Películas de Mujeres que Cambiaron la Historia del Cine

El cine, desde sus mismos orígenes, ha utilizado el rostro femenino como su espejo más poderoso, capaz de expresar mundos enteros de belleza, dolor y rebeldía. La imaginación colectiva está marcada por figuras femeninas inolvidables: heroínas de acción que redefinen la fuerza, íconos románticos que sueñan con la libertad y protagonistas de historias de triunfo contra todo pronóstico. Estas obras monumentales han creado mitos universales.

Pero más allá de estas figuras, existe un universo de historias más complejas, a menudo contadas lejos del foco de atención. Es un cine que no se conforma con mostrar a la mujer como «musa», sino que la explora como «creadora», investigando su psique, su lucha por la autodeterminación y su voz única. Es un cine que aborda la rebelión silenciosa, la identidad fragmentada y las dinámicas de poder complejas.

Esta guía es un viaje a través de todo el espectro de la representación femenina. Es un camino que une las grandes obras maestras que definieron el género con las más valientes obras independientes. Un retrato completo de la condición femenina capturada por la cámara, explorando lo que significa ser mujer, madre, artista o rebelde, en toda su magnífica y contradictoria complejidad.

Mujeres en las películas en los orígenes del cine

Una de las mujeres pioneras en la historia del cine fue Alice Guy, reconocida como la primera directora femenina en crear largometrajes. Asistió a proyecciones de los Hermanos Lumière en París y creía que el cine tenía no solo potencial documental y científico, sino, más importante aún, potencial narrativo. Cautivada por esta notable invención, rápidamente buscó oportunidades en la incipiente industria cinematográfica.

Alice inicialmente trabajó como secretaria para los distribuidores de cámaras Gaumont antes de convertirse en una de las figuras más destacadas del cine francés. Comenzó su carrera como directora de reproducción y luego pasó a dirigir películas. Su primer film, La hada de la col, se estrenó en 1896, seguido por muchas otras obras notables. En 1907, se mudó a Estados Unidos con su esposo y fundó su propia compañía de producción.

Ver Alice Guy Blanche

Mujeres en el cine: Helene Gardner

Otra figura importante en la evolución de la historia del cine fue Helen Gardner. Se le atribuye la creación del prototipo de la Femme Fatale, a menudo interpretando mujeres con personajes fuertes y complejos.

Helene Gardner no fue solo una actriz; tenía un profundo amor por el cine. De hecho, también fue productora, diseñadora de escenarios, diseñadora de vestuario y editora de las películas en las que apareció. Una artista que se expresó plenamente a través del cine, fue una de las pioneras dedicadas a los largometrajes en una época en que aún eran relativamente desconocidos.

Mabel Normand fue una de las primeras estrellas de cine. Interpretó varios papeles en las primeras películas de Charlie Chaplin, ayudando a iniciar su éxito. Películas de las cuales también fue guionista y directora. Murió a la edad de 37 años. Una de las estrellas del Paseo de la Fama de Hollywood está dedicada a ella. 

Mujeres en el cine: Julia ⁢Crawford ⁣Ivers

Julia‌ Crawford⁤ Ivers fue una de las directoras y guionistas pioneras de Hollywood durante la transformación del área de Los Ángeles de un paisaje árido a un centro cinematográfico. A medida que la industria del cine florecía, se volvió sinónimo de prestigioso guionismo. También colaboró en numerosas películas con su hijo, ⁤James Van Trees, quien se encargaba de la cinematografía.

Mujeres en el cine: Cleo⁣ Madison

Cleo Madison fue una de las mujeres pioneras que se convirtió en estrella de Hollywood a través de películas que mostraban una perspectiva claramente femenina. Fue una de las primeras actrices en asumir papeles que destacaban problemas sociales, abordando la discriminación contra las mujeres y abogando por la emancipación femenina, todo ello mientras desafiaba el machismo predominante de su época. En 1915, también fue contratada por Global como directora tanto de cortometrajes como de largometrajes.

En los años siguientes, la industria cinematográfica de Hollywood evolucionó hasta convertirse en un negocio multimillonario, y la presencia de mujeres en roles clave disminuyó sustancialmente. Las posiciones más influyentes dentro de la industria estaban predominantemente ocupadas por hombres. Para mediados de los años 30, la mayoría de las mujeres fueron relegadas a roles secundarios, como secretarias de publicación y producción.

Aparte de sus roles como actrices y guionistas, hoy en día las mujeres ocupan solo un pequeño porcentaje de puestos en la industria cinematográfica, especialmente en los Estados Unidos y dentro del cine comercial.

Los ejecutivos de las principales compañías de producción son predominantemente hombres, y tienden a financiar proyectos que reflejan una visión masculina del mundo. Como resultado inevitable, solo un puñado de directoras han tenido la oportunidad de dejar su huella en la historia del cine como realmente merecen.

Self Defence

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Documental, de Olaf de Fleur, Islandia, 2025.
Autodefensa sigue la historia de Imma Helga, una instructora de autodefensa en Islandia que convirtió sus luchas adolescentes contra los prejuicios, la homofobia y la depresión en una misión de empoderamiento. Junto con su hermano Jón Viðar, enseña un enfoque práctico y realista de la autodefensa, ayudando a las mujeres a sentirse más conscientes, capaces y seguras. A través de clases, testimonios y su presencia en redes sociales con más de un millón de seguidores, la película muestra que la autodefensa no es un acto heroico, sino una habilidad básica y accesible: una forma de protegerse, recuperar espacio y afirmar la presencia. Al entrelazar momentos de enseñanza y el viaje personal de Imma, Autodefensa explora la conexión entre el crecimiento interior y la protección física, revelando cómo aprender a mantenerse firme también significa recuperar la fuerza, el respeto propio y la libertad.

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Nomadland (2020)

Después de perderlo todo en la Gran Recesión, Fern, una mujer de sesenta años, decide abandonar su ciudad fantasma en Nevada y emprender un viaje por el Oeste americano. Viviendo en su furgoneta, a la que llama «Vanguard», se une a una comunidad de nómadas modernos, personas que han abandonado la vida convencional para buscar trabajo estacional y una nueva forma de libertad y comunidad en la carretera.

La película ganadora del Oscar de Chloé Zhao es un retrato poético y melancólico de una mujer que intenta reconstruir su vida al margen del roto sueño americano. Filmada en un estilo cuasi documental y con nómadas reales interpretándose a sí mismos, Nomadland es una obra de rara autenticidad que explora la pérdida, la resiliencia y la búsqueda de un nuevo significado de «hogar».

