Russische Filme, die man unbedingt sehen muss

Die ersten russischen Filme erschienen während des Russischen Reiches. In der Sowjetunion und in den Jahren nach deren Auflösung erlangten russische Filme weiterhin weltweite Anerkennung. Im 21. Jahrhundert hat das russische Kino mit Filmen wie Hardcore Henry (2015), Leviathan (2014), Night Watch (2004) und Brother (1997) weltweiten Ruhm erlangt. Das Moskauer Internationale Filmfestival begann 1935 in Moskau. Der Nika-Preis ist der wichtigste jährliche nationale Filmpreis in Russland.

Erste russische Filme

Die ersten Filme, die im Russischen Reich zu sehen waren, wurden von den Brüdern Lumière hergestellt, die im Mai 1896 Filme in Moskau und St. Petersburg zeigten. Im selben Monat drehte Lumières Kameramann Camille Cerf den ersten Film in Russland, der die Krönung von Nikolaus II. im Kreml aufzeichnete. Aleksandr Drankov schuf den ersten russischen Spielfilm Stenka Razin (1908), basierend auf Ereignissen, die Regisseur Vladimir Romashkov erzählte. Bedeutende russische Filmemacher jener Zeit waren Aleksandr Khanzhonkov und auch Ivan Mozzhukhin, der 1912 Die Verteidigung von Sewastopol drehte. Yakov Protazanov drehte Abreise eines großen alten Mannes (1912), ein Biopic über Leo Tolstoi.

Animationsmeister Ladislas Starevich drehte 1910 den ersten russischen Animationsfilm – Lucanus Cervus. Seine anderen Stop-Motion-Kurzfilme The Beautiful Leukanida (1912) und The Cameraman’s Revenge (1912) gehören ebenfalls zu den allerersten Animationsfilmen. In den folgenden Jahren drehte Starevich Kurzfilme, die auf Mythen basieren, wie Die Ameise und das Insekt (1913), sowie Werbefilme über den Ersten Weltkrieg.

Olga Preobrazhenskaya war Russlands erste Regisseurin. 1916 gab sie ihr Regiedebüt mit Miss Peasant. Der Film ist verloren gegangen. In sowjetischer Zeit drehte sie Frauen von Rjasan (1927). Während des Ersten Weltkriegs gingen die Importe stark zurück, und russische Filmemacher produzierten viele anti-deutsche und patriotische Filme. 1916 wurden in Russland 499 Filme hergestellt, mehr als das Dreifache der Anzahl von vor drei Jahren.

Vor der Oktoberrevolution fehlte Russland ein hochentwickelter Filmmarkt, da die Bevölkerungsbasis zu gering war, um einen lokalen Markt zu tragen. Die Russische Revolution brachte eine Vielzahl von Filmen mit anti-zaristischen Themen hervor. Der letzte große Film der Periode, gedreht 1917, war Vater Sergius von Yakov Protazanov und Alexandre Volkoff. Es war der erste Filmstart der sowjetischen Ära.

Battleship Potemkin

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Drama, Krieg, von Sergej Eisenstein, Russland, 1925.
Der Aufstand der Matrosen des Schlachtschiffs Potemkin und der Bürger von Odessa gegen die rücksichtslose Polizei des Zaren, die mit Vergeltungsmaßnahmen reagiert und ein Massaker verübt. Sergej Eisenstein dreht einen Film im Auftrag von Goskino, dem Amt für Kinematographie und Filmproduktion in der Sowjetunion. Es ist ein „Propagandafilm“ zur Feier der Revolution von 1905, doch Eisenstein macht daraus ein experimentelles und grandioses Werk, das die Geschichte des Kinos und des Filmschnitts für immer verändern wird.

Denkanstoß
Die Revolution betrachtet die Dinge politisch, sie setzt voraus, dass zur Veränderung des Menschen die Struktur der Gesellschaft geändert werden muss. Aber keine Revolution hat jemals den Menschen verändert. Der Revolutionär will die Gesellschaft, die Regierung, die Bürokratie, die Gesetze, das politische System ändern. Alle Revolutionen sind immer kläglich gescheitert, und der Mensch ist immer derselbe geblieben. Um die Welt zu verändern, braucht man keine Revolutionäre, sondern Rebellen.

SPRACHE: Russisch
UNTERTITEL: Englisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Russische Filme und Regisseure

Wladimir Lenin war der erste Politiker des zwanzigsten Jahrhunderts, der den Wert des Films verstand. Er sah das Kino als ein Mittel zur Vereinigung des Landes. Lenins Regierung stellte die Werkzeuge für das schnelle Wachstum der sowjetischen Filmindustrie bereit, die im August 1919 verstaatlicht und unter die direkte Autorität von Lenins Ehefrau, Nadeschda Krupskaja, gestellt wurde. Zu den ersten Maßnahmen des Filmkomitees gehörte die Einrichtung einer spezialisierten Filmeinrichtung in Moskau zur Ausbildung von Filmemachern, Filmspezialisten und Schauspielern. Das Allunionsstaatliche Institut für Kinematographie war die erste solche Einrichtung auf dem Planeten. Lev Kuleshov, der an der Hochschule lehrte, entwickelte das revolutionäre Montageverfahren namens Mosaik, eine bedeutungsvolle Technik, bei der mehrere Bilder miteinander verbunden werden können, um eine symbolische oder nicht-wörtliche Bedeutung zu entwickeln.

