Doch das ist nur ein Teil der Geschichte. Jenseits der Filmstudios von Cinecittà existiert ein komplexeres und widersprüchlicheres Italien. Es ist ein Kino, das aus einer expressiven Dringlichkeit geboren wurde, dem Bedürfnis, Geschichten zu erzählen, die der Markt als zu riskant oder zu speziell betrachtet. Es ist das wahre kreative Laboratorium der siebten Kunst in Italien, wo neue Sprachen entstehen und mutige Erzählformen erprobt werden.
Die acht Berge (2022)
Pietro ist ein Stadtkind, Bruno das jüngste Kind eines vergessenen Bergdorfs. Ihre Sommer, die sie am Fuße des Monte Rosa verbringen, führen zu einer tiefen und unauflöslichen Freundschaft. Während Pietro die Welt bereisen wird, bleibt Bruno seiner Bergwelt treu. Ihre Leben nehmen unterschiedliche Wege, doch eine unsichtbare Verbindung bringt sie immer wieder dorthin zurück, an jenen Ort, der die Wiege ihrer Freundschaft und der Spiegel ihrer Seelen war.
Basierend auf dem Roman von Paolo Cognetti, ist der Film der belgischen Regisseure Felix Van Groeningen und Charlotte Vandermeersch eine eindringliche und majestätische Meditation über Freundschaft, die Beziehung zwischen Vater und Sohn und unseren Platz in der Welt. Mit dem Jurypreis in Cannes ausgezeichnet, ist Die acht Berge ein Werk von universeller Tragweite, das den Berg als Metapher für das Leben nutzt: Es gibt jene, die wie Pietro die acht Berge der Welt erkunden müssen, und jene, die wie Bruno zufrieden sind, den Gipfel des höchsten, ihres Sumeru, zu erreichen.
Die Regie fängt die imposante Schönheit und Härte der Natur mit einem fast quadratischen Format (4:3) ein, das die Vertikalität der Berge betont. Alessandro Borghi und Luca Marinelli erwecken in perfekter Harmonie eine männliche Freundschaft zum Leben, die mit seltener Zartheit und Tiefe erzählt wird. Es ist ein Film, der bewegt und zum Nachdenken anregt, eine intime Epik, die uns an die Bedeutung der Wurzeln und Bindungen erinnert, die uns definieren.
Katabasis
Drama, Mystery, von Samantha Casella, Italien, 2025.
„Katabasis“ ist eine Reise in die Unterwelt. Nora erlebte dieses dunkle Reich als Kind, als sie Missbrauch erlitt. Dies prägte sie und formte sie zu einer ambivalenten und manipulativen Frau, gefährlich in ihrer Undurchschaubarkeit, ständig auf der Suche nach verstörenden Situationen, um die einzige Bedingung, die sie tief verinnerlicht hat, erneut zu erleben: Schmerz. Und die Liebesgeschichte zwischen Nora und Aron ist qualvoll, streng geheim. Aron ist ein junger Waisenjunge, der vom Sternensystem unterdrückt wird, das von Jacob, einem zynischen Manager, inszeniert wird, der ihn zum Star machte und ihm eine weitere Lebensfassade aufzwingt. Tatsächlich wissen nur die Menschen, die sich um das Haus-Gefängnis drehen, in dem das Paar lebt, von Noras Existenz. Diese majestätische Villa ist die Bühne für Geheimnisse, Lügen, Täuschungen sowie beunruhigende Episoden, da Nora in der Lage ist, mit den Seelen aus dem Jenseits zu kommunizieren.
Regisseurin – Samantha Casella
Samantha Casella studierte verschiedene Aspekte des Kinos, darunter Drehbuchschreiben, Regie, Kameraführung und Schauspiel, in Turin, Florenz, Rom und Los Angeles. Ihre Regiearbeit, der Kurzfilm „Juliette“, gewann 19 Auszeichnungen, darunter den „European Massimo Troisi Award“. Sie setzte ihren Weg fort und drehte surreale Kurzfilme wie „Silenzio Interrotto“, „Memoria all'Isola dei Morti“ und „Agape“. 2019 inszenierte sie „I Am Banksy“. Im charismatischen TCL Chinese Theater in Los Angeles gewann sie beim Golden State Film Festival den Preis für den besten internationalen Kurzfilm. 2020 drehte sie den Kurzfilm „A un Dio Sconosciuto“. „Santa Guerra“ ist ihr Spielfilmdebüt.
SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch
Piranhas (2019)
Neapel, Rione Sanità. Nicola und seine Freunde sind eine Gruppe von fünfzehnjährigen Jugendlichen, die ihre Tage auf Rollern verbringen, Videospiele spielen und erste Lieben erleben. Müde davon, die Übergriffe lokaler Clans zu erleiden und zu sehen, wie ihre Familien Schutzgeld zahlen, beschließen sie, die Sache selbst in die Hand zu nehmen. Sie besorgen sich Waffen und gründen ihre eigene „Paranza“, eine kriminelle Gruppe von Teenagern, um die Kontrolle über das Viertel zu erobern. Doch das Spiel wird bald zu einer Spirale der Gewalt ohne Rückkehr.
Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Roberto Saviano, ist Claudio Giovannesis Film ein nüchternes und erschreckendes Porträt der „Gomorrha-Generation“. Anders als erfahrene Bosse sind die Protagonisten von Piranhas Jugendliche, die den Mythen des Konsumismus – Designerkleidung, Tische in angesagten Clubs, leichtes Geld – durch die Sprache des Verbrechens nachjagen. Ihre Rebellion verwandelt sich in eine tragische Nachahmung der Macht, die sie bekämpfen wollen.
Giovannesi verwendet einen realistischen und immersiven Stil, folgt den Jungen mit einer schultergetragenen Kamera, die ihre Energie, Naivität und beängstigende Rücksichtslosigkeit einfängt. Der Film urteilt nicht, sondern beobachtet mit Empathie den Prozess der Korruption der Unschuld und zeigt, wie das universelle Verlangen nach Zugehörigkeit und Erlösung in einen Weg der Selbstzerstörung umgelenkt werden kann. Ausgezeichnet mit dem Preis für das beste Drehbuch in Berlin, ist es ein notwendiges Werk, um die Gegenwart zu verstehen.
Dogman (2018)
In einem trostlosen Vorort an der Küste von Latium betreibt Marcello einen Hundesalon namens „Dogman“. Er ist ein sanftmütiger Mann, von allen in der Nachbarschaft geliebt, der versucht, für die Liebe zu seiner Tochter über die Runden zu kommen. Sein ruhiges Leben wird jedoch von seiner Beziehung zu Simoncino, einem gewalttätigen und kokainsüchtigen ehemaligen Boxer, der die Gemeinschaft terrorisiert, überschattet. Unterdrückt und gedemütigt, wird Marcello eine Ungerechtigkeit widerfahren, die ihn dazu treibt, eine schreckliche und unerwartete Rache zu planen.
Frei inspiriert von einer der abscheulichsten italienischen Kriminalgeschichten, dem Verbrechen des Canaro della Magliana, schafft Matteo Garrone ein universelles Werk über Unterdrückung und den Kampf um Würde. Dogman ist ein urbaner Western, eine moralische Parabel in einer Welt, die von Gott und Gesetz verlassen wurde, in der nur das Recht des Stärkeren gilt. Die gespenstische Landschaft von Villaggio Coppola, dieselbe wie in The Embalmer, wird zur Bühne für einen archetypischen Kampf zwischen David und Goliath.
Marcello Fonte, ausgezeichnet als bester Schauspieler in Cannes, liefert eine unvergessliche Darstellung, die die Zerbrechlichkeit und Güte eines gewöhnlichen Mannes verkörpert, der an seine Grenzen getrieben wird. Seine Menschlichkeit, ausgedrückt in seiner Liebe zu Hunden und seiner Tochter, steht im Kontrast zur bestialischen Gewalt Simoncinos. Garrones Regie ist essenziell und kraftvoll, fähig, eine fast unerträgliche Spannung zu erzeugen und ohne moralisches Urteil die dünne Linie zu erkunden, die Opfer und Täter trennt.
The Lost Poet
Drama, von Fabio Del Greco, Italien, 2024.
Dante Mezzadri möchte einen alten Freund sehen, der den Spitznamen Iguana trägt, den er viele Jahre aus den Augen verloren hat und der es geschafft hat, ihre gemeinsame jugendliche Leidenschaft für Poesie in einen Beruf zu verwandeln, indem er ein berühmter Schriftsteller und Dichter wurde. Der Mann entkommt seinem bürgerlichen Leben und seiner Frau, um obdachlos an der römischen Küste zu leben, wo er seine Gedichtsammlungen druckt und zu verkaufen versucht. Nachts schläft er in einem Park mit alten Karnevalswagen, in einem Pappmaché-Panzer, und wartet auf die Gelegenheit, seinen alten Freund zu treffen, der jedoch nie zu den Verabredungen an den Orten erscheint, die sie in ihrer Jugend besuchten, die jetzt in Ruinen liegen. Dantes Gedichtbücher interessieren niemanden, und um sich zu ernähren, ist er gezwungen, das „Produkt zu wechseln“: Er beginnt, im Auftrag junger Drogendealer die berüchtigte „Kannibalenpille“ zu verkaufen, eine neue Droge, die sich wie warme Semmeln verkauft und sensorische sowie konsumistische Ekstase verursacht. Doch er erkennt, dass diese starke Droge für die Konsumenten sehr gefährlich ist, gerät in Konflikt mit seinem ethischen Gewissen und wirft alle Pillen ins Meer. Die Dealer wollen jedoch ihr Geld eintreiben.
