30 Melhores Filmes Ambientados na Sicília

A Sicília não é uma ilha. É um continente cinematográfico. Existe a imagem icônica que o mundo conhece, aquela dos grandes clássicos que a tornaram lendária — e você encontrará aqui os pilares fundamentais. Mas este guia é também um contra-mapeamento. Uma viagem a uma ilha diferente, de caráter desconfortável, arcaico e metafísico.

A verdadeira Sicília cinematográfica é um purgatório, um teatro ao ar livre para o absurdo. O cinema autoral não tentou vender a ilha, mas compreendê-la, arrancar dela um fragmento de verdade. Este não é um guia simples, mas um caminho que une os filmes mais famosos às produções independentes mais radicais.

É um mapeamento de olhares: da luta de classes neorrealista de Visconti à prisão metafísica de Rossellini e Antonioni; da épica antropológica de Vittorio De Seta ao pesadelo pós-atômico de Ciprì e Maresco. Aos diretores emergentes de hoje que usam o horror e a fantasia para retratar uma ilha que é, mais uma vez, um laboratório de linguagens.

As Origens. A Ilha Metafísica

Antes de se tornar um cenário turístico, a Sicília foi o laboratório do Neorrealismo e o berço do Modernismo cinematográfico. Autores que, trabalhando fora da lógica dos estúdios, usaram a paisagem siciliana não por sua beleza, mas por sua brutal honestidade. A ilha tornou-se o espelho da luta política, do aprisionamento existencial e do vazio emocional.

La Terra Trema (1948)

Um grupo de pescadores em Aci Trezza, explorados por atacadistas, tenta se libertar abrindo seu próprio negócio. Seu barco e casa estão hipotecados, mas o mar e a sociedade se voltam contra eles. A tentativa fracassa, deixando-os mais pobres do que antes, forçados a voltar a trabalhar para os mesmos patrões que desafiaram.

Uma obra-prima neorrealista de Luchino Visconti, La Terra Trema é a antítese do cinema de estúdio. Filmado inteiramente em Aci Trezza com pescadores locais atuando em dialeto estrito (uma escolha política radical para a época), o filme transforma o romance de Verga I Malavoglia em uma épica marxista. A Sicília aqui não é um lugar agradável, mas uma arena de luta de classes arcaica e imóvel. Visconti usa a paisagem marítima não por sua beleza, mas como símbolo de um destino imutável, uma força que dá e tira a vida, espelhando a opressão econômica que esmaga os protagonistas.

Stromboli (1950)

Karin, uma refugiada lituana (Ingrid Bergman), casa-se com um pescador da ilha de Stromboli para escapar de um campo de internamento. No entanto, ela se vê prisioneira de um ambiente selvagem, primitivo e hostil, dominado pelo vulcão. Incapaz de se integrar e aterrorizada pela natureza e pela mentalidade fechada dos ilhéus, ela tenta uma fuga desesperada pela montanha.

Stromboli marca o início da colaboração entre Roberto Rossellini e Ingrid Bergman, mas é sobretudo uma obra inovadora, um filme “independente” que mistura neorrealismo e drama psicológico. A ilha é uma personagem. O vulcão não é um cenário; é o antagonista. Rossellini usa a Sicília vulcânica das Ilhas Eólias para representar um estado da alma: é um purgatório terrestre, um lugar de expiação. A luta de Karin não é contra a sociedade (como em Visconti), mas contra Deus e a Natureza, numa dimensão metafísica que só uma paisagem tão extrema poderia encarnar.

L’Avventura (1960)

Durante uma viagem de barco às Ilhas Eólias, uma jovem chamada Anna desaparece misteriosamente numa ilha deserta. Seu amante, Sandro, e sua melhor amiga, Claudia, começam a procurá-la. Mas a busca logo se transforma numa jornada errática pela Sicília, durante a qual se forma entre os dois uma relação marcada pelo vazio e pela alienação.

A obra-prima de Michelangelo Antonioni e um filme escandaloso que redefiniu a narrativa cinematográfica. L’Avventura é a quintessência do cinema autoral independente. Antonioni usa a Sicília (as Ilhas Eólias, Noto, Taormina) de forma revolucionária. Ele ignora todos os estereótipos folclóricos e foca na geometria desolada da paisagem, que se torna o espelho da crise moral e do vazio emocional dos protagonistas. O desaparecimento de Anna, que nunca é resolvido, é o pretexto para mostrar a incapacidade dos personagens de sentirem emoções autênticas. A Sicília de Antonioni é um espaço metafísico, árido e ofuscante, onde a arquitetura barroca apenas destaca a decadência interior da burguesia.