Zwei von Kuleshovs berühmtesten Schülern waren Sergey Eisenstein und Vsevolod Pudovkin. Russisch war die Hauptsprache in Filmen während der gesamten Sowjetzeit, das Kino der Sowjetunion umfasste Filme aus der Armenischen SSR, der Georgischen SSR, der Ukrainischen SSR und auch, in geringerem Maße, der Litauischen SSR, der Weißrussischen SSR sowie der Moldauischen SSR. Während eines Großteils der Geschichte der Sowjetunion war der Filminhalt, mit bedeutenden Ausnahmen in den 1920er und späten 1980er Jahren, weitgehend durch Zensur und administrative staatliche Kontrolle eingeschränkt.

Das Wachstum der sowjetischen Filmindustrie war brillant und stand auch im Zusammenhang mit der konstruktivistischen künstlerischen Tätigkeit. 1922-23 wurde Kino-Fot die erste sowjetische Filmzeitschrift und spiegelte die konstruktivistischen Ansichten ihres Herausgebers Aleksei Gan wider. Wie viele sowjetische Kunstwerke der 1920er Jahre behandelten die Filme wichtige soziale und politische Ereignisse der Zeit. Ein wegweisender Film dieser Ära war Schlachtschiff Potemkin von Sergei Eisenstein, nicht nur wegen seiner Darstellung der Ereignisse, die zur Revolution von 1905 führten, sondern auch wegen seiner bahnbrechenden filmischen Methoden, wie der Verwendung von Montage zur Darstellung politischer Ideen. Bis heute zählt Schlachtschiff Potemkin zu den besten Filmen aller Zeiten.

Vsevolod Pudovkin entwickelte ein neues Montagekonzept, das auf kognitiver Assoziation basierte. Pudovkins Mutter (1926) wurde weltweit berühmt für seinen Schnitt sowie seine hohen psychologischen Qualitäten. Später wurde Pudovkin offen Formalismus für seinen Film Ein einfacher Fall (1932) vorgeworfen, den er ohne seine Filmmusik ausstrahlen musste.

Russische Filme ab den 30er Jahren

Zwei weitere bedeutende Filmemacher der sowjetischen Stummfilmzeit waren Aleksandr Dovzhenko und Dziga Vertov. Dovzhenkos bekanntestes Werk ist seine Trilogie Ukraine und der Film Erde (1930). Vertov ist berühmt für seinen Film Der Mann mit der Kamera (1929) und für das Cine-Auge-Konzept, dass die Filmkamera wie das menschliche Auge dazu verwendet wird, die reale Welt zu entdecken, was einen erheblichen Einfluss auf den Dokumentarfilm hatte. Mit der Konsolidierung der stalinistischen Macht in der Sowjetunion und dem sozialistischen Realismus, der direkt von Malerei und Skulptur zum Kino führte, geriet das sowjetische Kino unter nahezu vollständige staatliche Kontrolle.

Filme, die in den 1930er Jahren veröffentlicht wurden, umfassen Musicalfilme wie die populären Jolly Fellows (1934), Circus (1936) und Volga-Volga (1938), die von Sergei Eisensteins langjährigem Partner Grigori Aleksandrov inszeniert wurden. In diesen Filmen spielte die führende Schauspielerin der Zeit Lyubov Orlova, die auch Aleksandrovs Ehefrau war. In den 1930er und 1940er Jahren führte Eisenstein zwei legendäre Historienfilme – Alexander Newski (1938) und Iwan der Schreckliche (1944). Beide Filme wurden vom Autor Sergei Prokofiev geschrieben.

Kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs entstanden sowjetische Farbfilme wie Aleksandr Ptushkos Der Steineblume (1947), Ballade von Sibirien (1947) und Kosaken am Kuban (1949), beide von Regisseur Ivan Pyryev. Das sowjetische Kino geriet nach dem Zweiten Weltkrieg in einen raschen Niedergang: Die Filmproduktion sank von 19 im Jahr 1945 auf 5 im Jahr 1952. Die Produktion stieg erst Ende der 1950er Jahre wieder an, als sowjetische Filme großen Erfolg erzielten, vergleichbar mit den Kinos anderer Länder des Ostblocks.

Anfang der 1960er und Ende der 1950er Jahre wählten sowjetische Filmemacher weit weniger eingeschränkte Schauplätze, und während die Zensur weiter bestand, entstanden Filme, die begannen, außerhalb des sowjetischen Blocks wahrgenommen zu werden, wie Ballade eines Soldaten von Grigory Chukhray, der 1961 den BAFTA Award für den besten Film gewann, sowie 1958 die Goldene Palme für Mikhail Kalatozovs Die Kraniche ziehen. Aleksander Zarkhis Die Höhe (1957) gilt als einer der besten russischen Filme der 1950er Jahre.

Einer der berühmtesten russischen Regisseure der 70er und 60er Jahre war Andrei Tarkovsky, der die bahnbrechenden Arthouse-Filme Ivan Kindheit, Andrei Rublev, Solaris, Spiegel und Stalker drehte. Seine Filme wurden bei Cannes und dem Filmfestival von Venedig ausgezeichnet. Sein Durchbruchfilm Ivan Kindheit gewann 1962 den Goldenen Löwen beim Filmfestival von Venedig. Tarkovskys Film Andrei Rublev (1966) erhielt 1969 den FIPRESCI-Preis beim Filmfestival von Cannes. Für Stalker (1979) gewann Tarkovsky 1980 den Preis der Ökumenischen Jury in Cannes. Ebenso erhielt er den Spezial-Großen Preis für Solaris 1972 und auch für Opfergabe bei Cannes 1986. Weitere bedeutende sowjetische Regisseure sind Sergei Bondarchuk, Sergey Paradzhanov, Larisa Shepitko, Kira Muratova, Marlen Khutsiev, Mikhail Kalatozov, Nikita Mikhalkov, Vladimir Menshov und Gleb Panfilov.

