Películas de Comedia Francesas para Ver

Ir más allá de la fachada de la comedia francesa es un acto necesario para cualquiera que ame el cine. El mundo conoce y aprecia las comédies populaires, esos éxitos de taquilla que, desde Intocable hasta Bienvenidos al norte, han exportado un humor cómodo y universal. Pero el verdadero corazón palpitante, el alma crítica e innovadora, también reside en otro lugar.

Esta guía es una invitación a explorar ese territorio, un cine que busca no solo el consenso sino la reflexión. Las obras que siguen usan la risa no como un fin, sino como una herramienta: un bisturí afilado para diseccionar las ansiedades sociales contemporáneas y las fragilidades de las relaciones humanas. Es un «cine de la inquietud» que, a la estela de maestros como Jacques Tati, encuentra lo absurdo en lo cotidiano y lo eleva a forma de arte.

A través de esta selección, descubriremos los desvíos surrealistas de visionarios como Quentin Dupieux y nos adentraremos en la comédie sociale. Es un camino que une las películas más famosas con el cine de autor más complejo. No son meramente películas divertidas; son formalmente inventivas, intelectualmente estimulantes y, en su espíritu más profundo, orgullosamente francesas.

¡Atención! (Au poste!)

Un hombre, Fugain, encuentra un cadáver en su edificio y acude a la comisaría para declarar. Lo que debería ser un interrogatorio rutinario con el comisario Buron se convierte en una agotadora y surrealista sesión nocturna. La lógica se disuelve, se rompe la cuarta pared y la propia realidad de la investigación se pone en duda en un crescendo de absurdo.

¡Atención! es la puerta de entrada ideal al universo de Quentin Dupieux, un director que ha hecho de la demolición de las convenciones narrativas su sello distintivo. La película se presenta como un procedimiento policial de cámara, confinado casi en su totalidad a una sola y gris oficina, pero usa este escenario familiar solo para desmontarlo desde dentro. La comedia no surge de chistes o gags tradicionales, sino de la aceptación impasible de los personajes ante eventos completamente ilógicos. Un testigo con un ojo de cristal que se cae repetidamente, diálogos que se enroscan sobre sí mismos hasta perder todo sentido, y una impresionante ruptura de la cuarta pared que no es un simple guiño, sino una declaración poética.

Dupieux se revela como un heredero contemporáneo del surrealismo de Luis Buñuel, usando lo absurdo no como un mero ejercicio estilístico, sino como una herramienta crítica. ¡Atención! es una feroz sátira sobre el vacío del lenguaje y la fragilidad de las estructuras narrativas que damos por sentadas. El interrogatorio se convierte en una metáfora del propio proceso cinematográfico, con un director-policía intentando extraer una historia coherente de un testigo-espectador cada vez más confundido. La película es un desafío hilarante a la inteligencia del público, una invitación a reírnos de nuestra propia necesidad de encontrar sentido donde, quizás, no lo hay.

Zero for Conduct

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Comedia, de Jean Vigo, Francia, 1933.
Las vacaciones han terminado y es hora de que los niños regresen al terrible internado, dirigido por tutores obtusos y conformistas, incapaces de fomentar el crecimiento de cualquier espíritu de libertad y creatividad. Lo único que estos austeros profesores son capaces de hacer es asignar un "cero" por conducta. Pero los chicos deciden rebelarse con la complicidad del nuevo supervisor, Huguet, diferente a todos los demás. Así se desata una verdadera revolución. Jean Vigo describe el anhelo de libertad de los niños con audacia y un espíritu subversivo, con una crítica implacable a la institución escolar, que se asemeja mucho a ciertas secuencias memorables del cine de Fellini. ¿Quizás el cineasta italiano había visto la película de Vigo? Parece muy, muy probable. La película fue prohibida por la censura francesa y no tuvo una proyección pública hasta 1945.

Para reflexionar
El condicionamiento de la familia, la escuela y los medios de comunicación son probablemente las principales causas del fracaso existencial de millones de personas. Son enemigos no identificados, de los cuales es difícil defenderse, que causan la pérdida de la autoestima y la creatividad necesaria para alcanzar metas ambiciosas. El condicionamiento social, cultural y religioso es un tema fundamental en la vida de todo ser humano, y uno de los principales temas en las filmografías de maestros del cine como Fellini, Truffaut y muchos otros.

IDIOMA: francés
SUBTÍTULOS: inglés, español, alemán, portugués

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Amor a Primer Combate (Les Combattants)

Arnaud, un joven tranquilo sin grandes ambiciones, pasa su verano con amigos y haciendo trabajos ocasionales para el negocio familiar. Todo cambia cuando conoce a Madeleine, una chica tan hermosa como paranoica, obsesionada con el entrenamiento militar y convencida del inminente fin del mundo. Fascinado por su intensidad, Arnaud decide seguirla a un exigente curso de preparación militar, dando inicio a una improbable historia de amor y supervivencia.

Ganadora del César a la Mejor Ópera Prima, Amor a Primer Combate es mucho más que una simple comedia romántica; es un manifiesto generacional que reinventa las reglas del género. Thomas Cailley crea una «comedia de supervivencia» que captura a la perfección las ansiedades de una juventud que mira al futuro con una mezcla de desilusión y pragmatismo. El humor de la película surge del brillante contraste entre la calma normalidad de Arnaud y la determinación apocalíptica de Madeleine. Ella se prepara para la guerra, él aprende a construir cobertizos de jardín: de este choque de cosmovisiones nace una dinámica tan cómica como profundamente conmovedora.

La película es una metáfora inteligente del amor en tiempos inciertos. El entrenamiento militar, con sus pruebas extremas y reglas absurdas, se convierte en el terreno donde los dos protagonistas no solo aprenden a conocerse, sino también a definir su propio lugar en el mundo. Cailley mezcla magistralmente los tonos de la comedia, el drama y el cine de aventuras, creando una obra original y refrescante. Es un filme que habla de cómo, ante un futuro que parece amenazante, el único acto verdadero de supervivencia puede ser encontrar a alguien con quien enfrentarlo.

Leche Sangrienta (Petit paysan)

Pierre es un joven y apasionado ganadero lechero cuya existencia gira en torno a su granja. Cuando estalla una epidemia bovina en Francia, su vida se ve sumida en el caos. Tras descubrir que una de sus queridas vacas podría estar infectada, Pierre se niega a enfrentar la posibilidad de que todo su rebaño sea sacrificado y comienza una lucha desesperada y paranoica por ocultar la verdad a todos, incluida su hermana veterinaria.

