Films gothiques italiens à ne pas manquer

Le premier prototype des films gothiques italiens fut Frankenstein’s Monster (1920) d’Eugenio Testa. Longtemps considéré comme perdu, il est communément reconnu comme le premier film d’horreur italien et le dernier jusqu’à Vampires (1956) de Riccardo Freda, trois décennies et demie plus tard.

Durant la période fasciste, les comédies de la classe moyenne dites « telefono bianco » étaient très en vogue en Italie, tandis qu’une censure stricte maintenait les films d’horreur sous contrôle. Dans les années qui suivirent, l’Italie rattrapa le temps perdu ; et les années 1960 virent une vague de films gothiques italiens sombres et violents.

Les films gothiques indépendants italiens naquirent presque comme un jeu : Riccardo Freda paria avec les producteurs Ermanno Donati et Luigi Carpentieri qu’un film d’horreur surnaturelle pouvait aussi être tourné en Italie. Les deux, pas entièrement convaincus, acceptèrent et donnèrent un petit budget à Freda, connu pour sa capacité à tourner des films en peu de temps.

La production fut problématique et Freda quitta le plateau en plein tournage, demandant à Mario Bava, directeur de la photographie, de terminer le travail. Il s’agit de Vampires, le premier film d’horreur du marché cinématographique italien alors fertile.

En 57, le film jette les bases de la catégorie et intègre des composantes de l’horreur traditionnelle telles que le château inquiétant avec des éléments de pure modernité : les meurtres abominables ne sont en effet pas une malédiction ancienne, cependant la duchesse Du Grand est consumée par la fontaine de jouvence et injecte le sang des filles dans son corps. Les recettes du film sont modestes, 124 millions de lires, mais le genre du film gothique italien est inauguré.

Le film de Freda fut le premier, mais il fallut le succès mondial de Black Sunday de Mario Bava pour lancer cette nouvelle ère des films gothiques italiens. Adapté de The Viy de Nikolaï Gogol, le film de Bava suit la résurrection d’une sorcière du XVIIe siècle. Maître de la lumière, du décor et des mouvements de caméra significatifs, Bava montra dès le départ un style visuel qui le distinguait des réalisateurs gothiques américains et britanniques. La photographie monochrome du film possède une allure sombre et céleste, soulignée par des minutes de surréalisme obsédant.

🕯️ Nouveau Mal : Le Gothique Italien Contemporain

Malgré la domination des blockbusters internationaux, le cinéma italien est revenu à explorer ses propres racines sombres. Ces deux dernières années, nous avons assisté à un retour au « gothique rural » et à l’horreur ancestrale. Des réalisateurs comme Pupi Avati, maître incontesté du genre, et de nouvelles voix telles que Federico Zampaglione ou Paolo Strippoli, prouvent que les campagnes désolées et les palais en ruine d’Italie cachent encore des secrets capables d’effrayer le public moderne.

L’Orto Americano (2025)

À Bologne, juste après la Libération, un jeune homme aux troubles psychologiques tombe amoureux d’une belle infirmière américaine. Lorsqu’elle disparaît, sa quête le mène à une propriété désolée avec un jardin mystérieux, où la frontière entre le monde des vivants et celui des morts commence à s’effacer. Pupi Avati, le père du « Padano Gothic », revient à ses racines avec un film qui semble être un fantôme du passé. Tourné en noir et blanc mélancolique, c’est un mystère à combustion lente qui privilégie l’atmosphère aux sursauts. C’est un conte profondément poétique et macabre qui prouve qu’Avati détient toujours la clé des contes populaires les plus troublants d’Italie.

Le Puits (2024)

Une jeune restauratrice d’art américaine se rend dans un village italien isolé pour redonner à une peinture médiévale endommagée sa splendeur d’antan. Elle découvre rapidement que la villa cache une malédiction sinistre et une créature sanguinaire vivant dans un puits, liée aux sombres secrets d’une famille noble locale. Réalisé par Federico Zampaglione, Le Puits est un pont brutal entre l’esthétique gothique italienne classique et l’horreur « extrême » moderne. Il évoque l’esprit de Mario Bava tout en injectant une dose de gore viscéral. C’est un film claustrophobe qui joue avec l’idée de l’art comme porte vers des maux anciens et indicibles.

