30 Beste Filme, die in Sizilien spielen

Sizilien ist keine Insel. Es ist ein filmisches Kontinent. Es gibt das ikonische Bild, das die Welt kennt, das der großen Meisterwerke, die es legendär gemacht haben – und hier findet man die grundlegenden Säulen. Aber dieser Leitfaden ist auch eine Gegenkartierung. Eine Reise zu einer anderen Insel, einem unbequemen, archaischen und metaphysischen Charakter.

Das wahre filmische Sizilien ist ein Fegefeuer, ein Freilufttheater des Absurden. Autorenkino hat nicht versucht, die Insel zu verkaufen, sondern sie zu verstehen, ein Fragment der Wahrheit daraus zu ringen. Dies ist kein einfacher Leitfaden, sondern ein Weg, der die berühmtesten Filme mit den radikalsten unabhängigen Produktionen verbindet.

Es ist eine Kartierung von Blicken: vom neorealistischen Klassenkampf Viscontis bis zum metaphysischen Gefängnis von Rossellini und Antonioni; von der anthropologischen Epik Vittorio De Setas bis zum postatomaren Alptraum von Ciprì und Maresco. Bis zu den heutigen aufstrebenden Regisseuren, die Horror und Fantasy nutzen, um eine Insel zu porträtieren, die erneut ein Laboratorium der Sprachen ist.

Die Ursprünge. Die metaphysische Insel

Bevor Sizilien zum touristischen Set wurde, war es das Laboratorium des Neorealismus und die Wiege des filmischen Modernismus. Autoren, die außerhalb der Studiologik arbeiteten, nutzten die sizilianische Landschaft nicht wegen ihrer Schönheit, sondern wegen ihrer brutalen Ehrlichkeit. Die Insel wurde zum Spiegel politischer Kämpfe, existenzieller Gefangenschaft und emotionaler Leere.

La Terra Trema (1948)

Eine Gruppe von Fischern in Aci Trezza, ausgebeutet von Großhändlern, versucht sich zu befreien, indem sie ein eigenes Geschäft gründen. Ihr Boot und ihr Zuhause sind verpfändet, doch das Meer und die Gesellschaft wenden sich gegen sie. Der Versuch scheitert, sie bleiben ärmer als zuvor und sind gezwungen, wieder für die gleichen Herren zu arbeiten, denen sie sich widersetzt hatten.

Ein neorealistisches Meisterwerk von Luchino Visconti, La Terra Trema ist die Antithese zum Studiokino. Vollständig in Aci Trezza mit lokalen Fischern gedreht, die im strengen Dialekt spielen (eine radikale politische Entscheidung für die damalige Zeit), verwandelt der Film Vergas Roman I Malavoglia in eine marxistische Epik. Sizilien ist hier kein angenehmer Ort, sondern eine Arena archaischen, unbeweglichen Klassenkampfes. Visconti nutzt die Meereslandschaft nicht wegen ihrer Schönheit, sondern als Symbol eines unveränderlichen Schicksals, einer Kraft, die Leben gibt und nimmt, und spiegelt die wirtschaftliche Unterdrückung wider, die die Protagonisten zerdrückt.

Stromboli (1950)

Karin, eine litauische Flüchtling (Ingrid Bergman), heiratet einen Fischer von der Insel Stromboli, um einem Internierungslager zu entkommen. Doch sie findet sich gefangen in einer wilden, primitiven und feindlichen Umgebung wieder, die vom Vulkan beherrscht wird. Unfähig sich zu integrieren und von der Natur sowie der verschlossenen Mentalität der Inselbewohner verängstigt, versucht sie eine verzweifelte Flucht über den Berg.

Stromboli markiert den Beginn der Zusammenarbeit zwischen Roberto Rossellini und Ingrid Bergman, ist aber vor allem ein bahnbrechendes Werk, ein „unabhängiger“ Film, der Neorealismus und psychologisches Drama verbindet. Die Insel ist eine Figur. Der Vulkan ist kein Hintergrund; er ist der Antagonist. Rossellini nutzt das vulkanische Sizilien der Äolischen Inseln, um einen Seelenzustand darzustellen: Es ist ein irdisches Fegefeuer, ein Ort der Sühne. Karins Kampf richtet sich nicht gegen die Gesellschaft (wie bei Visconti), sondern gegen Gott und die Natur, in einer metaphysischen Dimension, die nur eine so extreme Landschaft verkörpern kann.

L’Avventura (1960)

Während einer Bootsfahrt zu den Äolischen Inseln verschwindet eine junge Frau namens Anna auf mysteriöse Weise auf einer verlassenen Insel. Ihr Liebhaber Sandro und ihre beste Freundin Claudia beginnen, nach ihr zu suchen. Doch die Suche verwandelt sich bald in eine ziellose Reise durch Sizilien, während der sich zwischen den beiden eine Beziehung entwickelt, die von Leere und Entfremdung geprägt ist.