Sergei Bondarchuk begann seine Karriere als Schauspieler. Sein Regiedebüt war Schicksal eines Menschen, der 1959 veröffentlicht wurde. Bondarchuk ist vor allem bekannt für seine Hauptrolle und Regiearbeit im Oscar-prämierten russischen Film Krieg und Frieden (1967). Zu den sehr berühmten literarischen Adaptionen der 1960er Jahre zählt Grigory Kozintsevs Hamlet (1964), Gewinner des Spezial-Jurypreises beim Filmfestival von Venedig. Nikita Mikhalkov gab 1974 mit Fremd im eigenen Land sein Regiedebüt. Sein Bruder, Andrey Konchalovsky, ist ebenfalls Regisseur. Konchalovsky feierte sein Regiedebüt 1965 mit Der erste Lehrer, der beim Filmfestival von Venedig ausgezeichnet wurde. Die Regisseurin Kira Muratova sah sich während der Sowjetzeit Zensur ausgesetzt und erlangte erst während der Perestroika öffentliche Anerkennung. Ihr Film Zwischen grauen Steinen (1983) wurde 1988 in die Reihe Un Certain Regard beim Filmfestival von Cannes aufgenommen.

Russische Komödienfilme

Der Komödienfilm war in Russland und der Sowjetunion stets eines der führenden Genres mit der größtmöglichen Vielfalt an Kassenschlagern. Die beliebtesten sowjetischen Komödien jener Zeit wurden von Leonid Gaidai, Eldar Ryazanov und Georgiy Daneliya inszeniert, wie Karnevalsnacht (1956), Die Ironie des Schicksals (1976), Entführung, kaukasischer Stil (1967), Operation Y und auch Schuriks andere Abenteuer (1965), Die zwölf Stühle (1976), Spaziergang durch Moskau (1964).

Sowjetische Filmemacher schufen auch Abenteuerfilme für Historiker, wie D’Artagnan und die drei Musketiere (1978) und Gardes-Marines, vorwärts! (1988). Unter diesen wurden auch „Osterns“, die sowjetische Version der Westernfilme, bedeutend. Beispiele für den Ostern sind Weißsonne des Wüstens (1970), Der kopflose Reiter (1972), Bewaffnet und gefährlich (1977), Ein Mann vom Boulevard der Kappuziner (1987). Im Spionagefilm dominierten Fernsehserien wie Siebzehn Momente des Frühlings, Der Tatort kann nicht verändert werden, Untersuchung durch ZnaToKi sowie eine Adaption der Sherlock-Holmes-Geschichten mit Vasily Livanov als Holmes.

Eine große Anzahl von Zweiter-Weltkrieg-Dramen aus den 1970er und 1980er Jahren erlangte weltweite Bekanntheit, viele davon sind Yuri Ozerovs Befreiung (1971), Stanislav Rostotskys Hier sind die Vögel still (1972), Sie kämpften für ihr Land (1975) von Sergei Bondarchuk, Der Aufstieg (1977) von Larisa Shepitko und Sehen und Kommen (1985) von Elem Klimov.

Yuri Norstein ist wahrscheinlich einer der bekanntesten russischen Animatoren der Sowjetzeit; Seine computeranimierten Kurzfilme Igel im Nebel und Märchen von Märchen haben weltweite Anerkennung gefunden und viele Regisseure inspiriert. Larisa Shepitkos Film Der Aufstieg war der erste sowjetische Film, der 1977 den Goldenen Bären bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin gewann. Vladimir Menshows fesselndes Drama Moskau glaubt nicht an Tränen gewann 1981 den Oscar für den besten fremdsprachigen Film und war auch an den sowjetischen Kinokassen mit über 93 Millionen Zuschauern sehr beliebt.

Der Science-Fiction-Film Briefe eines toten Mannes (1986), Konstantin Lopushanskys Regiedebüt, wurde 1987 in der Internationalen Kritikerwoche der Filmfestspiele von Cannes ausgewählt und erhielt den FIPRESCI-Preis beim 35. Internationalen Filmfestival Mannheim-Heidelberg. Sein nächster Film Ein Besucher im Museum (1989) wurde beim Moskauer Filmfestival gezeigt, wo er den Silbernen St. Georg und den Preis der Ökumenischen Jury gewann. In den 1980er Jahren war der russische Regisseur Andrei Konchalovsky der erste, der in Hollywood Erfolg hatte. In Amerika inszenierte er Maria’s Lovers (1984), Runaway Train (1985) und auch Tango & Cash (1989).

Mit dem Beginn von Perestroika und Glasnost Mitte der 1980er Jahre entstanden sowjetische Filme, die sich mit zuvor zensierten Themen beschäftigten, wie Drogenabhängigkeit. Rashid Nugmanovs Die Nadel (1988), mit dem Rocksänger Viktor Tsoi, behandelt die Themen Sexualität und Entfremdung in der sowjetischen Kultur, Kleine Vera (1988) von Vasili Pichul. Der Sektor erlebte eine erhebliche Kürzung der staatlichen Förderung, und das staatlich kontrollierte Filmsystem brach ebenfalls zusammen, was zur Dominanz von Westernfilmen in russischen Kinos führte.

Neue russische Filme

In den 1990er Jahren wurden deutlich weniger Filme produziert, da sich der Kinomarkt grundlegend veränderte und das wirtschaftliche Klima ebenfalls prekär war. Von 300 im Jahr 1990 sank die Zahl auf 213 im Jahr 1991, 172 im Jahr 1992, 152 im Jahr 1993, 68 im Jahr 1994, 46 im Jahr 1995 und 28 im Jahr 1996. Im Jahr 1990 wurde die Zensur erheblich gelockert: Der Staat konnte sich nicht mehr in die Produktion und Verbreitung von Filmen einmischen, außer in Fällen von Kriegspropaganda, Enthüllung staatlicher Betrügereien und Pornografie. Im Rahmen der Abschaffung aller großen sowjetischen Verwaltungsstrukturen wurde 1991 das Filmkomitee der UdSSR aufgelöst. Das russische Kino der 1990er Jahre behandelte neue Themen, wobei der Tschetschenienkrieg die Filmemacher zusätzlich beeinflusste. Mehrere Filme jener Zeit beschäftigten sich mit dem Kriegsgeschehen und auch mit dem Stalinismus.