Der über einen Zeitraum von 2 Jahren gedrehte Film ist eine Reflexion über die kulturellen und künstlerischen Trümmer der Gesellschaft, in der der Protagonist lebt, in einer zunehmend mechanisierten, konsumorientierten und kargen Welt. Dante Mezzadri ist ein weiterer Mensch, der auf seine Inspiration und Kreativität verzichtet hat, aber im Gegensatz zu vielen ist er nicht bereit, sein Leben einem System zu opfern, das ihn von seiner wahren Identität entfremdet. Die physische Welt um ihn herum scheint jedoch so konstruiert zu sein, dass es unmöglich erscheint, aus diesem „unsichtbaren Käfig“ zu entkommen. Die Begeisterung der Menschen, die er trifft, wird nur durch sinnliche Befriedigung, durch unrealistische Visionen von persönlicher Bestätigung und Erfolg, durch „Metaversen“ entfacht, die eine Flucht in
Suspiria (2018)
Mehr als vier Jahrzehnte nach seiner Erstveröffentlichung wurde der ikonische Horror-Klassiker von Dario Argento in einem packenden Remake unter der Regie des renommierten Luca Guadagnino neu interpretiert. Diese moderne Version spielt, wie ihr Vorgänger, innerhalb der unheimlichen Mauern einer geheimnisvollen Tanzakademie. Hier entfaltet sich die verstörende Handlung, als eine Reihe brutaler Morde an Frauen in den Vordergrund tritt. Die zentrale Figur des Films wird mit bemerkenswerter Intensität von Dakota Johnson verkörpert, unterstützt von einer herausragenden Besetzung, darunter Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Tilda Swinton und Sylvie Testud. Diese talentierten Schauspieler erwecken die finsteren, autoritären Figuren zum Leben, die die Akademie mit eiserner Faust leiten und verborgene Gefahren hinter ihren strengen Fassaden verbergen.
Suspiria ist einer der mit Spannung erwarteten Horrorfilme des Jahres 2018, der das Publikum mit einer frischen Erzählweise fesselt, die ihn deutlich von Argentos Original unterscheidet. Unter Guadagninos versierter Regie überschreitet dieser Film die typischen Grenzen des übernatürlichen Horrors und schafft stattdessen ein filmisches Meisterwerk, das in die tiefen Abgründe der menschlichen Psyche eintaucht. Die weitreichende filmische Sprache des Regisseurs verwandelt die unheimliche Geschichte in eine kunstvolle Hommage an das Horrorgenre, die zugleich traditionelle Elemente aufgreift und erweitert. Das Ergebnis ist nicht nur ein Film, sondern ein außergewöhnliches Werk des Arthouse-Kinos, das sich aus den jüngsten Beiträgen des Horrorgenres hervorhebt – ein Werk, das zweifellos zu den besten Filmen der letzten zwei Jahrzehnte zählt.
A Ciambra (2017)
In Gioia Tauro, Kalabrien, lebt die Ciambra, eine sesshafte Romagemeinschaft. Pio Amato ist vierzehn Jahre alt und möchte schnell erwachsen werden. Er raucht, trinkt und folgt seinem älteren Bruder Cosimo wie ein Schatten, um die Tricks des Handels zu lernen: Kleinkriminalität und Betrügereien. Seine Welt ist ein komplexes Gleichgewicht zwischen seiner Familie, den einheimischen Italienern und den afrikanischen Migranten. Als Cosimo verhaftet wird, ist es an der Zeit für Pio, zu beweisen, dass er ein Mann ist.
Jonas Carpignano, ein italienisch-amerikanischer Regisseur, taucht vollständig in die Realität ein, die er darstellt, und schafft ein Werk von schockierender Authentizität. Das zweite Kapitel seiner Trilogie über Gioia Tauro, A Ciambra, ist ein Film, der die Grenzen zwischen Fiktion und Dokumentarfilm verwischt. Der Regisseur arbeitet mit der echten Familie Amato, die sich selbst spielt, und baut eine Erzählung auf, die direkt aus ihrem Leben stammt. Die Kamera, handgehalten und nervös, folgt Pio und zieht uns mit seltener Körperlichkeit und Unmittelbarkeit in seine Welt hinein.
Der Film ist eine kraftvolle Coming-of-Age-Geschichte, die in einem Kontext sozialer Marginalisierung spielt, dabei aber alle Klischees vermeidet. Carpignano urteilt nicht über seine Figuren, sondern beobachtet sie mit Empathie, zeigt die Komplexität ihrer Bindungen, ihre Ehrenkodexe und ihren Überlebenskampf. Es ist ein immersives Kino, das uns an einen spezifischen Ort führt, um eine universelle Geschichte über Familie, Freundschaft und die schwierigen Entscheidungen zu erzählen, die den Übergang ins Erwachsenenalter prägen.
Apennines
Dokumentarfilm von Emiliano Dante, Italien, 2017.
Appennino ist ein filmisches Tagebuch, das mit dem langsamen Wiederaufbau von L'Aquila, der Stadt des Regisseurs in Italien, beginnt und mit den Erdbeben in den zentralen Apenninen von 2016-17 fortfährt, bis hin zur sehr langen und erschöpfenden Asylzeit der neuen Erdbebenopfer in S. Benedetto del Tronto. Eine intime und ironische, lyrische und geometrische Geschichte, in der die Frage des Lebens in einem seismischen Gebiet zum Mittel wird, über den eigentlichen Sinn des Kinos der Wirklichkeit nachzudenken.
SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch
A vision curated by a filmmaker, not an algorithm
In this video I explain our vision
Der Eindringling (2017)
Giovanna leitet „La Masseria“, ein Freizeitzentrum für Kinder in einem schwierigen Viertel von Neapel, eine Oase der Legalität und Hoffnung, die dem Verfall entrissen wurde. Das prekäre Gleichgewicht ihrer Gemeinschaft gerät in Gefahr, als Maria, die junge Ehefrau eines kürzlich verhafteten Camorra-Bosses, mit ihren zwei Kindern Zuflucht im Zentrum sucht. Ihre Anwesenheit entfacht Angst und Wut unter den anderen Eltern und zwingt Giovanna zu einer unmöglichen Entscheidung zwischen Aufnahmebereitschaft und Sicherheit.
Leonardo Di Costanzo, mit einem Hintergrund als Dokumentarfilmer, schafft ein Werk von außergewöhnlicher psychologischer Feinfühligkeit und moralischer Strenge. Der Eindringling ist kein Film über die Camorra, sondern über jene, die gezwungen sind, mit ihrem Schatten zu leben, über die komplexen Dynamiken einer Gemeinschaft, die versucht, eine Alternative aufzubauen. Der Film spielt fast ausschließlich innerhalb der Mauern des Zentrums, einem geschlossenen Raum, der zur Bühne eines universellen ethischen Dilemmas wird.
Die Regie ist minimalistisch und beobachtend, aufmerksam auf Gesten, Blicke und unausgesprochene Spannungen. Di Costanzo bietet keine einfachen Lösungen an, sondern erforscht die Grauzonen von Solidarität, Angst und Verantwortung. Es ist ein ziviles Kino im edelsten Sinne des Wortes, das die Grundlagen des Zusammenlebens hinterfragt und die Schwierigkeit, in einem Kontext, in dem jede Entscheidung unvorhersehbare Folgen hat, eine klare Linie zwischen richtig und falsch zu ziehen.
Abacuc (2015)
Ein experimenteller Film, der das Publikum mit Innovationen herausfordert und wirklich gelingt, neue Elemente in der Filmsprache zu finden, was heutzutage sehr selten ist. Der Film erzählt vom Alltag einer surrealen Figur, die nicht leicht zu vergessen ist, Abacuc, ein Mann, der dazu verurteilt ist, in einer eisigen Provinzstadt im Norden Italiens zu wandern, die wie eine eingefrorene, leblose Hölle aussieht. Abacuc ist ein Mann von fast 200 Kilo, der seine Zeit im Limbo fern von jeglicher Empfindung verbringt; er geht hauptsächlich auf den Friedhof, zu den Freizeitparks der Romagna-Küste. Abacuc repräsentiert das Bedürfnis der filmischen Kunst, sich selbst zu löschen und in sich zusammenzubrechen. Die Arbeit des Regisseurs Luca Ferri ist sehr wichtig, weil sie neue Wege des avantgardistischen Kinos schafft, Wege, die von Kritikern und Publikum vergessen und ignoriert werden, aber die Grundlagen des Kinos der Zukunft sind.
Corona days
Drama, von Fabio Del Greco, Italien, 2020.
Ein Mann bleibt aufgrund der Corona-Virus-Notfallmaßnahmen allein zu Hause. Einsamkeit, Zeit und Raum werden zu seinen Gegnern, während Fantasie, Erinnerungen und die Sehnsucht nach Freiheit zu seinen Verbündeten werden. Regisseur Fabio Del Greco dokumentiert die Tage der Corona-Isolation auf intime und persönliche Weise und filmt Außenszenen ausschließlich mit einem Smartphone. Die Chronik dieser eigentümlichen Tage dient als Anstoß zur Reflexion über die Relativität von Zeit und Raum und darüber, wie Freiheit etwas ist, das die Realität überschreiten kann, um seinen Platz in unserer Seele zu finden.
In Zeiten des Corona-Virus hat ein echter und instinktiver Filmemacher wie Del Greco die Früchte seines exzentrischen „Cinetagebuchs“ geerntet, das während der Quarantänewochen entstanden ist. Er fing seine eigene Einsamkeit aus nächster Nähe ein und aus sicherer Entfernung die seiner Freunde und Verwandten. Vor allem nutzte er die begrenzten „Luftstunden“, die von den Behörden zum Filmen in einer menschenleeren Welt mit strengen Polizeikontrollen gewährt wurden. Alles gesehen durch die Linse eines Autors, der wie gewohnt verspielt, desillusioniert und subtil ironisch ist, selbst wenn er als Schauspieler auftritt. Während er die Realität weiter erforscht, zwischen melancholischen Einsichten und ironischen Momenten, übersteigt Fabio Del Greco seine ursprüngliche Absicht und verwandelt seinen Spielfilm in ein Set russischer Puppen, in dem verschiedene audiovisuelle Beiträge zusammenfließen. Diese Beiträge mögen chronologisch unterschiedlich sein, sind jedoch alle tiefgründig anregend und bedeutungsvoll. Das Zusammenspiel von Gegenwart und Vergangenheit, meisterhaft auch im Schnitt inszeniert, erzeugt einen Kurzschluss, bei dem die Vergangenheit nicht nur ein Almanach der Erinnerungen ist, sondern eine weitere Flucht in das Reich der Fantasie. Während eine sozialpolitische Kritik aufscheint, wenn auch berechtigt, verlagert sich die Erzählung allmählich in einen breiteren existenziellen Rahmen.
SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch, Spanisch
Sei nicht böse (2015)
Ostia, 1995. Vittorio und Cesare sind seit jeher Freunde, „Brüder fürs Leben“. Ihre Tage verbringen sie mit dem Handel von synthetischen Drogen, Prügeleien und Clubbesuchen. Sie leben in einer marginalen und gewalttätigen Welt, in der die Zukunft scheinbar nicht existiert. Als Vittorio nach einer Nahtoderfahrung beschließt, sein Leben zu ändern und einen ehrlichen Job zu finden, versucht er, Cesare mit sich zu ziehen, doch ihn von seinem selbstzerstörerischen Dämon zu retten, wird eine fast unmögliche Aufgabe sein.
Das spirituelle Testament von Claudio Caligari, einem Kultregisseur, der kurz nach Drehschluss verstarb, ist Sei nicht böse ein kraftvolles und verzweifeltes Werk, ein Schlag in die Magengrube, der idealerweise die Trilogie über die römische Marginalität abschließt, die mit Amore tossico begann. Der Film ist eine pasolinische Erzählung, roh und zugleich lyrisch, die ihre Figuren ohne Urteil, aber mit tiefer und schmerzlicher Menschlichkeit betrachtet.
Die Produktion des Films selbst ist ein Akt des unabhängigen Kinos, vollendet dank der Beharrlichkeit des Schauspielers Valerio Mastandrea und einer ganzen Filmgemeinschaft. Alessandro Borghi und Luca Marinelli, in zwei außergewöhnlichen Darstellungen, verleihen einer verlorenen Generation, gefangen in einer Gegenwart ohne Auswege, Körper und Seele. Es ist ein viszerales Kino, das nichts verschont und uns ein Stück italienischer Realität mit brutaler und bewegender Ehrlichkeit zurückgibt.
Sworn Virgin (2015)
Um einem Schicksal der Unterwerfung in einer archaischen und patriarchalen Gesellschaft in den Bergen Albaniens zu entkommen, beruft sich die junge Hana auf ein altes Gesetz, den Kanun. Sie schwört, für immer Jungfrau zu bleiben und wird zum Mann, Mark, wodurch sie dieselben Rechte und Freiheiten wie andere Männer erhält. Jahre später zieht Mark nach Italien, um bei seiner Schwester zu leben, und beginnt dort, in einer völlig anderen Welt, eine schwierige und schmerzhafte Reise, um ihren Körper und ihre unterdrückte Weiblichkeit wiederzuentdecken.
Laura Bispuris Spielfilmdebüt ist ein intensiver und zarter Film, der mit großer Sensibilität die Themen Geschlechtsidentität, Erinnerung und Freiheit erforscht. Die Geschichte der albanischen „geschworenen Jungfrauen“ wird zu einer universellen Metapher für den Aufbau von Identität und die Möglichkeit, sich selbst neu zu erfinden. Der Film bewegt sich ständig zwischen zwei Zeitlinien und zwei Orten: der Vergangenheit in den rauen albanischen Bergen und der Gegenwart in einer modernen italienischen Stadt, was den inneren Konflikt der Protagonistin widerspiegelt.
Alba Rohrwacher liefert eine außergewöhnliche Leistung, die ganz auf Reduktion und Körperlichkeit setzt. Ihr steifer und unbeholfener Körper, ihre maskulinen Gesten und ihr verlorener Blick erzählen besser als jeder Dialog das Gefängnis, in das sie sich selbst eingeschlossen hat. Bispuris Regie ist intim und sinnlich, aufmerksam auf Details und kleine Epiphanien, die Hanas/Marks Weg zur Selbstfindung markieren.
Black Souls (2014)
Drei Brüder aus Africo, im Aspromonte, verkörpern drei unterschiedliche Schicksale, die mit der ‚Ndrangheta verbunden sind. Luigi ist ein internationaler Drogenhändler, der zwischen Mailand und Amsterdam lebt. Rocco ist Unternehmer und wäscht schmutziges Geld, auf der Suche nach einer unmöglichen bürgerlichen Respektabilität. Luciano, der Älteste, ist in Kalabrien geblieben und klammert sich an eine Illusion pastoraler Reinheit. Eine unüberlegte Tat von Lucianos jungem Sohn entfacht eine alte Fehde neu und zieht alle in eine unausweichliche Spirale der Gewalt.
Francesco Munzi schafft ein kraftvolles und strenges Werk, das den Mafiafilm zur Größe der griechischen Tragödie erhebt. Weit entfernt von der Spektakularisierung von Gomorrha ist Black Souls ein Film, der in die anthropologischen und psychologischen Wurzeln des Verbrechens eintaucht und das Gewicht von Blut, Land und einer Vergangenheit erforscht, die nicht ausgelöscht werden kann. Die raue und archaische Landschaft des Aspromonte ist nicht nur Kulisse, sondern ein Charakter, der über den Schicksalen der Menschen schwebt.
Die Regie ist rigoros, fast rituell, aufmerksam auf die Stille und Gesten einer Welt, die von alten Codes beherrscht wird. Munzi vermeidet die Klischees des Genres, um sich auf das innere Drama seiner Figuren zu konzentrieren, auf ihren unmöglichen Kampf, einem bereits geschriebenen Schicksal zu entkommen. Es ist ein Film, der keine Hoffnung bietet, sondern ein klares und schreckliches Verständnis der Logik der Rache, ein Meisterwerk der Spannung und Tiefe, das einen unauslöschlichen Eindruck im italienischen Kino hinterlassen hat.
The Kempinsky Method
Drama, von Federico Salsano, Italien 2020.
Der introspektive imaginäre Roadmovie eines Mannes im Labyrinth seines eigenen Geistes, seiner Erinnerungen an seine Jugend, seiner niemals ruhenden Leidenschaften und widersprüchlichen Wahrheiten. Die Straße besteht aus Wasser, das Ziel ist scheinbar unbekannt. Seine Reisegefährten sind drei mysteriöse Männer, Projektionen seiner Fantasie und verschiedener Aspekte seiner Persönlichkeit: die ewige Melancholie, der verrückt Kreative, das introvertierte Kind. Ihm folgt auch eine weibliche Präsenz, die die x-te menschliche Geschichte erzählt. An einem bestimmten Punkt der Überquerung beschließt er, das Boot und seine Geister hinter sich zu lassen, taucht ins Meer und erreicht schwimmend einen verlassenen Strand, nackt, mit einer kleinen Pinocchio-Puppe, die mit einem Vorhängeschloss verschlossen ist.
In diesem großartigen Film ist das Leben wie eine lange Seereise und der Mensch eine kleine Kreatur, die sich der Unermesslichkeit stellt. Manchmal ist der Ozean ruhig, manchmal gibt es schreckliche Stürme. Manchmal sind wir Kapitäne eines Bootes mit einer klar definierten Route, manchmal sind wir Schiffbrüchige auf der Suche nach einem Land, in dem wir uns retten können. Doch trotz der langen Reise und der Bewegung im physischen Raum gibt es andere Fragen, die im Geist widerhallen: Wer sind diese Männer, mit denen ich reise? Was ist das Geheimnis dieser immensen Wassermasse, die scheinbar aus meinen Erinnerungen besteht? Man kann die ganze Welt umrunden, aber die Hauptfrage bleibt immer dieselbe: Wer bin ich wirklich?
SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Portugiesisch, Deutsch, Französisch
Die große Schönheit (2013)
Jep Gambardella ist ein 65-jähriger Journalist, charmant und desillusioniert, der König der gesellschaftlichen Nächte eines dekadenten und prächtigen Rom. Nach einem einzigen erfolgreichen Roman, den er in seiner Jugend schrieb, hat er sein Talent in einem Leben voller Partys, Geplauder und Zynismus vergeudet. Die Nachricht vom Tod seiner ersten Liebe zwingt ihn, sich mit der Vergangenheit auseinanderzusetzen, und treibt ihn auf eine traumähnliche Reise durch die Stadt, auf der Suche nach einem verlorenen Sinn und einer „großen Schönheit“, die scheinbar verschwunden ist.
Gewinner des Academy Award für den besten fremdsprachigen Film, ist The Great Beauty das Werk, das Paolo Sorrentino weltweit bekannt machte. Oft mit Fellinis La Dolce Vita verglichen, ist der Film tatsächlich ein zutiefst persönliches und zeitgenössisches Werk, ein Requiem für eine verfallende Welt und eine eindringliche Meditation über Zeit, Erinnerung und künstlerische Schöpfung. Sorrentinos Rom ist eine unwirkliche Bühne, ein Labyrinth aus prächtigen Terrassen, antiken Palästen und stillen Ruinen, wo das Heilige und das Profane in einem melancholischen Karneval verschmelzen.
Die Regie ist ein Triumph visueller Virtuosität, eine Symphonie opulenter Bilder, die die vergängliche Schönheit und die tiefe Leere von Jeps Leben einfangen. Toni Servillo ist erneut sublim darin, einem komplexen Charakter Körper und Stimme zu verleihen, einem zynischen Ästheten, der eine unheilbare Nostalgie nach Unschuld verbirgt. Es ist ein Film, der den Sinn von Kunst und Leben in einer Ära hinterfragt, die scheinbar alle Werte verloren hat, ein Meisterwerk, das das italienische Kino zurück ins Zentrum der internationalen Bühne brachte.
Sacro GRA (2013)
Weit entfernt vom monumentalen Zentrum Roms pulsiert eine andere Stadt entlang der Ränder des Grande Raccordo Anulare, der Autobahn, die die Hauptstadt umkreist. Hier, in diesem für die meisten unsichtbaren Gebiet, leben und arbeiten außergewöhnliche Charaktere: ein Botaniker, der von Parasiten befallene Palmen untersucht, ein Aal-Fischer, der auf einem Lastkahn am Tiber lebt, ein dekadenter Adliger, ein Sanitäter, der Unfallopfern hilft. Ein Mosaik von Leben am Rande der Metropole.
