Films de femmes qui ont changé l’histoire du cinéma

Le cinéma, dès ses origines, a utilisé le visage féminin comme son miroir le plus puissant, capable d’exprimer des mondes entiers de beauté, de douleur et de rébellion. L’imaginaire collectif est marqué par des figures féminines inoubliables : des héroïnes d’action qui redéfinissent la force, des icônes romantiques qui rêvent de liberté, et des protagonistes d’histoires de triomphe contre toute attente. Ces œuvres monumentales ont créé des mythes universels.

Mais au-delà de ces figures, existe un univers d’histoires plus complexes, souvent racontées loin des projecteurs. C’est un cinéma qui ne se contente pas de montrer la femme comme « muse », mais qui l’explore en tant que « créatrice », investiguant sa psyché, sa lutte pour l’autodétermination, et sa voix unique. C’est un cinéma qui aborde la rébellion silencieuse, l’identité fragmentée, et les dynamiques de pouvoir complexes.

Ce guide est un voyage à travers tout le spectre de la représentation féminine. C’est un chemin qui unit les grands chefs-d’œuvre qui ont défini le genre aux œuvres indépendantes les plus courageuses indépendantes. Un portrait complet de la condition féminine capturée par la caméra, explorant ce que signifie être une femme, une mère, une artiste, ou une rebelle, dans toute sa complexité magnifique et contradictoire.

Les femmes dans les films aux origines du cinéma

Une des femmes pionnières dans l’histoire du cinéma fut Alice Guy, reconnue comme la première réalisatrice à créer des longs métrages. Elle assista aux projections des frères Lumière à Paris et croyait que le cinéma détenait non seulement un potentiel documentaire et scientifique mais, plus important encore, un potentiel narratif. Captivée par cette invention remarquable, elle chercha rapidement des opportunités dans l’industrie cinématographique émergente.

Alice travailla initialement comme secrétaire pour les vendeurs de caméras Gaumont avant de devenir l’une des figures les plus notables du cinéma français. Elle débuta sa carrière en tant que réalisatrice de films de reproduction puis passa à la réalisation de films. Son premier film, La Fée aux Choux, fut réalisé en 1896, suivi de nombreuses autres œuvres remarquables. En 1907, elle émigra aux États-Unis avec son mari et fonda sa propre société de production.

Regarder Alice Guy Blanche

Films féminins : Helene Gardner

Une autre figure importante dans l’évolution de l’histoire du cinéma fut Helen Gardner. Elle est créditée d’avoir créé le prototype de la Femme Fatale, incarnant souvent des femmes aux caractères forts et complexes.

Helene Gardner n’était pas seulement une actrice ; elle avait un amour profond pour le cinéma. En réalité, elle était aussi productrice, décoratrice, costumière, et monteuse des films dans lesquels elle apparaissait. Une artiste qui s’exprimait pleinement à travers le film, elle fut parmi les pionnières dédiées aux longs métrages à une époque où ceux-ci étaient encore relativement méconnus.

Mabel Normand fut l’une des premières stars de cinéma. Elle joua plusieurs rôles dans les premiers films de Charlie Chaplin, contribuant à lancer son succès. Des films dont elle fut également scénariste et réalisatrice. Elle mourut à l’âge de 37 ans. Une des étoiles du Hollywood Walk of Fame lui est dédiée. 

Femmes au cinéma : Julia ⁢Crawford ⁣Ivers

Julia‌ Crawford⁤ Ivers fut l’une des réalisatrices et scénaristes pionnières d’Hollywood lors de la transformation de la région de Los Angeles, d’un paysage désertique en un centre cinématographique. À mesure que l’industrie du film prospérait, elle devint synonyme d’écriture cinématographique prestigieuse. ⁤Elle collabora également à de nombreux films avec son fils, ⁤James Van Trees, qui s’occupait de la photographie.

Femmes au cinéma : Cleo⁣ Madison

Cleo Madison fut l’une des femmes pionnières devenues stars d’Hollywood grâce à des films mettant en avant un regard résolument féminin. Elle fut parmi les premières actrices à incarner des rôles soulignant des problématiques sociales, abordant la discrimination envers les femmes et défendant leur émancipation, tout en défiant le machisme dominant de son époque. En 1915, elle fut également engagée par Global comme réalisatrice de courts et longs métrages.

Dans les années suivantes, l’industrie cinématographique hollywoodienne évolua en une entreprise multimillionnaire, et la présence des femmes dans les rôles clés diminua considérablement. Les postes les plus influents au sein de l’industrie étaient majoritairement occupés par des hommes. Au milieu des années 1930, la plupart des femmes furent reléguées à des rôles secondaires, tels que secrétaires de publication et de production.

En dehors de leurs rôles d’actrices et de scénaristes, les femmes occupent aujourd’hui seulement un faible pourcentage de postes dans l’industrie cinématographique, notamment aux États-Unis et dans le cinéma grand public.

Les cadres des grandes sociétés de production sont majoritairement des hommes, et ils ont tendance à financer des projets reflétant une vision masculine du monde. En conséquence inévitable, seules quelques réalisatrices ont eu la possibilité de laisser leur empreinte dans l’histoire du cinéma, comme elles le mériteraient véritablement.

Self Defence

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Documentaire, par Olaf de Fleur, Islande, 2025.
Self-Defence suit l'histoire d'Imma Helga, une instructrice d'autodéfense en Islande qui a transformé ses luttes adolescentes contre les préjugés, l'homophobie et la dépression en une mission d'autonomisation. Avec son frère Jón Viðar, elle enseigne une approche pratique et réaliste de l'autodéfense, aidant les femmes à se sentir plus conscientes, capables et confiantes. À travers des cours, des témoignages et leur présence sur les réseaux sociaux avec plus d'un million d'abonnés, le film montre que l'autodéfense n'est pas un acte héroïque mais une compétence de base et accessible : un moyen de se protéger, de reprendre sa place et d'affirmer sa présence. En mêlant moments d'enseignement et parcours personnel d'Imma, Self-Defence explore le lien entre croissance intérieure et protection physique, révélant que apprendre à tenir sa position signifie aussi retrouver force, respect de soi et liberté.

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Nomadland (2020)

Après avoir tout perdu lors de la Grande Récession, Fern, une femme dans la soixantaine, décide de quitter sa ville fantôme du Nevada et d’entreprendre un voyage à travers l’Ouest américain. Vivant dans son van, qu’elle appelle « Vanguard », elle rejoint une communauté de nomades modernes, des personnes ayant abandonné la vie conventionnelle pour chercher un travail saisonnier et une nouvelle forme de liberté et de communauté sur la route.

Le film oscarisé de Chloé Zhao est un portrait poétique et mélancolique d’une femme tentant de reconstruire sa vie en marge du rêve américain brisé. Tourné dans un style quasi-documentaire et mettant en scène de vrais nomades jouant leur propre rôle, Nomadland est une œuvre d’une rare authenticité, explorant la perte, la résilience et la quête d’une nouvelle signification du « chez-soi ».