Salvatore Giuliano (1962)

O filme começa com a descoberta do corpo do bandido siciliano Salvatore Giuliano em 1950 em Castelvetrano. A partir daí, a narrativa avança em flashbacks e flash-forwards não lineares, reconstruindo os eventos de sua vida, o massacre de Portella della Ginestra e os complexos vínculos entre banditismo, máfia e política na Sicília do pós-guerra, culminando no julgamento de Viterbo.

Uma obra política fundamental de Francesco Rosi, Salvatore Giuliano é um filme investigativo disfarçado de cinema autoral. Rosi, filmando nos próprios locais dos eventos (Montelepre, Castelvetrano) e usando muitos atores não profissionais, cria uma obra que é o oposto de um filme biográfico. Giuliano está quase ausente, uma figura fantasma. O verdadeiro protagonista é a paisagem siciliana: árida, poeirenta, crivada de balas. Rosi usa esse espaço para mostrar uma ilha onde a verdade é inalcançável, enterrada sob camadas de omertà, corrupção e poder. É uma análise implacável da Sicília como epicentro dos mistérios não resolvidos da República Italiana.

O Mundo Perdido. A Épica Antropológica de Vittorio De Seta

Ninguém filmou a Sicília como Vittorio De Seta. Descrito por Pasolini como um “poeta da verdade” e por Scorsese como “um antropólogo que fala com a voz de um poeta”, De Seta criou, entre 1954 e 1959, uma série de documentários sicilianos independentes (reunidos em The Lost World) que são pura épica. Filmando em deslumbrante Technicolor e Cinemascope, ele capturou um mundo pré-industrial e ritualístico no exato momento antes de seu desaparecimento, criando uma verdadeira “mitologia do trabalho”.

Lu tempu di li pisci spata (1954)

Nas águas do Estreito de Messina, pescadores praticam a antiga e perigosa caça ao peixe-espada. Do alto do mastro, um vigia escaneia o mar. Uma vez que a presa é avistada, os barcos (lontre) dão a caça. A luta que se segue é um ritual violento e arcaico, um duelo entre homem e animal.

Este curta-metragem é pura poesia visual. De Seta usa Technicolor saturado e o formato Cinemascope não para embelezar, mas para dar uma dimensão épica e quase mitológica a um trabalho brutal. O “tempo da espada” é um rito repetido por milênios. De Seta foca nos rostos, nos gestos ritualísticos e na fadiga, registrando os cantos e sons sem comentários externos. É uma observação participativa que eleva um evento de pesca a uma tragédia grega, fixando no filme um mundo à beira do desaparecimento.

Surfarara (1955)

Nas profundezas das minas de enxofre do interior da Sicília, homens e meninos trabalham em condições desumanas. O documentário acompanha os mineiros desde o amanhecer enquanto descem 500 metros subterrâneos, extraem a rocha e a trazem à superfície, em um ciclo de trabalho que parece imutável e infernal.

Se Lu tempu era um ritual solar, Surfarara é uma descida ao inferno. De Seta leva sua câmera a um lugar de escuridão e opressão, documentando uma exploração quase feudal. A Sicília mostrada aqui está a milhas de qualquer costa turística: é um interior árido e pobre. O uso do som é magistral: o silêncio é quebrado apenas pelo ruído das picaretas, respiração pesada e cantos melódicos, que soam mais como lamentos do que canções de trabalho. De Seta captura a cultura ancestral do sofrimento.

Contadini del mare (1955)

Na costa de Granitola, ao amanhecer, os pescadores se preparam para a “mattanza”, o abate do atum. A preparação das redes é meticulosa, um ritual coletivo. A espera é quebrada pelo avistamento dos atuns, que são conduzidos para a “câmara da morte”. A água se torna vermelha em uma explosão de violência ritual, que termina com um agradecimento a Deus.

Semelhante em tema a Lu tempu, este filme é ainda mais estruturado como uma sinfonia visual da morte. De Seta filma a mattanza não com um olhar sensacionalista, mas com a sacralidade de um “rito terrível e mortal”. A Sicília é uma arena onde o ciclo vida-morte se manifesta com violência primordial. O uso de cânticos rítmicos que acompanham os esforços dos pescadores transforma o trabalho em uma dança da morte. É um cinema antropológico que encontra o épico na realidade cotidiana.