Leche Sangrienta es una obra extraordinaria que demuestra la capacidad del cine independiente francés para transformar un drama social en un thriller rural tenso y angustiante, teñido de un humor oscuro y casi involuntario. El director Hubert Charuel, hijo de agricultores, dirige una película que es tanto una carta de amor al mundo agrícola como una crítica implacable a sus fragilidades. La comedia aquí nunca es explícita; surge de la absurda tragedia de la situación de Pierre, un hombre dispuesto a hacer cualquier cosa para salvar lo único que da sentido a su vida.

Su descenso a la paranoia se narra con una precisión casi documental, lo que hace que sus acciones, por extremas que sean, resulten terriblemente comprensibles. Así, la película se convierte en una poderosa alegoría de la soledad del individuo ante un sistema burocrático impersonal y una crisis que lo sobrepasa. La actuación ganadora del César de Swann Arlaud es monumental al capturar la desesperación silenciosa y la determinación febril de un hombre que ve cómo su mundo se desmorona. Bloody Milk es un filme que te anuda el estómago, pero que también sabe hacerte sonreír amargamente ante el absurdo de la condición humana.

Love on the Run

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Comedia, romance, por François Truffaut, Francia, 1978.
Después de siete años, Antoine y Christine se divorcian, aunque permanecen buenos amigos. Antoine está en una relación con Liliane, amiga de Christine, ha publicado una autobiografía sobre sus amores y encuentra trabajo como corrector de pruebas y también comienza una relación alegre, aunque tumultuosa, con Sabine, una vendedora en una tienda de discos.

Es la quinta y última película de la serie 'Antoine Doinel', que sigue la vida del personaje principal desde la infancia hasta la adultez. La película ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de ese año. Es una representación significativa de las relaciones humanas, una reflexión inteligente e irónica sobre los temas del amor, la pérdida y el crecimiento personal. También es un homenaje al cine francés de los años 60 y 70, una especie de síntesis de temas y estilos cinematográficos que Truffaut había explorado a lo largo de su carrera. Léaud interpretó al personaje en todas las películas de la serie "Antoine Doinel" y su actuación en "Amor en fuga" fue considerada una de las mejores de su carrera. "Amor en fuga" fue bien recibida por la crítica y es considerada una de las mejores películas de Truffaut.

IDIOMA: francés
SUBTÍTULOS: inglés, italiano

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La cita del déjà-vu (La Fille du 14 juillet)

Durante las celebraciones del Día de la Bastilla, Héctor conoce a Truquette y se enamora perdidamente. Para conquistarla, decide seguirla en unas vacaciones en la playa con sus amigos. Su viaje pronto se convierte en una odisea caótica y surrealista a través de una Francia sumida en una crisis económica, una crisis tan severa que el gobierno ha decidido adelantar el fin de las vacaciones de verano, creando una extraña división entre quienes aún están de vacaciones y quienes se ven obligados a regresar al trabajo.

Antonin Peretjatko ofrece un debut que es un soplo de aire fresco, una explosión de anarquía y alegría cinematográfica que evoca el espíritu más libre de la Nouvelle Vague y la comedia física de Jacques Tati. La cita del déjà-vu es una comedia burlesca e impredecible que rechaza toda lógica narrativa convencional para abrazar el caos y el absurdo. El pretexto de la crisis económica y las vacaciones acortadas se convierte en un brillante recurso satírico para narrar las contradicciones y ansiedades de un país perdido.

La película es una sucesión de gags visuales, diálogos sin sentido y situaciones paradójicas, sostenidas por una energía contagiosa y un palpable amor por el cine. Peretjatko juega con formatos, géneros y expectativas del espectador, creando una obra que es a la vez una crítica social y una celebración de la juventud y la libertad. Es un cine que no teme ser desaliñado, imperfecto, pero por ello mismo, increíblemente vital. Un road movie veraniego que se transforma en una huida de la racionalidad, un himno a la posibilidad de encontrar belleza y amor incluso en medio del colapso.

En la cama con Victoria (Victoria)

Victoria Spick es una abogada penalista exitosa, pero también madre soltera al borde de un colapso nervioso. Su vida es un equilibrio caótico entre audiencias judiciales, dos hijas pequeñas, un exmarido que la denigra en un blog y una serie de encuentros sexuales fallidos. El precario equilibrio se rompe cuando acepta defender a una amiga acusada de agresión y contrata a un antiguo cliente, un joven traficante de drogas, como niñero.

Con Victoria, la directora Justine Triet crea una versión moderna, neurótica e increíblemente divertida de la clásica comedia screwball americana. La película es un retrato implacable pero empático de una mujer contemporánea que lucha desesperadamente por mantener unidos los fragmentos de su vida profesional y privada. El humor surge de la velocidad vertiginosa del diálogo, la acumulación de situaciones embarazosas y la actuación volcánica de Virginie Efira, perfecta en el papel de una mujer tan competente en el trabajo como desastrosa en las relaciones.

Debajo de la superficie de la brillante comedia, Triet construye una crítica aguda e inteligente sobre las presiones y expectativas que se imponen a las mujeres que intentan conciliar carrera y familia. Victoria no es solo una máquina cómica perfectamente engrasada, sino también un análisis profundo de la soledad, la justicia y la dificultad de encontrar un equilibrio emocional en el caos de la vida moderna. Es una película que logra hacerte reír a carcajadas y, un momento después, tocar acordes de melancolía genuina, confirmando a Justine Triet como una de las voces más originales del nuevo cine francés.

Deerskin (Le Daim)

Georges, un hombre de mediana edad recientemente abandonado por su esposa, gasta todos sus ahorros en una chaqueta de piel de ciervo con flecos, cumpliendo un sueño de toda la vida. Esta obsesión rápidamente se convierte en locura cuando la chaqueta comienza a hablarle, convenciéndolo de perseguir un objetivo loco: ser la única persona en el mundo que lleve una chaqueta. Para lograrlo, Georges se convierte en cineasta amateur y, con la ayuda de un editor, comienza a robar chaquetas a la gente, con consecuencias cada vez más violentas.