La force de Fern, interprétée avec une intensité extraordinaire par Frances McDormand, est silencieuse et tenace. Elle n’est pas une rebelle, mais une survivante. Son nomadisme n’est pas un choix idéologique, mais une nécessité qui se transforme en une forme de libération. Elle apprend à être autonome, à réparer sa camionnette, à trouver du travail dans des lieux comme les entrepôts d’Amazon, symbole d’une économie qui exploite et jette.

Promising Young Woman (2020)

Cassie était une étudiante en médecine prometteuse, mais elle a abandonné après que sa meilleure amie, Nina, a été victime d’un viol qui a détruit sa vie. Aujourd’hui, Cassie mène une double vie : le jour, elle travaille dans un café, la nuit, elle fréquente les bars en faisant semblant d’être ivre pour démasquer les « gentils garçons » qui tentent d’abuser d’elle. Sa mission de vengeance prend un nouveau tournant lorsqu’un ancien camarade de classe réapparaît dans sa vie.

Emerald Fennell livre une œuvre audacieuse et dérangeante, un thriller de vengeance qui subvertit les clichés du genre et de la comédie romantique pour lancer une critique féroce de la culture du viol. Promising Young Woman est un film inconfortable qui utilise une esthétique pop et colorée pour raconter une histoire de traumatisme, de colère et de deuil.

Chasing Butterflies

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Comédie romantique, réalisée par Rod Bingaman, États-Unis, 2009.
Nina s'enfuit de chez elle quelques heures avant son mariage. Pour ne pas retarder la cérémonie de mariage de sa mère, elle fait semblant d'être Nina et épouse son petit ami. Peu après, ils commencent leur recherche pour retrouver Nina et la ramener : le mari de Nina est convaincu qu'elle ne l'aime plus. Un garçon nerd de quinze ans rencontre Nina dans la rue et essaie de l'impressionner avec la Corvette de son père qu'il a prise en cachette sans avoir son permis de conduire. Pendant ce temps, une jeune femme rebelle et son petit ami, évadé de prison, rencontrent le garçon et volent sa Corvette, semant la panique avec une série de vols alors qu'ils se dirigent vers le Canada, à la recherche d'une vie meilleure et d'argent pour réaliser leur rêve d'amour. Pendant ce temps, Nina rencontre dans un bus un homme en fuite d'un mariage raté : un célèbre animateur de radio local abandonné par sa femme. Mais le bus sera la cible d'un braquage par le couple fiancé "Natural Born Killers".

Chasing the Butterflies est une comédie romantique pleine d'action peuplée de personnages destinés à se croiser. L'amour leur donne de l'énergie ou les effraie, chacun est en fuite à la recherche d'une vie meilleure ou parce qu'ils ne savent pas comment gérer les responsabilités. Tous refusent d'être emprisonnés dans les conventions sociales, même lorsqu'ils les ont eux-mêmes recherchées, même lorsque la convention sociale est celle d'un mariage avec un homme qu'on aime encore. Un road trip parsemé de situations grotesques et de dialogues hilarants, souvent en argot américain, réalisé de manière indépendante, avec un casting très intéressant.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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Portrait de la jeune fille en feu (2019)

À la fin du XVIIIe siècle, la peintre Marianne est engagée pour réaliser le portrait de mariage d’Héloïse, une jeune femme qui vient de quitter le couvent et est destinée à un mariage qu’elle ne souhaite pas. Comme Héloïse refuse de poser, Marianne doit l’observer en secret lors de leurs promenades puis la peindre en cachette. Entre les deux femmes, presque totalement isolées sur une île bretonne, naît une intimité profonde, faite de regards, d’art et d’amour.

Le film de Céline Sciamma est la manifestation la plus pure et la plus puissante du regard féminin dans le cinéma contemporain. C’est une œuvre entièrement construite sur l’acte de regarder, mais qui subvertit des siècles d’histoire de l’art et du cinéma où la femme était la muse passive et l’homme l’artiste créateur. Ici, la relation entre artiste et modèle est réciproque, un échange d’égal à égal. « Quand tu me regardes, qui est-ce que je regarde ? » demande Héloïse, démantelant la hiérarchie du regard.

Spencer (2021)

Nous sommes à Noël 1991, et la famille royale est réunie au domaine de Sandringham. Pour la princesse Diana, ces trois jours sont un cauchemar de rituels étouffants et de tensions familiales. Son mariage avec le prince Charles est sur le point de s’effondrer. Harcelée par les paparazzis, tourmentée par la boulimie et piégée dans un rôle qui la détruit, Diana mène un combat intérieur pour sa santé mentale et son identité, ne trouvant de réconfort que dans ses enfants et le fantôme d’Anne Boleyn.

Pablo Larraín ne crée pas un biopic traditionnel, mais une « fable d’une tragédie vraie ». Spencer est un film d’horreur psychologique, une immersion claustrophobe dans l’esprit d’une femme au bord du gouffre. Le film ne s’intéresse pas à la chronique des événements, mais à l’expérience émotionnelle de l’emprisonnement. Sandringham n’est pas un palais, mais une cage dorée, où chaque geste est contrôlé, chaque tenue imposée, chaque repas une épreuve.

Hollywood Dreams

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Comédie, drame, par Henry Jaglom, États-Unis, 2007.
L'actrice en herbe Margie Chizek cherche la célébrité à Hollywood. Elle est rejetée par le milieu du cinéma, tombe amoureuse, découvre les tromperies derrière le monde de la publicité cinématographique et comprend mieux son identité qu'elle-même. Sauvée de la ruine par un producteur bienveillant, Margie parvient à entrer dans le monde des riches à Hollywood et tombe amoureuse d'un jeune acteur, qui construit sa carrière en prétendant être gay. Le couple devra faire face au show-business et à la manipulation de l'identité sexuelle. Hollywood Dreams captive le public grâce à l'extraordinaire performance de Tanna Frederick et à son personnage d'actrice tourmentée et émotionnellement instable, une prestation surprenante et émouvante. Le personnage d'une femme fragile, prisonnière de faux mythes, parfois repoussante et bizarre. Entre les mains du réalisateur indépendant non conformiste Henry Jaglom, le charme des fausses illusions du succès est raconté de manière exemplaire et irrésistible.

