Frauenfilme, die die Kinogeschichte veränderten

Das Kino hat von seinen Anfängen an das weibliche Gesicht als seinen mächtigsten Spiegel genutzt, der ganze Welten von Schönheit, Schmerz und Rebellion auszudrücken vermag. Die kollektive Vorstellungskraft ist geprägt von unvergesslichen weiblichen Figuren: Action-Heldinnen, die Stärke neu definieren, romantische Ikonen, die von Freiheit träumen, und Protagonistinnen von Geschichten des Triumphs gegen alle Widrigkeiten. Diese monumentalen Werke haben universelle Mythen geschaffen.

Doch jenseits dieser Figuren existiert ein Universum komplexerer Geschichten, oft fernab des Rampenlichts erzählt. Es ist ein Kino, das sich nicht damit begnügt, die Frau als „Muse“ zu zeigen, sondern sie als „Schöpferin“ erforscht, ihre Psyche, ihren Kampf um Selbstbestimmung und ihre einzigartige Stimme untersucht. Es ist ein Kino, das stille Rebellion, fragmentierte Identität und komplexe Machtverhältnisse thematisiert.

Dieser Leitfaden ist eine Reise durch das gesamte Spektrum weiblicher Darstellung. Es ist ein Weg, der die großen Meisterwerke, die das Genre definierten, mit den mutigsten unabhängigen Werken verbindet. Ein vollständiges Porträt der weiblichen Existenz, eingefangen durch die Kamera, das erforscht, was es bedeutet, Frau, Mutter, Künstlerin oder Rebellin zu sein – in all ihrer großartigen und widersprüchlichen Komplexität.

Frauen in Filmen an den Anfängen des Kinos

Eine der Pionierinnen in der Geschichte des Kinos war Alice Guy, die als erste Regisseurin anerkannt ist, die Spielfilme schuf. Sie besuchte Vorführungen der Brüder Lumière in Paris und glaubte, dass das Kino nicht nur dokumentarisches und wissenschaftliches Potenzial besaß, sondern vor allem erzählerisches Potenzial. Von dieser bemerkenswerten Erfindung fasziniert, suchte sie schnell nach Möglichkeiten in der aufstrebenden Filmindustrie.

Alice arbeitete zunächst als Sekretärin für Gaumont-Kamerahändler, bevor sie zu einer der bedeutendsten Persönlichkeiten des französischen Kinos wurde. Sie begann ihre Karriere als Regisseurin von Reproduktionen und wechselte später zur Filmregie. Ihr erster Film, Die Kohlfee, wurde 1896 veröffentlicht, gefolgt von vielen weiteren bemerkenswerten Werken. 1907 zog sie mit ihrem Ehemann in die Vereinigten Staaten und gründete dort ihre eigene Produktionsfirma.

Sehen Sie Alice Guy Blanche

Frauenfilme: Helene Gardner

Eine weitere wichtige Figur in der Entwicklung der Filmgeschichte war Helen Gardner. Ihr wird die Schöpfung des Prototyps der Femme Fatale zugeschrieben, wobei sie oft Frauen mit starken, komplexen Charakteren darstellte.

Helene Gardner war nicht nur Schauspielerin; sie hatte eine tiefe Liebe zum Kino. Tatsächlich war sie auch Produzentin, Bühnenbildnerin, Kostümbildnerin und Cutterin der Filme, in denen sie auftrat. Eine Künstlerin, die sich vollständig durch den Film ausdrückte, gehörte sie zu den Pionierinnen, die sich Spielfilmen widmeten, zu einer Zeit, als diese noch relativ unbekannt waren.

Mabel Normand war einer der ersten Filmstars. Sie spielte mehrere Rollen in den ersten Filmen von Charlie Chaplin und trug so zu seinem Erfolg bei. Filme, bei denen sie auch als Drehbuchautorin und Regisseurin tätig war. Sie starb im Alter von 37 Jahren. Ein Stern auf dem Hollywood Walk of Fame ist ihr gewidmet. 

Frauen im Film: Julia ⁢Crawford ⁣Ivers

Julia‌ Crawford⁤ Ivers war eine der Pionierinnen Hollywoods als Regisseurin und Drehbuchautorin während der Umwandlung des Los Angeles-Gebiets von einer kargen Landschaft zu einem filmischen Zentrum. Als die Filmindustrie aufblühte, wurde sie zum Synonym für prestigeträchtiges Drehbuchschreiben. Sie arbeitete auch bei zahlreichen Filmen mit ihrem Sohn, ⁤James Van Trees, zusammen, der die Kameraarbeit übernahm.

Frauen im Film: Cleo⁣ Madison

Cleo Madison war eine der Pionierinnen, die durch Filme, die eine deutlich feminine Perspektive zeigten, zu einem Hollywood-Star wurde. Sie gehörte zu den ersten Schauspielerinnen, die Rollen übernahmen, die soziale Themen hervorhoben, Diskriminierung gegen Frauen ansprachen und für die Emanzipation der Frauen eintraten, während sie gleichzeitig das vorherrschende Machotum ihrer Zeit herausforderten. 1915 wurde sie auch von Global als Regisseurin für Kurz- und Spielfilme engagiert.

In den folgenden Jahren entwickelte sich die Hollywood-Filmindustrie zu einem Multimilliarden-Dollar-Geschäft, und die Präsenz von Frauen in Schlüsselrollen nahm erheblich ab. Die einflussreichsten Positionen innerhalb der Branche wurden überwiegend von Männern besetzt. Mitte der 1930er Jahre wurden die meisten Frauen auf Nebenrollen wie Verlags- und Produktionssekretärinnen zurückgedrängt.

Abgesehen von ihren Rollen als Schauspielerinnen und Drehbuchautorinnen besetzen Frauen heute nur einen kleinen Prozentsatz der Positionen in der Filmindustrie, insbesondere in den Vereinigten Staaten und im Mainstream-Kino.

Die Führungskräfte großer Produktionsfirmen sind überwiegend Männer, und sie neigen dazu, Projekte zu finanzieren, die eine männliche Weltsicht widerspiegeln. Als unvermeidliche Folge hatten nur wenige Regisseurinnen die Aussicht, in der Filmgeschichte so Spuren zu hinterlassen, wie sie es wirklich verdienen.

Self Defence

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Dokumentarfilm von Olaf de Fleur, Island, 2025.
Self-Defence erzählt die Geschichte von Imma Helga, einer Selbstverteidigungslehrerin in Island, die ihre jugendlichen Kämpfe mit Vorurteilen, Homophobie und Depressionen in eine Mission der Ermächtigung verwandelt hat. Gemeinsam mit ihrem Bruder Jón Viðar vermittelt sie einen praktischen, realitätsnahen Ansatz zur Selbstverteidigung, der Frauen hilft, sich bewusster, fähiger und selbstbewusster zu fühlen. Durch Kurse, Zeugnisse und ihre Social-Media-Präsenz mit über einer Million Followern zeigt der Film, dass Selbstverteidigung kein heroischer Akt, sondern eine grundlegende, zugängliche Fähigkeit ist: ein Weg, sich zu schützen, Raum zurückzuerobern und Präsenz zu bestätigen. Indem Lehrmomente und Immas persönliche Reise miteinander verwoben werden, erforscht Self-Defence die Verbindung zwischen innerem Wachstum und physischem Schutz und zeigt, wie das Lernen, für sich einzustehen, auch bedeutet, Stärke, Selbstachtung und Freiheit zurückzugewinnen.

SPRACHE: Isländisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Nomadland (2020)

Nachdem sie in der Großen Rezession alles verloren hat, beschließt Fern, eine Frau in ihren Sechzigern, ihre Geisterstadt in Nevada zu verlassen und sich auf eine Reise durch den amerikanischen Westen zu begeben. Sie lebt in ihrem Van, den sie „Vanguard“ nennt, und schließt sich einer Gemeinschaft moderner Nomaden an, Menschen, die das konventionelle Leben aufgegeben haben, um saisonale Arbeit zu suchen und eine neue Form von Freiheit und Gemeinschaft unterwegs zu erleben.