Con Deerskin, Quentin Dupieux entrega una de sus obras más exitosas y perturbadoras, una comedia negra que explora los temas de la masculinidad tóxica y el fetichismo con una lucidez helada. La película es una obra maestra del humor surrealista, donde la risa surge del contraste entre la aparente normalidad de las situaciones y la lógica delirante del protagonista. El descenso de Georges a la locura no se representa como un colapso psicótico, sino como un camino racional y metódico hacia un objetivo absurdo, lo que lo hace aún más inquietante y cómicamente escalofriante.

Jean Dujardin ofrece una actuación magistral, interpretando a Georges con una seriedad imperturbable que hace que su locura sea casi creíble. La película es una feroz sátira sobre la sociedad de la imagen y la necesidad de definir la propia identidad a través de la posesión de objetos. La chaqueta de piel de ciervo se convierte en el símbolo de un deseo de singularidad que se transforma en una ideología totalitaria y homicida. Deerskin es una obra que logra ser hilarante y aterradora al mismo tiempo, una pequeña joya del cine independiente que confirma a Dupieux como un maestro del absurdo.

El problema contigo (En liberté!)

Yvonne, una inspectora de policía y viuda de un colega heroico, descubre que su difunto esposo no era el hombre íntegro que todos creían, sino un policía corrupto. Devastada, intenta enmendar sus errores, especialmente ayudando a Antoine, un hombre que pasó ocho años en prisión injustamente por su culpa. Pero el regreso a la libertad de Antoine, ahora propenso a estallidos de violencia incontrolada, desata una serie de eventos caóticos e impredecibles.

Pierre Salvadori dirige una comedia brillante y sofisticada que juega con los códigos del género policial para crear algo completamente nuevo. El problema contigo es una película con un guion complejo y en capas, que mezcla farsa, romance, acción y una reflexión metacinematográfica sobre el poder de la narración. El humor surge de las situaciones paradójicas y los diálogos vertiginosos, pero también de la profunda humanidad de sus personajes, todos ellos bellamente imperfectos.

La película es una celebración de la narración como herramienta para entender y reinventar la realidad. Yvonne le cuenta a su hijo las hazañas heroicas (y fabricadas) de su padre, mientras Antoine intenta dar sentido a su ira a través de actos tan violentos como cómicos. La película, producida por la compañía independiente Les Films Pelléas, se mueve con agilidad entre diferentes registros, pasando de escenas de slapstick puro a momentos de ternura inesperada. Adèle Haenel y Pio Marmaï forman una pareja irresistible cuya química explosiva es el motor de una comedia inteligente, original y conmovedora que conquistó la Quincena de Realizadores en Cannes.

Yo, mi mismo y mi mamá (Les Garçons et Guillaume, à table!)

Guillaume es un niño que creció adorando a su madre, una mujer burguesa de carácter fuerte y autoritario. Debido a sus modales afeminados y sensibilidad, todos, incluida su madre, lo consideran una niña. Convencido de que es homosexual, Guillaume pasa su adolescencia imitando a su madre y buscando su propia identidad, en un viaje hilarante y conmovedor a través de internados ingleses, psicoanálisis y aventuras improbables.

Guillaume Gallienne adapta su obra autobiográfica para el cine, creando un deslumbrante debut que ganó cinco premios César. La película es una exploración única y valiente de los temas de la identidad de género, la sexualidad y la compleja relación madre-hijo. El genio de la operación radica en la elección de Gallienne de interpretar tanto su propio papel como el de su madre, un recurso que transforma la película en un análisis profundo y hilarante del proceso de identificación y diferenciación.

El estilo híbrido, que mezcla la puesta en escena teatral con el lenguaje cinematográfico, permite una transición fluida desde los recuerdos de la infancia hasta las reflexiones adultas, creando una historia íntima y universal. El humor, siempre inteligente y nunca vulgar, surge de situaciones embarazosas, diálogos brillantes y la capacidad de Gallienne para reírse de sí mismo con cariño y lucidez. Me, Myself and Mum es una comedia sofisticada y profundamente humana, una obra que celebra la libertad de ser uno mismo, más allá de cualquier etiqueta.

Adiós idiotas (Adieu les cons)

Cuando Suze Trappet, una peluquera de 43 años, es diagnosticada con una enfermedad terminal, decide usar el tiempo que le queda para encontrar al hijo que se vio obligada a dar en adopción quince años antes. Su búsqueda desesperada la lleva a JB, un funcionario de mediana edad en medio de un agotamiento que acaba de fallar en un intento de suicidio, y al señor Blin, un archivero ciego con un entusiasmo contagioso. Juntos, este trío improbable se embarca en una aventura loca y disparatada contra la burocracia.

Albert Dupontel, uno de los autores más originales e iconoclastas del cine francés, dirige y protagoniza una comedia arrolladora, una obra que mezcla magistralmente el humor negro, la sátira social y una profunda melancolía. Un triunfo en los César con siete premios, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, Adiós idiotas es un filme con un ritmo frenético, casi caricaturesco, que utiliza el lenguaje de la farsa para denunciar la inhumanidad y la indiferencia del mundo moderno.

La comedia de Dupontel es física, explosiva, pero siempre al servicio de una historia profundamente humana. Detrás de las bromas y situaciones surrealistas se esconde una crítica feroz a una sociedad que margina a los más débiles y los atrapa en un laberinto de reglas absurdas. La película es un himno a los «rechazados», a los perdedores, a quienes luchan por encontrar una migaja de calor y sentido en un mundo que parece haberlos olvidado. Con una extraordinaria Virginie Efira, Adiós idiotas es una fábula moderna, amarga y desternillante, una obra que logra hacerte reír y conmoverte hasta las lágrimas.

Mandíbulas (Mandibules)

Jean-Gab y Manu, dos amigos no muy listos, aceptan un trabajo sencillo: entregar un maletín a cambio de dinero fácil. Durante el viaje, descubren una mosca gigante en el maletero de su coche. En lugar de asustarse, Manu tiene una idea brillante: entrenar al insecto para convertirlo en un dron de robos y hacerse ricos. Su misión cambia radicalmente, dando inicio a una serie de desventuras absurdas y encuentros surrealistas.

Con Mandíbulas, Quentin Dupieux abandona en parte las atmósferas más oscuras y nihilistas de sus películas anteriores para abrazar los tonos de una comedia más luminosa y casi tierna. La película es una disparatada buddy movie, una oda a la amistad y a la estupidez, donde el elemento surrealista (la mosca gigante) ya no es una amenaza, sino una oportunidad, un catalizador para la aventura. El humor surge de la absoluta seriedad con la que los dos protagonistas, magníficamente interpretados por el dúo Palmashow, Grégoire Ludig y David Marsais, abordan su demente plan.

