Films dystopiques à regarder absolument

Le cinéma dystopique opère sur deux niveaux : il nous montre à quoi ressemble un futur brisé, et ce que ça fait de vivre dedans. L’imaginaire collectif est marqué par des spectacles grandioses : des villes en ruines, des rébellions à grande échelle, et des technologies futuristes qui dominent l’écran. Mais la force du genre réside aussi dans l’exploration de l’angoisse silencieuse du quotidien sous le joug d’un contrôle oppressif, qu’il soit corporatif, bureaucratique ou philosophique.

Ce guide est un voyage à travers nos angoisses collectives, un chemin qui retrace l’évolution de nos peurs. Il commence par la terreur de l’État totalitaire et la paranoïa de la Guerre froide, puis traverse les cauchemars générés par la saturation médiatique, l’absurdité bureaucratique et la fusion de la chair et de la machine. Enfin, il arrive à nos obsessions les plus contemporaines : la fragmentation de l’identité à l’ère numérique, la marchandisation du soi, et l’abîme éthique de la technologie incontrôlée.

C’est un parcours qui unit les chefs-d’œuvre les plus célébrés au cinéma indépendant le plus radical. Ce ne sont pas seulement des avertissements pour l’avenir ; ce sont des diagnostics impitoyables et vitaux de notre présent.

🏙️ Le futur est un avertissement : Nouveaux films dystopiques

Children Of A Darker Dawn

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Drame, horreur, science-fiction, par Jason Figgis, États-Unis, 2012.
Dans une Irlande post-apocalyptique, une pandémie a décimé la population adulte, frappée par une souche mutante de grippe qui les rend paranoïaques et violents avant de les tuer. Neuf mois plus tard, les enfants survivants errent dans des bâtiments abandonnés à la recherche de nourriture et d'abri. Parmi eux se trouvent Evie et sa sœur cadette Fran, qui tentent de survivre tout en évitant des groupes d'enfants potentiellement dangereux. Leur seul réconfort est *Les Enfants du rail*, le livre que leur mère leur lisait autrefois. L'arrivée d'Alice, une fille qui a échappé à une bande dirigée par sa sœur Kate, change leur trajectoire. Après avoir été trahie par la bande, Evie décide de les affronter, déclenchant une série d'événements qui mèneront à des tensions et des conflits au sein du groupe.

Le film, réalisé par Jason Figgis avec des moyens limités mais une grande sensibilité, est un drame post-apocalyptique qui dépasse l'horreur, se concentrant sur le deuil et la fragilité émotionnelle de ses personnages. Le ton est sombre, marqué par la mélancolie, des flashbacks troublants et des relations instables. Bien qu'il rappelle des films comme *28 Jours plus tard*, *La Route* ou *Sa Majesté des mouches*, *Children of a Darker Dawn* trouve sa propre voix grâce à un développement fort des personnages et des performances puissantes de son jeune casting.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : espagnol, français, allemand, portugais

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Dune : Deuxième partie (2024)

Alors que les Grandes Maisons conspirent pour le contrôle de l’épice sur Arrakis, Paul Atreides (Timothée Chalamet) s’allie aux Fremen pour venger sa famille. Mais son ascension en tant que messie prophétisé, le « Muad’Dib », déclenche une guerre sainte menaçant de brûler tout l’univers connu. Dans Dune : Deuxième partie, la dystopie n’est pas technologique mais théocratique : on voit comment la foi et le fanatisme sont manipulés politiquement pour transformer un peuple libre en une armée de zélotes, tandis que l’écologie de la planète désertique devient la seule vraie divinité.

Denis Villeneuve achève sa fresque monumentale avec un film qui est déjà une page d’histoire du cinéma. Plus sombre et plus complexe que le premier volet, il explore le côté obscur de l’archétype du « élu ». Ce n’est pas une histoire classique de libération, mais une tragédie grecque à l’échelle galactique où le héros, pour gagner, doit devenir le monstre contre lequel il a combattu. Une expérience sensorielle totale qui réfléchit au colonialisme et au danger des leaders charismatiques.

Furiosa : Une saga Mad Max (2024)

Enlevée du « Lieu Vert des Nombreuses Mères », la jeune Furiosa tombe entre les mains d’une grande horde de motards menée par le seigneur de guerre Dementus. Traversant le Désert, ils rencontrent la Citadelle tenue par Immortan Joe. Tandis que les deux tyrans se battent pour la domination, dans Furiosa : Une saga Mad Max, l’héroïne doit survivre à de nombreuses épreuves pour retrouver son chemin et préparer sa vengeance, se transformant en la guerrière impérator que nous connaissons.

George Miller étend l’univers de Fury Road avec un préquel épique et brutal. Si le film précédent était une course de trois jours, celui-ci est une odyssée s’étalant sur 15 ans. La dystopie ici est physique et mécanique : un monde où les corps sont des marchandises (pour le lait, le sang ou la reproduction) et où l’espoir est un luxe dangereux. Anya Taylor-Joy reprend le flambeau de Charlize Theron avec une performance féroce et silencieuse.

The Lost Poet

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Drame, par Fabio Del Greco, Italie, 2024.
Dante Mezzadri veut revoir un vieil ami, surnommé l'Iguane, qu'il a perdu de vue depuis de nombreuses années, et qui a réussi à transformer leur passion commune de jeunesse pour la poésie en métier, devenant un écrivain et poète célèbre. L'homme s'évade de sa vie bourgeoise et de sa femme pour vivre sans domicile sur la côte romaine, imprimant et essayant de vendre ses recueils de poésie. La nuit, il dort dans un parc de vieux chars de carnaval, à l'intérieur d'un char en papier mâché en forme de tank, et attend l'occasion de rencontrer son vieil ami, qui cependant ne se présente jamais aux rendez-vous dans les lieux qu'ils fréquentaient jeunes, désormais en ruines. Les livres de poésie de Dante n'intéressent personne et pour subvenir à ses besoins, il est contraint de "changer de produit" : il commence à vendre la fameuse "pilule cannibale" pour le compte de jeunes dealers, une nouvelle drogue qui se vend comme des petits pains et provoque une extase sensorielle et consumériste. Cependant, il se rend compte que cette drogue puissante est très dangereuse pour ceux qui la prennent, il entre en conflit avec sa conscience éthique et jette toutes les pilules à la mer. Pourtant, les dealers veulent récupérer leur argent.

Tourné sur une période de 2 ans, le film est une réflexion sur les ruines culturelles et artistiques de la société dans laquelle vit le protagoniste, dans un monde de plus en plus mécanisé, consumériste et aride. Dante Mezzadri est un être humain de plus qui a renoncé à son inspiration et à sa créativité, mais contrairement à beaucoup, il n'est pas prêt à donner sa vie à un système qui l'éloigne de sa véritable identité. Le monde physique qui l'entoure semble cependant construit de telle sorte qu'il paraît impossible de s'échapper de cette "cage invisible". L'enthousiasme des gens qu'il rencontre ne s'enflamme que par la gratification sensorielle, par des visions irréelles d'affirmation personnelle et de succès, par des "métavers" qui offrent une échappatoire dans une réalité illusoire et destructrice. La maison du poète sur la

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The Kitchen (2024)

Londres, 2044. Le fossé entre riches et pauvres est devenu infranchissable : tous les logements sociaux ont été éliminés, et les classes défavorisées vivent dans des bidonvilles verticaux illégaux, constamment assiégés par des drones policiers. Izi, un homme solitaire travaillant dans une maison funéraire écologique, tente d’échapper à « The Kitchen », mais se retrouve à devoir s’occuper de Benji, un orphelin qui pourrait être son fils. Dans The Kitchen, la lutte pour le logement devient une résistance culturelle contre une gentrification armée voulant effacer la communauté.

Le premier film réalisé par l’acteur Daniel Kaluuya (Get Out) est une dystopie urbaine et réaliste rappelant Children of Men. Il n’y a ni lasers ni extraterrestres, mais une vision plausible et angoissante de l’avenir de nos métropoles. Le film brille par son esthétique afro-futuriste « sale » et par la manière dont il raconte la solidarité entre les opprimés comme seule arme contre un système qui ne veut de vous que comme consommateur ou cadavre à composter.

Uglies (2024)

Dans un futur où l’apparence est tout, la société impose une chirurgie obligatoire à 16 ans pour rendre tout le monde « Pretty », éliminant les défauts physiques et les différences afin d’assurer la paix sociale. Tally Youngblood a hâte de se transformer, jusqu’à ce que son amie Shay s’enfuie pour rejoindre une résistance d’« Uglies » vivant dans les bois. Dans Uglies, Tally découvre que la perfection a un prix terrible : l’opération ne change pas seulement le visage, elle lobotomise le cerveau pour rendre les citoyens dociles et heureux.

Adapté du roman YA de Scott Westerfeld, le film actualise les thèmes de la dictature esthétique à l’ère des filtres Instagram et TikTok. Bien qu’il suive les codes du genre dystopie adolescente, il touche un nerf sensible de la société contemporaine : l’homogénéisation comme forme de contrôle. Une parabole pop et colorée cachant un cœur troublant sur la perte de l’identité individuelle au profit d’un standard inatteignable.