Russische Filme zum Anschauen

Hier ist eine Liste unverzichtbarer russischer Filme: von den großen Meisterwerken des sowjetischen Kinos bis zu leichten Komödien, von russischen Western bis zu Independent-Filmen, bis hin zum neuen russischen Kino der letzten Jahre.

Three Songs about Lenin

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Dokumentarfilm von Dziga Vertov, Russland, 1934.
Der bekannteste Film während der Lebenszeit des Regisseurs Dziga Vertov, ein großer Erfolg des sozialistischen Dokumentarfilms. Ein experimenteller Dokumentarfilm, der Lenin mit dem Einsatz von Ton und Volksliedern feiert. Die Befreiung muslimischer Frauen in Usbekistan, Aufnahmen von Lenins Beerdigung, seinen öffentlichen Auftritten und einer seiner Reden, die live aufgenommen wurde.

SPRACHE: Russisch
UNTERTITEL: Englisch, Italienisch, Spanisch, Französisch, Deutsch, Portugiesisch

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Loveless (2017)

Ein sich scheidendes Paar in Moskau, von gegenseitigem Hass zerfressen, vernachlässigt ihren jungen Sohn, der auf mysteriöse Weise verschwindet. Während eine Suche beginnt, gerät ihre lieblos geführte Beziehung und ihr egoistisches Leben unter die Lupe, was tiefe emotionale Leere offenbart.

Zvyagintsevs Loveless ist eine erschütternde Analyse moderner Entfremdung und elterlicher Gleichgültigkeit, die den Jury-Preis von Cannes für ihre präzise Regie und das eindringliche Sounddesign gewann. Die eisigen Bilder und die spannungsgeladenen Darstellungen unterstreichen gesellschaftliche Brüche im postsowjetischen Russland und machen den Film zu einer eindringlichen, weltweit anerkannten Kritik menschlicher Entfremdung.

Leviathan (2014)

In einer abgelegenen russischen Küstenstadt sieht sich Kolya mit Korruption konfrontiert, als die lokalen Behörden sein Haus für ein Entwicklungsprojekt des Bürgermeisters beschlagnahmen. Im Kampf gegen Bürokratie und mächtige Interessen legt sein Widerstand die rohe Realität der modernen russischen Gesellschaft und persönliche Verzweiflung offen.

Andrey Zvyagintsevs Leviathan kritisiert meisterhaft politische Korruption und moralischen Verfall durch epische, biblische Bilder, die an das Buch Hiob erinnern. Die karge Kinematografie und die schonungslose Darstellung von Machtmissbrauch brachten dem Film internationale Anerkennung, darunter einen Golden Globe, und positionieren ihn als ein bedeutendes zeitgenössisches russisches Meisterwerk, das global mit seinen Themen von Ungerechtigkeit und menschlicher Zerbrechlichkeit resoniert.

Man with a Movie Camera

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Dokumentarfilm von Dziga Vertov, Russland, 1929.
Nach einigen Jahren, in denen er Propagandadokumentationen drehte, realisiert Dziga Vertov sein Meisterwerk, inspiriert von den Theorien des Realitätskinos und Kinoglaz. Eine experimentelle visuelle Symphonie mit futuristischen Wurzeln. Ein gewöhnlicher Tag eines Kameramanns, der ziellos durch die Stadt wandert auf der Suche nach dem Leben, das gefilmt werden soll. Die Kamera entfacht eine Explosion der Kreativität, die eine neue Sicht auf die Realität darstellt: reines Kino, das durch geniale Schnitt-Innovationen verstärkt wird. Ein Film, der so inspiriert und modern ist, dass er bis heute ein unendliches Thema für Diskussionen und neue Ideen bleibt.

Denkanstoß
Bestimmte Kunstwerke, bestimmte Filme besitzen eine objektive künstlerische Qualität. In der subjektiven Kunst berücksichtigt der Künstler nicht, wer das Kunstwerk betrachtet, er bringt lediglich seine eigene innere Welt zum Ausdruck. Das objektive Kunstwerk hingegen besitzt eine innewohnende Qualität, die über Tausende von Jahren weitergegeben werden kann. Das objektive Kunstwerk ist an keine Ideologie, soziale Kultur oder Epoche gebunden: Es kann jeden, an jedem Ort und zu jeder Zeit begeistern.

Ohne Dialog

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Brest Festung (2010)

Zu Beginn der Operation Barbarossa im Jahr 1941 leisten sowjetische Soldaten in der Brest Festung heldenhaften Widerstand gegen überwältigende deutsche Truppen. Inmitten brutaler Kämpfe treten persönliche Geschichten von Mut, Opferbereitschaft und Durchhaltevermögen während der verzweifelten Verteidigung der Festung hervor.

Aleksandr Kotts Brest Festung bietet ein eindringliches Kriegsdrama, das auf historischen Ereignissen basiert und rohe Heldentaten ohne propagandistische Übertreibungen betont. Die mitreißenden Kampfszenen und die emotionale Tiefe ehren die Widerstandskraft der Verteidiger und stehen als kraftvolles Zeugnis der Opfer des Zweiten Weltkriegs sowie als technisch beeindruckender Beitrag zum russischen Kino.

