die Jahrtausendwende war das Kino noch ein wildes Terrain ohne Regeln. In diesem wegweisenden Jahrzehnt entstanden die ersten Visionen, die die Realität herausforderten: von den französischen Krimiserien Fantômas, die Anarchie und Verkleidung feierten, bis zu den ersten expressionistischen Experimenten. Hier entdeckte das Kino, dass es ein Traum (oder ein Albtraum) sein konnte und nicht nur eine Aufzeichnung des wirklichen Lebens.

L’Inferno (1911)

Im Stummfilm-Blockbuster L’Inferno, der lose von Dante Alighieris Göttlicher Komödie inspiriert ist, erleben wir eine buchstäbliche Reise durch die Kreise der ewigen Verdammnis. Wir folgen Dante und Vergil, wie sie den Verdammten, geflügelten Teufeln, Riesen und schließlich Luzifer selbst begegnen, der Verräter verschlingt. Für seine Zeit war es eine titanische Produktion, die drei Jahre Dreharbeiten und Hunderte von Statisten benötigte, um das Unvorstellbare zu visualisieren.

Es ist der erste wahre Spielfilm in der Geschichte des italienischen Kinos und ein Meisterwerk handwerklicher Spezialeffekte. Durch Überlagerungen, Perspektivtricks und Bühnenbilder, die von Gustave Dorés Illustrationen inspiriert sind, schafft der Film eine gotische und groteske Bildsprache, die nichts von ihrer visuellen Kraft eingebüßt hat. Ein fundamentales Werk, um zu verstehen, wie das Kino lernte, das Unsichtbare und Übernatürliche darzustellen.

Fantômas (1913)

Die Filmserie Fantômas bringt den genialen Verbrecher und Herrn des Schreckens in fünf historischen Episoden auf die Leinwand. Der geheimnisvolle Kriminelle, ein Meister der Verkleidung, sät Panik in Paris, indem er unmögliche Diebstähle und kreative Morde begeht, stets verfolgt vom obsessiven Inspektor Juve. Fantômas ist kein einfacher Dieb, sondern eine fast übernatürliche Entität, die die bestehende Ordnung und Logik herausfordert.

Regie führte Louis Feuillade. Dies ist nicht nur ein Kriminalfilm, sondern die Geburt des modernen „Superbösewichts“. Von den Surrealisten geliebt (Magritte und Apollinaire verehrten ihn) wegen seiner traumhaften Atmosphäre und der Anarchie, die er ausstrahlte, ist er der Großvater aller psychologischen Thriller und Heist-Filme. Sein Einfluss auf die Popkultur, von Diabolik bis zum Joker, ist unermesslich.

The Brain That Wouldn't Die

Jetzt verfügbar

Horror, Science-Fiction, von Joseph Green, Vereinigte Staaten, 1962.
Dr. Bill Cortner rettet einen Patienten, der für tot erklärt wurde, doch der leitende Chirurg, Bills Vater, verurteilt die unorthodoxen Transplantationsmethoden und Theorien seines Sohnes. Auf dem Weg zu seinem Elternhaus sind Bill und seine attraktive zukünftige Frau Jan Compton in einen Autounfall verwickelt, bei dem seine Frau enthauptet wird. Cortner rettet den Kopf und eilt zum Labor im Keller seines Hauses. Er und sein verstümmelter Gehilfe Kurt erwecken den Kopf in einer mit Flüssigkeit gefüllten Schale zum Leben. Jans neues Dasein ist unerträglich, und die Frau bittet Bill, sie sterben zu lassen, doch der Wissenschaftler weigert sich: Er will einen neuen Körper für Jan finden. Er sucht eine geeignete Frau in einem Burlesque-Club, auf der Straße und bei einem Schönheitswettbewerb.

Regie führte Joseph Green, das Drehbuch schrieben Green und Rex Carlton. Der Film wurde 1959 unter dem Titel The Black Door fertiggestellt, aber erst am 3. Mai 1962 unter dem neuen Titel als Doppelvorstellung mit Invasion of the Star Creatures veröffentlicht. Das besondere erzählerische Mittel eines verrückten Arztes, der einen Weg findet, einen menschlichen Kopf am Leben zu erhalten, wurde zuvor in der Literatur verwendet, mit verschiedenen anderen Versionen dieses Themas. Der Film teilt zahlreiche Handlungselemente mit dem westdeutschen Horrorfilm Der Kopf (1959).

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Les Vampires (1915)

In Les Vampires versucht ein investigativer Journalist, eine mächtige geheime Verbrecherorganisation zu entlarven, die Paris mit Entführungen, Giftgas und akrobatischen Diebstählen terrorisiert. Angeführt (oder verwirrt) werden sie von ihrer Muse Irma Vep, einer Femme Fatale, die sich in einem engen schwarzen Katzenanzug über die Dächer der Stadt bewegt und zu einer Ikone des Geheimnisvollen und gefährlichen Verführens wird.

Ein weiteres Serienmeisterwerk von Louis Feuillade, das in traumartigen Delirien schwelgt. Trotz des Titels gibt es keine übernatürlichen Blutsauger, doch die Atmosphäre ist so bizarr und halluziniert, dass sie wie ein wacher Albtraum wirkt. Irma Vep (ein Anagramm von Vampire) ist die erste wahre dunkle Antiheldin des Kinos, ein Symbol für Emanzipation und Gefahr, das Generationen von Cineasten mit ihrer ästhetischen Modernität verzaubert hat.

Intolerance (1916)

Ein Kultfilm wegen der Größe seines Projekts und weil er einer der ersten Blockbuster war, die die Geschichte des Kinos veränderten – eine Verschmelzung von großem Spektakel und visueller Experimentierfreude. David Griffith inszenierte, um zu beweisen, dass die Vorwürfe des Rassismus, die aus seinem vorherigen Film The Birth of a Nation resultierten, unbegründet waren, einen Blockbuster über Intoleranz.

Intolerance, ein historisches Drama von 1916, erzählt vier verschiedene Geschichten, die sich über 2.500 Jahre erstrecken. Krieg im alten Babylon, Verrat und Kreuzigung in der biblischen Geschichte, Intoleranz in der französischen Renaissance sowie Konflikte und Verbrechen im frühen 20. Jahrhundert in Amerika. Die Menschheit scheint dazu bestimmt, unfähig zur Einigung, in einem ewigen Konflikt zu verharren. Zumindest bis eine globale innere Veränderung eintritt.

Broken Blossoms (1919)

Im Film Broken Blossoms, der in den nebligen Slums Londons spielt, rettet Cheng Huan, ein chinesischer Idealist, der in den Westen kam, um die buddhistische Philosophie zu verbreiten, aber schließlich ein Opiumversteck betreibt, Lucy. Das Mädchen, das von ihrem Boxer- und alkoholkranken Vater brutal misshandelt wird, findet in ihm eine platonische Liebe voller Blicke und Zärtlichkeit, die kurz aufblüht, bevor sie von der rassistischen und patriarchalen Gewalt ihres Vaters zerschmettert wird.

D.W. Griffith, nach den Kontroversen um seine epischen Filme, inszeniert dieses intime „Kammerspiel“, das ein Juwel der Atmosphäre ist. Die Weichzeichner-Fotografie und Beleuchtung schaffen ein geisterhaftes und poetisches London. Es ist ein Film von erschütternder Traurigkeit, der Themen wie häusliche Gewalt und Rassenvorurteile mit einer visuellen Sensibilität behandelt, die Melodrama zu reiner lyrischer Kunst erhebt.

Kultfilm der 20er Jahre

Die 1920er Jahre sind das Jahrzehnt, in dem Kunst auf Wahnsinn trifft. Während Hollywood begann, sein Imperium aufzubauen, entstanden in Europa Werke, die bis heute verstörend wirken. Es ist die Ära des Surrealismus von Buñuel und Dalí (Un Chien Andalou), des deutschen Expressionismus mit verzerrten Perspektiven (Das Kabinetts des Dr. Caligari) und prophetischer Science-Fiction (Metropolis). Visuell kraftvolle Filme, die das Fundament für das gesamte „alternative“ Kino legten.

Vampyr

Jetzt verfügbar

Horror, von Carl Theodor Dreyer, Deutschland, 1932.
Spät am Abend kommt Allan Gray in einem Gasthof in der Nähe der Stadt Courtempierre an und mietet ein Zimmer zum Schlafen. Gray wird plötzlich von einem alten Mann gestört, der den Raum betritt und ein quadratisches Paket auf den Tisch legt: „Bei meinem Tod zu öffnen“ steht auf dem Geschenkpapier. Gray nimmt das Paket und begibt sich zu einem alten Schloss, wo er eine alte Frau sieht und einen weiteren alten Mann trifft. Durch eines der Fenster sieht Gray den Besitzer des Schlosses, denselben Mann, der ihm das Paket gegeben hat. Der Mann wird plötzlich durch einen Schuss getötet.

Carl Theodor Dreyers Vampyr wurde in den Übergangsjahren zwischen Ton- und Stummfilm gedreht und verwendet die Bildsprache des letzteren, um das Horrorgenre in die neue Ära zu führen. In Vampyr herrscht ein ständiges Gefühl der Angst, ein alptraumhafter Geisteszustand und unsichtbare Präsenz, die in jeder Ecke lauern. Rudolph Matés Fotografie hält jede Nuance von Licht und Schatten in einem fesselnden Tanz fest. Inzwischen ikonische Aufnahmen, wie die eines Mannes mit einer Sense, der eine Glocke läutet, und das Schild eines Gasthofs, das sich vor einem dunklen Himmel abzeichnet. Anthologieszenen wie die, in der Allan davon träumt, von den Handlangern des Vampirs lebendig begraben zu werden, in der Dreyer eine klaustrophobische subjektive Sicht verwendet, die den Zuschauer „in“ den Sarg eintreten lässt. Wie in seinem vorherigen Film, Die Passion der Jungfrau von Orléans von 1928, nutzt Dreyer intensive Nahaufnahmen, um die Ängste seiner Figuren zu unterstreichen. Dunkelheit spielt eine wichtige Rolle: Die Schatten bewegen sich unabhängig von ihren Körpern und die Mächte des Bösen verletzen die Gesetze der Physik. Vampyr ist eine bemerkenswerte Erforschung der Grenzen zwischen Licht und Dunkel, Schicksal und Schatten, Nacht und Tag. Eines der Meisterwerke der Filmgeschichte, das man nicht verpassen darf.

SPRACHE: Deutsch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Das Kabinett des Dr. Caligari (1920)

Die Handlung von Das Kabinetts des Dr. Caligari dreht sich um ein Dorffest, bei dem ein geheimnisvoller Doktor Cesare präsentiert, einen Schlafwandler, den er unter Hypnose in einem Sarg hält und der die Zukunft vorhersagt. Als eine Reihe von Morden die Stadt erschüttert, fällt der Verdacht auf das Duo. Die Geschichte wird durch den Rückblick eines jungen Protagonisten erzählt, doch die Realität, die wir sehen, ist verzerrt, beunruhigend und vielleicht das Produkt eines kranken Geistes.

Dies ist der Film, der den deutschen Expressionismus im Kino erfand. Es gibt keine realistischen Kulissen: alles ist gemalt, schief, kantig und deformiert, um die zersplitterte Psyche der Charaktere widerzuspiegeln. Er ist der Vater aller psychologischen Horrorfilme, Irrenhausfilme und finalen Plot-Twists. Ein Werk der visuellen Kunst, bei dem das Bühnenbild der wahre Protagonist ist und eine Alptraumwelt erschafft, aus der es kein Entkommen gibt.

Nosferatu (1922)

Der Immobilienmakler Hutter reist in die Karpaten, um einen Deal mit dem geheimnisvollen Graf Orlok abzuschließen, einem Adligen, der zurückgezogen in einem verfallenen Schloss lebt und ein Haus in Deutschland kaufen möchte. In Nosferatu entdeckt Hutter zu spät, dass der Graf kein Mensch ist, sondern ein skelettartiger, rattenähnlicher Untoter, der Pest und Tod mit sich bringt. Während Orlok in einem mit Erde gefüllten Sarg in Richtung der Stadt Wisborg reist, spürt Hutters Frau die Ankunft des Bösen.

F.W. Murnau schafft eine unautorisierte Adaption von Bram Stokers Dracula (änderte Namen, um Rechtezahlungen zu vermeiden), und erschafft dennoch etwas Einzigartiges. Anders als der charmante Vampir Hollywoods ist Orlok (gespielt von Max Schreck) ein abstoßendes Monster, eine Verkörperung von Krankheit und Schatten. Gedreht an realen Schauplätzen statt auf Kulissen, nutzt der Film verlängerte Schatten und eine feindselige Natur, um ein Gefühl gotischen Schreckens zu erzeugen, das noch heute das Blut gefrieren lässt.

Metropolis (1927)

„Metropolis“ ist ein deutscher Stummfilm von 1927 unter der Regie von Fritz Lang. Er gilt als eines der Meisterwerke des Kinos und als Kultfilm in der Geschichte des Science-Fiction-Kinos. Der Film ist berühmt für seine außergewöhnlichen Kulissen, seine futuristische Vision und die angesprochenen sozialen Themen.

Die Handlung von „Metropolis“ spielt in einer futuristischen Gesellschaft, die in zwei deutlich getrennte soziale Klassen geteilt ist: die Arbeiter, die unter unterdrückenden Bedingungen tief unter der Stadt arbeiten, und die herrschende Klasse, die in einer luxuriösen Stadt über der Oberfläche lebt. Joh Fredersen, der Leiter der Stadt, entdeckt eine Rebellion unter den Arbeitern und trifft auf Maria, eine junge Frau, die sie anführt. Fasziniert von Maria und mit dem Wunsch, den Aufstand zu beenden, setzt Fredersen einen Androiden namens „Maschinenmensch“ ein, um die Ereignisse zu manipulieren. Was „Metropolis“ zu einem bahnbrechenden Film macht, ist sein innovatives und visionäres Produktionsdesign. Die Kulissen sind beeindruckend, mit imposanten Wolkenkratzern, futuristischer Architektur und mechanischen Maschinen, alles bereichert durch für die damalige Zeit fortschrittliche Spezialeffekte. Der Film zeigt eine komplexe und detaillierte urbane Welt mit einer Ästhetik, die viele nachfolgende Filme beeinflusst hat.

„Metropolis“ ist jedoch nicht nur ein visuelles Spektakel. Er behandelt relevante soziale und politische Themen wie soziale Ungleichheit, Klassenkampf und den Konflikt zwischen Kapital und Arbeit. Der Film erforscht die Notwendigkeit der Vermittlung zwischen den Mächten der Industrieelite und dem Gemeinwohl der Gesellschaft. Die Figur der Maria, die Mitgefühl und Menschlichkeit repräsentiert, steht im Kontrast zur Kälte und Gier der Herrschenden. Der Film reflektiert auch die ethischen Implikationen technologischer Innovationen. Der Android Maschinenmensch wirft Fragen nach der Natur menschlicher Identität und den Folgen unkontrollierter Technologie auf. Diese Themen wurden von Lang visionär behandelt und fanden in vielen späteren Science-Fiction-Werken Widerhall.

Das Leben der Heiligen Johanna (1928)

Der Film Das Leben der Heiligen Johanna konzentriert sich ausschließlich auf die letzten Stunden im Leben der Heiligen und verdichtet den langen Prozess wegen Ketzerei zu einer einzigen, klaustrophobischen verbalen und psychologischen Konfrontation. Johanna, allein und Analphabetin, steht einem Gericht aus korrupten und grotesken kirchlichen Richtern gegenüber, die versuchen, sie zur Aufgabe ihres Glaubens zu bewegen. Die Erzählung ist eine Eskalation psychologischer Folter, die im endgültigen Scheiterhaufen gipfelt.

Carl Theodor Dreyer trifft eine radikale Entscheidung: Er verzichtet auf teure Kulissen (die er selbst gebaut hatte) und dreht fast den gesamten Film in extremen Nahaufnahmen von Gesichtern. Das Ergebnis ist ein erschütterndes emotionales Erlebnis, getragen allein vom Gesicht Renée Falconettis, das viele Kritiker als die größte schauspielerische Leistung der Filmgeschichte ansehen. Ein Film reinen Leidens und Transzendenz, ohne Make-up gedreht, der wie kein anderer in die menschliche Seele eindringt.

