Películas rusas para ver absolutamente

Las primeras películas rusas aparecieron durante el Imperio Ruso. En la Unión Soviética y en los años posteriores a su disolución, las películas rusas continuaron ganando reconocimiento mundial. En el siglo XXI, el cine ruso ha alcanzado fama mundial con películas como Hardcore Henry (2015), Leviathan (2014), Night Watch (2004) y Brother (1997). El Festival Internacional de Cine de Moscú comenzó en Moscú en 1935. El Premio Nika es el principal galardón nacional anual de cine en Rusia.

Primeras películas rusas

Las primeras películas vistas en el Imperio Ruso fueron realizadas por los hermanos Lumière, quienes proyectaron películas en Moscú y San Petersburgo en mayo de 1896. Ese mismo mes, el camarógrafo de Lumière, Camille Cerf, realizó la primera película en Rusia, grabando la coronación de Nicolás II en el Kremlin. Aleksandr Drankov creó la primera película narrativa rusa Stenka Razin (1908), basada en eventos narrados por el director Vladimir Romashkov. Destacados cineastas rusos de la época incluían a Aleksandr Khanzhonkov y también a Ivan Mozzhukhin, quien realizó La defensa de Sebastopol en 1912. Yakov Protazanov hizo La partida de un gran anciano (1912), un biopic de Leo Tolstoy.

El maestro de la animación Ladislas Starevich realizó el primer largometraje animado ruso en 1910 – Lucanus Cervus. Sus otros cortometrajes en stop-motion La hermosa Leukanida (1912) y La venganza del camarógrafo (1912), también están entre las primeras películas animadas. En los años siguientes, Starevich hizo cortometrajes basados en mitos como La hormiga y el insecto (1913), así como películas publicitarias sobre la Primera Guerra Mundial.

Olga Preobrazhenskaya fue la primera directora femenina de Rusia. En 1916 hizo su debut como directora con Miss Peasant. La película se ha perdido. En tiempos soviéticos, realizó Mujeres de Ryazan (1927). Durante la Primera Guerra Mundial, las importaciones cayeron drásticamente y los cineastas rusos hicieron muchas películas antigermanas y patrióticas. En 1916, se hicieron 499 películas en Rusia, más de 3 veces la cantidad de 3 años antes.

Antes de la Revolución de Octubre, Rusia carecía de un mercado cinematográfico altamente desarrollado porque la base poblacional era demasiado insuficiente para sostener un mercado local. La Revolución Rusa trajo una variedad de películas con temas antizaristas. La última gran película del período, realizada en 1917, fue Padre Sergio por Yakov Protazanov y Alexandre Volkoff. Fue el primer lanzamiento cinematográfico de la era soviética.

Battleship Potemkin

Ahora disponible

Drama, guerra, por Sergej Eisenstein, Rusia, 1925.
La revuelta de los marineros del acorazado Potemkin y los ciudadanos de Odessa contra la despiadada policía del zar, que reacciona con represalias y lleva a cabo una masacre. Sergej Eisenstein realiza una película encargada por Goskino, la oficina de cinematografía y producción cinematográfica en la Unión Soviética. Es una película de "propaganda" para la celebración de la revolución de 1905, pero Eisenstein la convierte en una obra experimental y grandiosa, destinada a cambiar para siempre la historia del cine y la edición.

Para reflexionar
La revolución ve las cosas en términos políticos, presupone que para transformar al hombre, debe cambiarse la estructura de la sociedad. Pero ninguna revolución ha logrado transformar al hombre. El revolucionario quiere cambiar la sociedad, el gobierno, la burocracia, las leyes, el sistema político. Todas las revoluciones siempre han fracasado estrepitosamente, y el hombre siempre ha permanecido igual. No se necesitan revolucionarios para cambiar el mundo, se necesitan rebeldes.

IDIOMA: Ruso
SUBTÍTULOS: Inglés, Español, Francés, Alemán, Portugués

VER AHORA

Películas y directores rusos

Vladimir Lenin fue el primer político del siglo XX en comprender el valor del cine. Veía el cine como un método para unificar el país. El gobierno de Lenin proporcionó las herramientas para el rápido crecimiento de la industria cinematográfica soviética, que fue nacionalizada en agosto de 1919 y puesta bajo la autoridad directa de la esposa de Lenin, Nadezhda Krupskaya. Entre los actos iniciales del Comité de Cine estuvo el establecimiento de una institución especializada en cine en Moscú para formar cineastas, especialistas en cine y actores. El Instituto Estatal de Cinematografía de Toda la Unión fue la primera institución de este tipo en el planeta. Lev Kuleshov, quien enseñaba en la universidad, desarrolló el revolucionario procedimiento de montaje llamado mosaico, una técnica significativa en la que varias imágenes pueden vincularse para desarrollar un significado simbólico o no literal.

Dos de los alumnos más famosos de Kuleshov fueron Sergey Eisenstein y Vsevolod Pudovkin. El ruso fue el idioma principal en las películas durante todo el período soviético, el cine de la Unión Soviética incorporó películas de la RSS de Armenia, la RSS de Georgia, la RSS de Ucrania y también, en menor medida, de la RSS de Lituania, la RSS de Bielorrusia y también de la RSS de Moldavia. Durante gran parte de la historia de la Unión Soviética, con excepciones significativas en los años 1920 y finales de los 1980, el contenido cinematográfico estuvo en gran medida restringido por la censura y el control administrativo estatal.

El crecimiento de la industria cinematográfica soviética fue brillante y también estuvo relacionado con la actividad artística constructivista. En 1922-3, Kino-Fot se convirtió en la primera publicación cinematográfica soviética y reflejaba las ideas constructivistas de su editor, Aleksei Gan. Al igual que gran parte del arte soviético en los años 1920, las películas abordaban eventos sociales y políticos importantes del momento. Una película fundamental de esta época fue El acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein, no solo por su representación de los eventos que condujeron a la Revolución de 1905, sino también por sus métodos cinematográficos innovadores, como el uso del montaje para mostrar ideas políticas. Hasta el día de hoy, El acorazado Potemkin se encuentra entre las mejores películas de todos los tiempos.

Vsevolod Pudovkin creó un nuevo concepto de montaje basado en la asociación cognitiva. La madre (1926) de Pudovkin fue mundialmente famosa por su edición, así como por sus altas cualidades psicológicas. Más tarde, Pudovkin fue acusado abiertamente de formalismo por su película Un caso sencillo (1932), la cual se le exigió estrenar sin su banda sonora.

Películas rusas desde los años 30 en adelante

Otros dos cineastas cruciales del período mudo soviético fueron Aleksandr Dovzhenko y también Dziga Vertov. La obra más conocida de Dovzhenko es su trilogía Ucrania y la película Tierra (1930). Vertov es famoso por su película El hombre con la cámara (1929) y también por el concepto Cine-Ojo, que sostiene que la cámara de cine, al igual que el ojo humano, se utiliza para descubrir el mundo real, lo que tuvo un impacto sustancial en el cine documental. Con la consolidación del poder estalinista en la Unión Soviética y el realismo socialista, que llevó desde la pintura y la escultura directamente al cine, el cine soviético quedó bajo un control estatal casi total.

Las películas lanzadas en los años 1930 incluyen películas musicales destacadas como Compañeros alegres (1934), Circus (1936) y también Volga-Volga (1938) dirigidas por el socio de larga data de Sergei Eisenstein, Grigori Aleksandrov. Estas películas protagonizaron a la principal estrella femenina del momento, Lyubov Orlova, quien también era esposa de Aleksandrov. En las décadas de 1930 y 1940, Eisenstein dirigió dos históricos legendarios: Alexander Nevsky (1938) e Iván el Terrible (1944). Ambas películas fueron escritas por el autor Sergei Prokofiev.

Poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, se realizaron películas soviéticas en color como La Flor de Piedra (1947) de Aleksandr Ptushko, Balada de Siberia (1947) y Cosacos del Kubán (1949), ambas dirigidas por Ivan Pyryev. El cine soviético entró en un rápido declive tras la Segunda Guerra Mundial: la producción cinematográfica cayó de 19 en 1945 a 5 en 1952. La producción no aumentó hasta finales de los años 50, cuando las películas soviéticas lograron un gran éxito, comparable al cine de otros países del Bloque del Este.

A finales de los años 50 y principios de los 60, los cineastas soviéticos eligieron escenarios mucho menos restringidos, y a medida que la censura continuaba, surgieron películas que comenzaron a situarse fuera del bloque soviético, como Balada de un soldado de Grigory Chukhray, que ganó el Premio BAFTA a la Mejor Película en 1961, y también la Palma de Oro de 1958 por Las grullas vuelan de Mikhail Kalatozov. La Altura (1957) de Aleksander Zarkhi es considerada una de las mejores películas rusas de los años 50.

