Filme, die in der Wüste spielen: 20 Blicke jenseits des Mainstreams

Die Wüste ist kein Ort; sie ist ein Konzept. Das Kino hat sie oft als Bühne für kolossale Abenteuer genutzt, von Lawrence von Arabien bis Dune—und Sie werden hier jene kanonischen Meisterwerke finden. Doch die wahre filmische Wüste, jene, die in den Werken großer Autoren pulsiert, ist etwas anderes. Sie ist eine Figur, ein philosophischer Antagonist, ein Spiegel.

Das Autorenkino nutzt die Wüste nicht, um Abenteuer zu zeigen; es nutzt sie, um die Leere zu offenbaren. Wie Michelangelo Antonioni erkannte, ist die Wüste die perfekte Metapher für die emotionale Trockenheit und Unkommunizierbarkeit des modernen Menschen. Sie ist der Ort, an dem das Überflüssige buchstäblich von der Sonne verbrannt wird und die Figuren nackt vor ihrer eigenen Psyche stehen. Sie ist die einzige ehrliche Landschaft für eine Epoche, die ihr Zentrum verloren hat.

Dieser Raum ist niemals neutral. Er ist das, was Gilles Deleuze und Felix Guattari, die das Werk von Pier Paolo Pasolini analysierten, als „glatten Raum“ definieren würden. Er ist das Gegenteil des „geriffelten Raums“ der Stadt, der Fabrik, der bürgerlichen und kapitalistischen Gesellschaft, die kontrolliert, geometrisch und rational ist. Die Wüste ist der Ort des Nomaden, des Wanderers, des „barbarischen“ (im pasolinischen Sinne, als primitiv und rein). Sie ist der Raum, in dem die Logik von Profit und sozialen Strukturen zusammenbricht und Mythos, ursprüngliche Gewalt oder Wahnsinn hervortreten können.

Dieser definitive Leitfaden zu Filmen, die in der Wüste spielen, ist ein Pfad, der die grundlegenden Säulen vereint, von den berühmtesten Filmen bis zu den mutigsten unabhängigen Produktionen. Wir werden Werke erkunden, die die Wüste nicht als Kulisse, sondern als Werkzeug radikaler Befragung genutzt haben. Unsere Reise wird keine einfache Liste sein, sondern ein Weg durch die verschiedenen Funktionen, die diese Landschaft erfüllt: von der psychedelischen Dekonstruktion des Western bis zur existenziellen Leere der Autorenmeister; von der brutalen Grenze des Outbacks bis zu den politischen Sanden, die das historische Gedächtnis bewahren, bis zur unerwarteten Entdeckung einer Oase der Gemeinschaft.

El Topo (1970)

Ein in Schwarz gekleideter Revolverheld (El Topo) durchquert eine surreale Wüste auf einer allegorischen Reise, um vier Meisterschützen zu besiegen und Erleuchtung zu erlangen. Nach seinem Scheitern wird er als verkrüppelter Heiliger wiedergeboren, um eine Gemeinschaft von Ausgestoßenen zu befreien, die unter der Erde leben.

Alejandro Jodorowskys El Topo ist der Film, der buchstäblich das Genre des „Acid Western“ begründete. Die Wüste hier ist nicht Arizona oder Mexiko; sie ist eine rein traumhafte und metaphysische Landschaft, ein Seelenzustand. Jodorowsky verwendet extreme Gewalt, christliche Symbolik und östliche Philosophie, um das Kino und die trockene Landschaft in einen heiligen und blasphemischen Text zu verwandeln. El Topos Reise durch den Sand ist keine Rachequeste, sondern eine wahnsinnige und verzweifelte Suche nach Erleuchtung, die durch die totale Zerstörung des Egos führt, dargestellt durch die leere Unermesslichkeit der Wüste.

The Sands

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Science-Fiction, von Noah Paganotto, Argentinien, 2022.
An einem unbestimmten Ort auf der Erde, zu einer unbekannten Zeit, lebt Zoilo mit seiner Familie in einer Einöde, umgeben von Ruinen. Sie leben entwurzelt, ohne Mütter, im Wissen, dass Schwangerschaft für Frauen gleichbedeutend mit Tod ist. Für sie gibt es nur eine kollektive Routine: das Feuer am Leben erhalten. Nur Zoilo entkommt dieser Logik, indem er neugierig Details beobachtet, die andere nicht sehen und daher nicht schätzen. Zoilos persönliche Suche nach Antworten verstärkt die Unterschiede zu seinen Verwandten und offenbart zunehmend eine leere Welt der Innerlichkeit.