Pasqua in Sicilia (1955)

Em San Fratello, uma cidade nas montanhas Nebrodi, a celebração da Páscoa se transforma em um evento sincrético. Durante a procissão da Sexta-feira Santa, a paixão de Cristo é interrompida por figuras carnavalescas, os “Judeus”, que tocam trombetas e perturbam a cerimônia, misturando o sagrado e o profano em um ritual caótico e ancestral.

Aqui De Seta explora o sincretismo religioso siciliano. A ilha não é apenas trabalho, mas também ritual e misticismo. O filme documenta uma forma de resistência cultural onde elementos pagãos e cristãos se fundem. De Seta capta a “vitalidade de uma cultura incontaminada” que expressa sua visão de mundo através de uma performance coletiva. É uma análise visual de como a Sicília absorveu e reelaborou a religião em uma forma única e teatral.

Pescherecci (1958)

Um barco de pesca siciliano parte do porto para uma noite de pesca. O documentário acompanha a vida a bordo: o lançamento das redes, a espera paciente, a recolha dos peixes sob a luz das lâmpadas, e o retorno para casa ao primeiro clarão da aurora, fechando o ciclo diário de sobrevivência.

Filmado três anos após os outros curtas sicilianos, Pescherecci mostra uma evolução no estilo de De Seta. Menos focado na violência ritual da mattanza, é um retrato mais íntimo e noturno do trabalho. A Sicília aqui é um espaço de escuridão e espera. De Seta capta a beleza quase abstrata das luzes na água e o cansaço silencioso dos pescadores. É um testemunho da normalidade do labor, uma elegia para um ofício que define a identidade da ilha.

Parabola d’oro (1955)

No interior da Sicília, o documentário acompanha o ciclo da colheita do trigo. Do amanhecer ao anoitecer, os camponeses trabalham sob um sol implacável, usando foices e métodos antigos. O trigo, o “ouro” da terra, é colhido com gestos que se repetem idênticos há séculos, em uma paisagem árida e ofuscante.

Este filme é o contraponto terrestre aos filmes sobre o mar. A “Parábola Dourada” é o trigo, mas também a parábola do trabalho bíblico. De Seta usa a paisagem ensolarada e ressequida para enfatizar a dureza do trabalho agrícola. O interior da Sicília é apresentado como um lugar “inalterado por séculos”, onde a relação entre o homem e a terra ainda se baseia numa luta direta e física. É a conclusão perfeita do ciclo Il mondo perduto, imortalizando os três pilares da Sicília arcaica: a mina, o mar, a terra.

Palermo Underground. A Estética Grotesca de Ciprì & Maresco

Se De Seta buscava dignidade no passado, Daniele Ciprì e Franco Maresco documentaram o fim de toda dignidade no presente. O deles é o verdadeiro cinema underground siciliano, um ataque frontal, quase pasoliniano, à imagem adoçada da ilha. Rejeitando tanto a nostalgia quanto os épicos da máfia, seu Palermo é um “universo de pesadelo”, um “mundo de esgoto” pós-apocalíptico. Eles usam o grotesco, a decadência e a blasfêmia como atos políticos para mostrar uma humanidade regredida a um estado animalístico.

Cinico TV (1989-1992)

Uma série de curtas-metragens e esquetes feitos para televisão (Rai3). Ambientados numa Palermo espectral, apresentam personagens recorrentes (como os irmãos Abbate ou Paviglianiti) presos em situações surreais, grotescas e niilistas. Tudo filmado em preto e branco granulado e sujo.

Cinico TV é o laboratório onde Ciprì e Maresco forjaram sua estética. Ao levar o underground para a programação da televisão nacional, desmontaram a linguagem da pequena tela. Sua Sicília é um não-lugar, uma periferia existencial povoada por “monstros” que murmuram frases absurdas. É a desconstrução total de todo folclore, uma visão que usa a estética da decadência para falar do vazio filosófico da humanidade contemporânea, partindo de seu epicentro: Palermo.