Uno de los directores rusos más famosos de los años 60 y 70 fue Andrei Tarkovsky, quien dirigió las innovadoras películas de autor Infancia de Iván, Andrei Rublev, Solaris, El Espejo y Stalker. Sus películas han recibido reconocimientos en Cannes y en el Festival de Cine de Venecia. Su película revelación Infancia de Iván ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 1962. Andrei Rublev (1966) de Tarkovsky ganó el premio FIPRESCI en el Festival de Cannes de 1969. Por Stalker (1979), Tarkovsky ganó el Premio del Jurado Ecuménico en Cannes en 1980. De manera similar, ganó el Gran Premio Especial por Solaris en 1972 y también por Sacrificio en Cannes en 1986. Otros directores soviéticos notables incluyen a Sergei Bondarchuk, Sergey Paradzhanov, Larisa Shepitko, Kira Muratova, Marlen Khutsiev, Mikhail Kalatozov, Nikita Mikhalkov, Vladimir Menshov y Gleb Panfilov.

Sergei Bondarchuk comenzó como actor. Su debut como director fue El destino de un hombre, estrenada en 1959. Bondarchuk es más conocido por protagonizar y dirigir la película rusa ganadora del Oscar Guerra y Paz (1967). Entre algunas adaptaciones literarias muy famosas de los años 60 se encuentra Hamlet (1964) de Grigory Kozintsev, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia. Nikita Mikhalkov debutó como director en 1974 con En casa, entre extraños. Su hermano, Andrey Konchalovsky, también es director. Konchalovsky debutó con El primer maestro en 1965, que ganó un premio en el Festival de Venecia. La directora Kira Muratova enfrentó censura durante la era soviética y comenzó a ganar reconocimiento público durante la Perestroika. Su película Entre piedras grises (1983) fue seleccionada para Una cierta mirada en el Festival de Cannes de 1988.

Películas de Comedia Rusas

La película de comedia ha sido consistentemente uno de los géneros principales en Rusia y la Unión Soviética, con la mayor variedad posible de éxitos de taquilla. Las comedias soviéticas más populares de la época fueron dirigidas por Leonid Gaidai, Eldar Ryazanov y Georgiy Daneliya, como Noche de Carnaval (1956), La ironía del destino (1976), Secuestro, estilo caucásico (1967), Operación Y y también Las otras aventuras de Shurik (1965), Las doce sillas (1976), Paseando por las calles de Moscú (1964).

Los cineastas soviéticos también crearon películas de aventuras históricas, como D’Artagnan y los tres mosqueteros (1978) y ¡Guardiamarinas, al ataque! (1988). Entre estas, también los «osterns», la versión soviética de las películas del oeste, se volvieron importantes. Ejemplos de los Ostern incluyen El sol blanco del desierto (1970), El jinete sin cabeza (1972), Armados y peligrosos (1977), Un hombre del Boulevard de los Capuchinos (1987). En las películas de espías prevalecieron las series de televisión, como Diecisiete momentos de primavera, El lugar de la reunión no se puede cambiar, Investigación realizada por ZnaToKi, y también una adaptación de las historias de Sherlock Holmes con Vasily Livanov como Holmes.

Una gran cantidad de dramas sobre la Segunda Guerra Mundial realizados en los años 70 y 80 fueron mundialmente famosos, muchos de ellos siendo Liberación (1971) de Yuri Ozerov, Aquí amaneció tranquilo (1972) de Stanislav Rostotsky, Lucharon por su país (1975) de Sergei Bondarchuk, El ascenso (1977) de Larisa Shepitko y Ve y mira (1985) de Elem Klimov.

Yuri Norstein es probablemente uno de los animadores rusos más populares del período soviético; sus cortometrajes animados por computadora El erizo en la niebla y Cuento de cuentos han ganado reconocimiento mundial y también han inspirado a muchos directores. La película de Larisa Shepitko El ascenso fue la primera película soviética en ganar el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín en 1977. El hipnótico drama de Vladimir Menshov Moscú no cree en lágrimas ganó el premio principal a la mejor película extranjera en los Premios de la Academia de 1981 y también fue popular en la taquilla soviética con más de 93 millones de entradas vendidas.

La película de ciencia ficción Cartas del hombre muerto (1986), la propuesta como director de Konstantin Lopushansky, fue seleccionada en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cine de Cannes en 1987 y recibió el Premio FIPRESCI en el 35º Festival Internacional de Cine de Mannheim-Heidelberg. Su siguiente película Un visitante al museo (1989) fue presentada en el Festival de Cine de Moscú donde ganó la St. George de Plata y también el Premio del Jurado Ecuménico. En los años 80, el director ruso Andrei Konchalovsky fue el primer director en descubrir el éxito en Hollywood. En Estados Unidos dirigió Los amantes de María (1984), Tren fugitivo (1985) y también Tango & Cash (1989).

Con el inicio de la Perestroika y la Glasnost a mediados de los años 80, surgieron películas soviéticas que comenzaron a tratar temas previamente censurados, como la drogadicción. La Aguja (1988) de Rashid Nugmanov, que también protagoniza el cantante de rock Viktor Tsoi, aborda el tema de la sexualidad y la alienación en la cultura soviética, Pequeña Vera (1988) de Vasili Pichul. El sector experimentó una reducción significativa en la ayuda estatal y el sistema estatal de distribución cinematográfica también colapsó, lo que llevó al predominio de las películas del oeste en los cines rusos.

Nuevas Películas Rusas

En la década de 1990, se producían muchas menos películas debido a que el mercado cinematográfico estaba experimentando grandes cambios y el clima económico también era precario. De 300 en 1990, el número bajó a 213 en 1991, 172 en 1992, 152 en 1993, 68 en 1994, 46 en 1995 y 28 en 1996. En 1990, la censura se levantó sustancialmente: el estado ya no podía intervenir en la producción y distribución de películas, salvo en casos de propaganda bélica, revelación de fraudes estatales y pornografía. Como parte de la abolición de todos los principales mecanismos de gestión soviéticos, el Comité de Cine de la URSS fue disuelto en 1991. El cine ruso de los años 90 tuvo nuevos temas, con la guerra de Chechenia influyendo aún más en los cineastas. Varias películas de esa época trataron sobre la batalla y también sobre el estalinismo.

Películas Rusas para Ver

Aquí hay una lista de películas rusas imprescindibles: desde las grandes obras maestras del cine soviético hasta comedias ligeras, desde westerns rusos hasta películas independientes, hasta el nuevo cine ruso de los últimos años.

Three Songs about Lenin

Ahora disponible

Documental, de Dziga Vertov, Rusia, 1934.
La película más famosa durante la vida del director Dziga Vertov, un gran éxito del cine documental socialista. Un documental experimental que celebra a Lenin con el uso de sonido y canciones populares. La liberación de las mujeres musulmanas en Uzbekistán, imágenes del funeral de Lenin, sus apariciones públicas y uno de sus discursos grabado en vivo.

IDIOMA: Ruso
SUBTÍTULOS: Inglés, Italiano, Español, Francés, Alemán, Portugués

VER AHORA

Sin Amor (2017)

Una pareja en proceso de divorcio en Moscú, consumida por el odio mutuo, descuida a su joven hijo que desaparece misteriosamente. A medida que se desarrolla la búsqueda, su unión sin amor y vidas egoístas son examinadas, revelando profundos vacíos emocionales.

Sin Amor de Zvyagintsev es un escalofriante análisis de la alienación moderna y la indiferencia parental, ganadora del Premio del Jurado en Cannes por su dirección precisa y diseño sonoro inquietante. Las frías imágenes y las tensas actuaciones subrayan las fracturas sociales en la Rusia postsoviética, convirtiéndola en una crítica conmovedora y universalmente aclamada sobre la desconexión humana.

Leviatán (2014)

En un remoto pueblo costero ruso, Kolya enfrenta la corrupción cuando las autoridades locales confiscan su casa para un proyecto de desarrollo del alcalde. Luchando contra la burocracia y poderosos intereses, su batalla expone el crudo trasfondo de la sociedad rusa moderna y la desesperación personal.

Andrey Zvyagintsev en Leviatán critica magistralmente la corrupción política y la decadencia moral a través de imágenes épicas y bíblicas que recuerdan al Libro de Job. Su cinematografía austera y su retrato sin concesiones de los abusos de poder le valieron reconocimiento internacional, incluido un Globo de Oro, posicionándola como una obra maestra contemporánea rusa vital que resuena globalmente con sus temas de injusticia y fragilidad humana.

Man with a Movie Camera

Ahora disponible

Documental, de Dziga Vertov, Rusia, 1929.
Después de algunos años dedicados a realizar documentales de propaganda, Dziga Vertov realiza su obra maestra, inspirada en las teorías sobre el cine de la realidad y Kinoglaz. Una sinfonía visual experimental con raíces futuristas. Un día común de un camarógrafo que deambula por la ciudad sin un propósito aparente en busca de la vida para ser filmada. La cámara desencadena una explosión de creatividad que es una nueva visión de la realidad: cine puro potenciado con ingeniosas invenciones de montaje. Una película tan inspirada y moderna que aún hoy es un tema inagotable de discusión y nuevas ideas.

