El Free Cinema inglés fue un movimiento cinematográfico que surgió en Gran Bretaña en la segunda mitad de los años 50 y duró hasta mediados de los 60. Fue una respuesta al cine británico convencional y comercializado, que se centraba predominantemente en historias de clase media y convenciones narrativas tradicionales. Free Cinema ha influido en la historia del cine en las décadas siguientes.
Free Cinema se caracterizó por una visión del cine como una forma de arte personal y experimental, que buscaba explorar la realidad británica a través de documentales y películas dramáticas independientes e innovadoras. Los artistas de Free Cinema intentaron aportar su visión y experiencia personal al cine británico.
El movimiento estuvo compuesto principalmente por tres directores: Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson. En 1956, organizaron una serie de proyecciones de cortometrajes, llamada «Free Cinema», en el National Film Theater de Londres. La serie consistía en cortometrajes realizados por jóvenes cineastas británicos que buscaban explorar la vida cotidiana de la clase trabajadora y la juventud de la posguerra.
Películas notables de Free Cinema incluyen ‘Saturday Night and Sunday Morning’ (1960) de Karel Reisz, ‘This Sporting Life’ (1963) de Lindsay Anderson y ‘A Taste of Honey’ (1961) de Tony Richardson. Estas películas se centraron en la vida de la clase trabajadora, la pobreza, la soledad, la sexualidad y la desilusión.
Free Cinema influyó enormemente en la nueva ola del cine británico de los años 60, también conocida como la British New Wave. El movimiento condujo a la creación de una nueva generación de cineastas, como Ken Loach, que continuaron explorando los mismos temas a través del cine social.
Cómo Nació Free Cinema
El Free Cinema inglés surgió a finales de los años 50 como respuesta a la producción cinematográfica británica convencional y comercializada de la época. Los cineastas del movimiento, incluyendo a Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson, estaban insatisfechos con las limitaciones creativas impuestas por el sistema cinematográfico británico y buscaron explorar nuevas formas de expresión a través del cine.
En particular, el movimiento buscaba crear documentales y películas dramáticas que reflejaran la realidad británica contemporánea, con un enfoque particular en las vidas de la clase trabajadora y la juventud de la posguerra. Estos cineastas creían que el cine debía ser una forma de arte personal y experimental, capaz de expresar la cosmovisión y la experiencia individual de los artistas.
Free Cinema tomó su nombre de una serie de proyecciones independientes de cortometrajes organizadas en 1956 por Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson en el National Film Theater de Londres. Estos cortometrajes se caracterizaban por un estilo innovador y personal, y abordaban temas como la soledad, la pobreza, la sexualidad y la desilusión.
El movimiento tuvo un gran impacto en la cultura cinematográfica británica, influyendo en la nueva ola del cine de los años 60 y dando origen a una nueva generación de cineastas independientes e innovadores.
Los Directores del Free Cinema
Los principales exponentes del Free Cinema inglés fueron tres directores: Lindsay Anderson, Karel Reisz y Tony Richardson. Estos cineastas trabajaron juntos para organizar la serie de proyecciones de cortometrajes independientes que dio inicio al movimiento.
Lindsay Anderson fue uno de los directores más representativos del Free Cinema. Dirigió algunas de las películas más importantes del movimiento, como «This Sporting Life» (1963) y «If….» (1968), que abordaron temas sociales y políticos mediante un estilo innovador y experimental.
Karel Reisz fue otro director importante del Free Cinema. Su película «Saturday Night and Sunday Morning» (1960) es considerada una de las obras maestras del movimiento. El filme narra la historia de un joven obrero que intenta escapar de la monotonía de la vida en la fábrica y los fines de semana pasados en los pubs.
Finalmente, Tony Richardson fue el director de «A Taste of Honey» (1961), otra película importante del Free Cinema. La película cuenta la historia de una joven que intenta sobrevivir en el Manchester de la posguerra, enfrentándose a temas como la pobreza, la sexualidad y la homosexualidad.