Man with a Movie Camera (1929)

In Man with a Movie Camera gibt es keine Handlung, keine Schauspieler, keine Kulissen. Wir folgen einfach einem Kameramann, der von der Morgendämmerung bis zum Einbruch der Dunkelheit durch die Stadt reist (eine Mischung aus Moskau, Kiew und Odessa) und das tägliche Leben filmt: Maschinen, Menschenmengen, Arbeit, Sport, Geburten und Todesfälle. Die Stadt erwacht, bewegt sich hektisch und ruht sich aus, wird zu einem lebenden Organismus.

Dziga Vertov verfasst das Manifest des „Kino-Auge“. Es ist ein experimenteller Dokumentarfilm, der eigentlich ein Traktat über Schnitttechnik und das Potenzial des Kinos ist. Vertov nutzt alle Tricks: Split-Screen, Überlagerungen, Zeitlupe, Stop-Motion, geteilte Bildschirme. Es ist eine Explosion visueller Energie, ein Film, der die Geschwindigkeit des modernen Lebens und die Fähigkeit der Kamera feiert, die Realität besser zu sehen als das menschliche Auge. Ein Werk reiner Avantgarde.

Detour

Jetzt verfügbar

Thriller, Noir, von Edgar G. Ulmer, Vereinigte Staaten, 1945.
Al Roberts, ein arbeitsloser Pianist, trampelt. Nachdem er eine Mitfahrgelegenheit bekommen hat, kommt er in einem Restaurant in Reno, Nevada, an. Ein anderer Gast spielt einen Titel auf dem Jukebox: Al ist verärgert, weil ihn das an sein Leben in New York City erinnert. Er erinnert sich an eine Zeit dort, als er verbittert über seinen Misserfolg als Musiker war und gezwungen war, in einem schlechten Club zu spielen. Eines Tages geht seine Partnerin Sue Harvey, die Sängerin im selben Club ist, ohne Perspektiven in ihrer Beziehung, um ihr Glück in Hollywood zu suchen. Al gerät in eine Depression. Nach einigen Missgeschicken beschließt er, nach Kalifornien zu reisen, um sie wiederzusehen und sie zu heiraten. Für wenig Geld ist er jedoch gezwungen, quer durchs Land zu trampen. In Arizona bietet ihm der Buchmacher Charles Haskell Jr. eine Mitfahrgelegenheit nach Los Angeles an. In dieser Nacht fährt Al, während Haskell schläft. Als ein Sturm Al dazu zwingt, anzuhalten, um das Verdeck des Cabrios hochzuklappen, kann er Haskell nicht wecken. Al öffnet die Beifahrertür und Haskell fällt zu Boden: er ist tot.

Low-Budget-Independent-Film von Edgar G. Ulmer, Assistent des großen Murnau bei „Der letzte Mann“ und „Aurora“, ist Detour ein Noir, der vom deutschen Expressionismus inspiriert ist. Der Protagonist Al Roberts erzählt die Geschichte, indem er direkt zum Publikum spricht, aber mehrere Hinweise deuten darauf hin, dass wir vielleicht nicht hören, was wirklich passiert ist, sondern was Al Roberts uns glauben machen will. Manchmal können schreckliche Erfahrungen in Fantasien umgewandelt werden, die leichter zu bewältigen sind, manchmal müssen wir ein Alibi konstruieren: vielleicht ist das der mehrdeutige Charme von „Detour“. Ann Savages Darstellung ist phänomenal: Es gibt keinen Funken Menschlichkeit in ihrer Verkörperung von Vera. „Detour“ ist ein perfektes Beispiel für einen Low-Budget-Film, der seine Einschränkungen in einen starken und konsistenten Stil verwandelt. Ein Kultfilm, in dem die Dunkelheit

JETZT ANSEHEN

Un Chien Andalou (1929)

Der Kurzfilm Un Chien Andalou beginnt mit einem der schockierendsten Bilder der Filmgeschichte: Ein menschliches Auge wird mit einem Rasiermesser aufgeschnitten, parallel geschnitten mit einer Wolke, die den Mond durchschneidet. Von diesem Moment an hören Handlung, Logik und Zeit auf zu existieren: Ein Mann zieht Klaviere, auf denen tote Esel und Priester sitzen, Ameisen kriechen aus einer Hand, Figuren sterben und erstehen in einem traumhaften, sexuellen Bewusstseinsstrom wieder auf.

Entstanden aus der Zusammenarbeit zwischen Luis Buñuel und Salvador Dalí, ist dies das absolute Manifest des Surrealismus. Es ist kein Film zum „Verstehen“, sondern zum Erleben wie eine Halluzination. Es ist ein direkter Angriff auf bürgerliche Logik und beruhigende Erzählweisen. Selbst heute, fast ein Jahrhundert später, bleibt seine subversive Kraft und verstörende Bildsprache ungebrochen und macht ihn zum Vater allen experimentellen Kinos und moderner Musikvideos.

Kultfilm der 30er Jahre

Mit dem Aufkommen des Tons fand das Kultkino seine Stimme im Horror und der Transgression. Dies ist das Jahrzehnt von Tod Brownings Freaks, ein Film, der so schockierend war, dass er jahrzehntelang verboten wurde, und den großen Universal-Monstern (Frankenstein, Dracula), die die gotische Ikonographie für immer prägten. Es ist aber auch die Ära der „Pre-Code“-Filme, mutige und zynische Werke, die Sex und Gewalt zeigen, bevor die Hollywood-Zensur ihren moralischen Schleier auferlegte.

M – Eine Stadt sucht einen Mörder (1931)

M – Der Mörder von Düsseldorf (1931) ist ein deutscher Film unter der Regie von Fritz Lang. Der Film gilt als eines der Klassiker des Film noir-Genres und hat zahlreiche andere Filme dieses Genres beeinflusst. Die Handlung folgt den Ereignissen um Hans Beckert, einen Mann, der eine Gruppe von Mädchen ermordet. Die Polizei steht unter Druck der Öffentlichkeit und ist fest entschlossen, das Monster zu finden.

Der Film ist bekannt für seine Regie, die durch dunkle und eindrucksvolle Fotografie geprägt ist, sowie für seine realistische Darstellung des Themas Gewalt. Es ist ein prophetischer Kultfilm, der mit unglaublicher Intuition über Deutschland kurz vor der Ankunft des Nationalsozialismus erzählt. Regie führte Fritz Lang in Deutschland im Jahr 1931. Die ungesunde Atmosphäre und die Wut der Menschen scheinen eine unsichtbare Substanz zu sein, die die Stadt Düsseldorf überall durchdringt.

Der Film ist inspiriert von den abscheulichen Verbrechen, die in den 1920er Jahren in Deutschland von Fritz Haarmann und Peter Kürten begangen wurden, erzählt aber mehr. Er erzählt die Seele der tief korrumpierten und vom Bösen besessenen deutschen Gesellschaft. Die letzte Szene des privaten Prozesses durch die kriminellen Vereinigungen gegen das Monster ist eine der schönsten in der Filmgeschichte. Eine Szene, die durch Gesichter, Ausdrücke, Dialoge und Rhythmus zum eigentlichen Porträt des Bösen, der dunklen Seite des Menschen wird.

Das Blut eines Poeten (1932)

Das Blut eines Poeten (1932) ist ein französischer surrealistischer Film unter der Regie von Jean Cocteau. Der Film ist der erste Teil von Cocteaus Orphischer Trilogie, die Themen wie künstlerische Schöpfung, Liebe und Tod erforscht.

Die Geschichte folgt einem Dichter (Enrique Rivero), der versucht, einen Mund loszuwerden, der in seine Handfläche eingebrannt ist. Der Mund ist ein Symbol seiner Kreativität und seines künstlerischen Antriebs, aber auch eine Quelle von Obsession und Qual. Der Dichter begibt sich auf eine Reise durch sein Unterbewusstsein, auf der Suche nach einer Lösung für sein Problem. Unterwegs trifft er eine Reihe rätselhafter Gestalten, darunter eine sprechende Statue, eine Gruppe von Kindern und einen schwarzen Engel.

Das erste Werk in der Filmografie des großen Dichters und Regisseurs Jean Cocteau. Eine Filmografie, die mit einem Film endet, der den Epilog des ersten bildet, Das Testament des Orpheus. Absoluter Kultfilm, der in das tiefe Unterbewusstsein in seinem authentischsten Teil eintaucht, zwischen Poesie, Gedanken und Vision. Ein Genuss für Cineasten, die auch Malerei und Poesie lieben. Ein Film, geboren im goldenen Zeitalter der surrealistischen Bewegung. Cocteau entfernt sich vom Surrealismus, um seinen eigenen persönlichen Stil zu schaffen, der nicht leicht zu identifizieren ist. Man könnte ihn definieren, wie fast die gesamte Filmografie Cocteaus, als Poesie, die zum Kino wird. Finanziert vom Vicomte de Noailles, Förderer der Surrealisten, der dachte, Jean Cocteau mache ihm einen Zeichentrickfilm und der den Film ablehnte.

Freaks (1932)

Die Geschichte von Freaks spielt in einem Wanderzirkus, wo die schöne Trapezkünstlerin Cleopatra den Zwerg Hans verführt, um sein Erbe an sich zu reißen, und plant, ihn mit der Komplizenschaft des starken Hercules zu vergiften. Doch der „Code“ der Freaks ist streng: „Beleidige einen, und du beleidigst sie alle.“ Als die Gemeinschaft der „Anderen“ den Plan entdeckt, wird ihre Rache in einer stürmischen Nacht schrecklich sein und die „Normalen“ in etwas Entsetzliches verwandeln.

Tod Browning, der tatsächlich in Zirkussen gearbeitet hatte, verwendet echte Künstler mit körperlichen Behinderungen (siamesische Zwillinge, bärtige Frauen, gliedlose Männer), nicht um sie auszubeuten, sondern um ihre Menschlichkeit im Kontrast zur moralischen Monstrosität der „schönen Leute“ zu zeigen. Der Film war für seine Zeit so schockierend, dass er 30 Jahre lang verboten wurde und die Karriere des Regisseurs zerstörte. Heute ist er ein Kultmeisterwerk über Akzeptanz und Grausamkeit, einzigartig und unnachahmlich.

The Hitch-Hiker

Jetzt verfügbar

Thriller, Noir, von Ida Lupino, Vereinigte Staaten, 1953.
Zwei Freunde, Roy Collins (O'Brien) und Gilbert Bowen (Lovejoy), fahren zum Angeln in die mexikanische Stadt San Felipe am Golf von Kalifornien. Kurz südlich von Mexicali nehmen sie einen Anhalter namens Myers mit, der eine Waffe zieht und sie als Geiseln nimmt. Myers zwingt sie, tagelang auf unbefestigten Straßen zur Baja California-Halbinsel nach Santa Rosalía zu reisen, wo er eine Fähre über den Golf von Kalifornien nach Guaymas nehmen will, um sie abzuschütteln. Der Verbrecher terrorisiert und demütigt die beiden Männer. In der einzigen Fluchtmöglichkeit in einer Nacht verletzt sich Collins am Knöchel. Währenddessen jagen die Behörden in den USA und Mexiko Myers.

Der im Wüstengebiet des Südwestens der USA zwischen wilden Landschaften und kleinen Städten gedrehte Film basiert auf einer wahren Geschichte: dem mörderischen Wahnsinn von Billy Cook, der 1950 eine fünfköpfige Familie und einen reisenden Verkäufer tötete. Ida Lupino war eine berühmte Schauspielerin und erhielt die Gelegenheit, den Film zu inszenieren, als Regisseur Elmer Clifton erkrankte. Die von Ida Lupino und ihrem Ehemann Collier Young gegründete Produktionsfirma „The Filmmakers“ wurde gegründet, um Low-Budget-Independent-Filme zu produzieren. Die Regisseurin sprach mit den beiden Männern, die Billy Cook gefangen gehalten hatten, und erhielt Einblicke von ihnen und Cook selbst, sodass sie reale Teile von Cooks Leben in das Drehbuch integrieren konnte. Ein vorbildlicher Film in Sachen Wirtschaftlichkeit: drei talentierte Schauspieler, raue Landschaften, das Können von Produzenten, Drehbuchautoren und Regisseurin. Ein typisch „männlicher“ Film, mutig von einer Frau inszeniert, sehr erfolgreich in seiner rohen und noirhaften Atmosphäre, in der die Regisseurin die Spannung keine Minute lockern lässt. Ihr psychologisches Feingefühl für die Charaktere ist seiner Zeit voraus. Spannend, anspruchsvoll und völlig frei von männlichen Verherrlichungen ist er ein Juwel mit großartigen Darstellungen seiner drei Hauptdarsteller.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL:

JETZT ANSEHEN

Vampyr (1932)

In Vampyr kommt ein junger Reisender, fasziniert vom Okkulten, in ein Dorf, in dem unerklärliche Ereignisse geschehen. Er findet sich in einem wachen Albtraum wieder, bestehend aus Schatten, die sich von Körpern lösen, bösen Ärzten und einer alten Vampirin, die sich an einer jungen Frau nährt. Die narrative Logik löst sich auf, um einer Abfolge traumhafter und geisterhafter Bilder Platz zu machen.

Carl Theodor Dreyer schafft keinen Horrorfilm, sondern einen Film über einen Albtraum. Großteils durch einen Gazeschleier gedreht, um das Bild milchig und verschwommen erscheinen zu lassen, ist er reine visuelle Poesie. Berühmt ist die subjektive Sequenz, in der der Protagonist sich vorstellt, lebendig in einem Sarg mit Glasfenster begraben zu werden. Es ist ein surrealistisches Kunstwerk, das eher als hypnotischer Trancezustand erlebt werden muss, statt rational verstanden zu werden.

Baby Face (1933)

Die Protagonistin von Baby Face, Lily Powers (Barbara Stanwyck), von ihrem Vater in einer provinziellen Speakeasy ausgebeutet, beschließt, ihre Schönheit und Sexualität als Waffen zu nutzen, um die soziale Leiter emporzusteigen. Sie zieht nach New York und verführt Etage für Etage, Bett für Bett, immer mächtigere Männer innerhalb einer großen Bank, bis sie ganz oben ankommt. Es ist ein gnadenloser sozialer Aufstieg, basierend auf der Philosophie Nietzsches, die ihr ein alter Mann lehrte.

Dies ist der Symbolfilm der „Pre-Code“-Ära, jener kurzen Phase der Freiheit in Hollywood, bevor die Zensur strenge moralische Regeln auferlegte. Er ist auch heute noch skandalös wegen des Zynismus und der Modernität seiner Protagonistin: eine Frau, die nicht bereut, sich nicht entschuldigt und das Patriarchat gegen sich selbst einsetzt. Ein feministischer Kultfilm seiner Zeit voraus, kühn, schnell und moralisch ambivalent.

L’Atalante (1934)

Im Film L’Atalante heiratet Juliette Jean, den Kapitän eines Flussfrachters, und zieht mit ihm aufs Wasser, zusammen mit dem alten Seemann Père Jules und seinen Katzen. Das monotone Leben am Fluss treibt sie dazu, nach Paris zu fliehen, angezogen von den Lichtern der Stadt, und lässt Jean verzweifelt zurück. Die Trennung führt beide dazu, die Bedeutung ihrer Verbindung zu erkennen, in einer traumhaften und sinnlichen Rückkehrreise.

Jean Vigos einziger Spielfilm (er starb kurz nach den Dreharbeiten im Alter von 29 Jahren) ist der Film, der den Poetischen Realismus erfand. Es ist ein anarchistisches, erotisches und unglaublich zartes Werk, das den Schmutz des Lebens an Bord mit Momenten reiner visueller Magie mischt, wie die berühmte Szene, in der Jean in den Fluss taucht und seine Braut unter Wasser „sieht“. Ein freier und nicht einzuordnender Film, der das gesamte spätere französische Autorenkino beeinflusste.

Kultfilm der 40er Jahre

Während die Welt im Krieg war, wurde das Kino schwarz. Die 1940er Jahre sind das Reich des Noir, in dem die Grenze zwischen Gut und Böse im Schatten verschwindet. Kultstatus entsteht hier durch Low-Budget-Produktionen („Poverty Row“), Filme, die in wenigen Tagen gedreht wurden und dennoch eine einzigartige Atmosphäre von Verzweiflung und Fatalismus besitzen (wie Detour). Es ist das Kino der Antihelden, Femme Fatales und zum Scheitern verurteilten Schicksale, perfekt für Liebhaber rauchiger, klaustrophobischer Stimmungen.