L'histoire du cinéma est pleine de films sur des personnes faisant des films, ce qui peut être interprété comme une histoire universelle : chacun aspire au succès, à la reconnaissance et à la célébrité dans un domaine compétitif. Hollywood Dreams de Henry Jaglom est un film subversif, une satire d'une industrie basée sur la tromperie. Inspiré par la liberté productive et l'improvisation des acteurs du cinéma indépendant de John Cassavetes, plus rigoureux et passionnant que les autres films de Henry Jaglom, Hollywood Dreams se concentre sur une actrice souriante qui devient soudainement célèbre. Le réalisateur, dans son quinzième film, devient plus mélancolique et entreprend un voyage entre souvenirs cinématographiques et confusion d'identité de genre. Le style est toujours réaliste, presque documentaire, comme dans d'autres films de Jaglom. L'un des réalisateurs indépendants américains les plus connus dans une humeur nostalgique, réfléchissant aux aspects négatifs de la célébrité et du succès.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : espagnol, français, allemand, portugais

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The Favourite (2018)

Au début du XVIIIe siècle, l’Angleterre est en guerre contre la France. La fragile et instable reine Anne est sur le trône, mais le pays est effectivement gouverné par sa proche amie et conseillère, Lady Sarah. L’arrivée à la cour d’Abigail, la cousine déchue de Sarah, bouleverse cet équilibre. Abigail use de son charme pour s’attirer les faveurs de la reine, déclenchant une rivalité impitoyable avec Sarah pour devenir la nouvelle « favorite ».

Yorgos Lanthimos transforme le drame en costume en une comédie noire, acide et grotesque sur les dynamiques du pouvoir. The Favourite est un film où les hommes sont des figures marginales, des pions dans une partie d’échecs impitoyable menée entièrement par trois femmes. Le pouvoir n’est pas une abstraction politique, mais une lutte personnelle, menée avec ruse, manipulation, sexe et cruauté psychologique.

Lady Bird (2017)

Christine McPherson, qui tient à être appelée « Lady Bird », est une adolescente en terminale dans une école catholique de Sacramento en 2002. Elle rêve de fuir sa ville, qu’elle trouve ennuyeuse, pour fréquenter une université prestigieuse de la côte Est. Le film suit son année de transition, à travers amitiés, premiers amours, déceptions et, surtout, une relation turbulente, conflictuelle et profondément aimante avec sa mère, Marion.

Greta Gerwig, avec son premier film en tant que réalisatrice, crée une histoire d’apprentissage d’une sincérité et d’une acuité désarmantes. Lady Bird se distingue par la manière dont il déplace le centre d’intérêt du genre : le vrai conflit, la vraie histoire d’amour, ne se joue pas avec les garçons, mais entre une fille et sa mère. Leur relation est le cœur battant du film, un champ de bataille de malentendus quotidiens et, en même temps, un lien indéfectible.

The House is Black

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Documentaire, par Forough Farrokhzad, Iran, 1963.
La Maison est Noire est un film lyrique et transcendant qui pose un regard plein de compassion et de religiosité sur une humanité souffrante. La seule source d’harmonie se trouve en dehors de la colonie de lépreux, dans la nature : la souffrance règne à l’intérieur. Même la foi religieuse ne parvient pas à apporter de soulagement. Un documentaire sur la vie et la souffrance dans un hôpital pour lépreux à Esperan, dans le district central du comté de Tabriz, où le temps semble s’être arrêté, où la routine quotidienne se répète sans fin, privée de tout espoir. Le film mêle les images à la poésie de la réalisatrice Forough Farrokhzad et à des citations de l’Ancien Testament et du Coran. Pendant le tournage, la réalisatrice s’est prise d’affection pour Hossein Mansouri, un enfant dont les parents souffraient de la lèpre, et elle a décidé de l’adopter. Peu connu à sa sortie, La Maison est Noire est devenu la référence du cinéma iranien dans les années suivantes. Il peut être considéré comme le premier film ayant donné naissance au mouvement de la Nouvelle Vague iranienne. Forugh Farrokhzad, célèbre poétesse féministe iranienne au style controversé et moderniste, fut l’une des voix féminines les plus importantes de la poésie et du cinéma iraniens. Sa personnalité autoritaire et charismatique fut durement éprouvée par l’ostracisme et la désapprobation des conservateurs et du gouvernement islamique, qui interdisaient ses poèmes plus d’une décennie après sa mort dans un tragique accident de voiture à seulement 32 ans. La Maison est Noire est son seul film. Farugh Farrokhzad utilise sa sensibilité pour approcher la caméra de ce qui ne devrait pas être regardé, vers les lépreux et les marginalisés, avec un respect absolu. Un film à ne pas manquer.

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I, Tonya (2017)

Le film raconte l’histoire vraie, absurde et tragique de la patineuse artistique Tonya Harding. Élevée dans un milieu de pauvreté et de maltraitance, sous le contrôle d’une mère violente et peu affectueuse, Tonya émerge comme un talent extraordinaire, la première Américaine à réaliser un triple axel en compétition. Sa carrière est cependant irrémédiablement compromise par son implication dans l’attaque contre sa rivale, Nancy Kerrigan.

I, Tonya n’est pas un biopic conventionnel. Utilisant un style mockumentaire, avec des interviews contradictoires des protagonistes brisant le quatrième mur, le film de Craig Gillespie explore la nature subjective de la vérité et critique avec virulence la manière dont les médias et la société construisent et détruisent leurs idoles.

Toni Erdmann (2016)

Winfried, un professeur de musique à la retraite adepte des farces, s’inquiète pour sa fille Ines, une consultante d’entreprise ambitieuse et workaholic vivant à Bucarest. Sentant qu’elle a perdu son sens de l’humour et sa joie de vivre, Winfried décide de lui rendre une visite surprise. Après une première tentative ratée, il se réinvente en « Toni Erdmann », un coach de vie excentrique avec une perruque et des fausses dents, et commence à la suivre lors de ses réunions professionnelles et sorties sociales.

Le film de Maren Ade est une comédie aussi hilarante que profondément émouvante sur la déconnexion entre un père et sa fille, ainsi qu’une critique acerbe de l’inhumanité du monde corporatif moderne. La narration longue et digressive prend son temps pour explorer les dynamiques complexes d’une relation familiale usée par la distance et des modes de vie opposés.

Premier Contact (2016)

Lorsque douze mystérieux vaisseaux extraterrestres atterrissent en différents points du globe, l’armée américaine recrute le Dr Louise Banks, une linguiste experte, pour établir la communication. Alors que le monde vacille au bord d’une guerre mondiale, Louise doit déchiffrer leur langue complexe et non linéaire, un processus qui révélera non seulement le but de leur visite mais changera à jamais sa perception du temps et de la vie.

Premier Contact est un film de science-fiction qui ne se concentre pas sur l’action ou la technologie, mais sur l’intelligence, l’empathie et la communication. La protagoniste, le Dr Louise Banks, est une héroïne radicalement différente des standards du genre. Sa force n’est pas physique, mais intellectuelle et émotionnelle. Elle sauve le monde non pas avec des armes, mais avec des mots, avec sa capacité à écouter, comprendre et construire un pont entre deux espèces.