Su lógica es elemental, su lema «¡Taureau!» («¡Toro!») es un grito de batalla sin sentido, pero su dedicación a la causa es total. Dupieux construye un mundo donde su idiotez es una forma de pureza, una manera de navegar un mundo igualmente absurdo. La película está salpicada de personajes memorables, especialmente Adèle Exarchopoulos, hilarante en el papel de una chica que, debido a un accidente, solo puede gritar. Mandíbulas es una comedia fresca, ligera e irresistiblemente divertida, un filme que celebra la alegría de ser estúpidos juntos.

L’amour flou

Romane y Philippe se están separando. Después de diez años juntos, dos hijos y un perro, ya no están enamorados. Sin embargo, todavía se quieren mucho, demasiado para una separación tradicional. Bajo la mirada perpleja de amigos y familiares, inventan una solución habitacional revolucionaria: dos apartamentos separados, conectados por la habitación de los niños. Así comienza un experimento en la vida post-matrimonial que es tan loco como conmovedor.

Romane Bohringer y Philippe Rebbot llevan a la pantalla su propia historia real de separación, creando una obra híbrida, a medio camino entre la ficción y el documental, que es una de las comedias más originales, inteligentes y conmovedoras de los últimos años. Galardonada con el César a la Mejor Ópera Prima, L’amour flou es una película que desmonta todos los clichés sobre el fin de un amor con humor y sinceridad. Su idea del «sépartement» no es solo un truco excéntrico, sino una reflexión profunda sobre cómo la familia puede reinventarse fuera de las convenciones sociales.

La película es un maravilloso equilibrio entre momentos de comedia irresistible, nacidos de las dificultades prácticas y los celos de su nueva vida, y escenas de honestidad desarmante. La codirección captura la vida diaria de esta familia atípica con frescura y espontaneidad, involucrando a sus hijos y amigos reales (incluido un hilarante Richard Bohringer). L’amour flou es un himno a la inteligencia emocional, una obra que muestra cómo es posible transformar el dolor de una ruptura en una nueva forma creativa y amorosa de estar juntos. Una pequeña obra maestra de humanidad.

Arab Blues (Un divan à Tunis)

Después de vivir y trabajar durante años en París, la psicoanalista Selma decide regresar a su natal Túnez para abrir un consultorio. Se instala en un suburbio de clase trabajadora, pero la empresa resulta más complicada de lo esperado. En una sociedad aún en equilibrio entre tradición y modernidad tras la Revolución de Jazmín, sus pacientes son una colección de neurosis hilarantes y profundas, mientras ella misma debe enfrentarse a una burocracia kafkiana para obtener su licencia para ejercer.

Manele Labidi ofrece un brillante y agudo debut cinematográfico, una comedia que utiliza el «diván» del psicoanalista como lupa para observar las contradicciones y esperanzas de la Túnez contemporánea. La película es un análisis sociológico divertido y profundo que evita los clichés para ofrecer un retrato multifacético y vibrante de un país en transformación. El humor surge del cortocircuito cultural entre el enfoque freudiano de Selma y la resistencia de sus pacientes, quienes confunden el análisis con confesión religiosa o servicios pagados.

Golshifteh Farahani es perfecta en el papel de Selma, una mujer moderna y decidida que actúa como catalizadora de las historias de una humanidad diversa y colorida: desde el imán que sueña con ropa femenina hasta la peluquera que oculta sus inseguridades tras una fachada de chismes. La directora logra tratar temas complejos como la libertad de expresión, el papel de la mujer y el peso de la religión con una ligereza e inteligencia poco comunes. Arab Blues es una comedia social que hace reír y pensar, una obra necesaria que celebra el poder de las palabras en una sociedad que está aprendiendo a hablar de sí misma.

Rosalie Blum

Vincent Machot es un peluquero cuya vida es monótona, dividida entre su trabajo, un primo entrometido y una madre opresiva. Un día, se encuentra por casualidad con Rosalie Blum, una mujer solitaria y misteriosa, y tiene la extraña sensación de haberla visto antes. Intrigado, comienza a seguirla. Rosalie nota que la están siguiendo y, a su vez, le pide a su sobrina Aude que investigue a Vincent. Así comienza una cadena impredecible de vigilancia y descubrimientos.

Adaptando la novela gráfica homónima de Camille Jourdy, Julien Rappeneau crea un encantador y delicioso debut cinematográfico, una comedia coral sobre la soledad y la magia de los encuentros inesperados. La película, ganadora del César, se distingue por su estructura narrativa original, dividida en tres capítulos, cada uno dedicado al punto de vista de uno de los protagonistas. Esta elección permite al espectador armar lentamente el rompecabezas de la historia, descubriendo cómo las percepciones y malentendidos pueden generar situaciones tan cómicas como conmovedoras.

La fuerza de Rosalie Blum radica en su capacidad para crear una atmósfera onírica y melancólica, poblada por personajes excéntricos y profundamente humanos. La dirección de Rappeneau es elegante y sensible, capaz de capturar la poesía oculta en la banalidad de la vida provincial. El elenco es perfecto, con Kyan Khojandi (creador de la serie Bref) otorgando a su personaje una torpeza conmovedora y Noémie Lvovsky encarnando a una Rosalie enigmática y frágil. Es una película entrañable, un relato amable e inteligente sobre cómo el coraje de salir de la rutina puede conducir a conexiones inesperadas y maravillosas.

La lucha de clases (La Lutte des classes)

Sofía y Paul son una pareja parisina «bobo» (burgués-bohemia), él un exmúsico punk y ella abogada, que viven en un barrio obrero en las afueras. Fervientes defensores de las escuelas públicas y la mezcla social, enfrentan una crisis cuando su hijo Corentin, el único niño blanco en su clase, comienza a sentirse aislado. La pareja se enfrenta a un dilema desgarrador: ¿mantenerse fieles a sus ideales o inscribir a su hijo en la escuela católica privada cercana, como hacen todos los demás padres burgueses del barrio?