Die Mächte des Bösen (1948)

„Die Mächte des Bösen“ ist ein amerikanischer Film noir von 1948, Regie führte Abraham Polonsky. Er gilt als Kultfilm und als wichtiges filmisches Werk seiner Zeit.

Der Film erzählt die Geschichte von Joe Morse (gespielt von John Garfield), einem skrupellosen und ehrgeizigen Anwalt, der auf einen ausgeklügelten Plan stößt, um illegales Zahlenlotto in New York zu kontrollieren. Joe ist in ein kriminelles Geschäft mit seinem Bruder Leo (gespielt von Thomas Gomez) verwickelt, einem Verbrecherboss, der einen illegalen Glücksspielring betreibt. Während Joe versucht, das System auszunutzen, sieht er sich seinen eigenen persönlichen Ambitionen und der ihn umgebenden Korruption gegenüber.

„Die Mächte des Bösen“ ist bekannt für seinen markanten visuellen Stil und seine schonungslose Erzählweise. Regisseur Polonsky, der auch das Drehbuch schrieb, übt eine scharfe Kritik an Kapitalismus und Gier im Kontext der Welt des illegalen Glücksspiels. Der Film behandelt Themen wie Moral, Integrität und den Kampf zwischen Gut und Böse.

„Die Mächte des Bösen“ wurde von Kritikern für seine intensiven Darstellungen und seine Fähigkeit gelobt, die dunkle und korrupte Atmosphäre der Epoche einzufangen. Trotz begrenzten kommerziellen Erfolgs bei der Erstveröffentlichung hat sich der Film im Laufe der Zeit zu einem Kultfilm entwickelt und wird oft als eines der besten Beispiele des Noir-Genres genannt.

Intolerance

Jetzt verfügbar

Historisch, Drama, von David Wark Griffith, Vereinigte Staaten, 1916.
Das Kolossale, das die Geschichte des Kinos veränderte, indem es geniale und zahlreiche Innovationen auch in die filmische Sprache einbrachte. Von Griffith als Antwort auf Vorwürfe des Rassismus für seinen vorherigen Film „Birth of a Nation“ gemacht. Vier verschiedene Geschichten über einen Zeitraum von 2.500 Jahren parallel erzählt über die Intoleranz der Menschheit im Laufe der Jahrhunderte: Konflikte im alten Babylon, Ehebruch und Kreuzigung in der biblischen Geschichte Judas, die französische Renaissance, soziale Unruhen und die Verbrechen der amerikanischen Geschichte Anfang des 20. Jahrhunderts.

Denkanstoß
Der Mensch ist ständig im Konflikt und die Ursache aller Konflikte liegt in seinem Inneren. Menschen häufen so viel Wut, Wahnsinn, Verrücktheit in sich an, dass sie nicht anders können, als in einen neuen Krieg auszubrechen. Der Mensch ist innerlich zerrissen, er spricht von Frieden und schafft am Ende einen neuen Krieg. Um die äußeren Manifestationen des Konflikts zu lösen, muss der innere Konflikt gelöst werden.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Kultfilm der 50er Jahre

Das goldene Zeitalter der B-Movies und Paranoia. Unter der Bedrohung durch die Bombe und den Kommunismus wurde die Science-Fiction zum Zufluchtsort kollektiver Ängste. Es ist das Jahrzehnt der fliegenden Untertassen, riesigen Monster und des unbeabsichtigten Trash-Kinos von Ed Wood (Plan 9 from Outer Space). Diese Filme, oft mit nicht vorhandenen Budgets und schierer Naivität gemacht, wurden gerade wegen ihrer charmanten „Schlechtigkeit“ und ungezügelten Fantasie zu Kultobjekten.

Creature from the Black Lagoon (1954)

„Creature from the Black Lagoon“ ist ein Sci-Fi-Kult-Horrorfilm von 1954, unter der Regie von Jack Arnold. Er gehört zu den Klassikern des Monster-Genres und prägte die Ikonografie von Seeungeheuern im Kino.

Die Handlung des Films spielt in einer abgelegenen Ecke des Amazonas, wo eine Gruppe von Wissenschaftlern Beweise für die Existenz einer prähistorischen Kreatur entdeckt, eine Art Hybrid zwischen Mensch und Fisch, bekannt als das Monster der schwarzen Lagune. Die Kreatur verliebt sich in eine der Forscherinnen, gespielt von Julie Adams, und beginnt, ihr zu folgen und die Gruppe zu bedrohen.

„Creature from the Black Lagoon“ ist bekannt für seine spannungsgeladene Atmosphäre und den geschickten Einsatz von Unterwassersequenzen, die ein Gefühl von Bedrohung und Spannung erzeugen. Das Design der Kreatur wurde beeindruckend gestaltet, mit einem hybriden menschlich-tierischen Erscheinungsbild, das bis heute ikonisch im Monsterfilm-Genre ist.

Der Film profitierte von der innovativen Verwendung von 3D-Aufnahmen, die das Seherlebnis für das Publikum der damaligen Zeit immersiv machten. Die Unterwassersequenzen und Monsterangriffe waren in diesem Projektionsmodus besonders spektakulär. Obwohl er heute meist in 2D gezeigt wird, hinterließ der Film dank seiner geschickten Regie und des immersiven visuellen Effekts einen bleibenden Eindruck.

„Creature from the Black Lagoon“ inspirierte mehrere nachfolgende Filme mit Meereskreaturen oder ähnlichen Monstern. Er wurde zu einem Klassiker des Monster-Genres und brachte mehrere Fortsetzungen und Spin-offs hervor. Die Kreatur aus der schwarzen Lagune wurde zu einer Ikone der Popkultur, dargestellt in verschiedenen Medien, und bleibt eines der bekanntesten Filmmonster.

Pather Panchali (1955)

„Pather Panchali“ ist ein autobiografischer Film, der das Aufwachsen von Apu, einem kleinen Jungen in einem Dorf in Bengalen, erzählt. Satyajit Ray versammelte eine nicht-professionelle Crew, um den Film zu drehen. Die Besetzung bestand aus Laienschauspielern.

Nach erfolglosen Versuchen, einen Produzenten zur Finanzierung zu finden, begann Ray Ende 1952 mit seinen eigenen Ersparnissen zu drehen. Ray drehte „Pather Panchali“ in zweieinhalb Jahren, eine ungewöhnlich lange Zeit, abhängig davon, wann er oder sein Produktionsleiter Anil Chowdhury zusätzliche Budgets zur Verfügung hatten.

Er lehnte Finanzierungen von Organisationen und Produzenten ab, die das Drehbuch ändern wollten. Ebenso ignorierte er die Anweisungen der indischen Bundesregierung, ein Happy End einzubauen, doch erhielt er dennoch Fördermittel, die ihm die Fertigstellung des Films ermöglichten.

Ray zeigte den Film dem amerikanischen Regisseur John Huston, der sich für The Man Who Would Be King in den Jagdgebieten Indiens aufhielt. Huston informierte Monroe Wheeler vom New Yorker Museum of Modern Art (MoMA), dass großes Talent am Horizont sei.

Mr. Arkadin (1955)

„Mr. Arkadin“ ist ein Film aus dem Jahr 1955, geschrieben, inszeniert und mitgespielt von Orson Welles, einem der einflussreichsten Filmemacher der Filmgeschichte. Auch bekannt als „Confidential Report“, ist der Film ein fesselnder Noir-Thriller, der sich um die rätselhafte Figur Gregory Arkadin dreht, einen Milliardär mit einer verborgenen Vergangenheit.

Die Handlung von „Mr. Arkadin“ folgt der Reise von Guy Van Stratten, einem Privatdetektiv, dargestellt von Robert Arden, der von einem mysteriösen Mann namens Jakob Zouk angeheuert wird, um Arkadins verborgene Geschichte aufzudecken. Durch eine Reihe von Rückblenden und Zeugenaussagen von Personen, die Arkadin begegnet sind, enthüllt Van Stratten nach und nach Fragmente seiner dunklen Vergangenheit.

Der Film ist bekannt für seinen markanten visuellen Stil, der mit eindrucksvoller Beleuchtung und Schattenspiel arbeitet, wie es für das Noir-Genre typisch ist. Als Autor und Regisseur schafft Orson Welles meisterhaft eine Atmosphäre von Spannung und Nervenkitzel, während der Protagonist tiefer in das Rätsel um Arkadin eintaucht. Die komplexe Handlung und die hervorragenden Darstellungen tragen zu dem fesselnden und immersiven Erlebnis von „Mr. Arkadin“ bei.

Es ist jedoch erwähnenswert, dass „Mr. Arkadin“ im Laufe der Zeit mehrere Überarbeitungen und Schnitte erfahren hat. Ursprünglich lieferte Welles 1955 eine Version des Films an den Produzenten Louis Dolivet, doch spätere Änderungen und Neu-Schnitt erfolgten ohne direkte Beteiligung von Welles. Folglich existieren mehrere Versionen des Films, die sich in der Erzählstruktur und Handlung leicht unterscheiden.

Diabolique (1955)

„Diabolique“ ist ein berühmter französischer Film aus dem Jahr 1955, inszeniert von Henri-Georges Clouzot. International auch bekannt als „Les Diaboliques“, gilt der Film als Klassiker des Thriller-Genres und hat einen bedeutenden Einfluss auf das spätere Kino ausgeübt.

Die Handlung des Films dreht sich um zwei Frauen, die Ehefrau und die Geliebte eines tyrannischen Schuldirektors. Die beiden Frauen, dargestellt von Véra Clouzot bzw. Simone Signoret, schließen sich zusammen, um den Direktor zu ermorden. Nachdem sie ihn betäubt und in der Badewanne ertränkt haben, entsorgen sie seine Leiche in einem leeren Schwimmbecken. Doch als sie zurückkehren, um die Leiche zu entfernen, stellen sie fest, dass diese verschwunden ist. Die Spannung steigt, als eine Reihe beunruhigender und bedrohlicher Ereignisse eintreten, die an ihrem Verstand zweifeln lassen.

„Diabolique“ ist bekannt für seinen makellosen visuellen Stil und die komplexe Handlung, die die Zuschauer bis zur letzten Szene in Atem hält. Clouzot nutzt geschickt Elemente von Spannung und Geheimnis, um eine Atmosphäre von Angst und Schrecken zu schaffen. Der Film ist auch berühmt für sein atemberaubendes Ende, das eine der größten Wendungen in der Filmgeschichte liefert.

Der Erfolg von „Diabolique“ trug dazu bei, Henri-Georges Clouzot als Meister des Thriller-Genres zu etablieren. Der Film beeinflusste zahlreiche nachfolgende Regisseure, darunter Alfred Hitchcock, der Clouzots Fähigkeit bewunderte, Spannung aufzubauen und das Publikum zu überraschen.

Battleship Potemkin

Jetzt verfügbar

Drama, Krieg, von Sergej Eisenstein, Russland, 1925.
Der Aufstand der Matrosen des Schlachtschiffs Potemkin und der Bürger von Odessa gegen die rücksichtslose Polizei des Zaren, die mit Vergeltungsmaßnahmen reagiert und ein Massaker verübt. Sergej Eisenstein dreht einen Film im Auftrag von Goskino, dem Amt für Kinematographie und Filmproduktion in der Sowjetunion. Es ist ein „Propagandafilm“ zur Feier der Revolution von 1905, doch Eisenstein macht daraus ein experimentelles und grandioses Werk, das die Geschichte des Kinos und des Filmschnitts für immer verändern wird.

Denkanstoß
Die Revolution betrachtet die Dinge politisch, sie setzt voraus, dass zur Veränderung des Menschen die Struktur der Gesellschaft geändert werden muss. Aber keine Revolution hat jemals den Menschen verändert. Der Revolutionär will die Gesellschaft, die Regierung, die Bürokratie, die Gesetze, das politische System ändern. Alle Revolutionen sind immer kläglich gescheitert, und der Mensch ist immer derselbe geblieben. Um die Welt zu verändern, braucht man keine Revolutionäre, sondern Rebellen.

SPRACHE: Russisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Invasion der Körperfresser (1956)

Invasion der Körperfresser ist ein Science-Fiction-Kultfilm von 1956 unter der Regie von Don Siegel. Er basiert auf dem Roman ‚The Body Snatchers‘ von 1954 von Jack Finney und ist zu einem Klassiker des Genres sowie einem der einflussreichsten Alien-Invasionsfilme der Filmgeschichte geworden.

Die Handlung des Films spielt in einer Kleinstadt, in der die Bewohner sich zunehmend seltsam und emotionslos verhalten. Es wird bald entdeckt, dass mysteriöse außerirdische Pflanzen auf den umliegenden Feldern wachsen und Menschen durch perfekte Kopien ersetzen, die keine individuellen Gefühle und Identitäten besitzen. Diese Kopien, bekannt als „Pod People“, versuchen, die gesamte Menschheit in gefühllose Wesen zu verwandeln.

„Invasion der Körperfresser“ behandelt Themen wie den Verlust der individuellen Identität, soziale Konformität und Angst vor fremder Invasion. Der Film wurde als Metapher für die wachsende Paranoia und Konformität interpretiert, die die Gesellschaft der damaligen Zeit, insbesondere während der McCarthy-Ära, prägten.

Eines der prägenden Elemente des Films ist seine Atmosphäre von Spannung und zunehmender Paranoia. Siegels Regie und der eindringliche Soundtrack tragen dazu bei, ein Gefühl ständiger Vorahnung zu erzeugen. Der Film behandelt das Thema der Doppelzüngigkeit und Entfremdung, wobei der von Kevin McCarthy gespielte Protagonist versucht, andere von der drohenden Gefahr zu überzeugen.

Touch of Evil (1958)

„Touch of Evil“ ist ein Film noir aus dem Jahr 1958 unter der Regie von Orson Welles. Der Film gilt als eines der Meisterwerke des Genres und als Ikone des Film noir.

Die Handlung von „Touch of Evil“ spielt in der Grenzstadt Los Robles, an der Grenze zwischen den Vereinigten Staaten und Mexiko. Der Film beginnt mit einer berühmten langen Eröffnungsaufnahme. Diese Sequenz startet mit der Platzierung einer Bombe in einem Auto, gefolgt von einer Explosion. Von dort entfaltet sich die Geschichte und verwebt eine Reihe komplexer und korrupter Charaktere.

Der Protagonist des Films ist Captain Hank Quinlan, gespielt von Orson Welles selbst, ein gewalttätiger und korrupter Polizeidetektiv. Als ein angesehener mexikanischer Bürger an der Grenze getötet wird, werden Quinlan und sein Partner, gespielt von Charlton Heston, mit dem Fall betraut. Während ihrer Ermittlungen kommen nach und nach die Geheimnisse und Verbindungen der verschiedenen Charaktere ans Licht, einschließlich Quinlans Verstrickung in Drogen und Korruption.

„Touch of Evil“ behandelt komplexe Themen wie Korruption, Gerechtigkeit, Moral und Rassismus. Der Film ist bekannt für seine komplexe Handlung und vielschichtigen Charaktere, die die feine Grenze zwischen Gut und Böse herausfordern. Orson Welles‘ Darstellung des zynischen und gestörten Captain Quinlan gilt als eine seiner besten Leistungen.

Der Film ist auch berühmt für seinen kühnen und innovativen visuellen Stil. Welles verwendet unkonventionelle Kameratechniken, verzerrte Kamerawinkel und ein Spiel von Licht und Schatten, um eine unheimliche und klaustrophobische Atmosphäre zu schaffen. Der Soundtrack von „Touch of Evil“ trägt zusätzlich dazu bei, eine konstante Spannung aufzubauen und die düstere Atmosphäre des Films zu verstärken.

The Blob (1959)

„The Blob“ ist ein Science-Fiction-Horrorfilm aus dem Jahr 1958 unter der Regie von Irvin S. Yeaworth Jr. Er ist zu einem Klassiker des Genres geworden und hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Popkultur.

Die Handlung des Films folgt der Geschichte einer Kleinstadt, die von einer gallertartigen außerirdischen Kreatur heimgesucht wird, die sich von menschlichem Fleisch ernährt und bei jeder Mahlzeit wächst. Die Kreatur, genannt „The Blob“, beginnt die Einwohner zu terrorisieren und breitet sich schnell aus. Eine Gruppe junger Protagonisten, gespielt von Steve McQueen und Aneta Corsaut, versucht, die Bedrohung zu stoppen und andere vor ihrer Präsenz zu warnen.