La fortaleza de Fern, interpretada con una intensidad extraordinaria por Frances McDormand, es silenciosa y tenaz. No es una rebelde, sino una superviviente. Su nomadismo no es una elección ideológica, sino una necesidad que se transforma en una forma de liberación. Aprende a ser autosuficiente, a reparar su furgoneta, a encontrar trabajo en lugares como los almacenes de Amazon, un símbolo de una economía que explota y descarta.

Promising Young Woman (2020)

Cassie fue una estudiante de medicina prometedora, pero abandonó la carrera después de que su mejor amiga, Nina, fuera víctima de una violación que destruyó su vida. Ahora, Cassie lleva una doble vida: de día trabaja en una cafetería, de noche frecuenta bares, fingiendo estar ebria para exponer a los «buenos chicos» que intentan aprovecharse de ella. Su misión de venganza toma un nuevo giro cuando un antiguo compañero de clase vuelve a entrar en su vida.

Emerald Fennell entrega una obra audaz e inquietante, un thriller de venganza que subvierte los clichés del género y la comedia romántica para lanzar una crítica feroz a la cultura de la violación. Promising Young Woman es una película incómoda que utiliza una estética pop y colorida para contar una historia de trauma, ira y duelo.

Chasing Butterflies

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Comedia romántica, dirigida por Rod Bingaman, Estados Unidos, 2009.
Nina huye de casa horas antes de su boda. Para no posponer la ceremonia de boda de su madre, finge ser Nina y se casa con su novio. Poco después comienzan la búsqueda para encontrar a Nina y traerla de vuelta: el esposo de Nina está convencido de que ella ya no lo ama. Un chico nerd de quince años se encuentra con Nina en la calle y trata de impresionarla con el Corvette de su padre que tomó sin permiso, sin tener licencia de conducir. Mientras tanto, una joven rebelde y su novio, que ha escapado de prisión, conocen al chico y roban su Corvette, sembrando el pánico con una serie de robos mientras se dirigen a Canadá, en busca de una vida mejor y dinero para hacer realidad su sueño de amor. Mientras tanto, Nina conoce en un autobús a un hombre que huye de un matrimonio fallido: un famoso locutor de radio local que ha sido abandonado por su esposa. Pero el autobús será el objetivo de un robo por parte de la pareja comprometida "Natural Born Killers".

Persiguiendo Mariposas es una comedia romántica llena de acción poblada por personajes destinados a cruzar sus caminos. El amor les da energía o les asusta, todos están huyendo en busca de una vida mejor o porque no saben cómo lidiar con las responsabilidades. Todos se niegan a estar presos en las convenciones sociales, incluso cuando ellos mismos las han buscado, incluso cuando la convención social es la de un matrimonio con un hombre al que aún aman. Un viaje lleno de situaciones grotescas y diálogos hilarantes, a menudo en jerga americana, realizado de forma independiente, con un elenco muy interesante.

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Retrato de una mujer en llamas (2019)

A finales del siglo XVIII, la pintora Marianne es contratada para crear el retrato de boda de Héloïse, una joven que acaba de salir del convento y está destinada a un matrimonio que no desea. Como Héloïse se niega a posar, Marianne debe observarla en secreto durante sus paseos y luego pintarla a escondidas. Entre las dos mujeres, en un aislamiento casi total en una isla bretona, nace una profunda intimidad, hecha de miradas, arte y amor.

La película de Céline Sciamma es la manifestación más pura y poderosa de la mirada femenina en el cine contemporáneo. Es una obra construida enteramente sobre el acto de mirar, pero que subvierte siglos de historia del arte y del cine en los que la mujer era la musa pasiva y el hombre el artista creativo. Aquí, la relación entre artista y modelo es recíproca, un intercambio entre iguales. «Cuando me miras, ¿a quién miro yo?» pregunta Héloïse, desmontando la jerarquía de la mirada.

Spencer (2021)

Es Navidad de 1991, y la familia real está reunida en la finca de Sandringham. Para la princesa Diana, estos tres días son una pesadilla de rituales asfixiantes y tensiones familiares. Su matrimonio con el príncipe Carlos está en sus últimos momentos. Perseguida por los paparazzi, atormentada por la bulimia y atrapada en un papel que la está destruyendo, Diana libra una batalla interna por su cordura e identidad, encontrando consuelo solo en sus hijos y en el fantasma de Ana Bolena.

Pablo Larraín no crea una biografía tradicional, sino una «fábula a partir de una tragedia verdadera». Spencer es un horror psicológico, una inmersión claustrofóbica en la mente de una mujer al borde del colapso. La película no se interesa por la crónica de los hechos, sino por la experiencia emocional del encierro. Sandringham no es un palacio, sino una jaula dorada, donde cada gesto está controlado, cada atuendo impuesto, cada comida una prueba.

Hollywood Dreams

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Comedia, drama, de Henry Jaglom, Estados Unidos, 2007.
La aspirante a actriz Margie Chizek busca la fama en Hollywood. Es rechazada por el mundo del cine, se enamora, descubre los engaños detrás del mundo de la publicidad cinematográfica y comprende mejor su identidad que ella misma. Salvada de la ruina por un productor amable, Margie logra entrar en el mundo de los ricos en Hollywood y se enamora de un joven actor, que está construyendo su carrera fingiendo ser gay. La pareja enfrentará el negocio del espectáculo y la manipulación de la identidad sexual. Hollywood Dreams cautiva al público gracias a la extraordinaria actuación de Tanna Frederick y su personaje como una actriz atormentada y emocionalmente inestable, una interpretación sorprendente y conmovedora. El personaje de una mujer frágil, prisionera de falsos mitos, a veces repulsiva y extraña. En manos del director independiente inconformista Henry Jaglom, el encanto de las falsas ilusiones del éxito se cuenta de manera ejemplar e irresistible.

La historia del cine está llena de películas sobre personas que hacen películas, lo que puede interpretarse como una historia universal: todos luchan por el éxito, el reconocimiento y la fama en un campo competitivo. Hollywood Dreams de Henry Jaglom es una película subversiva, una sátira de una industria basada en el engaño. Inspirada en la libertad productiva y la improvisación de los actores del cine independiente de John Cassavetes, más rigurosa y emocionante que otras películas de Henry Jaglom, Hollywood Dreams se centra en una actriz sonriente que de repente se vuelve famosa. El director, en su decimoquinto filme, se vuelve más melancólico y realiza un viaje entre recuerdos cinematográficos y confusión de identidad de género. El estilo es siempre realista, casi documental, como en otras películas de Jaglom. Uno de los directores independientes estadounidenses más conocidos en un estado de ánimo nostálgico, reflexionando sobre los aspectos negativos de la fama y el éxito.