Ein avantgardistischer Film, der im ersten Teil langsam entfacht und im zweiten die tiefgreifenden Konflikte einer Familie offenbart, die von archaischen Glaubensvorstellungen gefangen ist. Es ist ein dystopisches und visionäres Werk mit wunderbarer Fotografie und Bildern von seltener Kraft, die es ermöglichen, die Tiefe der Geschichte und ihr poetisches Potenzial zu erfassen. Die Gesichter der Schauspieler, besonders des Hauptdarstellerjungen, sind perfekt. The Sands steht metaphorisch für die Welt, in der wir leben: eine entfremdete Gesellschaft, in der das, was uns am Leben erhält, dämonisiert und für den Tod verantwortlich gemacht wird. Im Gegensatz zum schnellen Tempo typischer Mainstream-Filme ist The Sands eine meditative Reise in die Tiefen der Bilder. Der Film wurde in natürlichen Umgebungen in der Stadt Necochea, Provinz Buenos Aires, Argentinien, gedreht.

SPRACHE: Spanisch
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Der Heilige Berg (1973)

Ein Dieb, der Christus ähnelt, wandert durch eine dekadente Stadt, bevor er von einem Alchemisten (Jodorowsky selbst) geführt wird. Er schließt sich sieben mächtigen Individuen an, die die Planeten repräsentieren, und nachdem sie sich von ihrem irdischen Besitz befreit haben, brechen sie zu einer Reise in die Wüste auf, um den Heiligen Berg zu erklimmen und Unsterblichkeit zu erlangen.

Wenn El Topo das Alte Testament des Acid Western war, ist Der Heilige Berg das psychedelische Neue Testament. Die Wüste ist im ersten Teil des Films der Ort der anfänglichen Reinigung. Doch die abschließende Reise zum Berg – eine vertikale Wüste – definiert den Film. Jodorowsky nutzt diese mystische Arthouse-Film-Wüstenlandschaft als Bühne für die letzte, große Dekonstruktion: die des Kinos selbst. Das berühmte finale Durchbrechen der vierten Wand wäre ohne die Wüste, den Ort, der von Natur aus alle Illusionen entblößt, nicht möglich.

Dead Man (1995)

William Blake (Johnny Depp), ein Buchhalter aus Cleveland, reist in die Grenzstadt Machine. Nach einer gewalttätigen Begegnung wird er tödlich verwundet und flieht in die Wüste/den Wald. Dort trifft er auf einen Ureinwohner namens „Nobody“, der glaubt, Blake sei die Reinkarnation des Dichters William Blake, und bereitet ihn auf seine Reise in die Geisterwelt vor.

Jim Jarmusch bezeichnet seinen Film als „Acid Western“, und das stimmt. Obwohl er mehr in den Wäldern des Pazifischen Nordwestens spielt, ist sein Geist wüstenhaft: Es ist eine Landschaft der Verwüstung und Transformation. Es ist einer jener atypischen Western, die jedes Klischee umkehren. Die Wüste hier ist ein ontologischer Raum, in dem die Zivilisation (den industriellen Kapitalismus, den Blake repräsentiert) stirbt und die Poesie (Blut) übernimmt. Blakes Reise ist ein Abstieg ins Nichts, ein Beispiel für Kino und Isolation, das zu einer spirituellen Reise wird, geführt von Neil Youngs hypnotischem Soundtrack.

The Shooting (1966)

Ein ehemaliger Kopfgeldjäger (Warren Oates) wird von einer mysteriösen Frau (Millie Perkins) gezwungen, sie durch eine gnadenlose Wüste zu begleiten. Sie werden von einem rätselhaften Revolverhelden (Jack Nicholson) begleitet. Die Mission ist düster, die Spannung greifbar, und die Reise verwandelt sich in einen existenziellen Albtraum des Überlebens in der Wüste.

Parallel zu Ride in the Whirlwind mit kleinem Budget gedreht, ist Monte Hellmans The Shooting vielleicht der erste und reinste „Acid Western“, ein Eckpfeiler in der Liste der wesentlichen Acid Western-Filme. Er geht El Topo voraus und legt die Vorlage fest: die Wüste als Raum der Paranoia und Sinnlosigkeit. Anders als Jodorowsky verwendet Hellman keinen Surrealismus; er nutzt extremen Realismus, um einen „Bad Trip“ zu erzeugen. Hitze, Durst, Staub und unendlicher Horizont werden zu Instrumenten psychologischer Folter. Die Wüste bietet keine Erlösung, nur eine nihilistische Auflösung.