Le film de Denis Villeneuve est une méditation profonde sur le langage et la manière dont il façonne nos pensées et notre réalité. L’hypothèse Sapir-Whorf, qui postule que la langue que nous parlons influence notre vision du monde, est le cœur narratif du film. En apprenant la langue circulaire des extraterrestres, Louise commence à percevoir le temps de manière non linéaire, expérimentant passé, présent et futur simultanément.

Ninnao

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Court métrage, drame, par Ernesto M. Censori, Italie, 2020.
Ninnaò aborde le thème des mères nourricières de manière directe et brute, mettant en lumière de façon originale les relations qui se nouent entre deux femmes qui finiront par se disputer le bébé. Celle qui saura tirer le mieux parti de la situation l'emportera. Produit par le Centre Expérimental de Cinématographie à Rome, c'est un film sur le thème de la famille, qui raconte les racines intimes de l'être humain et les dynamiques familiales. Tourné au Palazzo De Stefani, à Ciriaco, une résidence historique datant de la fin du XVIIIe siècle dans une petite ville au cœur de la Calabre, Girifalco. L'histoire se déroule principalement en un seul lieu, avec un casting entièrement féminin. Les protagonistes sont sa maîtresse et sa servante, deux mères et un enfant à allaiter qui devient un motif d'intrigues et de secrets. Les principales actrices de Ninnaò sont Angela Fontana et Donatella Finocchiaro. La réalité des lieux, des personnages et des traditions calabrais est ancrée dans l'histoire. Pour le réalisateur, la Calabre du début du XXe siècle est le « terreau fertile » pour mettre en lumière les dynamiques familiales de l'aristocratie, dont la vie était souvent mêlée et enveloppée à celle de ses humbles serviteurs, enfants du peuple.

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Elle (2016)

Michèle Leblanc, une femme d’affaires prospère à la tête d’une société de jeux vidéo, est violée chez elle par un agresseur masqué. Au lieu de signaler l’incident à la police ou de s’effondrer sous le poids du traumatisme, Michèle réagit d’une manière totalement inattendue. Avec froideur et pragmatisme, elle poursuit sa vie, cherchant à découvrir l’identité de son agresseur et s’engageant dans un jeu psychologique pervers et dangereux avec lui.

Paul Verhoeven réalise un thriller provocateur et moralement ambigu qui démolit tous les stéréotypes sur la victimisation féminine. Elle est un film qui défie constamment le spectateur, le forçant à remettre en question ses attentes quant à la manière dont une femme « devrait » réagir face à la violence. La réaction de Michèle n’est ni la peur ni la soumission ; c’est la curiosité, le contrôle, presque la défiance.

Figures cachées (2016)

Dans les années 1960, au cœur de la ségrégation raciale et de la course à l’espace, trois brillantes mathématiciennes afro-américaines travaillent à la NASA. Katherine Johnson, Dorothy Vaughan et Mary Jackson sont les esprits brillants derrière l’une des plus grandes opérations de l’histoire : le lancement de l’astronaute John Glenn en orbite. Ces trois femmes doivent affronter non seulement les chiffres, mais aussi les barrières raciales et sexistes dans un environnement dominé par des hommes blancs.

Figures cachées est une histoire cruciale d’émancipation qui se déploie sur deux fronts : la lutte pour les droits civiques et la lutte pour la reconnaissance des femmes. La force de ses protagonistes est avant tout intellectuelle. À une époque où les femmes, et particulièrement les femmes noires, étaient reléguées en marge, Katherine, Dorothy et Mary prouvent que le génie n’a ni couleur ni sexe.

Suffragette (2015)

Au début du XXe siècle à Londres, Maud Watts est une jeune blanchisseuse, épouse et mère dont la vie bascule lorsqu’elle s’implique, presque par hasard, dans le mouvement suffragette naissant et de plus en plus radical. D’abord craintive, Maud se transforme en militante passionnée, prête à sacrifier son emploi, sa famille et sa liberté pour la lutte pour le droit de vote des femmes.

Suffragette traduit une grande bataille historique en une expérience intime et personnelle. Le film évite le piège du biopic hagiographique en se concentrant non pas sur les leaders du mouvement, mais sur une femme ordinaire, une ouvrière dont la politisation est un processus graduel et douloureux. La force de Maud n’est pas innée ; c’est un acquis, forgé dans le feu de l’injustice et du sacrifice.

Mustang (2015)

Dans un village reculé de Turquie, cinq sœurs orphelines vivent avec leur grand-mère et leur oncle. Après avoir été vues en train de jouer innocemment sur la plage avec des garçons, leur famille conservatrice réagit avec brutalité. La maison est transformée en prison : les filles sont retirées de l’école, forcées d’apprendre les tâches ménagères et préparées à des mariages arrangés. Mais les sœurs, unies par un lien indestructible, ne renoncent pas et luttent pour leur liberté.

Mustang est un film puissant et déchirant, une histoire d’apprentissage qui prend les allures d’un thriller d’évasion. Le film de Deniz Gamze Ergüven est une dénonciation féroce de l’oppression patriarcale et religieuse, qui considère la vitalité et la sexualité féminines comme une menace à contrôler et à réprimer. Les cinq sœurs, à l’image des chevaux sauvages du titre, représentent une énergie vitale qui refuse d’être domptée.

Miss Oyu

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Drame, réalisé par Kenji Mizoguchi, Japon, 1951.
Le célibataire Shinnosuke tombe amoureux de Mademoiselle Oyu, la compagne de sa sœur cadette Shizu qui lui rend visite en tant que future épouse. Le tabou familial empêche Shinnosuke d'épouser Oyu. Il épouse Shizu sans consommer leur mariage afin que Shinnosuke puisse rester fidèle à l'inconsciente Oyu. Cependant, l'engagement du couple envers les apparences a un prix. Le manque de sexualité et les rumeurs malveillantes sur le ménage à trois conduisent à des reproches, une séparation et davantage de souffrances. Mademoiselle Oyu est une réinterprétation radicale par Mizoguchi et son scénariste Yoshikata Yoda du roman de Junichiro Tanizaki, Le Coupeur de roseaux (1932). Mademoiselle Oyu évolue dans une aura d'art élevé et de bon goût : générique d'ouverture au-delà de peintures de nuages, compositions de chefs-d'œuvre de l'art chinois et japonais, intérieurs décorés avec des meubles raffinés et des objets d'art, récitals de musique classique japonaise et chansons dérivées de la poésie japonaise, références aux costumes, à l'histoire et à la littérature de l'époque Heian, beautés historiques et naturelles ; rituels japonais tels que l'ikebana, le bonsaï et les cérémonies du thé. Une grande représentation de la culture japonaise exotique et pittoresque, Mademoiselle Oyu fut le premier des drames en costumes des années 1950 qui rendra Mizoguchi célèbre en dehors du Japon.