Chloé Zhaos Oscar-prämierter Film ist ein poetisches und melancholisches Porträt einer Frau, die versucht, ihr Leben am Rande des zerbrochenen amerikanischen Traums wieder aufzubauen. In einem quasi-dokumentarischen Stil gedreht und mit echten Nomaden, die sich selbst spielen, ist Nomadland ein Werk seltener Authentizität, das Verlust, Widerstandskraft und die Suche nach einer neuen Bedeutung von „Zuhause“ erforscht.

Ferns Stärke, gespielt mit außergewöhnlicher Intensität von Frances McDormand, ist still und hartnäckig. Sie ist keine Rebellin, sondern eine Überlebende. Ihr Nomadentum ist keine ideologische Wahl, sondern eine Notwendigkeit, die sich in eine Form der Befreiung verwandelt. Sie lernt, selbständig zu sein, ihren Van zu reparieren, Arbeit an Orten wie Amazon-Lagern zu finden, einem Symbol für eine Wirtschaft, die ausbeutet und wegwirft.

Promising Young Woman (2020)

Cassie war eine vielversprechende Medizinstudentin, doch sie brach ihr Studium ab, nachdem ihre beste Freundin Nina Opfer einer Vergewaltigung wurde, die ihr Leben zerstörte. Nun führt Cassie ein Doppelleben: tagsüber arbeitet sie in einem Café, nachts besucht sie Bars und tut so, als sei sie betrunken, um die „netten Jungs“ zu entlarven, die versuchen, sie auszunutzen. Ihre Rachemission nimmt eine neue Wendung, als ein ehemaliger Klassenkamerad wieder in ihr Leben tritt.

Emerald Fennell liefert ein mutiges und verstörendes Werk, einen Rachethriller, der die Klischees des Genres und der romantischen Komödie unterläuft, um eine scharfe Kritik an der Vergewaltigungskultur zu formulieren. Promising Young Woman ist ein unbequemer Film, der eine poppige, farbenfrohe Ästhetik nutzt, um eine Geschichte von Trauma, Wut und Trauer zu erzählen.

Chasing Butterflies

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Komödie, romantisch, von Rod Bingaman, Vereinigte Staaten, 2009.
Nina läuft Stunden vor ihrer Hochzeit von zu Hause weg. Um die Hochzeitszeremonie ihrer Mutter nicht zu verschieben, gibt sie vor, Nina zu sein, und heiratet ihren Freund. Kurz darauf beginnen sie die Suche nach Nina, um sie zurückzubringen: Ninas Ehemann ist überzeugt, dass sie ihn nicht mehr liebt. Ein fünfzehnjähriger nerdiger Junge trifft Nina auf der Straße und versucht, sie mit dem Corvette seines Vaters zu beeindrucken, den er ohne Führerschein heimlich mitgenommen hat. In der Zwischenzeit treffen ein rebellisches junges Mädchen und ihr Freund, der aus dem Gefängnis geflohen ist, den Jungen und stehlen seinen Corvette, was mit einer Reihe von Diebstählen Panik auslöst, während sie nach Kanada aufbrechen, auf der Suche nach einem besseren Leben und Geld, um ihren Lebenstraum zu verwirklichen. Unterdessen trifft Nina in einem Bus einen Mann, der vor einer gescheiterten Ehe auf der Flucht ist: ein berühmter lokaler Radiomoderator, der von seiner Frau verlassen wurde. Doch der Bus wird Ziel eines Überfalls durch das verlobte Paar „Natural Born Killers“.

Chasing the Butterflies ist eine actiongeladene romantische Komödie mit Charakteren, die dazu bestimmt sind, sich zu begegnen. Die Liebe gibt ihnen Energie oder macht ihnen Angst, alle sind auf der Flucht auf der Suche nach einem besseren Leben oder weil sie nicht wissen, wie sie mit Verantwortung umgehen sollen. Jeder weigert sich, in sozialen Konventionen gefangen zu sein, selbst wenn sie diese selbst gesucht haben, selbst wenn die soziale Konvention eine Ehe mit einem Mann ist, den man noch liebt. Eine Reise voller grotesker Situationen und urkomischer Dialoge, oft im amerikanischen Slang, unabhängig produziert, mit einem sehr interessanten Ensemble.

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Porträt einer jungen Frau in Flammen (2019)

Ende des 18. Jahrhunderts wird die Malerin Marianne beauftragt, das Hochzeitsbild von Héloïse anzufertigen, einer jungen Frau, die gerade das Kloster verlassen hat und einer Ehe entgegensehen muss, die sie nicht will. Da Héloïse sich weigert zu posieren, muss Marianne sie heimlich bei ihren Spaziergängen beobachten und dann heimlich malen. Zwischen den beiden Frauen, in fast völliger Isolation auf einer bretonischen Insel, entsteht eine tiefe Intimität, geprägt von Blicken, Kunst und Liebe.

Céline Sciammas Film ist die reinste und kraftvollste Manifestation des weiblichen Blicks im zeitgenössischen Kino. Es ist ein Werk, das vollständig auf dem Akt des Sehens aufgebaut ist, dabei aber Jahrhunderte Kunst- und Filmgeschichte unterläuft, in denen die Frau die passive Muse und der Mann der kreative Künstler war. Hier ist die Beziehung zwischen Künstlerin und Modell wechselseitig, ein Austausch unter Gleichen. „Wenn du mich ansiehst, wen sehe ich dann an?“ fragt Héloïse und demontiert so die Hierarchie des Blicks.

Spencer (2021)

Es ist Weihnachten 1991, und die königliche Familie versammelt sich auf dem Anwesen Sandringham. Für Prinzessin Diana sind diese drei Tage ein Albtraum aus erstickenden Ritualen und familiären Spannungen. Ihre Ehe mit Prinz Charles steht auf der Kippe. Von Paparazzi gejagt, von Bulimie gequält und in einer Rolle gefangen, die sie zerstört, kämpft Diana einen inneren Kampf um ihre geistige Gesundheit und Identität und findet Trost nur in ihren Kindern und dem Geist von Anne Boleyn.

Pablo Larraín schafft kein traditionelles Biopic, sondern eine „Fabel aus einer wahren Tragödie“. Spencer ist ein psychologischer Horrorfilm, ein klaustrophobisches Eintauchen in den Geist einer Frau am Abgrund. Der Film interessiert sich nicht für die Chronik der Ereignisse, sondern für das emotionale Erleben der Gefangenschaft. Sandringham ist kein Palast, sondern ein vergoldeter Käfig, in dem jede Geste kontrolliert, jedes Outfit vorgeschrieben und jede Mahlzeit eine Qual ist.

Hollywood Dreams

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Komödie, Drama, von Henry Jaglom, Vereinigte Staaten, 2007.
Die aufstrebende Schauspielerin Margie Chizek sucht den Ruhm in Hollywood. Sie wird von der Filmszene abgelehnt, verliebt sich, entdeckt die Täuschungen hinter der Welt der Filmwerbung und versteht ihre eigene Identität besser als sie selbst. Von einem freundlichen Produzenten vor dem Ruin gerettet, schafft es Margie, in die Welt der Reichen in Hollywood einzutreten und verliebt sich in einen jungen Schauspieler, der seine Karriere aufbaut, indem er vorgibt, schwul zu sein. Das Paar wird sich mit dem Showbusiness und der Manipulation sexueller Identität auseinandersetzen. Hollywood Dreams fesselt das Publikum dank der außergewöhnlichen Darstellung von Tanna Frederick und ihrer Rolle als gequälte und emotional instabile Schauspielerin, eine überraschende und bewegende Leistung. Die Figur einer zerbrechlichen Frau, Gefangene falscher Mythen, zeitweise abstoßend und bizarr. In den Händen des unkonventionellen Independent-Regisseurs Henry Jaglom wird der Charme der falschen Illusionen des Erfolgs auf beispielhafte und unwiderstehliche Weise erzählt.

Die Geschichte des Kinos ist voll von Filmen über Menschen, die Filme machen, was als universelle Geschichte interpretiert werden kann: Jeder strebt nach Erfolg, Anerkennung und Ruhm in einem wettbewerbsintensiven Bereich. Henry Jagloms Hollywood Dreams ist ein subversiver Film, eine Satire auf eine Industrie, die auf Täuschung basiert. Inspiriert von der produktiven Freiheit und Improvisation der Schauspieler des Independent-Kinos von John Cassavetes, strenger und spannender als andere Filme von Henry Jaglom, konzentriert sich Hollywood Dreams auf eine lächelnde Schauspielerin, die plötzlich berühmt wird. Der Regisseur wird in seinem fünfzehnten Film melancholischer und unternimmt eine Reise zwischen filmischen Erinnerungen und Verwirrung der Geschlechtsidentität. Der Stil ist stets realistisch, fast dokumentarisch, wie bei anderen Jaglom-Filmen. Einer der bekanntesten amerikanischen Independent-Regisseure in nostalgischer Stimmung, der über die negativen Aspekte von Ruhm und Erfolg reflektiert.