The Last Movie (1971)

Nachdem eine amerikanische Filmcrew einen Western in einem peruanischen Dorf gedreht hat, beschließt der Stuntman Kansas (Dennis Hopper) zu bleiben. Er beobachtet die Einheimischen, die, da sie Fiktion nicht verstehen, die Filmszenen mit falschen Kameras aus Zweigen nachstellen, dabei aber echte Gewalt anwenden.

Dies ist der Film, der Dennis Hoppers Karriere nach dem Triumph von Easy Rider zerstörte. Es ist ein Werk totaler Dekonstruktion. Die peruanische Wüste wird zum Friedhof des Westerns und der filmischen Illusion. Hopper erkundet in einem meta-kinematischen Delirium die Spannung zwischen dem Realen und dem Imaginären. Das Kino und die trockene Landschaft sind hier der Ort, an dem das Kino (die „Maschine“ Hollywoods) die „primitive“ Realität infiziert und zerstört, sodass nur noch die leere Hülle eines missverstandenen Rituals übrigbleibt.

Zabriskie Point (1970)

Ein radikaler Student (Mark), der vor einer missglückten Demonstration flieht, und eine junge Sekretärin (Daria), die durch die Wüste reist, um ihren Chef in einer Luxusvilla zu treffen, begegnen sich im Death Valley. Ihre kurze Begegnung in der trockenen Landschaft gipfelt in einem apokalyptischen und metaphorischen Finale.

Michelangelo Antonionis einziger amerikanischer Film ist ein frontal Angriff auf den Konsumismus. Die Wüste (Death Valley) wird als absolutes Gegenteil der amerikanischen Zivilisation dargestellt, die als Hölle aus Beton, Werbetafeln und Fetischen beschrieben wird. Die Wüste ist der einzige Raum der Reinheit, ein „Nichts“, in dem sich die beiden Protagonisten begegnen können. Die berühmte Liebesszene zwischen den Dünen und vor allem die finale Explosion der Villa – ein konzeptueller Terrorakt – repräsentieren die utopische Verweigerung und kathartische Zerstörung der Waren-Gesellschaft.

Paris, Texas (1984)

Travis (Harry Dean Stanton), ein katatonischer Mann, taucht nach vier Jahren Vermisstsein aus der texanischen Wüste wieder auf. Er trifft sich mit seinem Bruder und seinem Sohn und begibt sich auf eine Reise, um seine Frau zu finden und seine eigene Erinnerung wieder aufzubauen.

Wim Wenders Meisterwerk beginnt mit einem der ikonischsten Bilder der filmischen Wüste: Travis in einem zerlumpten Anzug unter einem gewaltigen Himmel. Die Wüste des amerikanischen Südwestens ist der Ort seiner Dissoziation, eines selbst auferlegten Amnesie-Zustands. Für Wenders ist die trockene Landschaft der Raum verlorener Erinnerung. Travis’ Reise führt nicht in die Wüste, sondern aus ihr heraus, ein langsamer und schmerzhafter Transformationsprozess, um die Sprache wiederzufinden und die Verbindung zur Vergangenheit wiederherzustellen. Die atemberaubende Fotografie verwandelt Texas in ein existenzielles Fegefeuer.

Gerry (2002)

Zwei junge Freunde, beide namens Gerry (Matt Damon und Casey Affleck), beschließen, eine spontane Wanderung durch die Wüste des Death Valley zu unternehmen. Sie verlassen den Pfad und verirren sich hoffnungslos. Der Film begleitet ihren langsamen physischen und psychischen Zerfall in einer gnadenlosen Umgebung.

Gus Van Sants Gerry ist das radikalste Beispiel für Kino und Isolation. Es ist ein minimalistisches, fast stilles Werk, das Antonionis Ästhetik zu ihren extremen Konsequenzen führt. Die Wüste ist hier ein abstraktes Labyrinth, ein Ort ohne Koordinaten, der die Zeit komprimiert. Van Sant konzentriert sich ausschließlich auf Licht und Bewegung und entkleidet die Erzählung von jedem Element außer dem reinen Überleben in der Wüste. Es ist einer jener experimentellen Filme mit Wüstenlandschaft, die zu einer transzendentalen Erfahrung werden, bei der die Landschaft einen „inneren Blick“ erzwingt und uns mit unserer zerbrechlichen Existenz konfrontiert.