IDIOMA: Inglés
SUBTÍTULOS: Español, Francés, Alemán, Portugués

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La Favorita (2018)

A principios del siglo XVIII, Inglaterra está en guerra con Francia. La frágil e inestable Reina Ana ocupa el trono, pero el país está efectivamente gobernado por su amiga cercana y consejera, Lady Sarah. La llegada a la corte de Abigail, la prima caída en desgracia de Sarah, altera el equilibrio. Abigail usa su encanto para ganarse el favor de la Reina, desatando una despiadada rivalidad con Sarah para convertirse en la nueva «favorita».

Yorgos Lanthimos transforma el drama de época en una comedia negra, ácida y grotesca sobre las dinámicas del poder. La Favorita es una película en la que los hombres son figuras marginales, peones en un despiadado juego de ajedrez conducido enteramente por tres mujeres. El poder no es una abstracción política, sino una lucha personal, librada con astucia, manipulación, sexo y crueldad psicológica.

Lady Bird (2017)

Christine McPherson, que insiste en ser llamada «Lady Bird», es una adolescente en su último año en una escuela católica en Sacramento en 2002. Sueña con escapar de su ciudad, que considera aburrida, para asistir a una universidad prestigiosa en la Costa Este. La película sigue su año de transición, a través de amistades, primeros amores, decepciones y, sobre todo, una relación turbulenta, conflictiva y profundamente amorosa con su madre, Marion.

Greta Gerwig, con su debut como directora, crea una historia de madurez de sinceridad y agudeza desarmantes. Lady Bird destaca por cómo desplaza el foco del género: el verdadero conflicto, la verdadera historia de amor, no es con los chicos, sino entre una hija y su madre. Su relación es el corazón palpitante de la película, un campo de batalla de malentendidos diarios y, al mismo tiempo, un vínculo irrompible.

The House is Black

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Documental, de Forough Farrokhzad, Irán, 1963.
La casa es negra es una película lírica y trascendental que dirige una mirada llena de compasión y religiosidad hacia una humanidad sufriente. La única fuente de armonía se encuentra fuera de la colonia de leprosos, en la naturaleza: el sufrimiento reina en el interior. Ni siquiera la fe religiosa puede aliviarlo. Un documental sobre la vida y el sufrimiento en un hospital para leprosos en Esperan, en el distrito central del condado de Tabriz, donde el tiempo parece haberse detenido, donde la rutina diaria se repite sin fin, privada de toda esperanza. La película fusiona las imágenes con la poesía de la directora Forough Farrokhzad y con citas del Antiguo Testamento y el Corán. Durante el rodaje, la directora se encariñó con Hossein Mansouri, un niño cuyos padres padecían lepra, y decidió adoptarlo. Poco conocida en el momento de su estreno, La casa es negra se convirtió en el referente del cine iraní en los años siguientes. Puede considerarse la primera película que dio origen al movimiento de la Nueva Ola iraní. Forugh Farrokhzad, una famosa poeta feminista iraní con un estilo controvertido y modernista, fue una de las voces femeninas más importantes en la poesía y el cine iraní. Su personalidad autoritaria y carismática fue duramente puesta a prueba por el ostracismo y la desaprobación de los conservadores y el gobierno islámico, que prohibieron sus poemas más de una década después de su muerte en un trágico accidente automovilístico a los 32 años. La casa es negra es su única película. Farugh Farrokhzad utiliza su sensibilidad para acercar la cámara hacia lo que no debería ser mirado, hacia los leprosos y los marginados, con absoluto respeto. Película imperdible.

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Yo, Tonya (2017)

La película cuenta la verdadera, absurda y trágica historia de la patinadora artística Tonya Harding. Criada en un ambiente de pobreza y abuso, bajo el control de una madre violenta y poco afectuosa, Tonya emerge como un talento extraordinario, la primera mujer estadounidense en realizar un triple axel en competición. Sin embargo, su carrera queda irreparablemente comprometida por su implicación en el ataque a su rival, Nancy Kerrigan.

I, Tonya no es una biografía convencional. Utilizando un estilo de falso documental, con entrevistas contradictorias de los protagonistas rompiendo la cuarta pared, la película de Craig Gillespie explora la naturaleza subjetiva de la verdad y critica ferozmente la manera en que los medios y la sociedad construyen y destruyen a sus ídolos.

Toni Erdmann (2016)

Winfried, un profesor de música jubilado con afición por las bromas, está preocupado por su hija Ines, una consultora corporativa ambiciosa y adicta al trabajo que vive en Bucarest. Al percibir que ha perdido su sentido del humor y la alegría de vivir, Winfried decide visitarla por sorpresa. Tras un primer intento fallido, se reinventa como «Toni Erdmann», un excéntrico coach de vida con peluca y dientes postizos, y comienza a seguirla en sus reuniones de trabajo y salidas sociales.

La película de Maren Ade es una comedia tan hilarante como profundamente conmovedora sobre la desconexión entre un padre y una hija, y una crítica aguda a la inhumanidad del mundo corporativo moderno. La narrativa larga y digresiva se toma su tiempo para explorar las complejas dinámicas de una relación familiar desgastada por la distancia y estilos de vida opuestos.

Arrival (2016)

Cuando doce misteriosas naves alienígenas aterrizan en diferentes puntos del mundo, el ejército estadounidense recluta a la Dra. Louise Banks, una experta lingüista, para establecer comunicación. Mientras el mundo se tambalea al borde de una guerra global, Louise debe descifrar su complejo lenguaje no lineal, un proceso que no solo revelará el propósito de su visita, sino que cambiará para siempre su percepción del tiempo y la vida.

Arrival es una película de ciencia ficción que se centra no en la acción o la tecnología, sino en la inteligencia, la empatía y la comunicación. La protagonista, la Dra. Louise Banks, es una heroína radicalmente diferente a los estándares del género. Su fuerza no es física, sino intelectual y emocional. Ella salva al mundo no con armas, sino con palabras, con su capacidad de escuchar, entender y construir un puente entre dos especies.

La película de Denis Villeneuve es una profunda meditación sobre el lenguaje y cómo este moldea nuestros pensamientos y nuestra realidad. La hipótesis Sapir-Whorf, que postula que el idioma que hablamos influye en nuestra visión del mundo, es el corazón narrativo del film. Al aprender el lenguaje circular de los alienígenas, Louise comienza a percibir el tiempo de manera no lineal, experimentando pasado, presente y futuro simultáneamente.

