Films russes à voir absolument

Au début des années 1960 et à la fin des années 1950, les cinéastes soviétiques ont choisi des cadres beaucoup moins restreints, et alors que la censure persistait, des films ont commencé à émerger en dehors du bloc soviétique, tels que Ballad of a Soldier de Grigory Chukhray, qui a remporté le BAFTA du meilleur film en 1961, ainsi que la Palme d’Or de 1958 pour The Cranes Are Flying de Mikhail Kalatozov. The Height (1957) d’Aleksander Zarkhi est considéré comme l’un des meilleurs films russes des années 1950.

Un des réalisateurs russes les plus célèbres des années 60 et 70 fut Andrei Tarkovsky, qui a réalisé les films d’art et essai révolutionnaires Ivan’s Childhood, Andrei Rublev, Solaris, Mirror et Stalker. Ses films ont remporté des distinctions à Cannes et au Festival de Venise. Son film décisif Ivan’s Childhood a remporté le Lion d’or au Festival de Venise en 1962. Andrei Rublev (1966) de Tarkovsky a remporté le prix FIPRESCI au Festival de Cannes en 1969. Pour Stalker (1979), Tarkovsky a reçu le Prix du Jury œcuménique à Cannes en 1980. Il a également remporté le Grand Prix spécial pour Solaris en 1972 ainsi que pour Sacrifice à Cannes en 1986. Parmi d’autres réalisateurs soviétiques notables figurent Sergei Bondarchuk, Sergey Paradzhanov, Larisa Shepitko, Kira Muratova, Marlen Khutsiev, Mikhail Kalatozov, Nikita Mikhalkov, Vladimir Menshov et Gleb Panfilov.

Sergei Bondarchuk a commencé comme acteur. Sa première réalisation fut Fate of a Man, sortie en 1959. Bondarchuk est surtout connu pour avoir joué dans et réalisé le film russe War and Peace (1967), qui a remporté un Oscar. Parmi quelques adaptations littéraires très célèbres des années 1960, on compte Hamlet (1964) de Grigory Kozintsev, lauréat du Prix spécial du jury au Festival de Venise. Nikita Mikhalkov a fait ses débuts de réalisateur en 1974 avec At Home Among Strangers. Son frère, Andrey Konchalovsky, est également réalisateur. Konchalovsky a fait ses débuts avec The First Teacher en 1965, qui a remporté un prix au Festival de Venise. La réalisatrice Kira Muratova a été confrontée à la censure durant l’ère soviétique et a commencé à être reconnue publiquement durant la Perestroïka. Son film Among Gray Stones (1983) a été sélectionné pour Un Certain Regard au Festival de Cannes en 1988.

Films comiques russes

Le film comique a toujours été l’un des genres majeurs en Russie et dans l’Union soviétique, avec la plus grande variété possible de succès au box-office. Les comédies soviétiques les plus populaires de l’époque furent réalisées par Leonid Gaidai, Eldar Ryazanov et Georgiy Daneliya, telles que La Nuit du carnaval (1956), L’Ironie du sort (1976), L’Enlèvement, à la manière caucasienne (1967), Opération Y ainsi que Les Aventures de Chourik (1965), Les Douze Chaises (1976), Promenade dans les rues de Moscou (1964).

Les cinéastes soviétiques ont également créé des films d’aventure historiques, tels que D’Artagnan et les Trois Mousquetaires (1978) et Gardes-Marines, en avant ! (1988). Parmi ceux-ci, les « osterns », la version soviétique des films western, ont pris une place importante. Parmi les Osterns figurent Le Soleil blanc du désert (1970), Le Cavalier sans tête (1972), Armé et dangereux (1977), Un homme du boulevard des Capucines (1987). Dans le film d’espionnage, les séries télévisées dominaient, telles que Dix-sept moments du printemps, Le Lieu de la rencontre ne peut être changé, Enquête menée par les ZnaToKi, ainsi qu’une adaptation des histoires de Sherlock Holmes avec Vasily Livanov dans le rôle de Holmes.

Un grand nombre de drames sur la Seconde Guerre mondiale réalisés dans les années 1970 et 1980 ont acquis une renommée mondiale, parmi lesquels Libération (1971) de Yuri Ozerov, L’Aube ici est calme (1972) de Stanislav Rostotsky, Ils se sont battus pour leur pays (1975) de Sergei Bondarchuk, L’Ascension (1977) de Larisa Shepitko et Voir venir (1985) de Elem Klimov.

Yuri Norstein est probablement l’un des animateurs russes les plus célèbres de la période soviétique ; ses courts-métrages d’animation par ordinateur Le Hérisson dans le brouillard et Conte de contes ont obtenu une reconnaissance mondiale et ont également inspiré de nombreux réalisateurs. Le film de Larisa Shepitko, L’Ascension, fut le premier film soviétique à remporter l’Ours d’or au Festival de Berlin en 1977. Le drame captivant de Vladimir Menshov, Moscou ne croit pas aux larmes, a remporté le prix du meilleur film étranger aux Oscars de 1981 et a également connu un grand succès au box-office soviétique avec plus de 93 millions d’entrées.

Le film de science-fiction Lettres d’un homme mort (1986), œuvre de Konstantin Lopushansky, fut sélectionné à la Semaine de la critique du Festival de Cannes en 1987 et reçut le prix FIPRESCI au 35e Festival international du film de Mannheim-Heidelberg. Son film suivant, Un visiteur au musée (1989), fut présenté au Festival de Moscou où il remporta l’Ours d’argent et le Prix du Jury œcuménique. Dans les années 1980, le réalisateur russe Andrei Konchalovsky fut le premier à connaître le succès à Hollywood. Aux États-Unis, il réalisa Maria’s Lovers (1984), Runaway Train (1985) et aussi Tango & Cash (1989).

Avec l’avènement de la Perestroïka et de la Glasnost au milieu des années 1980, des films soviétiques abordèrent des sujets auparavant censurés, tels que la toxicomanie. Le film L’Aiguille (1988) de Rashid Nugmanov, avec le chanteur de rock Viktor Tsoi, traite des thèmes de la sexualité et de l’aliénation dans la culture soviétique, tout comme Petite Vera (1988) de Vasili Pichul. Le secteur connut une réduction significative des aides d’État et le système étatique de distribution cinématographique s’effondra également, ce qui mena à la prédominance des films western dans les salles russes.

Nouveaux films russes

Dans les années 1990, beaucoup moins de films étaient produits car le marché du cinéma connaissait de profonds bouleversements et le climat économique était également précaire. De 300 en 1990, le nombre est tombé à 213 en 1991, 172 en 1992, 152 en 1993, 68 en 1994, 46 en 1995 et 28 en 1996. En 1990, la censure a été largement levée : l’État ne pouvait plus intervenir dans la production et la distribution des films, sauf en cas de propagande de guerre, de révélation de fraudes d’État et de pornographie. Dans le cadre de l’abolition de toutes les grandes structures de gestion soviétiques, le Comité du film de l’URSS a été dissous en 1991. Le cinéma russe des années 1990 a abordé de nouveaux thèmes, la guerre de Tchétchénie influençant particulièrement les cinéastes. Plusieurs films de cette époque traitaient de la bataille ainsi que du stalinisme.

Films russes à voir

Voici une liste de films russes incontournables : des grands chefs-d’œuvre du cinéma soviétique aux comédies légères, des westerns russes aux films indépendants, jusqu’au nouveau cinéma russe des dernières années.

Three Songs about Lenin

Maintenant disponible

Documentaire, de Dziga Vertov, Russie, 1934.
Le film le plus célèbre du vivant du réalisateur Dziga Vertov, un grand succès du cinéma documentaire socialiste. Un documentaire expérimental célébrant Lénine avec l'utilisation du son et des chansons folkloriques. La libération des femmes musulmanes en Ouzbékistan, des images des funérailles de Lénine, de ses apparitions publiques et de l'un de ses discours enregistrés en direct.

LANGUE : russe
SOUS-TITRES : anglais, italien, espagnol, français, allemand, portugais

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Loveless (2017)

Un couple en instance de divorce à Moscou, consumé par une haine mutuelle, néglige leur jeune fils qui disparaît mystérieusement. Alors que la recherche s’engage, leur union sans amour et leurs vies égoïstes sont mises à nu, révélant des vides émotionnels profonds.