Lo zio di Brooklyn (1995)

Num Palermo desolado e periférico, um clã de Anões deve proteger um fantasma, o “tio do Brooklyn”, das ambições de um chefe rival, Don Masino. A trama, quase inexistente, é um pretexto para uma série de quadros grotescos e surreais que mostram uma humanidade em plena regressão.

O primeiro longa-metragem da dupla é “extremo e radical”. É uma obra ferozmente independente que traz a estética de Cinico TV para o cinema. A Sicília é um “universo de pobreza transgressora” fotografado no preto e branco alucinatório de Luca Bigazzi. O filme é uma “2001: Uma Odisseia do Escárnio”, onde a máfia é reduzida a uma farsa grotesca entre anões e deserdados. É o anti-Padrinho por excelência: aqui, o poder não é épico, é apenas sórdido.

Totò que viveu duas vezes (1998)

Dividido em três episódios, o filme se passa em uma Palermo degradada. As histórias entrelaçam um chefe da máfia chamado Totò, um moderno “Cristo pobre” que vive em uma caverna, e o conto de um velho sodomita. É uma reflexão crua sobre religião, sexualidade e miséria em um mundo sem esperança.

Esta é a obra-prima deles e o filme que consolidou seu status de autores underground. Totò che visse due volte foi apreendido por vilipêndio à religião, um claro caso de censura. É uma obra que ataca diretamente a iconografia cristã, sobrepondo-a à realidade do “mundo esgoto” de Palermo. O filme usa a blasfêmia como um “gesto poético” e “ato político”, ecoando Pasolini. A Sicília é um inferno materialista, onde os “encantos do angélico são brutalizados” e não há possibilidade de redenção.

Il ritorno di Cagliostro (2003)

Um mockumentário que reconstrói a história dos irmãos La Marca, improbáveis produtores de cinema que, nos anos 1950, tentaram criar um “Hollywood siciliano”. Seu projeto culmina no filme “Il ritorno di Cagliostro”, uma obra desastrosa que os leva à ruína.

Após Totò, a dupla muda de registro, mas não de substância. Este mockumentário usa a história do cinema como metáfora para o fracasso siciliano. É uma reflexão sobre o “fim do cinema” e a impossibilidade de criar cultura em uma terra que devora seus próprios sonhos. A Sicília é vista como um lugar de ilusionistas e fracassos, onde toda tentativa de grandeza (o “Hollywood siciliano”) está destinada a se transformar em farsa. É uma obra melancólica e cáustica sobre a identidade cultural perdida da ilha.

A Ilha Reimaginada. O Novo Cinema Independente Siciliano

A partir da década de 1980, uma nova geração de diretores independentes sicilianos começou a usar a ilha de maneiras inovadoras, afastando-se tanto do neorrealismo clássico quanto do grotesco de Ciprì e Maresco. A Sicília tornou-se um verdadeiro laboratório de gêneros: o musical mafioso, o realismo mágico, o noir existencial, o western urbano e a adaptação literária antinaturalista. A ilha torna-se um palco flexível para explorar identidade, desejo e morte.

Kaos (1984)

Um filme episódico dos irmãos Taviani, baseado em “Novelle per un anno” (Novelas para um Ano) de Luigi Pirandello. Os contos (“O Outro Filho”, “Doença da Lua”, “O Pote”, “Réquiem”) são conectados por um corvo que voa sobre uma paisagem siciliana arcaica. O filme explora superstição, loucura, propriedade e a relação do homem com a terra.

Embora os Taviani sejam autores consagrados, Kaos é uma obra com um espírito profundamente independente e anti-mainstream. É uma imersão na Sicília de Pirandello, um mundo camponês mágico e cruel. Os Taviani capturam uma ilha lunar, onde as paixões são elementares e a superstição governa a vida. A paisagem do interior não é realista nem turística; é uma paisagem literária, um cenário ao ar livre onde se materializam as obsessões da identidade siciliana, entre a loucura e a lucidez.

Palombella Rossa (1989)

Michele Apicella, um executivo do Partido Comunista Italiano que sofre de amnésia, encontra-se jogando uma partida decisiva de polo aquático em uma piscina em Acireale, Sicília. Durante o jogo, fragmentos de seu passado político e pessoal ressurgem enquanto ele tenta lembrar quem é e no que acredita.

