Films italiens que vous devez absolument voir

L’Italie est le décor cinématographique par excellence. Un plateau capable d’évoquer l’histoire, la beauté et le drame. L’imaginaire collectif est marqué par des œuvres immortelles : le Néoréalisme de Bicycle Thieves, La Dolce Vita de Fellini, ou la puissance émotionnelle de La vie est belle. Ces chefs-d’œuvre ont défini le cinéma mondial, créant un mythe universel.

Mais ce n’est qu’une partie de l’histoire. Au-delà des plateaux de Cinecittà, existe une Italie plus complexe et contradictoire. C’est un cinéma né d’une urgence expressive, d’un besoin de raconter des histoires que le marché considère trop risquées ou de niche. C’est le véritable laboratoire créatif du septième art en Italie, où naissent de nouveaux langages et où s’expérimentent des formes narratives audacieuses.

Ce n’est pas une simple liste, mais une géographie alternative du pays. C’est un chemin qui unit les piliers fondamentaux, des films les plus célèbres aux œuvres indépendantes les plus courageuses. Un territoire fait de bidonvilles romains livides, de paysages industriels aliénants et de campagnes magiques. C’est une Italie « belle et perdue », capturée uniquement par la vision obstinée de ces auteurs.

Le premier mouvement cinématographique d’avant-garde européen, le futurisme italien, a eu lieu à la fin des années 10. Après une période de contraction dans les années 1920, le cinéma italien a retrouvé de la vigueur dans les années 1930 avec l’arrivée du cinéma sonore. Un genre italien important durant cette période, les Telefoni Bianchi, incluait le genre de la comédie des dieux. Alors que le gouvernement fasciste italien apportait un soutien financier à la production de nouveaux films italiens, et construisait également les studios de Cinecittà, les plus grands d’Europe, il participait aussi à la censure, et de nombreux films italiens réalisés à la fin des années 1930 étaient des films de propagande. 

Une période complètement nouvelle s’est produite à la fin de la Seconde Guerre mondiale avec la naissance des films néoréalistes italiens, qui ont rencontré un large succès dans le monde entier tout au long de la période d’après-guerre, et qui ont fait connaître les films italiens de grands réalisateurs tels que Luchino Visconti, Roberto Rossellini et Vittorio De Sica. Le néoréalisme a décliné à la fin des années 1950 au profit de films plus légers, comme ceux de la comédie italienne et d’importants réalisateurs italiens tels que Federico Fellini et Michelangelo Antonioni. Des actrices telles que Sophia Loren, Giulietta Masina et Gina Lollobrigida ont acquis une renommée mondiale durant cette période.

Au milieu des années 1960, les films italiens de la Trilogie du Dollar de Sergio Leone, avec des bandes originales remarquables de Ennio Morricone, sont devenus des symboles de la culture pop du genre western. Des films de genre, tels que les thrillers italiens ou les mystères, qui ont influencé la catégorie horreur et thriller dans le monde entier dans les années 1970.

Les Huit Montagnes (2022)

Pietro est un citadin, Bruno est le dernier enfant d’un village de montagne oublié. Leurs étés passés au pied du Monte Rosa donnent naissance à une amitié profonde et indissoluble. Mais tandis que Pietro parcourra le monde, Bruno restera fidèle à sa montagne. Leurs vies prendront des chemins différents, mais un lien invisible les ramènera toujours là-bas, à cet endroit qui fut le berceau de leur amitié et le reflet de leurs âmes.

Adapté du roman de Paolo Cognetti, le film des réalisateurs belges Felix Van Groeningen et Charlotte Vandermeersch est une méditation poignante et majestueuse sur l’amitié, la relation père-fils, et notre place dans le monde. Récompensé par le Prix du Jury à Cannes, Les Huit Montagnes est une œuvre à portée universelle, qui utilise la montagne comme métaphore de la vie : il y a ceux qui, comme Pietro, ont besoin d’explorer les huit montagnes du monde, et ceux qui, comme Bruno, se contentent d’atteindre le sommet de la plus haute, leur Sumeru.

La réalisation saisit la beauté imposante et la rudesse de la nature avec un format presque carré (4:3) qui accentue la verticalité des montagnes. Alessandro Borghi et Luca Marinelli, en parfaite harmonie, donnent vie à une amitié masculine racontée avec une rare délicatesse et profondeur. C’est un film qui émeut et fait réfléchir, une épopée intime qui nous rappelle l’importance des racines et des liens qui nous définissent.

Katabasis

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Drame, Mystère, par Samantha Casella, Italie, 2025.
« Katabasis » est un voyage dans le monde souterrain. Nora a vécu ce royaume obscur enfant, lorsqu'elle a subi des abus. Cela l'a marquée, la façonnant en une femme ambiguë et manipulatrice, dangereuse dans son insondable mystère, cherchant constamment des situations troublantes pour revivre la seule condition qu'elle a profondément intériorisée : la douleur. Et l'histoire d'amour entre Nora et Aron est tourmentée, strictement secrète. Aron est un jeune orphelin opprimé par le système des stars qui, orchestré par Jacob, un manager cynique, en a fait une star et lui impose une autre façade de vie. En fait, seules les personnes gravitant autour de la maison-prison où vit le couple connaissent l'existence de Nora. Cette majestueuse villa est le théâtre de secrets, mensonges, tromperies, ainsi que d'épisodes troublants, puisque Nora est capable de communiquer avec les âmes de l'au-delà.

Biographie de la réalisatrice – Samantha Casella
Samantha Casella a étudié divers aspects du cinéma, notamment l'écriture de scénarios, la réalisation, la cinématographie et le jeu d'acteur, à Turin, Florence, Rome et Los Angeles. Sa thèse de réalisation, le court métrage « Juliette », a remporté 19 prix, dont le « European Massimo Troisi Award ». Elle a poursuivi son parcours en réalisant des courts métrages surréalistes tels que « Silenzio Interrotto », « Memoria all'Isola dei Morti » et « Agape ». En 2019, elle a réalisé « I Am Banksy ». Au charismatique TCL Chinese Theater de Los Angeles, lors du Golden State Film Festival, elle a remporté le prix du Meilleur Court Métrage International. En 2020, elle a réalisé le court métrage « A un Dio Sconosciuto ». « Santa Guerra » est son premier long métrage.

LANGUE : Italien
SOUS-TITRES : Anglais, Espagnol, Français, Allemand, Portugais

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Piranhas (2019)

Naples, Rione Sanità. Nicola et ses amis sont un groupe d’adolescents de quinze ans qui passent leurs journées en scooter, à jouer aux jeux vidéo et à vivre leurs premiers amours. Lassés de subir les abus des clans locaux et de voir leurs familles payer la protection, ils décident de prendre les choses en main. Ils se procurent des armes et forment leur propre « paranza », un groupe criminel d’adolescents, pour conquérir le contrôle du quartier. Mais le jeu va bientôt se transformer en une spirale de violence sans retour.

Adapté du roman éponyme de Roberto Saviano, le film de Claudio Giovannesi est un portrait lucide et glaçant de la « génération Gomorra ». À la différence des parrains expérimentés, les protagonistes de Piranhas sont des adolescents qui poursuivent les mythes du consumérisme – vêtements de marque, tables dans les clubs à la mode, argent facile – à travers le langage du crime. Leur rébellion se transforme en une imitation tragique du pouvoir qu’ils souhaitent combattre.

Giovannesi adopte un style réaliste et immersif, suivant les garçons avec une caméra portée à l’épaule qui capte leur énergie, leur naïveté et leur imprudence effrayante. Le film ne juge pas, mais observe avec empathie le processus de corruption de l’innocence, montrant comment le désir universel d’appartenance et de rédemption peut être détourné vers un chemin d’autodestruction. Récompensé du Prix du Meilleur Scénario à Berlin, c’est une œuvre nécessaire pour comprendre le présent.

Dogman (2018)

Dans une banlieue désolée sur la côte du Latium, Marcello tient un salon de toilettage pour chiens, « Dogman ». C’est un homme doux, aimé de tous dans le quartier, qui essaie de joindre les deux bouts par amour pour sa fille. Sa vie tranquille est cependant troublée par sa relation avec Simoncino, un ancien boxeur violent et accro à la cocaïne qui terrorise la communauté. Subjugué et humilié, Marcello subira une injustice qui le poussera à planifier une vengeance terrible et inattendue.

S’inspirant librement de l’une des affaires criminelles italiennes les plus odieuses, le crime du Canaro della Magliana, Matteo Garrone crée une œuvre universelle sur l’oppression et la lutte pour la dignité. Dogman est un western urbain, une parabole morale située dans un monde abandonné par Dieu et la loi, où seule prévaut la loi du plus fort. Le paysage spectral de Villaggio Coppola, le même que dans The Embalmer, devient le théâtre d’un affrontement archétypal entre David et Goliath.