Loveless de Zvyagintsev est une dissection glaçante de l’aliénation moderne et de l’indifférence parentale, récompensée par le Prix du Jury à Cannes pour sa direction précise et son design sonore obsédant. Les images glaciales du film et les performances tendues soulignent les fractures sociétales dans la Russie post-soviétique, en faisant une critique poignante et universellement saluée de la déconnexion humaine.

Leviathan (2014)

Dans une ville côtière russe isolée, Kolya fait face à la corruption lorsque les autorités locales saisissent sa maison pour un projet de développement du maire. En luttant contre la bureaucratie et des intérêts puissants, son combat expose la face brute de la société russe moderne et le désespoir personnel.

Andrey Zvyagintsev critique magistralement la corruption politique et la décadence morale à travers des images épiques et bibliques rappelant le Livre de Job. Sa cinématographie austère et son portrait sans concession des abus de pouvoir lui ont valu une reconnaissance internationale, dont un Golden Globe, faisant de ce film un chef-d’œuvre contemporain russe essentiel qui résonne mondialement par ses thèmes d’injustice et de fragilité humaine.

Man with a Movie Camera

Maintenant disponible

Documentaire, par Dziga Vertov, Russie, 1929.
Après quelques années passées à réaliser des documentaires de propagande, Dziga Vertov réalise son chef-d'œuvre, inspiré par les théories du cinéma de la réalité et du Kinoglaz. Une symphonie visuelle expérimentale aux racines futuristes. Une journée ordinaire d’un cinéaste errant dans la ville sans but apparent à la recherche de la vie à filmer. La caméra déclenche une explosion de créativité qui offre une nouvelle vision de la réalité : un cinéma pur sublimé par des inventions de montage ingénieuses. Un film si inspiré et moderne qu’il reste encore aujourd’hui un sujet inépuisable de discussion et de nouvelles idées.

Sujet de réflexion
Certaines œuvres d’art, certains films possèdent une qualité artistique objective. Dans l’art subjectif, l’artiste ne considère pas qui regarde l’œuvre, il exprime simplement son monde intérieur. L’œuvre d’art objective, en revanche, possède une qualité inhérente qui peut se transmettre pendant des milliers d’années. L’œuvre d’art objective n’est liée à aucune idéologie, culture sociale ou époque : elle peut émouvoir n’importe qui, à n’importe quelle latitude et en toute époque.

Sans dialogue

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Forteresse de Brest (2010)

Au début de l’opération Barbarossa en 1941, des soldats soviétiques à la Forteresse de Brest résistent héroïquement à des forces allemandes écrasantes. Au milieu de combats brutaux, émergent des histoires personnelles de courage, de sacrifice et d’endurance lors de la défense désespérée de la forteresse.

Aleksandr Kott livre avec Forteresse de Brest un drame de guerre viscéral ancré dans des faits historiques, mettant en avant un héroïsme brut sans excès de propagande. Ses séquences de bataille immersives et sa profondeur émotionnelle honorent la résilience des défenseurs, constituant un puissant témoignage des sacrifices de la Seconde Guerre mondiale et une œuvre techniquement impressionnante du cinéma russe.

Brother 2 (2000)

Danila Bagrov voyage en Amérique à la recherche de justice pour son ami, affrontant à la fois des mafieux russes et des criminels américains. Armé d’ingéniosité et d’un sens de la justice, il navigue dans un monde souterrain violent à travers les continents.

La suite d’Aleksei Balabanov amplifie le statut culte de l’original avec une action plus audacieuse, une satire du capitalisme américain et une bande-son emblématique. Bien que critiqué pour la glorification du vigilantisme, son énergie brute, ses répliques mémorables et son impact culturel en font un phénomène post-soviétique déterminant, mêlant machisme et commentaire social acerbe.

8 1⁄2 $ (1999)

C’est une comédie policière russe de 1999 réalisée par Gregory de Constantinople. Ce fut son premier film en tant que réalisateur. En raison de problèmes de droits d’auteur, il n’a été lancé qu’en 2011. L’histoire et le titre font référence au film 8 1⁄2 de Federico Fellini. Le réalisateur Gera Kremov travaille dans la réalisation de publicités mais rêve de diriger un long métrage. Il fait la connaissance de Matilda, la compagne du mafioso Fyodor, et entame une relation étroite avec elle.

Après un certain temps, ayant obtenu de l’argent de Fyodor, il tourne un clip vidéo avec Matilda et obtient ensuite la chance de réaliser un vrai film avec elle en tête d’affiche. Pour la production du film, Gera demande 300 000 $, et Fyodor, ayant accepté, le rencontre. Sur place, un choc inattendu attend Gera : Fyodor est bien au courant de la relation pas si platonique entre Gera et Matilda. Il veut prendre des mesures drastiques immédiatement, mais il s’étouffe avec une pistache et meurt. Le couple dilapide 150 000 $ en une nuit, et le frère jumeau de Fyodor, Stepan, les rejoint tôt le matin pour récupérer l’argent. Gera règle l’affaire en appelant un mafieux nommé Spartak.

Le Barbier de Sibérie (1998)

Un jeune cadet d’une académie militaire tombe profondément amoureux d’une femme américaine glamour impliquée dans un projet d’introduction de machines innovantes dans la Russie tsariste. Honneur, passion et intrigues impériales s’entrechoquent dans cette épopée somptueuse.

La saga grandiose de Nikita Mikhalkov mêle romance, comédie et drame historique avec des valeurs de production opulentes, mettant en vedette des performances remarquables de Oleg Menshikov et Julia Ormond. Sa représentation nostalgique de la Russie tsariste tardive, ses grandes scènes et son spectacle culturel en font une vitrine audacieuse, quoique indulgente, de l’ambition cinématographique russe.

Le Voleur (1997)

C’est un film russe de 1997 écrit et réalisé par Pavel Chukhray. Il a été nommé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère et a également remporté le prix Nika du meilleur film et du meilleur réalisateur. Lauréat du Prix du Jury International des Jeunes, de la Médaille d’Or du Président du Sénat italien et du Prix UNICEF au Festival de Venise 1997.

Le film suit une jeune fille, Katya (Yekaterina Rednikova), et son fils de 6 ans Sanya (Misha Philipchuk), qui, en 1952, rencontrent un policier soviétique habile nommé Tolyan (Vladimir Mashkov). Katya, une pauvre veuve, et son enfant, Sanya, tentent de survivre dans l’Union soviétique d’après-guerre au début des années 1950. Lors d’un voyage en train, ils rencontrent un policier séduisant, Tolyan, qui séduit leur mère. Katya reste avec Tolyan, qui devient son mari et agit également comme beau-père pour Sanya, qui se méfie d’abord beaucoup de cet homme, détestant son autorité. Tolyan finit par devenir un petit criminel, mais devient aussi une figure paternelle pour Sanya. Plusieurs citations de Hamlet sont présentes.

Frère (1997)

C’est un film noir policier russe de 1997 écrit et réalisé par Aleksey Balabanov. Le film met en vedette Sergei Bodrov Jr. dans le rôle de Danila Bagrov, un jeune homme qui s’implique avec la mafia de Saint-Pétersbourg par l’intermédiaire de son frère aîné criminel. Il a été présenté dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes 1997. Après sa sortie en VHS en juin 1997, Frère est soudainement devenu l’un des films russes les plus réussis des années 1990 et est rapidement devenu un film culte à travers la Russie. En raison du succès du film, une suite, Frère 2, est sortie en 2000. Le film est devenu un succès instantané.

L’histoire se concentre sur les problèmes et la mentalité de la Russie des années 1990 : la criminalité, la pauvreté, le désenchantement des jeunes Russes, le manque de famille et la malhonnêteté. Tout cela est causé par les conséquences de l’effondrement soviétique, qui a eu lieu seulement six ans plus tôt. Malgré ce contexte négatif au milieu d’une dégénérescence sociale, l’histoire souligne qu’il y a encore du courage dans le personnage de Danila, qui est dépeint avec un sens intense de la justice et de l’éthique. Il transmet un message émotionnel efficace au public russe, montrant que même dans des temps aussi sombres, il y a encore de l’espoir.