LANGUE : japonais
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Carol (2015)

À New York au début des années 1950, Therese, une jeune photographe en herbe, travaille dans un grand magasin pendant les vacances de Noël. Là, elle rencontre Carol, une femme élégante et sophistiquée prisonnière d’un mariage malheureux. Une attraction immédiate et profonde naît entre elles, qui se transforme en une liaison clandestine, défiant les conventions sociales et morales rigides d’une époque profondément répressive.

Todd Haynes réalise un mélodrame d’une extraordinaire finesse visuelle et d’une grande profondeur émotionnelle. Carol est un film qui raconte une histoire d’amour interdite non pas par de grandes déclarations, mais par l’implicite, le langage secret des regards, des gestes et des silences chargés de sens. À une époque où ce type d’amour n’avait ni nom ni place dans la société, chaque effleurement de main sur une épaule, chaque regard prolongé devient un acte de courage et de transgression.

A Girl Walks Home Alone at Night (2014)

Dans la ville désolée et spectrale de Bad City en Iran, un vampire solitaire, vêtu d’un chador qui flotte comme une cape, arpente la nuit. Elle cible les hommes qui manquent de respect aux femmes : trafiquants de drogue, proxénètes, hommes violents. Son existence immortelle et solitaire est bouleversée par sa rencontre avec Arash, un jeune homme gentil et mélancolique, lui aussi une âme perdue dans ce lieu sans espoir.

Présenté comme « le premier western vampire iranien », le premier film d’Ana Lily Amirpour est une œuvre culte, un joyau stylistique en noir et blanc qui mêle genres et influences pour créer quelque chose d’unique. Le vampire, connue seulement sous le nom de « la Fille », est une figure fascinante et puissante, une métaphore féministe de la vengeance et de la protection.

Dans une société patriarcale, la Fille subvertit les dynamiques de pouvoir. C’est elle qui chasse, qui inspire la terreur. Son chador, symbole de modestie et d’oppression dans certains contextes, se transforme ici en icône de pouvoir surnaturel, une cape de super-héros alors qu’elle glisse dans les rues sombres. Elle est un ange vengeur qui punit le pire de la masculinité toxique.

Under the Skin (2013)

Une entité extraterrestre, sous l’apparence d’une femme, arpente les rues d’Écosse pour séduire et enlever des hommes.

Une expérience cinématographique unique, ce film suit une entité extraterrestre qui attire et « collecte » des hommes. L’horreur ne réside pas dans les « sursauts », mais dans la déshumanisation et la terrifiante perspective étrangère sur notre espèce, vue comme de la simple viande d’abattoir. Le film est une méditation profonde sur la sexualité, l’identité et l’empathie, ainsi que sur la fine ligne qui sépare l’observateur de l’implication, utilisant des caméras cachées pour brouiller la frontière entre fiction et documentaire.

Zero Dark Thirty (2012)

Après les attentats du 11 septembre, la CIA lance une chasse à l’homme qui durera une décennie pour retrouver Oussama ben Laden. Au centre de cette opération se trouve Maya, une jeune analyste brillante qui consacre toute son existence à cette mission. Travaillant dans un environnement dominé par les hommes et confrontée au scepticisme et aux obstacles bureaucratiques, Maya poursuit avec ténacité une seule piste qui mènera finalement à la découverte et à l’élimination du chef d’al-Qaïda.

Maya est un personnage défini par une concentration professionnelle absolue, presque obsessionnelle. Dans Zero Dark Thirty, réalisé par Kathryn Bigelow, la force de la protagoniste est purement intellectuelle et résiliente. Elle n’est pas une soldate, mais c’est elle qui dirige les soldats. Sa mission devient son identité, jusqu’à l’épuisement émotionnel. Maya représente une forme de leadership féminin fondée sur la rigueur analytique et un refus d’abandonner, même entourée de doutes.

Wadjda (2012)

Wadjda est une fillette vive et entreprenante de dix ans vivant dans une banlieue de Riyad, en Arabie Saoudite. Son plus grand désir est de posséder un vélo vert pour pouvoir faire la course avec son ami Abdullah. Mais dans sa société, les vélos ne sont pas considérés comme appropriés pour les filles, car ils pourraient compromettre leur vertu. Déterminée, Wadjda décide de gagner l’argent elle-même en participant à un concours de Coran à l’école.

Dans ce geste apparemment simple, Wadjda incarne une révolution. Premier long métrage tourné entièrement en Arabie Saoudite par une réalisatrice, Haifaa al-Mansour, utilise le désir d’une jeune fille pour un objet banal comme une puissante métaphore de la lutte pour la liberté et l’autodétermination féminine dans l’une des sociétés les plus conservatrices du monde.

Osaka Elegy

Maintenant disponible

Drame, de Kenji Mizoguchi, Japon, 1936.
Ayako Murai est opératrice téléphonique pour la société pharmaceutique Asai, dans la ville d'Osaka en 1930. Pour payer les dettes de son père, au chômage et menacé d'arrestation pour non-remboursement d'un prêt, elle accepte de devenir la maîtresse de son employeur. Après avoir payé les dettes de son père, sa relation avec M. Asai est interrompue en raison de la jalousie de la femme de ce dernier, Sonosuke, qui interdit catégoriquement à son mari de la revoir avec son amant. Cependant, Ayako, dans une tentative d'aider à payer les frais universitaires de son frère Hiroshi, continue à être la maîtresse qu'elle entretenait aux dépens d'un autre admirateur, M. Fujino.

Film sur la condition des femmes, comme une grande partie de la filmographie de Mizoguchi. La protagoniste est victime d'une société patriarcale et machiste où l'argent est la valeur dominante. Film magistral pour la description réaliste de la ville d'Osaka, lyrique et lucide dans sa critique sociale. Mizoguchi parlant de ce film, disait : « Ce n'est qu'à quarante ans que j'ai trouvé ma voie ». La simplicité de l'histoire et du style est exemplaire dans Osaka Elegy. Le film fut interdit après 1940 par les militaristes, c'est un chef-d'œuvre inégalé du réalisme cinématographique.

LANGUE : japonais
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Fish Tank (2009)

Mia, une adolescente de quinze ans au tempérament fougueux et isolée, vit dans une cité HLM dans l’Essex avec sa mère célibataire et sa sœur cadette. Exclue de l’école et éloignée de ses anciens amis, sa seule passion et échappatoire est la danse hip-hop, qu’elle pratique seule dans un appartement vide. Sa vie monotone et conflictuelle est bouleversée par l’arrivée de Connor, le nouveau petit ami charmant de sa mère, qui semble être la première personne à la remarquer et à encourager son talent.

Le cinéma d’Andrea Arnold se caractérise par un réalisme brut et une profonde empathie pour ses personnages, en particulier les jeunes femmes vivant en marge. Fish Tank est un portrait puissant et sans filtre d’une adolescence difficile, une immersion dans un monde aux opportunités limitées et aux affections dysfonctionnelles.