Der erste und einzige Dokumentarfilm, der den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig gewann, Sacro GRA ist ein Werk, das die Grenzen des Realitätskinos neu definiert. Gianfranco Rosi taucht mit seinem geduldigen und neugierigen Blick über Jahre in diese verborgene Welt ein, findet das Epische im Alltäglichen und Poesie im Gewöhnlichen. Der Film hat keine These zu beweisen noch eine Geschichte im traditionellen Sinne zu erzählen; er ist vielmehr ein menschliches Fresko, ein „säkulares Geheimnis“, das die Menschlichkeit offenbart, die an scheinbar anonymen Orten verborgen liegt.
Rosis Regie ist präzise und malerisch. Jede Einstellung ist sorgfältig komponiert und verwandelt die Randlandschaften des Raccordo in bedeutungsvolle Szenen. Der Regisseur interviewt seine Figuren nicht, sondern beobachtet sie im Leben, fängt Momente von Intimität, Ironie und Melancholie ein. Es ist ein Kino, das vom Zuschauer verlangt, narrative Erwartungen loszulassen, um sich von einem Fluss von Bildern und Begegnungen tragen zu lassen, auf der Entdeckung der unerwarteten Schönheit, die am Rande des Sichtbaren liegt.
Reality (2012)
Luciano, ein charmanter und überschwänglicher neapolitanischer Fischhändler, verdient seinen Lebensunterhalt mit kleinen Betrügereien und träumt von einem anderen Leben. Getrieben von seiner Familie nimmt er an einem Casting für „Big Brother“ teil. Diese scheinbar harmlose Erfahrung löst in ihm eine totalisierende Obsession aus. Überzeugt davon, ständig von der Produktion der Reality-Show beobachtet zu werden, verfällt Luciano in eine Paranoia, die ihn zunehmend von der Realität entfernt und seinen Traum vom Ruhm in einen Albtraum verwandelt.
Nach der rohen Realität von Gomorrha überrascht Matteo Garrone alle mit einer düsteren, grotesken und schmerzhaften Fabel über das zeitgenössische Italien und seine Besessenheit vom Ruhm. Reality ist eine unerbittliche Kritik an der „Spektakularisierung des Nichts“, an einer Gesellschaft, in der das Scheinbare das Sein ersetzt hat. Garrone verlässt den dokumentarischen Stil und nimmt eine eher fellinieske Tonlage an, indem er Übertreibung und Surrealismus nutzt, um die Absurdität einer von Fernsehen geprägten Welt zu beschreiben.
Der Film ist eine bittere Parabel über den Verlust der Unschuld und die menschliche Zerbrechlichkeit angesichts des Trugbildes des leichten Erfolgs. Die Darstellung von Aniello Arena, einem Schauspieler mit einer Vergangenheit als lebenslanger Gefangener, ist außergewöhnlich in ihrer Fähigkeit, Lucianos gutmütige Naivität und seinen anschließenden Abstieg in den Wahnsinn zu verkörpern. Mit dem Grand Prix von Cannes ausgezeichnet, bestätigt Reality die Vielseitigkeit eines Autors, der die Pathologien der Gegenwart mit scharfem und zutiefst menschlichem Blick zu lesen vermag.
Caesar Must Die (2012)
Im Hochsicherheitsflügel des Gefängnisses Rebibbia in Rom inszeniert eine Gruppe von Insassen, von denen viele wegen Mafia-Verbrechen verurteilt sind, William Shakespeares „Julius Caesar“. Während der Proben verschmelzen die Worte des englischen Dramatikers mit ihrem Leben, ihren Erinnerungen und ihren Ehrenkodizes. Die Grenze zwischen Fiktion und Realität verschwimmt, und das Theater wird zu einem Spiegel, in dem Themen wie Verrat, Macht und Freiheit reflektiert werden.
Gewinner des Goldenen Bären bei der Berlinale ist Caesar Must Die ein außergewöhnliches Werk, das Dokumentarfilm, Fiktion und Theater hybridisiert. Die Brüder Taviani, Meister des italienischen Kinos, schaffen einen kraftvollen und bewegenden Film, in dem die Stärke von Shakespeares Text durch die Wahrheit der Gesichter und Erfahrungen der Insassen-Schauspieler verstärkt wird. Die Entscheidung, fast ausschließlich in Schwarzweiß innerhalb der Gefängnismauern zu drehen, erzeugt eine klaustrophobische und zeitlose Atmosphäre.
Der Film erforscht die kathartische Funktion der Kunst. Für diese Männer ist das Schauspiel nicht nur eine Flucht, sondern eine Möglichkeit, sich ihrer Vergangenheit und ihrer Situation zu stellen. Der berühmte Schlusssatz eines der Protagonisten – „Seit ich die Kunst kenne, ist diese Zelle ein Gefängnis geworden“ – fasst das Paradoxon des Films zusammen: Kunst befreit den Geist, macht aber das Bewusstsein der physischen Gefangenschaft noch schärfer. Ein Werk von seltener Intelligenz und Menschlichkeit.
Mystery of an Employee
Drama, Thriller, von Fabio Del Greco, Italien, 2019.
Jemand will das Leben des Angestellten Giuseppe Russo kontrollieren: die Produkte, die er kauft, seinen politischen und religiösen Glauben, sein Privatleben, sogar seine Träume. Doch er wird alles tun, um der Kontrolle zu entkommen und sein wahres Selbst zu finden. Giuseppe ist ein etwa 45-jähriger Mann, verheiratet, mit einem festen Job und einem eigenen Zuhause. Sein Leben verläuft scheinbar friedlich, bis er einen geheimnisvollen Landstreicher trifft, der ihm einige alte VHS-Videokassetten gibt. Giuseppe beginnt, Videobänder zu sehen, auf denen er in verschiedenen Momenten seines Lebens gefilmt wurde – als Kind, dann als Teenager und als junger Mann. Wer hat diese Videos gedreht, an die er sich nichts erinnert? Giuseppe hat das seltsame Gefühl, ständig beobachtet zu werden, und beginnt zu untersuchen, was vor sich geht. Durch seine Nachforschungen entdeckt er seine wahre Identität wieder und wird sich bewusst, wer er wirklich ist.
Employee's Mystery ist ein Film, der die Gefahr der sozialen Kontrolle hervorhebt und eine Gesellschaft zeigt, in der jeder ständig überwacht und in seinem tiefsten Inneren konditioniert wird. Der Film ist auch eine Analyse der menschlichen Natur und Identität. Fabio Del Greco, der Giuseppe spielt, liefert eine fesselnde Darstellung. Ebenso überzeugend sind Chiara Pavoni in der Rolle der Giada Rubin und Roberto Pensa in der Rolle des Landstreichers. Employee's Mystery ist ein Film, der wichtige Themen auf originelle Weise behandelt, ein psychologischer Thriller, der den Zuschauer bis zum Ende fesselt: eine Metapher für die zeitgenössische Gesellschaft, in der Menschen zunehmend von Medien und Technologien überwacht und beeinflusst werden. Es ist ein mutiges und provokantes Werk, das wichtige Themen auf originelle Weise anspricht.
SPRACHE: Italienisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch
Die vier Zeiten (2010)
![Le Quattro Volte (2011) Official Trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FNZDO4GJehQs%2F0.jpg)
In einem kleinen, alten Dorf in Kalabrien fließt das Leben nach unveränderlichen Rhythmen. Ein alter, kranker Hirte verbringt seine letzten Tage damit, seine Ziegen zu hüten. Seine Seele wird gemäß der pythagoreischen Lehre in ein neugeborenes Zicklein, dann in eine majestätische Tanne und schließlich in die Holzkohle, die aus diesem Baum hergestellt wird, wiedergeboren. Ein ewiger Transformationszyklus, der das menschliche, tierische, pflanzliche und mineralische Reich in einer einzigen, stillen Symphonie vereint.
Michelangelo Frammartino schafft ein radikales und poetisches Werk, einen Film, der fast ohne Dialoge auskommt und sich einzig auf die Kraft der Bilder und die Klänge der Natur verlässt. Die vier Zeiten ist ein reines Beispiel für „Slow Cinema“, ein kontemplatives Kino, das den Zuschauer einlädt, zu entschleunigen, zu beobachten und die unsichtbaren Verbindungen wahrzunehmen, die jede Lebensform miteinander verbinden. Es ist kein Dokumentarfilm, sondern ein visuelles Poem, das komplexe philosophische Konzepte mit einer verblüffenden Einfachheit erforscht.
Frammartinos Regie ist streng und geduldig. Die Kamera, oft fixiert, fängt die strenge Schönheit der kalabrischen Landschaft und die Ritualität der täglichen Gesten ein und findet das Universelle im Besonderen. Es ist ein Kino, das narrative Konventionen ablehnt, um zu einer sinnlichen und spirituellen Erfahrung zu werden, ein mutiges Werk, das die Fähigkeit des unabhängigen Kinos demonstriert, neue sprachliche Territorien zu erkunden und eine seltene Tiefe zu erreichen.
Gomorrha (2008)
Basierend auf dem investigativen Roman von Roberto Saviano verwebt der Film fünf Geschichten, die die allgegenwärtige Macht der Camorra im neapolitanischen Hinterland offenbaren. Vom Entsorgen von Giftmüll über High Fashion bis hin zum Drogenhandel und den kriminellen Ambitionen zweier übermütiger Jugendlicher zeigen die Ereignisse ein System, in dem Gewalt das einzige Gesetz ist und das menschliche Leben einen vernachlässigbaren Wert hat. Ein chorisches und gnadenloses Fresko, das die Normalität des Bösen dokumentiert.
Gomorrha ist ein Punkt ohne Wiederkehr für das italienische Kino und für die Darstellung der organisierten Kriminalität. Matteo Garrone führt eine radikale Operation durch: Er verzichtet auf jeglichen Mafia-Romantizismus und nimmt einen fast dokumentarischen, rohen und beobachtenden Stil an. Es gibt keine Helden oder Antihelden, nur Individuen, die in einem Mechanismus gefangen sind, der größer ist als sie selbst. Die Kamera folgt den Figuren und zeichnet ihre Handlungen mit einer Kälte auf, die den Horror verstärkt.