Ninnao

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Cortometraje, drama, de Ernesto M. Censori, Italia, 2020.
Ninnaò aborda el tema de las nodrizas de manera directa y cruda, destacando de forma original las relaciones que se establecen entre dos mujeres que terminarán compitiendo por el bebé. Ganará quien pueda aprovechar mejor la situación. Producido por el Centro Experimental de Cinematografía en Roma, es un film sobre el tema de la familia, que narra las raíces íntimas del ser humano y las dinámicas familiares. Filmado en el Palazzo De Stefani, en Ciriaco, una residencia histórica que data de finales del siglo XVIII en un pequeño pueblo en el corazón de Calabria, Girifalco. La historia transcurre principalmente en un solo lugar, con un elenco completamente femenino. Las protagonistas son su señora y su sirvienta, dos madres y un niño para amamantar que se convierte en motivo de intrigas y secretos. Las actrices principales de Ninnaò son Angela Fontana y Donatella Finocchiaro. La realidad de los lugares, personajes y tradiciones calabreses está arraigada en la historia. Calabria a principios del siglo XX, para el director, es el 'terreno fértil' para sacar a la luz las dinámicas familiares de la aristocracia, cuya vida a menudo estaba entrelazada y envuelta con la de sus humildes sirvientes, hijos del pueblo.

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Elle (2016)

Michèle Leblanc, una exitosa empresaria al frente de una compañía de videojuegos, es violada en su casa por un agresor enmascarado. En lugar de denunciar el incidente a la policía o derrumbarse bajo el peso del trauma, Michèle reacciona de una manera completamente inesperada. Con frialdad y pragmatismo, continúa con su vida, tratando de descubrir la identidad de su atacante y entablando con él un juego psicológico perverso y peligroso.

Paul Verhoeven dirige un thriller provocativo y moralmente ambiguo que derriba todos los estereotipos sobre la victimización femenina. Elle es una película que desafía constantemente al espectador, obligándolo a cuestionar sus expectativas sobre cómo una mujer «debería» reaccionar ante la violencia. La reacción de Michèle no es ni miedo ni sumisión; es curiosidad, control, casi desafío.

Figuras ocultas (2016)

En la década de 1960, en medio de la segregación racial y la carrera espacial, tres brillantes matemáticas afroamericanas trabajan en la NASA. Katherine Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson son las mentes brillantes detrás de una de las operaciones más grandes de la historia: el lanzamiento del astronauta John Glenn en órbita. Las tres mujeres deben enfrentarse no solo a los números, sino también a las barreras raciales y de género en un entorno dominado por hombres blancos.

Figuras ocultas es una historia crucial de emancipación que opera en una doble vía: la lucha por los derechos civiles y la lucha por el reconocimiento de género. La fuerza de sus protagonistas es principalmente intelectual. En una época en que las mujeres, y en particular las mujeres negras, eran relegadas a los márgenes, Katherine, Dorothy y Mary demuestran que el genio no tiene color ni sexo.

Sufragistas (2015)

A principios del siglo XX en Londres, Maud Watts es una joven lavandera, esposa y madre cuya vida se pone patas arriba cuando se involucra, casi por casualidad, en el naciente y cada vez más radical movimiento sufragista. Inicialmente temerosa, Maud se transforma en una militante apasionada, dispuesta a sacrificar su trabajo, familia y libertad por la lucha por el derecho al voto de las mujeres.

Sufragistas traduce una gran batalla histórica en una experiencia íntima y personal. La película evita la trampa del biopic hagiográfico al centrarse no en las líderes del movimiento, sino en una mujer común, una trabajadora cuya politización es un proceso gradual y doloroso. La fuerza de Maud no es innata; es un logro, forjado en el fuego de la injusticia y el sacrificio.

Mustang (2015)

En un remoto pueblo turco, cinco hermanas huérfanas viven con su abuela y su tío. Después de ser vistas jugando inocentemente en la playa con algunos chicos, su familia conservadora reacciona con brutalidad. La casa se convierte en una prisión: las niñas son retiradas de la escuela, obligadas a aprender tareas domésticas y preparadas para matrimonios arreglados. Pero las hermanas, unidas por un vínculo irrompible, no se rinden y luchan por su libertad.

Mustang es una película poderosa y desgarradora, una historia de madurez que adopta los tonos de un thriller de escape. El film de Deniz Gamze Ergüven es una feroz denuncia de la opresión patriarcal y religiosa, que ve la vitalidad y sexualidad femenina como una amenaza que debe ser controlada y reprimida. Las cinco hermanas, como los caballos salvajes del título, representan una energía vital que se niega a ser domesticada.

Miss Oyu

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Drama, de Kenji Mizoguchi, Japón, 1951.
El soltero Shinnosuke se enamora de la señorita Oyu, la compañera de su hermana menor Shizu, quien lo visita como futura esposa. El tabú familiar impide que Shinnosuke se case con Oyu. Él se casa con Shizu sin consumar el matrimonio para poder permanecer fiel a la inconsciente Oyu. Sin embargo, el compromiso de la pareja con las apariencias tiene un costo. La falta de sexualidad y los maliciosos rumores sobre el ménage à trois conducen a recriminaciones, separación y más dolor. Miss Oyu es una reelaboración radical de Mizoguchi y su guionista Yoshikata Yoda de la novela El cortador de juncos (1932) de Junichiro Tanizaki. Miss Oyu se mueve en el aura del arte elevado y el buen gusto: créditos iniciales con pinturas de nubes, composiciones de obras maestras del arte chino y japonés, interiores decorados con muebles refinados y objetos de arte, recitales de música clásica japonesa y canciones derivadas de la poesía japonesa, referencias al vestuario, historia y literatura del período Heian, bellezas históricas y naturales; rituales japoneses como ikebana, bonsái y ceremonias del té. Una gran representación de la exótica y pintoresca cultura japonesa, Miss Oyu fue el primer drama de época de los años 50 que haría famoso a Mizoguchi fuera de Japón.

IDIOMA: japonés
SUBTÍTULOS: inglés, español, francés, alemán, portugués

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Carol (2015)

En Nueva York a principios de los años 50, Therese, una joven aspirante a fotógrafa, trabaja en unos grandes almacenes durante las vacaciones de Navidad. Allí conoce a Carol, una mujer elegante y sofisticada atrapada en un matrimonio infeliz. Surge entre ellas una atracción inmediata y profunda, que se convierte en un amor clandestino, desafiando las rígidas convenciones sociales y morales de una época profundamente represiva.