Persepolis (2007)

À travers une animation stylisée et puissante en noir et blanc, Marjane Satrapi raconte son enfance et son adolescence en Iran pendant et après la Révolution islamique. Élevée dans une famille progressiste, la jeune et rebelle Marji est témoin de la chute du Shah, de la montée du régime des ayatollahs et de la guerre avec l’Irak. Envoyée en Europe pour sa sécurité, elle affronte une nouvelle forme d’aliénation avant de revenir dans une patrie qu’elle ne reconnaît plus.

Persepolis est une histoire d’apprentissage à la fois profondément politique et intensément personnelle. Le récit de Marjane est celui d’une femme qui lutte pour son identité et sa liberté dans un monde qui cherche constamment à la définir et à la réprimer. Le voile, imposé par le nouveau régime, devient le symbole le plus puissant de cette oppression, une tentative d’effacer l’individualité et la voix des femmes.

Kill Bill : Vol. 1 (2003)

Une femme, connue seulement sous le nom de « la Mariée », se réveille d’un coma de quatre ans. Ancienne membre d’une escouade d’assassins d’élite, elle a été trahie et laissée pour morte le jour de son mariage par son patron et amant, Bill. Désormais, animée par une soif implacable de vengeance, elle entame un chemin sanglant pour éliminer, un par un, tous les responsables du massacre.

Si Ripley représente la force de la survie, la Mariée de Quentin Tarantino incarne la force de la vengeance. Kill Bill est une œuvre postmoderne qui puise largement dans le cinéma de genre, mais son cœur battant est l’une des représentations les plus pures de la fureur féminine jamais portée à l’écran. La violence n’est pas seulement un outil, mais un langage, le seul possible pour exprimer une douleur et une trahison aussi totales.

La Leçon de piano (2001)

Erika Kohut est une professeure de piano respectée au Conservatoire de Vienne. Le jour, elle est une figure austère et intransigeante, mais sa vie privée est un abîme de répression psychologique et de perversions sexuelles, dominée par une mère possessive et étouffante. L’arrivée d’un jeune élève talentueux, Walter, qui tombe amoureux d’elle, déclenche ses fantasmes sadomasochistes, les entraînant tous deux dans un jeu dangereux et destructeur.

Le cinéma de Michael Haneke est impitoyable, une dissection clinique des pathologies de la société bourgeoise. La Pianiste est peut-être son œuvre la plus dérangeante et radicale, une exploration sans compromis de la répression féminine et de ses conséquences dévastatrices. La performance d’Isabelle Huppert est d’une précision glaçante, un portrait d’une femme dont l’intelligence et la sensibilité artistique ont été déformées en une arme d’autodestruction.

Erin Brockovich (2000)

Erin Brockovich, mère célibataire au chômage et divorcée deux fois, après avoir perdu un procès pour un accident de voiture, convainc avec ténacité son avocat de lui donner un emploi de commis aux dossiers. En enquêtant sur une affaire immobilière, elle découvre une contamination massive des eaux souterraines par une grande entreprise, Pacific Gas & Electric, qui provoque de graves maladies parmi les habitants d’une petite ville.

La force d’Erin Brockovich ne réside pas dans une capacité physique ou des gestes héroïques, mais dans sa détermination, son empathie et son refus de se conformer. Dans un monde, celui du droit, dominé par des hommes en costume qui la jugent pour ses vêtements provocants et son franc-parler, Erin incarne une forme radicalement différente de pouvoir féminin. Elle ne cherche pas à imiter les hommes pour être acceptée ; au contraire, elle utilise son identité de femme de la classe ouvrière, sa franchise, et même sa sensualité comme des armes.

Early Summer

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Drame, de Yasujirō Ozu, Japon, 1951.
Noriko, une secrétaire de Tokyo, réside à Kamakura avec sa famille, ses parents Shūkichi et Shige, son frère aîné Kōichi, médecin, sa femme Fumiko et leurs deux garçons Minoru et Isamu. Les amis de Noriko sont divisés en deux groupes, mariés et célibataires, qui se taquinent constamment, Aya Tamura étant sa proche alliée dans le groupe des célibataires. La famille de Noriko la pousse à accepter le mariage proposé par Satake, estimant qu'il est temps pour elle de se marier et pensant que le mariage est parfait pour quelqu'un de son âge. Lorsque la mère de Yabe, Tami, demande impulsivement à Noriko d'épouser Yabe et de les suivre dans leur déménagement vers le nord, Noriko accepte sa proposition. La famille accepte la décision de Noriko avec résignation et, avant son départ, ils prennent une photo ensemble. Magnifique drame sur l'unité familiale, faisant partie de la trilogie thématique d'Ozu appelée La Trilogie Noriko : Printemps tardif, Temps de la moisson du blé et Voyage à Tokyo, tous mettant en vedette Setsuko Hara dans le rôle d'un personnage nommé Noriko, sur le thème de la famille au bord d'un grand changement.

Sujet de réflexion
L'amour ne soupçonne jamais, il n'est jamais jaloux. L'amour n'interfère jamais dans la liberté de l'autre. L'amour n'impose rien à l'autre. L'amour donne la liberté, et la liberté ne peut exister que s'il y a de l'espace. L'amour devrait être un don donné et reçu en liberté, mais il ne devrait y avoir aucune revendication. Si vous pouvez avoir la liberté et l'amour en même temps, vous n'aurez besoin de rien d'autre. Vous aurez tout obtenu, tout ce pour quoi vous vivez vous aura été donné.

LANGUE : japonais
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Pain et Tulipes (2000)

Rosalba, femme au foyer de Pescara, est oubliée à une aire d’autoroute lors d’un voyage en famille. Au lieu d’attendre que son mari et ses fils reviennent la chercher, dans un acte impulsif de rébellion, elle décide de faire de l’auto-stop et se retrouve à Venise. Là, elle commence une nouvelle vie, trouvant un emploi chez un fleuriste, logeant chez un serveur islandais mélancolique, et un nouveau cercle d’amis excentriques. Sa fuite se transforme en un voyage de découverte de soi.

Le film de Silvio Soldini est une comédie délicate et poétique, une fable moderne sur la possibilité de se réinventer. Pain et Tulipes raconte une révolution tranquille, celle d’une femme qui pendant des années a été invisible pour sa famille, tenue pour acquise, réduite au rôle d’épouse et de mère. L’incident à l’aire d’autoroute est l’étincelle qui lui permet de se voir à nouveau comme un individu.

Orlando (1992)

L’histoire commence dans l’Angleterre élisabéthaine avec le jeune noble Orlando, à qui la Reine ordonne de ne jamais vieillir. Miraculeusement, Orlando traverse quatre siècles d’histoire, vivant aventures, amours et déceptions. À mi-parcours de son voyage, lors d’une mission diplomatique à Constantinople, il se réveille transformé en femme. Il continuera à vivre à travers les âges, expérimentant les différentes restrictions et attentes imposées aux deux sexes.