Michel Leclerc, ya autor de la aclamada comedia política Los nombres del amor, regresa con una sátira social tan divertida como implacable. La lucha de clases es un análisis cristalino de las contradicciones de la izquierda intelectual francesa, una película que escenifica con humor cáustico el conflicto entre los principios teóricos y las elecciones prácticas de la vida cotidiana. La comedia surge precisamente de este cortocircuito, de la hipocresía involuntaria de los protagonistas que se ven traicionando todo en lo que creen por el «bien» de su hijo.

La película, coescrita con Baya Kasmi, es una pequeña obra maestra de la escritura, con diálogos brillantes y situaciones que exponen sin piedad las neurosis y prejuicios de cierta clase social. Leïla Bekhti y Édouard Baer son perfectos al dar vida a una pareja creíble y compleja, en la que el espectador no puede evitar reconocerse, incluso en sus aspectos menos nobles. La lucha de clases es una comedia inteligente y necesaria que plantea preguntas incómodas sobre el sentido de la integración, la igualdad y la coherencia en la Europa actual.

Borrar historial (Effacer l’historique)

En un barrio residencial provincial, tres vecinos luchan con los problemas de la vida digital. Marie está siendo chantajeada con un video sexual. Bertrand descubre que su hija es víctima de acoso cibernético en la escuela. Christine, conductora de VTC, no logra mejorar sus calificaciones con los clientes. Desesperados y tecnológicamente ineptos, deciden unir fuerzas y declarar la guerra a los gigantes de Internet, embarcándose en una locura aparentemente sin esperanza.

El dúo de directores Gustave Kervern y Benoît Delépine, maestros de un cine punk, surrealista y profundamente humano, entregan una comedia hilarante y muy relevante sobre nuestra adicción a la tecnología. Delete History es una sátira grotesca e irresistible del mundo contemporáneo, un retrato despiadado de una humanidad alienada y abrumada por las redes sociales, los centros de llamadas y algoritmos incomprensibles. El humor de la película es corrosivo, a veces melancólico, y surge de la representación de personajes torpes y desesperados que intentan rebelarse contra un sistema más grande que ellos.

La película, premiada en el Festival de Cine de Berlín, es una obra que logra estar profundamente arraigada en la realidad (estafas en línea, acoso, la precariedad laboral en la economía de trabajos temporales) y a la vez ser totalmente surrealista en sus soluciones narrativas. El trío de protagonistas, interpretado por Blanche Gardin, Denis Podalydès y Corinne Masiero, es simplemente perfecto para dar vida a antihéroes modernos, tan patéticos como heroicos en su lucha quijotesca. Una comedia inteligente, enojada e increíblemente divertida.

Sink or Swim (Le Grand Bain)

Un grupo de hombres de mediana edad, todos luchando contra la depresión, el desempleo y crisis existenciales, encuentran una escapatoria improbable en la piscina local. Bajo la guía de dos ex campeones, deciden formar el primer equipo masculino de natación sincronizada de Francia. A pesar del escepticismo general y su completa falta de gracia, su objetivo es único: competir en el campeonato mundial.

Dirigida por el actor Gilles Lellouche, Sink or Swim es una «película para sentirse bien» que trasciende los límites del género gracias a un guion inteligente, un elenco excepcional y una sensibilidad profunda. Aunque logró un enorme éxito popular, la película mantiene un espíritu ferozmente independiente, producida por compañías como Les Productions du Trésor y Chi-Fou-Mi. Es una comedia coral que aborda el tema de la fragilidad masculina, un tema aún demasiado tabú, con humor y delicadeza.

La fuerza de la película radica en su capacidad para crear personajes auténticos y multifacéticos, cada uno con sus propias heridas e inseguridades. La piscina se convierte en un espacio protegido, un lugar donde estos hombres finalmente pueden bajar la guardia, mostrar su vulnerabilidad y encontrar en la solidaridad del grupo la fuerza para volver a entrar en juego. El humor no proviene de burlarse de sus cuerpos torpes, sino de la ternura con la que se retratan sus esfuerzos. Sink or Swim es una celebración de la amistad y las segundas oportunidades, una película que te hace reír, te conmueve y, sobre todo, te hace sentir bien.

9 Meses de Condena (9 mois ferme)

Ariane Felder es una juez incorruptible, una trabajadora solitaria y moralmente intachable. Su vida ordenada se trastorna cuando descubre que está embarazada de seis meses, sin tener idea de cómo pudo haber sucedido. Las pruebas de paternidad revelan una verdad aún más impactante: el padre del bebé es Bob Nolan, un criminal notorio acusado de un asalto atroz. Ariane debe reconstruir una noche de locura para entender lo que ocurrió.

Albert Dupontel escribe, dirige y protagoniza una comedia salvaje e irresistible, una obra que combina el ritmo de la farsa burlesca con una aguda sátira del sistema judicial y los medios de comunicación. Ganadora de dos premios César, incluyendo Mejor Actriz para la increíble Sandrine Kiberlain, 9 Meses de Condena es una película que no da respiro al espectador, abrumándolo con una energía cómica imparable. La comedia es física, verbal y situacional, basada en una acumulación de gags, malentendidos y giros argumentales.

Tras la superficie de la comedia slapstick, Dupontel inserta una feroz crítica social. El mundo del tribunal se representa como un teatro del absurdo, poblado por abogados vanidosos, expertos extraños y un sistema que parece haber perdido todo contacto con la realidad. La transformación de Ariane, de una juez distante a una mujer obligada a romper todas las reglas, es el motor de una historia que es tanto una crítica a la respetabilidad burguesa como una inesperada historia de amor entre dos opuestos. Una película hilarante e inteligente.

Canciones de Amor para Tipos Duros (Cette musique ne joue pour personne)

En un puerto desolado del norte de Francia, un grupo de gánsteres de mediana edad lleva una vida de violencia y extorsión menor. Su rutina se ve interrumpida cuando el amor y la poesía irrumpen en sus vidas. Jeff, el líder, se enamora de una cajera y encarga a sus secuaces entregar torpes mensajes de amor a ella. Mientras tanto, uno de sus hombres de confianza se une a una compañía de teatro para conquistar a una mujer, terminando interpretando a Jean-Paul Sartre.

Samuel Benchetrit dirige una obra poética y surrealista, una comedia tierna y melancólica que encuentra belleza en lo absurdo y gracia en la brutalidad. La película es un relato coral poblado por personajes inolvidables, gánsteres de corazón blando que descubren el poder transformador del arte. El humor, delicado y caprichoso, surge del contraste entre el violento mundo del crimen y los delicados sentimientos que los protagonistas comienzan a experimentar.