Todd Haynes dirige un melodrama de extraordinario refinamiento visual y profundidad emocional. Carol es una película que narra una historia de amor prohibido no a través de grandes declaraciones, sino mediante lo no dicho, el lenguaje secreto de miradas, gestos y silencios cargados de significado. En una época en que este tipo de amor no tenía nombre ni lugar en la sociedad, cada roce de una mano en un hombro, cada mirada prolongada, se convierte en un acto de valentía y transgresión.

Una chica camina sola por la noche (2014)

En la desolada y espectral ciudad iraní de Bad City, una vampira solitaria, vestida con un chador que ondea como una capa, recorre la noche. Su objetivo son los hombres que faltan al respeto a las mujeres: narcotraficantes, proxenetas, hombres violentos. Su existencia inmortal y solitaria se ve sacudida por su encuentro con Arash, un joven amable y melancólico, también un alma perdida en ese lugar sin esperanza.

Presentada como «el primer western vampírico iraní,» la ópera prima de Ana Lily Amirpour es una obra de culto, una joya estilística en blanco y negro que mezcla géneros e influencias para crear algo único. La vampira, conocida solo como «la Chica,» es una figura fascinante y poderosa, una metáfora feminista de venganza y protección.

En una sociedad patriarcal, la Chica subvierte las dinámicas de poder. Es ella quien caza, quien inspira terror. Su chador, símbolo de modestia y opresión en algunos contextos, se transforma aquí en un icono de poder sobrenatural, la capa de una superheroína mientras se desliza por las calles oscuras. Es un ángel vengador que castiga lo peor de la masculinidad tóxica.

Bajo la piel (2013)

Una entidad alienígena, con apariencia de mujer, recorre las calles de Escocia para atraer y secuestrar hombres.

Una experiencia cinematográfica única, esta película sigue a una entidad alienígena que atrae y «colecciona» hombres. El horror no está en los «sustos», sino en la deshumanización y la aterradora perspectiva alienígena sobre nuestra especie, vista como mera carne de matadero. La película es una profunda meditación sobre la sexualidad, la identidad y la empatía, y sobre la delgada línea que separa al observador de la implicación, utilizando cámaras ocultas para difuminar la línea entre ficción y documental.

Zero Dark Thirty (2012)

Después de los ataques del 11 de septiembre, la CIA inicia una cacería de una década para capturar a Osama bin Laden. En el centro de esta operación está Maya, una joven y brillante analista que dedica toda su existencia a esta misión. Trabajando en un entorno dominado por hombres y enfrentando escepticismo y obstáculos burocráticos, Maya persigue tenazmente una única pista que eventualmente conducirá al descubrimiento y eliminación del líder de al-Qaeda.

Maya es un personaje definido por un enfoque profesional absoluto, casi obsesivo. En Zero Dark Thirty, dirigida por Kathryn Bigelow, la fortaleza de la protagonista es puramente intelectual y resistente. No es una soldado, pero es quien dirige a los soldados. Su misión se convierte en su identidad, hasta el punto del agotamiento emocional. Maya representa una forma de liderazgo femenino basado en el rigor analítico y la negativa a rendirse, incluso cuando está rodeada de dudas.

Wadjda (2012)

Wadjda es una niña vivaz y emprendedora de diez años que vive en un suburbio de Riad, Arabia Saudita. Su mayor deseo es tener una bicicleta verde para poder competir con su amigo Abdullah. Pero en su sociedad, las bicicletas no se consideran adecuadas para las niñas, ya que podrían comprometer su virtud. Decidida, Wadjda decide ganar el dinero ella misma participando en un concurso de Corán en la escuela.

En su gesto aparentemente simple, Wadjda encapsula una revolución. El primer largometraje filmado íntegramente en Arabia Saudita por una directora, Haifaa al-Mansour, utiliza el deseo de una niña por un objeto común como una poderosa metáfora de la lucha por la libertad y la autodeterminación femenina en una de las sociedades más conservadoras del mundo.

Osaka Elegy

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Drama, de Kenji Mizoguchi, Japón, 1936.
Ayako Murai es una operadora telefónica para la compañía farmacéutica Asai, en la ciudad de Osaka en 1930. Para pagar las deudas de su padre, desempleado y amenazado con arresto por no devolver un préstamo, acepta convertirse en la amante de su empleador. Después de pagar las deudas de su padre, su relación con el señor Asai se interrumpe debido a los celos de la esposa de este, Sonosuke, quien prohíbe categóricamente a su marido volver a verla con su amante. Sin embargo, Ayako, en un intento por ayudar a pagar la matrícula universitaria de su hermano Hiroshi, continúa siendo la amante que mantenía a costa de otro admirador firme, el señor Fujino.

Película sobre la condición de la mujer, como gran parte de la filmografía de Mizoguchi. La protagonista es víctima de una sociedad patriarcal y machista donde el dinero es el valor dominante. Película magistral por la descripción realista de la ciudad de Osaka, lírica y lúcida en su crítica social. Mizoguchi, refiriéndose a esta película, dijo: "Solo cuando tuve cuarenta años encontré mi camino". La sencillez de la historia y del estilo es ejemplar en Osaka Elegy. La película fue prohibida después de 1940 por los militaristas, es una obra maestra sin igual del realismo cinematográfico.

IDIOMA: japonés
SUBTÍTULOS: inglés, español, francés, alemán, portugués

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Fish Tank (2009)

Mia, una adolescente de quince años temperamental y aislada, vive en un conjunto habitacional en Essex con su madre soltera y su hermana menor. Expulsada de la escuela y alejada de sus antiguos amigos, su única pasión y escape es el baile hip-hop, que practica sola en un apartamento vacío. Su vida monótona y confrontacional se trastorna con la llegada de Connor, el nuevo y encantador novio de su madre, quien parece ser la primera persona en notarla y alentar su talento.

El cine de Andrea Arnold se caracteriza por un realismo crudo y una profunda empatía hacia sus personajes, especialmente las jóvenes que viven en los márgenes. Fish Tank es un retrato poderoso y sin filtros de una adolescencia difícil, una inmersión en un mundo de oportunidades limitadas y afectos disfuncionales.