Das Meisterwerk von Michelangelo Antonioni und ein skandalöser Film, der das filmische Erzählen neu definierte. L’Avventura ist die Quintessenz des unabhängigen Autorenkinos. Antonioni nutzt Sizilien (die Äolischen Inseln, Noto, Taormina) auf revolutionäre Weise. Er ignoriert alle folkloristischen Klischees und konzentriert sich auf die trostlose Geometrie der Landschaft, die zum Spiegel der moralischen Krise und der emotionalen Leere der Protagonisten wird. Annas Verschwinden, das nie aufgeklärt wird, dient als Vorwand, die Unfähigkeit der Figuren zu zeigen, authentische Gefühle zu empfinden. Antonionis Sizilien ist ein metaphysischer, trockener, blendender Raum, in dem die barocke Architektur nur den inneren Verfall des Bürgertums hervorhebt.

Salvatore Giuliano (1962)

Der Film beginnt mit der Entdeckung der Leiche des sizilianischen Banditen Salvatore Giuliano im Jahr 1950 in Castelvetrano. Von dort aus verläuft die Erzählung in nicht-linearen Rückblenden und Vorausblenden, die die Ereignisse seines Lebens, das Massaker von Portella della Ginestra und die komplexen Verbindungen zwischen Banditentum, Mafia und Politik im Nachkriegs-Sizilien rekonstruieren und im Prozess von Viterbo gipfeln.

Ein fundamentales politisches Werk von Francesco Rosi, Salvatore Giuliano ist ein investigativer Film, der sich als Autorenkino tarnt. Rosi, der an den tatsächlichen Schauplätzen der Ereignisse (Montelepre, Castelvetrano) dreht und viele Laiendarsteller einsetzt, schafft ein Werk, das das Gegenteil eines biografischen Films ist. Giuliano ist fast abwesend, eine Phantomfigur. Der wahre Protagonist ist die sizilianische Landschaft: karg, staubig, von Kugeln durchlöchert. Rosi nutzt diesen Raum, um eine Insel zu zeigen, auf der die Wahrheit unerreichbar ist, begraben unter Schichten von Omertà, Korruption und Macht. Es ist eine unerbittliche Analyse Siziliens als Epizentrum der ungelösten Rätsel der Italienischen Republik.

Die verlorene Welt. Das anthropologische Epos von Vittorio De Seta

Niemand hat Sizilien so gefilmt wie Vittorio De Seta. Von Pasolini als „Dichter der Wahrheit“ und von Scorsese als „ein Anthropologe, der mit der Stimme eines Dichters spricht“ beschrieben, schuf De Seta zwischen 1954 und 1959 eine Reihe von unabhängigen sizilianischen Dokumentarfilmen (gesammelt in Die verlorene Welt), die reine Epik sind. In strahlendem Technicolor und Cinemascope drehend, hielt er eine vorindustrielle und ritualistische Welt im genauen Moment vor ihrem Verschwinden fest und schuf eine wahre „Mythologie der Arbeit“.

Lu tempu di li pisci spata (1954)

In den Gewässern der Straße von Messina üben Fischer die uralte und gefährliche Jagd auf Schwertfische aus. Hoch oben auf dem Mast hält ein Ausguck Ausschau über das Meer. Sobald die Beute gesichtet wird, nehmen die Boote (lontre) die Verfolgung auf. Der folgende Kampf ist ein gewalttätiges, archaisches Ritual, ein Duell zwischen Mensch und Tier.

Dieser Kurzfilm ist reine visuelle Poesie. De Seta nutzt gesättigtes Technicolor und das Cinemascope-Format nicht, um zu verschönern, sondern um einer brutalen Arbeit eine epische und fast mythische Dimension zu verleihen. Die „Zeit des Schwertes“ ist ein seit Jahrtausenden wiederholtes Ritual. De Seta konzentriert sich auf die Gesichter, die ritualistischen Gesten und die Erschöpfung, zeichnet die Gesänge und Geräusche ohne äußeren Kommentar auf. Es ist eine teilnehmende Beobachtung, die ein Fischerereignis zur griechischen Tragödie erhebt und eine Welt auf dem Rand des Verschwindens filmisch festhält.

Surfarara (1955)

Tief in den Schwefelminen des sizilianischen Hinterlands arbeiten Männer und Jungen unter unmenschlichen Bedingungen. Die Dokumentation begleitet die Bergleute vom Morgengrauen an, wie sie 500 Meter unter Tage hinabsteigen, das Gestein abbauen und an die Oberfläche bringen – in einem Arbeitszyklus, der unveränderlich und infernalisch erscheint.