Brother 2 (2000)

Danila Bagrov reist nach Amerika, um für seinen Freund Gerechtigkeit zu suchen, und stellt sich dabei sowohl russischen Mafiosi als auch amerikanischen Kriminellen. Bewaffnet mit Einfallsreichtum und einem Sinn für Gerechtigkeit navigiert er durch eine gewalttätige Unterwelt über Kontinente hinweg.

Aleksei Balabanows Fortsetzung verstärkt den Kultstatus des Originals mit kühnerer Action, Satire auf den amerikanischen Kapitalismus und einem ikonischen Soundtrack. Obwohl kritisiert für die Verherrlichung von Selbstjustiz, sichern seine rohe Energie, einprägsame One-Liner und kulturelle Wirkung ihm den Status als prägendes post-sowjetisches Phänomen, das Machismo mit scharfer Gesellschaftskritik verbindet.

8 1⁄2 $ (1999)

Es ist eine russische Krimikomödie von 1999 von Gregory von Konstantinopel. Es war sein Regiedebüt. Aufgrund von Urheberrechtsproblemen wurde der Film erst 2011 veröffentlicht. Die Geschichte und auch der Titel beziehen sich auf Federico Fellinis Film 8½. Regisseur Gera Kremov dreht Werbespots, träumt aber davon, einen Spielfilm zu inszenieren. Er lernt Matilda kennen, die Partnerin des Mafioso Fyodor, und beginnt eine enge Beziehung mit ihr.

Nach einiger Zeit, nachdem er Geld von Fyodor erhalten hat, dreht er mit Matilda ein Musikvideo und bekommt anschließend die Chance, einen echten Film mit ihr in der Hauptrolle zu machen. Für die Filmproduktion verlangt Gera 300.000 $, und Fyodor stimmt zu und trifft ihn. Vor Ort erwartet Gera ein unerwünschter Schock: Fyodor ist sich der nicht ganz platonischen Beziehung zwischen Gera und Matilda wohl bewusst. Er will sofort drastische Maßnahmen ergreifen, erstickt jedoch an einer Pistazie und stirbt. Das Paar verprasst über Nacht 150.000 $, und Fyodors Zwillingsbruder Stepan kommt frühmorgens, um das Geld zurückzufordern. Gera regelt die Angelegenheit, indem er einen Mafioso namens Spartak anruft.

Der Barbier von Sibirien (1998)

Ein junger Kadett an einer Militärakademie verliebt sich tief in eine glamouröse amerikanische Frau, die in ein Komplott verwickelt ist, um innovative Maschinen ins zaristische Russland einzuführen. Ehre, Leidenschaft und imperiale Intrigen prallen in diesem opulenten Epos aufeinander.

Nikita Mikhalkovs weitreichende Saga verbindet Romantik, Komödie und historischen Drama mit opulenten Produktionswerten und herausragenden Darstellungen von Oleg Menshikov und Julia Ormond. Die nostalgische Darstellung des späten zaristischen Russlands, großartige Szenenbilder und kulturelle Spektakel machen ihn zu einer kühnen, wenn auch ausschweifenden Demonstration russischer filmischer Ambitionen.

Der Dieb (1997)

Es ist ein russischer Film von 1997, geschrieben und inszeniert von Pavel Chukhray. Er wurde für den Oscar als bester fremdsprachiger Film nominiert und gewann außerdem den Nika-Preis für den besten Film und die beste Regie. Gewinner des Internationalen Jugendjury-Preises, der Goldmedaille des Präsidenten des italienischen Senats und des UNICEF-Preises beim Filmfestival von Venedig 1997.

Der Film folgt einem Mädchen, Katya (Jekaterina Rednikova), und ihrem 6-jährigen Sohn Sanya (Misha Philipchuk), die im Jahr 1952 einen geschickten sowjetischen Polizisten namens Tolyan (Vladimir Mashkov) treffen. Katya, eine arme Witwe, und ihr Kind Sanya versuchen, im sowjetischen Nachkriegs-Russland der frühen 1950er Jahre zu überleben. Während einer Zugfahrt treffen sie auf einen gut aussehenden Polizisten, Tolyan, der ihre Mutter verführt. Katya bleibt bei Tolyan, der ihr Ehemann wird und auch als Stiefvater für Sanya fungiert, der dem Mann zunächst sehr misstrauisch gegenübersteht und seine Autorität verabscheut. Tolyan wird schließlich zu einem Kleinkriminellen, entwickelt sich jedoch ebenfalls zu einer Vaterfigur für Sanya. Im Film gibt es mehrere Zitate aus Hamlet.

Bruder (1997)

Es ist ein russischer Kriminalfilm noir aus dem Jahr 1997, geschrieben und inszeniert von Aleksey Balabanov. Der Film zeigt Sergei Bodrov Jr. als Danila Bagrov, einen jungen Mann, der durch seinen kriminellen älteren Bruder in die Mafia von St. Petersburg verwickelt wird. Er lief in der Sektion Un Certain Regard bei den Filmfestspielen von Cannes 1997. Nach seiner Veröffentlichung auf VHS im Juni 1997 verwandelte sich Bruder plötzlich in einen der erfolgreichsten russischen Filme der 1990er Jahre und wurde schnell zu einem Kultfilm in ganz Russland. Aufgrund des Erfolgs des Films wurde 2000 eine Fortsetzung, Bruder 2, veröffentlicht. Der Film wurde ein sofortiger Erfolg.

Die Geschichte konzentriert sich auf die Probleme und Mentalität des Russland der 1990er Jahre: Kriminalität, Armut, Entfremdung junger Russen, Mangel an Familie und Unehrlichkeit. All dies wurde durch die Folgen des Zusammenbruchs der Sowjetunion verursacht, der erst sechs Jahre zuvor stattfand. Trotz eines solch negativen Hintergrunds inmitten sozialer Degeneration hebt die Geschichte hervor, dass es im Charakter von Danila immer noch Mut gibt, der mit einem intensiven Sinn für Gerechtigkeit und Ethik dargestellt wird. Sie vermittelt dem russischen Publikum eine wirkungsvolle emotionale Botschaft, dass selbst in solch düsteren Zeiten noch Hoffnung besteht.