La Vallée des Sourires (2025)

Dans un village de montagne isolé appelé Remis, tout le monde est étrangement heureux. Lorsqu’un jeune homme revient au village pour les funérailles de son père, il réalise que cette joie artificielle est le résultat d’un pacte sombre vieux de plusieurs siècles qui exige un sacrifice terrifiant. Paolo Strippoli (après le succès de Une Histoire d’Horreur Classique) explore le sous-genre du « gothique solaire ». Contrairement aux sombres châteaux d’antan, l’horreur ici est cachée en plein jour et derrière des sourires forcés. C’est une critique sociale acerbe enveloppée dans un voile d’horreur populaire, centrée sur le poids de la tradition et les ombres qui rôdent dans les petites communautés isolées.

Mimì – Il principe delle tenebre (2023)

Mimì est un orphelin né avec des pieds déformés qui travaille dans une pizzeria à Naples. Sa vie change lorsqu’il rencontre Carmilla, une jeune fille qui croit être une descendante du comte Dracula. Ensemble, ils s’échappent dans un monde d’obscurité, essayant de survivre à un chef local de la camorra tout en embrassant leur propre nature monstrueuse. Les débuts de Brando De Sica sont un « gothique urbain » visionnaire qui transpose le mythe du vampire dans les rues viscérales de Naples. C’est un conte de fées sombre qui mêle l’esthétique de Tim Burton à la rudesse du réalisme italien. Une expérience unique et stylée qui insuffle une nouvelle vie au genre romantico-macabre.

Katabasis

Maintenant disponible

Drame, Mystère, par Samantha Casella, Italie, 2025.
« Katabasis » est un voyage dans le monde souterrain. Nora a vécu ce royaume obscur enfant, lorsqu'elle a subi des abus. Cela l'a marquée, la façonnant en une femme ambiguë et manipulatrice, dangereuse dans son insondable mystère, cherchant constamment des situations troublantes pour revivre la seule condition qu'elle a profondément intériorisée : la douleur. Et l'histoire d'amour entre Nora et Aron est tourmentée, strictement secrète. Aron est un jeune orphelin opprimé par le système des stars qui, orchestré par Jacob, un manager cynique, en a fait une star et lui impose une autre façade de vie. En fait, seules les personnes gravitant autour de la maison-prison où vit le couple connaissent l'existence de Nora. Cette majestueuse villa est le théâtre de secrets, mensonges, tromperies, ainsi que d'épisodes troublants, puisque Nora est capable de communiquer avec les âmes de l'au-delà.

Biographie de la réalisatrice – Samantha Casella
Samantha Casella a étudié divers aspects du cinéma, notamment l'écriture de scénarios, la réalisation, la cinématographie et le jeu d'acteur, à Turin, Florence, Rome et Los Angeles. Sa thèse de réalisation, le court métrage « Juliette », a remporté 19 prix, dont le « European Massimo Troisi Award ». Elle a poursuivi son parcours en réalisant des courts métrages surréalistes tels que « Silenzio Interrotto », « Memoria all'Isola dei Morti » et « Agape ». En 2019, elle a réalisé « I Am Banksy ». Au charismatique TCL Chinese Theater de Los Angeles, lors du Golden State Film Festival, elle a remporté le prix du Meilleur Court Métrage International. En 2020, elle a réalisé le court métrage « A un Dio Sconosciuto ». « Santa Guerra » est son premier long métrage.

LANGUE : Italien
SOUS-TITRES : Anglais, Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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🏛️ Cryptes et châteaux : L’âge d’or du gothique italien

Avant que le gore ne prenne le devant de la scène, le cinéma italien dominait l’imaginaire mondial avec une élégance macabre sans précédent. Entre 1960 et 1970, des maîtres comme Mario Bava et Antonio Margheriti ont façonné un univers de manoirs fantomatiques, de bougies vacillant dans le vide, et de secrets enfouis depuis des siècles sous le poids de malédictions ancestrales. Ce n’était pas seulement de l’horreur : c’était une danse visuelle entre érotisme et mort, où la cinématographie — tantôt en noir et blanc expressionniste, tantôt en couleurs épaisses et surréalistes — transformait chaque plan en cauchemar d’auteur. Ce sont les chefs-d’œuvre qui ont inventé la peur à l’italienne, influençant des géants comme Tim Burton et Guillermo del Toro.