The Sands

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Science-fiction, par Noah Paganotto, Argentine, 2022.
Dans un lieu indéterminé sur la planète Terre, à une époque inconnue, Zoilo vit avec sa famille dans un désert entouré de ruines. Ils vivent déracinés, sans mères, sachant que la grossesse pour les femmes est synonyme de mort. Pour eux, il n’y a qu’une seule routine collective : garder le feu vivant. Seul Zoilo échappe à cette logique, observant, intrigué, des détails que les autres ne voient pas et n’apprécient donc pas. La quête personnelle de Zoilo pour des réponses accentuera les différences avec ses proches, révélant de plus en plus un monde vide d’intériorité.

Film d’avant-garde qui brûle lentement dans la première partie puis révèle dans la seconde les conflits profonds d’une famille prisonnière de croyances archaïques. C’est une œuvre dystopique et visionnaire, avec une photographie merveilleuse et des images d’une rare puissance qui nous permettent de saisir la profondeur de l’histoire et son potentiel poétique. Les visages des acteurs, en particulier celui du garçon protagoniste, sont parfaits. The Sands représente métaphoriquement le monde dans lequel nous vivons : une société aliénée, où ce qui nous maintient en vie est diabolisé et accusé de la mort. À l’opposé du rythme rapide du film grand public typique, The Sands est un voyage méditatif au cœur des images. Le film a été tourné en environnements naturels dans la ville de Necochea, province de Buenos Aires, Argentine.

LANGUE : espagnol
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Kalki 2898 AD (2024)

Année 2898. La ville de Kasi est le dernier bastion d’une civilisation opprimée par le Suprême Yaskin, un tyran accumulant les ressources dans une gigantesque pyramide inversée appelée « The Complex ». Alors que les gens meurent de faim, une prophétie annonce l’arrivée de Kalki, le dixième et dernier avatar du dieu Vishnu, destiné à mettre fin à l’âge des ténèbres (Kali Yuga). Dans Kalki 2898 AD, un chasseur de primes égoïste (Prabhas) et un guerrier immortel du Mahabharata (Amitabh Bachchan) s’affrontent pour protéger la mère du futur sauveur.

Le cinéma indien entre puissamment dans la science-fiction dystopique avec le film le plus cher jamais produit à Tollywood. C’est un mélange fou et visuellement époustouflant de Mad Max, Star Wars et de mythologie hindoue. La dystopie mêle technologie futuriste et mysticisme ancien, créant un monde unique où les lasers coexistent avec les mantras. Une œuvre maximaliste montrant comment le genre dystopique évolue en embrassant des cultures et des légendes non occidentales.

👁️ Le Demain Que Nous (Ne) Voulons (Pas)

La dystopie n’est pas une simple fantaisie : c’est un miroir déformant de notre présent. Elle amplifie nos peurs concernant la surveillance, la perte de liberté et les inégalités sociales. Mais si vous voulez voir comment le cinéma a imaginé d’autres futurs, ou comment l’humanité réagit lorsque le système s’effondre complètement, voici nos guides essentiels des genres associés.

Films Indépendants de Science-Fiction & Dystopie

Les dystopies les plus effrayantes sont celles qui ressemblent terriblement à notre quotidien. Le cinéma indépendant, sans besoin d’effets spéciaux grandioses, raconte l’oppression sociale et psychologique avec un réalisme qui fait mal. Découvrez les pépites cachées du genre.

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Films de Science-Fiction

La dystopie est l’enfant de la science-fiction. Si vous souhaitez élargir votre regard au-delà des régimes totalitaires et découvrir des futurs où la technologie mène à l’exploration spatiale, aux voyages dans le temps ou aux rencontres extraterrestres, voici la liste par laquelle commencer.

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Films Apocalyptiques & Post-Apocalyptiques

Il y a une fine ligne entre dystopie et fin du monde. La dystopie est une société qui fonctionne mal ; l’apocalypse est une société qui ne fonctionne plus. Découvrez ce qui se passe lorsque l’ordre établi s’effondre et que la lutte pour la survie pure dans les terres désolées commence.

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Films sur l’Intelligence Artificielle

Souvent, le « Big Brother » n’est pas un dictateur humain, mais un algorithme. Si vous êtes fasciné par le thème du contrôle technologique, de la surveillance de masse et de la rébellion des machines contre leurs créateurs, ici vous trouverez le cœur battant de la technophobie moderne.

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Films Cultes

De Metropolis à Orange mécanique, en passant par Brazil. Ce sont les films qui ont écrit les règles du cauchemar social, créant des icônes et des visions devenues partie intégrante de notre langage culturel. Les classiques que tout rebelle doit connaître.

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Tao

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Court métrage, science-fiction, par Edo Tagliavini, Italie.
Dans un avenir proche, l'Europe et les États-Unis sont unis dans une « Fédération Démocratique » : la seule façon de devenir membre de cette fédération est de participer à l'émission télévisée « Tao » et de combattre d'autres concurrents pour obtenir la carte verte.

Sujet de réflexion
Tao signifie « la voie », mais pas en référence à un objectif. Il n'y a rien à atteindre, il faut simplement être ici et maintenant, et célébrer la vie. La vie n'a ni but ni objectif. Le Tao fait référence aux lois universelles, pas à celles créées par l'homme. Le Tao est la seule vraie loi, le principe qui maintient l'existence. C'est un Cosmos qui maintient un ordre intrinsèque immense, l'harmonie du Tout. Le synonyme le plus approprié pour le mot Tao est Nature avec un N majuscule.

LANGUE : anglais
SOUS-TITRES : italien

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👁️ Régimes de Cauchemar : Le Cinéma Dystopique Classique

La dystopie n’est pas une invention moderne. Elle est née avec la peur des masses, des machines et des dictateurs. Tout au long du XXe siècle, le cinéma a construit des mondes parfaits seulement en apparence, où l’ordre est maintenu dans le sang et la liberté est une maladie à guérir. De l’architecture écrasante de Metropolis à la bureaucratie folle de Brazil, jusqu’à la violence esthétique d’Orange mécanique. Voici les chefs-d’œuvre qui nous ont mis en garde contre tous les totalitarismes, montrant à quel point il est facile de perdre notre humanité en échange d’un peu de sécurité.

Dr. Mabuse le joueur (1922)

Dans le Berlin chaotique et décadent de l’après-Première Guerre mondiale, le Dr Mabuse est psychanalyste le jour et génie du crime la nuit. Grâce à ses pouvoirs hypnotiques et sa capacité à changer de visage, il manipule la bourse et détruit la vie de ses adversaires au jeu. Divisé en deux parties épiques (« Le Grand Joueur » et « L’Enfer »), dans Dr. Mabuse le joueur, nous assistons à la traque menée par le procureur von Wenk, le seul capable de résister à la volonté de fer du criminel, dans une descente progressive vers la folie.

Fritz Lang réalise un chef-d’œuvre monumental du cinéma muet qui est bien plus qu’un simple thriller : c’est un miroir déformant des angoisses de la République de Weimar. Mabuse est le premier véritable « super-vilain » de l’histoire du cinéma, un archétype qui influencera tout, des méchants de James Bond au Joker de Nolan. Avec sa mise en scène innovante et ses images psychédéliques, le film est une enquête sur le pouvoir absolu et la manipulation de masse, des thèmes qui résonnent encore aujourd’hui avec une inquiétante actualité.

Metropolis (1927)

En 2026, une cité-État gigantesque est divisée verticalement en deux castes : les intellectuels fortunés vivent dans les jardins suspendus étincelants des gratte-ciel, tandis que les ouvriers sont asservis dans les entrailles de la terre par les machines qui alimentent la ville. L’équilibre se rompt lorsque Freder, le fils du despote de la ville, découvre les conditions inhumaines du sous-sol et tombe amoureux de Maria, une guide spirituelle pacifique. Mais dans Metropolis, pour réprimer la révolte, un robot à l’image de Maria est créé, déclenchant une apocalypse sociale menaçant de détruire les deux classes.

Considéré comme la mère de toute la science-fiction cinématographique, le film de Fritz Lang est une vision expressionniste d’une puissance inouïe. De l’architecture imposante à la célèbre transformation du robot, chaque plan a défini l’esthétique du futur pour le siècle à venir (inspirant directement des œuvres comme Blade Runner et Star Wars). Au-delà de sa spectaculaire dimension visuelle, il reste une parabole humaniste sur la nécessité d’un « Cœur » pour faire office de médiateur entre le « Cerveau » (ceux qui gouvernent) et la « Main » (ceux qui travaillent).

Lockdown trilogy of mine - Stage II: Claustrophobia or Everbody is herodoc

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Court métrage, par Rachele Studer, Italie, 2021.
Un écrivain en quarantaine (qui ne peut plus écrire) semble accepter les mesures gouvernementales, même si elles le privent de sa liberté, de sa vie privée, de sa force, de sa joie et, surtout, de son travail. Il arrive donc qu'à un moment donné, il ne puisse plus respirer. Étranges sensations perçues pendant la quarantaine. Nous sommes tous la même personne, derrière un masque. Le court-métrage a été entièrement réalisé à distance, toutes les personnes étant dans les lieux où elles passaient la période de quarantaine...