Mutter und Sohn (1997)

Es ist ein russischer Film von 1997 unter der Regie von Aleksandr Sokurov, der die Verbindung zwischen einer toten Mutter und ihrem Kind darstellt. Es war Sokurovs weltberühmter erster Spielfilm und zugleich der Auftakt einer Trilogie, deren Thema das Drama menschlicher Beziehungen ist. Es folgen Vater und Sohn (2003) sowie Zwei Brüder und eine Schwester, das letzte Kapitel, das jedoch bis 2019 noch nicht realisiert wurde; sein Film Alexandra (2007) wird oft als Teil dieser Sammlung betrachtet, da er ein weiteres Werk zum gleichen Thema ist. Der Film nahm am 20. Moskauer Internationalen Filmfestival teil, wo er den Sonderpreis Silberner Heiliger Georg gewann.

Der Film hat zwei Hauptfiguren, einen Jungen und eine kranke alte Frau. Der Junge ist der Sohn (Alexei Ananishnov), der sich um seine kranke Mutter (Gudrun Geyer) kümmert. Ihr Gesundheitsproblem ist undefiniert, und sie ringt gelegentlich nach Luft. Ihr Sohn kämmt ihr die Haare, füttert sie, deckt sie zu und nimmt sie in seine Arme. Einst war ihr Sohn völlig von ihr abhängig, jetzt ist sie völlig von ihm abhängig. Im Verlauf des Films unternimmt der Junge mit seiner Mutter eine lange Reise zu ihrem Tod. Es ist eine kreisförmige Bewegung, die eine lange Reise durch eine traumhafte Landschaft entlang gewundener staubiger Straßen macht. Bei jedem ihrer kurzen Stopps auf der Reise gibt es eine Minute der Kontemplation und zarte Flüstertöne. Diese süßen Flüstertöne berichten von der Liebe der Mutter zu ihrem Sohn, als sie ihn unterstützte, und auch von der Liebe des Sohnes zu seiner Mutter, während er ihr den seltsamen Verlauf seines Schicksals eröffnet.

Sonnenbrand (1994)

Es ist ein Film von 1994 des russischen Regisseurs Nikita Mikhalkov und des aserbaidschanischen Drehbuchautors Rustam Ibragimbekov. Der Film zeigt die Geschichte eines hochrangigen Offiziers der Roten Armee, gespielt von Mikhalkov, und auch seiner Familie während der Großen Säuberung Ende der 1930er Jahre in der stalinistischen Sowjetunion. Während eines Urlaubs mit seiner Frau, seiner kleinen Tochter und Verwandten ändert sich für Oberst Kotow alles grundlegend, als der alte Liebhaber seiner Frau Dmitri nach mehreren Jahren Abwesenheit auftaucht. Im Film spielen außerdem Oleg Menshikov, Ingeborga Dapkūnaitė und auch Mikhalkovs Tochter Nadezhda Mikhalkova mit.

Der Film war in Russland ein Erfolg und erhielt auch in den Vereinigten Staaten wohlwollende Kritiken. Er gewann den Grand Prix beim Filmfestival von Cannes 1994, den Oscar für den besten fremdsprachigen Film und verschiedene andere Auszeichnungen. Die üblichen Einwände der Kritiker in Russland waren, dass der Film „zu kommerziell“ sei und an Strenge fehle. Es ist eine fantastische tschechowsche Reflexion über Abhängigkeit, Liebe und sogar Ängste einer Ära, die gewöhnliche russische Familien ins Chaos gestürzt hat, ein mutiger und lyrischer Film mit einer autoralen filmischen Regie. Der Film baut sich allmählich auf und erreicht einen Höhepunkt stiller und unerwarteter Zerstörung.

Der Tschekist (1992)

Es ist ein russischer Historienfilm von 1992 unter der Regie von Aleksandr Rogozhkin, basierend auf einer Geschichte von Vladimir Zazubrin aus dem Jahr 1923. Er erzählt die Geschichte einer blutigen Operation und des Scheiterns einer sowjetischen Cheka-Sicherheitsbehörde, die mit Massenhinrichtungen während des russischen Bürgerkriegs in Verbindung steht. Der Film spielt während des russischen Bürgerkriegs während des Roten Terrors. In einem ländlichen Büro der Tscheka, der russischen Notfallkommission zur Bekämpfung von Konterrevolution und Sabotage, in einer nicht näher bezeichneten Stadt, läuft die normale Regierungsarbeit. Täglich liest ein Tscheka-Troika-Gericht, bestehend aus dem Aufseher Srubov und seinen Helfern Pepel und Katz, eine lange Liste aller Arten von Konterrevolutionären und Gegnern vor. Die Inhaftierten werden konsequent und umgehend verurteilt, und das Urteil, unabhängig von der Beschwerde, dem Geschlecht und dem Alter der Person, ist die Todesstrafe.

Ein Besucher in einem Museum (1989)

Es ist ein russischer postapokalyptischer Film von 1989, der von Konstantin Lopushansky inszeniert und geschrieben wurde. Er nahm am 16. Moskauer Internationalen Filmfestival teil, wo er den Silbernen St. Georg sowie den Preis der Ökumenischen Jury gewann. Der Film ist der zweite in einer Sammlung von Filmen namens „Apokalypse-Quartett“, die von Lopushansky inszeniert wurden und in postapokalyptischen Szenarien spielen. Die anderen Filme des Quartetts sind Dead Man’s Letters (1986), Russian Symphony (1994) und The Ugly Swans (2006).