Marcello Fonte, récompensé du Prix du Meilleur Acteur à Cannes, offre une performance inoubliable, incarnant la fragilité et la bonté d’un homme ordinaire poussé à ses limites. Son humanité, exprimée dans son amour pour les chiens et sa fille, s’oppose à la violence bestiale de Simoncino. La mise en scène de Garrone est essentielle et puissante, capable de créer une tension presque insoutenable et d’explorer, sans aucun jugement moral, la fine ligne qui sépare la victime de l’exécuteur.

The Lost Poet

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Drame, par Fabio Del Greco, Italie, 2024.
Dante Mezzadri veut revoir un vieil ami, surnommé l'Iguane, qu'il a perdu de vue depuis de nombreuses années, et qui a réussi à transformer leur passion commune de jeunesse pour la poésie en métier, devenant un écrivain et poète célèbre. L'homme s'évade de sa vie bourgeoise et de sa femme pour vivre sans domicile sur la côte romaine, imprimant et essayant de vendre ses recueils de poésie. La nuit, il dort dans un parc de vieux chars de carnaval, à l'intérieur d'un char en papier mâché en forme de tank, et attend l'occasion de rencontrer son vieil ami, qui cependant ne se présente jamais aux rendez-vous dans les lieux qu'ils fréquentaient jeunes, désormais en ruines. Les livres de poésie de Dante n'intéressent personne et pour subvenir à ses besoins, il est contraint de "changer de produit" : il commence à vendre la fameuse "pilule cannibale" pour le compte de jeunes dealers, une nouvelle drogue qui se vend comme des petits pains et provoque une extase sensorielle et consumériste. Cependant, il se rend compte que cette drogue puissante est très dangereuse pour ceux qui la prennent, il entre en conflit avec sa conscience éthique et jette toutes les pilules à la mer. Pourtant, les dealers veulent récupérer leur argent.

Tourné sur une période de 2 ans, le film est une réflexion sur les ruines culturelles et artistiques de la société dans laquelle vit le protagoniste, dans un monde de plus en plus mécanisé, consumériste et aride. Dante Mezzadri est un être humain de plus qui a renoncé à son inspiration et à sa créativité, mais contrairement à beaucoup, il n'est pas prêt à donner sa vie à un système qui l'éloigne de sa véritable identité. Le monde physique qui l'entoure semble cependant construit de telle sorte qu'il paraît impossible de s'échapper de cette "cage invisible". L'enthousiasme des gens qu'il rencontre ne s'enflamme que par la gratification sensorielle, par des visions irréelles d'affirmation personnelle et de succès, par des "métavers" qui offrent une échappatoire dans une réalité illusoire et destructrice. La maison du poète sur la

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Suspiria (2018)

Plus de quatre décennies après sa sortie initiale, le classique emblématique de l’horreur de Dario Argento a été réimaginé dans un remake captivant réalisé par le renommé Luca Guadagnino. Cette version moderne, comme son prédécesseur, se déroule dans les murs inquiétants d’une mystérieuse académie de danse. Là, le récit troublant se déploie à travers une série de meurtres brutaux ciblant des femmes. Le personnage central du film est interprété avec une intensité remarquable par Dakota Johnson, soutenue par un casting exceptionnel comprenant Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Tilda Swinton et Sylvie Testud. Ces acteurs talentueux insufflent vie aux figures sinistres et autoritaires qui dirigent l’académie d’une main de fer, dissimulant des dangers cachés sous leurs façades sévères.

Suspiria est l’un des films d’horreur les plus attendus de 2018, captivant le public avec une approche narrative fraîche qui le distingue nettement de la création originale d’Argento. Sous la direction habile de Guadagnino, ce film transcende les limites habituelles de l’horreur surnaturelle, créant plutôt un chef-d’œuvre cinématographique qui plonge dans les profondeurs de la psyché humaine. Le langage cinématographique expansif du réalisateur transforme ce récit glaçant en un hommage artistique au genre de l’horreur, s’inspirant tout en élargissant ses éléments traditionnels. Le résultat n’est pas simplement un film, mais une œuvre extraordinaire de cinéma d’art et d’essai qui s’impose parmi les meilleures productions des deux dernières décennies dans le paysage du genre horreur.

A Ciambra (2017)

À Gioia Tauro, en Calabre, vit la Ciambra, une communauté romani sédentarisée. Pio Amato est un garçon de quatorze ans qui veut grandir vite. Il fume, boit et suit son frère aîné Cosimo comme une ombre, apprenant les ficelles du métier : petits vols et escroqueries. Son monde est un équilibre complexe entre sa famille, les Italiens locaux et les migrants africains. Lorsque Cosimo est arrêté, il est temps pour Pio de prouver qu’il est un homme.

Jonas Carpignano, un réalisateur italo-américain, s’immerge complètement dans la réalité qu’il dépeint, créant une œuvre d’une authenticité saisissante. Deuxième volet de sa trilogie sur Gioia Tauro, A Ciambra est un film qui brouille les frontières entre fiction et documentaire. Le réalisateur travaille avec la véritable famille Amato, qui joue son propre rôle, construisant un récit directement issu de leurs vies. La caméra, à l’épaule et nerveuse, suit Pio, nous entraînant dans son univers avec une physicalité et une immédiateté rares.

Le film est une puissante histoire d’apprentissage dans un contexte de marginalisation sociale, mais il évite tous les clichés. Carpignano ne juge pas ses personnages, mais les observe avec empathie, montrant la complexité de leurs liens, leurs codes d’honneur et leur lutte pour la survie. C’est un cinéma immersif qui nous transporte dans un lieu précis pour raconter une histoire universelle sur la famille, l’amitié et les choix difficiles qui marquent le passage à l’âge adulte.

Apennines

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Documentaire, par Emiliano Dante, Italie, 2017.
Appennino est un journal cinématographique qui commence par la lente reconstruction de L'Aquila, la ville du réalisateur, en Italie, et se poursuit avec les tremblements de terre dans les Apennins centraux de 2016-17, jusqu'au très long et épuisant asile des nouvelles victimes du tremblement de terre à S. Benedetto del Tronto. Une histoire intime et ironique, lyrique et géométrique, où la question de vivre dans une zone sismique devient l'outil pour réfléchir au sens même de faire un cinéma de la réalité.

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L’Intrus (2017)

Giovanna dirige « La Masseria », un centre de loisirs pour enfants dans un quartier difficile de Naples, une oasis de légalité et d’espoir arrachée à la dégradation. L’équilibre précaire de sa communauté est menacé lorsque Maria, la jeune épouse d’un chef de la Camorra récemment arrêté, cherche refuge au centre avec ses deux enfants. Sa présence déclenche peur et colère parmi les autres parents, contraignant Giovanna à un choix impossible entre accueil et sécurité.

Leonardo Di Costanzo, issu du documentaire, crée une œuvre d’une finesse psychologique et d’une rigueur morale extraordinaires. L’Intrus n’est pas un film sur la Camorra, mais sur ceux qui sont contraints de vivre sous son ombre, sur les dynamiques complexes d’une communauté tentant de construire une alternative. Le film se déroule presque entièrement dans les murs du centre, un espace clos qui devient le théâtre d’un dilemme éthique universel.

La mise en scène est minimaliste et observationnelle, attentive aux gestes, regards et tensions non dites. Di Costanzo n’offre pas de solutions faciles, mais explore les zones grises de la solidarité, de la peur et de la responsabilité. C’est un cinéma civique au sens le plus noble du terme, qui interroge les fondements de la coexistence et la difficulté de tracer une ligne claire entre le bien et le mal dans un contexte où chaque choix a des conséquences imprévisibles.

Abacuc (2015)

Un film expérimental qui défie le spectateur par des innovations qui parviennent réellement à trouver de nouveaux éléments dans le langage cinématographique, ce qui est désormais très rare de nos jours. Le film raconte le quotidien d’un personnage surréaliste qui ne s’oublie pas facilement, Abacuc, un homme condamné à errer dans une ville provinciale glacée du nord de l’Italie qui ressemble à un enfer figé et sans vie. Abacuc est un homme pesant près de 200 kilos, qui investit son temps dans un limbe loin de toute sensation, il se rend principalement au cimetière, aux parcs d’attractions de la Riviera de Romagne. Abacuc représente le besoin de l’art cinématographique de s’auto-éteindre et d’imploser en lui-même. L’œuvre du réalisateur Luca Ferri est très importante, car elle crée de nouveaux chemins pour le cinéma d’avant-garde, des chemins oubliés et ignorés par les critiques et le public mais qui sont les fondations du cinéma du futur.