Der Film ist eine immersive und beklemmende Erfahrung. Der Einsatz von Laiendarstellern, der dichte Dialekt und die realen Schauplätze tragen dazu bei, ein bedrückendes Gefühl von Authentizität zu schaffen. Garrone erklärt nicht, er zeigt. Er lehnt die Didaktik des traditionellen investigativen Kinos ab, um die Realität in ihrer fragmentierten Brutalität wiederzugeben. Sein internationaler Erfolg bewies die Existenz eines globalen Publikums, das nach italienischen Geschichten ohne Filter verlangt, definierte das Genre neu und beeinflusste eine ganze Generation von Regisseuren.
Die Folgen der Liebe (2004)
Acht Jahre lang führt Titta Di Girolamo ein steriles und methodisches Dasein in einem anonymen Hotel in der italienischsprachigen Schweiz. Jeder seiner Tage ist geprägt von einer unveränderlichen Routine, von einer scheinbaren Apathie, die ein ungeständliches Geheimnis verbirgt: Er verbüßt eine Strafe im Auftrag der Cosa Nostra. Die Begegnung mit Sofia, der jungen und neugierigen Hotelbarfrau, durchbricht seine Rüstung der Einsamkeit und löst eine Kette von Ereignissen aus, die ihn zu einer Geste führen wird, die ebenso romantisch wie fatal ist.
Wenn L’uomo in più eine Explosion von Talent war, ist Die Folgen der Liebe dessen stilistische Weihe. Paolo Sorrentino inszeniert ein Werk von fast geometrischer formaler Perfektion, in dem jede Einstellung, jede Kamerabewegung, jedes Schweigen darauf abgestimmt ist, ein existenzielles Gefängnis um seinen Protagonisten zu errichten. Der Film ist ein Thriller der Seele, ein metaphysischer Noir, der eine Mafia-Geschichte in eine tiefgründige Reflexion über Freiheit, Schicksal und den Preis der Gefühle verwandelt.
Toni Servillo liefert eine seiner ikonischsten Darstellungen und verkörpert die Einsamkeit und Würde eines Mannes, der alles aufgegeben hat. Sorrentinos Regie ist eisig und doch lebendig, fähig, durch die Wiederholung von Gesten und den meisterhaften Einsatz des Soundtracks eine unerträgliche Spannung zu erzeugen. Es ist ein Kino, das auf Aktion verzichtet, um sich auf innere Zustände zu konzentrieren, ein modernistisches Werk, das zeigt, wie formale Eleganz zum effektivsten Werkzeug werden kann, um die Geschichte vom Chaos der menschlichen Seele zu erzählen.
Der Einbalsamierer (2002)
Peppino, ein zwergenhafter Präparator, so geschickt wie ambivalent, lebt und arbeitet im trostlosen Villaggio Coppola, einem Niemandsland an der Küste von Caserta. Sein einsames Leben wird durch die Begegnung mit Valerio, einem jungen Mann von außergewöhnlicher Schönheit, den er als Assistenten einstellt, auf den Kopf gestellt. Zwischen den beiden entwickelt sich eine morbide Beziehung von Abhängigkeit und Kontrolle, ein tödliches Dreieck, das durch das Erscheinen von Deborah, Valerios Freundin, die einem tragischen Ende entgegengeht, komplettiert wird.
Vor dem internationalen Erfolg von Gomorra hatte Matteo Garrone bereits eine seltene Fähigkeit bewiesen, die Abgründe der menschlichen Seele mit einem rohen und fast tastbaren Stil zu durchdringen. Der Einbalsamierer ist ein fundamentales Werk, das eine Wende im neuen italienischen Kino markiert, ein untypischer Noir, der sich in ein tiefschwarzes Melodram verwandelt. Inspiriert von einem realen Kriminalfall, nutzt der Film das Handwerk der Präparation als kraftvolle Metapher: Peppino beschränkt sich nicht darauf, Tiere einzubalsamieren, sondern versucht, die Schönheit Valerios zu besitzen und zu versteinern, um sie ewig und harmlos zu machen.
Die gespenstische Landschaft von Villaggio Coppola mit ihrer illegalen und dekadenten Architektur ist nicht nur eine Kulisse, sondern ein Spiegel der inneren Verwüstung der Figuren. Garrone filmt die Körper und Orte mit ungeschöntem Realismus, wodurch das Groteske verstörend und plausibel wird. Es ist ein physisches Kino, das den Zuschauer in eine Atmosphäre moralischer und affektiver Fäulnis eintauchen lässt und die Geburt eines neuen italienischen Noir markiert, der sich von amerikanischen Vorbildern löst und tief in den sozialen Ängsten des Landes verwurzelt ist.
One Man Up (2001)
Neapel, 1980er Jahre. Die parallelen Leben zweier Männer mit demselben Namen, Antonio Pisapia, kreuzen sich und gehen auseinander. Der eine ist ein erfolgreicher Sänger, Tony, ein koksabhängiger und frecher Typ; der andere ein schüchterner und disziplinierter Fußballer, Antonio. Beide stehen auf dem Höhepunkt ihrer Karrieren, doch ein grausames Schicksal wird sie in einen unerbittlichen und tragikomischen Abstieg treiben, der sie zwingt, sich mit Versagen, Einsamkeit und der Suche nach einer unmöglichen Freiheit auseinanderzusetzen.
Mit seinem strahlenden Debüt legt Paolo Sorrentino den Grundstein für sein gesamtes zukünftiges Kino. One Man Up ist nicht nur ein Film; es ist ein poetisches Manifest. Hier entstehen die Themen, die zu seiner Obsession werden: die Einsamkeit öffentlicher Figuren, die Dialektik zwischen Erfolg und Scheitern, die groteske Maske, die eine tiefe Melancholie verbirgt. Inspiriert von den realen Persönlichkeiten Franco Califano und Agostino Di Bartolomei, überschreitet der Film die Biografie, um zur universellen Metapher des Daseins zu werden.
Es ist auch der Beginn der fast symbiotischen künstlerischen Partnerschaft mit Toni Servillo, dessen Tony Pisapia bereits ein perfekter sorrentinischer Archetyp ist: ein Mann, der seine Zerbrechlichkeit hinter einer undurchdringlichen Rüstung aus Zynismus und Ironie verbirgt. Der Stil ist bereits unverkennbar: prachtvolle Regie, die das Erhabene im Schmutzigen findet, brillante Dialoge und eine einzigartige Fähigkeit, Nachrichten in eine existenzielle Parabel zu verwandeln.
Feast
Dokumentarfilm von Franco Piavoli, 2018, Italien.
Franco Piavoli, Autor des Meisterwerks „Der blaue Planet“, kehrt als Regisseur zurück, um den „Abend des Festtages“ zwischen Leopardi und Pascoli einzufangen. Eine Reise zwischen Poesie und Anthropologie. Was ist ein „Fest“? Was repräsentiert es aus symbolischer und materieller Sicht? Welche Lasten oder welche Erleichterungen bringt es den Gedanken der Menschen? Und welchen Wert erhält es, wenn es zu einem kollektiven Akt wird? Festa braucht keinen Glanz, sie erreicht das Herz des Zuschauers direkt, ohne Schichtung, ohne Abweichung vom Weg, ohne Zugabe.
Sprache: Italienisch
Untertitel: Englisch
Der Baum der Holzschuhe (1978)
Es ist ein italienischer Film von 1978, geschrieben und inszeniert von Ermanno Olmi. Der Film erzählt die Geschichte des lombardischen Bauernlebens auf einem Bauernhof im späten 19. Jahrhundert. Er weist einige Ähnlichkeiten mit der früheren italienischen Neorealismus-Bewegung auf, und die Rollen wurden von echten Bauern und Bewohnern gespielt, nicht von professionellen Schauspielern. Der Film gewann vierzehn Auszeichnungen, darunter die Goldene Palme in Cannes und den César für den besten ausländischen Film. Die ursprüngliche Version des Films ist in Bergamo Lombardo gesprochen.
Vier Bauernfamilien, die für denselben Gutsherrn Höfe bewirtschaften, erzielen 1898 auf dem Land um Bergamo einen mageren Gewinn. Im Laufe eines Jahres werden Kinder geboren, Felder bestellt, Tiere geschlachtet und Paare verheiratet; Gebete und Geschichten werden auf dem gemeinsamen Hof der Familien ausgetauscht. Transformative Unterströmungen werden von den Bauern gespürt, aber meist ignoriert, ein kommunistischer Rebell hält eine Rede auf einer regionalen Messe, und als ein frisch verheiratetes Paar die große Stadt Mailand besucht, werden sie Zeugen der Verhaftung politischer Gefangener. Der Frühling kommt, der Vater fällt einen Baum, um Holzschuhe zu machen, die sein Kind zur Schule tragen kann, doch der Grundbesitzer bemerkt dies, und die Familie wird gezwungen, das Land zu verlassen.
Suspiria (1977)
Eine amerikanische Studentin, die eine Ballettakademie in Deutschland besucht, entdeckt, dass die Schule nur eine Fassade für etwas Unheimliches ist, vor dem Hintergrund einer Reihe grausamer Morde. Diese erschreckende Erzählung wird meisterhaft von Dario Argento inszeniert. Der Film zeigt Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci und Miguel Bosé, die die Geschichte mit ihren überzeugenden Darstellungen zum Leben erwecken. Argento, ein Meister des Thrillerfilms, schafft ein cineastisches Erlebnis, das das Publikum fesselt, es auf die Kante des Sitzes bringt und durchgehend ein Gefühl von Zweifel und Unbehagen erzeugt.
Dieser Film sticht als faszinierendes, anspruchsvolles und außergewöhnlich lebendiges Werk hervor, das durch seinen bizarren und fesselnden visuellen Stil geprägt ist, verstärkt durch die herausragende Kameraarbeit von Vittorio Storaro. Obwohl der Dialog gelegentlich schwächelt, verzaubert und erschreckt Suspiria mit seinem Fokus auf Blut und Angst. Der Regisseur hält bewusst eine minimalistische Handlung bei, um stattdessen die atemberaubenden Bilder des Films hervorzuheben, im Gegensatz zu seinen früheren Werken, und verschiebt die Grenzen des Horrors, während er eine intensive und unheimliche Atmosphäre bewahrt.