Para reflexionar
Ciertas obras de arte, ciertas películas tienen una calidad artística objetiva. En el arte subjetivo, el artista no considera quién está mirando la obra de arte, simplemente expresa su propio mundo interior. La obra de arte objetiva, en cambio, tiene una cualidad inherente que puede transmitirse durante miles de años. La obra de arte objetiva no está vinculada a ninguna ideología, cultura social o época: puede emocionar a cualquiera, en cualquier latitud y en cualquier época.

Sin diálogo

VER AHORA

Fortaleza de Brest (2010)

Al amanecer de la Operación Barbarroja en 1941, soldados soviéticos en la Fortaleza de Brest resisten heroicamente a las abrumadoras fuerzas alemanas. En medio de combates brutales, emergen historias personales de coraje, sacrificio y resistencia durante la desesperada defensa de la fortaleza.

Aleksandr Kott en Fortaleza de Brest ofrece un drama bélico visceral basado en hechos históricos, enfatizando el heroísmo crudo sin excesos propagandísticos. Sus inmersivas secuencias de batalla y profundidad emocional honran la resiliencia de los defensores, constituyendo un poderoso testimonio de los sacrificios de la Segunda Guerra Mundial y una entrada técnicamente impresionante en el cine ruso.

Brother 2 (2000)

Danila Bagrov viaja a América en busca de justicia para su amigo, enfrentándose tanto a mafiosos rusos como a criminales estadounidenses. Armado con ingenio y un sentido de justicia, navega por un violento inframundo a través de continentes.

La secuela de Aleksei Balabanov amplifica el estatus de culto del original con una acción más audaz, sátira sobre el capitalismo estadounidense y una banda sonora icónica. Aunque ha sido criticada por glorificar el vigilantismo, su energía cruda, frases memorables y su impacto cultural la consolidan como un fenómeno definitorio pos-soviético, mezclando machismo con un agudo comentario social.

8 1⁄2 $ (1999)

Es una comedia criminal rusa de 1999 dirigida por Gregory de Constantinopla. Fue su debut como director. Debido a problemas de derechos de autor, solo se estrenó en 2011. La historia y también el título hacen referencia a la película 8 1⁄2 de Federico Fellini. El director Gera Kremov trabaja filmando comerciales pero sueña con dirigir un largometraje. Conoce a Matilda, la pareja del mafioso Fyodor, y comienza una relación cercana con ella.

Después de un tiempo, habiendo obtenido dinero de Fyodor, graba un videoclip con Matilda y posteriormente tiene la oportunidad de hacer una película real con ella como protagonista. Para la producción del film, Gera pide 300,000 dólares, y Fyodor, tras aceptar, se reúne con él. En el lugar, a Gera le espera una sorpresa no deseada: Fyodor está bien enterado de la relación no tan platónica entre Gera y Matilda. Quiere tomar medidas drásticas de inmediato, pero se atraganta con un pistacho y muere. La pareja malgasta 150,000 dólares en una noche, y el hermano gemelo de Fyodor, Stepan, se une a ellos temprano en la mañana para recuperar el dinero. Gera resuelve el asunto llamando a un mafioso llamado Spartak.

El barbero de Siberia (1998)

Un joven cadete en una academia militar se enamora profundamente de una glamorosa mujer estadounidense involucrada en un plan para introducir maquinaria innovadora en la Rusia zarista. Honor, pasión e intriga imperial chocan en esta épica lujosa.

La saga grandiosa de Nikita Mikhalkov mezcla romance, comedia y drama histórico con valores de producción opulentos, con actuaciones destacadas de Oleg Menshikov y Julia Ormond. Su nostálgica representación de la Rusia zarista tardía, sus grandes escenas y el espectáculo cultural la convierten en una exhibición audaz, aunque indulgente, de la ambición cinematográfica rusa.

El ladrón (1997)

Es una película rusa de 1997 escrita y dirigida por Pavel Chukhray. Fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera y también ganó el Premio Nika a la Mejor Película y Mejor Director. Ganadora del Premio del Jurado Juvenil Internacional, la Medalla de Oro del Presidente del Senado Italiano y el Premio UNICEF en el Festival de Cine de Venecia de 1997.

La película sigue a una niña, Katya (Yekaterina Rednikova), y a su hijo de 6 años, Sanya (Misha Philipchuk), quienes, en 1952, conocen a un hábil policía soviético llamado Tolyan (Vladimir Mashkov). Katya, una viuda pobre, y su hijo, Sanya, intentan sobrevivir en la Unión Soviética de la posguerra en los primeros años 1950. Mientras están en un tren, conocen a un apuesto policía, Tolyan, que seduce a su madre. Katya se queda con Tolyan, quien se convierte en su esposo y también actúa como padrastro de Sanya, quien inicialmente desconfía mucho del hombre, detestando su autoridad. Tolyan termina convirtiéndose en un pequeño criminal, pero también se convierte en una figura paterna para Sanya. Hay varias citas de Hamlet.

Hermano (1997)

Es una película rusa de cine negro criminal de 1997 escrita y dirigida por Aleksey Balabanov. La película está protagonizada por Sergei Bodrov Jr. como Danila Bagrov, un joven que se involucra con la mafia de San Petersburgo a través de su hermano mayor criminal. Apareció en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes de 1997. Tras su lanzamiento en VHS en junio de 1997, Hermano se transformó repentinamente en una de las películas rusas más exitosas de los años 90 y rápidamente se convirtió en un filme de culto en toda Rusia. Debido al éxito de la película, se lanzó una secuela, Hermano 2, en 2000. La película se convirtió en un éxito instantáneo.

La historia se centra en los problemas y la mentalidad de la Rusia de los años 90: delitos criminales, pobreza, desafección de los jóvenes rusos, falta de familia y deshonestidad. Todo esto fue causado por los resultados del colapso soviético, que ocurrió solo 6 años antes. A pesar de un trasfondo tan negativo en medio de la degeneración social, la historia destaca que aún hay coraje en el personaje de Danila, quien es retratado con un intenso sentido de justicia y ética. Lleva un mensaje emocional efectivo para el público ruso de que incluso en tiempos tan sombríos, todavía hay esperanza.

Madre e hijo (1997)

Es una película rusa de 1997 dirigida por Aleksandr Sokurov, que ilustra la conexión entre una madre muerta y su hijo. Fue el primer largometraje mundialmente famoso de Sokurov y también es el primer volumen de una trilogía cuyo tema es el drama en las relaciones humanas. Le siguen Padre e hijo (2003), y Dos hermanos y una hermana, el último capítulo, aunque hasta 2019 este último no se ha realizado; su película Alexandra (2007) a menudo se considera parte de esta colección, como otro filme sobre el mismo tema. Participó en el 20º Festival Internacional de Cine de Moscú, donde ganó la Plata Especial San Jorge.

La película tiene 2 personajes principales, un niño y una anciana enferma. El niño es el hijo (Alexei Ananishnov) que cuida de su madre enferma (Gudrun Geyer). Su problema de salud no está definido y ocasionalmente jadea por aire. Su hijo le peina el cabello, la alimenta, la cubre y la toma en sus brazos. Antes su hijo dependía completamente de ella, ahora ella depende completamente de él. A medida que avanza la película, el niño lleva a su madre en un largo viaje hacia su muerte. Es un movimiento circular que realiza un largo recorrido a través de un paisaje onírico, por caminos polvorientos y sinuosos. En cada una de sus breves paradas en el viaje hay un minuto de contemplación y susurros tiernos. Estos dulces susurros informan del amor de la madre por su hijo cuando lo apoyaba y también del amor del hijo por su madre al abrirle el extraño curso de su destino.

Quemado por el sol (1994)

Es una película de 1994 del director ruso Nikita Mikhalkov y el guionista azerbaiyano Rustam Ibragimbekov. La película muestra la historia de un oficial superior de la policía del Ejército Rojo, interpretado por Mikhalkov, y también de su familia durante la Gran Purga de finales de los años 30 en la Unión Soviética estalinista. Mientras está de vacaciones con su esposa, su hija pequeña y familiares, las cosas cambian sustancialmente para el coronel Kotov cuando aparece el antiguo amante de su esposa, Dmitri, tras haber estado ausente varios años. La película también cuenta con la actuación de Oleg Menshikov, Ingeborga Dapkūnaitė y también la hija de Mikhalkov, Nadezhda Mikhalkova.

La película fue un éxito en Rusia y también recibió críticas favorables en Estados Unidos. Ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 1994, el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera y varios otros galardones. Las objeciones habituales de los críticos en Rusia fueron que la película era «demasiado comercial» y carecía de severidad. Es una fantástica reflexión chekhoviana sobre la adicción, el amor e incluso los miedos de una época que ha sumido a las familias rusas comunes en el caos, una película valiente y lírica con una dirección cinematográfica autoral. La película se construye gradualmente, alcanzando un clímax de destrucción silenciosa e inesperada.