L’adaptation par Sally Potter du roman de Virginia Woolf est une exploration visuellement somptueuse et intellectuellement audacieuse de l’identité de genre et de sa fluidité. Orlando est un film radical qui démantèle l’idée selon laquelle le genre serait une caractéristique biologique fixe, le présentant plutôt comme une construction sociale, une performance qui évolue avec les mœurs et les époques changeantes.

Thelma & Louise (1991)

Thelma, une femme au foyer naïve et soumise, et Louise, une serveuse désabusée et pragmatique, partent pour un week-end de vacances afin d’échapper à leur routine. Un événement traumatisant dans un bar transforme leur escapade brève en une fuite désespérée à travers l’Amérique, poursuivies par la loi mais animées par un nouveau et enivrant sentiment de liberté. Leur voyage devient une épopée d’autodétermination et d’amitié indéfectible.

Peu de films ont marqué un tournant culturel comme le chef-d’œuvre de Ridley Scott. Thelma & Louise est plus qu’un road movie ; c’est un manifeste. Sa puissance réside dans le fait d’être un récit intrinsèquement réactif de libération. Toute l’histoire est une fuite : du mari oppressif de Thelma, du traumatisme passé de Louise, d’une société qui d’abord les ignore puis les condamne. Leur liberté ne naît pas dans le vide, mais se définit en opposition directe à un monde patriarcal qui veut les voir passives et silencieuses.

Alien (1979)

L’équipage du vaisseau spatial Nostromo, réveillé de son hibernation pour répondre à un signal de détresse provenant d’une planète inconnue, rencontre une forme de vie extraterrestre mortelle. Alors que la créature commence à les éliminer un par un, l’officier Warrant Ellen Ripley émerge comme la seule capable d’affronter la menace, luttant pour sa propre survie dans un cauchemar claustrophobe au fin fond de l’espace.

Ellen Ripley n’est pas simplement une « femme forte » ; elle est un personnage qui a réécrit les règles de la représentation féminine dans la science-fiction et le cinéma d’action. Sa genèse est emblématique : le rôle avait été initialement conçu pour un homme. Cette occurrence fortuite a permis la création d’une protagoniste définie non par son genre, mais par sa compétence, son pragmatisme et son intelligence. Ripley n’est pas là pour être l’intérêt amoureux de quelqu’un ou la demoiselle en détresse. C’est une professionnelle qui fait son travail.

Une femme sous influence (1974)

Mabel est une épouse et mère aimante, mais son comportement excentrique et son instabilité émotionnelle croissante mettent à l’épreuve la patience de son mari Nick, un ouvrier du bâtiment, et créent des turbulences dans sa famille. Incapable de se conformer aux attentes sociales d’une « bonne épouse », Mabel est jugée « folle » et internée dans une institution. Son retour à la maison révélera toutes les fissures d’un système familial et social incapable de gérer son unicité.

Le chef-d’œuvre de John Cassavetes est une immersion brute et sans filtre dans la psyché d’une femme qui ne trouve pas sa place dans le monde. La performance de Gena Rowlands est monumentale, un portrait déchirant d’une fragilité prise pour de la folie. La force de Mabel ne réside pas dans sa capacité à résister, mais dans sa quête désespérée et authentique d’amour et de connexion, dans un environnement qui ne répond qu’avec confusion et peur.

The Naked Kiss

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Drame, Noir, par Samuel Fuller, 1964, États-Unis.
Kelly est une prostituée qui arrive en bus dans la petite ville de Grantville, après avoir quitté la grande ville pour échapper à son ancien protecteur. Elle rencontre le capitaine de police local, Griff, qui l’héberge dans son appartement, mais l’invite ensuite à quitter la ville. Kelly, en revanche, veut abandonner sa vie antérieure et devenir infirmière dans un hôpital pour enfants handicapés. Griff pense qu’elle est opportuniste, il ne lui fait pas confiance et continue d’essayer de la faire partir. Kelly tombe amoureuse de Grant, l’héritier riche de la famille la plus importante de la ville, un ami de son ami Griff. Après une cour extraordinaire où même le récit du passé sombre de Kelly ne décourage pas Grant, les deux décident de se marier. Kelly parvient à convaincre Griff qu’elle aime vraiment Grant et qu’elle a définitivement renoncé à la prostitution, et son ami accepte d’être leur témoin.

Sujet de réflexion
Parfois, nous choisissons de changer de vie parce que notre existence ne nous satisfait plus, et nous décidons de poursuivre quelque chose qui nous plaît ou qui rend nos journées plus faciles. Mais après ce changement, nous réalisons que de nouveaux conflits et différents problèmes surgissent. Souvent, le meilleur changement n’est pas ce que l’on préfère, mais le choix d’un nouveau mode de vie fondé sur de vraies valeurs. Un changement éthique de vie. Il y aura de nouveaux problèmes, de nouvelles difficultés, mais la satisfaction sera immédiate.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Pendant trois jours, nous observons la vie méticuleusement ordonnée de Jeanne Dielman, veuve belge d’âge moyen. Son existence est un rituel de tâches domestiques : elle prépare les repas, fait le lit, cire les chaussures de son fils, avec une précision presque mécanique. Pour subvenir à ses besoins, elle reçoit chaque après-midi un client différent pour une rencontre sexuelle. Mais peu à peu, de petites fissures commencent à apparaître dans sa routine parfaite, menant à une implosion aussi inévitable que choquante.

Le magnum opus de Chantal Akerman est une étape majeure du cinéma féministe, un film qui a changé la manière dont le temps, le travail et l’oppression féminine sont représentés. Sa puissance ne réside pas dans l’action ou le dialogue, mais dans ce qui est tu et ce qui est montré avec une patience presque insoutenable. Akerman élève le travail domestique, habituellement invisible et tenu pour acquis, au rang d’événement cinématographique central.

Cléo de 5 à 7 (1962)

Cléo, une jeune chanteuse pop belle et séduisante, erre dans les rues de Paris pendant quatre-vingt-dix minutes, de cinq à six heures trente un après-midi d’été, en attendant les résultats d’une biopsie qui pourrait diagnostiquer un cancer. Pendant ce temps, sa perception d’elle-même et du monde change radicalement : sa beauté, sa célébrité et ses certitudes superficielles s’effondrent face à la peur de la mort.

Agnès Varda, pionnière de la Nouvelle Vague, crée un film existentialiste d’une modernité déconcertante. Le parcours de Cléo est une transformation d’objet en sujet. Au début du film, elle est définie par le regard des autres : elle est une poupée gâtée, une beauté à admirer, une image reflétée dans d’innombrables miroirs. Son identité est performative, construite pour la consommation d’autrui. « Tant que je suis belle, je suis vivante », déclare-t-elle, liant son existence à son apparence.