Das Haus mit den lachenden Fenstern (1976)
Das Haus mit den lachenden Fenstern ist eine eindringliche Geschichte, die tief in die schaurige Welt des italienischen Horrors eintaucht. Stefano, ein begeisterter und talentierter junger Kunstrestaurator, erhält die einzigartige Gelegenheit, an einem geheimnisvollen Fresko zu arbeiten, das in den Mauern einer Kirche in einem abgelegenen, unheimlichen Dorf weit entfernt vom Trubel des modernen Lebens verborgen ist. Unter der geschickten Regie von Pupi Avati und zum Leben erweckt durch die überzeugenden Darstellungen von Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina und Giulio Pizzirani bietet dieser Film eine fesselnde Erzählung, die das Publikum von Anfang bis Ende in ihren Bann zieht.
Während Fans des italienischen Horrors manche Filme des Genres als vorhersehbar oder formelhaft empfinden mögen, zeichnet sich dieses gotische Meisterwerk dadurch aus, dass es ein überwältigendes Gefühl von Unbehagen und anhaltender Spannung erzeugt und kunstvoll ein Geflecht des Schreckens webt, das seine Zeitgenossen übertrifft. Während sich die Handlung entfaltet, verstärkt sich die allgegenwärtige Angst, die die Zuschauer in einer unerbittlichen Umarmung hält, die nicht loslässt, und sich schließlich zu einem unerträglichen Crescendo steigert, wenn die Geschichte ihren erschreckenden Höhepunkt erreicht.
L’uccello dalle piume di cristallo (1970)
Es ist ein italienischer Film von 1970, der vom Meister des italienischen Giallo, Dario Argento, in seinem Regiedebüt inszeniert wurde. Der Film ist der erste in der Kategorie Giallo italiano, die eine lange Erfolgsperiode für diese Art von Filmen einläutete. Bei seiner Veröffentlichung war der Film ein großer Kassenerfolg. Er war auch außerhalb Italiens erfolgreich.
Sam Dalmas ist ein amerikanischer Schriftsteller, der mit seiner englischen Freundin Julia, die unter einer Schreibblockade leidet und kurz davor steht, nach Amerika zurückzukehren, in Rom Urlaub macht. Er wird Zeuge, wie eine Frau in einer Kunstgalerie von einem seltsamen Mann mit schwarzen Handschuhen und Regenmantel angegriffen wird. Als er versucht, ihn zu erreichen, gerät Sam zwischen zwei mechanisch betriebene Glastüren und kann nur sehen, wie der Mann entkommt. Das Mädchen, Monica Ranieri, wurde angegriffen, und die Behörden nahmen Sams Reisepass an sich, um ihn am Verlassen des Landes zu hindern. Der Angreifer wird für einen Serienmörder gehalten, der Frauen in der ganzen Stadt ermordet, und Sam ist ein wichtiger Zeuge.
Der Konformist (1970)
![The Conformist (1970) Original Trailer [HD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2Fw2djvGyhZ-k%2F0.jpg)
Bernardo Bertoluccis psychologischer Thriller untersucht einen faschistischen Attentäter, der versucht, durch Heirat Normalität herzustellen, während er den Befehl erhält, seinen ehemaligen Professor zu ermorden. Dabei werden Themen wie politische Komplizenschaft, Identität und moralische Kompromisse während Mussolinis Regime erforscht.
Mit außergewöhnlicher visueller Raffinesse gedreht, nutzt Bertolucci Kinematographie und Mise-en-Scène, um die Psychologie des Faschismus und der Konformität zu ergründen. Die formale Brillanz und thematische Tiefe des Films schaffen eine eindringliche Meditation darüber, wie Individuen ihre Teilnahme an unterdrückerischen Systemen rationalisieren.
Dillinger ist tot (1969)
Es ist ein italienisches Drama von 1969 unter der Regie von Marco Ferreri. In der Besetzung sind Michel Piccoli, Anita Pallenberg und Annie Girardot. Die Geschichte ist eine düster-satirische Mischung aus Traum und Wirklichkeit. Der Film folgt einem gelangweilten und entfremdeten Mann durch die Nacht in seinem Zuhause. Der Titel stammt von einem Zeitungsartikel, der im Film enthalten ist und den Tod des amerikanischen Gangsters John Dillinger verkündet. Der Film galt bei seiner Erstveröffentlichung wegen seines Themas und der Gewalt als anstößig, wird heute jedoch allgemein als das wichtigste Kunstwerk in Ferreris Filmografie angesehen. Er war der bedeutenden französischen Filmzeitschrift Cahiers du cinéma wohlbekannt, und Ferreri lebte und arbeitete später mehrere Jahre in Paris.
Glauco, ein mittelalter Designer von kommerziellen Gasmasken, ist seiner Profession überdrüssig. Nach einer Diskussion über Entfremdung mit einem Kollegen in der Fabrik kehrt er nach Hause zurück. Seine Frau liegt mit Kopfschmerzen im Bett, hat aber sein Abendessen auf den Tisch gestellt, das inzwischen kalt geworden ist. Er ist enttäuscht vom Essen und beginnt, sich eine bessere Mahlzeit zuzubereiten.
Hässliche Vögel und kleine Vögel (1966)
Es ist ein italienischer Film von 1966 unter der Regie von Pier Paolo Pasolini. Der Film nahm am Filmfestival von Cannes 1966 teil, wo er eine „Spezielle Erwähnung“ für Totò erhielt. Der Film kann als teilweise neorealistisch beschrieben werden und behandelt marxistische Themen von Härte und Klassenkonflikt. Er zeigt den populären italienischen Komiker Totò, der von seinem Sohn begleitet wird, gespielt von Ninetto Davoli. Dies ist der letzte Film mit Totò vor seinem Tod im Jahr 1967.
Totò und sein Sohn Ninetto wandern durch die römische Landschaft. Während ihres Spaziergangs beobachten sie, wie nach einem Mord eine Leiche aus einem Haus getragen wird. Anschließend stoßen sie auf eine sprechende Krähe, die in den Untertiteln erklärt wird: „Für diejenigen, die nicht aufgepasst haben oder noch Zweifel hegen, weisen wir darauf hin, dass die Krähe – wie Sie behaupten – ein linksgerichteter Intellektueller des Typs ist, der vor dem Tod von Palmiro Togliatti lebte. Nach vielen Misserfolgen finden die beiden Figuren die Sprache der Vögel und schaffen es, Liebe an Familien zu predigen, doch die Falken töten und fressen weiterhin die Spatzen, wie es ihrer Natur entspricht.
Die Affenfrau (1964)
Der italienische Film von 1964, meisterhaft inszeniert von Marco Ferreri, behandelt faszinierende und zum Nachdenken anregende Themen und erforscht die Komplexität der menschlichen Natur. Dieses filmische Werk erlangte Bekanntheit durch seine Aufführung beim renommierten Filmfestival von Cannes 1964 und zog sowohl das Publikum als auch Kritiker in seinen Bann. Der Film basiert auf der bewegenden wahren Geschichte von Julia Pastrana, die im 19. Jahrhundert lebte und aufgrund ihrer einzigartigen Erkrankung zahlreichen Widrigkeiten ausgesetzt war.Die Handlung dreht sich um Marie, oft als „Affenfrau“ bezeichnet, eine Figur, die aufgrund ihres vollständig behaarten Körpers unter Beobachtung und Ausbeutung leidet. Entdeckt vom Unternehmer Focaccia in einem Kloster in Neapel, nimmt ihr Leben eine drastische Wendung. Die Nonnen, beschützend, aber pragmatisch, bestehen darauf, dass Focaccia sie heiratet, um ihre Freilassung zu ermöglichen. Nach der Heirat beginnt Focaccia, Marie der Öffentlichkeit zu präsentieren, getrieben von dem Wunsch, von ihrer Einzigartigkeit zu profitieren.In einer Spiegelung gesellschaftlicher Einstellungen versucht Focaccia, sie einem jungen Mann als Symbol unberührter Reinheit anzubieten, doch Marie zögert, solchen Arrangements zuzustimmen. Während sie in Paris eine gewisse Anerkennung erlangt, nimmt ihr Leben eine tragische Wendung. Marie stirbt tragischerweise bei der Geburt, ein ergreifendes Ende eines stürmischen Lebens. Unbeeindruckt von ihrem Tod holt Focaccia ihren Körper aus dem naturhistorischen Museum zurück und entscheidet sich, ihn in Neapel auszustellen, um sicherzustellen, dass ihre Geschichte noch lange nach ihrem Tod Faszination und Nachdenklichkeit hervorruft.
8½ (1963)
Federico Fellinis filmisches Meisterwerk taucht tief in das Leben eines gefeierten Filmregisseurs ein, der mit einer tiefgreifenden kreativen Blockade kämpft. Eintauchend in die Wirren seiner persönlichen Krise und die existenzielle Verwirrung, die ihn umgibt, befindet er sich an einem Scheideweg. Der Regisseur ist in einem Netz künstlerischer Blockaden gefangen, gerade als er versucht, seine neueste filmische Vision zu verwirklichen. Im Verlauf der Erzählung muss er sich dem turbulenten Chaos stellen, das sowohl seine beruflichen Verpflichtungen als auch die komplexen Dynamiken seiner intimen Beziehungen durchdringt. Diese eindringliche Erkundung zeichnet ein komplexes Porträt eines Mannes, der sowohl künstlerisch als auch persönlich orientierungslos ist und versucht, seine zerbrochene Welt zusammenzusetzen, während ihn die wirbelnden Strudel von Verwirrung und Unsicherheit bei jedem Schritt zu überwältigen drohen.
Dieses bahnbrechende Meisterwerk revolutionierte die Welt des Kinos durch die Einführung einer einzigartigen und innovativen Erzählstruktur, die Realität nahtlos mit fantasievollen Sequenzen verwebte. Fellinis einfühlsame und reflektierende Erforschung des künstlerischen Weges, verbunden mit seiner tiefgründigen Untersuchung menschlicher Beziehungen, sprengte die Grenzen des im Film für möglich Gehaltenen. Dieses Werk eröffnete neue formale Möglichkeiten und setzte einen Maßstab, der unzählige Regisseure über Generationen hinweg inspirierte. Sein bedeutender Einfluss auf die Kunstform hat seinen Status als eine der monumentalsten Errungenschaften in der Geschichte des Kinos gefestigt und feiert sowohl kreative Ausdruckskraft als auch die Komplexität der menschlichen Erfahrung.