El Chequista (1992)

Es una película histórica rusa de 1992 dirigida por Aleksandr Rogozhkin, basada en un relato de 1923 de Vladimir Zazubrin. Narra la historia de una operación sangrienta y el fracaso de una autoridad de seguridad y protección soviética de la Cheka asociada con ejecuciones masivas durante la Guerra Civil Rusa. La película está ambientada durante la Guerra Civil Rusa durante el Terror Rojo. El trabajo gubernamental normal se desarrolla en una oficina rural de la Cheka, la Comisión de Emergencia Rusa para Combatir la Contrarrevolución y el Sabotaje, en una ciudad no especificada. Diariamente, un tribunal troika de la Cheka compuesto por el supervisor Srubov y sus ayudantes Pepel y Katz lee una larga lista de todo tipo de contrarrevolucionarios y opositores. Los encarcelados son consistentemente sentenciados de inmediato y la sentencia, independientemente de la denuncia, género y edad del individuo, es la pena de muerte.

Un visitante a un museo (1989)

Es una película rusa post-apocalíptica de 1989 dirigida y escrita por Konstantin Lopushansky. Participó en el 16º Festival Internacional de Cine de Moscú, donde ganó el Oso de Plata y también el Premio del Jurado Ecuménico. La película es la segunda de una colección de filmes llamada «Cuarteto del Apocalipsis» dirigida por Lopushansky y ambientada en escenarios post-apocalípticos. Las otras películas del cuarteto son Cartas del hombre muerto (1986), Sinfonía rusa (1994) y Los cisnes feos (2006).

En un mundo post-apocalíptico tras una catástrofe ecológica global, los sobrevivientes de la humanidad están ahora desvinculados del destino del mundo y ya no intentan salir del desastre. Entre la gente existe una casta de «deteriorados», seres humanos con discapacidades psicológicas. El protagonista llega al mar, que ocasionalmente se desborda y luego retrocede. Tiene la intención de echar un vistazo a la antigua ciudad hundida, que seguramente reaparecerá cuando el mar retroceda una vez más. Mientras espera este momento, conversa con los ciudadanos. Descubre que las personas «promedio», los posaderos, han perdido efectivamente lo que queda de su espiritualidad y apagan su apetito espiritual con entretenimiento. Lo disuaden de ir a la ciudad hundida, invitándolo a quedarse con ellos, prestar atención a las canciones, asistir a banquetes, bailes y televisión. Una ama de casa lo atrae y hacen el amor.

La pequeña Vera (1988)

Es una película rusa del director Vasili Pichul. La película fue la líder en ventas de entradas en la Unión Soviética en 1988 con 54.9 millones de espectadores, y también fue una de las películas soviéticas más exitosas en Estados Unidos. Parte de su atractivo fue que fue una de las primeras películas rusas con escenas de sexo. El personaje principal es una adolescente que, tras terminar la universidad, se siente atrapada en su comunidad rural. Con su visión negativa de la cultura soviética, la película fue normal para la época de la perestroika, durante la cual se estrenaron muchas películas similares.

La película recibió 6 premios. Entre sus galardones, obtuvo «Mejor Actriz» para Natalya Negoda en los Premios Nika en 1989. El director de la película, Vasili Pichul, recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival Mundial de Cine de Montreal 1988 y el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia en 1988. La banda sonora incluye 2 canciones interpretadas por Sofia Rotaru: Fue, pero se fue y Solo esto no es suficiente, el leitmotiv de la perestroika en la película. Fue la primera película rusa que probó con sinceridad la desobediencia juvenil y la insatisfacción con el sistema. La película se posiciona honestamente a favor de los jóvenes contra la autoridad, mostrando a las autoridades como despiadadas y represivas.

La película fue un gran avance en la representación de la vida cotidiana soviética ordinaria. Negoda se convirtió en la primera actriz soviética en aparecer desnuda en una escena de sexo. Negoda también posó desnuda para Playboy con el titular «Desde Rusia, con amor» para el lanzamiento estadounidense de la película. La película tuvo la capacidad de atraer a más de 50 millones de espectadores rusos, principalmente debido a sus notables escenas de sexo.

Un hombre del Bulevar de los Capuchinos (1987)

Es una comedia western rusa de 1987, homenaje a las películas mudas y al cambiante poder del cine. Esta película es especialmente rara entre las soviéticas por dos razones: fue dirigida por una mujer, Alla Surikova, y en segundo lugar, fue una inusual escapatoria posmodernista soviética. La película tuvo la mayor recaudación en la Unión Soviética en 1987, con 60 millones de entradas.

El señor John First (Johnny) es un camarógrafo que realiza un viaje a Santa Carolina cuando es visitado por una banda de ladrones, liderada por Black Jack. Johnny es el único que no saca un arma ni pelea durante toda la acción y luego es interrogado por Black Jack sobre por qué. Después de eso, ella toma el libro que Johnny está tan ocupado leyendo y termina creyendo erróneamente que es una Biblia, hasta que nota que consiste en múltiples páginas en blanco. Johnny argumenta que es una publicación de historia del cine. Black Jack se cansa de la situación y lo abandona.

Cartas de un hombre muerto (1986)

Es una película post-apocalíptica de 1986 dirigida y escrita por Konstantin Lopushansky. La escribió junto con Vyacheslav Rybakov y Boris Strugatsky. Este es su debut como director. La película fue seleccionada en la Semana de la Crítica Internacional del Festival de Cine de Cannes en 1987 y recibió el Premio FIPRESCI en el 35º Festival Internacional de Cine de Mannheim-Heidelberg.

Tras el armagedón nuclear, un grupo de personas vive bajo tierra en refugios. No pueden salir de la casa sin usar ropa protectora y máscaras antigás. Entre ellos hay un profesor que intenta usar las cartas para contactar con su novio desaparecido.

La película parece despiadada y realista y también destaca por la estética espectacular de las escenas, pero a pesar de sus méritos tecnológicos, simplemente parece un poco demasiado perfecta para realmente persuadir y afectar profundamente a nivel emocional. Lopushansky aún logra producir un fresco social de una de las catástrofes más terribles posibles.

Ven y mira (1985)

Es una película rusa antibélica de 1985 dirigida por Elem Klimov y protagonizada por Aleksei Kravchenko y Olga Mironova. El guion de la película, escrito por Klimov y Ales Adamovich, está basado en la novela de 1971 «Khatyn» y el cuento corto de 1977 Soy del pueblo ardiente que Adamovich coescribió. Klimov tuvo que luchar contra 8 años de censura por parte de las autoridades soviéticas antes de que se le permitiera hacer la película como quería.

La historia de la película se centra en soldados nazis alemanes en Bielorrusia, y cómo los eventos son observados por un joven adulto bielorruso llamado Flyora, quien, en contra de los sueños de su madre, se une al movimiento de resistencia bielorruso, y describe las injusticias nazis y el sufrimiento humano causado a la gente de las ciudades de Europa del Este. La película mezcla hiperrealismo con surrealismo, y también un existencialismo con elementos poéticos, emocionales, apocalípticos y políticos.

La película ganó el premio FIPRESCI en el 14º Festival Internacional de Cine de Moscú. Contando la historia con gran pasión, Klimov aprovecha ese inframundo imaginario de sangre y barro y también la locura creciente que Francis Ford Coppola detectó en Apocalypse Now. Además, obtiene una actuación notablemente deslumbrante de su protagonista adolescente inexperto. La fortaleza de Klimov es su sentido estético, animista y musculoso, similar al de su compatriota Andrei Konchalovsky en su impresionante Siberiade.

Moscú no cree en las lágrimas (1980)

Es una película rusa de 1980 escrita por Valentin Chernykh y dirigida por Vladimir Menshov. Los papeles principales fueron interpretados por Vera Alentova y Aleksey Batalov. La película ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1981. La historia se sitúa en Moscú en 1958 y 1978. La trama narra la historia de tres chicas: Katerina, Lyudmila y Antonina, que llegan a Moscú desde pequeños pueblos de Rusia. Se conocen en un dormitorio y eventualmente se hacen amigas. Antonina (Raisa Ryazanova) conoce a Nikolai, un chico amable y tímido cuyos padres tienen una segunda casa en el campo. Katerina (Vera Alentova) es una mujer honesta que aspira a obtener su título en química mientras trabaja en una planta manufacturera.

Stalker (1979)

Es una película de ciencia ficción de autor de 1979 dirigida por Andrei Tarkovsky con un guion creado por Arkady y también Boris Strugatsky, basado libremente en su novela de 1972 Roadside Picnic. La película cuenta la historia de una exploración liderada por un hombre llamado «Stalker» (Alexander Kaidanovsky), quien guía a sus dos clientes: un escritor melancólico (Anatoly Solonitsyn) en busca de motivación y un profesor (Nikolai Grinko) en busca de exploración científica, a través de un peligroso pantano hacia un lugar mágico conocido simplemente como la «Zona», donde aparentemente hay una energía que satisface las necesidades más íntimas del ser humano. La película integra componentes de ciencia ficción con reflexiones significativas, filosóficas y emocionales.