I Vampiri (1957)

Situé dans un Paris fantomatique, le film suit l’enquête du journaliste Pierre Valentin sur une série de meurtres brutaux de jeunes femmes, toutes retrouvées complètement vidées de leur sang. Le mystère tourne autour du château de la duchesse du Grand et de sa belle nièce Giselle, qui cache un secret terrifiant lié à la quête de la jeunesse éternelle et à des expériences scientifiques frôlant le surnaturel.

Réalisé par Riccardo Freda et achevé par Mario Bava (qui fut également le directeur de la photographie), I Vampiri est officiellement le premier film d’horreur italien de l’ère sonore. Malgré son titre, il ne traite pas du vampirisme traditionnel mais mêle habilement le film noir et la science-fiction gothique. Célèbre pour ses effets spéciaux pratiques sur le plateau réalisés sans coupures de montage — comme le vieillissement en temps réel de Gianna Maria Canale —, le film a posé les bases esthétiques de tout le cinéma de genre à venir.

Black Sunday (1960)

En Moldavie au XVIIe siècle, la sorcière Asa Vajda est brutalement exécutée, jurant vengeance sur ses descendants. Deux siècles plus tard, un médecin brise accidentellement le sceau de son tombeau, réveillant ainsi Asa et son amant démoniaque. Asa commence à hanter la jeune Katia, sa descendante et parfaite sosie, dans une tentative de lui voler sa vie et d’accomplir sa renaissance sanglante.

Premier film réalisé par Mario Bava, librement inspiré de la nouvelle « Viy » de Nikolaï Gogol, il est considéré comme le chef-d’œuvre ultime du gothique italien. La photographie en noir et blanc à fort contraste est d’une beauté plastique sublime, capable de créer une atmosphère funéraire et onirique. Barbara Steele, dans le double rôle d’Asa et Katia, devint instantanément une icône mondiale du genre, incarnant une beauté qui fusionne indissolublement érotisme et mort.

Le Moulin des femmes de pierre (1960)

Le jeune Hans von Arnam arrive dans un village flamand pour étudier un ancien moulin à vent appartenant au professeur Wahl, qui abrite un macabre musée de statues de cire. Hans devient fasciné par la fille du professeur, Elfi, mais découvre bientôt l’horreur cachée dans les murs du moulin : le professeur utilise le sang de jeunes femmes pour maintenir Elfi en vie, transformant ensuite les cadavres en « statues » de sa collection.

Réalisé par Giorgio Ferroni, ce film se distingue par son usage magistral de la couleur (le procédé Technicolor), rappelant la peinture flamande. Il est un parfait exemple de « gothique médical », où la folie du savant fou se mêle à des atmosphères romantiques et décadentes. La tension monte progressivement vers un final révélateur et visuellement puissant, faisant de ce titre l’un des plus raffinés de l’époque.

Le Dr. Hichcock (1962)

Le Dr Bernard Hichcock, un chirurgien aux tendances nécrophiles, tue accidentellement sa femme Margaretha lors d’un jeu érotique qui tourne mal. Des années plus tard, il revient dans sa villa avec une nouvelle épouse, Cynthia, mais la maison semble hantée par le fantôme de sa première femme. En réalité, Margaretha est toujours vivante mais défigurée, cachée dans le sous-sol et prête à réclamer le sang de sa rivale pour retrouver sa beauté.

Riccardo Freda livre l’une des œuvres les plus audacieuses et morbides de la période, abordant des sujets tabous avec une élégance formelle extraordinaire. Barbara Steele revient dominer l’écran dans une atmosphère saturée de couleurs vives et de décors baroques. Le film est un sommet de tension psychologique et de fétichisme, où la terreur naît des pulsions déviantes et des sombres couloirs d’un manoir victorien intemporel.

Black Sabbath (1963)

Cette anthologie d’horreur présente trois histoires introduites par Boris Karloff. Dans The Telephone, une femme est harcelée par des appels menaçants d’un ancien amant revenu des morts ; dans The Wurdalak, un noble russe fait face à une famille de vampires qui ne se nourrissent que de leurs proches ; enfin, dans The Drop of Water, une infirmière vole une bague à une médium décédée, pour être ensuite tourmentée par son spectre vengeur.