Mère et Fils (1997)

Il s’agit d’un film russe de 1997 réalisé par Aleksandr Sokurov, qui illustre la connexion entre une mère décédée et son enfant. Ce fut le premier long métrage mondialement célèbre de Sokurov et constitue également le premier volet d’une trilogie dont le sujet est le drame des relations humaines. Il est suivi par Père et Fils (2003), puis par Deux Frères et une Sœur, le dernier chapitre, bien que, en 2019, ce dernier n’ait pas encore été réalisé ; son film Alexandra (2007) est souvent considéré comme faisant partie de cette collection, en tant qu’autre film sur le même thème. Il a participé au 20e Festival international du film de Moscou où il a remporté le Prix spécial de l’Ours d’argent.

Le film a deux personnages principaux, un garçon et une vieille femme malade. Le garçon est le fils (Alexei Ananishnov) qui s’occupe de sa mère malade (Gudrun Geyer). Son problème de santé n’est pas défini et il halète parfois. Son fils lui peigne les cheveux, la nourrit, la couvre et la prend dans ses bras. Autrefois, son fils dépendait complètement d’elle, maintenant c’est elle qui dépend entièrement de lui. Au fil du film, le garçon emmène sa mère dans un long voyage vers sa mort. C’est un mouvement circulaire qui fait un long parcours à travers une campagne onirique, le long de routes sinueuses et poussiéreuses. À chacune de leurs brèves haltes, il y a une minute de contemplation et de doux chuchotements. Ces doux murmures témoignent de l’amour de la mère pour son fils lorsqu’elle le soutenait, ainsi que de l’amour du fils pour sa mère alors qu’il lui dévoile le cours étrange de son destin.

Le Soleil trompeur (1994)

C’est un film de 1994 du réalisateur russe Nikita Mikhalkov et du scénariste azerbaïdjanais Rustam Ibragimbekov. Le film raconte l’histoire d’un officier supérieur de la police de l’Armée rouge, joué par Mikhalkov, ainsi que celle de sa famille pendant la Grande Terreur de la fin des années 1930 dans l’Union soviétique stalinienne. En vacances avec sa femme, sa jeune fille et des proches, la situation change radicalement pour le colonel Kotov lorsque l’ancien amant de sa femme, Dmitri, réapparaît après plusieurs années d’absence. Le film met également en vedette Oleg Menshikov, Ingeborga Dapkūnaitė ainsi que la fille de Mikhalkov, Nadezhda Mikhalkova.

Le film a rencontré un grand succès en Russie et a également reçu des critiques favorables aux États-Unis. Il a remporté le Grand Prix au Festival de Cannes 1994, l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, ainsi que divers autres prix. Les critiques russes habituels reprochaient au film d’être « trop commercial » et de manquer de rigueur. C’est une réflexion fantastique à la manière de Tchekhov sur l’addiction, l’amour et même les peurs d’une époque qui a plongé les familles russes ordinaires dans le tumulte, un film courageux et lyrique avec une direction cinématographique d’auteur. Le film se construit progressivement, atteignant un climax de destruction silencieuse et inattendue.

Le Tchékiste (1992)

C’est un film historique russe de 1992 réalisé par Aleksandr Rogozhkin, basé sur une histoire de 1923 de Vladimir Zazubrin. Il raconte l’histoire d’une opération sanglante et de l’échec d’une autorité soviétique de sécurité et de sûreté de la Tchéka associée aux exécutions de masse pendant la guerre civile russe. Le film se déroule pendant la guerre civile russe, durant la Terreur rouge. Le travail gouvernemental normal se poursuit dans un bureau rural de la Tchéka, la Commission d’urgence russe pour la lutte contre la contre-révolution et le sabotage, dans une ville non divulguée. Quotidiennement, un tribunal de troïka de la Tchéka composé du superviseur Srubov et de ses aides Pepel et Katz lit une longue liste de tous types de contre-révolutionnaires et d’opposants. Ceux qui sont incarcérés sont systématiquement condamnés rapidement et la sentence, quel que soit le motif, le sexe ou l’âge de l’individu, est la peine de mort.

Un Visiteur au Musée (1989)

Il s’agit d’un film russe post-apocalyptique de 1989 réalisé et écrit par Konstantin Lopushansky. Il a participé au 16e Festival international du film de Moscou où il a remporté le St. George d’argent ainsi que le Prix du Jury œcuménique. Le film est le deuxième d’une collection de films appelée « Apocalypse Quartet » réalisée par Lopushansky et se déroulant dans des scénarios post-apocalyptiques. Les autres films du quatuor sont Dead Man’s Letters (1986), Russian Symphony (1994) et The Ugly Swans (2006).

Dans un monde post-apocalyptique après une catastrophe écologique mondiale, les survivants de l’humanité sont désormais détachés du destin du monde, et ne cherchent plus à sortir du désastre. Parmi les gens, il existe une caste de « détériorés », des êtres humains psychologiquement handicapés. Le protagoniste atteint la mer, qui déborde occasionnellement, puis se retire. Il a l’intention de jeter un coup d’œil à l’ancienne ville engloutie, qui réapparaîtra sûrement lorsque la mer se retirera à nouveau. En attendant ce moment, il parle aux citoyens. Il découvre que les gens « moyens », les aubergistes, ont effectivement perdu ce qu’il reste de leur spiritualité et étanchent leur appétit spirituel par le divertissement. Ils le dissuadent d’aller à la ville engloutie, l’invitant à rester avec eux, à prêter attention aux chansons, à assister aux banquets, aux danses et à la télévision. Une femme au foyer l’attire et ils font l’amour.

Petite Vera (1988)

Il s’agit d’un film russe du réalisateur Vasili Pichul. Le film a été le leader des ventes de billets en Union soviétique en 1988 avec 54,9 millions d’entrées, et a également été l’un des films soviétiques les plus réussis aux États-Unis. Une partie de son attrait résidait dans le fait qu’il était l’un des premiers films russes à comporter des scènes de sexe. Le personnage principal du film est une adolescente qui, après avoir terminé ses études, se sent piégée dans sa communauté rurale. Avec sa vision négative de la culture soviétique, le film était typique de l’époque de la perestroïka, durant laquelle de nombreux films similaires ont été diffusés.

Le film a reçu 6 récompenses. Parmi ses victoires, il a obtenu le prix de la « Meilleure actrice » pour Natalya Negoda aux Nika Awards en 1989. Le réalisateur du film, Vasili Pichul, a reçu le Prix spécial du jury au Festival des films du monde de Montréal en 1988 ainsi que le Prix FIPRESCI au Festival de Venise en 1988. La bande sonore comprend 2 chansons interprétées par Sofia Rotaru : It Was, But It Has Gone et Only This Is Not Enough, le leitmotiv de la perestroïka du film. Ce fut le premier film russe à tester sincèrement la désobéissance de la jeunesse et le mécontentement envers le système. Le film prend honnêtement parti pour les jeunes contre l’autorité, montrant les autorités comme impitoyables et répressives.

Le film a représenté une grande avancée dans la représentation de la vie quotidienne ordinaire soviétique. Negoda est devenue la première actrice soviétique à apparaître nue dans une scène de sexe. Negoda a également posé nue pour Playboy avec le titre « From Russia, With Love » pour le lancement américain du film. Le film a eu la capacité d’attirer plus de 50 millions de spectateurs russes, principalement grâce à ses scènes de sexe remarquables.

Un homme du boulevard des Capucines (1987)

C’est un western russe drôle de 1987, hommage aux films muets et au pouvoir changeant du cinéma. Ce film est particulièrement rare parmi les films soviétiques pour deux raisons : il a été réalisé par une femme, Alla Surikova, et deuxièmement, c’était une échappée post-moderne soviétique inhabituelle. Le film a réalisé le plus grand succès au box-office de l’Union soviétique en 1987, avec 60 millions d’entrées.

M. John First (Johnny) est un cinéaste qui fait un voyage à Santa Carolina lorsqu’il est visité par une bande de voleurs, menée par Black Jack. Johnny est le seul à ne pas dégainer une arme et à ne pas se battre pendant toute l’action, puis il est interrogé par Black Jack sur les raisons de son comportement. Ensuite, elle prend le livre que Johnny est si occupé à lire et finit par croire à tort qu’il s’agit d’une Bible, jusqu’à ce qu’elle remarque qu’il est composé de plusieurs pages blanches. Johnny soutient qu’il s’agit d’une publication sur l’histoire du cinéma. Black Jack se lasse de la situation et l’abandonne.