La película fue inicialmente filmada durante un año en un material que luego se demostró de calidad inferior, y fue re-filmada con un nuevo director de fotografía, Alexander Knyazhinsky. Stalker fue lanzada por Goskino en mayo de 1979. En el momento de su estreno, la película recibió críticas mixtas, pero en los años siguientes ha sido considerada un clásico del cine mundial, entre las mejores películas de todos los tiempos. La película vendió más de 4 millones de entradas, principalmente en la Unión Soviética, contra un presupuesto de 1 millón de rublos. Muy recientemente, las calificaciones de la película han sido extremadamente favorables. Algunos han contrastado Stalker con Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, también estrenada en 1979, y han sugerido que como viaje al corazón de las tinieblas Stalker parece más convincente: es una alegoría flexible sobre la conciencia humana.

Historia de Cuentos (1979)

Es una película animada rusa de 1979 dirigida por Yuri Norstein y producida por el laboratorio Soyuzmultfilm en Moscú. La película ganó innumerables premios, fue muy conocida por críticos y otros animadores, e incluso obtuvo el título de la mejor película animada jamás realizada. La película, al igual que El Espejo de Andrei Tarkovsky, intenta estructurarse como una memoria humana. Los recuerdos no se recuerdan en un orden frío y secuencial; más bien, se recuerdan por la organización de algo con una adición, lo que sugiere que cualquier tipo de esfuerzo por colocar la memoria en la película no puede contarse como una historia estándar.

La película está compuesta por una colección de escenas asociadas cuyos elementos se mezclan entre sí. Entre los temas clave está la guerra, con un enfoque particular en las enormes pérdidas sufridas por la Unión Soviética en el Frente Oriental durante la Segunda Guerra Mundial. Varios personajes y sus diálogos conforman gran parte de la película: el poeta, la mujer pequeña y el toro, el niño y los cuervos, los bailarines y los soldados, el tren, las manzanas y el pequeño lobo gris.

El Ascenso (1977)

Es una película rusa en blanco y negro de 1977 dirigida por Larisa Shepitko y producida por Mosfilm. La película fue filmada en enero de 1974 cerca de Murom, Óblast de Vladímir, Rusia, en un clima invernal terrible, como requería el guion, basado en la novela Sotnikov de Vasil Bykaŭ. Fue la última película de Shepitko antes de su muerte en un accidente automovilístico en 1979. La película ganó el Oso de Oro en el 27º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1977.

Durante la Segunda Guerra Mundial, dos partisanos soviéticos viajan a una ciudad bielorrusa en busca de comida. Tras tomar un escolta del líder colaboracionista (Sergei Yakovlev), regresan a su base, pero son identificados por una patrulla alemana. Después de un largo tiroteo en la nieve en el que uno de los alemanes queda fuera de combate, ambos chicos escapan, pero Sotnikov (Boris Plotnikov) recibe un disparo en la pierna. Rybak (Vladimir Gostyukhin) debe llevarlo a un lugar seguro, a la casa de Demchikha (Lyudmila Polyakova), madre de tres niños pequeños. Sin embargo, son descubiertos por los enemigos.

Lucharon por su País (1975)

Es una película bélica rusa de 1975 en dos partes basada en la novela homónima escrita por Mikhail Sholokhov y dirigida por Sergei Bondarchuk. Formó parte del Festival de Cine de Cannes de 1975. La película narra la historia de un ejército soviético realizando actividades de retaguardia durante la marcha alemana hacia Stalingrado. Tras perder a multitud de soldados en combate, un grupo de fusileros soviéticos regresa a su base en Stalingrado. Durante un descanso, los soldados conversan sobre diversos temas, después de lo cual descansan y se duchan. Entre los soldados del grupo está Pyotr Lopakhin (Vasily Shukshin), quien interpreta a un chico alegre, probablemente en un pueblo cercano para conseguir sal y un cubo para preparar cangrejos recién capturados. Con su encanto parlanchín, Lopakhin hace una petición a una anciana cosaca (Angelina Stepanova), pero es ridiculizado mientras los soldados se marchan dejando a los habitantes del pueblo a su suerte. Tras una amarga discusión, se revela que detrás de la fachada alegre de Lopakhin emerge un individuo profundamente preocupado por el destino de su nación, y la anciana cumple su petición.

Mirror (1975)

Es una película dramática rusa de 1975 dirigida por Andrei Tarkovsky. Es vagamente autobiográfica, estructurada de manera no convencional e integra rimas compuestas por el padre del director, Arseny Tarkovsky. La película cuenta con Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Alla Demidova, Anatoly Solonitsyn, la esposa de Tarkovsky Larisa Tarkovskaya y su madre Maria Vishnyakova. Innokenty Smoktunovsky proporciona la voz en off y Eduard Artemyev la música y efectos de audio.

Mirror está estructurada en forma de historia no lineal, con su primera versión escrita que data de 1964, con numerosas versiones guionizadas por Tarkovsky y Aleksandr Misharin. Gira en torno a los recuerdos de un poeta que murió en momentos cruciales de su vida y en la sociedad soviética. La película integra escenas del presente con recuerdos juveniles, sueños e incluso metraje de noticieros. Su cinematografía alterna entre color, blanco y negro y sepia. El flujo de imágenes oníricas en la película ha sido comparado con el método de flujo de conciencia de las obras literarias modernistas.

El Espejo originalmente polarizó a los espectadores y críticos de cine, muchos encontraban su narrativa incomprensible. Desde su estreno, ha sido reevaluada como una de las mejores películas en la historia del cine, y también la obra magna de Tarkovsky. De hecho, encontró favor entre muchos rusos, para quienes sigue siendo la obra más valiosa de Tarkovsky. Cuando se pidió a los críticos de Mosfilm que revisaran Mirror en noviembre de 1974, las reacciones fueron muy mixtas. Algunos la vieron como una obra importante que sin duda sería mucho mejor comprendida por generaciones futuras; otros la descartaron como un fracaso y pensaron que muchos espectadores más educados encontrarían su historia poco interesante. Esto causó una circulación muy limitada.

El erizo en la niebla (1975)

Es una película animada rusa de 1975 dirigida por Yuri Norstein y producida por Soyuzmultfilm de Moscú. El guion fue escrito por Sergei Grigoryevich Kozlov, quien también publicó un cuento corto con el mismo nombre. El erizo va en su visita nocturna a su amigo cercano Osito. Cada noche, ambos están contentos de tomar té y contar las estrellas. Esta noche, el erizo llevará a Osito un poco de mermelada de frambuesa como regalo. Cuando el erizo sale, un búho real de aspecto siniestro comienza a seguirlo.

Solaris (1972)

Es una película rusa de ciencia ficción de 1972 basada en el cuento homónimo de 1961 de Stanisław Lem. La película fue coescrita y dirigida por Andrei Tarkovsky, y protagonizada por Donatas Banionis y también Natalya Bondarchuk. La música fue creada por Eduard Artemyev e incluye también una pieza de J.S. Bach como tema principal. La historia narra una estación espacial que orbita el ficticio planeta Solaris, donde un objetivo científico se retrasa debido a que el equipo de tres investigadores enfrenta problemas psicológicos. El psicoterapeuta Kris Kelvin (Banionis) realiza un viaje a la terminal para investigar la situación, solo para experimentar los mismos sentimientos irracionales que los demás.

Solaris ganó el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1972 y también fue preseleccionado para la Palma de Oro. Obtuvo reconocimiento crítico y generalmente se le considera una de las mejores películas de ciencia ficción jamás realizadas. El film fue el esfuerzo de Tarkovsky por aportar una mayor profundidad psicológica a las películas de ciencia ficción, junto con 2001: A Space Odyssey (1968) de Kubrick. Algunos de los conceptos que Tarkovsky compartió en esta película se consolidan más en su film Stalker (1979).

Lem trabajó con Tarkovsky y también con Friedrich Gorenstein en la creación del guion de la película; Lem dijo que nunca disfrutó realmente la versión de Tarkovsky de su libro. Lem argumentó que Tarkovsky hizo Crimen y Castigo en lugar de Solaris, dejando de lado los aspectos cognitivos y epistemológicos de su historia. Tarkovsky dijo que a Lem no le gustaba el cine y que imaginaba la película simplemente mostrando el libro sin producir un elemento cinematográfico diferente. La película de Tarkovsky trata sobre la vida interior de sus investigadores. El libro de Lem aborda el problema del hombre en la naturaleza y el espacio profundo.