Persépolis (2007)

A través de una animación estilizada y poderosa en blanco y negro, Marjane Satrapi narra su infancia y adolescencia en Irán durante y después de la Revolución Islámica. Criada en una familia progresista, la joven y rebelde Marji presencia la caída del Sha, el ascenso del régimen de los ayatolás y la guerra con Irak. Enviada a Europa para su seguridad, enfrenta una nueva forma de alienación antes de regresar a una patria que ya no reconoce.

Persépolis es una historia de madurez que es a la vez profundamente política e intensamente personal. La historia de Marjane es la de una mujer que lucha por su identidad y libertad en un mundo que constantemente busca definirla y reprimirla. El velo, impuesto por el nuevo régimen, se convierte en el símbolo más poderoso de esta opresión, un intento de borrar la individualidad y la voz de las mujeres.

Kill Bill: Vol. 1 (2003)

Una mujer, conocida solo como «la Novia», despierta de un coma de cuatro años. Exmiembro de un escuadrón de asesinato élite, fue traicionada y dada por muerta en el día de su boda por su jefe y amante, Bill. Ahora, impulsada por una sed implacable de venganza, comienza un camino sangriento para eliminar, uno por uno, a todos los responsables de la masacre.

Si Ripley representa la fuerza de la supervivencia, la Novia de Quentin Tarantino encarna la fuerza de la venganza. Kill Bill es una obra posmoderna que bebe mucho del cine de género, pero su corazón palpitante es una de las representaciones más puras de la furia femenina jamás llevadas a la pantalla. La violencia no es solo una herramienta, sino un lenguaje, el único posible para expresar un dolor y una traición tan abarcadores.

La profesora de piano (2001)

Erika Kohut es una respetada profesora de piano en el Conservatorio de Viena. Durante el día, es una figura austera e inflexible, pero su vida privada es un abismo de represión psicológica y perversiones sexuales, dominada por una madre posesiva y asfixiante. La llegada de un joven y talentoso estudiante, Walter, que se enamora de ella, desata sus fantasías sadomasoquistas, arrastrándolos a ambos a un juego peligroso y destructivo.

El cine de Michael Haneke es implacable, una disección clínica de las patologías de la sociedad burguesa. La profesora de piano es quizás su obra más perturbadora y radical, una exploración sin concesiones de la represión femenina y sus devastadoras consecuencias. La actuación de Isabelle Huppert es escalofriantemente precisa, un retrato de una mujer cuya inteligencia y sensibilidad artística han sido retorcidas en un arma de autodestrucción.

Erin Brockovich (2000)

Erin Brockovich, madre soltera desempleada y divorciada dos veces, tras perder una demanda por un accidente automovilístico, convence tenazmente a su abogado para que le dé un trabajo como archivera. Mientras investiga un caso inmobiliario, descubre una contaminación masiva de aguas subterráneas por parte de una gran corporación, Pacific Gas & Electric, que está causando graves enfermedades entre los habitantes de un pequeño pueblo.

La fuerza de Erin Brockovich no radica en su capacidad física ni en gestos heroicos, sino en su determinación, empatía y negativa a conformarse. En un mundo, el legal, dominado por hombres de traje que la juzgan por su ropa provocativa y maneras directas, Erin representa una forma radicalmente diferente de poder femenino. No intenta imitar a los hombres para ser aceptada; al contrario, utiliza su identidad como mujer de clase trabajadora, su franqueza e incluso su sensualidad como armas.

Early Summer

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Drama, de Yasujirō Ozu, Japón, 1951.
Noriko, una secretaria de Tokio, reside en Kamakura con su familia junto con sus padres Shūkichi y Shige, su hermano mayor Kōichi, un médico, su esposa Fumiko y sus dos hijos Minoru e Isamu. Los amigos de Noriko están divididos en dos grupos, casados y solteros, que constantemente se molestan entre sí, siendo Aya Tamura su aliada cercana en el grupo de solteros. La familia de Noriko presiona a Noriko para que acepte el matrimonio propuesto por Satake, acordando que es hora de que se case y pensando que el matrimonio es perfecto para alguien de su edad. Cuando la madre de Yabe, Tami, le pide impulsivamente a Noriko que se case con Yabe y los acompañe en su mudanza al norte, Noriko acepta su propuesta. La familia acepta la decisión de Noriko con resignación y, antes de que ella se vaya, se toman una foto juntos. Hermoso drama sobre la unidad familiar que forma parte de la trilogía temática de Ozu llamada La Trilogía Noriko: Primavera tardía, Tiempo de la cosecha del trigo y Viaje a Tokio, todas protagonizadas por Setsuko Hara como un personaje llamado Noriko, sobre el tema de la familia al borde de un gran cambio.

Para reflexionar
El amor nunca sospecha, nunca es celoso. El amor nunca interfiere en la libertad del otro. El amor nunca impone nada al otro. El amor da libertad, y la libertad solo puede existir si hay espacio. El amor debe ser un regalo dado y recibido en libertad, pero no debe haber reclamos. Si puedes tener libertad y amor al mismo tiempo, no necesitarás nada más. Lo habrás obtenido todo, todo por lo que vives te habrá sido dado.

IDIOMA: japonés
SUBTÍTULOS: inglés, español, francés, alemán, portugués

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Pan y tulipanes (2000)

Rosalba, ama de casa de Pescara, es olvidada en una parada de descanso en la autopista durante un viaje familiar. En lugar de esperar a que su esposo y sus hijos regresen por ella, en un acto impulsivo de rebeldía, decide hacer autostop y se encuentra en Venecia. Allí comienza una nueva vida, encontrando trabajo en una floristería, alojándose con un melancólico camarero islandés y formando un nuevo círculo de amigos excéntricos. Su escape se transforma en un viaje de autodescubrimiento.

La película de Silvio Soldini es una comedia delicada y poética, una fábula moderna sobre la posibilidad de reinventarse. Pan y tulipanes narra una revolución silenciosa, la de una mujer que durante años ha sido invisible para su familia, dada por sentada, reducida al papel de esposa y madre. El incidente en la parada de descanso es la chispa que le permite verse a sí misma como individuo nuevamente.

Orlando (1992)

La historia comienza en la Inglaterra isabelina con el joven noble Orlando, a quien la Reina ordena que nunca envejezca. Milagrosamente, Orlando vive cuatro siglos de historia, experimentando aventuras, amores y desilusiones. A mitad de su viaje, durante una misión diplomática en Constantinopla, despierta transformado en mujer. Continuará viviendo a través de las épocas, experimentando las diferentes restricciones y expectativas impuestas a ambos sexos.