Wenn Lu tempu ein Sonnenritual war, ist Surfarara ein Abstieg in die Hölle. De Seta bringt seine Kamera an einen Ort der Dunkelheit und Unterdrückung und dokumentiert eine fast feudale Ausbeutung. Das hier gezeigte Sizilien ist tausend Meilen entfernt von jeder touristischen Küste: Es ist ein trockenes, armes Inland. Der Einsatz von Ton ist meisterhaft: Die Stille wird nur durch das Geräusch von Spitzhacken, schwerem Atmen und melodischen Gesängen durchbrochen, die eher wie Klagelieder als Arbeitssongs klingen. De Seta fängt die uralte Kultur des Leidens ein.

Contadini del mare (1955)

An der Küste von Granitola bereiten sich die Fischer bei Tagesanbruch auf die „mattanza“, die Thunfischschlachtung, vor. Die Vorbereitung der Netze ist akribisch, ein kollektives Ritual. Das Warten wird durch die Sichtung der Thunfische unterbrochen, die in die „Kammer des Todes“ getrieben werden. Das Wasser färbt sich rot in einer Explosion ritueller Gewalt, die mit einem Dankgebet an Gott endet.

Ähnlich thematisch wie Lu tempu ist dieser Film noch stärker wie eine visuelle Symphonie des Todes strukturiert. De Seta filmt die Mattanza nicht mit einem sensationslüsternen Blick, sondern mit der Heiligkeit eines „schrecklichen und tödlichen Rituals“. Sizilien ist eine Arena, in der sich der Lebens-Todes-Zyklus mit urtümlicher Gewalt manifestiert. Der Einsatz rhythmischer Gesänge, die die Anstrengungen der Fischer begleiten, verwandelt die Arbeit in einen Totentanz. Es ist anthropologisches Kino, das das Epische im Alltag findet.

Pasqua in Sicilia (1955)

In San Fratello, einer Stadt in den Nebrodi-Bergen, verwandelt sich die Osterfeier in ein synkretistisches Ereignis. Während der Karfreitagsprozession wird die Passion Christi von karnevalsähnlichen Gestalten, den „Juden“, unterbrochen, die Trompeten blasen und die Zeremonie stören, wobei sie das Heilige und das Profane in einem chaotischen und uralten Ritual vermischen.

Hier erforscht De Seta den sizilianischen religiösen Synkretismus. Die Insel ist nicht nur Arbeit, sondern auch Ritual und Mystik. Der Film dokumentiert eine Form kulturellen Widerstands, in der heidnische und christliche Elemente verschmelzen. De Seta fängt die „Lebendigkeit einer unkontaminierten Kultur“ ein, die ihre Weltanschauung durch eine kollektive Aufführung ausdrückt. Es ist eine visuelle Analyse, wie Sizilien die Religion aufgenommen und zu einer einzigartigen und theatralischen Form umgearbeitet hat.

Pescherecci (1958)

Ein sizilianisches Fischerboot verlässt den Hafen zu einer Nacht des Fischfangs. Die Dokumentation folgt dem Leben an Bord: dem Auswerfen der Netze, dem geduldigen Warten, dem Einholen der Fische unter dem Licht der Lampen und der Rückkehr bei Tagesanbruch, womit der tägliche Überlebenszyklus geschlossen wird.

Drei Jahre nach den anderen sizilianischen Kurzfilmen gedreht, zeigt Pescherecci eine Entwicklung in De Setas Stil. Weniger fokussiert auf die rituelle Gewalt der Mattanza, ist es ein intimeres und nächtliches Porträt der Arbeit. Sizilien ist hier ein Raum der Dunkelheit und des Wartens. De Seta fängt die fast abstrakte Schönheit der Lichter auf dem Wasser und die stille Erschöpfung der Fischer ein. Es ist ein Zeugnis der Normalität der Mühsal, eine Elegie auf ein Handwerk, das die Identität der Insel prägt.

Parabola d’oro (1955)

Im sizilianischen Inland folgt die Dokumentation dem Zyklus der Weizenernte. Von der Morgendämmerung bis zum Abend arbeiten Bauern unter einer unerbittlichen Sonne mit Sicheln und alten Methoden. Der Weizen, das „Gold“ der Erde, wird mit Gesten geerntet, die seit Jahrhunderten identisch wiederholt werden, in einer trockenen und blendenden Landschaft.

Dieser Film ist das irdische Gegenstück zu den Filmen über das Meer. Die „Goldene Parabel“ ist der Weizen, aber auch die Parabel der biblischen Mühsal. De Seta nutzt die sonnenverbrannte, ausgedörrte Landschaft, um die Härte der landwirtschaftlichen Arbeit zu betonen. Das Binnenland Siziliens wird als ein Ort dargestellt, der „seit Jahrhunderten unverändert“ ist, wo die Beziehung zwischen Mensch und Land noch auf einem direkten, physischen Kampf beruht. Es ist der perfekte Abschluss des Zyklus Il mondo perduto, der die drei Säulen des archaischen Siziliens unsterblich macht: die Mine, das Meer, das Land.