Corona days

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Drame, par Fabio Del Greco, Italie, 2020.
Un homme reste seul à la maison en raison des mesures d'urgence liées au coronavirus. La solitude, le temps et l'espace deviennent ses adversaires, tandis que l'imagination, les souvenirs et le désir de liberté deviennent ses alliés. Le réalisateur Fabio Del Greco documente de manière intime et personnelle les jours d'isolement dus au coronavirus, filmant exclusivement des scènes en extérieur avec un smartphone. La chronique de ces jours particuliers sert de catalyseur à une réflexion sur la relativité du temps et de l'espace, et sur la manière dont la liberté peut transcender la réalité pour trouver sa place au sein de nos âmes.

À l'époque du coronavirus, un cinéaste authentique et instinctif comme Del Greco a récolté les fruits de son excentrique « cinédiaire » élaboré durant les semaines de quarantaine. Il a capturé de près sa propre solitude, et à distance sécurisée, celle de ses amis et proches. Surtout, il a saisi les rares « heures d'air » accordées par les autorités pour filmer dans un monde vidé de sa population et soumis à des contrôles policiers rigoureux. Le tout vu à travers l'objectif d'un auteur qui, comme à son habitude, se montre ludique, désabusé et subtilement ironique, même lorsqu'il intervient en tant qu'acteur. En poursuivant son exploration de la réalité, entre aperçus mélancoliques et éclats d'ironie, Fabio Del Greco transcende cette intention initiale et transforme son long métrage en un ensemble de poupées russes, où convergent diverses contributions audiovisuelles. Ces contributions, bien que chronologiquement disparates, sont toutes profondément stimulantes et chargées de sens. L'interaction entre présent et passé, habilement orchestrée même au montage, crée un court-circuit où le passé n'est pas simplement un almanach de souvenirs, mais une autre échappée dans le domaine de l'imagination. Alors qu'une critique socio-politique émerge, bien que légitime, le récit s'oriente progressivement vers un cadre existentiel plus large.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, français, allemand, portugais, espagnol

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Ne sois pas mauvais (2015)

Ostie, 1995. Vittorio et Cesare sont amis depuis toujours, « frères pour la vie ». Leurs journées se passent à dealer des drogues de synthèse, à se battre et à faire la fête en boîte. Ils vivent dans un monde marginal et violent où l’avenir semble ne pas exister. Lorsque Vittorio, après une expérience proche de la mort, décide de changer de vie et de trouver un travail honnête, il tente d’entraîner Cesare avec lui, mais sauver ce dernier de son démon autodestructeur sera une tâche presque impossible.

Le testament spirituel de Claudio Caligari, un réalisateur culte décédé peu après la fin du tournage, Ne sois pas mauvais est une œuvre puissante et désespérée, un coup au ventre qui clôt idéalement la trilogie sur la marginalité romaine commencée avec Amore tossico. Le film est un conte pasolinien, brut et lyrique à la fois, qui regarde ses personnages sans jugement, mais avec une humanité profonde et douloureuse.

La production même du film est un acte de cinéma indépendant, achevé grâce à la ténacité de l’acteur Valerio Mastandrea et d’une communauté cinématographique entière. Alessandro Borghi et Luca Marinelli, dans deux interprétations extraordinaires, donnent corps et âme à une génération perdue, piégée dans un présent sans issue. C’est un cinéma viscéral qui ne fait aucun compromis et qui nous restitue un morceau de réalité italienne avec une sincérité brutale et émouvante.

Vierge jurée (2015)

Pour échapper à un destin de soumission dans une société archaïque et patriarcale des montagnes albanaises, la jeune Hana fait appel à une loi ancienne, le Kanun. Elle jure de rester vierge pour toujours et devient un homme, Mark, obtenant les mêmes droits et libertés que les autres hommes. Des années plus tard, Mark s’installe en Italie pour vivre avec sa sœur et là, dans un monde complètement différent, commence un parcours difficile et douloureux pour redécouvrir son corps et sa féminité refoulée.

Le premier long métrage de Laura Bispuri est un film intense et délicat qui explore avec une grande sensibilité les thèmes de l’identité de genre, de la mémoire et de la liberté. L’histoire des « vierges jurées » albanaises devient une métaphore universelle pour la construction de l’identité et la possibilité de se réinventer. Le film oscille constamment entre deux temporalités et deux lieux : le passé dans les montagnes escarpées d’Albanie et le présent dans une ville italienne moderne, reflétant le conflit intérieur de la protagoniste.

Alba Rohrwacher offre une performance extraordinaire, toute jouée sur la soustraction et la physicalité. Son corps rigide et maladroit, ses gestes masculins et son regard perdu racontent, mieux que n’importe quel dialogue, la prison dans laquelle elle s’est enfermée. La mise en scène de Bispuri est intime et sensorielle, attentive aux détails et aux petites épiphanies qui jalonnent le parcours de Hana/Mark vers la reconquête de soi.

Âmes noires (2014)

Trois frères d’Africo, en Aspromonte, incarnent trois destins différents liés à la ‘Ndrangheta. Luigi est un trafiquant de drogue international qui vit entre Milan et Amsterdam. Rocco est un entrepreneur qui blanchit de l’argent sale, cherchant une respectabilité bourgeoise impossible. Luciano, l’aîné, est resté en Calabre, s’accrochant à une illusion de pureté pastorale. Un acte irréfléchi du jeune fils de Luciano ravivera une vieille querelle, entraînant tout le monde dans une spirale inévitable de violence.

Francesco Munzi crée une œuvre puissante et austère qui élève le film mafieux au rang de tragédie grecque. Loin de la spectaculaire Gomorra, Âmes noires est un film qui plonge dans les racines anthropologiques et psychologiques du crime, explorant le poids du sang, de la terre et d’un passé qui ne peut être effacé. Le paysage rude et archaïque de l’Aspromonte n’est pas qu’un décor, mais un personnage qui plane sur les destinées des hommes.

La mise en scène est rigoureuse, presque rituelle, attentive aux silences et aux gestes d’un monde régi par des codes anciens. Munzi évite les clichés du genre pour se concentrer sur le drame intérieur de ses personnages, sur leur lutte impossible pour échapper à un destin déjà écrit. C’est un film qui n’offre pas d’espoir, mais une compréhension lucide et terrible de la logique de la vengeance, un chef-d’œuvre de tension et de profondeur qui a laissé une marque indélébile dans le cinéma italien.

The Kempinsky Method

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Drame, de Federico Salsano, Italie 2020.
Le road movie imaginaire introspectif d’un homme dans le labyrinthe de son propre esprit, ses souvenirs de jeunesse, ses passions jamais endormies et ses vérités contradictoires. La route est faite d’eau, la destination est faussement inconnue. Ses compagnons de voyage sont trois hommes mystérieux, projections de son imagination et de différents aspects de sa personnalité : la mélancolie perpétuelle, le créatif fou, l’enfant introverti. Il est également suivi par une présence féminine qui raconte l’innombrable histoire humaine. À un certain moment de la traversée, il décide d’abandonner le bateau et ses fantômes en plongeant dans la mer et arrive en nageant sur une plage déserte, nu, avec une petite marionnette de Pinocchio fermée par un cadenas.

Dans ce film splendide, la vie est comme un long voyage en mer et l’être humain est une petite créature confrontée à l’immensité. Parfois l’océan est calme, d’autres fois il y a de terribles tempêtes. Parfois nous sommes capitaines d’un bateau avec une route bien définie, d’autres fois nous sommes naufragés à la recherche d’une terre où nous sauver. Mais malgré le long voyage et le mouvement dans l’espace physique, d’autres questions résonnent dans l’esprit : qui sont ces hommes avec qui je voyage ? Quel est le mystère de cette immense masse d’eau qui semble faite de mes souvenirs ? On peut faire le tour du monde entier mais la question principale reste toujours la même : qui suis-je vraiment ?

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La Grande Bellezza (2013)

Jep Gambardella est un journaliste de 65 ans, charmant et désabusé, roi des nuits mondaines d’une Rome décadente et magnifique. Après un unique roman à succès écrit dans sa jeunesse, il a gaspillé son talent dans une vie de fêtes, de bavardages et de cynisme. La nouvelle de la mort de son premier amour le force à faire face au passé, le poussant dans un voyage onirique à travers la ville, à la recherche d’un sens perdu et d’une « grande beauté » qui semble s’être évanouie.

Lauréat de l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, La Grande Bellezza est l’œuvre qui a établi Paolo Sorrentino dans le monde entier. Souvent comparé à La Dolce Vita de Fellini, le film est en réalité une œuvre profondément personnelle et contemporaine, un requiem pour un monde en décomposition et une méditation poignante sur le temps, la mémoire et la création artistique. La Rome de Sorrentino est une scène irréelle, un labyrinthe de terrasses somptueuses, de palais anciens et de ruines silencieuses, où le sacré et le profane se mêlent dans un carnaval mélancolique.