Suna no Onna (Frau in den Dünen) (1964)

Ein Entomologe, der im Urlaub Insekten in einer weiten Küstenwüste sammeln will, verpasst den letzten Bus. Die Dorfbewohner nehmen ihn in einer Hütte am Grund einer tiefen Sandgrube auf, wo eine Witwe lebt. Bald entdeckt er, dass er ein Gefangener ist, gezwungen zu der sisyphusartigen Aufgabe, den Sand wegzuschaufeln, der droht, das Haus zu verschütten.

Ein Meisterwerk der japanischen Neuen Welle, Suna no Onna von Hiroshi Teshigahara ist vielleicht der größte existenzielle Horrorfilm aller Zeiten. Die Wüste ist keine weite Fläche, sondern ein klaustrophobisches Gefängnis. Der Sand, in fast mikroskopischen Nahaufnahmen gefilmt, ist ein lebendiges, erstickendes Wesen. Der Film ist eine Allegorie der menschlichen Existenz, eine Reflexion über die erschreckende Sinnlosigkeit des Daseins. Die Sandwüste wird zur Metapher für unser „Schaufeln“ im Leben, gefangen in absurber und endloser Arbeit.

Fata Morgana (1971)

Gedreht in der Sahara und im Sahel, ist Werner Herzogs Film ein experimenteller Science-Fiction-Dokumentarfilm. Unterteilt in drei Teile („Schöpfung“, „Paradies“, „Das goldene Zeitalter“) zeigt er durch Hitze verzerrte Landschaften, Kadaver, einsame Bewohner und Fata Morganas, alles erzählt mit dem Maya-Schöpfungsmythos.

Herzog fühlt sich zu den wilden und extremen Orten der Erde hingezogen. Fata Morgana ist kein Dokumentarfilm über Afrika; es ist ein Dokumentarfilm über eine verzerrte Vision des Planeten. Die Wüste mit ihren Fata Morganas ist der perfekte Ort für Herzog, um über die „Illusion der Realität“ nachzudenken. Es ist Kino und aride Landschaft bis an die Grenze der Wahrnehmung getrieben. Die Bilder eines Flugzeugs, das endlos landet und startet, und der Soundtrack, der Leonard Cohen und sakrale Musik mischt, schaffen eine Atmosphäre eines fremden Planeten, eine prä-kreationistische oder postapokalyptische Landschaft.

Walkabout (1971)

Nachdem ihr Vater während eines Picknicks in der Wüste verrückt wird und Selbstmord begeht, werden zwei weiße Geschwister (ein jugendliches Mädchen und ein kleiner Junge) im Outback zurückgelassen. Sie kämpfen ums Überleben, bis sie auf einen Aborigine-Jungen treffen,

der sich mitten in seinem „Walkabout“ (Übergangsritus) befindet und ihnen hilft.

Ein wegweisendes Werk der Australian New Wave, Nicolas Roegs Walkabout ist eine poetische und brutale Meditation über die Entfremdung zwischen dem modernen Leben und der natürlichen Welt. Das Outback, der Protagonist vieler australischer Outback-Independent-Filme, ist hier eine „Wüste des Geistes“, ein Eden, so prächtig wie gefährlich. Der Film basiert auf dem Geheimnis der Kommunikation: Die „zivilisierten“ Kinder sind in der Landschaft völlig hilflos, während der indigene Junge in vollkommener Harmonie mit ihr lebt. Das tragische Ende, das aus einem fatalen kulturellen Missverständnis resultiert, ist eine Anklage gegen die Zivilisation.

Wake in Fright (1971)

Ein junger Lehrer, John Grant, bleibt in einer abgelegenen Bergbaustadt im Outback („The Yabba“) stecken, während er auf dem Weg nach Sydney ist. Über fünf Tage hinweg wird er von der aggressiven „Gastfreundschaft“ der Einheimischen in einen Strudel aus Alkoholismus, Glücksspiel und brutaler Gewalt gezogen und verliert jegliche Spur seiner Identität.

Jahrzehntelang als verschollener Film betrachtet, ist Wake in Fright vielleicht die heftigste Kritik an der toxischen Männlichkeit Australiens, die je verfilmt wurde. Das Outback ist nicht nur eine Wüste; es ist eine moralische Wüste. Die Stadt Yabba ist eine Hölle, in der Kultur auf Trinken, Kämpfen und Jagen reduziert wird. Der Film verwandelt sozialen Druck in ein Horrorvehikel. Der Höhepunkt des Films, die berüchtigte und reale Kängurujagd, zeigt Überleben in der Wüste nicht als Kampf gegen die Natur, sondern als Eintauchen in die Brutalisierung des Menschen.