Der Leopard (1963)
Luchino Viscontis episches Drama schildert den Niedergang der sizilianischen Aristokratie während der Einigung Italiens und folgt einer Adelsfamilie, die sich durch politische Umbrüche, Generationenkonflikte und die unvermeidliche Transformation ihrer Welt im Risorgimento bewegt.
Viscontis monumentale Leistung verbindet intime Charakterstudien mit einem weiten historischen Rahmen durch atemberaubende Kinematographie und akribisches Produktionsdesign. Burt Lancaster verkörpert den alternden Prinzen mit Würde und Resignation, während der Film Themen wie unvermeidlichen historischen Wandel und persönliche Überflüssigkeit erforscht.
Black Sabbath (1963)
![Black Sabbath (1963) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FJO8LJjLjncc%2F0.jpg)
Boris Karloff spielt in einem Trio von Gruselgeschichten mit, darunter eine missbrauchte Callgirl, ein Vampir, der sein Zuhause ausnutzt, und eine Krankenschwester, die von dem rechtmäßigen Besitzer ihres Rings heimgesucht wird. Regie führte Mario Bava. Mit Michèle Mercier, Lidia Alfonsi, Boris Karloff, Mark Damon. Das gruseligste Element des Films ist sein Stil, besonders die schmutzigen und schweren Innenräume von The Drop of Water, während die schauspielerische Leistung weniger überzeugend ist. Selbst die Ton- und optischen Effekte wirken manchmal zu extrem: Eine größere Strenge hätte dem Film gutgetan.
Die Finsternis (1962)
Es ist ein italienischer Arthouse-Film von 1962, geschrieben und inszeniert von Michelangelo Antonioni und mit Alain Delon und Monica Vitti in den Hauptrollen. Gedreht zwischen Rom und Verona, folgt die Geschichte einem Mädchen (Vitti), das eine Beziehung mit einem jungen Börsenmakler (Delon) eingeht. Als in Florenz eine Sonnenfinsternis auftritt, verband Antonioni einige seiner Inspirationen mit dem Film. Der Film ist das Ende einer Trilogie und wird von L’Avventura (1960) und La Notte (1961) vorausgegangen. L’Eclisse gewann den Spezial-Jurypreis beim Filmfestival von Cannes 1962 und wurde für die Goldene Palme nominiert. Von Martin Scorsese als der kühnste Film der Trilogie bezeichnet, gehört er zu den bekanntesten Werken des Regisseurs.
An einem Montag im Juli 1961, im Morgengrauen, beendet Vittoria, eine junge literarische Übersetzerin, ihre Beziehung mit Riccardo in seiner Wohnung im Immobilienviertel EUR in Rom, nach einer langen Nacht voller Diskussionen. Riccardo versucht, sie zum Bleiben zu überreden, doch sie teilt ihm mit, dass sie ihn nicht mehr liebt, und geht. Während sie durch die verlassenen Straßen der frühen Morgenstunden am Wasserturm des EUR vorbeigeht, schließt sich Riccardo ihr an und begleitet sie durch ein bewaldetes Gebiet zu ihrer Wohnung, wo sie sich zum letzten Mal verabschieden.
Accattone (1961)
Vittorio (Franco Citti), Spitzname „Accattone“, führt ein Leben als Taugenichts, bis seine Straßenfrau Maddalena von ihren Konkurrenten ausgebeutet und verurteilt wird. Ohne festes Einkommen versucht er zunächst, sich mit der Mutter seines Kindes zu versöhnen, wird jedoch von seinen Eltern abgelehnt; daraufhin trifft er ein Mädchen aus der Vorstadt, Stella, und versucht, sie für sich zur Prostituierten zu machen, doch als ihr erster Kunde sie schlägt, läuft sie davon. Accattone versucht, sie zu trösten, verlässt sie jedoch, nachdem sie eine ungewöhnliche Vision ihres eigenen Todes hat, um mit ihren Freunden zu gehen.
Obwohl Accattone mit einem Drehbuch gedreht wurde, ist er eine filmische Umsetzung von Pasolinis frühen Erzählungen, insbesondere Ragazzi di vita und Una vita violenta. Es war der erste Film von Pierpaolo Pasolini als Regisseur und verwendet Regiestile, die sicherlich als Pasolinis Markenzeichen angesehen werden: nicht-professionelle Schauspieler aus dem Ort, an dem der Film spielt. Er gehört zu den hervorragenden filmischen Werken, die sich mit Menschen beschäftigen, die von Härten betroffen sind.
Il posto (1961)
Es ist ein italienischer Film von 1961 unter der Regie von Ermanno Olmi. Typischerweise als Olmis erstes bedeutendes Werk genannt, ist er ein Beispiel für den italienischen Neorealismus. Olmi gewann den David di Donatello als bester Regisseur für seine Arbeit an dem Film. Der Film erzählt die Geschichte von Domenico, einem Jungen, der die Schule aufgibt, weil seine Familie Geld braucht, und arbeiten muss. Nachdem er eine Stelle bei einem großen städtischen Unternehmen bekommt, durchläuft er eine seltsame Reihe von Prüfungen, Tests und Vorstellungsgesprächen. Während einer kurzen Pause von den Proben trifft er Antonietta, ein Mädchen, das wie er die Schule aufgegeben hat, weil sie Geld braucht, um sich und ihre Mutter zu unterstützen. Während dieses Treffens trinken sie Kaffee in einem Café und sprechen über ihr Leben und ihre Hoffnungen. Domenico fühlt sich zu ihr hingezogen, doch sie werden getrennt, als sie Jobs in verschiedenen Abteilungen bekommen.
La Notte (1961)
Michelangelo Antonionis Meisterwerk zeigt ein verheiratetes Paar – einen erfolgreichen Schriftsteller und seine Frau –, die eine Nacht in Mailand verbringen, um ihre emotionalen Bindungen neu zu überdenken, während sie durch das Nachtleben und die intellektuellen Kreise der Stadt wandern und sich mit Entfremdung und existenzieller Unsicherheit auseinandersetzen.
Antonionis präzise Mise-en-Scène und bewegliche Kameraführung verwandeln urbane Landschaften in emotionale Topographien. Die anhaltende Erforschung ehelicher Entfremdung und moderner Entkopplung, getragen von leuchtenden Darstellungen von Marcello Mastroianni und Jeanne Moreau, etablierte Antonionis definitiven Stil in der Darstellung zeitgenössischer Langeweile.
Das Abenteuer (1960)
![L'Avventura (1960) ORIGINAL TRAILER [FHD]](https://blog.indiecinema.co/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FOeTTaScAHLU%2F0.jpg)
Dieser italienische Film basiert auf einer Geschichte von Michelangelo Antonioni, die er zusammen mit den Co-Autoren Elio Bartolini und Tonino Guerra schrieb. Es handelt sich um einen Arthouse-Film über das Verschwinden einer Dame (Lea Massari) während einer Bootsfahrt im Mittelmeer und zugleich über den anschließenden Verrat ihres Bewunderers (Gabriele Ferzetti) mit seiner Partnerin (Monica Vitti). Gedreht wurde er 1959 in Rom, auf den Äolischen Inseln und Sizilien unter schwierigen wirtschaftlichen und logistischen Bedingungen. Ein Kunstwerk, das man gesehen haben muss, um die Essenz von Antonionis Kino und dessen Einfluss auf alle anderen Filmemacher zu verstehen.
Während Claudia unten wartet, haben Anna und Sandro bei ihr zu Hause Sex. Am nächsten Morgen erreicht die persönliche Luxusyacht die Äolischen Inseln im Norden Siziliens. Nachdem sie Basiluzzo passiert haben, taucht Anna impulsiv zum Schwimmen ins Wasser, und Sandro springt ihr nach. Sandro versucht, sie zu retten, als Anna schluchzt, dass sie tatsächlich einen Hai gesehen habe. Anna gesteht Claudia, dass der Hai eine Lüge war, um Sandros Interesse zu wecken. Nachdem er gesehen hat, dass Claudia ihre Bluse mag, sagt er ihr, sie solle sie anziehen, da sie ihr viel besser steht als Anna, und dass sie sie behalten könne. Anna ist unzufrieden mit Sandros langen Geschäftsreisen, der ihre Probleme ignoriert und auf den Felsen schläft.
Schwarzer Sonntag (1960)
Eine Hexe und ihr böser Diener kehren aus dem Grab zurück und starten eine blutige Strategie, um den Körper des Nachkommen der Hexe zurückzuerobern. Regie: Mario Bava. Mit: Barbara Steele, John Richardson, Andrea Checchi, Ivo Garrani. Moderne italienische Filmkritiker bewerteten den Film negativ, obwohl einige die Kameraführung lobten. Der Film verfügt über schöne Kamerabewegungen, und Bavas visueller Stil erzeugt Poesie und Gefühl ebenso wie Angst. Bava ist ein Autor malerischer Filme, und dies gehört zu seinen besten Werken.
Augen ohne Gesicht (1960)
Der Chirurg Génessier, ein bekannter plastischer Chirurg, der sich mit Transplantationen beschäftigt, ist verantwortlich für einen Autounfall, bei dem seine Tochter Christiane zwar überlebte, aber ein schrecklich entstelltes Gesicht davontrug. Mit Hilfe eines Assistenten lockt er Frauen in seine Werkstatt, um ihnen die Haut vom Gesicht zu reißen und sie auf die Wunden seiner Tochter zu transplantieren. Eine so schwierige Operation, dass sie systematisch nach jedem Fehlschlag der Transplantate wiederholt werden muss. Christiane, mit einer Maske im Gesicht, versteht dennoch absolut nichts …
Französische Kritiker behaupteten, es handele sich um eine Nachahmung des deutschen Expressionismus oder schlicht um einen Fehler des Regisseurs beim Sprung von Dokumentarfilmen zu Genrefilmen. Die britische Presse meinte, wenn ein Regisseur wie Georges Franju einen Horrorfilm dreht, könne man nicht versuchen, Allegorien oder Lesarten zu finden. Eyes Without a Face wurde im September 1986 erneut im Kino veröffentlicht, um Retrospektiven im National Movie Theater in London und der Cinémathèque Française zu begleiten, und der Film begann neu bewertet zu werden. Französische Kritiken zum Film waren besonders ermutigender als bei seiner Erstveröffentlichung. Das Publikum entdeckte die poetische Natur des Films, indem es ihn mit dem Werk des französischen Dichters und Regisseurs Jean Cocteau verglich. Franju verwendet ein seltsames Gedicht, in dem Cocteaus Inspiration erscheint.