Embora ambientado apenas parcialmente na Sicília, o filme de Nanni Moretti usa a ilha como um espaço de crise e dissociação. A viagem à Sicília para a partida torna-se uma jornada no inconsciente do protagonista. A Sicília não é representada realisticamente, mas é o lugar surreal (uma piscina caótica) onde a ideologia política (Comunismo) entra em curto-circuito. Moretti escolhe Acireale não pelo seu barroco, mas como uma periferia do império ideológico, o lugar perfeito para encenar a crise e a perda de identidade da esquerda italiana.

Tano da morire (1997)

Tano Guarrasi, um açougueiro no bairro Zen de Palermo, é brutalmente assassinado. Enquanto sua família prepara o funeral, o filme reconstrói sua vida e sua ascensão dentro da máfia. A história, inspirada em eventos reais, é contada na forma de um musical pop e grotesco, completo com canções e coreografias.

Roberta Torre estreia de forma impressionante com Tano da morire, um dos filmes mais radicais e inovadores sobre a máfia. Produzido de forma independente, o filme realiza um ato de profanação: transforma a tragédia da Cosa Nostra em um musical. A Sicília do bairro Zen de Palermo é um palco absurdo onde chefes e capangas cantam e dançam. Essa escolha estilística não trivializa a máfia, mas sim desmonta sua mitologia: despoja-a de sua aura trágica e a reduz a uma farsa pop, kitsch e mortal. É uma poderosa desconstrução cultural.

Diário de uma siciliana rebelde (1997)

O documentário de Marco Amenta reconstrói a verdadeira história de Rita Atria, uma jovem de 17 anos de uma família mafiosa de Partanna. Após o assassinato de seu pai e irmão, Rita decide romper a omertà e colaborar com o juiz Paolo Borsellino, revelando os segredos do clã.

Antes do filme de ficção, Amenta fez este fundamental documentário independente siciliano. É uma obra crua que, por meio de entrevistas e materiais de arquivo, dá voz a uma tragédia pessoal. A Sicília mostrada é a da máfia cotidiana, da província. O filme é crucial porque desloca o foco dos massacres para as testemunhas, mostrando o custo humano da rebelião: exílio, solidão e rejeição pela própria família. É um retrato íntimo da luta por justiça.

Sicília! (1999)

Um homem, Silvestro, retorna de Milão para sua aldeia natal na Sicília após muitos anos. Lá, ele tem uma longa e fundamental conversa com sua mãe sobre pobreza, a infidelidade do pai e a vida passada deles. Depois, encontra um vendedor de laranjas, um afiador de facas e outros personagens, em uma jornada quase abstrata.

Baseado em Elio Vittorini e sua Conversação na Sicília, este filme da dupla franco-alemã Straub-Huillet é a apoteose do cinema autoral anti-espetacular. Filmado em rigoroso preto e branco, com atores não profissionais recitando de forma não naturalista, o filme é o oposto de qualquer folclorismo. A Sicília é reduzida à sua essência: paisagens áridas e palavras. Straub-Huillet usam a ilha como um palco brechtiano para fazer ressoar o texto de Vittorini, criando uma obra política e filosófica sobre memória e a dignidade do trabalho.

Respiro (2002)

Em Lampedusa, Grazia (Valeria Golino) é uma jovem mãe com um espírito livre e “bizarro”. Seu comportamento não-conformista não é tolerado pela comunidade fechada da ilha. Quando seu marido, pressionado pelos moradores, decide enviá-la para Milão para tratamento, Grazia foge e se esconde em uma caverna, auxiliada por seu filho Pasquale.

Produzido pela Fandango, Respiro é um exemplo perfeito de sucesso do cinema independente. Emanuele Crialese usa Lampedusa como uma arena primordial. A beleza ofuscante do mar e dos penhascos contrasta com a mentalidade “opressora” e cruel da comunidade. O filme tem um tom de realismo mágico, quase um conto de fadas. A Sicília (Lampedusa) é um lugar de beleza que não permite diversidade; a liberdade de Grazia (cantando Patty Pravo) é uma ameaça que deve ser neutralizada ou expulsa.

L’isola (2003)

Na ilha de Favignana, Turi e sua irmã mais nova Teresa vivem sua adolescência. A vida é marcada pelos ritmos do mar: a “Mattanza”, a pesca e a presença da prisão cujos detentos vivem quase livremente. A chegada do verão e dos recém-chegados traz turbulência, forçando os jovens a uma maturação prematura.