„Mortal Fluid“ trägt die klassische Prägung des Kinos der 1950er Jahre, mit der Darstellung der Alien-Invasion als Metapher für die Ängste der Zeit, wie die Angst vor dem Kommunismus und der nuklearen Bedrohung. Der Film wurde von den Erfolgen von „Invasion of the Body Snatchers“ (1956) und „The Quatermass Xperiment“ (1955) beeinflusst, die ähnliche Themen behandelten.

Ein markantes Merkmal des Films ist die visuelle Darstellung der Kreatur, die als gallertartige rote Masse erscheint, die ihre Opfer verschlingt und weiter wächst. Dieses visuelle Element machte „Mortal Fluid“ im Horrorgenre unvergesslich und ikonisch.

Der Film profitierte auch von Steve McQueens schauspielerischer Leistung und seiner Ausstrahlung auf der Leinwand. Seine Darstellung trug dazu bei, den Film für das Publikum fesselnder zu machen und zu seiner Popularität beizutragen.

Kultfilm der 60er Jahre

Das Jahrzehnt des Bruchs. Das Kino ist von Säure, Gewalt und Rebellion durchdrungen. Splatter entsteht (mit Romero), ebenso wie experimentelles Kino und lysergische Roadmovies. Filme aus dieser Zeit versuchen nicht, es allen recht zu machen; vielmehr sind sie politische und künstlerische Manifeste, die gegen das System anschreien. Es ist die Geburt des modernen „Midnight Movie“.

Die Zeitmaschine (1960)

„Die Zeitmaschine“ ist eine Verfilmung des Romans von H.G. Wells und gilt als einer der ikonischsten Sci-Fi-Kultfilme der 1960er Jahre. Der Film wurde von George Pal inszeniert, einem Regisseur, der für seine Science-Fiction-Werke bekannt ist, und erlangte breite kritische und kommerzielle Anerkennung.

Die Handlung des Films dreht sich um einen viktorianischen Erfinder namens George, gespielt von Rod Taylor, der eine Zeitmaschine erschafft. Mit dieser Maschine kann George durch die Zeit reisen. Er beschließt, seine Erfindung zu nutzen, um die Zukunft der Menschheit zu erforschen.

Der Film behandelt Themen wie Klassenspaltung, die Natur der Menschheit und den Missbrauch von Technologie. Er erforscht auch die Zerbrechlichkeit der menschlichen Gesellschaft sowie die Gefahr von Ignoranz und Egoismus. Regisseur George Pal ist es gelungen, eine atmosphärische und futuristische Stimmung zu schaffen, die den Film zu einem visuell fesselnden Erlebnis macht.

„Die Zeitmaschine“ wird für sein solides Drehbuch, innovative Spezialeffekte seiner Zeit und überzeugende Darstellungen bewundert. Der Film setzte Maßstäbe für spätere Zeitreise-Filme und beeinflusste viele andere Werke der Science-Fiction.

A Page Of Madness

Jetzt verfügbar

Drama, Horror, von Teinosuke Kinugasa, Japan, 1926.
Eine Seite des Wahnsinns ist ein unabhängiger Film, der mit einem nahezu nicht vorhandenen Budget gedreht und dann für fünfundvierzig Jahre verloren wurde. Glücklicherweise entdeckte der Regisseur ihn 1971 in seinem Archiv wieder. Es ist ein Film, der von einer Gruppe japanischer Avantgarde-Künstler, der Schule der neuen Wahrnehmungen, gemacht wurde. Eine Bewegung, deren Ziel es war, die naturalistische Darstellung zu überwinden. In einer Landesirrenanstalt trifft der Pfleger bei strömendem Regen auf Patienten mit psychischen Erkrankungen. Am nächsten Tag kommt eine junge Frau an, die überrascht ist, ihren Vater dort zu finden, der als Pfleger arbeitet. Die Mutter der Frau wurde zuerst verrückt wegen ihres Mannes, als sie Matrosin war. Der Ehemann hat beschlossen, den Beruf zu wechseln, um in der Nähe seiner Frau in der Anstalt zu bleiben und sich um sie zu kümmern. Die Tochter erzählt ihrem Vater, dass sie bald heiraten wird, aber der Vater ist besorgt, weil er fürchtet, gemäß den damaligen Volksgerüchten, dass die psychische Erkrankung der Mutter auf die Tochter vererbt wird. Wenn der junge Ehemann und seine Familie von dem Wahnsinn der Mutter erfahren würden, würde die Ehe zerbrechen. Der Pfleger versucht, sich während seiner Arbeit um seine Frau zu kümmern, da sie von anderen Insassen geschlagen wird, aber das stört seine Rolle und er wird vom Leiter der Anstalt ausgeschimpft. Langsam verliert der Pfleger den Kontakt zur Realität und deren Grenzen zum Traum. Er beginnt Tagträume vom Lottogewinn zu haben, als seine Tochter ihn erneut trifft, um ihm zu sagen, dass seine Ehe in Schwierigkeiten steckt. Der Mann denkt daran, seine Frau aus der Anstalt zu holen, um ihre Existenz zu verbergen und jedes Problem zu lösen. Teinosuke Kinugasa ist der Regisseur einiger der besten japanischen Filme der 1920er Jahre. Eine Seite des Wahnsinns wurde mit den großen deutschen expressionistischen Filmen verglichen. Es ist ein experimenteller Film, extrem avantgardistisch, der die Atmosphären und Themen vorwegnimmt, die David Lynch viele Jahre später berühmt machen sollten. Albträume, Verzerrungen,

JETZT ANSEHEN

Das Dorf der Verdammten (1960)

„Das Dorf der Verdammten“ ist ein Sci-Fi/Horror-Film von 1960, der von Wolf Rilla inszeniert wurde. Der Film basiert auf dem Roman „The Midwich Cuckoos“ von John Wyndham. Er gilt als Klassiker des Genres und hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Popkultur.

Die Handlung des Films spielt in einem ruhigen englischen Dorf namens Midwich. Eines Tages verlieren alle Dorfbewohner für mehrere Stunden das Bewusstsein. Nach diesem seltsamen Ereignis stellen sie fest, dass viele Frauen des Dorfes schwanger geworden sind. Noch seltsamer ist die Tatsache, dass die aus diesen Schwangerschaften geborenen Kinder hypnotische Augen und telepathische Kräfte besitzen. Diese Kinder zeigen überdurchschnittliche Intelligenz und scheinen durch ein einziges finsteres Ziel verbunden zu sein.

„Das Dorf der Verdammten“ behandelt Themen wie Angst vor dem Unbekannten, die Bedrohung durch das Andere und die menschliche Natur. Der Film hinterfragt die Idee von Kontrolle und Machtkampf und untersucht, wie Menschen auf eine außergewöhnliche und unerklärliche Bedrohung reagieren. Er ist auch eine Reflexion über die Angst vor dem Fremden und die Entwicklung der Menschheit.

Der Film ist bekannt für seine düstere und unheilvolle Atmosphäre, unterstützt durch überzeugende Schauspielkunst und effektive Regie. Er hat zahlreiche nachfolgende Filme zum Thema des Bösen oder übernatürlicher Kinder beeinflusst.

Die Maske des Teufels (1960)

Im 17. Jahrhundert in der Moldau wird Prinzessin Asa Vajda von ihrem eigenen Bruder, dem Großinquisitor, wegen Hexerei zum Tode verurteilt. Bevor der Henker die „Maske des Satans“ – eine bronzene Maske mit inneren Stacheln – auf ihr Gesicht schlägt, spricht sie einen schrecklichen Fluch über ihre Nachkommenschaft aus. Zwei Jahrhunderte später entdecken zwei Ärzte auf dem Weg nach Moskau zufällig die Gruft der Hexe und erwecken sie versehentlich wieder zum Leben, indem sie Blut auf ihre konservierte Leiche verschütten. Asa erhebt sich mit einem einzigen Ziel: die Lebenskraft der jungen Prinzessin Katia, ihrer identischen Nachfahrin, zu entziehen, um ihre Jugend und Macht zurückzugewinnen, und entfesselt einen Terrorherrschaft im Familienschloss.

Mit Black Sunday markiert Mario Bava sein offizielles Regiedebüt und schafft das absolute Meisterwerk, das das italienische Gothic-Genre begründete. Bava, ein Meister der Kameraführung, erschafft einen schwarz-weißen Albtraum von atemberaubender visueller Schönheit, in dem Nebel, Spinnweben und Chiaroscuro-Beleuchtung wichtiger sind als die Handlung selbst. Der Film wird durch die magnetische Präsenz von Barbara Steele unsterblich, die sowohl die Hexe als auch das unschuldige Opfer spielt und zur ersten wahren weiblichen Ikone des modernen Horrors wird. Es ist ein traumhaftes und makabres Werk, das Regisseure wie Tim Burton und Francis Ford Coppola tief beeinflusste durch seine einzigartige Mischung aus Erotik und Verfall.

Black Sabbath (1963)

Vorgestellt vom legendären Boris Karloff, präsentiert dieser Anthologie-Film drei unterschiedliche Facetten des Horrors. In „Das Telefon“ wird eine Frau, allein in ihrer Wohnung, durch eine Reihe bedrohlicher Anrufe eines Ex-Liebhabers, von dem sie glaubte, er sei tot, terrorisiert, was zu einem Crescendo aus erotischer Spannung und Paranoia führt. In „Der Wurdalak“, angesiedelt im Russland des 19. Jahrhunderts, stößt ein edler Reisender auf eine Familie, die von einer grausamen Form des Vampirismus verflucht ist: Die Untoten kehren zurück, um ausschließlich vom Blut derjenigen zu leben, die sie im Leben am meisten liebten. Schließlich macht in „Der Tropfen Wasser“ eine Krankenschwester den fatalen Fehler, einen Ring vom Finger einer toten Medienfrau zu stehlen, woraufhin sie vom Geist der Frau und dem obsessiven Tropfenwasser-Sound verfolgt wird.

Als eines der absoluten Meisterwerke des Anthologie-Horrors gilt der Film als perfektes Kompendium von Mario Bavas visuellem Genie, der hier mit drei Subgenres experimentiert: dem psychologischen Giallo, dem klassischen Gothic und dem übernatürlichen Horror. Der expressionistische Einsatz von Farbe – mit seinen säuregrünen, tiefvioletten Tönen und langen Schatten – schafft eine traumhafte, beklemmende Atmosphäre, die Generationen von Regisseuren beeinflusst hat, von Tarantino bis zu Guillermo del Toro. Das letzte Segment („Der Tropfen Wasser“) ist besonders berühmt und bleibt einer der gruseligsten Momente der Filmgeschichte durch seine Fähigkeit, mit minimalen Mitteln reinen Terror zu erzeugen.

Repulsion (1965)

„Repulsion“ ist ein psychologischer Film aus dem Jahr 1965 unter der Regie von Roman Polanski. Er gilt als Kultfilm des Regisseurs und als ein bedeutendes Werk des psychologischen und Horror-Kinos.

Der Film erzählt die Geschichte von Carol Ledoux, gespielt von Catherine Deneuve, einer jungen Frau, die als Maniküristin in London arbeitet. Carol ist introvertiert und leidet unter psychischen und sexuellen Störungen. Als ihre Schwester Helen in den Urlaub fährt, bleibt Carol allein in der Wohnung zurück, die sie mit ihr teilt, und ihre Psyche beginnt sich zu zersetzen.

Polanski nutzt die filmische Sprache geschickt, um eine klaustrophobische und unheimliche Atmosphäre zu schaffen. Die Schwarz-Weiß-Fotografie verstärkt das Gefühl der Entfremdung und Isolation der Hauptfigur. Die Räume der Wohnung verwandeln sich in einen visuellen Albtraum, mit rissigen Wänden, sich bewegenden Gegenständen und Spinnweben. Der minimalistische Soundtrack und die Soundeffekte tragen weiter zur spürbaren Spannung bei.

Die Darstellung von Catherine Deneuve ist bemerkenswert. Sie schafft es, Carols Zerbrechlichkeit und inneres Leid auf außergewöhnliche Weise zu vermitteln, wodurch ihre Figur zugleich faszinierend und verstörend wirkt. Der Film behandelt Themen wie Einsamkeit, unterdrückte Sexualität, Angst vor menschlichem Kontakt und den Zerfall der Psyche.

„Repulsion“ wurde für seine experimentelle und verstörende Erzählweise von der Kritik gelobt. Er gilt als einer der besten Filme Polanskis und hat viele nachfolgende Regisseure im Genre des psychologischen und Horror-Kinos beeinflusst. Der Film bietet eine kraftvolle Darstellung mentaler Instabilität und ihrer zerstörerischen Auswirkungen auf die menschliche Psyche und bleibt bis heute ein eindrucksvolles filmisches Werk.

2001: Odyssee im Weltraum (1968)

„2001: Odyssee im Weltraum“ ist ein Science-Fiction-Film aus dem Jahr 1968 unter der Regie von Stanley Kubrick. Er gilt als eines der Meisterwerke des Kinos und basiert auf der Kurzgeschichte von Arthur C. Clarke mit dem Titel „The Watchman“. Der Film wurde in Zusammenarbeit mit Clarke selbst entwickelt.

Die Handlung von „2001: Odyssee im Weltraum“ ist eine astrale Reise durch Zeit und Raum. Der Film entfaltet sich über vier Hauptakte, von denen jeder einen anderen Zeitpunkt und Schauplatz zeigt. Die Eröffnung des Films zeigt den Anbruch der Menschheit, in dem eine Gruppe primitiver Hominiden einen schwarzen Monolithen entdeckt, der auf mysteriöse Weise auf der Erde erscheint. Dieser Monolith scheint einen Einfluss auf die menschliche Evolution zu haben, indem er die Intelligenz stimuliert und den Weg für eine neue Entwicklungsstufe ebnet. Der zweite Akt spielt im Jahr 2001 und folgt einer menschlichen Expedition zum Jupiter an Bord des Raumschiffs Discovery One. An Bord befindet sich die KI HAL 9000, ein Supercomputer mit künstlicher Intelligenz. Doch HAL beginnt, ein erratisches Verhalten zu zeigen und gefährdet die Crew. Der Astronaut Dave Bowman bleibt der einzige Überlebende und entdeckt einen weiteren Monolithen auf dem Mond des Jupiters. Der dritte Akt, genannt „Jupiter jenseits der Unendlichkeit“, ist eine visuelle und psychedelische Erfahrung, die Konzepte von Raum und Zeit erforscht und die Grenzen des menschlichen Verständnisses erweitert. Bowman stürzt in eine surreale kosmische Reise und verwandelt sich in eine höhere Lebensform.

„2001: Odyssee im Weltraum“ ist ein Kultfilm, der für seine ikonischen Bilder, den atemberaubenden Soundtrack (einschließlich der berühmten Musik „Also sprach Zarathustra“ von Richard Strauss) und seinen revolutionären visuellen Stil gefeiert wird. Der Film leitete eine neue Ära der Science-Fiction-Kinematografie ein, zeigte beispiellose wissenschaftliche Genauigkeit und einen durchdachten Ansatz zur Erforschung des Universums. Der Film behandelt tiefgründige Themen wie die menschliche Evolution, künstliche Intelligenz, die Existenz außerirdischen Lebens und die Natur des Universums selbst. Kubrick hat eine rätselhafte Erzählung geschaffen, die für multiple Interpretationen offen ist und Raum für verschiedene philosophische und metaphysische Deutungen lässt.

The Day The Earth Stood Still

Jetzt verfügbar

Science-Fiction, von Robert Wise, Vereinigte Staaten, 1952.
Basierend auf der Kurzgeschichte Goodbye to the Master von Harry Bates, spielt der Film in Washington. Ein fliegender Untertassen landet in einem Park und eine Menschenmenge, wenn auch verängstigt, drängt sich darum, während Soldaten mit gepanzerten Fahrzeugen eintreffen. Ein menschenähnlicher Außerirdischer namens Klaatu steigt aus der Scheibe, salutiert und bringt ein kleines Geschenk mit, doch ein panischer Soldat schießt auf ihn. Klaatu, nachdem er ins Krankenhaus gebracht wurde, entkommt der Überwachung und nimmt die Identität eines einfachen Mannes namens Carpenter an. Er sucht Zuflucht bei einem Vermieter und lernt Helen, eine Kriegswitwe, und ihren Sohn Bobby kennen.