Sujet de réflexion
Les médias et l'environnement extérieur remplissent nos esprits de choses, d'objets et de stimuli négatifs. Les peurs de l'esprit sont des peurs de l'avenir, de ce qui pourrait arriver. Mais si vous restez dans le présent, ici et maintenant, l'esprit et toutes ses peurs disparaissent.

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La Jetée (1962)

Dans un Paris post-apocalyptique détruit par la Troisième Guerre mondiale, les rares survivants vivent entassés sous terre sous le contrôle de scientifiques impitoyables. Un prisonnier est sélectionné pour une expérience de voyage dans le temps grâce à un souvenir vif de son enfance : le visage d’une femme et d’un homme mourant sur la jetée de l’aéroport d’Orly. Dans La Jetée, le protagoniste voyage dans le passé pour rencontrer la femme et dans le futur pour chercher de l’aide, découvrant finalement que l’image qui le hantait enfant était la vision de sa propre mort future.

Chris Marker crée un chef-d’œuvre unique dans l’histoire du cinéma : un « photo-roman » de 28 minutes composé presque entièrement d’images fixes en noir et blanc, avec un narrateur guidant l’histoire. C’est un essai philosophique sur la mémoire et l’inéluctabilité du destin. La nature statique des images force le spectateur à réfléchir sur la nature du temps, non pas comme un flux continu mais comme une collection d’instants figés. Il a directement inspiré 12 Monkeys et est considéré comme l’un des sommets du cinéma d’auteur pour sa puissance poétique et évocatrice.

Le Procès (1962)

Josef K. (Anthony Perkins), un employé de banque apparemment normal, est réveillé un matin par deux agents qui le déclarent en état d’arrestation sans expliquer pourquoi. Ainsi commence son calvaire à travers un système judiciaire labyrinthique, absurde et omniprésent. Dans Le Procès, Josef tente désespérément de découvrir ce dont il est accusé et de se défendre, mais il se heurte à une bureaucratie cauchemardesque, des avocats inutiles et des juges invisibles, jusqu’à ce qu’il réalise que sa sentence est déjà écrite et que la culpabilité est inhérente à son existence même.

Orson Welles adapte le roman de Franz Kafka, le transformant en un cauchemar expressionniste et baroque. Tourné dans des lieux grandioses (comme l’abandonnée Gare d’Orsay), le film écrase visuellement le protagoniste dans des espaces trop grands ou trop étroits, reflétant son état psychologique. C’est une satire féroce de la justice et du pouvoir, où la loi ne sert pas à établir la vérité mais à se perpétuer. Welles le considérait comme son meilleur film : une œuvre claustrophobique anticipant les dystopies bureaucratiques modernes.

La Dixième Victime (1965)

Dans un futur proche, les guerres ont été abolies et l’agressivité humaine se décharge à travers « La Grande Chasse », un jeu légalisé diffusé à la télévision où les participants alternent les rôles de Chasseur et de Victime. Celui qui survit à dix manches gagne la célébrité et la richesse. Dans La Dixième Victime, l’Américaine Caroline Meredith (Ursula Andress) doit tuer sa dixième victime, l’Italien Marcello Poletti (Marcello Mastroianni), en direct mondial depuis le Colisée. Mais une complicité naît entre les deux qui risque de violer les règles du jeu.

Elio Petri réalise un classique culte italien de science-fiction pop, coloré et satirique. Le film mêle design des années 60, mode futuriste et critique sociale, anticipant les thèmes des émissions de téléréalité mortelles (comme The Hunger Games ou The Running Man). Ce n’est pas qu’une action : c’est une comédie cynique sur la société du spectacle, le consumérisme et la guerre des sexes, où le meurtre est devenu un acte routinier sponsorisé par la publicité.

Alphaville (1965)

L’agent secret Lemmy Caution arrive dans la ville futuriste d’Alphaville sous la couverture d’un journaliste. La métropole est gouvernée par le superordinateur Alpha 60, qui a interdit toute forme d’émotion, de poésie et de comportement illogique afin de créer une société parfaitement rationnelle. Dans Alphaville, Caution doit retrouver et tuer le créateur de l’ordinateur, le professeur von Braun, et sauver sa fille Natacha, qui ignore le sens du mot « amour » car il a été effacé du dictionnaire.

Jean-Luc Godard crée un film de science-fiction unique, tourné sans effets spéciaux dans le Paris nocturne de l’époque, utilisant l’architecture moderniste pour évoquer un futur aliénant. C’est un hybride entre le film noir et la dystopie philosophique réfléchissant à la déshumanisation technologique. Alpha 60, avec sa voix rauque, représente la dictature de la logique. Le film est un manifeste de la Nouvelle Vague célébrant l’art et le sentiment comme seules armes de résistance contre le totalitarisme technocratique.

Ballad of Hypochondria

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Court métrage, par Antonello Matarazzo, Italie, 2016.
Un chemin pour la musique et les images suspendu entre narration et expérimentation, technologie et tribalisme. « Ballade de l'hypocondrie (ou Vibrio amoureux) » se concentre principalement sur un travail symbolique sur la palette de couleurs, matérialisé sous forme de masques photographiques ou de « cellules vidéo » observées sur un petit moniteur dans ce laboratoire surréaliste à la scénographie éblouissante et vaguement kubrickienne, avec des combinaisons blanches aseptiques, comprenant ampoules, microscopes et autres équipements médicaux improbables, il tente d'isoler le virus de l'amour qui a infecté irrémédiablement le musicien (qui prend personnellement l'apparence du vibrion) et pourrait s'étendre en infectant toute l'humanité.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais

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Silent Running (1972)

Dans un futur où la végétation n’existe plus sur Terre, les dernières forêts et espèces animales sont préservées dans d’immenses dômes géodésiques attachés à des vaisseaux spatiaux en orbite près de Saturne. Lorsque l’ordre est donné de détruire les dômes pour réduire les coûts et remettre les vaisseaux en service commercial, le botaniste Freeman Lowell (Bruce Dern) se rebelle. Dans Silent Running, Lowell tue ses collègues pour sauver la dernière forêt et détourne le vaisseau vers l’espace profond, restant seul avec trois petits robots de service qu’il reprogramme en compagnons.

Réalisé par le génie des effets spéciaux Douglas Trumbull (qui a travaillé sur 2001 et Blade Runner), c’est un film pionnier de l’écologie, émouvant et mélancolique. Il est célèbre pour les trois drones (Huey, Dewey et Louie) qui, bien qu’ils ne parlent pas, montrent une personnalité et une humanité surprenantes, anticipant R2-D2. Le film est une réflexion sur la solitude et le prix moral des convictions : Lowell est-il un héros ou un fou meurtrier ? Un classique culte plaçant la nature au cœur de la science-fiction.

Idaho Transfer (1973)

Un groupe de jeunes scientifiques travaille sur un projet de téléportation de matière dans une base désertique. Ils découvrent que la machine permet de voyager dans le futur, mais ce qu’ils voient est terrifiant : une crise écologique a anéanti la civilisation. Ils décident d’utiliser la technologie pour transférer une nouvelle génération de jeunes dans ce futur désolé afin de repeupler la Terre, croyant pouvoir éviter les erreurs du passé. Dans Idaho Transfer, le plan idéaliste se heurte à une réalité brutale : le futur n’est pas un lieu à coloniser, mais un environnement hostile qui les transformera à jamais.

Le seul film réalisé par l’acteur Peter Fonda est une œuvre de science-fiction minimaliste et pessimiste, presque oubliée. Avec une distribution de non-professionnels et un rythme lent, le film évite l’action pour se concentrer sur l’aliénation et l’échec de l’utopie hippie. C’est une dystopie écologique brute suggérant que l’humanité, pour survivre dans un monde qu’elle a détruit, devra évoluer en quelque chose qui n’est plus humain.

Zardoz (1974)

En l’an 2293, la Terre est divisée en deux castes : les « Éternels », intellectuels immortels vivant dans le luxe du Vortex, et les « Bruts », esclaves vivant dans les terres désolées et vénérant une tête de pierre volante appelée Zardoz. Zed (Sean Connery), un exterminateur Brut, se cache à l’intérieur de la tête de pierre et pénètre dans le Vortex. Dans Zardoz, la présence du barbare viril et mortel perturbe l’équilibre de la société des Éternels, qui désirent secrètement la mort pour échapper à l’ennui sans fin de leur existence parfaite.

John Boorman signe l’un des films les plus excentriques et visionnaires des années 70. Célèbre pour le costume de Sean Connery (une « couche » rouge), le film est en réalité une satire complexe et psychédélique sur les classes sociales, la religion et la stagnation culturelle. C’est une œuvre baroque mêlant philosophie, kitsch et images surréalistes. Malgré ses excès, il reste une expérience fascinante sur ce qui arriverait si l’homme réalisait le rêve d’immortalité, pour découvrir qu’il s’agit en fait d’une malédiction.

L’Homme qui venait d’ailleurs (1976)

Thomas Jerome Newton (David Bowie) est un extraterrestre humanoïde arrivé sur Terre depuis la planète mourante Anthea pour chercher de l’eau à ramener à sa famille. Grâce à ses connaissances technologiques avancées, il fonde un empire industriel et devient incroyablement riche en peu de temps. Mais dans L’Homme qui venait d’ailleurs, le plan de sauvetage est déraillé par sa corruption progressive : Newton devient victime de l’alcool, de la télévision et de la bureaucratie gouvernementale, restant piégé sur une planète qui le fascine et le détruit lentement.