La mise en scène est un triomphe de virtuosité visuelle, une symphonie d’images opulentes qui capturent la beauté éphémère et le vide profond de la vie de Jep. Toni Servillo, une fois de plus, est sublime en donnant corps et voix à un personnage complexe, un esthète cynique qui cache une nostalgie incurable de l’innocence. C’est un film qui interroge le sens de l’art et de la vie à une époque qui semble avoir perdu toutes ses valeurs, un chef-d’œuvre qui a ramené le cinéma italien au centre de la scène internationale.

Sacro GRA (2013)

Loin du centre monumental de Rome, une autre ville palpite le long des bords du Grande Raccordo Anulare, l’autoroute qui ceinture la capitale. Ici, dans ce territoire invisible pour la plupart, vivent et travaillent des personnages extraordinaires : un botaniste qui étudie des palmiers infestés par un parasite, un pêcheur d’anguilles qui vit sur une péniche sur le Tibre, un noble décadent, un ambulancier qui assiste les victimes d’accidents de la route. Une mosaïque de vies aux confins de la métropole.

Premier et unique documentaire à remporter le Lion d’or au Festival de Venise, Sacro GRA est une œuvre qui redéfinit les frontières du cinéma de réalité. Gianfranco Rosi, avec son regard patient et curieux, s’immerge pendant des années dans ce monde submergé, trouvant l’épopée dans le quotidien et la poésie dans l’ordinaire. Le film n’a ni thèse à prouver ni histoire à raconter au sens traditionnel ; c’est plutôt une fresque humaine, un « mystère séculier » qui révèle l’humanité cachée dans des lieux apparemment anonymes.

La mise en scène de Rosi est précise et picturale. Chaque plan est soigneusement composé, transformant les paysages marginaux du Raccordo en scènes pleines de sens. Le réalisateur n’interroge pas ses personnages, mais les observe vivre, capturant des moments d’intimité, d’ironie et de mélancolie. C’est un cinéma qui exige du spectateur qu’il abandonne les attentes narratives pour se laisser porter par un flux d’images et de rencontres, à la découverte de la beauté inattendue qui repose aux marges du visible.

Reality (2012)

Luciano, un poissonnier napolitain charmant et exubérant, gagne sa vie avec de petites arnaques et rêve d’une vie différente. Poussé par sa famille, il passe une audition pour « Big Brother ». Cette expérience apparemment anodine déclenche en lui une obsession totalisante. Convaincu d’être constamment surveillé par la production de l’émission de télé-réalité, Luciano sombre dans une paranoïa qui l’éloigne progressivement de la réalité, transformant son rêve de célébrité en cauchemar.

Après la réalité brute de Gomorra, Matteo Garrone surprend tout le monde avec une fable sombre, grotesque et douloureuse sur l’Italie contemporaine et son obsession pour la célébrité. Reality est une critique impitoyable de la « spectacularisation du rien », d’une société où le paraître a remplacé l’être. Garrone abandonne le style documentaire pour adopter un registre plus fellinien, utilisant l’hyperbole et le surréel pour décrire l’absurdité d’un monde façonné par la télévision.

Le film est une parabole amère sur la perte de l’innocence et la fragilité humaine face au mirage du succès facile. La performance de Aniello Arena, un acteur au passé de détenu à vie, est extraordinaire par sa capacité à incarner la naïveté bon enfant de Luciano et sa descente ultérieure dans la folie. Lauréat du Grand Prix à Cannes, Reality confirme la polyvalence d’un auteur capable de lire les pathologies du présent avec un regard aigu et profondément humain.

Caesar Must Die (2012)

Dans l’aile de haute sécurité de la prison de Rebibbia à Rome, un groupe de détenus, dont beaucoup sont condamnés pour des crimes de mafia, monte Julius Caesar de William Shakespeare. Pendant les répétitions, les mots du dramaturge anglais se mêlent à leurs vies, leurs souvenirs et leurs codes d’honneur. La frontière entre fiction et réalité s’estompe, et le théâtre devient un miroir pour réfléchir à des thèmes tels que la trahison, le pouvoir et la liberté.

Lauréat de l’Ours d’or au Festival de Berlin, Caesar Must Die est une œuvre extraordinaire qui hybride documentaire, fiction et théâtre. Les frères Taviani, maîtres du cinéma italien, créent un film puissant et émouvant où la force du texte de Shakespeare est amplifiée par la vérité des visages et des expériences des détenus-acteurs. Le choix de tourner presque entièrement en noir et blanc dans les murs de la prison crée une atmosphère claustrophobe et intemporelle.

Le film explore la fonction cathartique de l’art. Pour ces hommes, jouer la comédie n’est pas seulement une échappatoire, mais une manière d’affronter leur passé et leur condition. La célèbre phrase finale de l’un des protagonistes – « Depuis que j’ai connu l’art, cette cellule est devenue une prison » – renferme le paradoxe du film : l’art libère l’esprit, mais aiguise encore davantage la conscience de l’enfermement physique. Une œuvre d’une rare intelligence et humanité.

Mystery of an Employee

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Drame, thriller, de Fabio Del Greco, Italie, 2019.
Quelqu'un veut contrôler la vie de l'employé Giuseppe Russo : les produits qu'il achète, sa foi politique et religieuse, sa vie privée, même ses rêves. Mais il fera tout pour échapper à ce contrôle et retrouver son vrai moi. Giuseppe est un homme d'environ 45 ans, marié, avec un emploi stable et une maison à lui. Sa vie semble paisible lorsqu'il rencontre un vagabond mystérieux qui lui donne de vieilles cassettes vidéo VHS. Giuseppe commence à voir des vidéos dans lesquelles il est filmé à différents moments de sa vie, depuis son enfance, puis son adolescence et sa jeunesse. Qui a filmé ces vidéos dont il ne se souvient de rien ? Giuseppe a la sensation étrange d'être constamment observé et commence à enquêter sur ce qui se passe. À travers cette enquête sur lui-même, il commence à redécouvrir sa véritable identité et à prendre conscience de qui il est vraiment.

Employee's Mystery est un film qui met en lumière le danger du contrôle social et montre une société où chacun est constamment surveillé et conditionné dans son for intérieur. Le film est aussi une analyse de la nature humaine et de l'identité. Fabio Del Greco, qui incarne Giuseppe, offre une performance captivante. Chiara Pavoni, dans le rôle de Giada Rubin, et Roberto Pensa, dans le rôle du vagabond, sont tout aussi remarquables. Employee's Mystery aborde des thèmes importants de manière originale, un thriller psychologique qui tient le spectateur en haleine jusqu'à la fin : une métaphore de la société contemporaine, où les individus sont de plus en plus surveillés et conditionnés par les médias et les technologies. C’est une œuvre courageuse et provocante, qui traite des thèmes essentiels de façon originale.

LANGUE : italien
SOUS-TITRES : anglais, espagnol, français, allemand, portugais

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Les Quatre Temps (2010)

Dans un petit village ancien de Calabre, la vie s’écoule selon des rythmes immuables. Un vieux berger malade passe ses derniers jours à s’occuper de ses chèvres. Son âme, selon la doctrine pythagoricienne, sera réincarnée dans un chevreau nouveau-né, puis dans un majestueux sapin, et enfin dans le charbon de bois produit à partir de cet arbre. Un cycle éternel de transformation qui unit les royaumes humain, animal, végétal et minéral en une seule symphonie silencieuse.

Michelangelo Frammartino crée une œuvre radicale et poétique, un film presque dépourvu de dialogues qui s’appuie uniquement sur la force des images et les sons de la nature. Les Quatre Temps est un exemple pur de « slow cinema », un cinéma contemplatif qui invite le spectateur à ralentir, à observer, à percevoir les connexions invisibles qui lient chaque forme de vie. Ce n’est pas un documentaire, mais un poème visuel qui explore des concepts philosophiques complexes avec une simplicité désarmante.

La réalisation de Frammartino est rigoureuse et patiente. La caméra, souvent fixe, capte la beauté austère du paysage calabrais et la ritualité des gestes quotidiens, trouvant l’universel dans le particulier. C’est un cinéma qui rejette les conventions narratives pour devenir une expérience sensorielle et spirituelle, une œuvre courageuse qui démontre la capacité du cinéma indépendant à explorer de nouveaux territoires linguistiques et à atteindre une profondeur rare.

Gomorra (2008)

Adapté du roman d’enquête de Roberto Saviano, le film tisse cinq histoires qui révèlent le pouvoir omniprésent de la Camorra dans l’arrière-pays napolitain. De l’élimination des déchets toxiques à la haute couture, du trafic de drogue aux aspirations criminelles de deux jeunes surexcités, les événements montrent un système où la violence est la seule loi et où la vie humaine a un prix négligeable. Une fresque chorale et impitoyable qui documente la normalité du mal.