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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The Favourite (2018)

Anfang des 18. Jahrhunderts befindet sich England im Krieg mit Frankreich. Die gebrechliche und instabile Königin Anne sitzt auf dem Thron, doch das Land wird faktisch von ihrer engen Freundin und Beraterin Lady Sarah regiert. Die Ankunft von Abigail, Sarahs entehrter Cousine, am Hof bringt das Gleichgewicht durcheinander. Abigail nutzt ihren Charme, um sich bei der Königin einzuschmeicheln, und entfacht eine erbarmungslose Rivalität mit Sarah um den Status der neuen „Favoritin“.

Yorgos Lanthimos verwandelt das Kostümdrama in eine schwarze, beißende und groteske Komödie über die Dynamiken der Macht. The Favourite ist ein Film, in dem Männer Randfiguren sind, Bauern in einem gnadenlosen Schachspiel, das ausschließlich von drei Frauen geführt wird. Macht ist keine politische Abstraktion, sondern ein persönlicher Kampf, der mit List, Manipulation, Sex und psychologischer Grausamkeit ausgetragen wird.

Lady Bird (2017)

Christine McPherson, die darauf besteht, „Lady Bird“ genannt zu werden, ist eine Jugendliche im Abschlussjahr an einer katholischen Schule in Sacramento im Jahr 2002. Sie träumt davon, ihrer Stadt, die sie langweilig findet, zu entkommen, um ein angesehenes College an der Ostküste zu besuchen. Der Film begleitet ihr Übergangsjahr durch Freundschaften, erste Lieben, Enttäuschungen und vor allem eine turbulente, konfliktreiche und zutiefst liebevolle Beziehung zu ihrer Mutter Marion.

Greta Gerwig schafft mit ihrem Regiedebüt eine Coming-of-Age-Geschichte von entwaffnender Aufrichtigkeit und Schärfe. Lady Bird zeichnet sich dadurch aus, wie es den Fokus des Genres verschiebt: Der wahre Konflikt, die wahre Liebesgeschichte, besteht nicht mit den Jungen, sondern zwischen einer Tochter und ihrer Mutter. Ihre Beziehung ist das schlagende Herz des Films, ein Schlachtfeld täglicher Missverständnisse und zugleich eine unzerbrechliche Bindung.

The House is Black

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Dokumentarfilm von Forough Farrokhzad, Iran, 1963.
Das Haus ist schwarz ist ein lyrischer, transzendenter Film, der einen Blick voller Mitgefühl und Religiosität auf eine leidende Menschheit wirft. Die einzige Quelle der Harmonie findet sich außerhalb der Lepra-Kolonie, in der Natur: Im Inneren herrscht das Leiden. Nicht einmal der religiöse Glaube vermag Erleichterung zu verschaffen. Ein Dokumentarfilm über Leben und Leiden in einem Lepra-Krankenhaus in Esperan, im zentralen Bezirk von Tabriz, wo die Zeit stillzustehen scheint, wo sich der Alltag endlos wiederholt, ohne jede Hoffnung. Der Film verbindet die Bilder mit der Poesie der Regisseurin Forough Farrokhzad und mit Zitaten aus dem Alten Testament und dem Koran. Während der Dreharbeiten freundete sich die Regisseurin mit Hossein Mansouri an, einem Kind, dessen Eltern an Lepra litten, und entschied sich, ihn zu adoptieren. Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung wenig bekannt, wurde Das Haus ist schwarz in den folgenden Jahren zum Maßstab des iranischen Kinos. Es kann als der erste Film betrachtet werden, der die iranische Neue Welle begründete. Forugh Farrokhzad, eine berühmte iranische feministische Dichterin mit einem kontroversen und modernistischen Stil, war eine der wichtigsten weiblichen Stimmen in der iranischen Poesie und im Kino. Ihre autoritäre und charismatische Persönlichkeit wurde durch Ausgrenzung und Ablehnung von konservativen und islamischen Regierungsvertretern schwer geprüft, die ihre Gedichte mehr als ein Jahrzehnt nach ihrem Tod bei einem tragischen Autounfall im Alter von nur 32 Jahren verboten. Das Haus ist schwarz ist ihr einziger Film. Farugh Farrokhzad nutzt ihre Sensibilität, um die Kamera mit absolutem Respekt auf das zu richten, was nicht angesehen werden sollte, auf die Leprakranken und Ausgegrenzten. Ein Film, den man nicht verpassen sollte.

SPRACHE: Persisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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I, Tonya (2017)

Der Film erzählt die wahre, absurde und tragische Geschichte der Eiskunstläuferin Tonya Harding. Aufgewachsen in einem Umfeld von Armut und Missbrauch, unter der Kontrolle einer gewalttätigen und lieblosen Mutter, entwickelt Tonya ein außergewöhnliches Talent und ist die erste amerikanische Frau, die einen dreifachen Axel im Wettkampf ausführt. Ihre Karriere wird jedoch durch ihre Verwicklung in den Angriff auf ihre Rivalin Nancy Kerrigan unwiderruflich beschädigt.

I, Tonya ist kein konventionelles Biopic. In einem Mockumentary-Stil, mit widersprüchlichen Interviews der Protagonisten, die die vierte Wand durchbrechen, erforscht Craig Gillespies Film die subjektive Natur der Wahrheit und kritisiert scharf die Art und Weise, wie Medien und Gesellschaft ihre Idole aufbauen und zerstören.

Toni Erdmann (2016)

Winfried, ein pensionierter Musiklehrer mit einer Vorliebe für Streiche, sorgt sich um seine Tochter Ines, eine ehrgeizige und arbeitsbesessene Unternehmensberaterin, die in Bukarest lebt. Da er spürt, dass sie ihren Humor und ihre Lebensfreude verloren hat, beschließt Winfried, sie überraschend zu besuchen. Nach einem gescheiterten ersten Versuch erfindet er sich neu als „Toni Erdmann“, ein exzentrischer Life Coach mit Perücke und falschen Zähnen, und beginnt, sie bei ihren Geschäftstreffen und gesellschaftlichen Anlässen zu verfolgen.

Der Film von Maren Ade ist eine Komödie, die ebenso urkomisch wie tief bewegend ist, über die Entfremdung zwischen Vater und Tochter und eine scharfe Kritik an der Unmenschlichkeit der modernen Unternehmenswelt. Die lange und ausschweifende Erzählung nimmt sich Zeit, die komplexen Dynamiken einer Familienbeziehung zu erkunden, die durch Distanz und gegensätzliche Lebensstile zerrieben wird.

Arrival (2016)

Als zwölf mysteriöse außerirdische Raumschiffe an verschiedenen Orten der Erde landen, rekrutiert das US-Militär Dr. Louise Banks, eine Expertin für Linguistik, um Kommunikation herzustellen. Während die Welt am Rande eines globalen Krieges steht, muss Louise ihre komplexe, nicht-lineare Sprache entschlüsseln, ein Prozess, der nicht nur den Zweck ihres Besuchs offenbaren, sondern auch ihre Wahrnehmung von Zeit und Leben für immer verändern wird.

Arrival ist ein Science-Fiction-Film, der sich nicht auf Action oder Technologie konzentriert, sondern auf Intelligenz, Empathie und Kommunikation. Die Protagonistin, Dr. Louise Banks, ist eine radikal andere Heldin als die üblichen Genre-Standards. Ihre Stärke ist nicht physisch, sondern intellektuell und emotional. Sie rettet die Welt nicht mit Waffen, sondern mit Worten, mit ihrer Fähigkeit zuzuhören, zu verstehen und eine Brücke zwischen zwei Spezies zu bauen.