Juicio en el Camino (1971)

Es una película rusa en blanco y negro de 1971 ambientada en la Segunda Guerra Mundial, dirigida por Aleksey German, con Rolan Bykov, Anatoly Solonitsyn y Vladimir Zamansky. La película fue censurada y bloqueada de circulación en la Unión Soviética durante 15 años después de su estreno debido a su cuestionable representación de los soldados soviéticos. La película está basada en un relato del padre del director, Yuri German. El guion de la película fue escrito por Eduard Volodarsky.

Esta película es el debut como director de Alexei German, quien adoptó una estrategia establecida de «héroes» y «traidores». El drama tiene lugar en diciembre de 1942 en medio de las Fuerzas Armadas nazis y la URSS durante la Segunda Guerra Mundial. Se centra en el ex sargento del Ejército Rojo Lazarev, quien fue capturado con su uniforme alemán por partidarios soviéticos. Anteriormente había sido capturado por los nazis y también terminó como colaborador, pero tras ser capturado por los partidarios comienza a luchar contra los nazis.

El Sol Blanco del Desierto (1970)

Es una película western rusa de 1970. Su mezcla de acción, drama, música y comedia, así como sus citas inolvidables, la hicieron muy exitosa en la taquilla rusa, además de convertirla en un clásico del cine ruso. Su tema principal, «Su Alteza Noble, Señora Fortuna», se convirtió en un éxito. La película es apreciada por los cosmonautas rusos antes de muchos lanzamientos espaciales como una de las mejores tradiciones. La película no recibió reconocimiento durante el período soviético. Con 34.5 millones de espectadores, fue una de las películas más queridas de los años 70. En 1998, fue galardonada con el premio estatal por el presidente Boris Yeltsin, siendo reconocida como culturalmente relevante. La película tuvo un interés limitado en Occidente. Se proyectó en un festival de cine soviético en el pequeño Teatro Carnegie en 1973, con Leonid Brezhnev viajando a Estados Unidos. Más allá de eso, nunca fue estrenada.

Secuestro al estilo caucásico (1967)

Es una divertida película rusa de 1967 que trata una historia centrada en el secuestro de la novia, una antigua costumbre que existía en áreas específicas del Cáucaso Norte. La película fue dirigida por Leonid Gaidai. Es el último filme que incluye la tríada «Cobarde», un equipo de antihéroes torpes. La película se estrenó en Moscú el 1 de abril de 1967. Un ingenuo estudiante de etnografía, llamado Shurik (Alexander Demyanenko), reconocido de películas anteriores como estudiante del Instituto Politécnico, viaja al Cáucaso para descubrir antiguos patrones y prácticas de los habitantes, tradiciones como saludos, relatos y brindis locales. Al comienzo del filme, Shurik viaja por un camino montañoso en el Cáucaso montado en un burro. Se encuentra con un camionero llamado Edik cuyo vehículo se niega a arrancar. El burro se vuelve terco y ninguno de los dos hombres puede avanzar con su propio medio de transporte.

Comisario (1967)

Es una película rusa de 1967 dirigida por Aleksandr Askoldov basada en el cuento corto de Vasily Grossman, «En la ciudad de Berdichev». Berdichev está ubicado en el centro del norte de Ucrania. La acción tiene lugar durante la Guerra Civil Rusa (1918-22), cuando se enfrentaron secciones del Ejército Rojo, el Ejército Blanco, los polacos y los austriacos por el territorio. En Berdichev, el idioma yidis fue formalmente introducido en esta época, y desde 1924, contaba con un tribunal ucraniano que realizaba sus funciones en yidis. La historia se basa en tradiciones y costumbres sociales judías. Los personajes principales fueron interpretados por Rolan Bykov y Nonna Mordyukova. Fue realizada en el Estudio de Cine Gorki. Es una de las historias más impactantes sobre la guerra civil rusa y también motivó al joven autor a dedicarse a la literatura. Asimismo, atrajo la atención de Mikhail Bulgakov, Boris Pilnyak e Isaac Babel.

Andrei Rublev (1966)

Es una película histórica biográfica rusa de 1966 dirigida por Andrei Tarkovsky y también coescrita con Andrei Konchalovsky. La película es una re-edición del filme de Tarkovsky de 1966 La pasión según Andrei, y fue censurada durante la primera era de Brezhnev en la Unión Soviética. La película está basada libremente en la vida de Andrei Rublev, el pintor de íconos ruso del siglo XV. Protagonizan Anatoly Solonitsyn, Nikolai Grinko, Ivan Lapikov, Nikolai Sergeyev, Nikolai Burlyayev y la pareja de Tarkovsky, Irma Raush. Savva Yamshchikov, un famoso restaurador y experto en arte ruso, también fue consultor en la película.

Andrei Rublev está ambientada en la Rusia de principios del siglo XV. La película está vagamente basada en la vida de Andrei Rublev y busca retratar una imagen de la Rusia medieval. Tarkovsky intentó producir un film que revelara al artista y también al cristianismo como un axioma de la identificación histórica de Rusia a lo largo de un largo período.

Los temas de la película consisten en el arte, las creencias religiosas, la incertidumbre política, la autoeducación y la producción artística bajo un régimen represivo. Como resultado, no se estrenó en la formalmente atea Unión Soviética durante muchos años después de su finalización, salvo una única proyección en Moscú en 1966. Una versión de la película fue seleccionada en el Festival de Cine de Cannes de 1969, donde ganó el premio FIPRESCI. En 1971, se lanzó una versión censurada de la película en la Unión Soviética. La película fue recortada por razones comerciales en su estreno en Estados Unidos a través de Columbia Pictures en 1973. Como resultado, existen numerosas variaciones de la película. Estos problemas con la censura obstaculizaron la película durante muchos años después de su estreno, aunque rápidamente fue reconocida por varios críticos y directores de cine occidentales como una obra altamente innovadora. Restaurada a su versión original, Andrei Rublev es ahora considerada una de las mejores películas de todos los tiempos, una gran obra maestra.

Procedimiento Y y también otras aventuras de Shurik (1965)

Es una película divertida, un film de comedia física rusa de 1965 dirigido por Leonid Gaidai, con Aleksandr Demyanenko, Natalya Seleznyova, Yuri Nikulin, Georgy Vitsin y también Yevgeny Morgunov. La película contiene 3 episodios independientes: «Compañero de trabajo», «Déjà vu» y también «Operación Y». La historia narra las aventuras de Shurik, el estudiante soviético impopular y nerd que suele meterse en circunstancias ridículas, pero siempre encuentra una salida.

Fue una película exitosa y se convirtió en la película soviética con mayor recaudación en 1965, con 69.6 millones de entradas vendidas. El episodio Déjà vu, basado en un cuento corto de una publicación polaca, ganó el Gran Premio Dragón de Plata Wawel en el Festival de Cine de Cracovia en Polonia en 1965. La película se convirtió en una fuente de citas para figuras rusas y soviéticas. En la primavera de 2012 se erigió una estatua de Lida y Shurik frente a la Universidad Tecnológica Estatal de Kuban, en Krasnodar. En 2015, una escultura de Lida y Shurik sentados en un banco fue colocada en el patio de la Universidad Estatal de Ryazan.

Hamlet (1964)

Es una adaptación cinematográfica de 1964 en ruso de la obra homónima de William Shakespeare, basada en una traducción de Boris Pasternak. Fue dirigida por Grigori Kozintsev e Iosif Shapiro, y protagonizada por Innokenty Smoktunovsky como el príncipe Hamlet. Grigori Kozintsev fue en realidad miembro del grupo de músicos experimentales rusos, la Fábrica del Actor Excéntrico, cuyo estilo estaba estrechamente relacionado con el dadaísmo y el futurismo. En 1923 tenía la intención de hacer Hamlet como una pantomima de manera experimental, pero el proyecto no se realizó, y las ideas de Kozintsev se convirtieron en un proyecto cinematográfico. Regresó al teatro en 1941 con una producción de El rey Lear en Leningrado. En 1954 Kozintsev dirigió una producción teatral de Hamlet en el Teatro Pushkin de Leningrado, usando la traducción de Boris Pasternak; esta fue una de las primeras producciones soviéticas de la obra en la era post-Stalin.

Kozintsev también escribió extensamente sobre Shakespeare y una fase significativa de su publicación Shakespeare: Tiempo y Conciencia está dedicada a sus ideas sobre Hamlet junto con un estudio histórico. En un apéndice titulado «Diez años con Hamlet,» recopila extractos de sus diarios que tratan sus experiencias desde la producción teatral de 1954 y también con su película de 1964. La película de Kozintsev es fiel al estilo de la obra, pero la duración se acorta significativamente, alcanzando un total de 2 horas y 20 minutos de una obra que puede durar hasta 4 horas. La escena inicial está abreviada, incluyendo las escenas 1 y 6 del Acto IV, sin embargo, las otras escenas se representan aunque algunas están sustancialmente abreviadas. El último discurso de Hamlet se reduce simplemente a «El resto es silencio.» En el Acto IV hay cierta repetición para mostrar la astucia de Rosencrantz y también de Guildenstern durante el viaje a Inglaterra. Kozintsev a menudo intenta representar el material de la obra en términos estéticos, así como hay escenas notables construidas sin usar diálogo, como la escena inicial donde Hamlet llega a Elsinore para el luto de la corte, así como la vigilia que precede a la mirada del fantasma.