In einer postapokalyptischen Welt nach einer globalen ökologischen Katastrophe sind die Überlebenden der Menschheit nun vom Schicksal der Welt losgelöst und versuchen nicht mehr, der Katastrophe zu entkommen. Unter den Menschen gibt es eine Kaste von „Verschlechterten“, psychisch beeinträchtigten Menschen. Der Protagonist erreicht das Meer, das gelegentlich überläuft und sich dann zurückzieht. Er beabsichtigt, einen Blick auf die alte versunkene Stadt zu werfen, die sicher wieder auftauchen wird, wenn das Meer erneut zurückgeht. Während er auf diesen Moment wartet, spricht er mit den Bürgern. Er entdeckt, dass die „durchschnittlichen“ Menschen, die Gastronomen, effektiv das, was von ihrer Spiritualität übrig ist, verloren haben und ihren spirituellen Hunger mit Unterhaltung stillen. Sie raten ihm ab, in die versunkene Stadt zu gehen, laden ihn ein, bei ihnen zu bleiben, auf die Lieder zu achten, an Banketten, Tänzen und Fernsehen teilzunehmen. Eine Hausfrau zieht ihn an, und sie lieben sich.

Kleine Vera (1988)

Es ist ein russischer Film des Regisseurs Vasili Pichul. Der Film war 1988 mit 54,9 Millionen Kinobesuchern der Spitzenreiter bei den Ticketverkäufen in der Sowjetunion und gehörte auch zu den erfolgreichsten sowjetischen Filmen in den Vereinigten Staaten. Ein Teil seiner Anziehungskraft lag darin, dass es einer der ersten russischen Filme mit Sexszenen war. Die Hauptfigur des Films ist eine Jugendliche, die sich nach dem Abschluss des Colleges in ihrer ländlichen Gemeinschaft gefangen fühlt. Mit seiner negativen Sicht auf die sowjetische Kultur war der Film typisch für die Zeit der Perestroika, während der viele ähnliche Filme veröffentlicht wurden.

Der Film erhielt 6 Auszeichnungen. Unter seinen Gewinnen war „Beste Schauspielerin“ für Natalya Negoda bei den Nika Awards 1989. Der Regisseur des Films, Vasili Pichul, erhielt den Spezialpreis der Jury beim Internationalen Filmfestival von Montreal 1988 sowie den FIPRESCI-Preis beim Filmfestival von Venedig 1988. Der Soundtrack enthält 2 Lieder, die von Sofia Rotaru gesungen werden: It Was, But It Has Gone und Only This Is Not Enough, das Leitmotiv des Films zur Perestroika. Es war der erste russische Film, der ehrlich den Ungehorsam der Jugend und die Unzufriedenheit mit dem System thematisierte. Der Film stellt sich ehrlich auf die Seite der jungen Menschen gegen die Autorität und zeigt die Obrigkeit als rücksichtslos und repressiv.

Der Film war ein großer Fortschritt in der Darstellung des gewöhnlichen sowjetischen Alltagslebens. Negoda wurde die erste sowjetische Schauspielerin, die in einer Sexszene nackt zu sehen war. Negoda posierte auch nackt für Playboy mit der Schlagzeile „From Russia, With Love“ zur amerikanischen Veröffentlichung des Films. Der Film hatte die Fähigkeit, mehr als 50 Millionen russische Zuschauer anzuziehen, hauptsächlich aufgrund seiner bemerkenswerten Sexszenen.

Ein Mann vom Boulevard der Kappuziner (1987)

Es ist ein lustiger russischer Westernfilm von 1987, eine Hommage an Stummfilme und die sich wandelnde Macht des Kinos. Dieser Film ist aus zwei Gründen besonders selten unter sowjetischen Filmen: Er wurde von einer Frau, Alla Surikova, inszeniert, und zweitens war er eine ungewöhnliche sowjetische postmoderne Flucht. Der Film erzielte 1987 mit 60 Millionen Kinobesuchern den höchsten Umsatz in der Sowjetunion.

Herr John First (Johnny) ist Kameramann und macht eine Reise nach Santa Carolina, als ihn eine Diebesbande unter der Führung von Black Jack besucht. Johnny ist der Einzige, der während der gesamten Handlung keine Waffe zieht und nicht kämpft und wird daraufhin von Black Jack befragt, warum das so ist. Danach nimmt sie das Buch, das Johnny so eifrig liest, und glaubt irrtümlich, es sei eine Bibel, bis sie bemerkt, dass es aus mehreren leeren Seiten besteht. Johnny erklärt, dass es sich um eine Filmgeschichte-Publikation handelt. Black Jack wird die Situation zu langweilig und lässt ihn zurück.

Briefe eines toten Mannes (1986)

Es ist ein postapokalyptischer Film von 1986, inszeniert und geschrieben von Konstantin Lopushansky. Er schrieb ihn zusammen mit Vyacheslav Rybakov und Boris Strugatsky. Dies ist sein Regiedebüt. Der Film wurde 1987 in der Internationalen Kritikerwoche des Filmfestivals von Cannes ausgewählt und erhielt den FIPRESCI-Preis beim 35. Internationalen Filmfestival Mannheim-Heidelberg.

Nach dem nuklearen Armageddon lebt eine Gruppe von Menschen unterirdisch in Schutzräumen. Sie können das Haus nicht verlassen, ohne Schutzkleidung und Gasmaske zu tragen. Unter ihnen ist ein Professor, der versucht, über Briefe Kontakt zu seinem vermissten Freund aufzunehmen.