Der Film von Denis Villeneuve ist eine tiefgründige Meditation über Sprache und wie sie unsere Gedanken und unsere Realität formt. Die Sapir-Whorf-Hypothese, die besagt, dass die Sprache, die wir sprechen, unsere Weltanschauung beeinflusst, ist das narrative Herzstück des Films. Indem Louise die zirkuläre Sprache der Außerirdischen erlernt, beginnt sie, Zeit auf nicht-lineare Weise wahrzunehmen und erlebt Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gleichzeitig.

Ninnao

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Kurzfilm, Drama, von Ernesto M. Censori, Italien, 2020.
Ninnaò behandelt das Thema der Milchmütter auf direkte und rohe Weise und hebt auf originelle Weise die Beziehungen hervor, die zwischen zwei Frauen entstehen, die schließlich um das Baby konkurrieren werden. Gewinnen wird diejenige, die die Situation besser für sich nutzen kann. Produziert vom Experimentalzentrum für Filmkunst in Rom, ist es ein Film zum Thema Familie, der von den intimen Wurzeln des Menschen und familiären Dynamiken erzählt. Gedreht im Palazzo De Stefani in Ciriaco, einer historischen Residenz aus dem späten achtzehnten Jahrhundert in einer kleinen Stadt im Herzen Kalabriens, Girifalco. Die Geschichte spielt hauptsächlich an einem einzigen Ort, mit einem rein weiblichen Ensemble. Die Protagonistinnen sind ihre Herrin und ihre Dienerin, zwei Mütter und ein Kind zum Stillen, das zum Grund für Intrigen und Geheimnisse wird. Die Hauptdarstellerinnen von Ninnaò sind Angela Fontana und Donatella Finocchiaro. Die Realität kalabrischer Orte, Charaktere und Traditionen ist tief in der Geschichte verwurzelt. Für den Regisseur ist Kalabrien im frühen zwanzigsten Jahrhundert der „fruchtbare Boden“, um die Familiendynamiken des Adels ans Licht zu bringen, dessen Leben oft mit dem seiner einfachen Diener, Kinder des Volkes, verflochten und umhüllt war.

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Elle (2016)

Michèle Leblanc, eine erfolgreiche Geschäftsfrau an der Spitze eines Videospielunternehmens, wird in ihrem Zuhause von einem maskierten Angreifer vergewaltigt. Statt den Vorfall der Polizei zu melden oder unter dem Trauma zusammenzubrechen, reagiert Michèle auf eine völlig unerwartete Weise. Mit Kälte und Pragmatismus führt sie ihr Leben weiter, versucht die Identität ihres Angreifers herauszufinden und beginnt ein perverses und gefährliches psychologisches Spiel mit ihm.

Paul Verhoeven inszeniert einen provokativen und moralisch ambivalenten Thriller, der alle Stereotype über weibliche Opferrolle zerstört. Elle ist ein Film, der den Zuschauer ständig herausfordert und ihn zwingt, seine Erwartungen daran zu hinterfragen, wie eine Frau „reagieren sollte“ auf Gewalt. Michèles Reaktion ist weder Angst noch Unterwerfung; sie ist Neugier, Kontrolle, fast Trotz.

Hidden Figures (2016)

In den 1960er Jahren, mitten in der Rassentrennung und dem Wettlauf ins All, arbeiten drei brillante afroamerikanische Mathematikerinnen bei der NASA. Katherine Johnson, Dorothy Vaughan und Mary Jackson sind die klugen Köpfe hinter einer der größten Operationen der Geschichte: dem Start des Astronauten John Glenn in die Umlaufbahn. Die drei Frauen müssen sich nicht nur mit Zahlen, sondern auch mit rassistischen und geschlechtlichen Barrieren in einer von weißen Männern dominierten Umgebung auseinandersetzen.

Hidden Figures ist eine entscheidende Geschichte der Emanzipation, die auf zwei Ebenen wirkt: dem Kampf für Bürgerrechte und dem Kampf um Anerkennung der Geschlechter. Die Stärke ihrer Protagonistinnen ist vor allem intellektuell. In einer Zeit, in der Frauen, insbesondere schwarze Frauen, an den Rand gedrängt wurden, beweisen Katherine, Dorothy und Mary, dass Genie weder Farbe noch Geschlecht kennt.

Suffragette (2015)

Im London des frühen 20. Jahrhunderts ist Maud Watts eine junge Wäschereiarbeiterin, Ehefrau und Mutter, deren Leben auf den Kopf gestellt wird, als sie fast zufällig in die entstehende und zunehmend radikale Suffragettenbewegung hineingezogen wird. Anfangs ängstlich, verwandelt sich Maud in eine leidenschaftliche Aktivistin, die bereit ist, ihren Job, ihre Familie und ihre Freiheit für den Kampf um das Frauenwahlrecht zu opfern.

Suffragette übersetzt einen großen historischen Kampf in eine intime und persönliche Erfahrung. Der Film vermeidet die Falle des hagiographischen Biopics, indem er sich nicht auf die Führerinnen der Bewegung konzentriert, sondern auf eine gewöhnliche Frau, eine Arbeiterin, deren Politisierung ein schrittweiser und schmerzhafter Prozess ist. Mauds Stärke ist nicht angeboren; sie ist eine Errungenschaft, geschmiedet im Feuer von Ungerechtigkeit und Opferbereitschaft.

Mustang (2015)

In einem abgelegenen türkischen Dorf leben fünf verwaiste Schwestern bei ihrer Großmutter und ihrem Onkel. Nachdem sie unschuldig beim Spielen am Strand mit einigen Jungen gesehen wurden, reagiert ihre konservative Familie brutal. Das Haus wird zum Gefängnis: Die Mädchen werden von der Schule genommen, müssen Hausarbeiten lernen und auf arrangierte Ehen vorbereitet werden. Doch die Schwestern, verbunden durch ein unzerbrechliches Band, geben nicht auf und kämpfen für ihre Freiheit.

Mustang ist ein kraftvoller und herzzerreißender Film, eine Coming-of-Age-Geschichte, die die Töne eines Fluchtthrillers annimmt. Deniz Gamze Ergüvens Film ist eine scharfe Anklage gegen patriarchale und religiöse Unterdrückung, die weibliche Vitalität und Sexualität als Bedrohung sieht, die kontrolliert und unterdrückt werden muss. Die fünf Schwestern, wie die wilden Pferde des Titels, repräsentieren eine vitale Energie, die sich weigert, gezähmt zu werden.

Miss Oyu

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Drama von Kenji Mizoguchi, Japan, 1951.
Der Junggeselle Shinnosuke verliebt sich in Miss Oyu, die Begleiterin seiner jüngeren Schwester Shizu, die ihn als zukünftige Braut besucht. Das familiäre Tabu verhindert, dass Shinnosuke Oyu heiratet. Er heiratet Shizu, ohne die Ehe zu vollziehen, damit Shinnosuke Oyu, die bewusstlos ist, treu bleiben kann. Doch das Festhalten an den äußeren Erscheinungen hat seinen Preis. Der Mangel an Sexualität und die bösartigen Gerüchte über das Dreiecksverhältnis führen zu Vorwürfen, Trennung und weiterem Schmerz. Miss Oyu ist eine radikale Umarbeitung von Mizoguchi und seinem Drehbuchautor Yoshikata Yoda des Romans „The Reed Cutter“ (1932) von Junichiro Tanizaki. Miss Oyu bewegt sich im Aura von hoher Kunst und gutem Geschmack: Vorspann über Gemälden von Wolken, Kompositionen chinesischer und japanischer Kunstmeisterwerke, mit feinen Möbeln und Kunstobjekten dekorierte Innenräume, klassische japanische Musikdarbietungen und Lieder, die aus japanischer Poesie stammen, Verweise auf Heian-Kostüme, Geschichte und Literatur, historische und natürliche Schönheiten; japanische Rituale wie Ikebana, Bonsai und Teezeremonien. Eine großartige Darstellung der exotischen und malerischen japanischen Kultur, Miss Oyu war das erste Kostümdrama der 1950er Jahre, das Mizoguchi außerhalb Japans berühmt machte.

SPRACHE: Japanisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Carol (2015)

Im New York der frühen 1950er Jahre arbeitet Therese, eine junge angehende Fotografin, während der Weihnachtsferien in einem Kaufhaus. Dort trifft sie Carol, eine elegante und kultivierte Frau, die in einer unglücklichen Ehe gefangen ist. Zwischen ihnen entflammt sofort eine tiefe Anziehung, die sich in eine heimliche Liebesaffäre verwandelt und die starren sozialen und moralischen Konventionen einer zutiefst repressiven Ära herausfordert.