Nicolas Roeg réalise un film de science-fiction atypique, plus allégorie sur la solitude et l’addiction qu’histoire d’extraterrestres. David Bowie, dans son premier rôle principal, est parfait : fragile, androgyne et distant. Le film utilise un montage non linéaire et des images oniriques pour raconter la tragédie d’un être supérieur qui finit par absorber les vices de l’humanité au lieu de la sauver. Un classique culte visuellement hypnotique et profondément triste.

Stalker (1979)

Dans un futur indéterminé, il existe une zone interdite appelée « La Zone », clôturée par l’armée, où les lois de la physique ont muté suite à la chute d’une météorite. On dit qu’au centre de la Zone se trouve une Chambre qui exauce les désirs les plus profonds et secrets de ceux qui y entrent. Un « Stalker », un guide illégal, accompagne deux clients, un Écrivain cynique et un Professeur rationnel, dans un voyage dangereux vers la Chambre. Dans Stalker, le chemin physique à travers des ruines industrielles devient un pèlerinage spirituel mettant à nu les peurs et la foi des protagonistes.

Andrei Tarkovsky crée le chef-d’œuvre absolu de la science-fiction métaphysique. Il n’y a ni monstres ni effets spéciaux tape-à-l’œil, mais une atmosphère de tension constante et de mystère sacré. La Zone est un miroir de l’âme, un lieu qui réagit à la psyché de ceux qui la traversent. Visuellement inoubliable, avec son passage du sépia du monde réel aux couleurs de la Zone, le film est une méditation lente et profonde sur la quête du bonheur et le besoin humain de croire en quelque chose, même dans un monde en ruines.

Occidente

Maintenant disponible

Film dramatique, réalisé par Jorge Acebo Canedo, 2019, Espagne.
Torino Underground Cinefest 2020, Festival international du film de Ponferrada 2019. Un réalisateur fugitif en exil nommé H revient dans la ville industrielle qu'il avait quittée il y a longtemps, à une époque et dans un lieu inconnus. Gloria, l'ouvrière qu'il a laissée derrière lui et qu'il aimait, lutte pour survivre à la monotonie. Mais H, incapable de se conformer, la convainc de fuir au-delà de la civilisation, un endroit que personne ne se souvient.

Le progrès et la révolution industrielle étaient censés apporter un plus grand degré de civilisation, mais cela s'est-il vraiment produit ? L'idée d'être une société civilisée et évoluée est dangereuse car elle nous empêche de le devenir réellement. Les politiciens ne prennent en compte que le produit intérieur brut et la croissance économique. Le monde entier se dirige vers une « prétendue » civilisation. Mais si l'on ne peut pas voir la maladie de l'incivilité, il est alors impossible de commencer le processus de guérison.

LANGUE : espagnol
SOUS-TITRES : italien, anglais, français, allemand, portugais

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New York 1997 (1981)

En 1997, l’île de Manhattan a été transformée en une gigantesque prison à ciel ouvert de haute sécurité, entourée de murs et de mines, où les criminels sont livrés à eux-mêmes dans une société anarchique. Lorsque l’avion du président des États-Unis s’écrase sur l’île, le gouvernement propose un marché à Snake Plissken, un ancien héros de guerre devenu criminel : récupérer le Président et une cassette top secrète en échange de sa liberté. Dans New York 1997, Plissken dispose de moins de 24 heures pour accomplir sa mission avant qu’une micro-bombe injectée dans son cou n’explose.

John Carpenter invente l’anti-héros définitif avec Kurt Russell : cynique, portant un cache-œil, et méfiant envers l’autorité. C’est un film d’action dystopique sombre et atmosphérique, avec une bande-son synthétique emblématique composée par le réalisateur lui-même. Le New York en ruines est l’un des décors les plus mémorables du cinéma. Le film est une critique du système politique américain et de l’État policier, déguisée en thriller à haute dose d’adrénaline.

Scanners (1981)

Les « Scanners » sont des individus dotés de pouvoirs télépathiques et télékinétiques dévastateurs, nés comme effet secondaire d’un médicament expérimental administré à des femmes enceintes plusieurs années auparavant. Une société de sécurité privée, ConSec, tente de les recruter mais entre en conflit avec Darryl Revok, un Scanner puissant et fou qui veut créer une armée de son espèce pour dominer le monde. Dans Scanners, Cameron Vale, un vagabond télépathe, est formé par ConSec pour infiltrer l’organisation de Revok et l’arrêter.

David Cronenberg mêle thriller, espionnage et body horror dans un film devenu légendaire pour la scène de la tête qui explose. Au-delà du choc visuel, le film explore des thèmes chers au réalisateur tels que la mutation du corps et l’esprit comme arme. C’est une métaphore de la contre-culture des années 60 devenant monstrueuse ou corporatiste. Une œuvre froide et clinique qui a redéfini le concept de « pouvoir mental » au cinéma.

Blade Runner (1982)

Dans le Los Angeles pluvieux et surpeuplé de 2019, Rick Deckard (Harrison Ford) est un agent de l’unité Blade Runner, chargé de « retirer » (tuer) des réplicants : des androïdes organiques créés pour le travail lourd dans des colonies extra-terrestres qui sont revenus illégalement sur Terre pour retrouver leur créateur et prolonger leur courte durée de vie de quatre ans. Dans Blade Runner, la chasse aux quatre fugitifs, menée par le charismatique Roy Batty, force Deckard à affronter sa propre conscience et à tomber amoureux de Rachael, une réplicante qui ignore qu’elle en est une.

Ridley Scott signe le film qui a inventé l’esthétique cyberpunk. Adapté d’un roman de Philip K. Dick, c’est un noir futuriste visuellement époustouflant posant la question fondamentale : qu’est-ce qui fait de nous des humains ? Les souvenirs ? Les émotions ? La peur de la mort ? Les réplicants, paradoxalement, démontrent plus d’attachement à la vie que les humains eux-mêmes. Le monologue final de Rutger Hauer est une pure poésie cinématographique, un requiem pour une âme synthétique qui a vu des choses que nous, humains, ne pouvons imaginer.

Videodrome (1983)

Max Renn (James Woods), propriétaire d’une petite chaîne câblée spécialisée dans la pornographie et la violence, capte un signal pirate appelé « Videodrome », diffusant de la torture et des meurtres réels dans une salle rouge. En cherchant l’origine du signal, il découvre que Videodrome n’est pas seulement un programme, mais une arme biotechnologique provoquant une tumeur cérébrale capable d’altérer la perception de la réalité. Dans Videodrome, le corps de Max commence à muter, s’ouvrant en fentes semblables à un magnétoscope, tandis que son esprit ne distingue plus hallucination et vérité.

David Cronenberg réalise le film définitif sur l’impact des médias sur la chair et la psyché. C’est un horreur prophétique et dérangeante : « La télévision est la réalité, et la réalité est moins que la télévision. » Le film explore la fusion de l’homme et de la technologie de manière viscérale et sexuelle. C’est un voyage hallucinatoire dans la « Nouvelle Chair », où l’écran n’est plus une fenêtre sur le monde, mais un organe qui nous reprogramme biologiquement.

Brazil (1985)

Dans un futur dystopique rétro, gouverné par une bureaucratie inefficace et totalitaire, Sam Lowry (Jonathan Pryce) est un employé de bureau rêveur travaillant au Ministère de l’Information. Une erreur d’impression causée par une mouche écrasée conduit à l’arrestation et à la mort d’un innocent pris pour le terroriste Tuttle. Dans Brazil, Sam tente de corriger l’erreur bureaucratique et rencontre Jill, la femme de ses rêves, finissant par devenir lui-même un ennemi de l’État, persécuté par un système grotesque étouffant toute humanité sous des montagnes de paperasse.

Terry Gilliam réalise une satire orwellienne visionnaire et délirante. C’est 1984 réécrit par Monty Python : effrayant et ridicule à la fois. Les décors, mélange de tuyaux, de béton et de technologies des années 40, créent un monde étouffant et inoubliable. Le film est une critique féroce de la société de contrôle et de la banalité du mal bureaucratique. La fin tragique et onirique est un hymne à la liberté de l’esprit comme seul refuge possible contre la tyrannie de la réalité.

1984

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Drame, science-fiction, par Michael Anderson, Royaume-Uni, 1956.
L'adaptation cinématographique la plus controversée de 1984 d'Orwell, qui a suscité des questions au Parlement britannique sur sa nature prétendument subversive.
La planète est divisée en 3 états : Océania, Eurasia et Estasia, qui sont toujours en conflit. À Londres, le dictateur de l'état d'Océania est Big Brother, qui contrôle la population par une politique de répression violente et des caméras vidéo placées partout. Winston et Julia tombent amoureux, mais l'amour est strictement interdit et puni de mort. Des environnements sombres qui rendent parfaitement le désespoir de cette célèbre œuvre dystopique.