Palermo Underground. Die groteske Ästhetik von Ciprì & Maresco

Wenn De Seta in der Vergangenheit Würde suchte, dokumentierten Daniele Ciprì und Franco Maresco das Ende aller Würde in der Gegenwart. Ihr Werk ist das wahre Underground-Kino Siziliens, ein frontal, fast pasolinianscher Angriff auf das versüßte Bild der Insel. Sie lehnen sowohl Nostalgie als auch Mafia-Epen ab; ihr Palermo ist ein „Albtraum-Universum“, eine „Kanalwelt“, die postapokalyptisch ist. Sie verwenden das Groteske, den Verfall und die Blasphemie als politische Akte, um eine Menschheit zu zeigen, die in einen animalischen Zustand zurückgefallen ist.

Cinico TV (1989–1992)

Eine Reihe von Kurzfilmen und Sketchen für das Fernsehen (Rai3). Sie spielen in einem gespenstischen Palermo und zeigen wiederkehrende Figuren (wie die Brüder Abbate oder Paviglianiti), die in surrealen, grotesken und nihilistischen Situationen gefangen sind. Alles gedreht in körnigem, schmutzigem Schwarzweiß.

Cinico TV ist das Labor, in dem Ciprì und Maresco ihre Ästhetik schmiedeten. Indem sie das Underground ins nationale Fernsehprogramm brachten, demontierten sie die Sprache des kleinen Bildschirms. Ihr Sizilien ist ein Nicht-Ort, eine existenzielle Peripherie, bevölkert von „Monstern“, die absurde Sätze murmeln. Es ist die totale Dekonstruktion allen Folklore, eine Vision, die die Ästhetik des Verfalls nutzt, um über die philosophische Leere der zeitgenössischen Menschheit zu sprechen, ausgehend von ihrem Epizentrum: Palermo.

Lo zio di Brooklyn (1995)

In einem trostlosen, peripheren Palermo muss ein Zwergenklan einen Phantom-„Onkel aus Brooklyn“ vor den Ambitionen eines rivalisierenden Bosses, Don Masino, schützen. Die Handlung, fast nicht existent, ist ein Vorwand für eine Reihe grotesker und surrealer Tableaus, die eine Menschheit in voller Regression zeigen.

Der erste Spielfilm des Duos ist „extrem und radikal“. Es ist ein kompromisslos unabhängiges Werk, das die Ästhetik von Cinico TV ins Kino bringt. Sizilien ist ein „Universum transgressiver Armut“, fotografiert im halluzinatorischen Schwarzweiß von Luca Bigazzi. Der Film ist eine „2001: Odyssee des Abschaums“, in dem die Mafia zu einer grotesken Farce zwischen Zwergen und Verkommenen reduziert wird. Er ist der Anti-Pate par excellence: Hier ist Macht nicht episch, sie ist einfach nur schäbig.

Totò, der zweimal lebte (1998)

Der Film, der in drei Episoden gegliedert ist, spielt in einem verfallenen Palermo. Die Geschichten verflechten einen Mafia-Boss namens Totò, einen modernen „armen Christus“, der in einer Höhle lebt, und die Erzählung eines alten Sodomiten. Es ist eine schonungslose Reflexion über Religion, Sexualität und Elend in einer hoffnungslosen Welt.

Dies ist ihr Meisterwerk und der Film, der ihren Status als Underground-Autoren festigte. Totò che visse due volte wurde wegen Verunglimpfung der Religion beschlagnahmt – ein klarer Fall von Zensur. Es ist ein Werk, das die christliche Ikonographie direkt angreift, indem es sie auf die „Kanalwelt“-Realität Palermos überlagert. Der Film verwendet Blasphemie als „poetische Geste“ und „politischen Akt“ und erinnert dabei an Pasolini. Sizilien ist eine materialistische Hölle, in der die „Verlockungen des Engelgleichen brutalisiert werden“ und es keine Möglichkeit der Erlösung gibt.

Die Rückkehr des Cagliostro (2003)

Ein Mockumentary, das die Geschichte der Brüder La Marca rekonstruiert, unwahrscheinliche Filmproduzenten, die in den 1950er Jahren versuchten, ein „sizilianisches Hollywood“ zu schaffen. Ihr Projekt gipfelt im Film „Die Rückkehr des Cagliostro“, einem katastrophalen Werk, das sie ins Verderben führt.

Nach Totò ändert das Duo den Stil, nicht aber die Substanz. Dieses Mockumentary nutzt Filmgeschichte als Metapher für das Scheitern Siziliens. Es ist eine Reflexion über das „Ende des Kinos“ und die Unmöglichkeit, Kultur in einem Land zu schaffen, das seine eigenen Träume verschlingt. Sizilien wird als Ort von Illusionisten und Versagern gesehen, wo jeder Versuch von Größe (das „sizilianische Hollywood“) dazu bestimmt ist, zur Farce zu werden. Es ist ein melancholisches und beißendes Werk über die verlorene kulturelle Identität der Insel.