Costanza Quatriglio estreia com o longa L’isola, uma “fábula contemporânea e documentário.” Apresentado em Cannes, o filme usa Favignana como um microcosmo. A ilha é uma “prisão natural” não apenas para os detentos, mas também para os habitantes. Quatriglio mistura ficção e documentário, mostrando a dureza da vida (a Mattanza) e a rapidez com que as crianças devem “aprender o ofício.” É um retrato lírico e austero de uma adolescência vivida em um lugar fechado, à mercê do mar.

A Garota Siciliana (2008)

Uma versão ficcionalizada da história de Rita Atria. Após o assassinato de seu pai mafioso e de seu irmão, Rita, de dezessete anos, decide buscar vingança entregando seus diários ao sistema judiciário e colaborando com um juiz. Essa escolha a obriga a romper com sua família e viver sob proteção.

Dez anos após seu documentário, Marco Amenta retorna à história de Rita Atria com um filme de ficção. Embora a produção seja mais estruturada (italiano-francesa), a abordagem permanece independente. O filme desconstrói a máfia do ponto de vista feminino. A Sicília é vista pelos olhos de uma garota que rejeita seu código de honra. É um filme importante porque desloca a narrativa da máfia da épica dos chefes para a tragédia pessoal daqueles que escolhem a justiça.

Viola di Mare (Mar Roxo) (2009)

Na Sicília do século XIX, Angela e Sara vivem uma história de amor lésbica. Para salvar o relacionamento e protegê-lo do escândalo, o pai de Angela a obriga a se disfarçar de homem, transformando-a em “Angelo.” Ela viverá o resto da vida com uma identidade masculina, em um mundo patriarcal que não pode conceber seu desejo.

Dirigido por Donatella Maiorca e baseado no romance Minchia di re de Giacomo Pilati, Viola di Mare é um filme independente crucial por como usa o passado da Sicília para falar sobre identidade de gênero. A ilha do século XIX é um lugar arcaico, dominado pelo patriarcado absoluto. O filme mostra a Sicília como um sistema rígido de regras sociais onde o único caminho para a liberdade é a dissimulação total. A ilha, bela e selvagem, torna-se uma prisão para a identidade feminina e queer.

Via Castellana Bandiera (Uma Rua em Palermo) (2013)

Em Palermo, duas mulheres dirigindo dois carros se enfrentam em uma rua estreita, Via Castellana Bandiera. Nem Rosa, no carro com sua parceira, nem a velha e teimosa Samira querem dar ré. O que começa como um trivial engarrafamento se transforma em um duelo mudo, existencial e quase ao estilo western que dura o dia todo e a noite inteira.

O debut como diretor da dramaturga Emma Dante, o filme é uma peça de câmara ao ar livre. Produzido pela Vivo Film e Wildside, é um filme independente que transpõe o teatro de Dante para o cinema. A rua de Palermo torna-se um palco para o absurdo. A Sicília é um lugar onde a teimosia e o orgulho atávicos transformam uma banalidade em tragédia. Dante analisa a condição feminina e a subalternidade, em um duelo que é ao mesmo tempo realista e profundamente metafórico.

Salvo (2013)

Salvo é um assassino de aluguel da máfia de Palermo. Ele entra em uma casa para matar um chefe e encontra Rita, a irmã cega. Após o assassinato, Salvo aponta a arma para ela, mas acontece um milagre: Rita recupera a visão. Abalado, Salvo a sequestra, iniciando uma jornada que o levará a questionar sua própria vida.

O primeiro longa de Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, Salvo é um noir que transcende o gênero. Vencedor em Cannes, o filme usa a máfia como contexto, mas o coração da história é um evento “mágico”. A Sicília é um labirinto sombrio, fotografado por Daniele Ciprì com uma estética que funde o ultra-realismo das vigílias com o metafísico. É um filme sobre graça e a possibilidade de redenção em um mundo dominado pela violência, onde a visão (e a consciência) é um milagre perigoso.

L’attesa (A Espera) (2015)

Em uma antiga vila siciliana nas encostas do Monte Etna, Anna (Juliette Binoche) espera seu filho, Giuseppe. Inesperadamente, Jeanne, sua namorada francesa, chega. Mas Giuseppe não está lá, e Anna, incapaz de revelar uma terrível verdade, diz à jovem que ele voltará em breve. As duas mulheres iniciam uma convivência suspensa, aguardando a Páscoa.