Sujet de réflexion
Ceux qui exercent le pouvoir politique de manière tyrannique ont un profond complexe d'infériorité. Beaucoup de politiciens souffrent de ce complexe d'infériorité et ont besoin d'un traitement psychologique. Ils sont gravement malades et à cause de ces personnes malades, le monde entier a beaucoup souffert. Il n'y a pas de fin à la maladie de ceux qui cherchent à dominer les autres, il y a toujours de nouvelles personnes à soumettre.

LANGUE : Anglais
SOUS-TITRES : Italien

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Dead Man’s Letters (1986)

Après un holocauste nucléaire causé par une erreur informatique, le monde est réduit en ruines radioactives et les survivants vivent dans le sous-sol d’un musée, établissant un nouvel ordre social. Un scientifique âgé, le lauréat du prix Nobel Larsen, tente de donner un sens à la catastrophe en écrivant des lettres mentales à son fils, qu’il croit encore vivant (mais qui est probablement mort). Dans Dead Man’s Letters (Quell’ultimo giorno – Lettere di un uomo morto), alors que l’humanité se prépare à se replier dans un dernier bunker central, Larsen décide de rester en surface avec un groupe d’orphelins muets, essayant de leur transmettre un espoir spirituel.

Réalisé par Konstantin Lopushansky, ancien assistant de Tarkovsky, c’est un film soviétique post-apocalyptique d’une rare puissance visuelle. Tourné dans des teintes sépia et jaune évoquant la maladie et la poussière, c’est une œuvre angoissante et philosophique. Il n’y a pas d’action, seulement le désespoir d’une civilisation qui s’est suicidée. Cependant, à la fin, une note d’espoir transcendant émerge, suggérant que la vie continuera, peut-être sous une forme nouvelle et plus pure, même après la fin de l’histoire.

They Live (1988)

John Nada (Roddy Piper), un ouvrier au chômage errant dans Los Angeles à la recherche d’un emploi, trouve par hasard une boîte pleine de lunettes de soleil. En les mettant, le monde change d’apparence : les panneaux publicitaires révèlent des ordres subliminaux comme « OBEY », « CONSUME », « MARRY AND REPRODUCE », et de nombreuses personnes riches et puissantes apparaissent telles qu’elles sont réellement : des extraterrestres squelettiques qui nous ont colonisés. Dans They Live, Nada rejoint la résistance pour détruire l’antenne diffusant le signal cachant la vérité, déclenchant une guerre urbaine avec un fusil à pompe.

John Carpenter signe l’une des satires politiques les plus efficaces et drôles des années 80 (et au-delà). La dystopie ici est le capitalisme débridé de l’ère Reagan : les extraterrestres sont des yuppies exploitant la Terre comme une entreprise. Le film est célèbre pour la longue bagarre au poing entre Nada et son ami Frank (qui refuse de mettre les lunettes, une métaphore de la difficulté à faire voir la vérité à ceux qui ne veulent pas la voir). Un classique culte absolu qui nous invite à regarder au-delà de la surface du consumérisme.

Akira (1988)

En 2019, la métropole de Neo-Tokyo est une poudrière de corruption, de violence de gangs et de troubles sociaux, construite sur les cendres de l’ancien Tokyo détruit par une mystérieuse explosion. Lors d’un affrontement, Tetsuo, membre d’un gang de motards, acquiert des pouvoirs télékinétiques dévastateurs après un accident. Son instabilité croissante menace de réveiller « Akira », l’entité qui a déjà détruit le monde une fois.

Un chef-d’œuvre de l’animation cyberpunk, Katsuhiro Otomo avec Akira offre une épopée d’une puissance visuelle et thématique stupéfiante. Le film explore avec une rare complexité l’effondrement social, la rébellion juvénile et la transcendance post-humaine. Neo-Tokyo n’est pas seulement un décor, mais un personnage vivant, un organisme urbain en décomposition qui reflète la décadence morale de ses habitants. La transformation de Tetsuo, d’adolescent frustré à divinité destructrice, est une métaphore terrifiante du pouvoir incontrôlé et de l’aliénation dans une société au bord du gouffre. Akira a défini l’esthétique d’un genre entier et demeure une référence inégalée.

Tetsuo : The Iron Man (1989)

Un « fétichiste du métal » s’inflige délibérément des blessures en insérant des morceaux de métal dans son corps. Après avoir été percuté par un salarié, ce dernier commence une métamorphose terrifiante : sa chair se transforme en un enchevêtrement de fils, tuyaux et métal rouillé. Sa transformation le conduit à une confrontation inévitable avec le fétichiste, dans un cauchemar industriel fusionnant homme et machine.

Shinya Tsukamoto déchaîne une attaque sensorielle avec ce film culte, une œuvre d’horreur corporelle industrielle tournée en noir et blanc granuleux et fiévreux. Tetsuo est la représentation littérale de l’absorption de l’individu dans le chaos urbain et technologique. La dystopie ici n’est ni sociale ni politique, mais biologique et psychologique. C’est le cauchemar d’un Tokyo industriel qui ne se contente pas d’entourer ses habitants, mais les envahit, les contamine et les transforme en appendices monstrueux de lui-même. Une expérience cinématographique extrême, frénétique et inoubliable qui explore la perte de l’humanité à travers la mutation de la chair.

Delicatessen (1991)

Dans un immeuble délabré de la France post-apocalyptique, la nourriture est si rare que les grains de maïs servent de monnaie. Le propriétaire, qui est aussi le boucher de la boutique du rez-de-chaussée, a une méthode ingénieuse pour approvisionner ses locataires en viande délicieuse : il embauche des bricoleurs sans méfiance puis… les abat. L’arrivée d’un ancien clown cherchant du travail, qui tombe amoureux de la fille du boucher, menace de bouleverser cet équilibre précaire.

Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro créent une comédie noire aussi macabre que délicieuse. Delicatessen est une fable surréaliste qui trouve l’humour et la poésie dans l’horreur de la survie. Le cadre claustrophobe de l’immeuble devient un microcosme d’une société ayant perdu sa boussole morale, où le cannibalisme est accepté comme une triste nécessité. Avec son esthétique rétro, ses personnages excentriques et son humour burlesque, le film transforme un postulat glaçant en un conte visuellement enchanteur et étrangement romantique sur l’espoir et la résilience humaine.

The last man on earth

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Horreur, science-fiction, par Ubaldo Ragona, Sidney Salkow, États-Unis / Italie, 1964.
Inaperçu à sa sortie et considéré aujourd'hui comme un chef-d'œuvre, c'est la première et la meilleure adaptation cinématographique du livre éponyme de Richard Matheson, publié en 1954. Tourné en 1964 à Rome, dans le cadre d'une coproduction italo-américaine, ce film est le précurseur du genre des films de zombies, et précède le plus célèbre "La Nuit des morts-vivants". Robert Morgan (Vincent Price) est un scientifique, le seul survivant d'une pandémie mondiale qui a exterminé toute l'humanité. Il est seul au monde et a vu tous ses proches mourir, y compris sa femme et sa fille. Mais le virus ne tue pas seulement : il transforme en vampires morts-vivants. La nuit, les zombies sortent de leurs abris et parcourent la ville à la recherche de chair humaine.

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Cube (1997)

Six étrangers se réveillent dans une pièce cubique sans aucun souvenir de la manière dont ils y sont arrivés. Chaque face du cube possède une porte menant à une pièce identique, mais certaines sont équipées de pièges mortels. Alors qu’ils cherchent une sortie, les différentes compétences et personnalités du groupe s’affrontent, révélant que le véritable danger ne réside peut-être pas dans la structure, mais dans la nature humaine elle-même.

Réalisé avec un budget incroyablement bas, Cube est un thriller psychologique brillant qui transforme sa limitation de production en sa plus grande force. Le décor unique et claustrophobe devient une puissante métaphore de la bureaucratie, de la société et de l’existence elle-même : un système incompréhensible et apparemment dépourvu de but, créé par une entité inconnue, qui piège les individus et les oppose les uns aux autres. Le film est un exercice de tension pure, un cauchemar existentiel qui explore la paranoïa, le désespoir et la fragilité des alliances humaines face à une oppression abstraite et inéluctable.

Gattaca (1997)

Dans un futur proche, la société est divisée entre les « Valides », conçus par génie génétique, et les « In-Valides », nés naturellement et considérés comme génétiquement inférieurs. Vincent Freeman, un « In-Valide » souffrant d’un grave défaut cardiaque, rêve de voyager dans l’espace, un privilège réservé uniquement aux Valides. Pour ce faire, il assume l’identité d’un Valide paralysé, entrant dans un dangereux jeu de tromperie pour échapper au déterminisme génétique.

Gattaca présente l’une des dystopies les plus élégantes et troublantes du cinéma. Ce n’est pas un monde de violence et d’oppression manifeste, mais de discrimination silencieuse et scientifiquement validée. La tyrannie ici est inscrite dans l’ADN. Le film d’Andrew Niccol est une réflexion puissante sur la nature humaine, le libre arbitre et la résilience de l’esprit. Dans un monde qui croit que la génétique est le destin, la lutte de Vincent pour dépasser ses limites imposées devient un hymne à la force de la volonté et à la conviction que nous ne sommes pas simplement la somme de nos gènes.