Caminando por las calles de Moscú (1964)

Es una película rusa de 1964 dirigida por George Daneliya y producida por los estudios Mosfilm. En el reparto Nikita Mihalkov, Aleksei Loktev, Yevgeny Steblov y Galina Polskikh. La película también cuenta con cuatro artistas populares de la URSS – Rolan Bykov, Vladimir Basov, Lev Durov y Inna Churikova. La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1964 y también ganó un premio por el trabajo del camarógrafo Vadim Yusov, más conocido por su exitosa colaboración con Andrei Tarkovsky. Volodya es un escritor ambicioso de Siberia. Su primer cuento fue publicado en la revista Yunost («Juventud»), y un escritor conocido, Voronin, lo invitó a Moscú para conocer su trabajo. En el Metro de Moscú, Volodya se encuentra de repente con un amigo, Kolya (Nikita Mikhalkov), que regresa a casa después de un duro turno nocturno. Volodya desea quedarse en la casa de sus viejos amigos, pero no sabe dónde está el camino, así que Kolya le ayuda a localizarlo.

La infancia de Iván (1962)

Es una película de guerra rusa de 1962 dirigida por Andrei Tarkovsky. Coescrita por Mikhail Papava, Andrei Konchalovsky y un Tarkovsky desconocido, está basada en el cuento corto «Iván» de Vladimir Bogomolov de 1957. La película está protagonizada por el actor infantil Nikolai Burlyayev junto con Valentin Zubkov, Evgeny Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko y también la pareja de Tarkovsky, Irma Raush.

Ivan’s Childhood narra la historia del niño huérfano Iván, cuyos padres fueron eliminados por los alemanes, así como sus experiencias durante la Segunda Guerra Mundial. Ivan’s Childhood fue una de varias películas soviéticas de su época, como The Cranes Are Flying y también Ballad of a Soldier, que examinaron el precio humano que se paga en la guerra y no promovieron la experiencia bélica como lo hacían las películas producidas antes del deshielo de Jruschov. En una reunión de 1962, Tarkovsky especificó que al hacer la película pretendía compartir todo su disgusto por la guerra, que eligió sus años de infancia porque son los que más contrastan con la guerra.

La película fue el primer largometraje de Tarkovsky. Le valió un gran éxito y lo hizo reconocido mundialmente. Ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1962 y el Premio Golden Gate en el Festival Internacional de Cine de San Francisco en 1962. Directores famosos como Ingmar Bergman, Sergei Parajanov y también Krzysztof Kieślowski aplaudieron la película y la mencionaron como una inspiración para su trabajo. Jean-Paul Sartre escribió un breve artículo sobre la película afirmando que era una de las más extraordinarias que había visto hasta entonces. En una reunión posterior, Tarkovsky confesó que estaba de acuerdo con las críticas negativas del intelectual italiano Alberto Moravia, quien había reseñado la película.

Balada de un soldado (1959)

Es una película rusa de 1959 dirigida por Grigory Chukhray y protagonizada por Vladimir Ivashov y Zhanna Prokhorenko. Aunque está ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, no es principalmente una película bélica. Narra, en el contexto del caos de la batalla, distintos tipos de amor: el amor glamoroso de una pareja joven, el amor comprometido de una pareja, el amor de una madre por su hijo, y un soldado del Ejército Rojo que intenta regresar a casa durante una licencia, enamorándose. La película fue preseleccionada para un Premio de la Academia al Mejor Guion Original.

La película se estrenó en Estados Unidos en 1960 como parte de un intercambio cinematográfico soviético-estadounidense durante la pausa de la Guerra Fría. La película ha recibido mucho reconocimiento por su modernidad estilística así como por su historia sólida y refinada. Con el vigor juvenil desenfrenado del personaje principal, la película fue aclamada como un clásico tanto por críticos de cine estadounidenses como soviéticos. La película fue galardonada con el Premio Lenin en 1961, para director y productor.

Las grullas vuelan (1957)

Es una película rusa de 1957 sobre la Segunda Guerra Mundial. Muestra la ferocidad de la guerra y el daño causado al espíritu soviético. La película fue dirigida por el director soviético de origen georgiano Mikhail Kalatozov en 1957 y protagonizada por Aleksey Batalov y Tatiana Samoilova. Adaptada por Viktor Rozov a partir de su obra teatral, la película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1958, siendo la única película soviética en obtener ese honor. La película presenta heroínas mucho más complejas y multidimensionales y se centró en el efecto de la guerra en la gente común. No solo los soviéticos simpatizaron con la historia de Veronika. La actriz principal de Las grullas vuelan, Tatiana Samoilova, quien a menudo se identificaba con su papel, conquistó Europa. Tras el triunfo de la película en el Festival de Cannes en 1958, donde ganó el Gran Premio, los críticos de cine elogiaron la producción por su espectacular cinematografía, actuación, dirección y montaje.

Carnaval Nocturno (1956)

Es una película musical rusa de 1956. Es el primer gran largometraje de Eldar Ryazanov, el papel inicial de Lyudmila Gurchenko y también una de las películas más famosas protagonizadas por el célebre comediante Igor Ilyinsky. Producida durante el Deshielo de Jruschov, la película se convirtió en la líder de taquilla soviética de 1956 con un total de 48.64 millones de entradas vendidas. Hoy en día sigue siendo un clásico muy querido de Año Nuevo en Rusia y en el área postsoviética.

Es la víspera de Año Nuevo y los trabajadores de una Casa de Cultura también se están preparando con su programa anual de entretenimiento de Año Nuevo. Consiste en una gran cantidad de baile y canto, y también trucos de magia. De repente, se anuncia que se ha seleccionado un nuevo director que llegará pronto. El camarada Ogurtsov llega a tiempo para rechazar el entretenimiento acordado. Para él, la fiesta de Año Nuevo tiene un significado diferente, y propone informes anuales para contar el desarrollo del club con un orador y la oportunidad de vida en el planeta Marte. Y también, probablemente, algo de música seria, algo de los Clásicos, interpretado por la banda de Veteranos. Nadie va a cambiar el programa a solo un par de horas antes, mucho menos cambiarlo por algo tan poco interesante. Todos se reorganizan para evitar que Ogurtsov llegue al teatro. Los miembros del club quieren capturar a Ogurtsov cueste lo que cueste para asegurar que los espectáculos puedan realizarse y conmemorar el Año Nuevo tal como se preparó originalmente.

Cosacos del Kubán (1950)

Es una película rusa que narra la vida de los campesinos en el koljós de la región del Kubán en la Unión Soviética, dirigida por Ivan Pyryev y protagonizada por Marina Ladynina, su esposa en ese momento. La película está ambientada en los primeros años de la posguerra. En la feria agrícola de otoño, un criador de caballos de carrera, Nikolai (Vladlen Davydov), conoce a una criadora experimentada, Dasha Shelest (Klara Luchko). Su enamoramiento es mutuo, pero los amantes, que trabajan en diferentes granjas, tendrán que superar la resistencia de sus jefes, que no quieren perder a excelentes trabajadores.

La balada de Siberia (1948)

Es una película rusa producida por Mosfilm y estrenada en 1948, fue la segunda película en color en la Unión Soviética después de La flor de piedra. Fue dirigida por Ivan Pyryev y protagonizada por Vladimir Druzhnikov y también Marina Ladynina. Es un musical soviético, cargado de melodías, como «El vagabundo», que narran el progreso de Siberia después de la Segunda Guerra Mundial.

El pianista Andrei Balashov (Vladimir Druzhnikov), tras resultar herido en el frente durante la Gran Guerra Patria, pierde la capacidad de tocar debido a una lesión en la mano. Sin despedirse de sus amigos ni de su querida Natasha (Marina Ladynina), probablemente será enviado a Siberia. Presencia la construcción de una fábrica y canta en una casa de té por la noche. Por casualidad, el mal tiempo obliga al avión con los amigos de Andrey, Boris Olenich y Natasha, que vuelan al extranjero, a aterrizar en la terminal de vuelos cerca de la planta. Andrey los encuentra y eso cambia su vida. Realiza un viaje al Ártico motivado por el valiente trabajo de construir un oratorio sinfónico «Balada de Siberia», ganando reconocimiento internacional.

La Flor de Piedra (1946)

Es una película de fantasía rusa de 1946 dirigida por Aleksandr Ptushko. Es una adaptación del cuento homónimo de Pavel Bazhov basado en la mitología rusa de la región de los Urales. También incluye aspectos de las historias cortas «El amante de la montaña de cobre» y «El maestro artesano». La película fue estrenada en cines por Mosfilm el 28 de abril de 1946. Fue el primer film en color de la Unión Soviética y participó en el Festival de Cine de Cannes de 1946. Fue un éxito de taquilla en la URSS en 1946: la vieron 23,17 millones de espectadores. El relato se cuenta desde el punto de vista del viejo escritor Slyshko.