Además de estos tres directores, otros exponentes notables del Free Cinema incluyen a John Schlesinger, quien dirigió la película «Billy Liar» (1963), y a Ken Loach, director de «Kes» (1969). Estos cineastas continuaron explorando los temas sociales y políticos del movimiento a través del cine social de las décadas de 1960 y 1970.
¿Por qué terminó el Free Cinema?
El Free Cinema inglés tuvo una vida relativamente corta, durando solo unos pocos años a finales de los años 50 y principios de los 60. El movimiento comenzó a declinar a finales de los 60 cuando muchos de sus principales exponentes empezaron a trabajar en el extranjero o a abandonar el cine.
Hubo varias razones para la desaparición del Free Cinema. Primero, el movimiento tuvo dificultades para encontrar una audiencia más amplia fuera de los círculos intelectuales y cinéfilos, debido en parte a la naturaleza experimental y no comercial de las películas del movimiento.
En segundo lugar, muchos de los cineastas del Free Cinema fueron atraídos por nuevos desafíos y oportunidades en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde tuvieron la oportunidad de trabajar con presupuestos mayores y alcanzar audiencias más amplias.
En tercer lugar, la cultura cinematográfica británica experimentó una transformación en los años 60 con la llegada del cine de la nueva ola y la creciente popularidad de los filmes comerciales de género. Estos cambios llevaron a un enfoque mayor en el cine de entretenimiento y a un interés reducido en el cine experimental y social del Free Cinema.
Las películas del Free Cinema para ver
Hay varias películas del Free Cinema que son consideradas obras maestras del movimiento y que definitivamente vale la pena ver. Aquí algunos ejemplos:
Saturday Night and Sunday Morning (1960)
Es una película dramática británica de 1960 dirigida por Karel Reisz y basada en la novela homónima de Alan Sillitoe. La película es considerada una de las obras maestras del cine británico de los años 60 y es notable por haber lanzado la carrera del actor Albert Finney.
La trama sigue la vida de Arthur Seaton, un joven obrero de fábrica en la ciudad industrial de Nottingham. Arthur es un hombre duro y rebelde que no soporta la idea de estar atrapado en una vida monótona y alienante. Su única escapatoria de la realidad es el alcohol y las mujeres, y así comienza un romance con la esposa de su jefe, Brenda, quien termina quedando embarazada.
La película explora temas como la clase trabajadora, la alienación, la rebeldía y el individualismo. Arthur representa la voz de la juventud obrera que quiere liberarse de las cadenas de la sociedad, pero su deseo de libertad se ve frustrado por las consecuencias de sus acciones. En última instancia, Arthur debe enfrentarse a las consecuencias de sus elecciones y tratar de encontrar un equilibrio entre su vida privada y su posición en la sociedad.
La película tuvo un gran impacto en la cultura británica de los años 60 y fue elogiada por su representación realista de la vida de la clase trabajadora. La actuación de Albert Finney como Arthur Seaton fue aclamada por la crítica y ayudó a establecerlo como uno de los actores más respetados del Reino Unido. La película es considerada un clásico del cine británico y todavía es ampliamente estudiada y apreciada por los estudiosos del cine hoy en día.
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A Taste of Honey (1961)
Es una película británica de 1961, dirigida por Tony Richardson y basada en la obra teatral homónima de Shelagh Delaney. La película tuvo un gran impacto en la cultura popular británica de la época y todavía es considerada un clásico del cine británico hoy en día.
La trama sigue a la joven adolescente Jo (interpretada por Rita Tushingham), que vive con su madre Helen (interpretada por Dora Bryan), una mujer irresponsable y alcohólica. Cuando Helen se casa con un nuevo hombre y se va de luna de miel, Jo queda sola y decide buscar trabajo para mantenerse. Durante su búsqueda, conoce a un marinero negro, Jimmy (interpretado por Paul Danquah), con quien comienza una relación. Cuando Jo descubre que está embarazada, decide quedarse con el bebé y enfrentar la situación por sí misma.