Dark City (1998)

John Murdoch se réveille dans une baignoire sans mémoire, dans une ville perpétuellement plongée dans la nuit. Soupçonné d’une série de meurtres, il découvre que la ville est contrôlée par les « Étrangers », des êtres mystérieux qui arrêtent le temps chaque nuit pour altérer la réalité et les souvenirs des habitants. Murdoch, immunisé contre leur pouvoir, entame une quête désespérée pour découvrir la vérité sur son identité et la nature du monde qui l’entoure.

Sorti un an avant The Matrix, le film d’Alex Proyas explore des thèmes similaires avec une esthétique film noir et une atmosphère de cauchemar expressionniste. Dark City est un thriller philosophique qui interroge la nature de la réalité, de la mémoire et de l’âme humaine. La ville elle-même est un labyrinthe mental, une prison construite avec des souvenirs artificiels. La lutte de Murdoch n’est pas seulement pour sa survie, mais pour son autodétermination, pour prouver que l’identité est quelque chose de plus qu’une simple collection d’expériences implantées. C’est une œuvre visionnaire qui a posé les bases de beaucoup de la science-fiction de la décennie suivante.

eXistenZ (1999)

Dans un futur proche, les jeux vidéo sont devenus organiques : les consoles (« pods ») sont faites de chair et se connectent directement au système nerveux via un « bioport » installé dans la colonne vertébrale. Allegra Geller (Jennifer Jason Leigh), la plus grande créatrice de jeux au monde, échappe à une tentative d’assassinat lors de la présentation de son nouveau jeu, eXistenZ, et s’enfuit avec le garde du corps Ted Pikul (Jude Law). Dans eXistenZ, pour vérifier si le jeu a été endommagé, ils doivent se connecter et y jouer, entrant dans un monde où réalité et fiction deviennent indiscernables.

David Cronenberg revient aux thèmes de Videodrome, les actualisant à l’ère de la réalité virtuelle. C’est un thriller psychologique visqueux et ironique, rempli d’inventions grotesques (comme le pistolet fait d’os et de dents tirant des dents humaines). Le film est une boîte à énigmes qui désoriente le spectateur, questionnant le concept de libre arbitre : sommes-nous joueurs ou personnages joués ? Une œuvre profonde sur notre addiction à l’évasion dans des mondes artificiels.

Battle Royale (2000)

Dans un Japon totalitaire du futur, le gouvernement adopte une loi pour combattre la délinquance juvénile : chaque année, une classe de lycée est choisie au hasard, emmenée sur une île déserte, et forcée de s’entretuer jusqu’à ce qu’il n’en reste qu’un seul. Armés d’objets aléatoires, les élèves doivent affronter leurs amis et camarades dans un jeu mortel de survie.

Avant The Hunger Games, il y avait Battle Royale. Le chef-d’œuvre controversé de Kinji Fukasaku est une critique sociale impitoyable et une satire brutale de l’autorité, du conflit générationnel et de la violence médiatique. Contrairement à ses successeurs hollywoodiens, le film ne gomme pas son postulat. C’est une œuvre viscérale et psychologiquement dévastatrice qui explore comment les structures sociales et l’amitié se désintègrent sous une pression extrême. Battle Royale est le précurseur méconnu d’un genre entier, un film qui a eu le courage de montrer la violence de son propos sans filtres, en faisant une puissante allégorie de l’aliénation de la jeunesse.

Corona days

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Drame, par Fabio Del Greco, Italie, 2020.
Un homme reste seul à la maison en raison des mesures d'urgence liées au coronavirus. La solitude, le temps et l'espace deviennent ses adversaires, tandis que l'imagination, les souvenirs et le désir de liberté deviennent ses alliés. Le réalisateur Fabio Del Greco documente de manière intime et personnelle les jours d'isolement dus au coronavirus, filmant exclusivement des scènes en extérieur avec un smartphone. La chronique de ces jours particuliers sert de catalyseur à une réflexion sur la relativité du temps et de l'espace, et sur la manière dont la liberté peut transcender la réalité pour trouver sa place au sein de nos âmes.

À l'époque du coronavirus, un cinéaste authentique et instinctif comme Del Greco a récolté les fruits de son excentrique « cinédiaire » élaboré durant les semaines de quarantaine. Il a capturé de près sa propre solitude, et à distance sécurisée, celle de ses amis et proches. Surtout, il a saisi les rares « heures d'air » accordées par les autorités pour filmer dans un monde vidé de sa population et soumis à des contrôles policiers rigoureux. Le tout vu à travers l'objectif d'un auteur qui, comme à son habitude, se montre ludique, désabusé et subtilement ironique, même lorsqu'il intervient en tant qu'acteur. En poursuivant son exploration de la réalité, entre aperçus mélancoliques et éclats d'ironie, Fabio Del Greco transcende cette intention initiale et transforme son long métrage en un ensemble de poupées russes, où convergent diverses contributions audiovisuelles. Ces contributions, bien que chronologiquement disparates, sont toutes profondément stimulantes et chargées de sens. L'interaction entre présent et passé, habilement orchestrée même au montage, crée un court-circuit où le passé n'est pas simplement un almanach de souvenirs, mais une autre échappée dans le domaine de l'imagination. Alors qu'une critique socio-politique émerge, bien que légitime, le récit s'oriente progressivement vers un cadre existentiel plus large.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, français, allemand, portugais, espagnol

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Donnie Darko (2001)

Donnie Darko est un adolescent tourmenté qui souffre de somnambulisme et de visions d’un homme dans un costume de lapin inquiétant nommé Frank. Frank le sauve d’un accident bizarre lorsqu’un moteur d’avion s’écrase dans sa chambre et lui révèle que le monde prendra fin dans 28 jours. Guidé par Frank, Donnie commet une série d’actes qui perturbent sa tranquille ville de banlieue.

Donnie Darko transforme la banlieue américaine en une dystopie psychologique. Le film de Richard Kelly est un labyrinthe de philosophie, de physique quantique et d’angoisse adolescente qui explore les thèmes du destin et du libre arbitre. La normalité oppressante de la vie en banlieue, avec ses règles hypocrites et ses figures d’autorité, devient le décor d’une crise existentielle cosmique. C’est une œuvre culte énigmatique et mélancolique qui interroge la santé mentale, le sacrifice et la possibilité de trouver un sens dans un univers apparemment chaotique.

Le temps du loup (Time of the Wolf) (2003)

À la suite d’une catastrophe non spécifiée ayant provoqué l’effondrement de la civilisation, une famille cherche refuge dans leur maison de campagne, pour découvrir qu’elle est occupée par des inconnus. Après une tragédie violente, la mère et ses deux enfants sont contraints d’errer dans un monde sans loi, où la survie a effacé toute trace d’humanité et de compassion, à la recherche d’une lueur d’espoir dans une gare abandonnée.

Michael Haneke offre une vision post-apocalyptique dépouillée de tout romantisme ou spectacle. Le temps du loup est une dystopie de silence et d’indifférence. Le réalisateur n’explique jamais la cause de la catastrophe, se concentrant plutôt sur la désintégration brute et réaliste des liens sociaux. Sans gouvernement, sans règles, sans information, les êtres humains régressent à un état primordial, gouverné par la peur et l’instinct de survie. C’est une analyse glaçante et sans compromis de la fragilité de notre civilisation.

Primer (2004)

Deux ingénieurs, travaillant sur un projet de startup dans leur garage, découvrent accidentellement un moyen de voyager dans le temps. Initialement, ils utilisent leur invention pour profiter du marché boursier, mais ils réalisent vite que modifier le passé a des conséquences complexes et dangereuses. Leur collaboration se fracture sous le poids de la paranoïa, de la méfiance et des paradoxes que leur propre création a déclenchés.

Réalisé avec un budget de seulement 7 000 dollars, Primer est un triomphe du cinéma indépendant et l’une des représentations les plus réalistes et intellectuellement rigoureuses du voyage dans le temps. Sa force ne réside pas dans les effets spéciaux, mais dans sa structure narrative complexe et son dialogue dense et technique. Le film de Shane Carruth montre comment les contraintes budgétaires peuvent stimuler une innovation incroyable. La dystopie ici est intime et intellectuelle : ce n’est pas le monde qui est corrompu, mais la capacité humaine à gérer un pouvoir qu’elle ne peut comprendre, menant à la désintégration des relations et de l’identité.

A Scanner Darkly (2006)

Dans une Californie proche du futur, l’Amérique a perdu la guerre contre la drogue. Un policier infiltré, Bob Arctor, s’introduit dans une communauté de toxicomanes pour enquêter sur la propagation d’une nouvelle substance puissante appelée « Substance D ». Devenant lui-même dépendant, son identité commence à se fragmenter au point que, en tant qu’agent « Fred », il reçoit l’ordre d’espionner… lui-même.

Richard Linklater adapte le roman de Philip K. Dick en utilisant la technique du rotoscoping, où l’animation est dessinée par-dessus des images réelles. Ce choix stylistique n’est pas un simple caprice, mais une métaphore visuelle parfaite pour la paranoïa, la surveillance et la perte d’identité qui imprègnent le film. Le monde de A Scanner Darkly est une dystopie hallucinatoire, où la réalité est constamment médiée et déformée par la technologie et les drogues. L’animation crée une patine surréaliste qui rend impossible la distinction entre ce qui est réel et ce qui est perçu, entraînant le spectateur dans la même spirale de confusion que le protagoniste.