Zum Nachdenken
Ein Film, der eine grundlegende ethische Botschaft trägt, heute von enormer Relevanz: Die Menschen müssen ihren Egoismus, ihre Ängste, ihre Impulse zur Zerstörung und Dominanz aufgeben, um sich alle in einem großen Abkommen zu vereinen, jenseits von Nationen, Rassen, Sprachen, verschiedenen Religionen und Kulturen. Keine Zivilisation kann im Konflikt und Ungleichgewicht wachsen, indem sie gegen den großen Plan des Universums handelt. Selbst Außerirdische können verärgert sein und zur Erde kommen, um mit allen Mitteln ein soziales Abkommen zu etablieren.

JETZT ANSEHEN

Kultfilm der 70er Jahre

Wenn es ein heiliges Jahrzehnt für den Kultfilm gibt, dann ist es dieses. Mitternachtskinos in New York und London zeigten Filme, die jedes Tabu brachen: El Topo, Eraserhead, The Rocky Horror Picture Show. Es ist schmutziges, mystisches, exzessives Kino, in dem die Grenze zwischen Kunst und Trash völlig verschwindet. Hier wurden Giganten geboren.

Der Vogel mit der Kristallfeder (1970)

In Der Vogel mit der Kristallfeder wird der amerikanische Schriftsteller Sam Dalmas, der kurz davorsteht, Rom zu verlassen und nach Hause zurückzukehren, zufällig Zeuge eines Überfalls in einer Kunstgalerie: Eine Frau kämpft mit einer schwarz gekleideten Gestalt und wird verletzt. Zwischen den automatischen Glastüren eingeklemmt, ist Sam gezwungen, hilflos zuzusehen, geplagt von dem Gefühl, dass ihm ein entscheidendes visuelles Detail des Ereignisses entgleitet. Da ihm als wichtigem Zeugen der Pass von der Polizei abgenommen wird, beschließt er, auf eigene Faust zu ermitteln, während ein Serienmörder beginnt, es auf ihn abgesehen zu haben. Der Schlüssel zum Geheimnis liegt in einem während eines bedrohlichen Anrufs aufgenommenen Geräusch: dem Ruf eines seltenen sibirischen Vogels, des Hornitus.

Dario ArgentosFredric Browns Roman The Screaming Mimi führt der Film alle stilistischen Obsessionen des Regisseurs ein: den Killer mit schwarzen Handschuhen, POV-Aufnahmen, die Fetischisierung der Mordwaffe und den hypnotischen Einsatz der Filmmusik (hier von Ennio Morricone). Als erster Teil der „Tier-Trilogie“ (neben Die Katze mit neun Schwänzen und Vier Fliegen auf grauem Samt) ist es ein visuell raffiniert inszenierter Thriller, der mit Wahrnehmung und Erinnerung spielt und nahelegt, dass die Wahrheit immer direkt vor unseren Augen liegt, wir sie jedoch oft falsch interpretieren.

Mean Streets (1973)

„Mean Streets“ ist ein Film von 1973 unter der Regie von Martin Scorsese, der als eines der frühesten Werke des Regisseurs große Aufmerksamkeit und Anerkennung erhielt. Der Film spielt im Stadtteil Little Italy in New York City und folgt dem Leben eines jungen italienisch-amerikanischen Mannes namens Charlie, gespielt von Harvey Keitel. Charlie ist in die lokale kriminelle Unterwelt verstrickt und arbeitet für seinen Mafia-Onkel. Gleichzeitig versucht er, sein Leben zwischen familiären Verpflichtungen, seinem katholischen Glauben und der Freundschaft zu seinem exzentrischen Freund Johnny Boy, gespielt von Robert De Niro, auszubalancieren.

„Mean Streets“ erforscht Themen wie Identität, Schuld, Erlösung und den Konflikt zwischen Gut und Böse. Der Film ist bekannt für seinen rauen und realistischen Erzählstil, der dazu beitrug, Scorseses charakteristischen Stil als Filmemacher zu definieren. Er wurde weithin für seine authentischen Darstellungen und seine authentische Darstellung des Lebens in den New Yorker Stadtteilen gelobt.

Der Film markierte auch den Beginn der Zusammenarbeit zwischen Scorsese und De Niro, die eine der berühmtesten im Kino werden sollte. „Mean Streets“ etablierte Scorsese als Regisseur, den man im Auge behalten sollte, und ebnete den Weg für viele seiner zukünftigen Erfolge. Mit seiner rauen Gewalt, der realistischen Darstellung der kriminellen Unterwelt und komplexen Thematik ist „Mean Streets“ zu einem Kultfilm und einem Meilenstein im Gangsterfilm-Genre geworden. Er half dabei, Martin Scorsese als einen der größten Regisseure seiner Zeit zu etablieren und hinterließ einen bleibenden Eindruck in der Kinolandschaft.

The Phantom of the Paradise (1974)

„The Phantom of the Paradise“ ist ein Film aus dem Jahr 1974 unter der Regie von Brian De Palma. Es handelt sich um ein Horror-Musical, das Elemente von Gaston Lerouxs Roman „Das Phantom der Oper“ mit der Rock- und Popkultur der damaligen Zeit vermischt. Der Film erzählt die Geschichte von Winslow Leach, gespielt von William Finley, einem talentierten jungen Komponisten, dessen Werk von Swan, gespielt von Paul Williams, einem skrupellosen Plattenproduzenten, gestohlen wird. Nach einer ungerechtfertigten Inhaftierung erleidet Winslow einen Unfall, der ihn entstellt. Dennoch findet er Zuflucht im Paradise-Gebäude, einem Veranstaltungsort, der von Swan geleitet wird.

„The Phantom of the Paradise“ ist bekannt für seinen originellen Soundtrack, der von Paul Williams geschrieben und aufgeführt wurde und breite Anerkennung gefunden hat. Der Film kombiniert verschiedene Musikgenres wie Rock, Pop und Glam Rock und schafft so einen eingängigen und unvergesslichen Soundtrack.

Regisseur Brian De Palma mischt geschickt Elemente von Satire, Komödie, Horror und Melodrama und bietet eine groteske und surreale Vision der Musikindustrie. Der Film ist voller Anspielungen und Parodien auf berühmte Persönlichkeiten und musikalische Künstler der damaligen Zeit. Obwohl er bei seiner Veröffentlichung an den Kinokassen keinen großen Erfolg hatte, ist „The Phantom of the Paradise“ im Laufe der Jahre zu einem Kultfilm geworden, der für seine Originalität und einzigartige Stilfusion geschätzt wird. Er gilt als Meilenstein in Brian De Palmas Filmografie und als Wegbereiter im Genre des musikalischen Horrors.

Der Mann, der vom Himmel fiel (1976)

„Der Mann, der vom Himmel fiel“ ist ein Science-Fiction-Kultfilm aus dem Jahr 1976 unter der Regie von Nicolas Roeg. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Walter Tevis. Die Handlung folgt einem Außerirdischen namens Thomas Jerome Newton, gespielt von David Bowie, der von seinem Heimatplaneten, der von Dürre bedroht ist, zur Erde kommt. Newton nimmt die Identität eines Geschäftsmannes an und versucht, mit seiner fortschrittlichen Technologie ein Unternehmen aufzubauen, das das Wissen und die Technologie bereitstellen kann, die nötig sind, um seinen Planeten zu retten.

Der Film behandelt Themen wie Entfremdung, Besessenheit, Gier und Isolation. Er stellt die Natur der Menschheit und ihre Beziehung zueinander in Frage und kritisiert die konsumistische und kapitalistische Gesellschaft. „The Man Who Fell to Earth“ ist eine eindringliche und oft melancholische Darstellung der Einsamkeit und Fremdheit eines Außerirdischen, der in einer Welt gestrandet ist, die er nicht vollständig verstehen kann.

David Bowie liefert eine denkwürdige Darstellung als Thomas Jerome Newton und bringt seine eigene einzigartige und magnetische Aura in die Figur ein. Nicolas Roegs Regie zeichnet sich durch einen visuell kühnen Stil aus, der nicht-lineare Erzählsequenzen, symbolische Bilder und unkonventionellen Schnitt kombiniert. „The Man Who Fell to Earth“ ist zu einem Kultfilm geworden und hat im Laufe der Jahre eine Kultanhängerschaft gewonnen. Er gilt als ein Film, der sich von konventionellen Science-Fiction-Stereotypen entfernt und eine intimere und philosophischere Reflexion über menschliche Erfahrungen und die menschliche Existenz bietet.

Simon of The Desert

Jetzt verfügbar

Komödie, von Luis Buñuel, Mexiko, 1963
Simón, ein langbärtiger Heiliger, lebt auf einer Säule mitten in der Wüste, fast im völligen Fasten. Die Menschen verehren ihn als Messias. Er vollbringt Wunder, widersteht Versuchungen Satans, der ihn in Gestalt einer schönen Frau quält. Eine Reihe grotesker, surrealer, magischer und picaresker Szenen. Das beste Buñuel in nur 45 Minuten.

Denkanstoß
Wer sich aus der Welt zurückzieht, um ein spirituelles Leben zu finden, ist zum Scheitern verurteilt. Versuchungen werden ihm folgen, das Bedürfnis nach Beziehung zu anderen wird ihn nicht verlassen. Nur sein Ego wird durch eine falsche Spiritualität befriedigt. Wahre Spiritualität findet sich im Alltag, in der Gesellschaft, in der wir leben, im täglichen Leben, unter den Menschen, denen wir jeden Tag begegnen.

SPRACHE: Spanisch
UNTERTITEL: Englisch, Französisch, Deutsch, Italienisch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Carrie (1976)

In Carrie erträgt die schüchterne Teenagerin Carrie White ein höllisches Dasein, zermalmt zwischen dem gnadenlosen Mobbing ihrer Highschool-Klassenkameraden und dem religiösen Fanatismus ihrer Mutter Margaret, die in jedem Aspekt der Weiblichkeit Sünde sieht. Nach einem traumatischen Vorfall in den Duschen der Turnhalle entdeckt Carrie, dass sie latente telekinetische Kräfte besitzt, die sich unter emotionalem Stress manifestieren. Was wie ein Moment sozialer Erlösung erscheint – eine Einladung zum Abschlussball – verwandelt sich in eine grausame Falle, als ein demütigender Streich sie über die Grenze treibt und eine apokalyptische übernatürliche Rache entfesselt, die die ganze Schule verwüsten wird.

Die erste Verfilmung eines Romans von Stephen King, dieses Meisterwerk von Brian De Palma, übersteigt das Horror-Genre und wird zu einer opernhaften Tragödie über Jugend und Entfremdung. De Palma wendet seinen barocken und Hitchcock’schen Stil an – mit Split-Screens, traumähnlicher Zeitlupe und gesättigten Farben – um eine unerträgliche Spannung aufzubauen, die in der berühmten Ballsaal-Sequenz gipfelt, einem visuell unvergesslichen Triumph aus Blut und Feuer. Sissy Spacek mit ihrem fremdartigen und verletzlichen Blick und Piper Laurie, furchteinflößend als Mutter, liefern zwei der kraftvollsten Darstellungen des Kinos der 1970er Jahre und etablieren den Film als kulturelles Symbol für die Angst vor dem weiblichen Körper und Unterdrückung.

Eraserhead (1977)

„Eraserhead“ ist ein Film aus dem Jahr 1977, geschrieben und inszeniert von David Lynch. Es ist Lynchs erster Spielfilm und zählt zu seinen ikonischsten und einflussreichsten Werken. Der Film ist eine surreale und verstörende Erfahrung, geprägt von einer mehrdeutigen Handlung und einer klaustrophobischen Atmosphäre. Die Geschichte folgt Henry Spencer, gespielt von Jack Nance, einem einsamen und entfremdeten Mann, der in einer heruntergekommenen Industrieumgebung lebt. Sein Leben wird durch die Geburt eines deformierten Sohnes auf den Kopf gestellt, was ihn in einen Zustand von Paranoia und Halluzinationen treibt. „Eraserhead“ ist bekannt für seine schwarz-weiße Ästhetik, die eine dunkle und traumähnliche Atmosphäre schafft. Der Film zeichnet sich durch eine markante Verwendung von Fotografie und Soundtrack aus und erzeugt ein einzigartiges sensorisches Erlebnis.

Die Handlung von „Eraserhead“ ist offen für viele Interpretationen und kann als Reflexion über die Ängste und Sorgen des modernen Lebens, Entfremdung und familiären Zerfall gesehen werden. Der Film behandelt auch Themen wie Sexualität, Isolation und existenzielle Angst. Trotz seines unabhängigen und sehr kleinen Budgets hat „Eraserhead“ im Laufe der Jahre eine Kultanhängerschaft gewonnen und wurde für seine Originalität und einzigartige Vision von der Kritik gelobt. Der Film beeinflusste eine Reihe von Regisseuren und etablierte Lynchs charakteristischen Stil als surrealer Geschichtenerzähler. „Eraserhead“ wurde zu einem Meilenstein im Avantgarde-Kino und legte den Grundstein für die erfolgreiche Karriere von David Lynch, der einer der bekanntesten und am meisten gefeierten Regisseure seiner Zeit werden sollte.

Kultfilm der 80er

Technologie verändert alles. Mit dem Aufkommen des Videorekorders hält das Kultkino Einzug ins Zuhause. Es ist das Jahrzehnt der praktischen Effekte, des gummiartigen Horrors, des Cyberpunk und der hyper-gewalttätigen Action. Filme aus dieser Zeit besitzen eine unverwechselbare Ästhetik – Rauch, Neon, Synthesizer – die heute Gegenstand endloser Nostalgie ist.

👉 ZUR LISTE: Beste Kultfilme der 80er

Der Elefantenmensch (1980)

Nicht nur einer der besten Kultfilme der 80er, sondern auch eines der besten Meisterwerke des Kinos. Frederick Treves, ein Chirurg am London Hospital, entdeckt John Merrick in einer Schau im East End Londons, die von Mr. Bytes, einem grausamen Zirkusdirektor und geldgierigen Mann, betrieben wird. Sein Kopf wird verhüllt gehalten, und sein „Besitzer“, der ihn für geistig behindert hält, wird von Treves bezahlt, ihn zur Untersuchung in die Gesundheitseinrichtung zu bringen.

Treves zeigt Merrick seinen Kollegen und hebt seinen massiven Kopf hervor, der es erforderlich macht, dass er mit dem Kopf auf den Knien schläft, da er sonst beim Liegen ersticken würde. Nach Merricks Rückkehr wird er von Bytes so schwer bestraft, dass er Treves um medizinische Hilfe rufen muss. Treves bringt ihn zurück in die Gesundheitseinrichtung.

Der von David Lynch inszenierte Film schafft eine bemerkenswerte Synthese im Umgang mit seinem Thema und bietet herausragende Darstellungen von John Hurt und Anthony Hopkins. Hurt ist wirklich großartig. Es kann nicht einfach sein, unter einer so schweren Maske zu spielen… die Inszenierung ist wunderschön, besonders die Schwarz-Weiß-Fotografie von Freddie Francis.

Bad Timing (1980)

Einer der am wenigsten erinnerten und bekannten Kultfilme der 1980er Jahre. Im Wien des Kalten Krieges wird Milena Flaherty, eine junge amerikanische Frau in ihren 20ern, nach einer Überdosis bei einem Suizidversuch in die Notaufnahme eingeliefert.

Mit ihr ist Alex Linden, ein amerikanischer Psychoanalytiker, der als Universitätsdozent in der Stadt bleibt. Während Ärzte und Krankenschwestern um Milenas Leben kämpfen, beginnt ein Detektiv, Netusil, den Vorfall zu untersuchen. Mit fragmentarischen Rückblenden zeigt die Erzählung Alex‘ Geschichte und Milenas Liebesgeschichte.

Nicolas Roeg ist ein Regisseur von einzigartigem Charisma und besitzt die Fähigkeit, sowohl zu faszinieren als auch Aufmerksamkeit zu fesseln. In anderen Händen könnte all dies nur Täuschung und Unterhaltung sein, doch durch diese fragmentarischen Komponenten entwickeln Roeg und sein Autor Yale Udoff eine kraftvolle Geschichte.