Con un elenco de estrellas que reúne a algunos de los mejores actores del cine francés y belga (François Damiens, Vanessa Paradis, Gustave Kervern, Bouli Lanners, JoeyStarr), Benchetrit crea una atmósfera única, a medio camino entre el realismo poético de Marcel Carné y el absurdismo de Aki Kaurismäki. Las escenas en las que estos hombres rudos intentan actuar o escribir poesía son a la vez hilarantes y conmovedoras. Love Songs for Tough Guys es una película inclasificable, una fábula moderna sobre la capacidad del amor y la cultura para redimir incluso las almas más endurecidas.

Fumar hace toser (Fumer fait tousser)

La «Fuerza del Tabaco» es un equipo de cinco superhéroes cuyos poderes derivan de las sustancias nocivas del tabaco: Benceno, Nicotina, Metanol, Mercurio y Amoníaco. Tras derrotar a una tortuga gigante, su jefe, una rata babosa llamada Didier, los envía a un retiro forzado para fortalecer la cohesión del grupo, que se ha visto desgastada por disputas internas. Durante el retiro, para pasar el tiempo, comienzan a contarse historias de terror alrededor de una fogata, mientras el malvado emperador Lézardin trama destruir la Tierra.

Quentin Dupieux vuelve a la carga con una brillante y demente parodia de las películas de superhéroes y las series sentai japonesas como los Power Rangers. Fumar hace toser es una obra que deconstruye todos los clichés del género con un humor iconoclasta. Sin embargo, el verdadero genio de la película reside en su estructura episódica, un film contenedor en el que la trama principal (la amenaza de Lézardin) se convierte en un mero pretexto para una serie de historias de terror tan macabras como hilarantes.

Dupieux se divierte jugando con las expectativas del espectador, abandonando la narrativa principal para perderse en digresiones absurdas y divertidas. El resultado es una antología de terror cómico que celebra el placer de contar historias por el simple hecho de hacerlo. La película es un concentrado de su estilo único: diálogos impasibles ante el absurdo, violencia repentina y caricaturesca, y total libertad creativa. Con un elenco habitual (Gilles Lellouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier), Dupieux entrega una de sus obras más divertidas y accesibles, una celebración del cine como puro juego.

Perro de chatarra (Chien de la casse)

En un pequeño y apacible pueblo del sur de Francia, Dog y Mirales han sido amigos desde siempre. Su vínculo, casi fraternal pero profundamente tóxico, está dominado por la personalidad exuberante y cruel de Mirales, quien nunca pierde la oportunidad de humillar al más apacible Dog. Su precario equilibrio se rompe con la llegada de Elsa, una joven que inicia una relación con Dog, desatando los celos y resentimientos de Mirales.

Ganadora de dos premios César, incluido el de Mejor Ópera Prima, Junkyard Dog es el deslumbrante debut de Jean-Baptiste Durand. La película es un retrato crudo, auténtico y poderoso de una amistad masculina y la vida en la Francia provincial, lejos de las postales turísticas. Más que una comedia pura, es una comedia dramática que encuentra humor en los pliegues de la realidad, en los diálogos agudos y en las dinámicas relacionales de sus protagonistas. El guion es preciso, capaz de capturar el lenguaje y las tensiones de una juventud que combate el aburrimiento con bravura.

La película se sostiene en dos actuaciones extraordinarias: Anthony Bajon en el papel de Dog y, sobre todo, Raphaël Quenard, una verdadera revelación, que otorga a Mirales una complejidad increíble, haciéndolo a la vez insoportable y vulnerable. La dirección de Durand es inmersiva, capaz de capturar la belleza áspera de los paisajes y la claustrofobia de un mundo donde todos se conocen. Junkyard Dog es una obra poderosa y sincera, una historia de madurez que narra con lucidez y sin moralismos la dificultad de crecer y liberarse de los lazos que nos asfixian.

Los Peores (Les Pires)

Un equipo de filmación llega a Boulogne-Sur-Mer, en el norte de Francia, para rodar una película. Para los papeles principales, el director decide seleccionar a cuatro adolescentes del barrio obrero de Cité Picasso, chicos considerados «los peores» debido a su reputación y difíciles historias familiares. El rodaje se convierte en una experiencia intensa y desestabilizadora que difumina las líneas entre la ficción del set y la dura realidad de sus vidas.

Ganadora del premio principal en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes, Los Peores es un poderoso y complejo debut que explora las cuestiones éticas de la representación cinematográfica con inteligencia y sensibilidad. Lise Akoka y Romane Gueret, con experiencia como directoras de casting, entregan una película meta-cinematográfica que es a la vez una comedia dramática y un documental sobre su propia creación. El humor, a menudo amargo, surge de las situaciones embarazosas y conflictos que ocurren en el set.

La película plantea preguntas fundamentales: ¿es correcto pedir a jóvenes vulnerables que revivan sus traumas por el bien de un guion? ¿Dónde termina el arte y comienza la explotación? Los Peores no ofrece respuestas fáciles, pero muestra con gran honestidad la complejidad de las relaciones que se forman entre los directores y sus jóvenes actores no profesionales, quienes aquí son extraordinarios por su naturalidad e intensidad. Es una película que hace reír, enojar y reflexionar, una obra necesaria que cuestiona el papel y la responsabilidad del cine en contar las historias de otros.

Naranjas Sangrientas (Oranges Sanguines)

En Francia, a lo largo de una sola noche, las historias de varios personajes se entrelazan. Una pareja de ancianos agricultores, ahogados en deudas, participa en un concurso de rock para ganar el primer premio. Un poderoso ministro de finanzas enfrenta un escándalo de evasión fiscal. Una adolescente se prepara para su primera cita, pero el encuentro se convierte en una pesadilla. Sus trayectorias aparentemente distantes convergerán en una explosión de violencia catártica.

Jean-Christophe Meurisse dirige una comedia negra, una sátira feroz e implacable que destroza la sociedad francesa contemporánea. Naranjas Sangrientas es una película impactante, brutal y, al mismo tiempo, increíblemente divertida. El humor, corrosivo y políticamente incorrecto, surge de la subversión de las expectativas y la representación grotesca de los males de nuestro tiempo: la precariedad económica, la corrupción política, la violencia sexual y la hipocresía desenfrenada.