La película explora temas importantes para la época, como la pobreza, el racismo y la sexualidad. En particular, el personaje de Jo se considera una representación importante del cambio cultural que estaba ocurriendo en el Reino Unido de los años 60, donde los jóvenes comenzaron a rebelarse contra las convenciones sociales tradicionales.
La película fue aclamada por la crítica y ganó varios premios, incluyendo el BAFTA a la Mejor Película Británica y el Globo de Oro a la Mejor Actriz Revelación para Rita Tushingham. La película también tuvo un gran impacto en la cultura popular, inspirando canciones y obras de teatro posteriores.
This Sporting Life (1963)
Es una película británica de 1963 dirigida por Lindsay Anderson y escrita por David Storey, basada en la novela homónima de Storey.
La película cuenta la historia de Frank Machin, interpretado por Richard Harris, un jugador de rugby del norte de Inglaterra que sueña con triunfar en el mundo deportivo. Sin embargo, su personalidad agresiva y su comportamiento violento le causan problemas tanto en su vida privada como en su carrera deportiva.
Frank se enamora de una viuda, interpretada por Rachel Roberts, pero su relación está marcada por la insensibilidad de ella y la falta de habilidades comunicativas. Mientras tanto, el dueño del equipo de rugby, interpretado por Alan Badel, explota la habilidad de Frank para su propio beneficio personal, poniendo en duda su integridad como atleta.
La película fue aclamada por la crítica por su representación realista del mundo del rugby y las actuaciones de Harris y Roberts. Fue nominada a dos premios Óscar, incluyendo Mejor Actor para Richard Harris.
La película es considerada una de las obras maestras del cine británico de los años 60 e inspiró muchas películas deportivas posteriores.
Billy Liar (1963)
Es una película británica de 1963 dirigida por John Schlesinger y basada en la novela homónima de Keith Waterhouse. La película es una comedia negra que cuenta la historia de Billy Fisher, un joven empleado de una funeraria en un pequeño pueblo del norte de Inglaterra, que sueña con escapar del aburrimiento de su vida diaria y convertirse en escritor.
Billy es un mentiroso compulsivo que vive en un mundo imaginario propio, donde es un hombre exitoso y donde las mujeres compiten por su amor. Sin embargo, su vida real es muy diferente: aún vive con sus padres, su madre es opresiva y su padre es alcohólico. Billy también tiene una novia, Barbara, quien le propone que huyan juntos hacia una nueva vida en Londres.
La película explora las tensiones entre el deseo de Billy de escapar y la realidad de su vida. Billy se encuentra constantemente teniendo que elegir entre el sueño y la realidad, entre su imaginación y su vida diaria, entre el amor y la responsabilidad.
La película es conocida por su representación realista de la vida en la Gran Bretaña obrera de los años 60, así como por su icónica interpretación de Tom Courtenay como Billy. La película recibió críticas positivas y se convirtió en un clásico del cine británico.
If… (1968)
Es una película de 1968 dirigida por Lindsay Anderson. El guion fue escrito por David Sherwin y John Howlett y está ambientada en un internado inglés donde los estudiantes se rebelan contra la autoridad y el sistema opresivo que los rodea.
La película sigue la historia de tres estudiantes: Mick (interpretado por Malcolm McDowell), un chico rebelde que no se ajusta a las reglas del internado; Johnny (interpretado por David Wood), un chico que intenta encajar en el sistema, pero es constantemente humillado por los profesores; y Wallace (interpretado por Richard Warwick), un chico más joven que intenta encontrar su camino en el mundo.
La película es conocida por su audaz representación de la violencia juvenil y la rebelión. A medida que los estudiantes se rebelan contra las autoridades del internado, la película explora temas como la anarquía, el antiautoritarismo, la violencia y la libertad individual.
La película fue un gran éxito crítico y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 1969. También fue nominada a cuatro premios Óscar, incluyendo Mejor Director y Mejor Guion Original.
Fue una película innovadora para su época e inspiró muchas otras películas sobre la rebelión juvenil y la crítica al sistema. La película fue un hito importante para el movimiento punk de los años 70 e influyó en varios directores como Martin Scorsese y Quentin Tarantino.