Dementia

Jetzt verfügbar

Horror, Noir, von John Parker, Vereinigte Staaten, 1955.
Es ist Nacht. Eine Frau wacht plötzlich aus einem Albtraum in einem schäbigen Hotel in den Vororten von Los Angeles auf. Sie verlässt das Zimmer und wandert durch die Nachbarschaft. Sie trifft einen Zwerg, der Zeitungen mit der Schlagzeile „Mysteriöses Messerstechen“ verkauft. In einer dunklen Gasse belästigt ein Betrunkener sie, und ein Polizist rettet sie. Dann trifft sie einen elegant gekleideten Mann mit einem dünnen Schnurrbart. Der Mann gibt ihr eine Blume und überredet sie, in die Limousine mit einem reichen, dicken Mann einzusteigen. Während sie durch die Stadt fahren, denkt der Mann an sein Kindheitstrauma und den gewalttätigen Vater, der ihn mit einem Messer erstach, nachdem er seine untreue Mutter erschossen hatte. Der reiche Mann nimmt sie mit, um in mehreren Nachtclubs Spaß zu haben, und dann zu ihrer Wohnung. Zuerst ignoriert er die Frau, während sie sich an einer großen Mahlzeit gütlich tut. Sie verführt ihn, und er nähert sich ihr aufgeregt.

Ein visionärer und halluzinatorischer Albtraum, ohne Dialog, während einer Nacht einer einsamen Frau in Los Angeles. Zwischen Horror, Film Noir und expressionistischem Film, ursprünglich von Parker als Kurzfilm basierend auf einem Traum seiner Sekretärin Barrett konzipiert, die auch die Darstellerin des Films wurde. Der Film wurde vom New York State Film Board blockiert, bevor er 1955 in den Kinos veröffentlicht wurde. Später kaufte Jack H. Harris ihn und erstellte eine neue Version mit einem anderen Schnitt, fügte auch einen Voiceover hinzu und änderte den Titel. Dies ist die Originalversion.

Ohne Dialog

JETZT ANSEHEN

An American Werewolf in London (1981)

Einer der großen Kultfilme der 1980er Jahre. Zwei amerikanische Rucksacktouristen aus New York City, David Kessler und Jack Goodman, durchqueren die Yorkshire-Moore. Als die Nacht hereinbricht, betreten sie ein Gasthaus namens Slaughtered Lamb. Jack sieht seltsame fünfzackige Symbole an der Wand, doch als er die Gäste fragt, werden diese aggressiv.

Sie beschließen beide zu gehen, und die Kneipengäste raten ihnen, auf der Straße zu bleiben, nicht in die Moore zu gehen und vor dem Vollmond aufzupassen. David und Jack verlassen die Straße und fahren in die Moore, wo sie von einem wilden Wesen angegriffen werden.

Unterhaltsam und gleichzeitig furchteinflößend verbindet John Landis‚ Horror-Komödie verschiedene Genres, da sie Rick Bakers beeindruckende Maskeneffekte zeigt. Romantische und dämmrige Atmosphären, unvergessliche Szenen der Verwandlung in einen Wolf. Eine besondere Mischung aus Horrorfilm und Parodie, Komödie und existenziellem Drama.

1997 Escape from New York (1981)

„Escape from New York“ ist ein dystopischer Film aus dem Jahr 1981, inszeniert von John Carpenter. Es handelt sich um einen Action-Thriller, der in einer dystopischen Zukunft spielt, in der Manhattan zu einem Hochsicherheitsgefängnis geworden ist, das vom Rest der Welt isoliert ist.

Der Protagonist des Films ist Snake Plissken, gespielt von Kurt Russell, ein ehemaliger Soldat und Kriegsverbrecher, der zu einer Haftstrafe in einem Hochsicherheitsgefängnis verurteilt wurde. Als das Flugzeug des Präsidenten der Vereinigten Staaten entführt wird und im Gefängnis von Manhattan abstürzt, wird Snake für eine Rettungsmission rekrutiert.

„Escape from New York“ ist bekannt für seine düstere Atmosphäre und die dystopische Darstellung Manhattans. Der Film bietet eine postapokalyptische Vision einer korrupten und zerrütteten Gesellschaft, in der Gewalt an der Tagesordnung ist und das Gesetz wirkungslos geworden ist. Die Handlung ist packend und voller Action, wobei Snake Plissken in Schießereien, Verfolgungsjagden und tödliche Kämpfe verwickelt wird.

„Escape from New York“ hat sich im Laufe der Jahre zu einem Kultfilm entwickelt, geschätzt für seine düstere Atmosphäre, John Carpenters Filmmusik und die unvergessliche Charakterisierung von Snake Plissken. Er inspirierte mehrere Fortsetzungen und trug dazu bei, das Genre der Flucht- und Überlebensfilme im Kino zu festigen.

The Thing (1982)

Der Kult-Horror der 80er. In der Antarktis verfolgt ein Hubschrauber einen Schlitten zu einem amerikanischen Forschungslabor. Wissenschaftler beobachten, wie der Reisende unbeabsichtigt den Hubschrauber und sich selbst zur Explosion bringt. Der Pilot erschießt den Hund und beleidigt die Amerikaner auf Norwegisch, doch sie erkennen ihn nicht.

Er wird vom Stationskommandanten Garry in Notwehr erschossen. Der amerikanische Hubschrauberpilot RJ MacReady und Dr. Copper machen sich auf, die norwegische Basis zu untersuchen. Zwischen den verkohlten Ruinen und gefrorenen Leichen entdecken sie die verbrannten Überreste eines deformierten Humanoiden, die sie zur amerikanischen Station bringen.

Kurt Russell ist der Filmplakat-Junge der 80er für Kultfilme. The Thing ist einer der John Carpenter beliebtesten Filme, doch das war nicht von Anfang an so. Er wurde zunächst schnell kritisiert, gewann aber später an Bedeutung und wurde nach Veröffentlichung auf Video und im Fernsehen zum Sinnbild der 1980er.

Videodrome (1983)

Max Renn ist Präsident von CIVIC-TV, einem in Toronto ansässigen Fernsehsender, der sich auf sensationelle Programme spezialisiert hat, und sendet Videodrome, eine nicht handlungsorientierte Sendung aus Malaysia, die anonyme Opfer zeigt, die schwer verletzt oder getötet werden. In der Annahme, dies sei die Zukunft des Fernsehens, ordnet Max die unlizenzierte Nutzung der Sendung an.

Nicki Brand, eine sadomasochistische Radiomoderatorin, ist von einer Folge von Videodrome begeistert und wird sich höchstwahrscheinlich für die Show bewerben, als sie erfährt, dass sie aus Pittsburgh ausgestrahlt wird. Max kontaktiert Masha, eine Softcore-Pornografin, und bittet sie, ihm zu helfen, die Wahrheit über Videodrome zu verstehen.

Die Blondie-Sängerin Debbie Harry spielte in diesem David Cronenberg-Film mit. Berühmt für Body-Horror-Filme, gelang es Cronenberg, Unterstützung großer Hollywood-Produktionen für Videodrome zu gewinnen. Der Film erlangte eine große Anhängerschaft, indem er Zensurgrenzen neu definierte. Die Vision des Regisseurs ist subversiv und grotesk. Die Schwierigkeiten hinderten Videodrome nicht daran, in die Hall of Fame der Kultfilme aufgenommen zu werden.

Body Double (1984)

Body Double ist ein Film von 1984 unter der Regie von Brian De Palma. Es ist ein psychologischer Thriller, der Elemente von Giallo, Horror und erotischem Drama verbindet.

Der Film erzählt die Geschichte von Jake Scully, gespielt von Craig Wasson, einem kämpfenden Schauspieler in Hollywood, der von seiner Freundin verlassen wird und plötzlich ohne Wohnraum dasteht. Ein Freund bietet ihm an, auf eine Wohnung aufzupassen, wo Jake ein Loch in der Wand entdeckt, durch das er seine weibliche Nachbarin, eine geheimnisvolle Frau gespielt von Melanie Griffith, beobachten kann, die private erotische Shows aufführt.

„Body Double“ ist bekannt für seine viszeralen und sexuell aufgeladenen Mordsequenzen, die zu Markenzeichen des Regisseurs geworden sind. De Palma verwendet visuell kühne Techniken, darunter lange Tracking-Shots, suggestive Bildkompositionen und einen mitreißenden Soundtrack, um eine unheimliche und verstörende Atmosphäre zu schaffen.

Der Film erhielt bei seiner Veröffentlichung gemischte Kritiken, hat aber im Laufe der Jahre eine Kultanhängerschaft gewonnen. Er gilt als eines der markantesten Werke von Brian De Palma und behandelt Themen wie Voyeurismus, Sexualität, Perversion und Obsession.

Fear and Desire

Jetzt verfügbar

Krieg, Drama, von Stanley Kubrick, Vereinigte Staaten, 1953.
Fear and Desire ist der erste Spielfilm von Stanley Kubrick, ein völlig unabhängiger Film, der vom Regisseur selbst und durch eine Spendenaktion unter Freunden und Verwandten finanziert wurde. Mit einem kleinen Team gedreht, kümmerte sich Kubrick auch um Schnitt und Kameraarbeit. Der Film ist der erste zum Kriegsthema, zu dem er später weitere berühmte Filme drehen wird. Während eines nicht näher bezeichneten Krieges, einer Metapher für alle Kriege, stürzen vier Soldaten mit einem Flugzeug ab und befinden sich hinter feindlichen Linien. Die Überlebenden versuchen, sich zu retten, indem sie ein Floß bauen, mit dem sie den Fluss hinauffahren wollen. Es scheint, dass Kubrick jahrelang die Sichtbarkeit des Films blockierte, indem er alle Kopien suchte und zerstörte, weil er ihn für „eine schlechte filmische Übung“ hielt. Er lag falsch.

Zum Nachdenken
Die Wurzel des Krieges liegt im Inneren, außen sieht man dann nur seine Zweige und Blätter. Wenn das zugrunde liegende Skript der Menschheit nicht verändert wird, wenn der Menschheit kein neues Programm zum Leben gegeben wird, werden Kriege weitergehen. Es geht nicht darum, politische Ideologien zu ändern oder den Menschen beizubringen, in Brüderlichkeit zu leben: Das sind bereits bewährte Dinge, die gescheitert sind. Es geht darum, die Spaltung in der menschlichen Seele zu heilen, wo ein ständiger innerer Krieg herrscht.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Italienisch, Französisch

JETZT ANSEHEN

After Hours (1985)

„After Hours“ ist ein Kultfilm aus dem Jahr 1985 unter der Regie von Martin Scorsese. Es handelt sich um eine Schwarze Komödie, die die Missgeschicke eines gewöhnlichen Mannes verfolgt, der in eine verrückte und chaotische Nacht in New York City gerät.

Der Protagonist des Films ist Paul Hackett, gespielt von Griffin Dunne, ein Büroangestellter, der beschließt, einen anderen Abend als gewöhnlich zu erleben. Nachdem er eine attraktive Frau namens Marcy trifft, gespielt von Rosanna Arquette, folgt Paul ihr ins SoHo-Viertel.

Doch die Dinge nehmen eine unerwartete Wendung, als Paul seine U-Bahn-Karte verliert und sich in der Innenstadt von New York City gestrandet sieht, wo er einer Reihe bizarrer und surrealer Ereignisse gegenübersteht. Auf dem Weg trifft Paul auf eine Vielzahl exzentrischer Charaktere, darunter verrückte Künstler, skrupellose Kriminelle, eine Gruppe von Selbstjustizlern und einen gefährlichen Eisverkäufer.

Im Gegensatz zu typischen Scorsese-Filmen zeichnet sich „After Hours“ durch seinen humorvollen Ton und die satirische Darstellung des urbanen Lebens aus. Der Film behandelt Themen wie Isolation, Paranoia, Frustration und Angst vor dem Unbekannten und hebt die Absurdität und den Wahnsinn der zeitgenössischen Gesellschaft hervor.

„After Hours“ wurde für sein cleveres Drehbuch, das hektische Tempo sowie die brillanten Darstellungen der Besetzung von der Kritik gelobt. Obwohl der Film bei seiner Veröffentlichung keinen großen kommerziellen Erfolg erzielte, hat er sich im Laufe der Jahre zu einem Kultfilm entwickelt und gilt als eines der markantesten und unterschätztesten Werke von Scorsese.

Highlander (1986)

1985 steht Connor MacLeod einem alten Feind, Iman Fasil, auf dem Parkplatz des Madison Square Garden gegenüber. Nach einem Schwertkampf köpft MacLeod Fasil, und eine gewaltige Energie, genannt Quickening, trifft den umliegenden Bereich und zerstört mehrere Fahrzeuge. Nachdem Connor sein Katana in der Garagendecke versteckt hat, nehmen ihn NYPD-Beamte wegen Mordes fest, lassen ihn jedoch später mangels Beweisen wieder frei.

Ein französisch-amerikanischer Star, der einen Schotten spielt (Christopher Lambert), und ein Schotte, der einen unsterblichen Spanier spielt (Sean Connery) – was könnte besser sein? Die Verteidigung des ewigen Lebens sowohl im Schottland des 16. Jahrhunderts als auch im New York der 1980er Jahre traf wirklich die Herzen des Publikums.

Ein unvergesslicher Soundtrack von Queen, Russell Mulcahys Film ist gefüllt mit legendären Schwertkämpfen und einem furchterregenden Bösewicht, dem Kurgan, gespielt vom vielbeschäftigten Star Clancy Brown. 

Sie leben (1988)

In Sie leben ist John Nada ein arbeitsloser Landstreicher, der nach Los Angeles kommt, um Arbeit zu suchen, dort aber nur eine verarmte Elendsiedlung findet, die von medialem Prunk erdrückt wird. Nachdem er ein scheinbar normales Paar Sonnenbrillen aus einer verlassenen Kirche geborgen hat, entdeckt er eine erschreckende Realität: Die bunte Welt um ihn herum ist lediglich eine Sendefrequenz, die als Tarnung dient. Trägt er die Gläser, bricht das Signal zusammen, und Werbetafeln offenbaren totalitäre unterschwellige Befehle wie „GEHORCHE“, „KONSUMIERE“ und „KEIN DENKEN“, während die wohlhabende Elite als skelettgesichtige Außerirdische entlarvt wird, die die Erde kolonisiert haben und sie wie ein Geschäft behandeln. Bewaffnet mit einer Schrotflinte und den Brillen führt Nada einen einsamen Krieg und versucht brutal, seinen Kollegen Frank davon zu überzeugen, die Wahrheit zu sehen, die offen vor Augen verborgen liegt.

Dieser Kultklassiker unter der Regie von John Carpenter ist nicht nur ein Sci-Fi-Actionfilm, sondern eine der schärfsten und klügsten politischen Satiren, die je gegen die Reagan-Ära und den grassierenden Kapitalismus der 80er Jahre gemacht wurden. Carpenter verbindet B-Movie-Ästhetik mit subversiver Philosophie und legt nahe, dass unsere soziale Apathie künstlich induziert ist. Der Film wurde legendär durch die ikonische Darstellung des Wrestlers „Rowdy“ Roddy Piper und den berühmten sechsminütigen Faustkampf in einer Gasse – einer der längsten und realistischsten in der Filmgeschichte –, der metaphorisch symbolisiert, wie schmerzhaft und schwierig es ist, jemanden dazu zu bringen, die Augen zu öffnen und eine unbequeme Wahrheit zu akzeptieren.

Tetsuo: The Iron Man (1989)

In Tetsuo: The Iron Man überfährt ein gewöhnlicher Salaryman versehentlich einen „Metallfetischisten“ – einen Mann, der Schrottmetall in seinen Körper einsetzt – mit seinem Auto und entsorgt in Panik die Leiche zusammen mit seiner Freundin im Wald. Schuldgefühle und der Fluch des Opfers lösen eine schreckliche Metamorphose aus: Der Mann entdeckt ein kleines Stück Metall, das aus seiner Wange herausragt, den Beginn einer unaufhaltsamen biomechanischen Infektion. Sein Körper wird allmählich und schmerzhaft von Rohren, Bohrern, Kabeln und rostigen Zahnrädern kolonisiert und verwandelt ihn in eine Maschine der Zerstörung, getrieben von Wut und Lust, was zu einem apokalyptischen finalen Showdown mit dem Geist des Fetischisten führt, der sich mit ihm verschmelzen will, um „die ganze Welt zu verrosten“.

Gedreht auf 16mm mit körnigem, kontraststarkem Schwarzweiß, ist Shinya Tsukamotos Film das definitive Manifest des japanischen Cyberpunk und extremen Body Horror. Es ist eher ein sinnliches Erlebnis als eine narrative Erzählung, geschnitten im rasanten Musikvideo-Tempo und begleitet von einer ohrenbetäubenden industriellen Partitur von Chu Ishikawa. Tetsuo: The Iron Man ist ein Albtraum über die Verschmelzung von Fleisch und Technologie sowie urbane Entfremdung, ein viszerales und verstörendes Werk, das das gesamte nachfolgende Underground-Kino mit seiner Fähigkeit beeinflusste, Industrieschrott in kinetische Kunst zu verwandeln.