El hábil tallador de gemas Prokopych está envejeciendo, y el contador del propietario lo presiona para que tome un aprendiz. Prokopych intenta educar a varios chicos, pero en ninguno reconoce el «alma de piedra». En un momento elige a un niño que parece imprudente y también muy descuidado en todo lo demás, pero que revela una gran habilidad para engastar gemas y crear patrones. Rápidamente supera a su viejo maestro. Dado que el tallado de gemas puede dañar seriamente la salud, Prokopych decide mantenerlo alejado del trabajo.

Iván el Terrible (1944)

Es una película épica rusa en dos partes escrita y dirigida por Sergei Eisenstein. Es una biografía de Iván IV de Rusia, fue la última película de Eisenstein, encargada por el premier soviético Joseph Stalin. La Parte I se estrenó en 1944; la Parte II, aunque se produjo en 1946, no se lanzó hasta 1958, ya que fue prohibida por Stalin, quien se enfureció por la representación de Iván en ella. Eisenstein había planeado hacer una tercera parte para concluir la historia, pero con la prohibición de la Parte II, la filmación de la Parte III se detuvo; tras la muerte de Eisenstein en 1948, lo que se había terminado de la Parte III fue destruido.

La película es mayormente en blanco y negro, pero tiene un par de escenas en color al final de la Parte II. Las películas se han vuelto muy apreciadas, impresionantes en acción y llamativas en estilo. Todo amante del cine debería ver esta película, una de las grandes obras maestras de todos los tiempos.

Volga-Volga (1938)

Es un musical ruso dirigido por Grigori Alexandrov, estrenado el 24 de abril de 1938. Se centra en un grupo de artistas aficionados que se dirigen a Moscú para participar en una competencia de habilidades llamada la Olimpiada Musical de Moscú. Gran parte de la acción tiene lugar en un barco que realiza un viaje por el río Volga. Los papeles principales fueron interpretados por la esposa de Alexandrov, Lyubov Orlova, así como por Igor Ilyinsky.

Según Orlova, el nombre de la película proviene de una famosa canción folclórica rusa, Stenka Razin, que Alexandrov cantó mientras remaba con Charlie Chaplin en la Bahía de San Francisco. Chaplin sugirió de manera divertida las palabras como título para una película, pero Alexandrov lo tomó en serio y llamó a su nueva película Volga-Volga. Fue la película favorita del premier soviético Joseph Stalin. Nikita Khrushchev en sus memorias dice que en la era previa a la Segunda Guerra Mundial, Stalin se burlaba de él por aparecer como personaje en la película. La película es una celebración del río Moscova. En 1961, se lanzó una nueva versión de la película, con la escena del barco «Joseph Stalin.

En el pueblo rural de Melkovodsk a lo largo del río Volga, la cartera Dunya Petrova, también conocida como «Flecha», emprende un viaje en una barcaza para entregar un mensaje importante a Ivan Byvalov. Flecha tiene interés en las canciones y anhela ser cantante. En el viaje por carretera con Flecha está su compañero Alesha Trubyshkin, director de una banda de música.

Alexander Nevsky (1938)

Es una película histórica rusa de 1938 dirigida por Sergei Eisenstein. Muestra el intento de invasión de Novgorod en el siglo XIII por los Caballeros Teutónicos del Sacro Imperio Romano, así como su derrota ante el príncipe Alexander, reconocido como Alexander Nevsky (1220-1263).

Eisenstein realizó la película en asociación con Dmitri Vasilyev y con un guion coescrito con Pyotr Pavlenko; fueron incorporados para asegurarse de que Eisenstein no se perdiera en el «formalismo» y para ayudar a rodar la película en un calendario racional. Fue producida por Goskino a través del sistema de producción Mosfilm, con Nikolai Cherkasov en el papel principal y un arreglo musical de Sergei Prokofiev. Alexander Nevsky fue la primera y también la más importante de las tres películas sonoras de Eisenstein. Eisenstein, Pavlenko, Cherkasov y Abrikosov recibieron el Premio Stalin de 1941 por la película.

Alexander Nevsky es mucho menos experimental en su estructura narrativa que las películas anteriores de Eisenstein; cuenta una historia con un arco narrativo único y se centra en un solo personaje principal. Los efectos especiales y la cinematografía fueron de los más innovadores de la época. La película culmina en la batalla de media hora sobre el hielo, acompañada por la música amenazante e inspiradora de Prokofiev, una escena que desde entonces ha servido como plantilla para luchas cinematográficas legendarias.

El circo (1936)

Es una película musical rusa de 1936. Fue dirigida por Grigori Aleksandrov e Isidor Simkov en los estudios Mosfilm. Protagonizada por la estimada y extravagante Lyubov Orlova, esposa de Aleksandrov, la primera celebridad del cine soviético y talentosa cantante, la película está compuesta por numerosas melodías que se convirtieron inmediatamente en clásicos soviéticos. Una de las más conocidas es la «Canción de la Patria».

La película está basada en un guion compuesto por Ilf, Petrov y Valentin Kataev y representado por el music hall de Moscú, Bajo la Cúpula del Circo. Convirtieron la obra en la historia, pero no les gustó el análisis del supervisor, y tras una disputa, abandonaron el trabajo, restringieron el uso de sus nombres en los créditos, y la historia fue desarrollada por Isaac Babel. Orlova interpreta a una artista de circo estadounidense que, tras dar a luz a un niño negro, es inmediatamente sometida a fanatismo y obligada a permanecer en el circo, pero encuentra refugio, amor y alegría en la URSS.

Marion Dixon, una destacada artista de circo estadounidense, debe huir por su vida con su hijo para escapar de una turba linchadora en una comunidad rural estadounidense. No se menciona dónde está el padre, pero se sospecha que fue linchado. Dixon es acogida bajo la protección de Franz von Kneishitz, un agente alemán taciturno cuyo bigote y manías recuerdan a Adolf Hitler. Kneishitz chantajea a Dixon para que sea su amante mientras la manipula.

El nuevo Gulliver (1935)

Es una película animada rusa, la primera en hacer un uso sustancial de la animación de criaturas, que dura a lo largo de todo el film. La película fue estrenada en 1935 con amplio reconocimiento y también le valió al director Aleksandr Ptushko un premio en el Festival Internacional de Cine de Milán. El papel de Gulliver fue interpretado por Vladimir Konstantinov, nacido en 1920 y fallecido en 1944 cerca de Tallin durante la Segunda Guerra Mundial. Esta fue su primera y única actuación cinematográfica. El relato, una reinterpretación comunista de la novela de 1726 de Jonathan Swift, Los viajes de Gulliver, trata sobre un niño que se imagina a sí mismo como una versión de Gulliver que ha llegado a Liliput, donde soporta la desigualdad y explotación capitalista.

Jolly Fellows (1934)

Es una película musical rusa de 1934, dirigida por Grigori Alexandrov y protagonizada por su esposa Lyubov Orlova, una talentosa cantante y también la primera celebridad reconocida del cine soviético. El guion fue escrito por Aleksandrov, Vladimir Mass y Nikolai Erdman. Incluye numerosas melodías que se han convertido en clásicos en toda la Unión Soviética. Una de las canciones más populares – «Kak mnogo devushek khoroshikh» (Muchas buenas mujeres) – gozó de popularidad mundial. Tanto Orlova como su coprotagonista, el encantador cantante y estrella de la comedia Leonid Utyosov, se hicieron famosos tras la película.

Yelena (Mariya Strelkova), una rica aspirante a cantante, confunde al pastor Kostya Potekhin (Leonid Utyosov) con un popular director paraguayo de una orquesta de cámara y lo recibe en un evento celebrado en su casa. Él toca la flauta, lo que hace que las mascotas de su granja colectiva se acerquen a la mesa. La sirvienta de Yelena, Anyuta (Lyubov Orlova), se enamora de Kostya. Kostya se siente atraído por Yelena y cuando descubre su verdadera identidad, queda realmente angustiado.

Madre (1926)

Es una película rusa de 1926 dirigida por Vsevolod Pudovkin. Narra la historia de una madre durante la Revolución Rusa de 1905, tras la muerte de su esposo y el encarcelamiento de su hijo. Basada en la novela de 1906 de Maxim Gorky, La Madre, es la primera parte de la «trilogía innovadora» de Pudovkin, junto con El fin de San Petersburgo (1927) y Tormenta sobre Asia (1928). La película fue prohibida en el Reino Unido en 1930 después de que la Masses Stage and Film Guild obtuviera la aprobación para estrenarla en Londres. Rusia, 1905. Vlasov es un montador de tuberías en una planta manufacturera, alcohólico y un esposo y padre abusivo. Pavel luego acepta esconder un pequeño alijo de pistolas para los socialistas bajo las tablas del suelo de su casa. Su madre lo observa en secreto.