Frida (2002)

Le film retrace la vie audacieuse et tourmentée de l’artiste mexicaine Frida Kahlo. De l’accident presque fatal qui l’a marquée à jamais dans son corps et son art, à sa relation tumultueuse et passionnée avec le muraliste Diego Rivera. Le récit tisse son art surréaliste, né de la douleur, avec ses convictions politiques communistes, sa sexualité fluide, et sa lutte pour s’imposer comme artiste dans un monde dominé par les hommes.

Frida de Julie Taymor est un biopic qui réussit à capturer l’essence vibrante et révolutionnaire de sa protagoniste. Le film ne se contente pas de raconter la vie de Frida Kahlo, mais cherche à pénétrer son imagination, donnant vie à ses peintures à travers des séquences visuellement puissantes qui mêlent réalité et surréalisme. Son art n’est pas un simple accessoire, mais le langage par lequel elle exprime sa douleur physique, sa passion et sa vision du monde.

13 Ghosts (1960)

L’occultiste Dr Plato Zorba offre à son pauvre neveu Cyrus une grande maison. Avec sa femme Hilda, sa fille adolescente Médée et le plus jeune Buck, Cyrus apprend que la maison est hantée par les fantômes que le Dr Zorba a rassemblés aux quatre coins du monde. Le testament précise que la famille doit rester dans la maison et ne peut pas la vendre. Les membres de la famille sont choqués de découvrir que la maison est effectivement hantée par 12 fantômes. Le domaine comprend également la redoutable gardienne Elaine et une surprise : une grosse somme d’argent cachée quelque part dans le bâtiment.

Comme pour beaucoup de ses productions les plus populaires, le producteur William Castle a utilisé un stratagème pour promouvoir 13 Ghosts : la capacité de voir les fantômes en 3D. Au cinéma, de nombreuses scènes restaient en noir et blanc, mais les scènes avec les fantômes étaient montrées avec un effet appelé « Illusion-O ». Les éléments du cadre avec les personnages et les décors, à l’exception des fantômes, avaient un filtre bleu, tandis que les fantômes avaient un filtre rouge et étaient superposés à l’image. Le public regardait avec des lunettes aux filtres rouge et bleu. Contrairement aux premières lunettes 3D avec un œil rouge et l’autre cyan ou bleu, Illusion-O utilisait une seule couleur pour les deux yeux.

Festival in Cannes

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Comédie sentimentale, par Henry Jaglom, États-Unis, 2001.
Cannes, 1999. Alice, une actrice, souhaite réaliser un film indépendant et cherche des financiers. Elle rencontre Kaz, un homme d'affaires bavard, qui lui promet 3 millions de dollars si elle utilise Millie, une star française qui a passé sa jeunesse et ne trouve plus de rôles intéressants. Alice raconte l'histoire du film à Millie et l'actrice tombe amoureuse du projet. Mais Rick, un producteur influent travaillant pour un grand studio hollywoodien, a besoin de Millie pour un petit rôle dans un film à tourner à l'automne, sinon il perdra sa star, Tom Hanks. Kaz est-il un vrai producteur ou un charlatan ? Rick n'est en réalité plus aussi riche qu'avant et doit absolument convaincre Alice de renoncer à Millie afin de conclure un gros contrat avec Tom Hanks. Millie hésite entre deux choix : un film indépendant qu'elle aime mais sans gros budget, ou un petit rôle dans un film hollywoodien très bien payé ? Pendant ce temps, une jeune actrice nommée Blue devient la star du festival et Kaz découvre un nouvel amour. La roue de la vie, et du show-business, tourne, entre sentiments, budgets existentiels et affaires cinématographiques. Un film tourné avec une grande liberté stylistique, comme un documentaire, lors de l'édition 1999 du festival, qui met l'accent sur les performances des acteurs avec une méthode d'improvisation spontanée et fluide, inspirée du cinéma de Cassavetes. Une comédie sentimentale légère et émouvante, où les conflits et les fragilités des stars du show-business émergent peu à peu, faisant remonter à la surface les thèmes importants de la vie.

Sujet de réflexion
Travailler comme un rouage dans un système ou pour sa propre vision ? Dépendance ou indépendance ? Les deux ne sont pas complètement réels : la réalité qui se produit partout, dans n'importe quelle industrie, dans n'importe quel événement naturel, est l'interdépendance. Nous sommes tous absolument interdépendants, non seulement entre humains, non seulement entre nations, mais entre arbres et humains, entre animaux et arbres, entre oiseaux et soleil, entre lune et océans, tout est lié à tout le reste. L'humanité du passé n'a pas compris cette

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Dementia

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Horreur, noir, par John Parker, États-Unis, 1955.
Il fait nuit. Une femme se réveille soudainement d’un cauchemar dans un hôtel miteux de la banlieue de Los Angeles. Elle quitte la chambre et erre dans le quartier. Elle rencontre un nain qui vend des journaux avec le titre « Poignardage mystérieux ». Dans une ruelle sombre, un ivrogne la harcèle et un policier vient à son secours. Elle rencontre alors un homme élégamment vêtu avec une fine moustache. L’homme lui offre une fleur et la convainc de monter dans la limousine avec un riche homme corpulent. Alors qu’ils traversent la ville, l’homme repense à son traumatisme d’enfance et au père violent qui l’a poignardé après qu’il ait tiré sur sa mère infidèle. Le riche homme l’emmène s’amuser dans plusieurs boîtes de nuit puis à son appartement. Il ignore d’abord la femme pendant qu’elle se régale d’un copieux repas. Elle le séduit, et il s’approche d’elle avec excitation.

Un cauchemar visionnaire et hallucinatoire, sans dialogue, durant une nuit d’une femme solitaire à Los Angeles. Entre horreur, film noir et film expressionniste, initialement conçu comme un court-métrage par Parker d’après un rêve raconté par sa secrétaire, Barrett, qui est aussi devenue l’interprète du film. Le film fut bloqué par le New York State Film Board avant d’être diffusé en salles en 1955. Plus tard, Jack H. Harris l’acheta et créa une nouvelle version, avec un montage différent, ajoutant également une voix off et changeant le titre. Ceci est la version originale.

Sans dialogue

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Carnival of souls

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Horreur, par Herk Harvey, États-Unis, 1962.
Mary Henry sort indemne d’un accident de voiture qui a tué ses deux compagnons, et se lance dans une étrange aventure à Salt Lake City, où elle se sent attirée par un pavillon délabré au bord du lac et hantée par une silhouette fantomatique (interprétée par le même réalisateur). Un chef-d’œuvre d’horreur à petit budget (30 000 $) qui est passé inaperçu lors de sa sortie, il est devenu un film culte aux États-Unis depuis la fin des années 1980. Des sons et des images qui ont inspiré des réalisateurs tels que George Romero et David Lynch (l’homme masqué de « Lost Roads »).

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : italien

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