Todd Haynes inszeniert ein Melodram von außergewöhnlicher visueller Raffinesse und emotionaler Tiefe. Carol ist ein Film, der eine verbotene Liebesgeschichte nicht durch große Erklärungen erzählt, sondern durch das Ungesagte, die geheime Sprache von Blicken, Gesten und bedeutungsschweren Schweigen. In einer Zeit, in der diese Art von Liebe weder einen Namen noch einen Platz in der Gesellschaft hatte, wird jede Berührung einer Hand auf der Schulter, jeder lange Blick zu einem Akt des Mutes und der Übertretung.

A Girl Walks Home Alone at Night (2014)

In der trostlosen und gespenstischen iranischen Stadt Bad City streift eine einsame Vampirin, gekleidet in einen Chador, der wie ein Umhang weht, durch die Nacht. Sie nimmt Männer ins Visier, die Frauen missachten: Drogendealer, Zuhälter, gewalttätige Männer. Ihre unsterbliche und einsame Existenz wird durch ihre Begegnung mit Arash erschüttert, einem freundlichen und melancholischen jungen Mann, ebenfalls eine verlorene Seele an diesem hoffnungslosen Ort.

Als „der erste iranische Vampir-Western“ angekündigt, ist Ana Lily Amirpours Debütfilm ein Kultwerk, ein stilistisches Schwarz-Weiß-Juwel, das Genres und Einflüsse mischt, um etwas Einzigartiges zu schaffen. Die Vampirin, nur als „das Mädchen“ bekannt, ist eine faszinierende und kraftvolle Figur, eine feministische Metapher für Rache und Schutz.

In einer patriarchalen Gesellschaft unterläuft das Mädchen die Machtverhältnisse. Sie ist es, die jagt, die Terror inspiriert. Ihr Chador, in manchen Kontexten ein Symbol für Bescheidenheit und Unterdrückung, wird hier zu einem Symbol übernatürlicher Macht, ein Superhelden-Umhang, während sie durch die dunklen Straßen gleitet. Sie ist ein rächerischer Engel, der die schlimmsten Auswüchse toxischer Männlichkeit bestraft.

Under the Skin (2013)

Eine außerirdische Entität, verkleidet als Frau, streift durch die Straßen Schottlands, um Männer zu locken und zu entführen.

Ein einzigartiges cineastisches Erlebnis, folgt dieser Film einer außerirdischen Entität, die Männer anlockt und „sammelt“. Der Horror liegt nicht in den „Erschreckmomenten“, sondern in der Entmenschlichung und der erschreckenden fremden Perspektive auf unsere Spezies, die als bloßes Schlachtfleisch betrachtet wird. Der Film ist eine tiefgründige Meditation über Sexualität, Identität und Empathie sowie über die dünne Linie, die Beobachter von Beteiligung trennt, wobei versteckte Kameras eingesetzt werden, um die Grenze zwischen Fiktion und Dokumentation zu verwischen.

Zero Dark Thirty (2012)

Nach den Anschlägen vom 11. September beginnt die CIA eine zehnjährige Fahndung nach Osama bin Laden. Im Zentrum dieser Operation steht Maya, eine junge und brillante Analystin, die ihre gesamte Existenz dieser Mission widmet. In einer von Männern dominierten Umgebung und konfrontiert mit Skepsis und bürokratischen Hindernissen verfolgt Maya hartnäckig eine einzige Spur, die schließlich zur Entdeckung und Eliminierung des al-Qaida-Führers führen wird.

Maya ist eine Figur, die durch einen absoluten, fast obsessiven beruflichen Fokus definiert ist. In Zero Dark Thirty, inszeniert von Kathryn Bigelow, liegt die Stärke der Protagonistin rein im Intellekt und in ihrer Widerstandskraft. Sie ist keine Soldatin, aber sie ist diejenige, die die Soldaten anleitet. Ihre Mission wird zu ihrer Identität, bis hin zur emotionalen Erschöpfung. Maya repräsentiert eine Form weiblicher Führung, die auf analytischer Strenge und der Weigerung basiert, aufzugeben, selbst wenn sie von Zweifeln umgeben ist.

Wadjda (2012)

Wadjda ist ein lebhaftes und unternehmungslustiges zehnjähriges Mädchen, das in einem Vorort von Riad, Saudi-Arabien, lebt. Ihr größter Wunsch ist es, ein grünes Fahrrad zu besitzen, um mit ihrem Freund Abdullah Rennen zu fahren. Doch in ihrer Gesellschaft gelten Fahrräder für Mädchen als ungeeignet, da sie ihre Tugend gefährden könnten. Entschlossen beschließt Wadjda, das Geld selbst zu verdienen, indem sie an einem Koran-Wettbewerb in der Schule teilnimmt.

In seiner scheinbar einfachen Geste fasst Wadjda eine Revolution zusammen. Der erste Spielfilm, der vollständig in Saudi-Arabien von einer Regisseurin gedreht wurde, Haifaa al-Mansour, nutzt den Wunsch eines jungen Mädchens nach einem alltäglichen Gegenstand als kraftvolle Metapher für den Kampf um Freiheit und weibliche Selbstbestimmung in einer der konservativsten Gesellschaften der Welt.

Osaka Elegy

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Drama von Kenji Mizoguchi, Japan, 1936.
Ayako Murai ist Telefonistin bei der Pharmafirma Asai in der Stadt Osaka im Jahr 1930. Um die Schulden ihres Vaters zu begleichen, der arbeitslos ist und wegen Nicht-Rückzahlung eines Kredits mit Verhaftung bedroht wird, stimmt sie zu, die Geliebte ihres Arbeitgebers zu werden. Nachdem sie die Schulden ihres Vaters bezahlt hat, wird ihre Beziehung zu Herrn Asai aufgrund der Eifersucht dessen Frau Sonosuke unterbrochen, die ihrem Mann kategorisch verbietet, sie weiterhin als Geliebte zu sehen. Ayako versucht jedoch, die Studiengebühren ihres Bruders Hiroshi zu bezahlen, und setzt ihre Rolle als Geliebte fort, diesmal auf Kosten eines anderen Bewunderers, Herrn Fujino.

Ein Film über die Lage der Frauen, wie ein großer Teil von Mizoguchis Filmografie. Die Protagonistin ist Opfer einer patriarchalen und männlich chauvinistischen Gesellschaft, in der Geld der dominierende Wert ist. Ein meisterhafter Film durch die realistische Darstellung der Stadt Osaka, lyrisch und mit Klarheit in seiner Gesellschaftskritik. Mizoguchi sagte über diesen Film: „Erst mit vierzig fand ich meinen Weg.“ Die Einfachheit der Geschichte und des Stils ist beispielhaft in Osaka Elegy. Der Film wurde nach 1940 von den Militaristen verboten und ist ein unvergleichliches Meisterwerk des filmischen Realismus.

SPRACHE: Japanisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Fish Tank (2009)

Mia, ein temperamentvolles und isoliertes fünfzehnjähriges Mädchen, lebt mit ihrer alleinerziehenden Mutter und ihrer jüngeren Schwester in einer Sozialwohnung in Essex. Von der Schule verwiesen und von ihren früheren Freunden entfremdet, ist ihre einzige Leidenschaft und Flucht der Hip-Hop-Tanz, den sie allein in einer leeren Wohnung praktiziert. Ihr monotoner und konfrontativer Alltag wird durch das Auftauchen von Connor, dem neuen charmanten Freund ihrer Mutter, der als erster ihre Talente bemerkt und fördert, völlig auf den Kopf gestellt.

Andrea Arnolds Kino zeichnet sich durch einen rohen Realismus und eine tiefe Empathie für ihre Figuren aus, insbesondere für junge Frauen am Rande der Gesellschaft. Fish Tank ist ein kraftvolles und unverfälschtes Porträt einer schwierigen Adoleszenz, ein Eintauchen in eine Welt begrenzter Möglichkeiten und dysfunktionaler Zuneigungen.