La adaptación de Sally Potter de la novela de Virginia Woolf es una exploración visualmente suntuosa e intelectualmente audaz de la identidad de género y su fluidez. Orlando es una película radical que desmonta la idea de que el género es una característica biológica fija, presentándolo en cambio como una construcción social, una actuación que cambia con las costumbres y épocas cambiantes.

Thelma & Louise (1991)

Thelma, una ama de casa ingenua y sumisa, y Louise, una camarera desencantada y pragmática, parten para un fin de semana de vacaciones para escapar de su rutina. Un evento traumático en un bar convierte su breve escapada en una huida desesperada a través de América, perseguidas por la ley pero animadas por un nuevo y embriagador sentido de libertad. Su viaje se convierte en una épica de autodeterminación y amistad inquebrantable.

Pocas películas han marcado un punto de inflexión cultural como la obra maestra de Ridley Scott. Thelma & Louise es más que una película de carretera; es un manifiesto. Su poder radica en ser una narrativa intrínsecamente reactiva de liberación. Toda la historia es una huida de algo: del esposo opresivo de Thelma, del trauma pasado de Louise, de una sociedad que primero las ignora y luego las condena. Su libertad no nace en el vacío sino que se define en directa oposición a un mundo patriarcal que las quiere pasivas y silenciosas.

Alien (1979)

La tripulación de la nave espacial Nostromo, despertada de la hibernación para responder a una señal de socorro desde un planeta desconocido, se encuentra con una letal forma de vida alienígena. A medida que la criatura comienza a eliminarlos uno por uno, la oficial Ellen Ripley emerge como la única capaz de enfrentar la amenaza, luchando por su propia supervivencia en una pesadilla claustrofóbica en el espacio profundo.

Ellen Ripley no es solo una «mujer fuerte»; es un personaje que reescribió las reglas de la representación femenina en la ciencia ficción y el cine de acción. Su génesis es emblemática: el papel fue concebido originalmente para un hombre. Esta circunstancia fortuita permitió la creación de una protagonista definida no por su género, sino por su competencia, pragmatismo e inteligencia. Ripley no está para ser el interés amoroso de alguien ni la damisela en apuros. Es una profesional haciendo su trabajo.

Una mujer bajo la influencia (1974)

Mabel es una esposa y madre amorosa, pero su comportamiento excéntrico y su creciente inestabilidad emocional ponen a prueba la paciencia de su esposo Nick, un obrero de la construcción, y crean turbulencias en su familia. Incapaz de ajustarse a las expectativas sociales de una «buena esposa», Mabel es considerada «loca» y recluida en una institución. Su regreso al hogar revelará todas las grietas en un sistema familiar y social incapaz de manejar su singularidad.

La obra maestra de John Cassavetes es una inmersión cruda y sin filtros en la psique de una mujer que no encaja en el mundo. La actuación de Gena Rowlands es monumental, un retrato desgarrador de una fragilidad que se confunde con locura. La fuerza de Mabel no reside en su capacidad de resistencia, sino en su búsqueda desesperada y auténtica de amor y conexión, en un entorno que responde solo con confusión y miedo.

The Naked Kiss

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Drama, Noir, por Samuel Fuller, 1964, Estados Unidos.
Kelly es una prostituta que llega en autobús al pequeño pueblo de Grantville, después de alejarse de la gran ciudad para escapar de su antiguo protector. Conoce al capitán de policía local, Griff, quien la hospeda en su apartamento, pero luego le invita a abandonar el pueblo. Kelly, por otro lado, quiere abandonar su vida anterior y convertirse en enfermera en un hospital para niños discapacitados. Griff piensa que es oportunismo, no confía en ella y sigue intentando enviarla fuera del pueblo. Kelly se enamora de Grant, el rico heredero de la familia más importante de la ciudad, amigo de su amigo Griff. Después de un cortejo extraordinario en el que ni siquiera el relato de Kelly sobre su oscuro pasado puede desanimar a Grant, ambos deciden casarse. Kelly logra convencer a Griff de que realmente ama a Grant y ha abandonado la prostitución de forma permanente, y su amigo acepta ser su padrino.

Para reflexionar
A veces elegimos cambiar nuestras vidas porque nuestra existencia ya no nos satisface, y optamos por perseguir algo que nos guste o que haga nuestros días más fáciles. Pero después de hacer el cambio nos damos cuenta de que surgen nuevos conflictos y problemas diferentes. A menudo, el mejor cambio no es lo que más te gusta, sino la elección de un nuevo estilo de vida apoyado en valores reales. Un cambio ético de vida. Habrá nuevos problemas, nuevas dificultades, pero la satisfacción será inmediata.

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Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Durante tres días, observamos la vida meticulosamente ordenada de Jeanne Dielman, una viuda belga de mediana edad. Su existencia es un ritual de tareas domésticas: prepara comidas, hace la cama, pule los zapatos de su hijo, con una precisión casi mecánica. Para mantenerse, recibe a un cliente diferente cada tarde para un encuentro sexual. Pero poco a poco, pequeñas grietas comienzan a aparecer en su rutina perfecta, conduciendo a una implosión tan inevitable como impactante.

La obra magna de Chantal Akerman es un hito del cine feminista, una película que cambió la forma en que se representan el tiempo, el trabajo y la opresión femenina. Su poder no radica en la acción o el diálogo, sino en lo que se calla y en lo que se muestra con una paciencia casi insoportable. Akerman eleva el trabajo doméstico, usualmente invisible y dado por sentado, a un evento cinematográfico central.

Cléo de 5 a 7 (1962)

Cléo, una joven y hermosa cantante pop, deambula por las calles de París durante noventa minutos, de cinco a seis y media de la tarde en un día de verano, mientras espera los resultados de una biopsia que podría diagnosticarle cáncer. En ese tiempo, su percepción de sí misma y del mundo cambia radicalmente: su belleza, su fama y sus certezas superficiales se desmoronan ante el miedo a la muerte.

Agnès Varda, pionera de la Nouvelle Vague, crea una película existencialista de desconcertante modernidad. El viaje de Cléo es una transformación de objeto a sujeto. Al inicio del filme, ella está definida por la mirada de los demás: es una muñeca mimada, una belleza para admirar, una imagen reflejada en innumerables espejos. Su identidad es performativa, construida para el consumo ajeno. «Mientras sea hermosa, estoy viva», declara, atando su existencia a su apariencia.

Frida (2002)

La película traza la vida audaz y atormentada de la artista mexicana Frida Kahlo. Desde el accidente casi fatal que la marcó para siempre en cuerpo y arte, hasta su tumultuosa y apasionada relación con el muralista Diego Rivera. La narrativa entrelaza su arte surrealista, nacido del dolor, con sus creencias políticas comunistas, su sexualidad fluida y su lucha por establecerse como artista en un mundo dominado por hombres.