Les Lettres des morts (1986)

C’est un film post-apocalyptique de 1986 réalisé et écrit par Konstantin Lopushansky. Il l’a écrit avec Vyacheslav Rybakov et Boris Strugatsky. C’est son premier film en tant que réalisateur. Le film a été sélectionné à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes en 1987 et a reçu le Prix FIPRESCI au 35e Festival international du film de Mannheim-Heidelberg.

Au lendemain d’un armageddon nucléaire, un groupe de personnes vit sous terre dans des abris. Ils ne peuvent pas sortir sans porter des vêtements de protection et des masques à gaz. Parmi eux se trouve un professeur qui essaie d’utiliser les lettres pour entrer en contact avec son petit ami disparu.

Le film paraît impitoyable et réaliste, avec une esthétique spectaculaire des scènes, mais malgré ses mérites technologiques, il semble simplement un peu trop parfait pour vraiment convaincre et toucher profondément sur le plan émotionnel. Lopushansky parvient néanmoins à produire une fresque sociale de l’une des catastrophes les plus terribles possibles.

Viens et vois (1985)

C’est un film russe pacifiste de 1985 réalisé par Elem Klimov et mettant en vedette Aleksei Kravchenko et Olga Mironova. Le scénario du film, écrit par Klimov et Ales Adamovich, est basé sur le roman de 1971 « Khatyn » et la nouvelle de 1977 Je viens du village en flammes que co-auteur Adamovich. Klimov a dû lutter contre 8 ans de censure des autorités soviétiques avant de pouvoir réaliser le film comme il le souhaitait.

L’histoire du film se concentre sur des soldats nazis allemands en Biélorussie, et comment les événements sont observés par un jeune adulte biélorusse nommé Flyora, qui, contre les rêves de sa mère, rejoint le mouvement de résistance biélorusse, et décrit les torts nazis ainsi que la souffrance humaine infligée aux habitants des villes d’Europe de l’Est. Le film mêle hyperréalisme et surréalisme, ainsi qu’un existentialisme poétique, émotionnel, apocalyptique et politique.

Le film a remporté le prix FIPRESCI au 14e Festival international du film de Moscou. Racontant l’histoire avec une grande passion, Klimov profite de cet imaginaire souterrain de sang, de boue et de folie croissante que Francis Ford Coppola avait repéré dans Apocalypse Now. Il obtient également une performance remarquablement éblouissante de son protagoniste adolescent inexpérimenté. La force de Klimov réside dans son sens esthétique, animiste et musclé, semblable à celui de son compatriote Andrei Konchalovsky dans son impressionnant Siberiade.

Moscou ne croit pas aux larmes (1980)

Il s’agit d’un film russe de 1980 écrit par Valentin Chernykh et réalisé par Vladimir Menshov. Les rôles principaux ont été joués par Vera Alentova et Aleksey Batalov. Le film a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1981. L’histoire se déroule à Moscou en 1958 et 1978. Elle raconte l’histoire de trois filles : Katerina, Lyudmila et Antonina, qui viennent à Moscou depuis de petites villes de Russie. Elles se rencontrent dans un dortoir et deviennent finalement amies. Antonina (Raisa Ryazanova) rencontre Nikolaï, un garçon gentil et timide dont les parents possèdent une maison de campagne. Katerina (Vera Alentova) est une femme honnête qui vise à obtenir son diplôme en chimie tout en travaillant dans une usine de fabrication.

Stalker (1979)

C’est un film de science-fiction d’art et essai de 1979 réalisé par Andrei Tarkovsky avec un scénario créé par Arkady et aussi Boris Strugatsky, librement adapté de leur roman de 1972 Roadside Picnic. Le film raconte l’histoire d’une exploration menée par un homme appelé « Stalker » (Alexander Kaidanovsky), qui guide ses deux clients : un écrivain mélancolique (Anatoly Solonitsyn) en quête de motivation et un professeur (Nikolai Grinko) cherchant une exploration scientifique, à travers un marais périlleux vers un lieu magique connu simplement sous le nom de « Zone », où apparemment il existe une énergie qui satisfait les besoins les plus intimes de l’être humain. Le film intègre des éléments de science-fiction avec des réflexions profondes, philosophiques et émotionnelles.

Le film a d’abord été tourné pendant un an sur une pellicule qui s’est avérée de qualité inférieure, puis a été refilmé avec un nouveau directeur de la photographie, Alexander Knyazhinsky. Stalker a été lancé par Goskino en mai 1979. Au moment de sa sortie, le film a reçu des critiques mitigées, mais au fil des années, il a été qualifié de classique du cinéma mondial, parmi les meilleurs films de tous les temps. Le film a vendu plus de 4 millions de billets, principalement en Union soviétique, avec un budget d’un million de roubles. Très récemment, les critiques du film sont devenues extrêmement favorables. Certains ont comparé Stalker à Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, également sorti en 1979, et ont suggéré que, comme un voyage au cœur des ténèbres, Stalker semble plus convaincant : c’est une allégorie flexible concernant la conscience humaine.

Story of Tales (1979)

Il s’agit d’un film d’animation russe de 1979 réalisé par Yuri Norstein et produit par le laboratoire Soyuzmultfilm à Moscou. Le film a remporté d’innombrables prix, était bien connu des critiques et d’autres animateurs, et a même obtenu le titre de meilleur film d’animation jamais réalisé. Le film, à l’instar de Mirror d’Andrei Tarkovsky, tente de se structurer comme une mémoire humaine. Les souvenirs ne sont pas rappelés dans un ordre séquentiel froid ; ils sont plutôt mémorisés par l’organisation de quelque chose avec une addition, suggérant que toute tentative de placer la mémoire dans le film ne peut être racontée comme une histoire standard.

Le film est composé d’une collection de scènes associées dont les éléments sont mélangés. Parmi les thèmes clés figure la guerre, avec un accent particulier sur les énormes pertes subies par l’Union soviétique sur le front de l’Est pendant la Seconde Guerre mondiale. Un certain nombre de personnages et leurs dialogues constituent une grande partie du film : le poète, la petite femme et le taureau, le garçon et les corbeaux, les danseurs et les soldats, le train, les pommes et le petit loup gris.

L’Ascension (1977)

Il s’agit d’un film russe en noir et blanc de 1977 réalisé par Larisa Shepitko et produit par Mosfilm. Le film a été tourné en janvier 1974 près de Murom, dans l’oblast de Vladimir, en Russie, dans des conditions hivernales terribles, comme l’exigeait le scénario, basé sur le roman Sotnikov de Vasil Bykaŭ. Ce fut le dernier film de Shepitko avant sa mort dans un accident de voiture en 1979. Le film a remporté l’Ours d’or au 27e Festival international du film de Berlin en 1977.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, deux partisans soviétiques se rendent dans une ville biélorusse à la recherche de nourriture. Après avoir pris une escorte auprès du chef collaborationniste (Sergei Yakovlev), ils retournent à leur base, mais sont repérés par une patrouille allemande. Après un long échange de tirs dans la neige au cours duquel un des Allemands est mis hors de combat, les deux garçons s’échappent, mais Sotnikov (Boris Plotnikov) est blessé à la jambe. Rybak (Vladimir Gostyukhin) doit le mettre en sécurité, chez Demchikha (Lyudmila Polyakova), la mère de trois jeunes enfants. Cependant, ils sont découverts par l’ennemi.

Ils ont combattu pour leur pays (1975)

Il s’agit d’un film de guerre russe en deux parties de 1975 basé sur le roman éponyme écrit par Mikhail Sholokhov et réalisé par Sergei Bondarchuk. Il a fait partie du Festival de Cannes 1975. Le film raconte l’histoire d’une armée soviétique menant une activité de couverture lors de la marche allemande sur Stalingrad. Après avoir perdu une multitude de soldats au combat, un groupe de fusiliers soviétiques retourne à leur base à Stalingrad. Pendant une pause, les soldats discutent de divers sujets, puis se reposent et prennent une douche. Parmi les soldats du groupe, Pyotr Lopakhin (Vasily Shukshin), qui joue un garçon joyeux, probablement dans une ville voisine pour du sel et un seau afin de préparer des écrevisses fraîchement pêchées. Avec son charme bavard, Lopakhin fait une demande à une vieille Cosaque (Angelina Stepanova), mais est ridiculisé alors que les soldats s’en vont, laissant les habitants se débrouiller seuls. Après une vive dispute, il s’avère que derrière le masque joyeux de Lopakhin, émerge un individu profondément préoccupé par le sort de sa nation, et la vieille femme exauce sa demande.