Die Insel neu gedacht. Das neue sizilianische Independent-Kino

Ab den 1980er Jahren begann eine neue Generation unabhängiger sizilianischer Regisseure, die Insel auf innovative Weise zu nutzen und sich sowohl vom klassischen Neorealismus als auch vom Grotesken von Ciprì und Maresco zu entfernen. Sizilien wurde zu einem wahren Laboratorium der Genres: das Mafia-Musical, magischer Realismus, existenzieller Noir, der urbane Western und die anti-naturalistische literarische Adaption. Die Insel wird zu einer flexiblen Bühne, um Identität, Verlangen und Tod zu erforschen.

Kaos (1984)

Ein episodischer Film der Taviani-Brüder, basierend auf Luigi Pirandellos „Novelle per un anno“ (Geschichten für ein Jahr). Die Erzählungen („Der andere Sohn“, „Mondkrankheit“, „Das Gefäß“, „Requiem“) sind durch eine Krähe verbunden, die über eine archaische sizilianische Landschaft fliegt. Der Film erforscht Aberglaube, Wahnsinn, Eigentum und die Beziehung des Menschen zum Land.

Obwohl die Taviani Brüder etablierte Autoren sind, ist Kaos ein Werk mit einem zutiefst unabhängigen und anti-mainstream Geist. Es ist ein Eintauchen in Pirandellos Sizilien, eine magische und grausame Bauernwelt. Die Tavianis fangen eine mondäne Insel ein, auf der Leidenschaften elementar sind und Aberglaube das Leben beherrscht. Die Binnenlandschaft ist weder realistisch noch touristisch; sie ist eine literarische Landschaft, eine Freilichtbühne, auf der sich die Obsessionen der sizilianischen Identität, balancierend zwischen Wahnsinn und Klarheit, materialisieren.

Palombella Rossa (1989)

Michele Apicella, ein Funktionär der Italienischen Kommunistischen Partei, der an Amnesie leidet, findet sich in einem entscheidenden Wasserballspiel in einem Schwimmbad in Acireale, Sizilien, wieder. Während des Spiels tauchen Fragmente seiner politischen und persönlichen Vergangenheit wieder auf, während er versucht, sich daran zu erinnern, wer er ist und woran er glaubt.

Obwohl der Film von Nanni Moretti nur teilweise in Sizilien spielt, nutzt er die Insel als Raum der Krise und Dissoziation. Die sizilianische Reise zum Spiel wird zu einer Reise ins Unbewusste des Protagonisten. Sizilien wird nicht realistisch dargestellt, sondern ist der surreale Ort (ein chaotisches Schwimmbad), an dem die politische Ideologie (Kommunismus) einen Kurzschluss erleidet. Moretti wählt Acireale nicht wegen seines Barocks, sondern als Peripherie des ideologischen Imperiums, den perfekten Ort, um die Krise und den Identitätsverlust der italienischen Linken zu inszenieren.

Tano da morire (1997)

Tano Guarrasi, ein Metzger im Stadtteil Zen von Palermo, wird brutal ermordet. Während seine Familie die Beerdigung vorbereitet, rekonstruiert der Film sein Leben und seinen Aufstieg innerhalb der Mafia. Die Geschichte, inspiriert von wahren Begebenheiten, wird in Form eines poppigen und grotesken Musicals erzählt, komplett mit Liedern und Choreografien.

Roberta Torres beeindruckendes Spielfilmdebüt, Tano da morire, ist einer der radikalsten und innovativsten Filme über die Mafia. Unabhängig produziert, vollzieht der Film einen entweihenden Akt: Er verwandelt die Tragödie der Cosa Nostra in ein Musical. Das Sizilien des Stadtteils Zen in Palermo ist eine absurde Bühne, auf der Bosse und Handlanger singen und tanzen. Diese stilistische Wahl trivialisert die Mafia nicht, sondern demontiert ihre Mythologie: Sie entkleidet sie ihrer tragischen Aura und reduziert sie auf eine poppige, kitschige und tödliche Farce. Es ist eine kraftvolle kulturelle Dekonstruktion.

Tagebuch einer rebellischen Sizilianerin (1997)

Marco Amentas Dokumentarfilm rekonstruiert die wahre Geschichte von Rita Atria, einem 17-jährigen Mädchen aus einer Mafiafamilie in Partanna. Nach dem Mord an ihrem Vater und Bruder entscheidet sich Rita, die Omertà zu brechen und mit Richter Paolo Borsellino zusammenzuarbeiten, wobei sie die Geheimnisse des Clans offenlegt.