Mario Bava explore trois nuances de terreur : le thriller urbain, le folklore vampirique et le surnaturel pur. L’utilisation de couleurs expressionnistes (vert, violet et rouge) est révolutionnaire, créant un impact visuel presque psychédélique. L’épisode The Drop of Water est encore aujourd’hui cité comme l’un des moments les plus effrayants de l’histoire du cinéma, grâce à l’usage troublant du son et à un mannequin terrifiant.

The Ghost (1963)

Dans une villa écossaise sombre de la fin du XIXe siècle, Margaret Hichcock complote avec son amant, le Dr Livingstone, pour tuer son mari paralysé et s’approprier son héritage. Après le meurtre, les deux commencent à être tourmentés par des événements inexpliqués et des apparitions suggérant que le défunt est revenu pour se venger, les entraînant dans une spirale de paranoïa et de folie.

Bien que le titre rappelle The Horrible Dr. Hichcock, le film de Riccardo Freda est une œuvre indépendante qui se concentre entièrement sur le suspense psychologique et les rebondissements. Tourné en couleur avec une grande maîtrise, il utilise l’interprétation intense de Barbara Steele pour construire un drame claustrophobe de trahison et de terreur, influencé par les classiques du film noir français comme Diabolique.

The Whip and the Body (1963)

Le noble Kurt Menliff revient dans son château familial, où son passé de violence et de sadisme l’a rendu haï de tous. Après avoir été retrouvé mort, son spectre semble continuer à hanter son ancienne amante Nevenka, l’entraînant dans une relation surnaturelle de plaisir et de douleur au milieu des couloirs glacés et balayés par le vent du manoir.

Mario Bava (signant sous le nom de John M. Old) réalise une histoire de fantôme atypique imprégnée d’érotisme masochiste et de décadence. Contrairement aux rapports fréquents, le film est célébré pour sa cinématographie en couleurs vives et contrastées, qui transforme le château en un paysage mental. Christopher Lee et Daliah Lavi offrent des performances magnétiques dans ce qui est peut-être le film le plus lyrique et audacieux de Bava.

Castle of Blood (1964)

Le journaliste Alan Foster accepte un pari avec Edgar Allan Poe : passer une nuit entière dans un château abandonné la veille de la Toussaint. Pendant la nuit, le château se peuple des fantômes de ses anciens habitants, qui revivent éternellement leurs morts tragiques et tentent d’attirer l’étranger dans leur cycle infini de sang et de damnation.

Antonio Margheriti réalise un classique du pur gothique, tourné en noir et blanc atmosphérique qui accentue les ombres du château de Bracciano. Le film est une réflexion romantique et funéraire sur le temps et la mort, avec Barbara Steele incarnant une fois de plus une beauté spectrale. Sa structure circulaire et son atmosphère raréfiée en font l’un des titres les plus aimés des fans à travers le monde.

The Long Hair of Death (1964)

Au XVe siècle, une femme est injustement brûlée vive pour sorcellerie. Sa malédiction frappe la noble famille Karnstein, entraînant la mort violente de ceux qui en sont responsables. Des années plus tard, une mystérieuse femme apparaît au château, apportant tourments et séduction, tandis que le spectre de la femme exécutée semble revenir des morts pour réclamer sa vengeance ultime.

Également réalisé par Antonio Margheriti et tourné en noir et blanc, le film est un conte sombre de vengeance et de superstition. Il se distingue par un ton particulièrement cruel et la capacité à utiliser le décor pour créer un sentiment d’oppression constante. Barbara Steele, dans le rôle de la fille vengeresse, livre l’une de ses performances les plus glaciales et fascinantes.

An Angel for Satan (1966)

L’aristocrate Harriet revient dans son village familial après des années d’absence. Coïncidant avec la découverte d’une ancienne statue maléfique dans un lac voisin, la jeune femme commence à manifester une personnalité perverse et malfaisante, poussant les habitants à commettre crimes et violences. On soupçonne qu’Harriet est possédée par l’esprit maudit représenté dans la sculpture.