La película está estructurada como un relato coral que construye un crescendo de tensión y absurdo, culminando en un final donde los «débiles» toman una venganza sangrienta y liberadora contra sus opresores. La dirección es aguda, los diálogos son punzantes y el elenco está en estado de gracia, dando vida a personajes memorables en su mezquindad o ingenuidad. Naranjas Sangrientas es una obra extrema, no para todos, pero de una lucidez y potencia raras. Un golpe al estómago que obliga a reírse de las propias miserias.

Yannick

En medio de la representación de una mediocre comedia de boulevard parisina, un espectador, Yannick, se levanta e interrumpe el espectáculo. Es un vigilante nocturno, ha viajado una hora para ver la obra y la encuentra terriblemente aburrida. Por lo tanto, decide tomar como rehenes a los actores y al público para reescribir él mismo el final, en un intento de convertir una noche decepcionante en un momento de auténtico compartir artístico.

Filmada en secreto y estrenada como sorpresa, Yannick es otra joya del inagotable Quentin Dupieux. La película es una brillante y tensa comedia de cámara, una obra que transcurre casi en su totalidad en tiempo real sobre un escenario teatral. Con esta puesta en escena minimalista, Dupieux construye una reflexión profunda y hilarante sobre la relación entre la obra de arte, el artista y el público. ¿Quién tiene derecho a juzgar? ¿Qué sucede cuando el espectador, de consumidor pasivo, se convierte en creador activo?

Raphaël Quenard, una estrella en ascenso del nuevo cine francés, ofrece una actuación extraordinaria, haciendo de Yannick un personaje complejo que es a la vez ridículo, amenazante y extrañamente conmovedor. La película es un tour de force de escritura y dirección, un diálogo ajustado e impredecible que mantiene al espectador al borde de su asiento. El humor surge de la incomodidad de la situación, la tensión creciente y la crítica implícita a cierto tipo de arte burgués y autorreferencial. Yannick es una obra inteligente, provocadora e increíblemente oportuna.

La Dulce Evasión (Comme un avion)

Michel, un diseñador gráfico de cincuenta años apasionado por la aviación, sueña con una vida aventurera como la de los pilotos de Aéropostale. Un día, tiene una epifanía: un kayak, después de todo, se parece al fuselaje de un avión. Impulsado por un impulso irreprimible, compra un kayak y, animado por su esposa, emprende un viaje en solitario por un río. Su «gran expedición» se convertirá en una aventura de pequeños encuentros y un redescubrimiento de sí mismo.

Bruno Podalydès, junto con su hermano Denis, es una de las figuras más importantes de la comedia de autor francesa. La Dulce Evasión es quizás su película más representativa: una obra amable, extraña y profundamente humanista. La comedia nunca es estruendosa, sino que surge de la delicadeza de las situaciones, la torpeza del protagonista y la poesía de los encuentros fortuitos. El viaje de Michel no es una huida heroica, sino una modesta rebelión contra la monotonía de la vida cotidiana, un intento de redescubrir el sentido de la maravilla.

La película es una celebración de las pequeñas cosas, una invitación a desacelerar y mirar el mundo con otros ojos. Podalydès, quien también interpreta al protagonista, tiene un talento único para crear una atmósfera onírica y ligeramente surrealista, poblada por personajes excéntricos y adorables (incluida una magnífica Sandrine Kiberlain). La dirección es contemplativa, atenta a los detalles y paisajes, y el guion está lleno de diálogos brillantes y observaciones agudas sobre la naturaleza humana. La Dulce Evasión es una comedia que te hace sonreír y pensar, una pequeña joya de sensibilidad e inteligencia.

Mi Burro, Mi Amante y Yo (Antoinette dans les Cévennes)

Antoinette, una maestra, espera con ansias las vacaciones de verano que ha planeado con su amante, Vladimir. Cuando él le dice en el último momento que se va de vacaciones con su esposa e hija a las Cévennes, una desesperada Antoinette decide seguirlo. Se inscribe en la misma ruta de senderismo, un recorrido tras las huellas del escritor Robert Louis Stevenson, y se encuentra frente a las montañas en compañía de un compañero de viaje tan inesperado como obstinado: un burro llamado Patrick.

Caroline Vignal dirige una comedia encantadora, un road movie al ritmo de un burro que ha conquistado a público y crítica, haciendo que Laure Calamy gane un merecido premio César a la Mejor Actriz. La película es una historia divertida y conmovedora de madurez que utiliza el viaje como metáfora de un camino de emancipación personal. La fuerza cómica del film reside principalmente en la extraordinaria química entre la protagonista y su burro.

Patrick no es solo un animal, sino un personaje por derecho propio, con una personalidad fuerte e irresistible expresividad. Su relación, hecha de peleas, malentendidos y momentos de profunda ternura, es el corazón palpitante de una película que celebra la resiliencia y la capacidad de encontrar la felicidad donde menos se espera. Laure Calamy está simplemente perfecta en el papel de una mujer inicialmente patética en su obsesión romántica, pero que gradualmente redescubre su propia fuerza e independencia. My Donkey, My Lover & I es un soplo de aire fresco, una comedia inteligente y encantadora.

Los nombres del amor (Le Nom des gens)

Bahia Benmahmoud es una joven extrovertida políticamente activa en la izquierda. Tiene una misión muy particular: convertir a hombres de derecha a sus ideas acostándose con ellos. Su estrategia, hasta entonces infalible, se ve en crisis cuando conoce a Arthur Martin, un hombre con un nombre muy común que, a pesar de las apariencias, oculta un pasado complejo y una serie de neurosis. Su encuentro dará lugar a una historia de amor tan improbable como hilarante.

Ganadora de dos Césars, a Mejor Actriz (Sara Forestier) y Mejor Guion Original, Los nombres del amor es una de las comedias políticas más inteligentes y atrevidas del cine francés. El director Michel Leclerc aborda temas complejos como la identidad nacional, el peso de la historia (particularmente la Guerra de Argelia) y la convivencia de diferentes culturas con humor y sin tabúes. El pretexto cómico de la «conversión sexual» se convierte en una forma original de explorar las diferencias ideológicas y desmontar los prejuicios de todos los bandos políticos.