Kes (1969)
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Kes es una película británica de 1969 dirigida por Ken Loach y escrita por Barry Hines. La película está basada en la novela de Hines, titulada «A Kestrel for a Knave». La trama sigue a un joven llamado Billy Casper (interpretado por David Bradley), que vive en un pequeño pueblo minero en South Yorkshire durante los años 60. Billy tiene una vida difícil, no tiene amigos y es acosado en la escuela. Pero su vida cambia cuando encuentra un joven cernícalo y decide entrenarlo.
La película aborda varios temas, incluyendo la pobreza, la opresión social, el desempleo, la falta de oportunidades y la lucha por la independencia. En particular, Kes explora la relación de Billy con el cernícalo, mostrando cómo la pasión del chico por entrenar aves le da un sentido de propósito y control sobre su vida.
La película fue aclamada por la crítica por su capacidad para mostrar la realidad de la vida de la clase trabajadora británica en los años 60 de manera cruda y realista. En particular, la actuación de David Bradley como Billy fue muy elogiada. Kes es considerada una de las mejores películas de Ken Loach y un clásico del cine británico.
Momma Don’t Allow (1956)
Es una película británica de 1956 dirigida por Karel Reisz y Tony Richardson. La película es una comedia musical que sigue a un grupo de jóvenes músicos que intentan abrirse camino en la industria musical británica de los años 50.
La trama de la película se centra en el personaje de Jeannie (interpretada por Sylvia Syms), una joven cantante que sueña con convertirse en una estrella de la música. Jeannie conoce a un grupo de músicos que tocan en un club local, incluyendo al guitarrista Paddy (interpretado por Melvyn Hayes) y al saxofonista Bert (interpretado por Cliff Richard). El grupo es descubierto por un productor discográfico, pero para firmar un contrato deben superar una serie de obstáculos y rivalidades.
El título de la película, «Momma Don’t Allow», proviene de una canción tradicional de jazz que aparece en el film. La canción se interpreta en varios momentos a lo largo de la película y se usa como un tema recurrente para unir las diferentes escenas.
La película fue una de las primeras en abordar la cultura juvenil británica de los años 50 y la incipiente escena musical del rock and roll. Recibió críticas positivas tras su estreno y ayudó a lanzar la carrera de Cliff Richard, quien alcanzó gran éxito como cantante y actor en las décadas siguientes.
Somos los chicos de Lambeth (1959)
Es un documental británico de 1959, dirigido por Karel Reisz. La película fue producida por Free Cinema, un movimiento cinematográfico británico de los años 50 que buscaba llevar la experiencia real a la pantalla.
El documental sigue a un grupo de adolescentes del distrito londinense de Lambeth mientras pasan su tiempo libre. Los chicos fueron seleccionados por una organización juvenil local, ‘Alford House’, y el film explora sus vidas diarias, sus aspiraciones, desafíos y sueños.
El documental se centra principalmente en los chicos, pero también aparecen algunas chicas de forma esporádica. Los jóvenes son retratados como inteligentes, encantadores y llenos de energía, pero también como personas que viven en condiciones difíciles y luchan contra las limitaciones sociales y económicas de su clase social.
La película fue aclamada por la crítica por su representación auténtica de la vida juvenil en el Londres de los años 50, y por la forma en que capturó la vitalidad y espontaneidad de sus protagonistas. También fue un éxito de taquilla, especialmente entre el público joven.
La película es un importante documento histórico de la vida de la clase trabajadora en Londres en los años 50, y ha inspirado muchos otros documentales sobre la cultura juvenil británica, incluyendo «Quadrophenia» de Franc Roddam.
La Calle Cantante (1952)
La Calle Cantante (1952) es una película musical dirigida por Jean Negulesco, protagonizada por la famosa cantante y actriz Doris Day. La película está ambientada en el Dublín de los años 20 y se centra en la vida de una familia irlandesa de clase trabajadora.
El joven protagonista de la película es Donal (interpretado por Gordon MacRae), un chico que desea convertirse en un músico y compositor exitoso. Sin embargo, su familia no aprueba su pasión por la música y lo obliga a trabajar en una fábrica de ladrillos.