La Dolce Vita (1960)
Federico Fellinis fast dreistündige Charakterstudie folgt einem Boulevardjournalisten durch episodische Begegnungen in der römischen High Society und offenbart die dekadente Verlockung und den moralischen Verfall von la dolce vita – dem süßen Leben – durch Begegnungen mit Aristokraten, Prominenten und Gesellschaftsfiguren.
Dieser zutiefst stilvolle Film überwindet seine Länge durch magnetisches Erzählen und Marcello Mastroiannis fesselnde Darstellung. Er fängt das Wesen der italienischen Gesellschaft ein und erforscht Themen wie Verlangen, Spiritualität und Ernüchterung, was ihn zu Roger Eberts Lieblingsfilm und zu einem Meilenstein der Filmgeschichte macht.
The Cry (1957)
Es ist ein italienischer Film von 1957 unter der Regie von Michelangelo Antonioni mit Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair und Dorian Gray in den Hauptrollen. Basierend auf einer Kurzgeschichte von Antonioni erzählt der Film von einem Mann, der ziellos umherwandert, weit entfernt von seiner Stadt, weit entfernt von der Frau, die er mochte, und schließlich geistig und sozial instabil wird. Il Grido gewann 1957 den Goldenen Leopard beim Internationalen Filmfestival von Locarno und 1958 das Silberne Band für die beste Kameraarbeit (Gianni di Venanzo).
Aldo arbeitete 7 Jahre in der Zuckerfabrik in Goriano. Seine Verlobte Irma erfährt, dass ihr Partner, der vor Jahren nach Australien gegangen war, um Arbeit zu suchen, dort kürzlich gestorben ist. Irma geht zur Zuckerfabrik und bringt Aldo das Mittagessen. Aldo kehrt zu ihrem Haus zurück, wo sie über den Tod ihres Partners sprechen. Aldo sagt, dass sie nach 7 Jahren endlich heiraten und ihre kleine Tochter Rosina legitimieren können. Am nächsten Tag offenbart Irma ihm, dass sie jemand anderen mag. Aldo kann seine Worte nicht glauben. In den folgenden Tagen versucht er verzweifelt, sie umzustimmen, jedoch vergeblich, und die Affäre endet damit, dass er sie in der Öffentlichkeit ohrfeigt.
Abandoned (1955)
Es ist ein italienischer Film aus dem Jahr 1955, der in der Zeit nach der alliierten Invasion Italiens 1943 während des Zweiten Weltkriegs spielt. Der Film wurde beim Filmfestival von Venedig 1955 gezeigt. Es ist der Regiedebütfilm von Francis Maselli. Die Musik wurde von Giovanni Fusco komponiert und von Ennio Morricone inszeniert.
Im Sommer 1943 verlassen die Gräfin Luisa und ihr Sohn Andrea Mailand wegen der alliierten Kämpfe in der Stadt und ziehen sich auf ihr Anwesen außerhalb der Stadt zurück, wo sie zwei Gleichaltrige von Andrea beherbergen: ihren Cousin Carlo, den Sohn eines Faschisten, der in die Schweiz geflohen ist, und dessen Freund Ferruccio, Sohn eines Armeoffiziers, der am Krieg teilgenommen hat. Die drei jungen Leute vertreiben sich die Zeit in süßer Müßiggang, sonnen sich am Fluss und sind dank der Sendungen von Radio London kaum über den andauernden Konflikt informiert. Sie beginnen die Schwere der Lage zu erkennen, als die Vertriebenen aus der Stadt ankommen und Andrea gezwungen ist, einige von ihnen auf dem Anwesen aufzunehmen, sehr zum Unbehagen seiner Mutter.
Fahrraddiebe (1948)
Im römischen Stadtteil Val Melaina nach dem Zweiten Weltkrieg hat Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) keine Hoffnung auf Arbeit, um seine Frau Maria (Lianella Carell) und ihr Kind Bruno (Enzo Staiola) zu unterstützen. Da die Arbeit ein Fahrrad erfordert, teilt er Maria mit, dass sie keines kaufen kann. Maria nimmt die Laken ihrer Mitgift vom Bett und bringt sie zum Pfandhaus, wo sie in geeignetes Bargeld für den Kauf von Antonios Fahrrad umgewandelt werden.
Das neorealistische Werk von Vittorio de Sica ist in einer Welt verwurzelt, in der der Besitz eines Fahrrads für die Arbeit unerlässlich ist, könnte aber ebenso in einer Welt spielen, in der das Fehlen eines Autos, bezahlbarer Kinderbetreuung, eines Hauses oder sozialer Sicherheit überwältigende Hindernisse darstellen, um Essen auf den Tisch zu bringen. Dies macht den Film sowohl für das Nachkriegsitalien als auch für jede andere Epoche relevant.
La terra trema (1948)
Es ist ein italienischer neorealistischer Film von 1948, der von Luchino Visconti inszeniert, mitgeschrieben und produziert wurde. Eine lose Adaption des Romans I Malavoglia von 1881 von Giovanni Verga, erzählt der Film die individuellen Leiden sizilianischer Fischer. Der Film ist dokumentarisch gestaltet, beinhaltet eine Besetzung aus Laiendarstellern und eine Mischung aus geskripteten und ungeskripteten Szenen. Er gilt als einer der bedeutenden Filme der neorealistischen Bewegung und zählt zu den besten Filmen aller Zeiten.
Die Valastros sind eine Arbeiterfamilie von Fischern in Aci Trezza, einer kleinen Fischergemeinde an der Ostküste Siziliens. Der erste Teil erzählt vom Bemühen der Fischer, ihr Leben zu verbessern. Die Fischer fordern unter der Führung des ältesten Sohnes ‚Ntoni einen höheren Preis für ihren Fisch, um sich gegen die Großhändler aufzulehnen. Die Fischer landen im Gefängnis. Die Großhändler erkennen, dass es lohnender ist, ‚Ntoni und seine Freunde fischen zu lassen, und setzen die Fischer frei. Ntoni, der eine Zeit lang außerhalb Siziliens gelebt hat, brachte einige neue Konzepte in seine Heimat zurück und versucht, eine Genossenschaft zu gründen, doch niemand schließt sich ihm an. Er entscheidet sich, allein weiterzumachen, überzeugt seine Familie, das Haus zu verpfänden, um ein Boot zu kaufen, und beginnt sein neues Leben.
Deutschland, Jahr Null (1948)
Es ist ein italienischer Film von 1948 unter der Regie von Roberto Rossellini und zugleich der letzte Film der Kriegs-Trilogie von Rossellini, die auf Rom, offene Stadt und Paisà folgt. Deutschland, Jahr Null spielt im von den Alliierten besetzten Deutschland, im Gegensatz zu den anderen, die in vom Deutschen Reich besetztem Rom und während der alliierten Invasion Italiens spielen.
Wie in vielen neorealistischen Filmen setzte Rossellini hauptsächlich nicht-professionelle Schauspieler ein. Gedreht in Berlin ein Jahr nach dessen fast vollständiger Zerstörung im Zweiten Weltkrieg, enthält der Film bedeutungsvolle Bilder vom zerstörten Berlin und dem menschlichen Überlebenskampf inmitten der Zerstörung des nationalsozialistischen Deutschlands. Viele Filmkritiker, die Rossellini zuvor gelobt hatten, verurteilten den Film als theatralisch und unklug. Ein innovativer Film, den Charlie Chaplin als den schönsten italienischen Film bezeichnete, den er je gesehen hatte, ist es eine Filmproduktion, die weit entfernt von den visuellen Kanons Hollywoods liegt.
Paisà (1946)
Es ist ein Drama des italienischen neorealistischen Kriegsfilms von 1946 unter der Regie von Roberto Rossellini. In sechs unabhängigen Episoden erzählt er von Italiens Befreiung vom Druck der Alliierten während der letzten Phase des Zweiten Weltkriegs. Der Film feierte seine Premiere beim Internationalen Filmfestival von Venedig und gewann zahlreiche nationale und internationale Auszeichnungen.
Weltweit hat der Film bedeutende Anerkennungen erhalten. Der französische Kritiker André Bazin wählte ihn als den wesentlichen Film, um den Wert des italienischen Neorealismus zu offenbaren, und hob seine Wahrheitsnähe durch eine Mischung aus Dokumentarischem und Fiktion hervor. Er hat Anerkennung in den Vereinigten Staaten, Belgien, Japan und der Schweiz gefunden.
Rom, offene Stadt (1945)
Deutsche SS-Soldaten versuchen, Giorgio Manfredi, kommunistischer Ingenieur und Anführer des Widerstands gegen die italienischen Nazis und Faschisten, zu verhaften. Sie glauben, Giorgio sei ein Polizist, doch als er andeutet, er sei ein Konföderierter, bittet Giorgio ihn, Geld an eine Gruppe von Widerstandskämpfern außerhalb der Stadt zu schicken, da er nun von der Gestapo erkannt wird und nicht mehr allein handeln kann.
Nur wenige Filmbewegungen können den Erfolg des italienischen Neorealismus für sich beanspruchen, einer Welle nach dem Zweiten Weltkrieg, die an der Klassenkampf der Arbeiterklasse teilnahm und viele Kunstfilme hervorbrachte. Roberto Rossellini gehörte zu den führenden Regisseuren des Neorealismus. Dieses Drama von Unterdrückung und Widerstand rühmt sich einiger der unglaublichsten Szenen im gesamten Kino.
Obsession (1943)
Es ist ein italienischer Film von 1943, basierend auf dem Roman The Postman Always Rings Twice von James M. Cain aus dem Jahr 1934. Der erste Spielfilm von Luchino Visconti wird von vielen als der erste italienische Neorealismus-Film angesehen, obwohl darüber diskutiert wird, ob diese Klassifizierung zutreffend ist. Er weist einige Gemeinsamkeiten mit dem Kalligrafiestil auf.
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