Camillo Mastrocinque dirige Barbara Steele (dans sa dernière apparition dans le gothique italien classique) dans un drame aux accents surnaturels. Le film joue sur l’ambiguïté entre folie clinique et possession démoniaque, utilisant le contraste du noir et blanc pour souligner la dualité de la protagoniste. C’est une œuvre qui clôt dignement l’âge d’or, en se concentrant sur un horreur plus suggérée et atmosphérique.

Kill, Baby… Kill! (1966)

Un médecin légiste arrive dans un village reculé d’Europe centrale pour une autopsie, découvrant une population terrifiée par le fantôme d’une jeune fille, Melissa Graps. Quiconque voit la petite Melissa ou entend le son de sa balle blanche est destiné à une mort violente, victime d’une malédiction liée à un événement tragique du passé de la villa locale.

Considéré comme l’un des sommets créatifs de Mario Bava, Kill, Baby… Kill! est un triomphe d’invention visuelle malgré un budget limité. L’image de la jeune fille pâle est désormais un archétype du genre (rendu hommage par Fellini et le J-Horror). Le film est un cauchemar éveillé où les lois de la physique et du temps s’effondrent, recevant les éloges lors de sa première à Rome même du maître Luchino Visconti.

La Sorcière amoureuse (1966)

Sergio, un jeune bibliothécaire au chômage, accepte un emploi consistant à organiser les archives érotiques du défunt mari de la mystérieuse Consuelo, qui vit dans un ancien palais romain. Là, il devient enchanté par la belle nièce de Consuelo, Aura, mais se retrouve bientôt piégé dans un jeu de miroirs et de transformations : la jeunesse d’Aura semble alimentée par la magie noire de Consuelo dans un cycle éternel de séduction et de mort.

Réalisé par Damiano Damiani et adapté du roman Aura de Carlos Fuentes, le film est un exemple raffiné de gothique urbain tourné en noir et blanc à fort contraste. Plutôt que sur la terreur visuelle, l’œuvre se concentre sur une atmosphère morbide et psychologique, explorant le thème de la sorcellerie comme métaphore de l’obsession romantique et de la décadence. C’est un film atypique qui mêle cinéma d’auteur et suggestions plus sombres du genre.

Un endroit tranquille à la campagne (1968)

Leonardo Ferri, un peintre à succès au bord de la crise de nerfs, cherche refuge dans une villa vénitienne abandonnée pour retrouver l’inspiration. Cependant, la maison est hantée par le souvenir de Wanda, une jeune comtesse nymphomane tuée pendant la guerre. Leonardo glisse dans une spirale de folie, obsédé par le spectre de la femme, tandis que la frontière entre réalité, désir érotique et ses visions artistiques se dissout tragiquement.

Elio Petri livre un chef-d’œuvre pop-gothique qui brise les conventions du genre, utilisant un montage frénétique et la partition expérimentale d’Ennio Morricone. Avec Franco Nero et Vanessa Redgrave, le film est une réflexion acide sur le rôle de l’artiste et le fétichisme. Malgré le cadre ensoleillé, l’horreur émerge de la psyché malade du protagoniste, en faisant l’un des titres les plus modernes et troublants de la fin des années 1960.

Esprits des morts (1968)

Ce film anthologique adapte trois célèbres contes d’Edgar Allan Poe. Dans Metzengerstein de Roger Vadim, une noble cruelle est hantée par un cheval démoniaque ; dans William Wilson de Louis Malle, un officier autrichien est tourmenté par son double ; enfin, dans Toby Dammit de Federico Fellini, un acteur alcoolique est attiré vers la mort par une fille spectrale jouant avec une balle blanche.

L’œuvre représente la rencontre du gothique littéraire et des sensibilités des grands maîtres du cinéma européen. Si les deux premiers épisodes restent plus proches de l’esthétique traditionnelle, le segment de Fellini est considéré comme un chef-d’œuvre absolu de la fantaisie moderne, créant une Rome infernale et onirique. L’image de la fille diabolique de Fellini a laissé une telle empreinte dans l’imaginaire collectif qu’elle a directement influencé les films d’horreur ultérieurs de Mario Bava.

La Poupée du Diable (1969)

Elisabeth revient au château familial après la mort de son oncle pour en prendre possession, ignorant les légendes locales qui prétendent que le manoir est hanté. Bientôt, une série de tentatives de meurtre et d’apparitions inquiétantes liées à une mystérieuse poupée la poussent vers la folie. Au milieu de passages secrets et de tortures médiévales, la jeune femme doit découvrir si une entité démoniaque ou une conspiration plus terrestre se cache derrière l’horreur.