Kultfilm der 90er

Das Independent-Kino erobert die Welt. Regisseure wie Tarantino, Kevin Smith und die Coen-Brüder beweisen, dass man Kultkino mit viel Dialog und wenig Geld machen kann. Es ist die Ära des Pulp, der postmodernen Ironie und der Filme, die über andere Filme sprechen. Kult wird „cool“ und selbstbewusst.

The Last Laugh

Jetzt verfügbar

Drama, von F.W. Murnau, Deutschland, 1924.
Jannings ist der Portier des Atlantic Hotels in Berlin, zufrieden mit seiner Rolle und seiner Uniform. Doch sein Chef hält ihn für zu alt, um Kunden am Eingang zu empfangen, und versetzt ihn zum Putzen der Toiletten. Jannings, tief erschüttert von dem Geschehen, betrinkt sich abends, um das Erlebte zu vergessen, und versucht, seine neue erniedrigende Arbeit vor Familie und Freunden zu verbergen. Doch am nächsten Tag wird er entdeckt. Absolutes Meisterwerk von Murnau, im Gleichgewicht zwischen Expressionismus und Kammerspiel. Die Kamera erwacht in einem unglaublich avantgardistischen Stil visueller Experimente zum Leben.

Denkanstoß
Für das Ego können Uniform und respektable Arbeit einen absoluten Wert darstellen. Für das Ego kann es die schlimmste Demütigung sein, zum Putzen der Toiletten abgestellt zu werden. Denn das Ego richtet sich nach den Meinungen anderer und will, dass wir uns an deren Wertmaßstäbe anpassen. Für unser tiefstes Selbst hingegen kann es mehr Freude bereiten, Badezimmer zu reinigen, als Portier am Hoteleingang zu sein.

SPRACHE: Deutsch (Untertitel)
UNTERTITEL: Englisch

JETZT ANSEHEN

Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992)

Twin Peaks: Fire Walk with Me“ ist ein Prequel zum gefeierten und einflussreichen Fernsehserie „Twin Peaks“, geschaffen von David Lynch und Mark Frost. Der Film wurde von Lynch geschrieben und dient als eine Art Einführung in die Ereignisse, die vor Beginn der Fernsehserie stattfinden. Der Film folgt der Geschichte von Laura Palmer, gespielt von Sheryl Lee, der jungen Frau, deren Mord die zentrale Untersuchung der Fernsehserie ist. „Fire Walk with Me“ konzentriert sich auf die letzten Wochen von Lauras Leben und enthüllt Details über ihr turbulentes Leben und die dunklen Geheimnisse, die sie umgeben.

Der Film behandelt Themen wie sexuellen Missbrauch, Gewalt, Korruption und die Dualität zwischen Gut und Böse, die charakteristisch für die seltsame und geheimnisvolle Welt von Twin Peaks sind. Während sich die Fernsehserie hauptsächlich auf die Aufklärung des Mysteriums um Lauras Tod konzentrierte, taucht der Film in ihre Psychologie ein und bietet eine rohere und verstörendere Sicht auf die Ereignisse. Twin Peaks: Fire Walk with Me“ erhielt bei seiner Veröffentlichung gemischte Reaktionen, da er sich deutlich vom leichteren und surrealeren Ton der Fernsehserie unterschied. Im Laufe der Jahre wurde der Film jedoch neu bewertet und hat aufgrund seiner emotionalen Kraft, Sheryl Lees Darstellung und Lynchs Regie, die eine unheimliche und surreale Atmosphäre schafft, eine Kult-Anhängerschaft gewonnen.

Pi (1998)

„Pi“ ist ein Kultfilm von 1998 unter der Regie von Darren Aronofsky. Es ist ein psychologischer Thriller mit Science-Fiction-Elementen und konzentriert sich auf die Themen Obsession, Mathematik und die Suche nach dem Sinn des Lebens. Die Handlung des Films folgt einem jungen mathematischen Genie namens Max Cohen, gespielt von Sean Gullette, der aufgrund seiner Obsession mit Zahlen und mathematischen Formeln ein isoliertes und gequältes Leben führt. Max glaubt, dass es ein universelles numerisches Modell gibt, das alle Aspekte des Lebens erklären kann, einschließlich Naturphänomene und finanzielle Bewegungen.

„Pi“ ist ein Film, der durch seinen markanten visuellen Stil auffällt, mit Schwarz-Weiß-Fotografie, schnell geschnittenem Schnitt und einem atmosphärischen Soundtrack, der eine intensive, klaustrophobische Atmosphäre schafft. Der Film behandelt auch philosophische und metaphysische Themen wie die Suche nach Wahrheit, die Natur der Obsession und den Kampf des Individuums gegen Macht und Kontrolle. „Pi“ wurde für seine Originalität und seinen einzigartigen Erzählansatz von der Kritik gelobt. Er hat zahlreiche Auszeichnungen gewonnen und ist im Laufe der Jahre zu einem Kultfilm geworden, der für seine provokative Vision und seine Reflexionen über die Komplexität des Universums und des menschlichen Geistes anerkannt ist.

Kultfilm der 2000er Jahre

Das neue Jahrtausend bringt Angst und Komplexität. Kultfilme dieses Jahrzehnts sind oft mentale Rätsel (Donnie Darko, Memento), die drei Sichtungen erfordern, um verstanden zu werden. Der Internet-Kult entsteht: Filme, die im Kino scheitern, aber dank Foren und digitalem Mundpropaganda zu Legenden werden.

The Devil’s Rejects (2005)

In The Devil’s Rejects, angesiedelt einige Monate nach dem Halloween-Massaker, startet Sheriff John Wydell einen brutalen Überfall auf den Bauernhof der Firefly-Familie, um den Tod seines Bruders zu rächen. Während Mutter Firefly gefangen genommen wird, gelingt Otis und Baby die Flucht durch die Felder, und sie vereinen sich schließlich mit ihrem Patriarchen, Captain Spaulding. So beginnt eine blutige Fahrt über staubige Landstraßen in Texas, die eine Spur von Leichen und Folter in einem abgelegenen Motel hinterlässt, während der Sheriff, inzwischen dem Wahnsinn und religiösem Sadismus verfallen, sie nicht verhaften, sondern mit ihren eigenen brutalen Methoden foltern und töten will.

Als Rob Zombies Meisterwerk angesehen, weicht diese Fortsetzung scharf vom cartoonhaften, traumähnlichen Stil ihres Vorgängers (House of 1000 Corpses) ab und nimmt eine rohe, sonnenverbrannte und realistische 70er-Jahre-Roadmovie-Ästhetik an, inspiriert von The Texas Chain Saw Massacre und The Wild Bunch. Der Regisseur vollbringt ein narratives Wunder, indem er die Perspektive umkehrt: Er verwandelt drei psychopathische Serienmörder in charismatische, „freie“ Antihelden, die gegen einen Gesetzeshüter antreten, der zunehmend monströser wird als die Verbrecher, die er verfolgt. Gewaltvoll, dreckig und nihilistisch ist der Film ein Muss wegen seines Southern-Rock-Soundtracks und einem der epischsten und bewegendsten Enden der Horrorgeschichte, untermalt von den Klängen von „Free Bird“.

Kultfilm der 2010er Jahre

Kult wird „Arthouse“. Produktionsfirmen wie A24 definieren das Genre mit langsamen, ästhetischen und psychologischen Horrorfilmen neu (Midsommar, The Witch). Das Ziel ist nicht mehr der billige Schock, sondern Atmosphäre, Unbehagen und formale Perfektion. Es ist verfeinertes, visuell beeindruckendes Kultkino, das sowohl Cineasten als auch die Instagram-Generation anspricht.

Holy Motors (2012)

Von der Morgendämmerung bis zur Nacht folgen wir dem geheimnisvollen Monsieur Oscar (Denis Lavant), wie er in einer weißen Limousine durch Paris fährt. Im Laufe des Tages nimmt Oscar verschiedene Identitäten für unerklärliche Termine an: Er wird zum Bettler, zu einem Monster, das Models entführt, zum Familienvater, zum Auftragskiller und zum Sterbenden. Wer ist er wirklich? Und für wen spielt er, wenn keine Kameras da sind?

Leos Carax zeichnet ein anarchisches und unklassifizierbares Werk, das eine Hommage an den Wahnsinn des Schauspiels und den Tod des analogen Kinos (die Limousine als mobiles Studio) ist. Es ist ein surrealer, poetischer und visuell schockierender Film, der jede narrative Logik herausfordert, um die Schönheit des künstlerischen Gestus um seiner selbst willen zu feiern. Ein wahrhaftiges Kultobjekt für Liebhaber des Kinos, das die vierte Wand durchbricht.

Spring Breakers (2012)

Vier gelangweilte College-Studentinnen rauben ein Restaurant aus, um ihren Spring Break in Florida zu finanzieren. Am Strand angekommen, mitten in Partys, Drogen und Exzessen, werden sie verhaftet, aber sofort von Alien (James Franco), einem lokalen Rapper und Gangster mit einer Goldgrill, freigekauft. Die Mädchen werden von seinem kriminellen Lebensstil verführt und verwandeln sich in eine bewaffnete Gang in pinken Bikinis, bereit, alles zu tun, um den Urlaub fortzusetzen.

Harmony Korine nimmt Disney-Ikonen (Selena Gomez, Vanessa Hudgens) und taucht sie in einen neonpoppigen Albtraum aus Dubstep, Gewalt und Nihilismus. Bei der Veröffentlichung missverstanden als „Teenager-Film“, ist er zu einem Kultklassiker geworden für seine ätzende Kritik am amerikanischen Traum und der MTV-Kultur. Es ist ein hypnotisches und verstörendes Kunstwerk, das Musikvideo-Ästhetik nutzt, um die Leere einer Generation zu erzählen.

Upstream Color (2013)

In Upstream Color wird Kris von einer mysteriösen Gestalt namens „Der Dieb“ entführt, die sie mit einem Parasiten infiziert, der aus blauen Orchideen gewonnen wird, und sie in eine hypnotische Trance versetzt, die ihr den freien Willen und ihre finanziellen Mittel raubt. Physisch von dem Parasiten befreit wird sie von einem rätselhaften „Sampler“, der den Organismus in ein Schwein überträgt. Kris erwacht ohne Erinnerung an das Ereignis und mit einem zerstörten Leben. Sie trifft Jeff, einen Mann mit einer ähnlichen Lücke in seiner Vergangenheit, und die beiden beginnen eine intensive, desorientierende Beziehung, in der ihre Erinnerungen und Identitäten ineinander übergehen und sie schließlich entdecken, dass sie psychisch mit dem Schicksal des Viehs verbunden sind, das ihre ehemaligen Parasiten beherbergt.

Neun Jahre nach dem Kultfilm Primer kehrt Shane Carruth mit einem Werk organischer, sinnlicher Science-Fiction zurück, das technische Dialoge gegen einen Strom reiner Bilder und Klänge eintauscht, der an Terrence Malick erinnert. Der Film ist ein erschütterndes emotionales Puzzle, das die zyklische Natur von Biologie, Trauma und dem Kampf, nach einer tiefgreifenden Verletzung die Identität wieder aufzubauen, erforscht. Visuell atemberaubend und getragen von einem hypnotischen Score, komponiert vom Regisseur selbst (der alle Produktionsaspekte übernahm), ist es ein Film, der „gefühlt“ und nicht logisch entschlüsselt werden will und als eine der originellsten Visionen des modernen Independent-Kinos gilt.

Climax (2018)

Eine Gruppe französischer Tänzer versammelt sich in einer verlassenen Schule, die vom Schnee isoliert ist, um eine Show zu proben. Nach dem letzten Tanz beginnen sie eine Party mit Sangria. Bald merken sie, dass jemand das Getränk mit einer massiven Dosis LSD versetzt hat. Die Party degeneriert schnell zu einer kollektiven Hölle aus Paranoia, Sex, Gewalt und Psychose, gefilmt in langen Einstellungen, die dem Zuschauer keinen Ausweg lassen.

Gaspar Noé ist der König des extremen Kinos, und dies ist vielleicht sein zugänglichster und erschreckendster Film. Es ist ein „Tanz-Horror“, der dich körperlich in den Wahn der Figuren hineinzieht. Der erste Teil ist eine Feier der Schönheit von Körper und Bewegung; der zweite ist ein ungeschnittener Abstieg in die Hölle. Ein Film, der wie ein Panikanfall erlebt wird, geliebt für seine technische und visuelle Kühnheit.

Mandy (2018)

Im traumhaften und halluzinierten Jahr 1983 lebt Red Miller (Nicolas Cage) ein friedliches Leben im Wald mit seiner Partnerin Mandy. Ihre Existenz wird zerstört, als ein abweichender Hippie-Kult, unterstützt von Dämonen-Bikern, die aus der Hölle beschworen wurden, Mandy vor Reds Augen entführt und ermordet. Nach dem Überleben der Folter schmiedet Red eine Streitaxt und begibt sich auf einen Abstieg in den Wahnsinn, um blutige und psychedelische Rache zu üben.

Regie führte Panos Cosmatos. Dieser Film wurde sofort zum Kultklassiker wegen seiner einzigartigen Ästhetik: ein Bad aus gesättigten Farben, violetten und roten Neonlichtern und einem ohrenbetäubenden Doom Metal-Soundtrack (der letzte vom verstorbenen Jóhann Jóhannsson). Es ist nicht nur ein Rachefilm; es ist ein sinnliches Erlebnis, das Heavy Metal mit Arthouse-Kino verbindet. Nicolas Cage liefert eine schamanische und entfesselte Performance, die bereits legendär ist.

The Lighthouse (2019)

Zwei Leuchtturmwärter (Willem Dafoe und Robert Pattinson) versuchen, ihren Verstand zu bewahren, während sie isoliert auf einer abgelegenen und mysteriösen Insel in Neuengland in den 1890er Jahren leben. Mitten in Alkoholismus, unerbittlichen Stürmen, Visionen von Meerjungfrauen und latenter homoerotischer Spannung gleiten die beiden Männer langsam in eine Spirale des Wahnsinns ab, kämpfen um Dominanz über den anderen und um Zugang zum verbotenen Licht der Laterne.

Robert Eggers drehte diesen Film im quadratischen Bildformat (1,19:1) und expressionistischem Schwarzweiß, das an frühe Stummfilme und zeitgenössische Fotografie erinnert. Es ist ein klaustrophobischer, schmutziger und mythologischer Film, voller archaischem englischem Dialog und freudianischer Symbolik. Ein atmosphärisches Meisterwerk, das Cineasten wegen seiner Undurchschaubarkeit und der titanischen Leistungen seiner beiden Hauptdarsteller fasziniert.

Kultfilm der 2020er Jahre

Heutzutage wird ein Film mit Lichtgeschwindigkeit zum Kult-Hit. Dank TikTok und sozialen Medien werden bizarre oder extreme Werke (Titane, Everything Everywhere All At Once) innerhalb von Tagen zu globalen Phänomenen. Es ist eine Ära totaler Hybridisierung, in der Autorenkino sich mit der Sprache von Memes und Videokunst vermischt.

Possessor (2020)

Tasya Vos ist eine Auftragskillerin, die Gehirnimplantat-Technologie nutzt, um in die Körper anderer Menschen einzudringen, diese für Mordaufträge zu benutzen und sie dann „Selbstmord begehen“ zu lassen, um in ihren eigenen Körper zurückzukehren. Doch während ihres letzten Einsatzes beginnt der Wirt (ein Mann namens Colin) Widerstand zu leisten, was Tasya in einen mentalen Kampf um die Kontrolle verwickelt, der die Grenzen ihrer Identitäten verschwimmen lässt.

Brandon Cronenberg (Sohn von David) beweist, dass er das Talent seines Vaters besitzt, jedoch mit einer noch kälteren digitalen Grausamkeit. Es ist ein hyper-gewalttätiger und halluzinatorischer Sci-Fi-Thriller, der Identitätsverlust und Überwachung erforscht. Der Einsatz von Farben, subliminalem Schnitt und praktischen Gore-Effekten macht ihn zu einem verstörenden und unvergesslichen visuellen Erlebnis. Ein moderner Kultklassiker für Liebhaber von intellektuellem und gnadenlosem Sci-Fi.