Gomorra est un point de non-retour pour le cinéma italien et pour la représentation du crime organisé. Matteo Garrone réalise une opération radicale : il abandonne tout romantisme mafieux pour adopter un style presque documentaire, brut et d’observation. Il n’y a ni héros ni anti-héros, seulement des individus piégés dans un mécanisme plus grand qu’eux. La caméra suit les personnages, enregistrant leurs actions avec une froideur qui amplifie l’horreur.

Le film est une expérience immersive et étouffante. L’utilisation d’acteurs non professionnels, le dialecte dense et les lieux réels contribuent à créer un sentiment oppressant d’authenticité. Garrone n’explique pas, il montre. Il rejette le didactisme du cinéma d’enquête traditionnel pour restituer la réalité dans sa brutalité fragmentée. Son succès international a démontré l’existence d’un public mondial avide d’histoires italiennes racontées sans filtres, redéfinissant le genre et influençant toute une génération de réalisateurs.

Les Conséquences de l’amour (2004)

Pendant huit ans, Titta Di Girolamo a vécu une existence stérile et méthodique dans un hôtel anonyme de la Suisse italienne. Chacun de ses jours est marqué par une routine immuable, par une apparente apathie qui cache un secret indicible : il purge une peine pour le compte de la Cosa Nostra. La rencontre avec Sofia, la jeune et curieuse serveuse de l’hôtel, fissure son armure de solitude, déclenchant une chaîne d’événements qui le conduira à poser un geste aussi romantique que fatal.

Si L’uomo in più était une explosion de talent, Les Conséquences de l’amour en est la consécration stylistique. Paolo Sorrentino dirige une œuvre d’une perfection formelle presque géométrique, où chaque plan, chaque mouvement de caméra, chaque silence est calibré pour construire une prison existentielle autour de son protagoniste. Le film est un thriller de l’âme, un noir métaphysique qui transforme une histoire de mafia en une réflexion profonde sur la liberté, le destin et le prix des émotions.

Toni Servillo offre l’une de ses performances les plus emblématiques, incarnant la solitude et la dignité d’un homme qui a tout abandonné. La mise en scène de Sorrentino est glaciale mais vibrante, capable de créer une tension insoutenable par la répétition des gestes et l’usage magistral de la bande sonore. C’est un cinéma qui abandonne l’action pour se concentrer sur les états intérieurs, une œuvre moderniste qui montre comment l’élégance formelle peut devenir l’outil le plus efficace pour raconter l’histoire du chaos de l’âme humaine.

L’Embaumeur (2002)

Peppino, un taxidermiste nain aussi habile qu’ambigu, vit et travaille dans le désolé Villaggio Coppola, un non-lieu sur la côte de Caserte. Sa vie solitaire est bouleversée par sa rencontre avec Valerio, un jeune homme d’une beauté extraordinaire qu’il engage comme assistant. Une relation morbide de dépendance et de contrôle se développe entre les deux, un triangle mortel complété par l’arrivée de Deborah, la petite amie de Valerio, destinée à une fin tragique.

Avant le succès international de Gomorra, Matteo Garrone avait déjà démontré une rare capacité à scruter les abîmes de l’âme humaine avec un style cru et presque tactile. L’Embaumeur est une œuvre fondamentale qui marque un tournant dans le nouveau cinéma italien, un noir atypique qui se transforme en mélodrame très noir. Inspiré d’un fait divers réel, le film utilise le métier de la taxidermie comme une puissante métaphore : Peppino ne se contente pas d’embaumer des animaux, il cherche à posséder et pétrifier la beauté de Valerio, pour la rendre éternelle et inoffensive.

Le paysage spectral de Villaggio Coppola, avec son architecture illégale et décadente, n’est pas seulement un décor, mais un miroir de la désolation intérieure des personnages. Garrone filme les corps et les lieux avec un réalisme sans filtre, rendant le grotesque à la fois dérangeant et plausible. C’est un cinéma physique, qui plonge le spectateur dans une atmosphère de putréfaction morale et affective, marquant la naissance d’un nouveau noir italien, détaché des modèles américains et profondément enraciné dans les angoisses sociales du pays.

One Man Up (2001)

Naples, années 1980. Les vies parallèles de deux hommes portant le même nom, Antonio Pisapia, se croisent et divergent. L’un est un chanteur à succès, Tony, un cocaïnomane effronté ; l’autre est un footballeur timide et rigoureux, Antonio. Tous deux sont au sommet de leur carrière, mais un destin cruel les poussera vers un déclin inexorable et tragicomique, les forçant à affronter l’échec, la solitude et la quête d’une liberté impossible.

Avec son éclatant premier film, Paolo Sorrentino jette les bases de tout son cinéma futur. L’uomo in più n’est pas seulement un film ; c’est un manifeste poétique. Ici naissent les thèmes qui deviendront son obsession : la solitude des personnages publics, la dialectique entre succès et échec, le masque grotesque qui cache une profonde mélancolie. S’inspirant des figures réelles de Franco Califano et Agostino Di Bartolomei, le film transcende la biographie pour devenir une métaphore universelle de l’existence.

C’est aussi le début du partenariat artistique presque symbiotique avec Toni Servillo, dont le Tony Pisapia est déjà un archétype parfait à la Sorrentino : un homme qui cache sa fragilité derrière une armure impénétrable de cynisme et d’ironie. Le style est déjà reconnaissable : une mise en scène somptueuse qui trouve le sublime dans le sordide, des dialogues brillants, et une capacité unique à transformer les faits divers en parabole existentielle.

Feast

Maintenant disponible

Documentaire, par Franco Piavoli, 2018, Italie.
Franco Piavoli, auteur du chef-d'œuvre "La Planète Bleue", revient à la réalisation pour capturer "la soirée du jour de fête", entre Leopardi et Pascoli. Un voyage entre le poétique et l'anthropologique. Qu'est-ce qu'une "fête" ? Que représente-t-elle, d'un point de vue symbolique et matériel ? Quels fardeaux, ou quels soulagements, apporte-t-elle à l'esprit des gens ? Et quelle valeur prend-elle lorsqu'elle se transforme en acte collectif ? Festa n'a pas besoin de fioritures, elle arrive directement au cœur du spectateur sans stratification, sans aucun écart du chemin, sans aucune addition.

Langue : italien
Sous-titres : anglais

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L’Arbre aux sabots (1978)

C’est un film italien de 1978 écrit et réalisé par Ermanno Olmi. Le film raconte la vie paysanne lombarde dans une ferme de la fin du XIXe siècle. Il présente certaines similitudes avec le mouvement néo-réaliste italien antérieur, et les rôles sont tenus par de vrais paysans et habitants, plutôt que par des acteurs professionnels. Le film a remporté quatorze récompenses, dont la Palme d’Or à Cannes et le César du meilleur film étranger. La version originale du film est parlée en lombard de Bergame.

Quatre familles paysannes travaillant pour le même maître tirent un maigre profit en 1898 dans la campagne bergamasque. Au cours d’une année, des enfants naissent, les récoltes sont plantées, les animaux abattus, et des couples mariés ; prières et histoires sont échangées sur la ferme partagée par les familles. Des courants de transformation sont perçus par les paysans, mais largement ignorés ; un rebelle communiste prononce un discours lors d’une foire régionale, et lorsqu’un jeune couple visite la grande ville de Milan, ils assistent à l’arrestation de prisonniers politiques. Le printemps arrive, le père abat un arbre pour fabriquer des sabots en bois que son enfant pourra porter aux pieds pour aller à l’école, mais le propriétaire terrien s’en aperçoit, et la famille est contrainte de quitter la terre.

Suspiria (1977)

Une étudiante américaine fréquentant une académie de ballet en Allemagne découvre que l’école n’est qu’une façade pour quelque chose de sinistre, sur fond d’une série de meurtres horribles. Ce récit glaçant est habilement réalisé par Dario Argento. Le film met en vedette Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci et Miguel Bosé, donnant vie à l’histoire par leurs performances captivantes. Argento, maître du thriller, crée une expérience cinématographique qui saisit le spectateur, le tenant en haleine, instillant un sentiment de doute et de malaise tout au long du film.

Ce film se distingue comme une œuvre fascinante, sophistiquée et exceptionnellement vibrante, caractérisée par son style visuel étrange et captivant, sublimé par la remarquable photographie de Vittorio Storaro. Bien que les dialogues puissent parfois vaciller, Suspiria enchante et terrifie par son accent sur le sang et la peur. Le réalisateur maintient consciemment une intrigue minimaliste, choisissant plutôt de mettre en avant les visuels époustouflants du film, contrastant avec ses œuvres précédentes, repoussant les limites de l’horreur et maintenant une atmosphère intense et inquiétante.