Vor dem Spielfilm drehte Amenta diesen grundlegenden unabhängigen sizilianischen Dokumentarfilm. Es ist ein rohes Werk, das durch Interviews und Archivmaterialien einer persönlichen Tragödie eine Stimme gibt. Das gezeigte Sizilien ist das der alltäglichen Mafia, der Provinz. Der Film ist entscheidend, weil er den Fokus von den Massakern auf die Zeugen verlagert und die menschlichen Kosten des Widerstands zeigt: Exil, Einsamkeit und Ablehnung durch die eigene Familie. Es ist ein intimes Porträt des Kampfes für Gerechtigkeit.

Sizilien! (1999)

Ein Mann, Silvestro, kehrt nach vielen Jahren aus Mailand in sein Heimatdorf in Sizilien zurück. Dort führt er ein langes und grundlegendes Gespräch mit seiner Mutter über Armut, die Untreue seines Vaters und ihr vergangenes Leben. Anschließend trifft er einen Orangenverkäufer, einen Messerschleifer und andere Figuren, auf einer fast abstrakten Reise.

Basierend auf Elio Vittorinis Gespräch in Sizilien ist dieser Film des franco-deutschen Duos Straub-Huillet die Apotheose des anti-spektakulären Autorenkinos. In strengem Schwarzweiß gedreht, mit Laienschauspielern, die auf nicht-naturalistische Weise rezitieren, ist der Film das Gegenteil von jeglichem Folklorismus. Sizilien wird auf sein Wesen reduziert: trockene Landschaften und Worte. Straub-Huillet nutzen die Insel als eine Brecht’sche Bühne, um Vittorinis Text zum Klingen zu bringen und ein politisches und philosophisches Werk über Erinnerung und die Würde der Arbeit zu schaffen.

Respiro (2002)

Auf Lampedusa ist Grazia (Valeria Golino) eine junge Mutter mit einem freien und „bizarren“ Geist. Ihr nonkonformes Verhalten wird von der geschlossenen Gemeinschaft der Insel nicht toleriert. Als ihr Ehemann, unter Druck der Dorfbewohner, beschließt, sie zur Behandlung nach Mailand zu schicken, flieht Grazia und versteckt sich in einer Höhle, unterstützt von ihrem Sohn Pasquale.

Produziert von Fandango, ist Respiro ein perfektes Beispiel für erfolgreiches unabhängiges Kino. Emanuele Crialese nutzt Lampedusa als urzeitliche Arena. Die blendende Schönheit des Meeres und der Klippen steht im Kontrast zur „unterdrückenden“ und grausamen Mentalität der Gemeinschaft. Der Film hat einen Ton von magischem Realismus, fast ein Märchen. Sizilien (Lampedusa) ist ein Ort der Schönheit, der keine Vielfalt zulässt; Grazias Freiheit (sie singt Patty Pravo) ist eine Bedrohung, die neutralisiert oder vertrieben werden muss.

L’isola (2003)

Auf der Insel Favignana erleben Turi und seine jüngere Schwester Teresa ihre Jugend. Das Leben ist geprägt von den Rhythmen des Meeres: der „Mattanza“, dem Fischfang und der Präsenz des Gefängnisses, dessen Insassen fast frei leben. Die Ankunft des Sommers und neuer Bewohner bringt Unruhe und zwingt die Jugendlichen zu einer vorzeitigen Reife.

Costanza Quatriglios Spielfilmdebüt, L’isola, ist eine „zeitgenössische Fabel und ein Dokumentarfilm.“ Der auf den Filmfestspielen von Cannes präsentierte Film nutzt Favignana als Mikrokosmos. Die Insel ist ein „natürliches Gefängnis“, nicht nur für die Insassen, sondern auch für die Bewohner. Quatriglio verbindet Fiktion und Dokumentation und zeigt die Härte des Lebens (die Mattanza) und die Geschwindigkeit, mit der Kinder das „Handwerk lernen“ müssen. Es ist ein lyrisches und schonungsloses Porträt einer Jugend, die an einem abgeschlossenen Ort lebt, dem Meer ausgeliefert.

Das sizilianische Mädchen (2008)

Eine fiktionalisierte Version der Geschichte von Rita Atria. Nach der Ermordung ihres mafiosen Vaters und Bruders entscheidet sich die siebzehnjährige Rita, Rache zu üben, indem sie ihre Tagebücher der Justiz übergibt und mit einem Richter zusammenarbeitet. Diese Entscheidung zwingt sie, sich von ihrer Familie zu lösen und unter Schutz zu leben.

Zehn Jahre nach seinem Dokumentarfilm kehrt Marco Amenta mit einem Spielfilm zur Geschichte von Rita Atria zurück. Obwohl die Produktion strukturierter ist (italienisch-französisch), bleibt der Ansatz unabhängig. Der Film dekonstruiert die Mafia aus der Perspektive einer Frau. Sizilien wird durch die Augen eines Mädchens gesehen, das den Ehrenkodex ablehnt. Es ist ein wichtiger Film, weil er die Mafia-Erzählung vom Epos der Bosse zur persönlichen Tragödie derjenigen verschiebt, die sich für die Gerechtigkeit entscheiden.