Persepolis (2007)

Durch stilisierte und kraftvolle Schwarz-Weiß-Animation erzählt Marjane Satrapi ihre Kindheit und Jugend im Iran während und nach der Islamischen Revolution. Aufgewachsen in einer progressiven Familie, erlebt die junge und rebellische Marji den Sturz des Schahs, den Aufstieg des Regimes der Ayatollahs und den Krieg mit dem Irak. Zum Schutz wird sie nach Europa geschickt, wo sie einer neuen Form der Entfremdung begegnet, bevor sie in eine Heimat zurückkehrt, die sie nicht mehr erkennt.

Persepolis ist eine Coming-of-Age-Geschichte, die sowohl zutiefst politisch als auch intensiv persönlich ist. Marjanes Geschichte ist die einer Frau, die um ihre Identität und Freiheit kämpft in einer Welt, die ständig versucht, sie zu definieren und zu unterdrücken. Das vom neuen Regime auferlegte Kopftuch wird zum mächtigsten Symbol dieser Unterdrückung, ein Versuch, die Individualität und Stimme der Frauen auszulöschen.

Kill Bill: Vol. 1 (2003)

Eine Frau, nur bekannt als „die Braut“, erwacht aus einem vierjährigen Koma. Ehemals Mitglied eines Elite-Auftragskiller-Teams, wurde sie an ihrem Hochzeitstag von ihrem Boss und Liebhaber Bill verraten und für tot zurückgelassen. Nun, getrieben von einem unerbittlichen Durst nach Rache, beginnt sie einen blutigen Pfad, um einen nach dem anderen alle Verantwortlichen für das Massaker zu eliminieren.

Wenn Ripley die Kraft des Überlebens repräsentiert, verkörpert Quentin Tarantinos Braut die Kraft der Rache. Kill Bill ist ein postmodernes Werk, das stark vom Genrekino schöpft, doch sein schlagendes Herz ist eine der reinsten Darstellungen weiblicher Wut, die je auf die Leinwand gebracht wurde. Gewalt ist nicht nur ein Werkzeug, sondern eine Sprache, die einzige Möglichkeit, solch allumfassenden Schmerz und Verrat auszudrücken.

Die Klavierspielerin (2001)

Erika Kohut ist eine angesehene Klavierlehrerin am Wiener Konservatorium. Tagsüber ist sie eine strenge und kompromisslose Persönlichkeit, doch ihr Privatleben ist ein Abgrund psychischer Repressionen und sexueller Perversionen, dominiert von einer besitzergreifenden und erstickenden Mutter. Die Ankunft eines jungen und talentierten Schülers, Walter, der sich in sie verliebt, entfesselt ihre sadomasochistischen Fantasien und zieht beide in ein gefährliches und zerstörerisches Spiel.

Michael Hanekes Kino ist unerbittlich, eine klinische Zergliederung der Pathologien der bürgerlichen Gesellschaft. Die Klavierspielerin ist vielleicht sein verstörendstes und radikalstes Werk, eine kompromisslose Erforschung weiblicher Unterdrückung und ihrer verheerenden Folgen. Isabelle Hupperts Darstellung ist erschreckend präzise, ein Porträt einer Frau, deren Intelligenz und künstlerische Sensibilität zu einer Waffe der Selbstzerstörung verdreht wurden.

Erin Brockovich (2000)

Erin Brockovich, eine arbeitslose alleinerziehende Mutter und zweimal geschieden, überzeugt nach dem Verlust eines Autounfallprozesses hartnäckig ihren Anwalt, ihr eine Stelle als Aktenverwalterin zu geben. Während sie einen Immobilienfall untersucht, entdeckt sie eine massive Grundwasserverschmutzung durch ein großes Unternehmen, Pacific Gas & Electric, die bei den Bewohnern einer Kleinstadt schwere Krankheiten verursacht.

Erin Brockovichs Stärke liegt nicht in körperlicher Fähigkeit oder heroischen Gesten, sondern in ihrem Durchhaltevermögen, ihrer Empathie und ihrer Weigerung, sich anzupassen. In einer Welt, der juristischen, die von Männern in Anzügen dominiert wird, die sie wegen ihrer provokativen Kleidung und direkten Art beurteilen, repräsentiert Erin eine radikal andere Form weiblicher Macht. Sie versucht nicht, Männer zu imitieren, um akzeptiert zu werden; im Gegenteil, sie nutzt ihre Identität als Arbeiterklassefrau, ihre Offenheit und sogar ihre Sinnlichkeit als Waffen.

Early Summer

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Drama von Yasujirō Ozu, Japan, 1951.
Noriko, eine Sekretärin aus Tokio, lebt mit ihrer Familie in Kamakura, zusammen mit ihren Eltern Shūkichi und Shige, ihrem älteren Bruder Kōichi, einem Arzt, seiner Frau Fumiko und ihren zwei Jungen Minoru und Isamu. Norikos Freunde sind in zwei Gruppen geteilt, verheiratet und ledig, die sich ständig gegenseitig necken, wobei Aya Tamura ihre enge Verbündete in der ledigen Gruppe ist. Norikos Familie drängt sie, Satakes Heiratsantrag anzunehmen, da sie der Meinung sind, dass es Zeit für sie ist zu heiraten und dass die Ehe für jemanden in ihrem Alter perfekt sei. Als Yabes Mutter Tami impulsiv Noriko bittet, Yabe zu heiraten und ihnen bei ihrem Umzug nach Norden zu folgen, nimmt Noriko ihren Vorschlag an. Die Familie akzeptiert Norikos Entscheidung mit Resignation und bevor sie geht, machen sie zusammen ein Foto. Ein großartiges Drama über familiären Zusammenhalt, das Teil von Ozus thematischer Trilogie namens Die Noriko-Trilogie ist: Später Frühling, Zeit der Weizenernte und Reise nach Tokio, alle mit Setsuko Hara in der Rolle der Noriko, zum Thema Familie am Rande großer Veränderungen.

Zum Nachdenken
Liebe vermutet nie, sie ist niemals eifersüchtig. Liebe greift niemals in die Freiheit des anderen ein. Liebe zwingt dem anderen nichts auf. Liebe schenkt Freiheit, und Freiheit kann nur existieren, wenn Raum vorhanden ist. Liebe sollte ein Geschenk sein, das frei gegeben und genommen wird, aber es sollte keinen Anspruch geben. Wenn du Freiheit und Liebe gleichzeitig haben kannst, brauchst du nichts anderes. Du hast alles erlangt, wofür du lebst, wird dir gegeben worden sein.

SPRACHE: Japanisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Brot und Tulpen (2000)

Rosalba, eine Hausfrau aus Pescara, wird während einer Familienreise an einer Autobahnraststätte vergessen. Statt darauf zu warten, dass ihr Mann und ihre Söhne zurückkommen, entscheidet sie sich in einem impulsiven Akt der Rebellion zum Trampen und findet sich in Venedig wieder. Dort beginnt sie ein neues Leben, findet eine Arbeit bei einem Blumenhändler, wohnt bei einem melancholischen isländischen Kellner und gewinnt einen neuen Kreis exzentrischer Freunde. Ihre Flucht verwandelt sich in eine Reise der Selbstentdeckung.

Silvio Soldinis Film ist eine zarte und poetische Komödie, eine moderne Fabel über die Möglichkeit, sich neu zu erfinden. Brot und Tulpen erzählt von einer stillen Revolution, der einer Frau, die jahrelang für ihre Familie unsichtbar war, als selbstverständlich galt und auf die Rolle der Ehefrau und Mutter reduziert wurde. Der Vorfall an der Raststätte ist der Funke, der ihr erlaubt, sich wieder als Individuum zu sehen.

Orlando (1992)

Die Geschichte beginnt im elisabethanischen England mit dem jungen Edelmann Orlando, dem die Königin befiehlt, niemals alt zu werden. Wunderbarerweise erlebt Orlando vier Jahrhunderte Geschichte, durchlebt Abenteuer, Lieben und Enttäuschungen. Auf halbem Weg seiner Reise, während einer diplomatischen Mission in Konstantinopel, erwacht er verwandelt in eine Frau. Er wird weiterhin durch die Zeiten leben und die unterschiedlichen Einschränkungen und Erwartungen erfahren, die beiden Geschlechtern auferlegt werden.