La Maison aux fenêtres qui rient (1976)

La Maison aux fenêtres qui rient est un conte hanté qui plonge profondément dans l’univers glaçant de l’horreur italienne. Stefano, un jeune restaurateur d’art enthousiaste et talentueux, a l’opportunité unique de travailler sur une fresque mystérieuse nichée dans les murs d’une église d’un village isolé et inquiétant, loin de l’agitation de la vie moderne. Sous la direction experte de Pupi Avati, et porté par les performances convaincantes de Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina et Giulio Pizzirani, ce film offre un récit captivant qui tient le public en haleine du début à la fin.

Alors que les amateurs d’horreur italienne pourraient trouver certains films du genre prévisibles ou formatés, ce chef-d’œuvre gothique se distingue en créant un sentiment écrasant de malaise et un suspense persistant, tissant habilement une tapisserie d’horreur qui dépasse ses contemporains. Au fur et à mesure que l’intrigue se déroule, la peur omniprésente s’intensifie, saisissant les spectateurs dans une étreinte implacable qui refuse de lâcher prise, culminant finalement dans un crescendo intolérable à mesure que l’histoire atteint son dénouement glaçant.

L’uccello dalle piume di cristallo (1970)

Il s’agit d’un film italien de 1970 réalisé par le maître du Giallo italien Dario Argento lors de ses débuts en tant que réalisateur. Ce film est le premier dans la catégorie Giallo italiano, qui a inauguré une longue période de succès pour ce type de film. À sa sortie, le film a rencontré un grand succès au box-office. Il a également connu un succès en dehors de l’Italie.

Sam Dalmas est un écrivain américain en vacances à Rome avec sa petite amie anglaise, Julia, qui traverse un blocage d’écrivain et est sur le point de retourner en Amérique. Cependant, il est témoin d’une attaque contre une femme dans une galerie d’art par un étrange individu portant des gants noirs et un imperméable. En tentant de le rejoindre, Sam se retrouve coincé entre deux portes vitrées automatiques et ne peut que voir l’homme s’enfuir. La jeune femme, Monica Ranieri, a été attaquée et les autorités ont confisqué le passeport de Sam pour l’empêcher de quitter le pays. L’agresseur est soupçonné d’être un tueur en série qui élimine des femmes dans toute la ville, et Sam est un témoin clé.

Le Conformiste (1970)

Bernardo Bertolucci signe un thriller psychologique qui examine un assassin fasciste tentant d’établir une normalité à travers le mariage tout en étant chargé de tuer son ancien professeur, explorant les thèmes de la complicité politique, de l’identité et du compromis moral sous le régime de Mussolini.

Tourné avec une sophistication visuelle extraordinaire, Bertolucci utilise la cinématographie et la mise en scène pour sonder la psychologie du fascisme et de la conformité. La brillance formelle et la profondeur thématique du film créent une méditation obsédante sur la manière dont les individus rationalisent leur participation à des systèmes oppressifs.

Dillinger est mort (1969)

Il s’agit d’un drame italien de 1969 réalisé par Marco Ferreri. Au casting figurent Michel Piccoli, Anita Pallenberg et Annie Girardot. L’histoire est un mélange sombre et satirique de rêve et de réalité. Le film suit un homme ennuyé et aliéné durant la nuit chez lui. Le titre provient d’un article de journal inclus dans le film annonçant la mort du gangster américain John Dillinger. Le film a été jugé choquant lors de sa sortie préliminaire en raison de son sujet et de sa violence, mais est désormais généralement considéré comme l’œuvre la plus importante de la filmographie de Ferreri. Il était bien connu des grandes publications cinématographiques françaises comme Cahiers du cinéma et Ferreri a ensuite vécu et travaillé à Paris pendant plusieurs années.

Glauco, un designer de masques à gaz commercial d’âge moyen, est fatigué de sa profession. Après avoir discuté d’aliénation avec un collègue à l’usine, il rentre chez lui. Sa femme est alitée avec un mal de tête mais a laissé son dîner sur la table, qui est devenu froid. Il est déçu par la nourriture et commence à se préparer un repas meilleur.

Oiseaux laids et petits oiseaux (1966)

Il s’agit d’un film italien de 1966 réalisé par Pier Paolo Pasolini. Le film a participé au Festival de Cannes 1966 où il a reçu une « Mention spéciale » pour Totò. Le film peut être décrit comme partiellement néoréaliste et traite des questions marxistes de la difficulté et du conflit des classes. Il met en scène le populaire acteur comique italien Totò accompagné dans un voyage par son fils, joué par Ninetto Davoli. C’est le dernier film avec Totò avant sa mort en 1967.

Totò et son fils Ninetto errent à travers la campagne romaine. Lors de leur promenade, ils observent un corps extrait d’une maison suite à un meurtre. Ils rencontrent ensuite un corbeau parlant, dont les légendes expliquent : « Pour le bénéfice de ceux qui ne prenaient pas note ou restent dans le doute, nous vous informons que le corbeau est – comme vous le prétendez – un intellectuel de gauche du type vivant avant la mort de Palmiro Togliatti. » Après de nombreux échecs, les deux personnages trouvent le langage des oiseaux et parviennent à prêcher l’amour aux familles, mais les faucons continuent de tuer et de manger les moineaux, car telle est leur nature.

La Femme Singe (1964)

Le film italien de 1964, habilement réalisé par Marco Ferreri, explore des thèmes intrigants et stimulants tout en sondant les complexités de la nature humaine. Cette œuvre cinématographique s’est distinguée en étant présentée au prestigieux Festival de Cannes 1964, captivant l’attention du public et des critiques. Le film s’inspire du récit poignant de Julia Pastrana, qui vécut au XIXe siècle et affronta de nombreuses adversités en raison de sa condition unique.L’histoire se déroule autour de Marie, souvent appelée la « Femme Singe », un personnage soumis à la curiosité et à l’exploitation en raison de son corps entièrement couvert de poils. Découverte par l’entrepreneur Focaccia dans un couvent à Naples, sa vie prend un tournant radical. Les religieuses, protectrices mais pragmatiques, insistent pour que Focaccia l’épouse comme condition préalable à sa libération. Une fois marié, Focaccia entreprend de présenter Marie au public, mû par le désir de tirer profit de son unicité.En reflet des attitudes sociales, Focaccia tente de l’offrir à un jeune homme comme symbole de pureté intacte, mais Marie hésite à se plier à de telles dispositions. Alors qu’elle obtient une certaine renommée à Paris, sa vie prend une tournure tragique. Marie décède tragiquement en couches, une fin poignante pour une vie tumultueuse. Indifférent à sa mort, Focaccia récupère son corps au musée naturaliste, choisissant de l’exposer à Naples, assurant que son histoire continue d’éveiller fascination et réflexion bien après sa disparition.

8½ (1963)

Le chef-d’œuvre cinématographique de Federico Fellini plonge profondément dans la vie d’un réalisateur de renom confronté à une paralysie créative profonde. Immergé dans les affres de son tourment personnel et de l’angoisse existentielle qui l’entoure, il se trouve à un carrefour. Le réalisateur est pris dans une toile de blocage artistique alors qu’il s’efforce de concrétiser sa dernière vision cinématographique. Tout au long du récit, il doit affronter le chaos tumultueux qui envahit à la fois ses obligations professionnelles et les dynamiques complexes de ses relations intimes. Cette exploration évocatrice présente un portrait complexe d’un homme à la dérive, tant sur le plan artistique que personnel, cherchant à reconstituer son monde fracturé au milieu des tourbillons de confusion et d’incertitude qui menacent de l’engloutir à chaque instant.

Ce chef-d’œuvre révolutionnaire a transformé le monde du cinéma en introduisant une structure narrative unique et innovante qui entremêle harmonieusement la réalité avec des séquences fantastiques imaginatives. L’exploration perspicace et réfléchie de Fellini sur le parcours artistique, associée à son examen profond des relations humaines, a repoussé les limites de ce qui était considéré comme possible au cinéma. Cette œuvre a ouvert de nouvelles possibilités formelles et établi un précédent qui a inspiré d’innombrables réalisateurs à travers les générations. Son impact considérable sur l’art cinématographique a consolidé sa place comme l’une des réalisations les plus monumentales de l’histoire du cinéma, célébrant à la fois l’expression créative et les complexités de l’expérience humaine.

Le Guépard (1963)

Le drame épique de Luchino Visconti relate le déclin de l’aristocratie sicilienne durant l’unification de l’Italie, suivant une famille noble confrontée aux bouleversements politiques, aux conflits générationnels et à la transformation inévitable de leur monde pendant le Risorgimento.