Mad God (2021)

Eine Figur, bekannt als „Der Assassine“, steigt in eine alptraumhafte Unterwelt hinab, bevölkert von grotesken Monstern, endloser Folter und Landschaften industrieller Ruinen, mit der Mission, eine Bombe zu platzieren. Es gibt keinen Dialog, nur eine Abfolge visueller Schrecken, die einen ewigen Zyklus von Zerstörung und Schöpfung zeigen, in dem jedes Lebewesen Futter für überlegene Zahnräder ist.

Der legendäre Spezialeffekt-Meister Phil Tippett (Star Wars, Jurassic Park) verbrachte 30 Jahre damit, diesen Stop-Motion-Film in seiner Garage zu schaffen. Es ist ein Meisterwerk wahnsinniger Handwerkskunst, ein „schmutziges“, texturreiches und verstörendes Kunstwerk, das direkt aus einer Bosch’schen Höllenlandschaft zu stammen scheint. Kein Film für jedermann, aber für Liebhaber von Animation und Makabrem ist er ein heiliger Text.

Memoria (2021)

Jessica (Tilda Swinton), eine schottische Botanikerin, die in Kolumbien lebt, wird eines Nachts von einem lauten Geräusch geweckt, einem dumpfen Schlag, den scheinbar nur sie hört. Besessen von diesem Klang beginnt sie eine Reise durch Bogotá und den Amazonas-Dschungel, um dessen Ursprung zu verstehen. Ihr Weg führt sie zu einem Tontechniker und einem geheimnisvollen Mann, der sich an alles erinnert, und berührt dabei die Grenzen zwischen persönlichem Gedächtnis, kollektiver Geschichte und außerirdischer Präsenz.

Regie führte der thailändische Meister Apichatpong Weerasethakul. Dies ist kein Film; es ist eine hypnotische Sitzung. Es ist Slow Cinema in seiner reinsten Form: statische Einstellungen, Stille, Natur. Es ist ein Sci-Fi-Film, der nichts zeigt, aber alles durch unglaubliches Sounddesign „fühlen“ lässt. Er wurde zu einem Kultobjekt wegen seiner radikalen Verbreitung (in den USA wurde er „nur im Kino, für immer“ gezeigt, jahrelang nie auf DVD/Streaming) und wegen seiner Fähigkeit, die Zeitwahrnehmung des Zuschauers zu verändern.

Kult, Bedeutung?

Was bedeutet Kultfilm? Ein Kultfilm ist ein Werk, das unabhängig von seinem kommerziellen und kritischen Erfolg zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung im Laufe der Zeit widerstanden hat, um zum Kultobjekt einer Gruppe treuer Fans zu werden, bis hin dazu, zum Emblem einer Subkultur, einer Mode oder eines Lebensstils zu avancieren.

Es kommt manchmal vor, dass sich eine Gruppe von Menschen vollständig mit dem Inhalt, den Bildern und Geschichten eines Kultfilms identifiziert. Sie tragen die Kleidung der Figuren im Film, benutzen deren Gegenstände, wollen wie sie leben, manchmal bis an die Grenze zum Fanatismus.

Mainstream-Kultfilm

Kann ein Mainstream-Film ein Kultfilm sein? Im kommerzielleren Sinn eines Kultfilms ist Star Wars zum Beispiel definitiv einer davon. Generationen von Nerds, Kindern und Erwachsenen, die immer Kinder geblieben sind, haben stets die Gadgets des Films gesammelt und verehrt.

Ich stimme dem nicht wirklich zu: Star Wars ist eher ein Trendfilm, eine mit großen kommerziellen Mitteln geschaffene Mode, als ein Kultfilm. Aber es ist leicht, besonders in amerikanischen Magazinen, jemanden zu finden, der genau das Gegenteil behauptet.

Viele Filmproduzenten würden die Behauptung bestreiten, dass ein Kultfilm nicht am Reißbrett geplant werden kann. Sonst würden die großen Studios jeden Film, den sie vertreiben, gerne zu einem erfolgreichen Kultfilm machen. Ich widerspreche dem, weil es einen Unterschied gibt zwischen einem Kultfilm und einem Film, der eine Mode schafft.

Die Hit-Kultfilme

Ist ein indie-Horrorfilm wie Paranormal Activity, gemacht von einer Gruppe junger Filmemacher mit Null-Budget und einem Einspielergebnis von 250 Millionen Dollar, ein Kultphänomen? Aus meiner Sicht nein. Eine der Hauptmerkmale eines Kultfilms muss sein, über lange Zeit zu bestehen und eine besondere, sehr spezielle und tiefe Verbindung zum Zuschauer herzustellen.

Die Bedeutung von Kult darf nicht mit dem unerwarteten Erfolg eines Independent-Films von außergewöhnlicher viraler oder Underground-Popularität verwechselt werden. Es ist nicht nur ein Horrorfilm, für den sich Menschenmassen zu Mitternachtsvorführungen anstellen. Ein Kultfilm ist eine tiefgründige Verbindung: Er verwandelt seine Inhalte, die Ikonen einer bestimmten historischen Periode, einer Bewegung, einer Subkultur, eines generationsbezogenen Gefühls sind, in zeitlose Inhalte.

Verdammte Filme?

Es gibt Hunderte von verdammten Filmen, die nur deshalb als Kult bezeichnet werden, weil ihr Inhalt außergewöhnlich ist, wie einige außergewöhnlich gewalttätige Horrorfilme, aber sie schaffen keine dauerhafte und tiefe Verbindung zu ihren Fans. Obwohl sie außergewöhnliche Unterhaltung bieten, erreichen sie nicht ihr Inneres und verflüchtigen sich nach einer Weile.

Kultfilm: Misserfolge, die später wiederentdeckt wurden

Dann gibt es Kultfilme, die an den Kinokassen dramatisch gescheitert sind und viele Jahre später wiederentdeckt wurden. Oder erste oder zweite Werke von damals unbekannten Regisseuren, die später sehr berühmt wurden. Ein Kultfilm muss notwendigerweise „verflucht“ sein. Nein.

Sie können definitiv als Kultfilme bezeichnet werden, weil diese Regisseure tatsächlich Kultobjekte für ihre Fans sind, und ihre ersten Filme noch mehr als die später erfolgreichen Werke. Als wären sie einem kleinen Kreis von Eingeweihten vorbehalten, wahren Verehrern des Meisters.

Zum Beispiel haben zwei Meister wie David Lynch und Brian De Palma zu Beginn ihrer Karriere kostengünstige Filme gedreht, die Kultstatus erlangten: Eraserhead und The Phantom of the Paradise. Diese Filme repräsentieren etwas mehr als die folgenden.

Es ist, als würde man große Regisseure in ihrer Jugend treffen, ein Treffen unter Studenten, eine einfache und freundschaftliche Beziehung zu ihnen haben. Oder in manchen Fällen bedeutet es, ihre dunkle Seite oder die Phase ihrer kreativen Laufbahn zu kennen, als ihr Stil noch roh und naiv war. Weniger erfolgreiche und weniger bekannte Filme, die Fans aber lieben, um zu zeigen, dass ihre Verehrung größer ist als die aller anderen Fans des Meisters.

Kurz gesagt, wir verstehen, dass es bei Kultfilmen eine fast religiöse Beziehung zwischen Schüler und Lehrer gibt. In diesen Filmen übermittelt der Meister-Regisseur dem Schüler etwas Einzigartiges, das der Schüler in Ehren hält. Der Maestro konnte seinen Fan in seinem Film kristallisieren, die Gruppe, zu der er ein Zugehörigkeitsgefühl empfindet, vielleicht eine ganze historische Epoche.

Weil er weiß, dass etwas nicht für jedermann ist. Es ist etwas, das nicht jeder vollständig verstehen kann. Daher kann die Bedeutung, die ich der Definition von Kultfilm zuschreibe, nicht auf Star Wars oder Indiana Jones angewandt werden.

Ist Kult ein Meisterwerk?

Während „Kultfilm“ ein allgemeiner Begriff ist, der sich auf jede Art von Film beziehen kann, auch kommerzielle, besonders in den Vereinigten Staaten, bevorzugen Cineasten und allgemein Europäer den Begriff Kultfilm. Ein Kultfilm kann für Kinoliebhaber, Cineasten, angehende Filmemacher und Profis jedoch auch etwas anderes sein: Vielleicht ist es einfach ein Film, der in die Filmgeschichte eingegangen ist, weil er ein Meisterwerk ist.

Vielleicht haben es nur wenige zum Zeitpunkt seiner Kinopremiere bemerkt. Vielleicht wurde seine innovative Sprache, die ihn zum Meisterwerk machte, fälschlicherweise für einen mittelmäßigen Film gehalten. Das ist eine wiederkehrende Erscheinung in der Filmgeschichte. Publikum und Kritiker zögern nicht, andersartige, innovative Filme zu zerschmettern, die nicht den vorherrschenden Vorlieben entsprechen.

Wir könnten also sagen, dass die große Mehrdeutigkeit bei der Interpretation des Begriffs Kultfilm darauf zurückzuführen ist: Es sind Liebe und Glaube, die Kultfilme erschaffen. Wenn ein Mann es liebt, seine Harley Davidson zu fahren, wird sein Kultfilm Easy Rider sein. Für den Neorealismus-Filmscholar ist der Kultfilm Rossellinis Rom, offene Stadt. Wenn man die Geschichten von Künstlern liebt, die von der Macht manipuliert werden, dann ist es Brian De Palmas Phantom.

Es gibt keine objektive Definition eines Kultfilms, weil jeder seinen eigenen Kultfilm hat, der die innersten Saiten seiner Seele berührt. Wenn ich wirklich gezwungen wäre, eine endgültige Bedeutung von Kultfilm zu geben, würde ich sagen: Ein Kultfilm ist ein Film, der die Herzen vieler Menschen tief berührt und gleichzeitig einen historischen Moment und die Geschichte des Kinos prägt.

Auf diese Weise wird der Kreis der Kultfilme drastisch eingeschränkt. Ein Film kann unsere Seele berühren. Aber wie viele haben gleichzeitig einen historischen Moment, eine Bewegung, eine Generation und die filmischen Meisterwerke geprägt? Wenige. Sehr wenige.

Ist Donnie Darko zum Beispiel ein Kultfilm? Ja, denn auch wenn darin kein präziser Bezug auf einen historischen Moment oder eine Subkultur genommen wird, wird eine bestimmte Zielgruppe erkannt: Jugendliche und Erwachsene, die Jugendliche geblieben sind, die dieselben quälenden, dunklen, unerklärlichen Empfindungen erleben, die im Film dargestellt werden. Ein Kultfilm schafft es, eine geheimnisvolle emotionale und spirituelle Verbindung mit einer bestimmten Zielgruppe von Zuschauern herzustellen.

Ein Kultfilm repräsentiert oft eine Subkultur. Was nicht das Paradox der Subkultur ist, die zum Mainstream wird, wie die Beat Generation. Es ist eine kleine, eingeschränkte Subkultur, die nur eine kurze Zeitspanne prägte, aber in diesem Film zeitlos wurde.

Können wir die populären Meisterwerke der Filmgeschichte als Kultfilm definieren? Manche tun es, manche nicht, weil ihnen diese Eigenschaft fehlt: eine begrenzte Gruppe von Menschen zu beeinflussen, die einer Subkultur, einem Lebensstil, einer Mode, einer Epoche angehören. Indem sichergestellt wird, dass dieser Stil, diese Mode, diese Kultur für immer im Film weiterlebt, zeitlos.

Was bedeutet also Kult? Das Merkmal des Kultfilms ist es daher, die Zeit zu transzendieren, um zu einer Ikone eines bestimmten Phänomens zu werden, zu dem eine Gruppe von Menschen eine besondere Bindung, einen echten Kult empfindet. Dieses Phänomen und diese Bindung haben unendliche Variablen, und das erklärt die Mehrdeutigkeit des Begriffs Kultfilm.

The Cabinet of Dr. Caligari

Jetzt verfügbar

Horror, Fantasy, von Robert Wiene, Deutschland, 1920.
Der symbolische Film des filmischen Expressionismus. Francis erzählt einem Mann eine Geschichte: Im Jahr 1830, in einer kleinen Stadt, spielt ein Typ namens Caligari den Jahrmarktsansager, um die Attraktion von ihm zu präsentieren, einen Schlafwandler, den er unter Hypnose in einem Sarg hält. Der Arzt behauptet, der Schlafwandler könne die Vergangenheit kennen und die Zukunft vorhersagen. Unwirkliche Atmosphären und deformierte Kulissen, stilisierte Schauspielkunst, gespaltene Persönlichkeit, Verwirrung zwischen Traum und Wirklichkeit.

Denkanstoß
Persönlichkeit stammt vom griechischen Wort person, das Maske bedeutet. Person kommt vom Wort Persönlichkeit. Individualität ist ein Geschenk des Daseins, Persönlichkeit wird von der Gesellschaft auferlegt. Persönlichkeit folgt der Schafherde, Individualität ist ein Löwe, der seinen eigenen Weg geht. Solange du deine Persönlichkeit nicht loslässt, wirst du deine Individualität nicht finden können.

SPRACHE: Deutsch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Portugiesisch

JETZT ANSEHEN

Man with a Movie Camera

Jetzt verfügbar

Dokumentarfilm von Dziga Vertov, Russland, 1929.
Nach einigen Jahren, in denen er Propagandadokumentationen drehte, realisiert Dziga Vertov sein Meisterwerk, inspiriert von den Theorien des Realitätskinos und Kinoglaz. Eine experimentelle visuelle Symphonie mit futuristischen Wurzeln. Ein gewöhnlicher Tag eines Kameramanns, der ziellos durch die Stadt wandert auf der Suche nach dem Leben, das gefilmt werden soll. Die Kamera entfacht eine Explosion der Kreativität, die eine neue Sicht auf die Realität darstellt: reines Kino, das durch geniale Schnitt-Innovationen verstärkt wird. Ein Film, der so inspiriert und modern ist, dass er bis heute ein unendliches Thema für Diskussionen und neue Ideen bleibt.

Denkanstoß
Bestimmte Kunstwerke, bestimmte Filme besitzen eine objektive künstlerische Qualität. In der subjektiven Kunst berücksichtigt der Künstler nicht, wer das Kunstwerk betrachtet, er bringt lediglich seine eigene innere Welt zum Ausdruck. Das objektive Kunstwerk hingegen besitzt eine innewohnende Qualität, die über Tausende von Jahren weitergegeben werden kann. Das objektive Kunstwerk ist an keine Ideologie, soziale Kultur oder Epoche gebunden: Es kann jeden, an jedem Ort und zu jeder Zeit begeistern.

Ohne Dialog

JETZT ANSEHEN

The Exterminating Angel

Jetzt verfügbar

Drama, von Luis Buñuel, Mexiko, 1962.
Die Handlung dreht sich um eine Gruppe von Menschen, die sich in einer prächtigen Villa zu einem Gala-Dinner versammeln. Nach dem Abendessen stellen sie jedoch fest, dass sie die Villa nicht verlassen können, obwohl die Türen und Fenster verriegelt und die Ausgänge scheinbar blockiert sind. Es folgt eine Art surrealer Albtraum, in dem die Gäste in der Villa gefangen sind und ihr Verhalten sowie ihre sozialen Beziehungen auf bizarre Weise zu zerfallen beginnen.

Der Film behandelt Themen wie soziale Konformität, Entfremdung und den Verfall sozialer Konventionen. Er ist bekannt für seine surrealen Sequenzen und die Art, wie er die Realität und traditionelle Logik infrage stellt. „Der andalusische Hund“ wird oft als satirische Kritik an der Oberschicht und selbstgerechten sozialen Normen interpretiert. Dieser Film ist zu einer Ikone des surrealistischen Kinos geworden und repräsentiert eines von Luis Buñuels markantesten und provokativsten Werken. Er wird sowohl für seine konzeptionelle Komplexität als auch für seine visuelle Extravaganz geschätzt und hat die Filmwelt durch seine Fähigkeit, die Grenzen der filmischen Kunst zu erweitern, beeinflusst. Zu seiner Zeit hielten viele ihn für den letzten Film von Buñuels Karriere. Es war jedoch der erste einer Reihe von Meisterwerken.

SPRACHE: Spanisch
UNTERTITEL: Englisch

JETZT ANSEHEN