Mirror (1975)

C’est un drame russe de 1975 réalisé par Andrei Tarkovsky. Il est vaguement autobiographique, structuré de manière non conventionnelle et intègre des rimes composées par le père du réalisateur, Arseny Tarkovsky. Le film met en vedette Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Alla Demidova, Anatoly Solonitsyn, l’épouse de Tarkovsky Larisa Tarkovskaya et sa mère Maria Vishnyakova. Innokenty Smoktunovsky assure la voix off et Eduard Artemyev la musique et les effets sonores.

Mirror est structuré sous la forme d’une histoire non linéaire, dont la première version écrite remonte à 1964, avec de nombreuses versions scénarisées par Tarkovsky et Aleksandr Misharin. Il tourne autour des souvenirs d’un poète décédé à des moments cruciaux de sa vie et de la société soviétique. Le film intègre des scènes contemporaines avec des souvenirs d’enfance, des rêves, et même des images d’actualités. Sa cinématographie oscille entre couleur, noir et blanc et sépia. Le flux d’images oniriques dans le film a été comparé à la méthode du courant de conscience des œuvres littéraires modernistes.

Le Miroir a initialement polarisé les spectateurs et les critiques de cinéma, beaucoup trouvant son récit incompréhensible. Depuis sa sortie, il a été réévalué comme l’un des meilleurs films de l’histoire du cinéma, et également le magnum opus de Tarkovsky. Il a en fait trouvé grâce auprès de nombreux Russes, pour qui il demeure l’œuvre la plus précieuse de Tarkovsky. Lorsque les critiques de Mosfilm ont été invités à revoir Mirror en novembre 1974, les réactions furent très mitigées. Certains le voyaient comme une œuvre importante qui serait certainement mieux comprise par les générations futures ; d’autres le rejetaient comme un échec et pensaient que de nombreux spectateurs plus instruits trouveraient son récit peu intéressant. Cela a entraîné une diffusion très limitée.

Le Hérisson dans le brouillard (1975)

C’est un film d’animation russe de 1975 réalisé par Yuri Norstein et produit par Soyuzmultfilm de Moscou. Le scénario a été écrit par Sergei Grigoryevich Kozlov, qui a également publié une nouvelle du même nom. Le Hérisson rend visite la nuit à son ami proche, l’Ourson. Chaque soir, ils se contentent de prendre le thé et de compter les étoiles. Ce soir, le Hérisson apportera à l’Ourson un pot de confiture de framboises en cadeau. Lorsque le Hérisson sort, un hibou grand-duc au regard sinistre commence à le suivre.

Solaris (1972)

C’est un film de science-fiction russe de 1972 basé sur la nouvelle éponyme de 1961 de Stanisław Lem. Le film a été co-écrit et réalisé par Andrei Tarkovsky, avec Donatas Banionis et également Natalya Bondarchuk dans les rôles principaux. La musique a été créée par Eduard Artemyev et inclut également une pièce de J.S. Bach comme thème principal. L’histoire raconte une station spatiale en orbite autour de la planète fictive Solaris, où une mission scientifique est retardée du fait que l’équipe de trois chercheurs est confrontée à des problèmes psychologiques. Le psychothérapeute Kris Kelvin (Banionis) entreprend un voyage vers la station pour enquêter sur la situation, seulement pour éprouver les mêmes sentiments irrationnels que les autres.

Solaris a remporté le Grand Prix Spécial du Jury au Festival de Cannes de 1972 et a également été présélectionné pour la Palme d’Or. Il a reçu une reconnaissance critique et est généralement considéré comme l’un des meilleurs films de science-fiction jamais réalisés. Le film représentait l’effort de Tarkovsky pour apporter une plus grande profondeur psychologique aux films de science-fiction, aux côtés de 2001, l’Odyssée de l’espace (1968) de Kubrick. Certains des concepts que Tarkovsky partage dans ce film sont davantage consolidés dans son film Stalker (1979).

Lem a travaillé avec Tarkovsky ainsi qu’avec Friedrich Gorenstein à la création du scénario du film. Lem a déclaré qu’il n’avait jamais vraiment apprécié la version de son livre par Tarkovsky. Lem soutenait que Tarkovsky avait réalisé Crime et Châtiment au lieu de Solaris, omettant les aspects cognitifs et épistémologiques de son histoire. Tarkovsky a affirmé que Lem n’aimait pas le cinéma et envisageait le film simplement comme une projection du livre sans produire un élément cinématographique différent. Le film de Tarkovsky traite de la vie intérieure de ses chercheurs. Le livre de Lem aborde le problème de l’homme dans la nature et l’espace profond.

Procès sur la route (1971)

Il s’agit d’un film russe en noir et blanc de 1971 se déroulant pendant la Seconde Guerre mondiale, réalisé par Aleksey German, avec Rolan Bykov, Anatoly Solonitsyn et Vladimir Zamansky. Le film a été censuré et interdit de diffusion en Union soviétique pendant 15 ans après sa sortie en raison de sa représentation controversée des soldats soviétiques. Le film est basé sur une histoire du père du réalisateur, Yuri German. Le scénario du film a été écrit par Eduard Volodarsky.

Ce film marque les débuts de la réalisation d’Alexei German, qui a adopté une stratégie établie de « héros » et « traîtres ». Le drame se déroule en décembre 1942 au sein des forces armées nazies de l’URSS pendant la Seconde Guerre mondiale. Il se concentre sur l’ancien sergent de l’Armée rouge Lazarev, capturé en uniforme allemand par des partisans soviétiques. Il avait auparavant été capturé par les nazis et était également devenu un collaborateur, mais après avoir été capturé par les partisans, il commence à combattre les nazis.

Le Soleil blanc du désert (1970)

Il s’agit d’un western russe de 1970. Son mélange d’action, de drame, de musique et de comédie, ainsi que ses citations inoubliables, en ont fait un grand succès au box-office russe, tout en le consacrant comme un classique du cinéma russe. Son air principal, « Votre Altesse Noble Dame Fortune », est devenu un tube. Le film est apprécié par les cosmonautes russes avant de nombreux lancements spatiaux comme l’une des meilleures traditions. Le film n’a reçu aucune reconnaissance durant la période soviétique. Avec 34,5 millions de spectateurs, il fut l’un des films les plus aimés des années 1970. En 1998, il a reçu le prix d’État du président Boris Eltsine, étant reconnu comme culturellement pertinent. Le film a suscité un intérêt limité en Occident. Il a été projeté lors d’un festival de films soviétiques au petit Carnegie Theater en 1973, alors que Leonid Brejnev se rendait aux États-Unis. Au-delà, il n’a jamais été distribué.

L’Enlèvement à la caucasienne (1967)

C’est un film russe comique de 1967 qui raconte une histoire centrée sur l’enlèvement de la future mariée, une coutume ancienne qui existait dans certaines régions du Caucase du Nord. Le film a été réalisé par Leonid Gaidai. C’est le dernier film à inclure la triade des « Lâches », une équipe d’anti-héros maladroits. Le film a été présenté en première à Moscou le 1er avril 1967. Un étudiant naïf en ethnographie, nommé Shurik (Alexander Demyanenko), reconnu dans des films précédents comme étudiant de l’Institut polytechnique, voyage au Caucase pour découvrir les anciens modes de vie et pratiques des habitants, des traditions telles que les salutations, les histoires et les toasts locaux. Au début du film, Shurik parcourt une route vallonnée du Caucase sur un âne. Il rencontre un chauffeur de camion nommé Edik dont le véhicule refuse de démarrer. L’âne devient têtu et aucun des deux hommes n’a la capacité de se déplacer avec leur propre moyen de transport.

Commissaire (1967)

C’est un film russe de 1967 réalisé par Aleksandr Askoldov, basé sur la nouvelle de Vasily Grossman, « Dans la ville de Berdytchev ». Berdytchev est située au centre du nord de l’Ukraine. L’action se déroule pendant la guerre civile russe (1918-22), lorsque des sections de l’Armée rouge, de l’Armée blanche, des Polonais et des Autrichiens se sont battues pour le territoire. À Berdytchev, la langue yiddish a été officiellement lancée à cette époque, et depuis 1924, elle disposait d’un tribunal ukrainien qui exerçait ses fonctions en yiddish. L’histoire est basée sur les traditions et coutumes sociales juives. Les personnages principaux étaient joués par Rolan Bykov et Nonna Mordyukova. Il a été réalisé au studio de cinéma Gorki. C’est l’une des histoires les plus marquantes concernant la guerre civile russe et a également motivé le jeune auteur à se consacrer à des œuvres littéraires. Il a également attiré l’attention de Mikhaïl Boulgakov, Boris Pilniak et Isaac Babel.