La réalisation monumentale de Visconti combine une étude intime des personnages avec une portée historique vaste à travers une cinématographie époustouflante et une direction artistique méticuleuse. La performance de Burt Lancaster dans le rôle du prince vieillissant capture à la fois dignité et résignation, tandis que le film explore les thèmes du changement historique inévitable et de l’obsolescence personnelle.

Black Sabbath (1963)

Boris Karloff joue dans un trio d’histoires effrayantes comprenant une call-girl maltraitée, un vampire profitant de son domicile, et une infirmière hantée par le véritable propriétaire de sa bague. Réalisateur : Mario Bava. Avec Michèle Mercier, Lidia Alfonsi, Boris Karloff, Mark Damon. L’élément le plus terrifiant du film est son style, notamment les intérieurs sombres et lourds de La Goutte d’eau, tandis que la performance est moins convaincante. Même les effets sonores et optiques paraissent parfois trop extrêmes : une plus grande rigueur aurait bénéficié au film.

L’Éclipse (1962)

Il s’agit d’un film d’art et d’essai italien de 1962 écrit et réalisé par Michelangelo Antonioni, avec Alain Delon et Monica Vitti. Tourné entre Rome et Vérone, l’histoire suit une jeune femme (Vitti) qui entretient une relation avec un jeune courtier en bourse (Delon). Lorsqu’une éclipse solaire se produit à Florence, Antonioni associe certaines de ses inspirations au film. Ce film clôt une trilogie précédée par L’Avventura (1960) et La Notte (1961). L’Éclipse a remporté le Prix spécial du jury au Festival de Cannes 1962 et a été sélectionné pour la Palme d’Or. Défini par Martin Scorsese comme le film le plus audacieux de la trilogie, il fait partie des œuvres les plus connues du réalisateur.

Un lundi de juillet 1961, à l’aube, Vittoria, une jeune traductrice littéraire, met fin à sa relation avec Riccardo dans son appartement du quartier immobilier de l’EUR à Rome, après une longue nuit de discussions. Riccardo tente de la persuader de rester, mais elle lui annonce qu’elle ne l’aime plus et s’en va. Alors qu’elle se promène dans les rues désertes du petit matin, près du château d’eau de l’EUR, Riccardo la rejoint et l’accompagne à travers un endroit boisé jusqu’à son appartement, où ils se disent adieu pour la dernière fois.

Accattone (1961)

Vittorio (Franco Citti), surnommé « Accattone », mène une vie de fainéant jusqu’à ce que sa compagne de rue, Maddalena, soit exploitée par ses concurrentes et condamnée. Sans revenu stable, il tente d’abord de se réconcilier avec la mère de son enfant, mais est rejeté par ses parents ; il rencontre alors une fille de la banlieue, Stella, et tente d’en faire une prostituée pour lui, mais lorsque son premier client la bat, elle s’enfuit. Accattone essaie de la consoler, mais la quitte, après qu’elle ait eu une vision inhabituelle de sa propre mort, pour rejoindre ses amis.

Bien qu’il ait été tourné avec un scénario, Accattone est une version cinématographique des premières histoires de Pasolini, notamment Ragazzi di vita et Una vita violenta. Ce fut le premier film de Pierpaolo Pasolini en tant que réalisateur, et il utilise des styles de mise en scène qui seraient assurément reconnus comme les caractéristiques distinctives de Pasolini : des acteurs non professionnels issus du lieu où se déroule le film. Il fait partie des excellentes œuvres cinématographiques à voir, notamment sur des personnes affectées par la précarité.

Il posto (1961)

Il s’agit d’un film italien de 1961 réalisé par Ermanno Olmi. Généralement cité comme la première œuvre majeure d’Olmi, il est un exemple du néoréalisme italien. Olmi a remporté le David di Donatello du meilleur réalisateur pour son travail sur ce film. Le film raconte l’histoire de Domenico, un garçon qui abandonne l’école parce que sa famille a besoin d’argent et doit travailler. Trouvant un emploi dans une grande entreprise urbaine, il passe une étrange série d’examens, de tests et d’entretiens. Lors d’une courte pause dans les répétitions, il rencontre Antonietta, une fille qui, comme lui, a abandonné ses études parce qu’elle a besoin d’argent pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. Lors de cette rencontre, ils prennent un café dans un café et parlent de leurs vies et de leurs aspirations. Domenico est attiré par elle, mais ils sont séparés lorsqu’ils obtiennent des emplois dans différents départements.

La Notte (1961)

Le chef-d’œuvre de Michelangelo Antonioni dépeint un couple marié — un romancier à succès et sa femme — passant une nuit à Milan à réexaminer leurs liens émotionnels, errant à travers la vie nocturne et les cercles intellectuels de la ville tout en affrontant l’éloignement et l’incertitude existentielle.

La mise en scène précise d’Antonioni et le travail de caméra mobile transforment les paysages urbains en topographies émotionnelles. L’exploration soutenue du film sur l’aliénation conjugale et la déconnexion moderne, ancrée par des performances lumineuses de Marcello Mastroianni et Jeanne Moreau, a établi le style définitif d’Antonioni dans la représentation de l’ennui contemporain.

L’Avventura (1960)

Ce film italien est basé sur une histoire de Michelangelo Antonioni écrite avec les co-scénaristes Elio Bartolini et Tonino Guerra, un film d’art et essai sur la disparition d’une femme (Lea Massari) lors d’une excursion en bateau en Méditerranée, et aussi sur la trahison ultérieure de son admirateur (Gabriele Ferzetti) avec sa compagne (Monica Vitti). Il a été tourné à Rome, dans les îles Éoliennes et en Sicile en 1959 dans des conditions économiques et logistiques difficiles. Une œuvre d’art à voir pour comprendre l’essence du cinéma d’Antonioni et son influence sur tous les autres cinéastes.

Alors que Claudia attend en bas, Anna et Sandro ont des relations sexuelles chez elle. Le lendemain matin, le yacht de luxe personnel atteint les îles Éoliennes au nord de la Sicile. Après avoir dépassé Basiluzzo, Anna plonge impulsivement dans l’eau pour nager et Sandro saute après elle. Sandro tente de la sauver lorsque Anna sanglote qu’elle a en réalité vu un requin. Anna avoue à Claudia que le requin était un mensonge pour susciter l’intérêt de Sandro. Après avoir vu que Claudia aimait son chemisier, il lui dit de le mettre, qu’il lui va bien mieux qu’à elle, et qu’elle peut le garder. Anna est insatisfaite des longs voyages d’affaires de Sandro, qui ignore ses problèmes et dort sur les rochers.

Black Sunday (1960)

Une sorcière et son serviteur maléfique reviennent des morts et entreprennent une stratégie sanglante pour récupérer le corps du descendant de la sorcière. Réalisateur : Mario Bava. Avec : Barbara Steele, John Richardson, Andrea Checchi, Ivo Garrani. Les critiques du cinéma italien moderne ont largement critiqué négativement le film, bien que certains aient apprécié la cinématographie. Le film présente de beaux mouvements de caméra et le style visuel de Bava produit autant de poésie et de sentiment que de peur. Bava est un auteur de films picturaux et ceci est parmi ses meilleures œuvres.

Les Yeux sans visage (1960)

L’instructeur Génessier, un célèbre chirurgien plasticien spécialisé dans les greffes, est responsable d’un accident de voiture dont sa fille Christiane est sortie vivante mais avec un visage terriblement mutilé. Avec l’aide d’un assistant, il attire des femmes dans son atelier pour leur arracher la peau du visage et l’utiliser sur les blessures de sa fille. Une opération si difficile qu’il est nécessaire de la répéter systématiquement, après chaque échec des greffes. Christiane, un masque sur le visage, ne comprend toujours absolument rien …

Les critiques français ont affirmé qu’il s’agissait d’une imitation de l’expressionnisme allemand ou simplement d’une erreur due au saut du réalisateur des documentaires aux films de genre. La presse britannique a déclaré que lorsqu’un réalisateur comme Georges Franju réalise un film d’horreur, on ne peut pas chercher des allégories ou des niveaux de lecture. Les Yeux sans visage ont été ressortis en salles en septembre 1986 pour accompagner des rétrospectives au National Movie Theater de Londres et à la Cinémathèque Française, et le film a commencé à être réévalué. Les critiques françaises du film se sont montrées particulièrement plus encourageantes qu’à sa sortie initiale. Le public a découvert la nature poétique du film en le comparant à l’œuvre du poète et réalisateur français Jean Cocteau. Franju utilise un étrange poème dans lequel l’inspiration de Cocteau apparaît.

La Dolce Vita (1960)

L’étude de personnage de près de trois heures de Federico Fellini suit un journaliste de tabloïd à travers des rencontres épisodiques dans la haute société romaine, révélant l’attrait décadent et la décadence morale de la dolce vita — la douce vie — à travers des rencontres avec des aristocrates, des célébrités et des figures de la société.