The Proposition (2005)

Im australischen Outback der 1880er Jahre nimmt ein Polizeihauptmann den Gesetzlosen Charlie Burns (Guy Pearce) gefangen. Er macht ihm ein unmögliches Angebot: Um seinen jüngeren Bruder vor dem Galgen zu retten, muss Charlie seinen älteren Bruder, den berüchtigten und psychopathischen Arthur Burns (Danny Huston), finden und töten.

Geschrieben vom Musiker Nick Cave, ist The Proposition ein „atypischer Western“ lyrischer Brutalität. Dies ist das Outback als Hölle auf Erden, eine dürre Landschaft, die die völlige Abwesenheit von Moral widerspiegelt. Es gibt keine Romantik der Grenze, nur Staub, drückende Hitze und eine rassistische, zyklische Gewalt. Die Musik von Cave und Warren Ellis begleitet nicht die Handlung, sondern scheint aus dem Land selbst zu entstehen, eine Trauermusik für die unangenehmen Wahrheiten, auf denen Australien gebaut wurde.

Sweet Country (2017)

Australien, 1929. Sam Kelly, ein Aboriginal-Stockman, tötet den weißen Landbesitzer Harry March in Notwehr. Sam und seine Frau fliehen durch die unerbittliche Wüstenlandschaft des Outbacks, verfolgt von einer Gruppe unter der Führung von Sergeant Fletcher (Bryan Brown).

Der indigene Regisseur Warwick Thornton nutzt das Western-Genre, um eine Geschichte von Rassenungerechtigkeit zu erzählen. Das Outback, das „süße Land“ des Titels, ist ironisch: Es ist eine atemberaubend schöne Landschaft, aber moralisch korrupt. Für die weißen Männer ist es Eigentum, das verteidigt werden muss. Für Sam ist es ein Versteck, doch er weiß, dass es keine Hoffnung gibt. Die Wüste ist in diesem kraftvollen Film der stille Zeuge eines grundlegenden Verbrechens, das noch nicht gesühnt wurde.

Die Nacht des Zählens der Jahre (Al-mummia) (1969)

Basierend auf einer wahren Begebenheit aus dem Jahr 1881 folgt der Film Wanis, dem Sohn des Häuptlings eines Beduinenstamms, der seit Generationen heimlich eine Sammlung pharaonischer Mumien plündert. Nach dem Tod seines Vaters ist Wanis hin- und hergerissen zwischen der Loyalität zur Tradition des Stammes und dem Wunsch, das Erbe Ägyptens zu schützen.

Als der wichtigste ägyptische Film aller Zeiten angesehen, ist Al-mummia eine feierliche Meditation über nationale Identität. Gedreht in der Wüste von Luxor, besitzt der Film eine statuarische und traumhafte Qualität. Dieser mittelöstliche Wüstenfilm nutzt die trockene Landschaft als Hüter der Geschichte. Der Konflikt besteht zwischen dem Marktwert der Artefakte und ihrem symbolischen Wert für die Nation. Die Wüste ist ein Grabmal, das die grundlegende Frage stellt: Wem gehört die Vergangenheit?

Timbuktu (2014)

In der malischen Stadt Timbuktu, die unter die Kontrolle jihadistischer Fundamentalisten gefallen ist, wird das tägliche Leben durch absurde neue Gesetze erstickt: Musik, Lachen und Fußball sind verboten. In den nahegelegenen Dünen lebt der Hirte Kidane friedlich mit seiner Familie, doch ein tragischer Unfall zieht ihn in das Chaos des neuen Regimes hinein.

Das Meisterwerk von Abderrahmane Sissako ist eine poetische und herzzerreißende Antwort auf Fanatismus. Die Sahara, traditionell ein Raum nomadischer Freiheit und eines toleranten Islams, ist „besetzt“. Sissako kontrastiert die ruhige Unermesslichkeit der Dünen mit der Kleinlichkeit und Absurdität des „Terrors“. Die eindrucksvollste Szene – Jungen, die ein Fußballspiel ohne Ball spielen – nutzt die trockene Landschaft, um den unbezähmbaren menschlichen Geist zu zeigen.