Andrei Roublev (1966)

C’est un film biographique historique russe de 1966 réalisé par Andrei Tarkovsky et coécrit avec Andrei Konchalovsky. Le film est un remontage du film de Tarkovsky de 1966 La Passion selon André, et a été censuré au début de l’ère Brejnev en Union soviétique. Le film est vaguement basé sur la vie d’Andrei Roublev, le peintre d’icônes russe du XVe siècle. Le film met en vedette Anatoly Solonitsyn, Nikolaï Grinko, Ivan Lapikov, Nikolaï Sergueïev, Nikolaï Bourliaïev et la partenaire de Tarkovsky, Irma Raush. Savva Yamshchikov, célèbre restaurateur et expert en art russe, a également été consultant sur le film.

Andrei Rublev se déroule dans la Russie du début du XVe siècle. Le film est vaguement basé sur la vie d’Andrei Rublev, et cherche à dépeindre une image de la Russie médiévale. Tarkovsky a voulu réaliser un film qui révélerait l’artiste ainsi que le christianisme comme un axiome d’identification historique de la Russie sur une longue période.

Les thèmes du film comprennent l’art, les croyances religieuses, l’incertitude politique, l’auto-éducation et la production artistique sous un régime répressif. En conséquence, il n’a pas été diffusé dans l’Union soviétique officiellement athée pendant de nombreuses années après son achèvement, à l’exception d’une unique projection en 1966 à Moscou. Une version du film a été sélectionnée au Festival de Cannes de 1969, où elle a remporté le prix FIPRESCI. En 1971, une version censurée du film a été diffusée en Union soviétique. Le film a été coupé pour des raisons commerciales lors de sa sortie aux États-Unis par Columbia Pictures en 1973. Par conséquent, de nombreuses variations du film existent. Ces problèmes de censure ont entravé le film pendant de nombreuses années après sa sortie, le film étant rapidement reconnu par plusieurs critiques et réalisateurs occidentaux comme une œuvre hautement innovante. Restauré dans sa version originale, Andrei Rublev est désormais considéré comme l’un des meilleurs films jamais réalisés, un grand chef-d’œuvre.

Procédure Y et aussi les autres aventures de Shurik (1965)

C’est un film comique de 1965, une comédie burlesque russe réalisée par Leonid Gaidai, avec Aleksandr Demyanenko, Natalya Seleznyova, Yuri Nikulin, Georgy Vitsin ainsi que Yevgeny Morgunov. Le film contient 3 épisodes indépendants : « Le Collègue », « Déjà vu » et « Opération Y ». L’histoire raconte les aventures de Shurik, l’étudiant soviétique impopulaire et nerd qui se retrouve souvent dans des situations ridicules, mais trouve toujours une issue.

Ce fut un film à succès et il devint le film soviétique le plus rentable en 1965, avec 69,6 millions d’entrées. L’épisode Déjà vu, basé sur une nouvelle publiée en Pologne, remporta le Grand Prix du Dragon d’Argent de Wawel au Festival du film de Cracovie en Pologne en 1965. Le film est devenu une source de citations pour les personnalités russes et soviétiques. Au printemps 2012, une statue de Lida et Shurik a été érigée devant l’Université technologique d’État du Kouban, à Krasnodar. En 2015, une sculpture de Lida et Shurik assis sur un banc a été placée dans la cour de l’Université d’État de Riazan.

Hamlet (1964)

Il s’agit d’une adaptation cinématographique russe de 1964 de la pièce éponyme de William Shakespeare, basée sur une traduction de Boris Pasternak. Elle a été réalisée par Grigori Kozintsev et Iosif Shapiro, avec Innokenty Smoktunovsky dans le rôle du prince Hamlet. Grigori Kozintsev faisait en réalité partie du groupe de musiciens expérimentaux russes, la Factory of the Eccentric Actor, dont le style était étroitement lié au dadaïsme et au futurisme. En 1923, il avait l’intention de faire Hamlet en pantomime de manière expérimentale, mais le projet ne fut pas réalisé, et les idées de Kozintsev se transformèrent en projet cinématographique. Il retourna au théâtre en 1941 avec une production de King Lear à Leningrad. En 1954, Kozintsev dirigea une production théâtrale de Hamlet au Théâtre Pouchkine de Leningrad, utilisant la traduction de Boris Pasternak ; ce fut l’une des premières productions soviétiques de la pièce dans l’ère post-stalinienne.

Kozintsev a également beaucoup écrit sur Shakespeare et une phase importante de sa publication Shakespeare : Temps et Conscience est consacrée à ses idées sur Hamlet ainsi qu’à une étude historique. Dans une annexe intitulée « Dix ans avec Hamlet », il compile des extraits de ses journaux intimes traitant de ses expériences lors de la production scénique de 1954 ainsi que de son film de 1964. Le film de Kozintsev est fidèle au style de l’œuvre, mais la durée est considérablement raccourcie, atteignant un total de 2 heures et 20 minutes pour une œuvre qui peut durer jusqu’à 4 heures. La scène d’ouverture est abrégée, incluant les scènes 1 et 6 de l’Acte IV, cependant les autres scènes sont jouées bien que certaines soient substantiellement abrégées. Le dernier discours d’Hamlet se réduit simplement à « Le reste est silence. » Dans l’Acte IV, il y a une certaine répétition pour montrer la ruse de Rosencrantz ainsi que de Guildenstern lors du voyage en Angleterre. Kozintsev tente souvent de représenter le matériau de l’œuvre en termes esthétiques, tout comme il y a des scènes notables construites sans utiliser de dialogue, telles que la scène d’ouverture où Hamlet arrive à Elseneur pour le deuil de la cour, ainsi que la veillée précédant le regard du fantôme.

Marcher dans les rues de Moscou (1964)

Il s’agit d’un film russe de 1964 réalisé par George Daneliya et produit par les studios Mosfilm. Au casting, Nikita Mihalkov, Aleksei Loktev, Yevgeny Steblov et Galina Polskikh. Le film met également en vedette quatre artistes populaires de l’URSS – Rolan Bykov, Vladimir Basov, Lev Durov et Inna Churikova. Le film a été présenté en première au Festival de Cannes 1964 et a également remporté un prix pour le travail du cameraman Vadim Yusov, surtout connu pour sa collaboration réussie avec Andrei Tarkovsky. Volodya est un écrivain ambitieux de Sibérie. Sa première nouvelle a été publiée dans le magazine Yunost (« Jeunesse »), et un écrivain célèbre, Voronin, l’a invité à Moscou pour faire connaissance avec son travail. Dans le métro de Moscou, Volodya rencontre soudainement un ami, Kolya (Nikita Mikhalkov), qui rentre chez lui après un dur service de nuit. Volodya souhaite rester chez ses vieux amis, mais ne connaît pas le chemin, alors Kolya l’aide à le trouver.

L’Enfance d’Ivan (1962)

C’est un film de guerre russe de 1962 réalisé par Andrei Tarkovsky. Co-écrit par Mikhail Papava, Andrei Konchalovsky et un Tarkovsky inconnu, il est basé sur la nouvelle de Vladimir Bogomolov de 1957 intitulée « Ivan ». Le film met en vedette l’acteur enfant Nikolai Burlyayev ainsi que Valentin Zubkov, Evgeny Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko et aussi la partenaire de Tarkovsky, Irma Raush.

L’Enfance d’Ivan raconte l’histoire du garçon orphelin Ivan, dont les parents ont été éliminés par les Allemands, ainsi que ses expériences durant la Seconde Guerre mondiale. L’Enfance d’Ivan faisait partie de plusieurs films soviétiques de son époque, tels que Les Grues volent et aussi Ballade d’un soldat, qui examinaient le prix humain à payer dans la guerre et ne glorifiaient pas l’expérience guerrière comme le faisaient les films produits avant le dégel de Khrouchtchev. Lors d’une rencontre en 1962, Tarkovski précisa qu’en réalisant le film, il avait voulu exprimer tout son dégoût pour la guerre, qu’il avait choisi ses années d’enfance car elles sont les plus contrastées avec la guerre.