Les Fils de l’homme (2006)

En 2027, le monde a sombré dans le chaos après près de deux décennies d’infertilité humaine. L’humanité est au bord de l’extinction. Dans une Grande-Bretagne devenue un État policier traquant les réfugiés, un bureaucrate désabusé se voit confier la mission de protéger une jeune femme miraculeusement enceinte et de l’escorter vers un lieu sûr, devenant le gardien improbable du dernier espoir pour l’avenir.

Alfonso Cuarón réalise une œuvre d’une puissance et d’une urgence stupéfiantes. Les Fils de l’homme est une dystopie du présent, un film qui utilise son postulat de science-fiction comme une métaphore déchirante de la perte d’espoir et de la crise des réfugiés. Tourné dans un style presque documentaire, avec de longs et virtuoses plans-séquences qui plongent le spectateur dans le chaos, le film est une expérience viscérale. Sa représentation d’un monde sans avenir est un avertissement puissant sur la fragilité de notre civilisation et la nécessité de protéger l’espoir, même lorsqu’il semble perdu.

Mystery of an Employee

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Drame, thriller, de Fabio Del Greco, Italie, 2019.
Quelqu'un veut contrôler la vie de l'employé Giuseppe Russo : les produits qu'il achète, sa foi politique et religieuse, sa vie privée, même ses rêves. Mais il fera tout pour échapper à ce contrôle et retrouver son vrai moi. Giuseppe est un homme d'environ 45 ans, marié, avec un emploi stable et une maison à lui. Sa vie semble paisible lorsqu'il rencontre un vagabond mystérieux qui lui donne de vieilles cassettes vidéo VHS. Giuseppe commence à voir des vidéos dans lesquelles il est filmé à différents moments de sa vie, depuis son enfance, puis son adolescence et sa jeunesse. Qui a filmé ces vidéos dont il ne se souvient de rien ? Giuseppe a la sensation étrange d'être constamment observé et commence à enquêter sur ce qui se passe. À travers cette enquête sur lui-même, il commence à redécouvrir sa véritable identité et à prendre conscience de qui il est vraiment.

Employee's Mystery est un film qui met en lumière le danger du contrôle social et montre une société où chacun est constamment surveillé et conditionné dans son for intérieur. Le film est aussi une analyse de la nature humaine et de l'identité. Fabio Del Greco, qui incarne Giuseppe, offre une performance captivante. Chiara Pavoni, dans le rôle de Giada Rubin, et Roberto Pensa, dans le rôle du vagabond, sont tout aussi remarquables. Employee's Mystery aborde des thèmes importants de manière originale, un thriller psychologique qui tient le spectateur en haleine jusqu'à la fin : une métaphore de la société contemporaine, où les individus sont de plus en plus surveillés et conditionnés par les médias et les technologies. C’est une œuvre courageuse et provocante, qui traite des thèmes essentiels de façon originale.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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District 9 (2009)

Lorsqu’un vaisseau spatial extraterrestre se bloque au-dessus de Johannesburg, les humains découvrent à son bord une population d’extraterrestres mal nourris. Confinés dans un ghetto appelé District 9, les aliens, surnommés « crevettes », sont traités avec mépris et exploités. Un bureaucrate chargé de leur relocalisation est accidentellement exposé à une substance alien et commence à se transformer, devenant l’homme le plus recherché et le seul capable de comprendre leur situation.

Produit par Peter Jackson, le film de Neill Blomkamp est une allégorie puissante et originale de l’apartheid et de la xénophobie. Utilisant un style mockumentaire et un réalisme proche du reportage, District 9 mêle parfaitement action et commentaire social. La dystopie ici est enracinée dans l’histoire réelle de la ségrégation, et la souffrance des aliens reflète celle de nombreuses populations opprimées. C’est un film intelligent et spectaculaire qui utilise la science-fiction pour parler de notre monde, nous forçant à confronter nos préjugés et l’inhumanité dont nous sommes capables.

Monsters (2010)

Six ans après le crash d’une sonde de la NASA au Mexique, la moitié du pays est mise en quarantaine en tant que « Zone infectée » en raison de l’apparition de créatures extraterrestres géantes. Un photojournaliste américain accepte d’escorter la fille de son patron à travers cette zone dangereuse pour la ramener saine et sauve aux États-Unis. Leur voyage se transforme en une odyssée à travers un paysage aussi beau que mortel.

Gareth Edwards démontre qu’avec un budget minimal, on peut créer un cinéma d’un grand impact émotionnel et visuel. Monsters est un autre exemple de la manière dont les contraintes de production peuvent générer de la créativité. Plutôt que de se concentrer sur le spectacle des monstres, le film privilégie la relation entre les deux protagonistes. Les créatures restent en arrière-plan, une présence constante mais souvent invisible, servant d’allégorie puissante pour les frontières, l’immigration et la peur de « l’autre ». Le véritable « monstre » du titre n’est pas la créature extraterrestre, mais le mur qui divise deux mondes.

Never Let Me Go (2010)

Kathy, Tommy et Ruth grandissent ensemble dans un internat anglais idyllique, Hailsham. Leur vie est protégée et apparemment normale, mais ils découvrent bientôt une vérité glaçante : ils sont des clones, créés dans le seul but de donner leurs organes une fois qu’ils atteignent l’âge adulte. Alors qu’ils affrontent leur destin, leur lien d’amitié et d’amour est mis à l’épreuve.

Adapté du roman de Kazuo Ishiguro, Never Let Me Go est une dystopie d’une tristesse déchirante et d’une grande délicatesse. L’horreur ne réside pas dans la violence physique, mais dans la résignation silencieuse à un destin cruel. Le film explore des thèmes profonds tels que l’identité, l’âme et le sens d’une vie vécue en sachant qu’elle est destinée à être courte et instrumentale. C’est une critique puissante d’une société utilitariste qui marchandise l’existence elle-même, et une réflexion émouvante sur la fragilité des liens humains face à l’inévitable.

Beyond the Black Rainbow (2010)

En 1983, au sein du mystérieux Arboria Institute, une jeune femme dotée de pouvoirs psychiques, Elena, est retenue captive par le sinistre Dr Barry Nyle. Soumise à des séances de thérapie qui sont en réalité des expériences sadique, Elena tente de s’échapper de cette prison psychédélique, tandis que le passé sombre de Nyle et de l’institut se dévoile lentement, révélant un cauchemar de contrôle mental et de transcendance ratée.

Le premier film de Panos Cosmatos est une expérience visuelle hypnotique et terrifiante, un hommage au cinéma de science-fiction et d’horreur des années 70 et 80. Beyond the Black Rainbow est une dystopie rétro-futuriste, un voyage psychédélique qui plonge le spectateur dans une atmosphère onirique et oppressante. Avec son esthétique saturée de couleurs, son rythme lent et contemplatif, et sa bande-son synthétique, le film crée un univers unique et dérangeant. C’est une exploration du contrôle, de la conscience et des dangers d’une quête spirituelle qui se transforme en tyrannie.

Antiviral (2012)

Dans un futur obsédé par la célébrité, une clinique vend aux fans les maladies de leurs célébrités préférées. Syd March est un employé qui, pour gagner de l’argent supplémentaire, fait passer ces virus dans son propre corps pour les vendre sur le marché noir. Lorsqu’il s’injecte le virus qui vient de tuer la superstar Hannah Geist, il se retrouve atteint d’une maladie mortelle et devient la cible de collectionneurs et de fanatiques, contraint de démêler le mystère de la mort d’Hannah pour se sauver.

Brandon Cronenberg, fils d’un maître, réalise une œuvre digne héritière du cinéma de son père. Antiviral est une satire glaciale et dérangeante de la culture des célébrités et de la marchandisation du corps. Dans cette dystopie, le culte de l’image devient une pathologie littérale. Le corps n’est plus privé mais un produit dont la biologie même — ses virus, ses cellules — peut être achetée et consommée. C’est une analyse impitoyable d’une société où le désir de connexion se transforme en une forme de cannibalisme biologique.

Snowpiercer (2013)

En 2031, une expérience ratée pour stopper le réchauffement climatique a plongé le monde dans une nouvelle ère glaciaire. Les seuls survivants voyagent à bord du Snowpiercer, un train en mouvement perpétuel qui fait le tour du globe. À l’intérieur, une hiérarchie sociale rigide voit les pauvres entassés dans des conditions inhumaines à l’arrière, tandis que l’élite vit dans le luxe à l’avant. Une révolte est inévitable.

Le réalisateur sud-coréen Bong Joon-ho (Parasite) crée une allégorie de classe puissante et visuellement spectaculaire. L’espace linéaire et claustrophobe du train devient un microcosme de la société capitaliste, chaque wagon représentant une strate sociale différente. La lutte pour avancer vers l’avant du train est une représentation littérale de la lutte des classes. Snowpiercer est un film d’action intelligent et brutal qui combine un récit captivant à une critique sociale aiguë, questionnant la nature du pouvoir, du contrôle et de la révolution.

Under the Skin (2013)

Une entité extraterrestre prend la forme d’une femme séduisante et parcourt les rues d’Écosse dans une camionnette, attirant les hommes solitaires. Ses victimes sont emmenées dans un lieu surréaliste et sombre, où elles sont consommées. Cependant, à travers ses interactions avec les humains, l’extraterrestre commence à éprouver des fragments d’empathie et à remettre en question sa propre nature et sa mission.