Premier et unique film réalisé par Ferruccio Casapinta, ce long-métrage est un « giallo-gothique » qui fait écho aux classiques des années 1960 à une époque où le genre était déjà en mutation. Malgré un budget limité, l’œuvre parvient à construire une atmosphère sombre et menaçante grâce aux décors suggestifs du château de Balsorano. C’est un titre chéri des amateurs de films cultes pour son charme naïf mais véritablement macabre.

Une Hache pour la Nuit de Noces (1970)

John Harrington est le jeune propriétaire d’une maison de haute couture nuptiale, hanté par un traumatisme d’enfance qui le pousse à tuer de jeunes femmes lors de leur nuit de noces. Convaincu que chaque meurtre révèle un fragment de son passé refoulé, John poursuit son bain de sang même après avoir tué sa femme Mildred, dont le fantôme, ironiquement, continue de le hanter, l’empêchant de jouir de sa liberté.

Mario Bava livre l’un de ses films les plus cyniques et visuellement audacieux, anticipant le slasher moderne. Le film mêle la structure du giallo à des éléments gothiques surnaturels, créant un protagoniste fou mais presque sympathique dans son délire. La photographie aux couleurs saturées et l’ironie macabre font de ce film un pont fondamental entre le gothique classique et les thrillers psychologiques des années 1970.

Ils ont changé de visage (1971)

Alberto Valle, employé d’une grande entreprise automobile, est invité à la villa isolée de son président, l’énigmatique Giovanni Nosferatu. Là, il découvre que l’homme n’est pas seulement un industriel à succès, mais une sorte de vampire moderne qui ne boit pas de sang, mais contrôle les masses par le consumérisme et la technologie, offrant à Alberto une promotion qui exige la perte totale de sa dignité.

Corrado Farina réalise une satire sociale mordante déguisée en horreur gothique, remportant le Léopard d’or à Locarno. Le film réinterprète le mythe de Dracula sous une clé capitaliste, transformant le château en une villa high-tech enveloppée de brume. Malgré des contraintes budgétaires et quelques passages didactiques, il demeure une œuvre d’une grande intelligence qui utilise l’esthétique de l’horreur pour critiquer la société de consommation.

La Reine Rouge Tue Sept Fois (1972)

Une malédiction frappe la famille Wildenbrück : tous les cent ans, la « Reine Rouge » revient pour tuer sept personnes. Lorsqu’une série de meurtres commence à frapper les amis et les proches des sœurs Kitty et Franziska, la terreur s’empare de leur château. La légende semble prendre vie lorsqu’une silhouette vêtue de rouge apparaît dans l’ombre pour réclamer ses victimes avant que le cycle sanglant ne se referme.

Emilio Miraglia fusionne parfaitement le giallo italien avec les atmosphères gothiques classiques. Avec la sublime Barbara Bouchet en vedette, le film joue habilement avec le mystère et la légende ancestrale. La figure de la Reine Rouge, avec son rire inquiétant, est devenue une icône du genre, faisant du film un favori culte pour ceux qui recherchent un mélange d’élégance formelle, de mystère et de frissons.

La Nuit des Démons (1972)

Un jeune homme devient victime d’un accident de voiture près d’une villa isolée habitée par une étrange famille. Le patriarche vit dans la peur d’avoir été infecté par un « Wurdalak », un vampire qui ne se nourrit que du sang de ses propres proches. L’invité se retrouve prisonnier d’un cauchemar archaïque, où les liens du sang deviennent une condamnation à mort lors d’une nuit qui semble sans fin.

Giorgio Ferroni revient au genre de l’horreur avec ce remake de The Wurdalak (précédemment filmé par Bava dans Black Sabbath), déplaçant l’action à l’époque contemporaine. Malgré certaines limites de production, le film brille par une atmosphère malsaine et quelques scènes à fort impact visuel. C’est une œuvre sombre et désespérée qui transporte le folklore vampirique rural dans une dimension claustrophobe et violente.