Ce film fut le premier long métrage de Tarkovski. Il lui valut un grand succès et le fit reconnaître mondialement. Il remporta le Lion d’or au Festival de Venise en 1962 ainsi que le Golden Gate Award au Festival international du film de San Francisco en 1962. Des réalisateurs célèbres comme Ingmar Bergman, Sergei Parajanov et aussi Krzysztof Kieślowski ont salué le film et l’ont mentionné comme une source d’inspiration pour leur travail. Jean-Paul Sartre écrivit un court article sur le film, affirmant qu’il s’agissait de l’un des plus extraordinaires qu’il ait jamais vus. Lors d’une rencontre ultérieure, Tarkovski avoua qu’il partageait les critiques négatives de l’intellectuel italien Alberto Moravia, qui avait passé le film en revue.

Ballade d’un soldat (1959)

Il s’agit d’un film russe de 1959 réalisé par Grigory Chukhray et mettant en vedette Vladimir Ivashov et Zhanna Prokhorenko. Bien qu’il se déroule pendant la Seconde Guerre mondiale, ce n’est pas principalement un film de guerre. Il raconte, dans le contexte du chaos du combat, différents types d’amour : l’amour glamour d’un jeune couple, l’amour engagé d’un couple, l’amour d’une mère pour son enfant, et un soldat de l’Armée rouge qui tente de rentrer chez lui pendant une permission, tombant amoureux. Le film fut présélectionné pour l’Oscar du meilleur scénario original.

Le film fut distribué aux États-Unis en 1960 dans le cadre d’un échange cinématographique soviéto-américain durant la détente de la Guerre froide. Le film a reçu de nombreux éloges pour sa modernité stylistique ainsi que pour son histoire solide et raffinée. Avec la vigueur juvénile assumée du personnage principal, le film fut salué comme un classique tant par les critiques américains que soviétiques. Le film reçut le Prix Lénine en 1961, pour le réalisateur et le producteur.

Les Grues volent (1957)

Il s’agit d’un film russe de 1957 sur la Seconde Guerre mondiale. Il montre la férocité de la guerre ainsi que les dégâts causés à l’esprit soviétique. Le film fut réalisé par le réalisateur soviétique d’origine géorgienne Mikhail Kalatozov en 1957 et mettait en vedette Aleksey Batalov et Tatiana Samoilova. Adapté par Viktor Rozov de sa pièce de théâtre, le film remporta la Palme d’Or au Festival de Cannes en 1958, le seul film soviétique à avoir reçu cet honneur. Le film présente des héroïnes beaucoup plus complexes et multidimensionnelles et se concentre sur l’effet de la guerre sur les gens ordinaires. Ce n’étaient pas seulement les Soviétiques qui sympathisaient avec l’histoire de Veronika. L’actrice principale des Grues, Tatiana Samoilova, souvent associée à son rôle, conquit l’Europe. Suite au triomphe du film au Festival de Cannes en 1958, où il remporta le Grand Prix, les critiques de cinéma saluèrent la production pour sa cinématographie spectaculaire, son jeu d’acteur, sa réalisation et son montage.

Carnaval de nuit (1956)

C’est un film musical russe de 1956. C’est le premier grand film d’Eldar Ryazanov, le rôle initial de Lyudmila Gurchenko et aussi l’un des films les plus célèbres mettant en vedette le célèbre comédien Igor Ilyinsky. Produit pendant le Dégel de Khrouchtchev, le film est devenu le leader du box-office soviétique en 1956 avec un total de 48,64 millions de billets vendus. Aujourd’hui, il reste un classique du Nouvel An très apprécié en Russie et dans l’espace post-soviétique.

C’est la veille du Nouvel An et les travailleurs d’une Maison de la Culture se préparent également à leur programme annuel de divertissement du Nouvel An. Il consiste en beaucoup de danse et de chant, ainsi que des tours de magie. Soudain, la nouvelle tombe qu’un nouveau directeur a été choisi et arrivera rapidement. Le camarade Ogurtsov arrive à temps pour refuser le divertissement convenu. Pour lui, la fête du Nouvel An a une signification différente, et il propose des rapports annuels pour raconter le développement du club avec un orateur et la possibilité de la vie sur la planète Mars. Et aussi, probablement, de la musique sérieuse, quelque chose des Classiques, jouée par l’orchestre des Vétérans. Personne ne va changer le programme à seulement quelques heures de l’événement, encore moins le modifier pour quelque chose d’aussi inintéressant. Tout le monde se regroupe pour empêcher Ogurtsov d’atteindre le théâtre. Les membres du club veulent capturer Ogurtsov quoi qu’il en coûte pour s’assurer que les spectacles puissent être joués et que le Nouvel An soit commémoré comme prévu à l’origine.

Les Cosaques du Kouban (1950)

C’est un film russe qui raconte la vie des paysans dans le kolkhoze de la région du Kouban en Union soviétique, réalisé par Ivan Pyryev et interprété par Marina Ladynina, son épouse à l’époque. Le film se déroule dans les premières années d’après-guerre. Lors de la foire agricole d’automne, un éleveur de chevaux de course, Nikolaï (Vladlen Davydov), rencontre une éleveuse expérimentée, Dasha Shelest (Klara Luchko). Leur passion est réciproque, mais les amoureux, qui travaillent dans des fermes différentes, devront surmonter la résistance de leurs patrons, qui ne veulent pas perdre d’excellents travailleurs.

La Ballade de Sibérie (1948)

C’est un film russe produit par Mosfilm et sorti en 1948, il fut le deuxième film en couleur de l’Union soviétique après La Fleur de pierre. Il a été réalisé par Ivan Pyryev et met en vedette Vladimir Druzhnikov ainsi que Marina Ladynina. C’est un film musical soviétique, chargé de mélodies, comme « Le Vagabond, » qui retracent le progrès de la Sibérie après la Seconde Guerre mondiale.

Le pianiste Andrei Balashov (Vladimir Druzhnikov), blessé au front pendant la Grande Guerre patriotique, perd la capacité de jouer à cause d’une blessure à la main. Sans dire adieu à ses amis ni à sa précieuse Natasha (Marina Ladynina), il partira très probablement pour la Sibérie. Il assiste à la construction d’une usine et chante dans une maison de thé la nuit. Par coïncidence, un mauvais temps oblige l’avion transportant les amis d’Andrey, Boris Olenich et Natasha, qui s’envolent à l’étranger, à atterrir au terminal de vol près de l’usine. Andrey les rencontre et cela change sa vie. Il fait un voyage dans l’Arctique, motivé par le travail courageux de construction d’un oratorio symphonique « Ballade de Sibérie », et gagne une reconnaissance internationale.

La Fleur de pierre (1946)

C’est un film fantastique russe de 1946 réalisé par Aleksandr Ptushko. Il s’agit d’une adaptation de la nouvelle éponyme de Pavel Bazhov, basée sur la mythologie russe de la région de l’Oural. Il inclut également des éléments des nouvelles « L’Amoureux de la Montagne de Cuivre » et « Le Maître Artisan ». Le film est sorti en salles par Mosfilm le 28 avril 1946. C’était le premier film en couleur de l’Union soviétique, et il a participé au Festival de Cannes 1946. Ce fut un succès au box-office en 1946 en URSS : il a été vu par 23,17 millions de spectateurs. Le récit est raconté du point de vue du vieux écrivain Slyshko.

Le habile tailleur de pierres précieuses Prokopych vieillit, et le comptable du propriétaire le pousse à prendre un apprenti. Prokopych essaie d’éduquer plusieurs garçons, mais aucun ne possède « l’âme de pierre ». À un moment donné, il choisit un enfant qui semble imprudent et aussi très négligent dans tout le reste, mais qui révèle un grand talent pour tailler les pierres précieuses et créer des motifs. Il dépasse rapidement son vieux maître. Comme la taille des pierres peut gravement nuire à la santé, Prokopych décide de l’éloigner du travail.

Ivan le Terrible (1944)

C’est un film épique russe en deux parties écrit et réalisé par Sergei Eisenstein. C’est un biopic sur Ivan IV de Russie, dernier film d’Eisenstein, commandé par le premier ministre soviétique Joseph Staline. La première partie est sortie en 1944 ; la deuxième partie, bien que produite en 1946, n’a été diffusée qu’en 1958, car elle fut interdite par Staline, qui fut furieux de la représentation d’Ivan dans ce film. Eisenstein avait prévu une troisième partie pour conclure l’histoire, mais avec l’interdiction de la deuxième partie, le tournage de la troisième fut arrêté ; après la mort d’Eisenstein en 1948, ce qui avait été achevé de la troisième partie fut détruit.