Jonathan Glazer réalise une œuvre énigmatique et visuellement époustouflante de science-fiction. Under the Skin adopte un regard extraterrestre pour examiner l’humanité d’un point de vue externe et impitoyable. Tourné en partie avec des caméras cachées et des acteurs non professionnels, le film capture la banalité, la cruauté et la vulnérabilité de notre espèce. C’est une méditation profonde sur l’identité, la solitude et la nature de l’empathie, une expérience cinématographique sensorielle qui pénètre sous la peau et laisse le spectateur interroger ce que signifie vraiment être humain.

Coherence (2013)

Lors d’un dîner entre amis, le passage d’une comète provoque une panne de courant et une série d’événements inexplicables. Lorsqu’ils découvrent que la seule autre maison éclairée du quartier est une copie exacte de la leur, avec des versions alternatives d’eux-mêmes à l’intérieur, la soirée se transforme en un cauchemar de paranoïa et de méfiance. Les relations se brisent alors que les personnages affrontent les possibilités infinies de la physique quantique.

Coherence est un chef-d’œuvre de science-fiction à micro-budget qui démontre comment une grande idée et un scénario brillant peuvent surmonter toute limitation de production. Tourné presque entièrement dans un seul lieu et basé sur l’improvisation des acteurs, le film transforme un dîner ordinaire en un labyrinthe de réalités parallèles. C’est un thriller psychologique tendu et intelligent qui explore les thèmes de l’identité, des choix et de la nature fragile de la réalité, montrant que la dystopie la plus terrifiante peut surgir des fissures de notre monde familier.

The Lobster (2015)

Dans une société dystopique, être célibataire est illégal. Les célibataires sont arrêtés et transférés dans un hôtel où ils ont 45 jours pour trouver un partenaire. S’ils échouent, ils sont transformés en un animal de leur choix. Un homme, abandonné par sa femme, tente de survivre dans ce système absurde, d’abord en essayant de se conformer, puis en fuyant pour rejoindre un groupe de solitaires rebelles dans les bois, où la règle inverse s’applique : l’amour est interdit.

Le réalisateur grec Yorgos Lanthimos crée une satire surréaliste et acérée des conventions sociales et de la pression à la conformité. Le génie de The Lobster réside dans la présentation de deux dystopies opposées mais tout aussi tyranniques : celle du couple forcé et celle de la solitude imposée. Avec son style pince-sans-rire et son humour noir, le film critique non pas une idéologie unique, mais la nature même des systèmes sociaux rigides qui étouffent l’individualité et la complexité des émotions humaines. C’est une réflexion brillante et bizarre sur l’amour, la solitude et l’absurdité des règles qui gouvernent nos vies.

Possessor (2020)

Tasya Vos est une assassin travaillant pour une organisation secrète qui utilise une technologie d’implant cérébral pour « posséder » le corps d’autres personnes et les utiliser pour commettre des meurtres. Cependant, chaque mission l’éloigne un peu plus de sa véritable identité. Lorsqu’une mission de routine tourne mal, elle se retrouve piégée dans l’esprit d’un homme qui commence à se rebeller pour reprendre le contrôle de son propre corps.

Brandon Cronenberg poursuit l’héritage de son père avec un thriller de science-fiction qui est l’évolution terrifiante des angoisses contemporaines liées à la surveillance corporative et à la perte d’identité. Possessor représente le point final du contrôle dystopique : le corps n’est plus seulement surveillé ou marchandisé, il devient un simple matériel, un véhicule pouvant être détourné. L’horreur ici est l’annihilation totale du soi par une entité corporative. Avec sa violence viscérale et sa cinématographie froide et stérile, le film est une analyse glaçante de la déshumanisation à l’ère des technologies invasives.

Vesper (2022)

Dans un futur post-apocalyptique, l’écosystème terrestre s’est effondré. L’humanité survit dans des citadelles fortifiées, tandis que les rares survivants à l’extérieur luttent pour leur survie dans un monde hostile. Vesper, une fille de 13 ans dotée de compétences extraordinaires en bio-hacking, s’occupe de son père paralysé. Une rencontre avec une mystérieuse femme venue d’une citadelle lui offre la chance d’un avenir différent, mais la plonge dans une intrigue dangereuse.

Vesper est une œuvre visuellement époustouflante et thématiquement riche de science-fiction « bio-punk ». Contrairement à de nombreuses dystopies post-apocalyptiques, le film ne se concentre pas sur la désolation, mais sur un monde où la nature, bien que toxique et étrange, est luxuriante et pleine d’une vie nouvelle et bizarre. C’est une fable écologique qui explore les inégalités de classe et le pouvoir du savoir scientifique comme outil de rébellion. L’esthétique organique et féerique du film en fait l’une des visions les plus originales et fascinantes de la science-fiction récente.

Les Nouvelles Peurs d’un Monde Dystopique

Il n’est pas surprenant que la dystopie soit revenue au centre de l’attention mondiale aujourd’hui. Le roman 1984 de George Orwell est à nouveau l’un des best-sellers les plus lus dans les pays occidentaux. La principale cause de ces nouvelles perceptions négatives et de ces peurs est probablement la grande transformation technologique et numérique que nous vivons, ainsi que l’émergence de dirigeants politiques incapables d’éviter des crises de toutes sortes, qui surviennent rapidement.

À ces changements s’est ajoutée la pandémie de covid-19 qui a créé dans les rues du monde ces scénarios que nous ne voyions auparavant que dans des films de science-fiction tels que The Last Man on Earth. Rues désertes et isolement à domicile pour toute la population mondiale, couvre-feu, distanciation sociale et peur de l’autre, aliénation et peur de la maladie. 

La Naissance du Cinéma Dystopique

Il existe d’innombrables films qui ont utilisé ce type de décors, en commençant par exemple par des interprétations horrifiques dystopiques telles que Night of the Living Dead de George Romero. Ou le plus récent Contagion, qui traite plus directement du thème du virus. À confirmer l’intérêt et la fascination des cinéastes pour un monde dystopique et négatif, la grande quantité de courts métrages et de films indépendants réalisés ces deux dernières années sur le sujet pendant le confinement mondial. 

L’Homme Contre la Société

Contrairement au théâtre qui se concentre davantage sur le conflit interpersonnel entre les personnages, contrairement à la littérature et au roman capables d’enquêtes intérieures profondes, le cinéma donne le meilleur de lui-même lorsque l’homme lutte contre un extérieur peut-être. Évidemment, ce n’est pas toujours vrai. 

De nombreux cinéastes ont réalisé des films entièrement centrés sur le conflit intérieur ou interpersonnel. Un bon scénario englobe les trois niveaux de conflit dans son développement. Mais il reste évident que le conflit externe, le protagoniste qui lutte contre le monde extérieur et la société, est celui qui convient le mieux à l’œuvre cinématographique. 

Beaucoup de grands réalisateurs, à commencer par Fritz Lang, ont gravé leurs témoignages dans des films qui racontent leurs expériences dans les dictatures du XXe siècle. Des horreurs et des sociétés dystopiques qui appartiennent désormais au passé et à l’histoire. Mais le monde dystopique dans les films et les romans est toujours quelque chose qui reste à se manifester, un mauvais présage appartenant à l’avenir. 

1984, le roman de George Orwell

L’œuvre dystopique la plus célèbre avec laquelle le concept même de dystopie est souvent identifié est 1984 de George Orwell. Big Brother est devenu célèbre dans le monde entier et ne cesse d’être impressionnamment d’actualité. Peut-être parce qu’Orwell a centré dans ce roman l’un des nœuds fondamentaux de l’existence humaine : l’instinct d’écraser les pouvoirs obscurs envers les citoyens. Un phénomène que l’on peut observer globalement à toutes les latitudes. 

Heureusement, c’est un phénomène qui a aussi une fonction positive : celle d’accroître la rébellion des peuples et la conscience de ceux qui veulent les dominer et les exploiter. Plus le monde dystopique et violent est grand, plus il génère un monde meilleur. Dans les œuvres littéraires et cinématographiques, cependant, la fin heureuse n’est pas si fréquente. 

Dans 1984, Winston Smith se rend au lavage de cerveau du régime totalitaire de Big Brother. Dans de nombreux films, le protagoniste ne survit pas à la monstruosité de la dystopie. Mais heureusement, la réalité confirme que l’inverse est vrai. Les tentatives d’éliminer la dignité et la liberté de l’individu échouent et contribuent à créer un monde meilleur, même si le prix est élevé. 

Retrouver la puissance intérieure

Si la liberté et le bien-être n’étaient pas déjà en notre pouvoir maintenant, nous devrions toujours espérer quelqu’un prêt à nous les accorder. Et même si les choses allaient bien, nous vivrions encore dans la peur de perdre richesse et liberté à cause d’un changement défavorable chez ceux qui détiennent le pouvoir. C’est la vie qui mène à l’esclavage et au psycho-pénitencier : l’espoir d’avoir quelque chose de mieux et la peur de perdre ce que l’on croit déjà posséder. Mais remettre la liberté et la richesse entre les mains du monde extérieur constitue déjà en soi un état d’esclavage.