Ce film profondément stylé transcende sa durée grâce à une narration magnétique et à la performance captivante de Marcello Mastroianni. Il capture l’essence de la société italienne tout en explorant des thèmes de désir, de spiritualité et de désillusion, faisant de lui le film préféré de Roger Ebert et une pierre angulaire de l’histoire du cinéma.

Le Cri (1957)

Il s’agit d’un film italien de 1957 réalisé par Michelangelo Antonioni et mettant en vedette Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair et Dorian Gray. Basé sur une nouvelle d’Antonioni, le film raconte l’histoire d’un homme qui erre sans but, loin de sa ville, loin de la femme qu’il aimait, et finit par devenir instable mentalement et socialement. Il Grido a remporté le Léopard d’Or au Festival international du film de Locarno en 1957 et le Ruban d’Argent de la meilleure photographie (Gianni di Venanzo) en 1958.

Aldo a travaillé à l’usine de sucre de Goriano pendant 7 ans. Sa fiancée, Irma, découvre que son partenaire, qui était parti en Australie des années plus tôt pour chercher du travail, y est récemment décédé. Irma se rend à l’usine de sucre et apporte le déjeuner à Aldo. Aldo retourne chez lui où ils discutent de la mort de son épouse. Aldo dit qu’après 7 ans ils peuvent enfin se marier et légitimer leur petite fille, Rosina. Le lendemain, Irma lui révèle qu’elle aime quelqu’un d’autre. Aldo ne peut pas croire ses paroles. Au cours des jours suivants, il essaie frénétiquement de lui faire changer d’avis, mais en vain, et l’affaire se termine par une gifle qu’il lui donne en public.

Abandonnés (1955)

C’est un film italien de 1955 se déroulant dans le contexte de l’après-invasion alliée de l’Italie en 1943 pendant la Seconde Guerre mondiale. Le film a été présenté au Festival du film de Venise en 1955. Il marque les débuts à la réalisation de Francis Maselli. La musique a été composée par Giovanni Fusco et mise en scène par Ennio Morricone.

À l’été 1943, la comtesse Luisa et son fils Andrea quittent Milan à cause des combats alliés dans la ville et se retirent dans leur propriété en périphérie, où ils accueillent deux pairs d’Andrea, son cousin Carlo, fils d’un fasciste réfugié en Suisse, et son ami Ferruccio, fils d’un officier de l’armée ayant participé à la guerre. Les trois jeunes gens tuent le temps dans une douce oisiveté, se prélassant au bord de la rivière, à peine conscients du conflit en cours, grâce aux émissions de Radio Londres. Ils commencent à prendre conscience de la gravité de la situation lorsque les déplacés arrivent de la ville et qu’Andrea est contraint d’accepter d’héberger certains d’entre eux dans la propriété, au grand désarroi de sa mère.

Les Voleurs de bicyclette (1948)

Dans le quartier romain de Val Melaina après la Seconde Guerre mondiale, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) n’a aucun espoir de travail pour subvenir aux besoins de sa femme Maria (Lianella Carell) et de leur enfant Bruno (Enzo Staiola). Comme l’activité nécessite un vélo, il informe Maria qu’elle ne peut pas en acheter un. Maria enlève les draps de sa dot du lit et les apporte au prêteur sur gages, où ils sont payés en espèces suffisantes pour l’achat du vélo d’Antonio.

L’œuvre néoréaliste de Vittorio de Sica s’enracine dans un monde où posséder un vélo est essentiel pour travailler, mais elle pourrait aussi se situer dans un monde où l’absence de voiture, de garde d’enfants abordable, de logement ou de sécurité sociale constitue un obstacle insurmontable pour mettre de la nourriture sur la table. C’est ce qui en fait un film à la fois pour l’Italie d’après-guerre et pour toute époque.

La terre tremble (1948)

C’est un film néoréaliste italien de 1948 réalisé, co-écrit et produit par Luchino Visconti. Adaptation libre du roman I Malavoglia de 1881 de Giovanni Verga, le film relate les souffrances individuelles des pêcheurs siciliens. Le film adopte un style documentaire, comprend un casting d’acteurs non professionnels et un mélange de scènes scénarisées et improvisées. Il est considéré comme l’un des films importants du mouvement néoréaliste et figure parmi les meilleurs films jamais réalisés.

Les Valastro sont une famille de pêcheurs de la classe ouvrière à Aci Trezza, une petite ville de pêche sur la côte est de la Sicile. La première partie raconte l’effort des pêcheurs pour améliorer leur vie. Les pêcheurs demandent un prix plus élevé pour leur poisson, poussés par l’aîné ‘Ntoni, pour se rebeller contre les grossistes. Les pêcheurs finissent en prison. Les grossistes réalisent qu’il est plus rentable d’avoir ‘Ntoni et ses amis à la pêche, alors ils libèrent les pêcheurs. Ntoni, qui a vécu hors de Sicile pendant un certain temps, avait ramené quelques nouveaux concepts dans son pays, et tente de former une coopérative, mais personne ne le rejoint. Choisissant de faire cavalier seul, il convainc sa famille d’hypothéquer la maison pour acheter un bateau et commence sa nouvelle vie.

Allemagne, année zéro (1948)

C’est un film italien de 1948 réalisé par Roberto Rossellini, et c’est aussi le dernier film de la trilogie de films de guerre de Rossellini, qui suit Rome, ville ouverte et Paisà. Allemagne, année zéro se déroule dans l’Allemagne occupée par les Alliés, contrairement aux autres qui se passent dans le Rome occupé par les Allemands et pendant l’invasion alliée de l’Italie.

Comme dans de nombreux films néoréalistes, Rossellini a principalement utilisé des acteurs non professionnels. Tourné à Berlin l’année suivant sa quasi-destruction totale pendant la Seconde Guerre mondiale, il comprend des images significatives de Berlin en ruines et de la lutte humaine pour la survie au milieu de la destruction de l’Allemagne nazie. De nombreux critiques de cinéma qui avaient auparavant applaudi Rossellini ont condamné le film comme théâtral et imprudent. Film innovant, défini par Charlie Chaplin comme le plus beau film italien qu’il ait jamais vu, c’est une production cinématographique très éloignée des canons visuels d’Hollywood.

Paisà (1946)

C’est un drame de guerre néoréaliste italien de 1946 réalisé par Roberto Rossellini. En 6 épisodes indépendants, il raconte la libération de l’Italie de la pression alliée durant la dernière phase de la Seconde Guerre mondiale. Le film a été présenté en première au Festival international du film de Venise et a remporté de nombreux prix nationaux et mondiaux.

Partout dans le monde, le film a acquis d’importantes reconnaissances. Le critique français André Bazin l’a choisi comme le film essentiel pour révéler la valeur du néoréalisme italien, soulignant sa saisie de la vérité avec un amalgame de documentaire et de fiction. Il a obtenu une reconnaissance aux États-Unis, en Belgique, au Japon et en Suisse.

Rome, ville ouverte (1945)

Des soldats SS allemands tentent d’emprisonner Giorgio Manfredi, ingénieur communiste et chef de la Résistance contre les nazis et fascistes italiens. Ils pensent que Giorgio est un policier, cependant lorsqu’il laisse entendre qu’il est un Confédéré, Giorgio lui demande d’envoyer de l’argent à un groupe de résistants en dehors de la ville, car il est désormais reconnu par la Gestapo et ne peut agir seul.

Peu de mouvements cinématographiques peuvent se targuer du succès du néoréalisme italien, une vague d’après-Seconde Guerre mondiale qui a participé à la bataille de la classe ouvrière ayant produit de nombreux films d’art. Roberto Rossellini faisait partie des réalisateurs phares du néoréalisme. Ce drame de répression et de résistance compte parmi les scènes les plus incroyables de tout le cinéma.

Obsession (1943)

Il s’agit d’un film italien de 1943 basé sur le roman de 1934 Le Facteur sonne toujours deux fois de James M. Cain. Premier long métrage de Luchino Visconti, il est considéré par beaucoup comme le premier film néoréaliste italien, bien que la pertinence de cette classification soit débattue. Il présente certaines similitudes avec le style calligraphique.

Gino Costa, un vagabond, s’arrête dans une petite station-service tenue par Giovanna Bragana et son mari plus âgé, Giuseppe. Giovanna est dégoûtée par son mari, qu’elle a épousé uniquement pour son argent, et est immédiatement attirée par le plus jeune et plus séduisant Gino. Giovanna sert à manger à Gino, mais ils sont interrompus par Giuseppe, qui chasse Gino. Giovanna déclare que Gino n’a pas payé, lui volant son argent, comme raison de son retour. Giuseppe part à la poursuite de Gino, pour découvrir que celui-ci est sans argent, alors Gino propose de réparer la voiture de Giuseppe en paiement du repas.