La película es un espectáculo de diálogos brillantes, situaciones políticamente incorrectas e inventos visuales sorprendentes. Sara Forestier es arrolladora en el papel de Bahia, un personaje lleno de energía y contradicciones, mientras que Jacques Gamblin es perfecto como un hombre aparentemente aburrido pero profundamente atormentado. Los nombres del amor es una comedia que no teme ser compleja y provocativa, una obra que muestra cómo se puede reír de las fracturas de la sociedad sin trivializarlas jamás.

La Belle Époque

Víctor, un ilustrador desencantado de sesenta años en crisis con su esposa Marianne, es expulsado de la casa. Su hijo le ofrece un regalo inusual: la oportunidad de revivir una época de su elección, gracias a una agencia especializada que crea reconstrucciones históricas meticulosas con actores y decorados. Víctor no duda y elige regresar al 16 de mayo de 1974, el día en que conoció por primera vez al gran amor de su vida, Marianne.

Nicolas Bedos escribe y dirige una comedia romántica con un concepto brillante y una ejecución impecable. La Belle Époque es una película que mezcla elegantemente la nostalgia, el humor y una profunda reflexión sobre el tiempo, la memoria y la naturaleza del amor. La idea de una «máquina del tiempo» teatral permite a Bedos crear un fascinante juego entre pasado y presente, entre realidad y ficción, donde los recuerdos se escenifican y, quizás, se reinventan.

La película cuenta con un elenco excepcional. Daniel Auteuil es magnífico en el papel de un hombre que redescubre la alegría de vivir sumergiéndose en el pasado, mientras que Doria Tillier brilla en el doble papel de la joven Marianne y la actriz que la interpreta. Guillaume Canet, como el neurótico director de la reconstrucción, añade un toque de comedia metacinematográfica. La Belle Époque es una comedia sofisticada y conmovedora, una obra que celebra el poder de las historias para hacernos enamorar de nuevo, no solo de una persona, sino de la vida misma.

El Discurso (Le Discours)

Adrien está en una cena familiar. Su novia, Sonia, pidió un «descanso» hace 38 días, y él espera ansiosamente un mensaje de texto de ella. La noche, ya de por sí una pesadilla, toma un giro aún peor cuando su futuro cuñado le pide que dé un discurso en su boda. Mientras el pánico se apodera de él, Adrien se pierde en un torbellino de pensamientos, recuerdos, ansiedades y fantasías tragicómicas sobre su pasado, presente y futuro.

Basada en la novela gráfica de Fabcaro, El Discurso es una comedia brillante e innovadora, construida casi en su totalidad sobre el flujo de conciencia del protagonista. El director Laurent Tirard traduce con éxito el monólogo interior de Adrien en imágenes, creando una película que es a la vez hilarante y profundamente identificable. El humor surge de la neurosis del personaje, su tendencia a catastrofizar cada situación y su implacable (y divertida) análisis de las dinámicas familiares y las convenciones sociales, como la absurda tradición de la «chenille» (la fila india) en las bodas.

Benjamin Lavernhe, actor de la Comédie-Française, es extraordinario al dar cuerpo y voz a un personaje perpetuamente equilibrado entre la autocompasión y la lucidez. La película es una pequeña obra maestra de escritura y montaje, alternando hábilmente entre líneas temporales y registros narrativos, pasando de la comedia romántica a la farsa, hasta momentos de ternura inesperada. El Discurso es una celebración de la ansiedad como motor cómico, una obra que habla a cualquiera que alguna vez se haya sentido fuera de lugar en una cena familiar.

Yves

Jérem, un joven rapero sin dinero, se muda a la casa de su abuela para intentar triunfar en el mundo de la música. Su vida cambia cuando una start-up le ofrece la oportunidad de probar un nuevo refrigerador inteligente llamado Yves. Pronto descubre que Yves no solo es capaz de gestionar los alimentos y dar consejos dietéticos, sino que también tiene un talento excepcional para la composición musical. La nevera comienza a escribir éxitos para Jérem, convirtiéndolo en una estrella, pero su colaboración tomará un giro inesperado y surrealista.

Benoît Forgeard dirige una comedia de ciencia ficción original y divertida, una sátira inteligente sobre nuestra dependencia de la tecnología, la inteligencia artificial y la industria musical. Yves es un filme que parte de una premisa completamente absurda y la desarrolla con lógica impecable, creando situaciones hilarantes y reflexiones agudas. El humor surge de la relación entre el humano, imperfecto y ambicioso, y la máquina, eficiente, racional y, en última instancia, más creativa que él.

La película es una crítica divertida a la sociedad del rendimiento y la obsesión por el éxito, donde incluso un electrodoméstico puede convertirse en un ícono pop. William Lebghil es perfecto en el papel del rapero mediocre que se deja manipular por su nevera, mientras que Philippe Katerine, como ejecutivo de la start-up, es tan irresistible como siempre en su extravagancia. Yves es una comedia que hace reír a carcajadas, pero que también deja un regusto amargo, haciéndonos cuestionar el futuro de la creatividad en un mundo cada vez más dominado por algoritmos. Una obra extraña y brillante.

Apnea

Céline, Thomas y Maxence son un trío inseparable. Se aman, viven juntos y quieren casarse. Los tres juntos. Ante la negativa del alcalde a celebrar un matrimonio de tres personas, comienzan un viaje picaresco y anárquico por Francia, buscando un lugar en el mundo que acepte su forma de vida poco convencional. Su camino es una sucesión de encuentros extraños y situaciones surrealistas, una crítica radical a todas las instituciones sociales.

Presentada en la Semana de la Crítica de Cannes, Apnée es el debut cinematográfico de Jean-Christophe Meurisse y su compañía teatral, Les Chiens de Navarre. La película es una obra extrema, un concentrado de humor negro, provocador y políticamente incorrecto. Estructurada como una serie de sketches aparentemente desconectados, el filme es en realidad una crítica feroz y coherente a las normas sociales: el matrimonio, la propiedad privada, la familia, el trabajo.

La comedia de Apnée es abrasiva, a menudo perturbadora, y se basa en la improvisación y la actuación física de los actores. La película no teme ser desagradable, ni empujar al espectador fuera de su zona de confort. Es un cine que grita su rabia contra un mundo percibido como absurdo y restrictivo. Sin embargo, bajo la superficie caótica e iconoclasta, yace una profunda ternura por sus personajes, tres almas perdidas que solo intentan vivir su amor libremente. Un debut valiente e inolvidable, para quienes aman el cine que no se anda con medias tintas.