Sally Potters Adaption des Romans von Virginia Woolf ist eine visuell üppige und intellektuell kühne Erkundung von Geschlechtsidentität und ihrer Fluidität. Orlando ist ein radikaler Film, der die Vorstellung zerstört, dass Geschlecht eine feste biologische Eigenschaft sei, und es stattdessen als soziale Konstruktion darstellt, eine Performance, die sich mit den wechselnden Bräuchen und Epochen verändert.

Thelma & Louise (1991)

Thelma, eine naive und fügsame Hausfrau, und Louise, eine desillusionierte und pragmatische Kellnerin, brechen zu einem Wochenendurlaub auf, um ihrer Routine zu entfliehen. Ein traumatisches Ereignis in einer Bar verwandelt ihren kurzen Ausflug in eine verzweifelte Flucht quer durch Amerika, verfolgt von der Polizei, aber beseelt von einem neuen, berauschenden Gefühl von Freiheit. Ihre Reise wird zu einem Epos der Selbstbestimmung und unzerbrechlichen Freundschaft.

Nur wenige Filme haben einen kulturellen Wendepunkt so markiert wie das Meisterwerk von Ridley Scott. Thelma & Louise ist mehr als ein Roadmovie; es ist ein Manifest. Seine Kraft liegt darin, eine im Kern reaktive Erzählung der Befreiung zu sein. Die gesamte Geschichte ist eine Flucht vor etwas: vor Thelmas unterdrückendem Ehemann, vor Louises vergangenem Trauma, vor einer Gesellschaft, die sie zuerst ignoriert und dann verurteilt. Ihre Freiheit entsteht nicht im Vakuum, sondern definiert sich im direkten Gegensatz zu einer patriarchalen Welt, die sie passiv und schweigsam haben will.

Alien (1979)

Die Crew des Raumschiffs Nostromo, aus dem Winterschlaf geweckt, um auf ein Notsignal von einem unbekannten Planeten zu reagieren, trifft auf eine tödliche außerirdische Lebensform. Als das Wesen beginnt, sie nacheinander zu eliminieren, tritt Warrant Officer Ellen Ripley als die Einzige hervor, die der Bedrohung entgegentreten kann und um ihr Überleben in einem klaustrophobischen Albtraum im tiefen Weltraum kämpft.

Ellen Ripley ist nicht einfach eine „starke Frau“; sie ist eine Figur, die die Regeln der weiblichen Darstellung im Science-Fiction- und Actionkino neu schrieb. Ihre Entstehung ist emblematisch: Die Rolle war ursprünglich für einen Mann vorgesehen. Dieses Zufallsereignis ermöglichte die Schaffung einer Protagonistin, die nicht durch ihr Geschlecht definiert wird, sondern durch ihre Kompetenz, Pragmatismus und Intelligenz. Ripley ist nicht da, um jemandes Liebesinteresse oder die hilflose Jungfrau in Nöten zu sein. Sie ist eine Fachfrau, die ihren Job macht.

Eine Frau unter Einfluss (1974)

Mabel ist eine liebevolle Ehefrau und Mutter, doch ihr exzentrisches Verhalten und ihre zunehmende emotionale Instabilität testen die Geduld ihres Mannes Nick, eines Bauarbeiters, und verursachen Unruhe in ihrer Familie. Da sie sich nicht den gesellschaftlichen Erwartungen einer „guten Ehefrau“ anpassen kann, wird Mabel als „verrückt“ abgestempelt und in eine Einrichtung eingewiesen. Ihre Rückkehr nach Hause wird alle Risse in einem Familien- und Sozialsystem offenbaren, das unfähig ist, mit ihrer Einzigartigkeit umzugehen.

John Cassavetes‘ Meisterwerk ist ein rohes und ungefiltertes Eintauchen in die Psyche einer Frau, die nicht in die Welt passt. Gena Rowlands‘ Darstellung ist monumental, ein herzzerreißendes Porträt einer Zerbrechlichkeit, die mit Wahnsinn verwechselt wird. Mabels Stärke liegt nicht in ihrer Widerstandsfähigkeit, sondern in ihrer verzweifelten und authentischen Suche nach Liebe und Verbindung in einer Umgebung, die nur mit Verwirrung und Angst reagiert.

The Naked Kiss

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Drama, Noir, von Samuel Fuller, 1964, Vereinigte Staaten.
Kelly ist eine Prostituierte, die mit dem Bus in der kleinen Stadt Grantville ankommt, nachdem sie die Großstadt verlassen hat, um ihrem früheren Beschützer zu entkommen. Sie trifft den örtlichen Polizeihauptmann Griff, der sie in seiner Wohnung aufnimmt, sie aber dann auffordert, die Stadt zu verlassen. Kelly hingegen möchte ihr früheres Leben hinter sich lassen und Krankenschwester in einem Krankenhaus für behinderte Kinder werden. Griff hält sie für opportunistisch, vertraut ihr nicht und versucht immer wieder, sie aus der Stadt zu schicken. Kelly verliebt sich in Grant, den reichen Erben der wichtigsten Familie der Stadt und Freund ihres Freundes Griff. Nach einer außergewöhnlichen Annäherung, bei der nicht einmal Kellys Geschichte ihrer dunklen Vergangenheit Grant entmutigen kann, beschließen die beiden zu heiraten. Kelly schafft es, Griff davon zu überzeugen, dass sie Grant wirklich liebt und die Prostitution endgültig aufgegeben hat, und ihr Freund erklärt sich bereit, ihr Trauzeuge zu sein.

Zum Nachdenken
Manchmal entscheiden wir uns, unser Leben zu verändern, weil uns die Existenz nicht mehr erfüllt, und wir wählen etwas, das uns gefällt oder unsere Tage erleichtert. Doch nach der Veränderung stellen wir fest, dass neue Konflikte und andere Probleme entstehen. Oft ist die beste Veränderung nicht das, was man am meisten mag, sondern die Wahl eines neuen Lebensstils, der von echten Werten getragen wird. Eine ethische Lebensveränderung. Es wird neue Probleme, neue Schwierigkeiten geben, aber die Zufriedenheit wird sofort spürbar sein.

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Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Drei Tage lang beobachten wir das akribisch geordnete Leben von Jeanne Dielman, einer mittelalten belgischen Witwe. Ihre Existenz ist ein Ritual häuslicher Pflichten: Sie bereitet Mahlzeiten zu, macht das Bett, poliert die Schuhe ihres Sohnes mit fast mechanischer Präzision. Um sich zu ernähren, empfängt sie jeden Nachmittag einen anderen Kunden zu einem sexuellen Treffen. Doch langsam beginnen kleine Risse in ihrer perfekten Routine zu erscheinen, die zu einer Implosion führen, die ebenso unvermeidlich wie schockierend ist.

Chantal Akermans Meisterwerk ist ein Meilenstein des feministischen Kinos, ein Film, der die Darstellung von Zeit, Arbeit und weiblicher Unterdrückung veränderte. Seine Kraft liegt nicht in Aktion oder Dialog, sondern in dem, was unausgesprochen bleibt und mit fast unerträglicher Geduld gezeigt wird. Akerman erhebt Hausarbeit, die sonst unsichtbar und selbstverständlich ist, zu einem zentralen filmischen Ereignis.

Cléo von 5 bis 7 (1962)

Cléo, eine junge und schöne Popsängerin, wandert neunzig Minuten lang durch die Straßen von Paris, von fünf bis halb sieben an einem Sommernachmittag, während sie auf die Ergebnisse einer Biopsie wartet, die bei ihr Krebs diagnostizieren könnte. In dieser Zeit verändert sich ihre Wahrnehmung von sich selbst und der Welt radikal: Ihre Schönheit, ihr Ruhm und ihre oberflächlichen Gewissheiten zerfallen angesichts der Todesangst.

Agnès Varda, eine Pionierin der Nouvelle Vague, schafft einen existenzialistischen Film von verstörender Modernität. Cléos Reise ist eine Verwandlung vom Objekt zum Subjekt. Zu Beginn des Films wird sie durch den Blick der anderen definiert: Sie ist eine verwöhnte Puppe, eine Schönheit, die bewundert wird, ein Bild, das sich in zahllosen Spiegeln spiegelt. Ihre Identität ist performativ, für den Konsum anderer konstruiert. „Solange ich schön bin, lebe ich“, erklärt sie und knüpft ihre Existenz an ihr Aussehen.