Lisa et le Diable (1974)

Lisa, une touriste en vacances à Tolède, se perd dans les ruelles de la ville et trouve refuge dans une villa aristocratique en ruine. Là, elle rencontre un majordome, joué par Telly Savalas, qui porte une ressemblance troublante avec une représentation du diable. La jeune femme se retrouve piégée dans une boucle temporelle où vie et mort, passé et présent se mêlent dans un théâtre macabre de marionnettes humaines.

Considéré comme le testament spirituel de Mario Bava, le film est une œuvre lyrique, onirique et profondément mélancolique. Initialement rejeté par les distributeurs et plus tard remonté sous le titre House of Exorcism, dans sa version originale, c’est un poème visuel sur la mort et le destin. La beauté de la photographie et la narration surréaliste en font un des sommets absolus du gothique mondial.

Footprints (1975)

Alice, une traductrice, souffre d’amnésie et de cauchemars liés à un film de science-fiction qu’elle a vu dans son enfance. Suivant de faibles indices, elle arrive à Garma, une île turque où tout le monde semble la connaître sous une autre identité. Sa quête de la vérité la conduit à affronter un traumatisme enfoui et la mystérieuse figure d’un astronaute, dans un crescendo de paranoïa où son identité finit par se briser.

Luigi Bazzoni réalise un thriller psychologique aux fortes résonances gothiques et de science-fiction. Le film est dominé par l’extraordinaire performance de Florinda Bolkan et la photographie de Vittorio Storaro, qui transforme les paysages désertiques en lieux de l’âme. C’est une œuvre sophistiquée et dérangeante qui explore les territoires du rêve et de la folie avec une élégance visuelle rarement atteinte dans le cinéma de genre.

La Maison aux fenêtres qui rient (1976)

Stefano, un jeune restaurateur, est appelé dans un village des vallées de Comacchio pour restaurer une fresque représentant le martyre de Saint Sébastien, œuvre d’un peintre fou qui s’est suicidé des années auparavant. Au fil de la restauration, Stefano découvre que le village cache un secret horrifique lié au peintre et à ses sœurs, tandis qu’une présence invisible commence à éliminer quiconque tente de l’aider.

Pupi Avati invente le « gothique de la plaine du Pô », déplaçant l’horreur des châteaux classiques vers la lumière éclatante et maladive de la campagne émilienne. Le film est un chef-d’œuvre de tension progressive, où la peur naît des traditions paysannes non dites et déformées. La fin choquante et grotesque est restée gravée dans l’histoire du cinéma italien, consacrant Avati comme un maître du genre.

Âme perdue (1977)

Le jeune Tino arrive à Venise pour étudier la peinture et est hébergé par sa tante et son oncle dans un palais noble en ruine. L’oncle Fabio, homme autoritaire et austère, cache un terrible secret : un bruit constant venant du grenier suggère la présence d’un frère fou enfermé depuis des années. Tino commence à enquêter, découvrant une réalité faite d’obsessions sexuelles et de traumatismes non résolus.

Dino Risi s’éloigne de la comédie pour réaliser un drame gothique situé dans une Venise funèbre et hivernale. Avec Vittorio Gassman et Catherine Deneuve, le film joue sur le thème du double et de la décomposition de la noblesse. C’est une œuvre subtile et troublante qui utilise l’architecture labyrinthique de la ville pour raconter l’histoire de la prison psychologique de ses protagonistes.

The Psychic (1977)

Virginia, une femme dotée de pouvoirs extrasensoriels, a une vision d’un meurtre qui a eu lieu des années auparavant : une femme murée vivante dans une villa appartenant à son mari. Lorsqu’elle décide de démolir le mur et découvre le squelette, une course contre la montre commence pour trouver le coupable. Cependant, ses visions sont fragmentaires, et Virginia réalise trop tard que le futur qu’elle a vu ne s’est pas encore produit.

Lucio Fulci crée l’un de ses films les plus équilibrés et brillants, un thriller parapsychologique qui utilise parfaitement les mécanismes du suspense. L’intrigue est un puzzle parfait où chaque détail visuel des prémonitions trouve sa place dans le final haletant. Loin de ses excès gore ultérieurs, Fulci démontre ici une maîtrise absolue de la mise en scène, créant un classique du genre admiré même par Quentin Tarantino.