Viola di Mare (Lila Meer) (2009)

Im Sizilien des 19. Jahrhunderts erleben Angela und Sara eine lesbische Liebesgeschichte. Um die Beziehung zu retten und vor einem Skandal zu schützen, zwingt Angelas Vater sie, sich als Mann zu verkleiden und verwandelt sie in „Angelo“. Sie wird den Rest ihres Lebens mit einer männlichen Identität leben, in einer patriarchalen Welt, die ihr Verlangen nicht begreifen kann.

Regie führte Donatella Maiorca, basierend auf dem Roman Minchia di re von Giacomo Pilati. Viola di Mare ist ein entscheidender unabhängiger Film, weil er Siziliens Vergangenheit nutzt, um über Geschlechtsidentität zu sprechen. Die Insel des neunzehnten Jahrhunderts ist ein archaischer Ort, dominiert von absolutem Patriarchat. Der Film zeigt Sizilien als ein starres System sozialer Regeln, in dem der einzige Weg zur Freiheit totale Verstellung ist. Die Insel, schön und wild, wird zum Gefängnis für weibliche und queere Identität.

Via Castellana Bandiera (Eine Straße in Palermo) (2013)

In Palermo stehen sich zwei Frauen mit ihren Autos in einer engen Straße, der Via Castellana Bandiera, gegenüber. Weder Rosa, die mit ihrer Partnerin im Auto sitzt, noch die alte, eigensinnige Samira will zurücksetzen. Was als banaler Verkehrsstau beginnt, verwandelt sich in ein stummes, existenzielles und fast westernartiges Duell, das den ganzen Tag und die ganze Nacht dauert.

Das Regiedebüt der Dramatikerin Emma Dante ist ein Freiluft-Kammerstück. Produziert von Vivo Film und Wildside, handelt es sich um einen unabhängigen Film, der Dantes Theater ins Kino überträgt. Die Straßen von Palermo werden zur Bühne des Absurden. Sizilien ist ein Ort, an dem atavistische Sturheit und Stolz eine Banalität in eine Tragödie verwandeln. Dante analysiert die weibliche Existenz und Subalternität in einem Duell, das sowohl realistisch als auch zutiefst metaphorisch ist.

Salvo (2013)

Salvo ist ein Auftragskiller der Mafia von Palermo. Er betritt ein Haus, um einen Boss zu töten, und findet Rita, die blinde Schwester. Nach dem Mord richtet Salvo die Waffe auf sie, doch ein Wunder geschieht: Rita erlangt ihr Augenlicht zurück. Erschüttert entführt Salvo sie und beginnt eine Reise, die ihn dazu bringen wird, sein eigenes Leben zu hinterfragen.

Der erste Spielfilm von Fabio Grassadonia und Antonio Piazza, Salvo ist ein Noir, der das Genre transzendiert. Als Gewinner in Cannes nutzt der Film die Mafia als Kontext, doch das Herz der Geschichte ist ein „magisches“ Ereignis. Sizilien ist ein dunkles Labyrinth, fotografiert von Daniele Ciprì mit einer Ästhetik, die den Ultra-Realismus von Observationen mit dem Metaphysischen verbindet. Es ist ein Film über Gnade und die Möglichkeit der Erlösung in einer von Gewalt dominierten Welt, in der Sehen (und Bewusstsein) ein gefährliches Wunder ist.

L’attesa (Das Warten) (2015)

In einer alten sizilianischen Villa an den Hängen des Ätna wartet Anna (Juliette Binoche) auf ihren Sohn Giuseppe. Unerwartet kommt Jeanne, seine französische Freundin, an. Doch Giuseppe ist nicht da, und Anna, unfähig, eine schreckliche Wahrheit zu offenbaren, erzählt dem Mädchen, er werde bald zurückkehren. Die beiden Frauen beginnen ein schwebendes Zusammenleben und warten auf Ostern.

Das Debüt von Piero Messina, einem Schüler von Sorrentino, L’attesa ist ein unabhängiger Film mit internationalem Flair. Locker inspiriert von Pirandello nutzt der Film Sizilien auf fast gespenstische Weise. Die Villa ist ein Ort außerhalb der Zeit, eingehüllt in den Nebel des Ätna. Messina verwendet die Mystik und Rituale von Ostern nicht als Folklore, sondern um eine Atmosphäre metaphysischen Wartens zu schaffen. Es ist ein Film über Trauer und Selbsttäuschung, in dem die sizilianische Landschaft zur Projektion eines inneren Gemütszustands wird.