Le film est principalement en noir et blanc, mais comporte quelques scènes en couleur à la fin de la Partie II. Ces films sont devenus très appréciés, impressionnants dans l’action et frappants dans le style. Tout cinéphile devrait voir ce film, l’un des grands chefs-d’œuvre de tous les temps.

Volga-Volga (1938)

C’est une comédie musicale russe réalisée par Grigori Alexandrov, sortie le 24 avril 1938. Elle raconte l’histoire d’une troupe d’amateurs artistes se rendant à Moscou pour participer à un concours de talents appelé l’Olympiade musicale de Moscou. Une grande partie de l’action se déroule sur un bateau qui fait une croisière sur la Volga. Les rôles principaux sont tenus par l’épouse d’Alexandrov, Lyubov Orlova, ainsi qu’Igor Ilyinsky.

Selon Orlova, le nom du film est tiré d’une célèbre chanson folklorique russe, Stenka Razin, que Alexandrov chantait en rameant avec Charlie Chaplin dans la baie de San Francisco. Chaplin a plaisanté en suggérant ces paroles comme titre pour un film, mais Alexandrov l’a pris au sérieux et a intitulé son nouveau film Volga-Volga. C’était le film préféré du Premier ministre soviétique Joseph Staline. Nikita Khrouchtchev raconte dans ses mémoires qu’à l’époque d’avant la Seconde Guerre mondiale, Staline se moquait de lui parce qu’il apparaissait en tant que personnage dans le film. Le film est une célébration de la rivière Moscou. En 1961, une nouvelle version du film est sortie, avec la scène du navire « Joseph Staline.

Dans la ville rurale de Melkovodsk le long de la Volga, la factrice Dunya Petrova, également connue sous le nom de « Flèche », entreprend un voyage sur une péniche pour livrer un message important à Ivan Byvalov. Flèche s’intéresse aux chansons et aspire à devenir chanteuse. Accompagne Flèche dans ce voyage son partenaire Alesha Trubyshkin, directeur d’un groupe de musique.

Alexander Nevsky (1938)

C’est un film historique russe de 1938 réalisé par Sergei Eisenstein. Il montre la tentative d’invasion de Novgorod au XIIIe siècle par les Chevaliers Teutoniques du Saint-Empire romain germanique, ainsi que leur défaite face au prince Alexandre, reconnu comme Alexandre Nevski (1220-1263).

Eisenstein a réalisé le film en collaboration avec Dmitri Vasilyev et avec un scénario co-écrit avec Pyotr Pavlenko ; ils ont été engagés pour s’assurer qu’Eisenstein ne se perde pas dans le « formalisme » et pour aider à tourner le film selon un planning rationnel. Il a été produit par Goskino via le système de production Mosfilm, avec Nikolai Cherkasov dans le rôle-titre et une composition musicale de Sergei Prokofiev. Alexander Nevsky fut le premier et aussi le plus important des trois films sonores d’Eisenstein. Eisenstein, Pavlenko, Cherkasov et Abrikosov ont reçu le prix Staline en 1941 pour ce film.

Alexandre Nevski est beaucoup moins expérimental dans sa structure narrative que les films précédents d’Eisenstein ; il raconte une histoire avec un arc narratif unique et se concentre sur un seul personnage principal. Les effets spéciaux et la cinématographie figuraient parmi les plus innovants de l’époque. Le film culmine dans la bataille de la glace d’une demi-heure, menée par la musique menaçante et inspirante de Prokofiev, une scène qui a depuis servi de modèle pour des combats cinématographiques légendaires.

Le Cirque (1936)

C’est un film musical russe de 1936. Il a été réalisé par Grigori Aleksandrov et Isidor Simkov aux studios Mosfilm. Avec la célèbre et flamboyante Lyubov Orlova, épouse d’Aleksandrov, première célébrité du cinéma soviétique et chanteuse talentueuse, le film est composé de nombreuses mélodies qui sont immédiatement devenues des classiques soviétiques. L’une des plus connues est la « Chanson de la Patrie ».

Le film est basé sur un scénario composé par Ilf, Petrov et Valentin Kataev et joué par le music-hall de Moscou, Sous le Dôme du Cirque. Ils ont adapté la pièce en histoire, mais n’ont pas apprécié l’analyse du superviseur, et après un différend, ils ont abandonné le travail, limité l’utilisation de leurs noms dans les crédits, et l’histoire a été développée par Isaac Babel. Orlova joue une artiste de cirque américaine qui, après avoir donné naissance à un enfant noir, est immédiatement soumise au fanatisme et forcée de rester au cirque, mais trouve refuge, amour et joie en URSS.

Marion Dixon, une artiste de cirque américaine éminente, doit fuir pour sauver sa vie avec son fils, pour échapper à une foule lyncheuse dans une communauté rurale américaine. Où se trouve le père n’est pas précisé, mais on soupçonne qu’il a été lynché. Dixon est prise sous l’aile de Franz von Kneishitz, un agent allemand taciturne dont la moustache et les manies ressemblent à celles d’Adolf Hitler. Kneishitz fait chanter Dixon pour qu’elle devienne sa maîtresse tout en la manipulant.

Le Nouveau Gulliver (1935)

C’est un film d’animation russe, le premier à faire un usage substantiel de l’animation de créatures, qui dure tout au long du film. Le film est sorti en 1935 et a reçu une reconnaissance générale, valant également au réalisateur Aleksandr Ptushko un prix au Festival international du film de Milan. Le rôle de Gulliver a été joué par Vladimir Konstantinov, né en 1920 et décédé en 1944 près de Tallinn pendant la Seconde Guerre mondiale. Ce fut sa première et unique performance cinématographique. Le conte, une réécriture communiste du roman de 1726 de Jonathan Swift, Les Voyages de Gulliver, traite d’un enfant qui s’imagine en version de Gulliver ayant débarqué à Lilliput, subissant l’inégalité et l’exploitation capitalistes.

Jolly Fellows (1934)

Il s’agit d’un film musical russe de 1934, réalisé par Grigori Alexandrov et interprété par sa femme Lyubov Orlova, une chanteuse talentueuse et également la première célébrité reconnue du cinéma soviétique. Le scénario a été écrit par Aleksandrov, Vladimir Mass et Nikolai Erdman. Il comprend de nombreuses mélodies qui sont devenues des classiques à travers toute l’Union soviétique. L’un des morceaux les plus populaires – « Kak mnogo devushek khoroshikh » (Beaucoup de bonnes filles) – a connu une popularité mondiale. Tant Orlova que son partenaire, le charmant chanteur et star de la comédie Leonid Utyosov, sont devenus célèbres après le film.

Yelena (Mariya Strelkova), une riche chanteuse en herbe, prend le pasteur Kostya Potekhin (Leonid Utyosov) pour un chef d’orchestre paraguayen populaire d’un orchestre de chambre et l’accueille lors d’un événement organisé chez elle. Il joue de la flûte, ce qui attire les animaux de sa ferme collective à la table. La servante d’Yelena, Anyuta (Lyubov Orlova), tombe amoureuse de Kostya. Kostya est attiré par Yelena et lorsqu’il apprend sa véritable identité, il est vraiment bouleversé.

Mère (1926)

Il s’agit d’un film russe de 1926 réalisé par Vsevolod Pudovkin. Il raconte l’histoire d’une mère, pendant la Révolution russe de 1905, après que son mari ait été tué et que son fils ait été emprisonné. Basé sur le roman de 1906 de Maxim Gorky, La Mère, c’est la première partie de la « trilogie révolutionnaire » de Pudovkin, avec La Fin de Saint-Pétersbourg (1927) et Tempête sur l’Asie (1928). Le film a été interdit au Royaume-Uni en 1930 après que la Masses Stage and Film Guild ait obtenu l’autorisation de le diffuser à Londres. Russie, 1905. Vlasov est un tuyauteur dans une usine de fabrication, alcoolique et mari et père violent. Pavel accepte plus tard de cacher une petite cache de pistolets pour les socialistes sous le plancher de sa maison. Sa mère l’observe en secret.