O longa de estreia de Piero Messina, aluno de Sorrentino, L’attesa é um filme independente com um toque internacional. Livremente inspirado em Pirandello, o filme usa a Sicília de forma quase espectral. A vila é um lugar fora do tempo, envolto na névoa do Etna. Messina utiliza o misticismo e os rituais da Páscoa não para o folclore, mas para criar uma atmosfera de espera metafísica. É um filme sobre luto e autoengano, onde a paisagem siciliana torna-se a projeção de um estado interior da mente.

Olhares Emergentes e Visões Internacionais

A seção final explora as tendências mais recentes, que confirmam a vitalidade da cena independente siciliana. Um duplo movimento é perceptível. Por um lado, filmes underground estrangeiros na Sicília usam a ilha por seu valor apocalíptico e primordial. Por outro, uma nova geração de diretores emergentes de Palermo e Catânia está apropriando-se de gêneros “baixos” (terror, fantasia, animação) para contar histórias locais com uma linguagem universal.

Confino (2016)

Um curta-metragem animado. Na Sicília durante o período fascista, um artista de sombras chinesas é enviado para o “confino” (exílio) em uma ilha remota após ousar zombar de Mussolini durante um espetáculo. Lá, na solidão, ele usará sua arte para resistir e encontrar uma forma de liberdade.

O premiado curta-metragem independente da Sicília do diretor siciliano Nico Bonomolo é uma joia da animação independente. É significativo porque utiliza uma técnica (animação) raramente associada à Sicília para contar uma história de resistência política. A ilha-prisão, um tema recorrente (veja L’isola ou Stromboli), é aqui uma metáfora para o exílio fascista. Bonomolo usa a poesia visual das sombras para mostrar como a arte (o próprio cinema) pode ser uma ferramenta de liberdade mesmo no isolamento mais total.

Dio non ti odia (Lord Doesn’t Hate You) (2019)

Um jovem atormentado, afligido por uma crise espiritual e visões perturbadoras, luta para encontrar seu lugar no mundo. Sua descida à loucura ou a uma realidade sobrenatural se passa em uma Sicília rural e opressiva, onde a linha entre fé, superstição e horror psicológico se torna tênue.

Dirigido pelo emergente diretor de Bagheria, Fabrizio La Monica, Dio non ti odia é um exemplo da nova onda underground siciliana. Fundador da Kàlama Film, La Monica atua no cinema de gênero de baixo orçamento (definido como “drama-horror-fantasia”). Este filme usa a Sicília não pelo seu sol, mas por suas sombras. É um horror psicológico que utiliza a paisagem local para explorar temas universais como culpa e fé, demonstrando a vitalidade de uma cena que se expressa por meio de novas linguagens.

Io sono Lucia (Eu sou Lucia) (2022)

O filme do diretor catanês Danilo Arena conta a história de uma jovem chinesa que chega à Sicília, entrelaçando sua história com a de um poeta local. O filme explora temas como identidade, integração e o choque entre diferentes culturas, no contexto da Sicília contemporânea.

Premiado em vários festivais independentes, Io sono Lucia representa uma importante vertente do novo cinema siciliano: a história da Sicília multicultural. O diretor Arena afasta-se dos temas clássicos (máfia, passado arcaico) para focar no presente e no encontro (ou choque) entre a cultura local e as novas migrações. É um cinema independente que usa a ilha como laboratório social, questionando o que significa “identidade siciliana” no século XXI.

The End (2024)

Um musical pós-apocalíptico. Uma família rica sobrevive ao fim do mundo em um luxuoso bunker subterrâneo. O delicado equilíbrio dessa vida ritualística é quebrado pela chegada de uma garota do exterior, que traz consigo a realidade do mundo destruído e fractura a dinâmica familiar.

Dirigido por Joshua Oppenheimer e estrelado por Tilda Swinton e Michael Shannon, The End é uma grande produção internacional de autor que escolheu a Sicília por um motivo específico. O bunker subterrâneo do filme foi filmado na mina Raffo, no coração da ilha. Essa escolha é simbólica: a Sicília não é mais apenas a ilha do sol, mas, como De Seta já havia percebido em Surfarara, é um lugar “subterrâneo”, um útero terrestre. Oppenheimer usa a geologia siciliana como cenário para um filme sobre o fim da humanidade, transformando a ilha no último refúgio apocalíptico.