Aufkommende Blicke und internationale Visionen

Der abschließende Abschnitt untersucht die jüngsten Trends, die die Vitalität der sizilianischen Independent-Szene bestätigen. Ein doppelter Trend ist erkennbar. Einerseits nutzen ausländische Underground-Filme in Sizilien die Insel wegen ihres apokalyptischen und primitiven Werts. Andererseits eignen sich eine neue Generation von aufstrebenden Regisseuren aus Palermo und Catania „niedrige“ Genres (Horror, Fantasy, Animation) an, um lokale Geschichten mit einer universellen Sprache zu erzählen.

Confino (2016)

Ein animierter Kurzfilm. In Sizilien während der faschistischen Zeit wird ein Schattenspieler nach einer gewagten Verspottung Mussolinis während einer Vorstellung auf eine abgelegene Insel ins „confino“ (Exil) geschickt. Dort wird er in der Einsamkeit seine Kunst nutzen, um Widerstand zu leisten und eine Form von Freiheit zu finden.

Der mehrfach preisgekrönte unabhängige Kurzfilm aus Sizilien des sizilianischen Regisseurs Nico Bonomolo ist ein Juwel der unabhängigen Animation. Er ist bedeutsam, weil er eine Technik (Animation) verwendet, die selten mit Sizilien in Verbindung gebracht wird, um eine Geschichte politischen Widerstands zu erzählen. Die Gefängnisinsel, ein wiederkehrendes Motiv (siehe L’isola oder Stromboli), ist hier eine Metapher für das faschistische Exil. Bonomolo nutzt die visuelle Poesie der Schatten, um zu zeigen, wie Kunst (das Kino selbst) ein Werkzeug der Freiheit sein kann – selbst in der totalen Isolation.

Dio non ti odia (Lord Doesn’t Hate You) (2019)

Ein gequälter junger Mann, geplagt von einer spirituellen Krise und verstörenden Visionen, kämpft darum, seinen Platz in der Welt zu finden. Sein Abstieg in den Wahnsinn oder eine übernatürliche Realität spielt in einem bedrückenden, ländlichen Sizilien, wo die Grenze zwischen Glauben, Aberglaube und psychologischem Horror verschwimmt.

Regie führte der aufstrebende Regisseur aus Bagheria, Fabrizio La Monica. Dio non ti odia ist ein Beispiel für die neue sizilianische Underground-Welle. Als Gründer von Kàlama Film arbeitet La Monica im Low-Budget-Genrekino (definiert als „Drama-Horror-Fantasy“). Dieser Film nutzt Sizilien nicht für seine Sonne, sondern für seine Schatten. Es ist ein psychologischer Horror, der die lokale Landschaft verwendet, um universelle Themen wie Schuld und Glauben zu erforschen und die Vitalität einer Szene zu demonstrieren, die sich durch neue Sprachen ausdrückt.

Io sono Lucia (Ich bin Lucia) (2022)

Der Film des Regisseurs aus Catania, Danilo Arena, erzählt die Geschichte einer jungen Chinesin, die nach Sizilien kommt, und verwebt ihre Geschichte mit der eines lokalen Dichters. Der Film behandelt Themen wie Identität, Integration und den Zusammenprall verschiedener Kulturen vor dem Hintergrund des zeitgenössischen Siziliens.

Ausgezeichnet auf verschiedenen unabhängigen Festivals, repräsentiert Io sono Lucia einen wichtigen Zweig des neuen sizilianischen Kinos: die Geschichte des multikulturellen Siziliens. Regisseur Arena entfernt sich von klassischen Themen (Mafia, archaische Vergangenheit) und konzentriert sich auf die Gegenwart und die Begegnung (oder den Konflikt) zwischen lokaler Kultur und neuen Migrationen. Es ist unabhängiges Kino, das die Insel als soziales Labor nutzt und die Frage stellt, was „sizilianische Identität“ im 21. Jahrhundert bedeutet.

The End (2024)

Ein postapokalyptisches Musical. Eine wohlhabende Familie überlebt das Ende der Welt in einem luxuriösen unterirdischen Bunker. Das fragile Gleichgewicht dieses ritualisierten Lebens wird durch das Erscheinen eines Mädchens von draußen erschüttert, das die Realität der zerstörten Welt mitbringt und die Familiendynamik zerbricht.

Regie führte Joshua Oppenheimer mit den Hauptdarstellern Tilda Swinton und Michael Shannon. The End ist eine bedeutende internationale Autorenproduktion, die Sizilien aus einem bestimmten Grund gewählt hat. Der unterirdische Bunker des Films wurde in der Raffo-Mine im Herzen der Insel gedreht. Diese Wahl ist symbolisch: Sizilien ist nicht mehr nur die Insel der Sonne, sondern, wie De Seta bereits in Surfarara gespürt hatte, ein „unterirdischer“ Ort, ein irdischer Mutterleib. Oppenheimer nutzt die sizilianische Geologie als Schauplatz für einen Film über das Ende der Menschheit und verwandelt die Insel in die letzte apokalyptische Zuflucht.