Shock (1977)

Daria retourne vivre dans la maison où son premier mari s’est suicidé, accompagnée de son fils Marco et de son nouveau compagnon Bruno. Bientôt, l’enfant commence à manifester des comportements inquiétants, comme possédé par l’esprit de son père décédé, tandis que la maison semble s’animer pour hanter la femme et la pousser à avouer une terrible vérité liée à la mort de son ex-mari.

Dernier film réalisé par Mario Bava (avec la collaboration de son fils Lamberto), Shock est un film d’horreur psychologique claustrophobe qui mise davantage sur l’ingéniosité visuelle que sur les effets spéciaux. Daria Nicolodi offre une performance intense dans un crescendo de folie domestique. Malgré une intrigue simple, le film brille par des inventions de mise en scène spectaculaires qui témoignent de la vitalité créative de Bava jusqu’à la fin de sa carrière.

Suspiria (1977)

Suzy Benner, une étudiante américaine en danse, arrive à Fribourg pour intégrer une académie prestigieuse. Après une série de meurtres brutaux qui frappent les étudiantes, Suzy découvre que l’école est en réalité le siège d’un coven de sorcières dirigé par la puissante Mater Suspiriorum. Pour survivre, elle doit s’aventurer dans les couloirs labyrinthiques de l’école et affronter un mal ancien et implacable.

Dario Argento signe son chef-d’œuvre absolu, transformant le gothique en une expérience sensorielle psychédélique. L’utilisation des couleurs primaires par Luciano Tovoli et la bande sonore assourdissante des Goblin créent un conte noir inédit. Suspiria n’est pas seulement un film d’horreur, mais un triomphe de l’esthétique baroque et de la violence chorégraphique qui a redéfini le genre à l’échelle internationale.

Hotel Fear (1978)

Durant les dernières années de la Seconde Guerre mondiale, dans un hôtel isolé au bord d’un lac, la jeune Rosa se retrouve à gérer l’établissement après la mort de sa mère. Les clients de l’hôtel sont des personnages ambigus et violents qui abusent de la jeune fille, tandis qu’une silhouette mystérieuse commence à les tuer un par un. Rosa glisse dans une régression infantile pour échapper à l’horreur d’une réalité brutale sans issue.

Francesco Barilli réalise une œuvre trouble qui mêle drame historique et horreur gothique claustrophobe. Le film se concentre sur la dégradation humaine et la perte de l’innocence, créant une atmosphère oppressante et maladive. C’est un titre difficile et dérangeant qui utilise un décor en décomposition pour raconter l’histoire des blessures psychologiques infligées par la guerre et la perversion.

Beyond the Darkness (1979)

Francesco, un jeune taxidermiste brisé par le chagrin de la mort de sa petite amie, décide d’exhumer son corps pour l’embaumer et la garder dans son lit. Assisté par une gouvernante jalouse et complice, l’homme entame une descente dans la folie meurtrière pour cacher son secret et se procurer de nouvelles « pièces » pour son obsession macabre, transformant sa villa en abattoir.

Joe D’Amato signe l’un des films les plus extrêmes et controversés du genre, mêlant nécrophilie, gore et atmosphères gothiques. Malgré sa nature provocante et son faible budget, le film possède une réalisation solide et une atmosphère mélancolique qui le placent au-dessus du simple cinéma de série B. La bande-son de Goblin contribue à faire du film un véritable culte pour les amateurs d’horreur radicale.

Les Étoiles dans le Fossé (1979)

Dans une villa isolée de la plaine du Pô au XVIIIe siècle, une belle femme apparaît soudainement à un groupe de paysans et d’artisans. Sa présence déclenche des histoires, des légendes et des réflexions sur la vie, la mort et l’amour. La femme semble être une entité féerique ou un fantôme incarnant les désirs et les peurs des hommes, disparaissant aussi soudainement qu’elle était apparue dans le silence de la campagne.

Pupi Avati revient à l’atmosphère du fantastique avec une œuvre rarefiée et poétique, presque théâtrale. Plutôt qu’un film d’horreur, c’est un conte rural célébrant la tradition orale et le folklore campagnard. Moins tendu que ses œuvres précédentes, le film fascine par son esthétique raffinée et sa capacité à évoquer un monde magique perdu dans les brumes des fossés padans.