Daratt (Trockenzeit) (2006)

Im Tschad hat die Regierung nach dem Ende des Bürgerkriegs allen Kriegsverbrechern Amnestie gewährt. Der 16-jährige Atim wird von seinem Großvater geschickt, um Nassara zu töten, den Mann, der seinen Vater ermordet hat. Atim findet Nassara, der inzwischen eine kleine Bäckerei betreibt, und wird als Lehrling eingestellt, um seine Rache zu planen.

Der tschadische Regisseur Mahamat-Saleh Haroun schafft ein spannungsgeladenes, minimalistisches Drama in den staubigen Straßen von N’Djamena. Dies ist einer der großen nordafrikanischen Filme, die in der Sahara spielen (Sahel-Region), der die Landschaft als Charakter nutzt. Es ist die „Trockenzeit“ (Daratt), die dem Film seinen Titel gibt, eine Zeit des Wartens, des Staubs und der Wunden, die nicht heilen. Der Film erforscht den Kreislauf der Rache und die schwierige Möglichkeit der Vergebung in einer traumatisierten Nation.

Theeb (2014)

In der osmanischen Provinz Hijaz im Jahr 1916 lebt der junge Beduine Theeb („Wolf“) ein traditionelles Leben. Sein Leben wird auf den Kopf gestellt, als sein älterer Bruder zustimmt, einen britischen Offizier und seinen Führer durch die gefährliche Pilgerwüsten zu geleiten. Theeb folgt ihnen heimlich und begibt sich auf eine Reise des Überlebens in der Wüste.

Der vollständig in der jordanischen Wüste gedrehte Film Theeb ist ein „Beduinen-Western“, der die Geschichte (Erster Weltkrieg, Arabische Revolte) von unten betrachtet, durch die Augen eines Kindes. Die Wüste ist hier ein Raum der Ahnen-Tradition (Beduinen-Gastfreundschaft), der von modernen, äußeren Kräften (der Eisenbahn, Söldnern) durchdrungen wird. Es ist eine Coming-of-Age-Geschichte, in der Theeb lernen muss, in einer Welt zu überleben, in der die alten Regeln der Loyalität nicht mehr gelten.

Nostalgia de la Luz (Nostalgie des Lichts) (2010)

In der Atacama-Wüste in Chile, dem trockensten Ort der Erde, scannen Astronomen das Universum auf der Suche nach den Ursprüngen des Kosmos. Am Fuß ihrer Teleskope gräbt eine Gruppe älterer Frauen seit Jahrzehnten in derselben Erde, um die Überreste ihrer Verwandten zu finden, politisch ‚verschwundene‘ Personen, die von der Pinochet-Diktatur dort begraben wurden.

Diese poetische Dokumentation von Patricio Guzmán ist eine der tiefgründigsten Reflexionen über lateinamerikanisches Kino und Atacama-Wüstenfilme. Guzmán schafft eine metaphysische Verbindung zwischen zwei scheinbar unterschiedlichen Suchbewegungen. Die Trockenheit der Atacama-Wüste, die den Astronomen einen klaren Blick auf die Galaxien ermöglicht, ist dieselbe Trockenheit, die die menschlichen Überreste intakt bewahrt. Die Wüste wird zu einem Archiv der Geschichte und einem Teleskop, das in die Vergangenheit gerichtet ist, zu einem Ort, an dem die Suche nach kosmischer Wahrheit und die Suche nach politischer Wahrheit zu einer herzzerreißenden Einheit verschmelzen.

Bagdad Café (1987)

Jasmin, eine deutsche Touristin, streitet sich mit ihrem Ehemann und verlässt ihn mitten in der Mojave-Wüste. Sie geht zum heruntergekommenen Bagdad Café, einem Motel-Diner, das von der despotischen und erschöpften Brenda geführt wird. Anfangs misstrauisch gegenüber einander, schaffen die beiden Frauen zusammen mit einer bunten Gemeinschaft von Exzentrikern eine unerwartete Verbindung.

Percy Adlons Kultfilm ist das Anti-Zabriskie Point. Im selben Mojave-Wüstengebiet gedreht, nutzt er diese nicht als Metapher für das Nichts, sondern als Leinwand für Wiedergeburt. Der Film ist eine magische Komödie über weibliche Freundschaft und die Schaffung einer Ersatzfamilie. Die dürre Landschaft der Wüste, mit ihrem unwirklichen Licht, ist die perfekte Kulisse für Jasmins Zaubertricks. Bagdad Café ist ein Film über Akzeptanz, der einen von der Zivilisation vergessenen „Nicht-Ort“ in eine wahre Oase der Verbindung verwandelt.