A pesar de esto, Donal conoce a una joven y talentosa bailarina, interpretada por Doris Day, y juntos deciden formar una banda. Su música es bien recibida por el público y los dos amantes logran alcanzar su sueño.
La película es más conocida por sus numerosas canciones, incluyendo «I Love the Way You Say Goodnight», «Just One of Those Things» y «The Deadwood Stage (Whip-Crack-Away!)». El elenco también incluye a otras celebridades del cine de la época, como Gene Nelson, Anne Triola y James Barton.
La Calle Cantante fue bien recibida por críticos y público, convirtiéndose en una de las películas musicales más populares de los años 50. La película recibió tres nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo una a la Mejor Banda Sonora Original.
Marcha a Aldermaston (1959)
Es un documental británico de 1959 dirigido por Lindsay Anderson, con guion de Colin MacInnes y la participación de muchos activistas por la paz.
La película sigue la marcha pacífica de cuatro días de 1958 desde Trafalgar Square hasta Aldermaston, donde se encontraba la instalación de fabricación de armas nucleares del Reino Unido. La marcha fue organizada por el Movimiento Británico por el Desarme Nuclear (CND) y atrajo a más de 10,000 participantes de todo el Reino Unido.
La película es conocida por su estilo documental que incluye imágenes de manifestaciones contra la guerra, discursos de líderes del CND y discursos de personas famosas, incluyendo al actor Michael Redgrave y al poeta laureado John Masefield.
La película recibió elogios de la crítica y ayudó a aumentar la conciencia sobre el desarme nuclear en el Reino Unido. Se convirtió en un clásico del cine documental británico y fue proyectada en varios festivales de cine, incluyendo el Festival de Cine de Cannes de 1959.
The Knack …and How to Get It (1965)
Es una película británica de 1965 dirigida por Richard Lester. La trama sigue a un joven, Tolen (interpretado por Ray Brooks), que parece tener un «toque mágico» con las mujeres, y a su compañero de cuarto nerd, Colin (Michael Crawford), quien intenta aprender el arte de la seducción.
La película es conocida por su estilo visual peculiar e innovador, con fotografía en contraste y edición rápida que la convierten en un ejemplo del cine británico de los años 60. Además, la película contiene una banda sonora muy exitosa, con la canción «The Knack» de The Knack que le da título al film.
La película fue un éxito crítico y comercial, ganando la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1965. También fue una influencia importante para el movimiento English Free Cinema e inspiró muchas de las comedias británicas de las décadas de 1960 y 1970, como «Alfie» y «If…..
La película es una sátira social y sexual de la Inglaterra de los años 60, con un mensaje de liberación sexual y un desafío a las convenciones sociales de la época. Aunque algunos de sus chistes puedan parecer un poco anticuados o políticamente incorrectos hoy en día, la película sigue siendo una piedra angular del cine británico y una comedia entretenida y divertida.
Morgan: Un caso adecuado para el tratamiento (1966)
Es una película británica de 1966 dirigida por Karel Reisz y protagonizada por David Warner, Vanessa Redgrave y Robert Stephens. El guion fue escrito por David Mercer, basado en su obra teatral homónima.
La trama sigue a Morgan Delt (David Warner), un artista excéntrico y borderline, divorciado de su esposa Leonie (Vanessa Redgrave) a quien se le ha otorgado la custodia de su hijo. Morgan, incapaz de aceptar la situación, intenta de todas las maneras recuperar a Leonie, creando situaciones absurdas y desestabilizadoras para su familia y para sí mismo.
La película aborda temas como la alienación, la locura, la libertad personal y el deseo de redención. La actuación de David Warner en el papel principal fue aclamada por la crítica y recibió una nominación al Premio de la Academia como Mejor Actor.
Fue una película muy innovadora para su época, con un enfoque satírico y surrealista sobre el tema de la enfermedad mental, que aún estaba muy estigmatizada en esos años. La película se ha convertido en un película de culto e inspiró a muchos artistas y cineastas posteriores.
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