Frida (2002)

Der Film zeichnet das kühne und gequälte Leben der mexikanischen Künstlerin Frida Kahlo nach. Von dem beinahe tödlichen Unfall, der sie für immer in Körper und Kunst prägte, bis zu ihrer stürmischen und leidenschaftlichen Beziehung mit dem Wandmaler Diego Rivera. Die Erzählung verwebt ihre surrealistische Kunst, geboren aus Schmerz, mit ihren kommunistischen politischen Überzeugungen, ihrer fluiden Sexualität und ihrem Kampf, sich als Künstlerin in einer von Männern dominierten Welt zu behaupten.

Julie Taymors Frida ist ein Biopic, das gelingt, die lebendige und revolutionäre Essenz seiner Protagonistin einzufangen. Der Film erzählt nicht nur das Leben von Frida Kahlo, sondern versucht, in ihre Vorstellungskraft einzutauchen und ihre Gemälde durch visuell kraftvolle Sequenzen zum Leben zu erwecken, die Realität und Surrealismus vermischen. Ihre Kunst ist kein bloßes Accessoire, sondern die Sprache, durch die sie ihren körperlichen Schmerz, ihre Leidenschaft und ihre Weltanschauung ausdrückt.

13 Geister (1960)

Der Okkultist Dr. Plato Zorba schenkt seinem armen Neffen Cyrus ein großes Haus. Zusammen mit seiner Frau Hilda, der jugendlichen Tochter Medea und dem jüngeren Jungen Buck wird Cyrus darüber informiert, dass das Haus von Geistern heimgesucht wird, die Dr. Zorba aus aller Welt zusammengetragen hat. Das Testament legt fest, dass die Familie im Haus bleiben und es nicht verkaufen darf. Die Familienmitglieder sind schockiert, als sie feststellen, dass das Haus tatsächlich von 12 Geistern heimgesucht wird. Zum Anwesen gehört auch die furchterregende Hausverwalterin Elaine sowie eine überraschende Menge Bargeld, die irgendwo im Gebäude versteckt ist.

Ähnlich wie bei vielen seiner populärsten Produktionen nutzte Produzent William Castle einen Gimmick, um 13 Geister zu bewerben: die Fähigkeit, Geister in 3D zu sehen. Im Kino blieben viele Szenen schwarz-weiß, aber die Geisterszenen wurden mit einem Effekt namens „Illusion-O“ gezeigt. Die Bildbestandteile mit den Charakteren und den Kulissen, abgesehen von den Geistern, hatten einen blauen Filter, während die Geister einen roten Filter hatten und über das Bild gelegt wurden. Das Publikum schaute mit Brillen mit roten und blauen Filtern zu. Im Gegensatz zu frühen 3D-Brillen mit einem roten und einem cyan- oder blauen Auge hatte Illusion-O eine einzige Farbe für beide Augen.

Festival in Cannes

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Sentimentale Komödie von Henry Jaglom, USA, 2001.
Cannes, 1999. Alice, eine Schauspielerin, möchte einen unabhängigen Film drehen und sucht nach Geldgebern. Sie trifft Kaz, einen gesprächigen Geschäftsmann, der ihr 3 Millionen Dollar verspricht, wenn sie Millie, einen französischen Star, der seine Jugend hinter sich hat und keine interessanten Rollen mehr findet, einsetzt. Alice erzählt Millie die Geschichte des Films, und die Schauspielerin verliebt sich in das Projekt. Doch Rick, ein prominenter Produzent, der für ein großes Hollywood-Studio arbeitet, braucht Millie für eine kleine Rolle in einem Film, der im Herbst gedreht werden soll, sonst verliert er seinen Star Tom Hanks. Ist Kaz ein echter Produzent oder ein Scharlatan? Rick ist tatsächlich nicht mehr so reich wie früher und muss Alice unbedingt überzeugen, Millie aufzugeben, um den großen Projektvertrag mit Tom Hanks abzuschließen. Millie ist unentschlossen, was sie wählen soll: einen Indie-Film, den sie liebt, aber ohne großes Geld, oder eine kleine Rolle im Hollywood-Film, die sehr gut bezahlt wird? Inzwischen wird eine junge Schauspielerin namens Blue zum Star des Festivals, und Kaz entdeckt eine neue Liebe. Das Rad des Lebens und des Showbusiness dreht sich, zwischen Gefühlen, existenziellen Budgets und Filmgeschäft. Ein Film, der mit großer stilistischer Freiheit wie ein Dokumentarfilm während der Ausgabe 1999 des Festivals gedreht wurde und sich auf die Leistungen der Schauspieler mit einer spontanen und fließenden Improvisationsmethode konzentriert, inspiriert vom Kino Cassavetess. Eine leichte und bewegende sentimentale Komödie, in der die Konflikte und Schwächen der Stars des Showbusiness allmählich zum Vorschein kommen und wichtige Lebensthemen an die Oberfläche bringen.

Denkanstoß
Als Zahnrad in einem System arbeiten oder für die eigene Vision? Abhängigkeit oder Unabhängigkeit? Beides ist nicht ganz real: Die Realität, die überall passiert, in jeder Branche, bei jedem Naturereignis, ist Interdependenz. Wir sind alle absolut voneinander abhängig, nicht nur zwischen Menschen, nicht nur zwischen Nationen, sondern zwischen Bäumen und Menschen, zwischen Tieren und Bäumen, zwischen Vögeln und Sonne, zwischen Mond und Ozeanen, alles ist

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Dementia

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Horror, Noir, von John Parker, Vereinigte Staaten, 1955.
Es ist Nacht. Eine Frau wacht plötzlich aus einem Albtraum in einem schäbigen Hotel in den Vororten von Los Angeles auf. Sie verlässt das Zimmer und wandert durch die Nachbarschaft. Sie trifft einen Zwerg, der Zeitungen mit der Schlagzeile „Mysteriöses Messerstechen“ verkauft. In einer dunklen Gasse belästigt ein Betrunkener sie, und ein Polizist rettet sie. Dann trifft sie einen elegant gekleideten Mann mit einem dünnen Schnurrbart. Der Mann gibt ihr eine Blume und überredet sie, in die Limousine mit einem reichen, dicken Mann einzusteigen. Während sie durch die Stadt fahren, denkt der Mann an sein Kindheitstrauma und den gewalttätigen Vater, der ihn mit einem Messer erstach, nachdem er seine untreue Mutter erschossen hatte. Der reiche Mann nimmt sie mit, um in mehreren Nachtclubs Spaß zu haben, und dann zu ihrer Wohnung. Zuerst ignoriert er die Frau, während sie sich an einer großen Mahlzeit gütlich tut. Sie verführt ihn, und er nähert sich ihr aufgeregt.

Ein visionärer und halluzinatorischer Albtraum, ohne Dialog, während einer Nacht einer einsamen Frau in Los Angeles. Zwischen Horror, Film Noir und expressionistischem Film, ursprünglich von Parker als Kurzfilm basierend auf einem Traum seiner Sekretärin Barrett konzipiert, die auch die Darstellerin des Films wurde. Der Film wurde vom New York State Film Board blockiert, bevor er 1955 in den Kinos veröffentlicht wurde. Später kaufte Jack H. Harris ihn und erstellte eine neue Version mit einem anderen Schnitt, fügte auch einen Voiceover hinzu und änderte den Titel. Dies ist die Originalversion.

Ohne Dialog

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Carnival of souls

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Horror, von Herk Harvey, Vereinigte Staaten, 1962.
Mary Henry überlebt unverletzt einen Autounfall, bei dem ihre zwei Begleiter ums Leben kommen, und begibt sich auf ein seltsames Abenteuer in Salt Lake City, wo sie sich zu einem verfallenen Pavillon am See hingezogen fühlt und von einer geisterhaften Gestalt (gespielt vom selben Regisseur) heimgesucht wird. Ein Low-Budget-Horror-Meisterwerk (30.000 $), das bei seiner Veröffentlichung unbeachtet blieb, aber seit den späten 1980er Jahren in den Vereinigten Staaten zum Kultfilm geworden ist. Klänge und Bilder, die Regisseure wie George Romero und David Lynch inspiriert haben (die maskierte Figur aus „Lost Roads“).

SPRACHE: Englisch
UNTERTITEL: Italienisch

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