Frida de Julie Taymor es una biografía cinematográfica que logra capturar la esencia vibrante y revolucionaria de su protagonista. La película no se limita a relatar la vida de Frida Kahlo, sino que busca adentrarse en su imaginación, dando vida a sus pinturas mediante secuencias visualmente poderosas que mezclan realidad y surrealismo. Su arte no es un mero accesorio, sino el lenguaje a través del cual expresa su dolor físico, su pasión y su cosmovisión.

13 Fantasmas (1960)

El ocultista Dr. Plato Zorba le regala a su pobre sobrino Cyrus una gran casa. Junto con su esposa Hilda, su hija adolescente Medea y el niño menor Buck, Cyrus es informado de que la casa está encantada por los fantasmas que el Dr. Zorba ha traído de todo el mundo. El testamento especifica que la familia debe permanecer en la casa y no puede venderla. Los miembros de la familia se sorprenden al descubrir que la casa está realmente encantada por 12 fantasmas. La propiedad también cuenta con la temible cuidadora Elaine y una sorpresa: una gran cantidad de dinero escondida en algún lugar del edificio.

Similar a muchas de sus producciones más populares, el productor William Castle utilizó un truco para promocionar 13 Fantasmas: la capacidad de ver fantasmas en 3D. En los cines, muchas escenas permanecían en blanco y negro, pero las escenas con fantasmas se mostraban con un efecto llamado «Illusion-O». Los componentes del cuadro con los personajes y los decorados, aparte de los fantasmas, tenían un filtro azul, mientras que los fantasmas tenían un filtro rojo y se superponían en el cuadro. El público veía con gafas con filtros rojo y azul. A diferencia de las primeras gafas 3D con un ojo rojo y el otro cian o azul, Illusion-O tenía un solo color para ambos ojos.

Festival in Cannes

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Comedia sentimental, de Henry Jaglom, Estados Unidos, 2001.
Cannes, 1999. Alice, una actriz, quiere dirigir una película independiente y está buscando financiamiento. Conoce a Kaz, un empresario hablador, que le promete 3 millones de dólares si usa a Millie, una estrella francesa que ha pasado su juventud y ya no encuentra papeles interesantes. Alice le cuenta la historia de la película a Millie y la actriz se enamora del proyecto. Pero Rick, un productor destacado que trabaja para un gran estudio de Hollywood, necesita a Millie para un pequeño papel en una película que se rodará en otoño, o de lo contrario perderá a su estrella, Tom Hanks. ¿Es Kaz un productor real o un charlatán? Rick en realidad no es tan rico como solía ser y tiene que convencer a Alice de que renuncie a Millie para cerrar el gran acuerdo del proyecto con Tom Hanks. Millie está indecisa sobre qué elegir: ¿una película independiente que ama pero sin mucho dinero o un pequeño papel en la película de Hollywood que paga muy bien? Mientras tanto, una joven actriz llamada Blue se convierte en la estrella del festival y Kaz descubre un nuevo amor. La rueda de la vida, y del mundo del espectáculo, gira entre sentimientos, presupuestos existenciales y negocios cinematográficos. Una película rodada con gran libertad estilística, como un documental, durante la edición de 1999 del festival, que se centra en las actuaciones de los actores con un método espontáneo y fluido de improvisación, inspirado en el cine de Cassavetes. Una comedia sentimental ligera y conmovedora, donde los conflictos y las fragilidades de las estrellas del espectáculo emergen gradualmente, sacando a la superficie los temas importantes de la vida.

Para reflexionar
¿Trabajar como una pieza más en un sistema o por tu propia visión? ¿Dependencia o independencia? Ninguna de las dos es completamente real: la realidad que sucede en todas partes, en cualquier industria, en cualquier evento natural, es la interdependencia. Todos somos absolutamente interdependientes, no solo entre humanos, no solo entre naciones, sino entre árboles y humanos, entre animales y árboles, entre aves y sol, entre luna y océanos, todo está entrelazado con todo lo demás. La humanidad del pasado no entendió esta ley fundamental y creó grandes problemas.

IDIOMA: Inglés
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Dementia

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Terror, noir, por John Parker, Estados Unidos, 1955.
Es de noche. Una mujer se despierta de repente de una pesadilla en un hotel de mala muerte en los suburbios de Los Ángeles. Sale de la habitación y deambula por el vecindario. Se encuentra con un enano que vende periódicos con el titular "Apunalamiento misterioso". En un callejón oscuro, un borracho la acosa y un policía la rescata. Luego conoce a un hombre elegantemente vestido con un delgado bigote. El hombre le da una flor y la convence para que suba a la limusina con un hombre rico y gordo. Mientras conducen por la ciudad, el hombre recuerda su trauma infantil y al padre violento que lo apuñaló con un cuchillo después de que él disparara a su madre infiel. El hombre rico la lleva a divertirse a varios clubes nocturnos y luego a su apartamento. Primero ignora a la mujer mientras ella se atiborra con una gran comida. Ella lo seduce y él se acerca a ella emocionado.

Una pesadilla visionaria y alucinatoria, sin diálogo, durante una noche de una mujer solitaria en Los Ángeles. Entre el horror, el cine noir y el cine expresionista, inicialmente concebida como un cortometraje por Parker basado en un sueño que le contó su secretaria, Barrett, quien también se convirtió en la intérprete del film. La película fue bloqueada por la Junta de Cine del Estado de Nueva York antes de ser estrenada en cines en 1955. Más tarde Jack H. Harris la compró y creó una nueva versión, con un montaje diferente, añadiendo también una voz en off y cambiando el título. Esta es la versión original.

Sin diálogo

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Carnival of souls

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Terror, por Herk Harvey, Estados Unidos, 1962.
Mary Henry sale ilesa de un accidente automovilístico que mató a sus dos acompañantes, y se embarca en una extraña aventura en Salt Lake City, donde se siente atraída por un pabellón deteriorado junto al lago y perseguida por una figura fantasmal (interpretada por el mismo director). Una obra maestra de terror de bajo presupuesto (30,000 dólares) que pasó desapercibida en el momento de su estreno, se ha convertido en una película de culto en Estados Unidos desde finales de los años 80. Sonidos e imágenes que han inspirado a directores como George Romero y David Lynch (el hombre enmascarado de "Lost Roads").

IDIOMA: inglés
SUBTÍTULOS: italiano

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