Der Film wirkt schonungslos und realistisch und besticht auch durch spektakuläre Ästhetik der Szenen, aber trotz seiner technischen Vorzüge erscheint er einfach ein wenig zu perfekt, um wirklich zu überzeugen und tief emotional zu berühren. Lopushansky gelingt es dennoch, ein gesellschaftliches Fresko einer der schrecklichsten möglichen Katastrophen zu schaffen.

Komm und sieh (1985)

Es ist ein russischer Antikriegsfilm von 1985, inszeniert von Elem Klimov mit Aleksei Kravchenko und Olga Mironova in den Hauptrollen. Das Drehbuch des Films, geschrieben von Klimov und Ales Adamovich, basiert auf dem Roman „Khatyn“ von 1971 und der Kurzgeschichte „Ich komme aus dem feurigen Dorf“ von 1977, die Adamovich mitverfasst hat. Klimov musste acht Jahre Zensur durch die sowjetischen Behörden bekämpfen, bevor ihm erlaubt wurde, den Film so zu machen, wie er wollte.

Die Handlung des Films konzentriert sich auf Nazi-Deutsche Soldaten in Belarus und darauf, wie die Ereignisse von einem jungen belarussischen Erwachsenen namens Flyora beobachtet werden, der entgegen den Träumen seiner Mutter der belarussischen Widerstandsbewegung beitritt und die Nazi-Verbrechen sowie das menschliche Leid beschreibt, das den Menschen in osteuropäischen Städten zugefügt wurde. Der Film verbindet Hyperrealismus mit Surrealismus sowie Existenzialismus mit poetischen, emotionalen, apokalyptischen und politischen Elementen.

Der Film gewann den FIPRESCI-Preis auf dem 14. Moskauer Internationalen Filmfestival. Mit großer Leidenschaft erzählt Klimov die Geschichte und nutzt dabei jene imaginäre Unterwelt aus Blut, Schlamm und wachsendem Wahnsinn, die Francis Ford Coppola in Apocalypse Now erkannt hat. Zudem liefert der Film eine bemerkenswert beeindruckende Leistung seines unerfahrenen jugendlichen Protagonisten. Klimovs Stärke liegt in seinem ästhetischen, animistischen und kraftvollen Sinn, ähnlich dem seines Landsmanns Andrei Konchalovsky in dessen beeindruckendem Siberiade.

Moskau glaubt nicht an Tränen (1980)

Es ist ein russischer Film von 1980, geschrieben von Valentin Chernykh und unter der Regie von Vladimir Menshov. Die Hauptrollen spielten Vera Alentova und Aleksey Batalov. Der Film gewann 1981 den Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Die Handlung spielt in Moskau in den Jahren 1958 und 1978. Die Geschichte erzählt von drei Mädchen: Katerina, Lyudmila und Antonina, die aus kleinen Städten Russlands nach Moskau kommen. Sie treffen sich in einem Wohnheim und werden schließlich Freundinnen. Antonina (Raisa Ryazanova) trifft Nikolai, einen freundlichen und schüchternen Jungen, dessen Eltern ein Wochenendhaus auf dem Land besitzen. Katerina (Vera Alentova) ist eine ehrliche Frau, die ihr Chemiestudium absolvieren möchte, während sie in einer Fabrik arbeitet.

Stalker (1979)

Es ist ein Arthouse-Science-Fiction-Film von 1979 unter der Regie von Andrei Tarkovsky mit einem Drehbuch von Arkady und Boris Strugatsky, das lose auf ihrem Roman Roadside Picnic von 1972 basiert. Der Film erzählt die Geschichte einer Erkundung, die von einem Mann namens „Stalker“ (Alexander Kaidanovsky) geleitet wird, der seine zwei Klienten – einen sehnsüchtigen Schriftsteller (Anatoly Solonitsyn), der nach Inspiration sucht, und einen Lehrer (Nikolai Grinko), der wissenschaftliche Erkenntnisse sucht – durch ein gefährliches Sumpfgebiet zu einem magischen Ort namens „Zone“ führt, wo angeblich eine Energie existiert, die die intimsten Bedürfnisse eines Menschen erfüllt. Der Film verbindet Science-Fiction-Elemente mit tiefgründigen, philosophischen und emotionalen Reflexionen.

Der Film wurde zunächst über ein Jahr auf Film gedreht, das sich später als minderwertig herausstellte, und wurde mit dem neuen Kameramann Alexander Knyazhinsky neu gedreht. Stalker wurde im Mai 1979 von Goskino veröffentlicht. Zur Zeit seiner Veröffentlichung erhielt der Film gemischte Kritiken, doch in den folgenden Jahren wurde er als Klassiker des Weltkinos und als einer der besten Filme aller Zeiten bezeichnet. Der Film verkaufte über 4 Millionen Eintrittskarten, hauptsächlich in der Sowjetunion, bei einem Budget von 1 Million Rubel. Sehr kürzlich sind die Bewertungen des Films äußerst positiv. Einige haben Stalker mit Francis Ford Coppolas Apocalypse Now, ebenfalls 1979 veröffentlicht, verglichen und vorgeschlagen, dass Stalker als Reise ins Herz der Dunkelheit überzeugender erscheint: Es ist eine flexible Allegorie über das menschliche Bewusstsein.

Geschichte der Geschichten (1979)

Es ist ein russischer Animationsfilm von 1979, der von Yuri Norstein inszeniert und vom Laboratorium Soyuzmultfilm in Moskau produziert wurde. Der Film gewann unzählige Auszeichnungen, war bei Kritikern und anderen Animatoren wohlbekannt und erhielt sogar den Titel des besten jemals gedrehten Animationsfilms. Der Film versucht, ähnlich wie Andrei Tarkovskys Spiegel, sich als menschliche Erinnerung zu strukturieren. Erinnerungen werden nicht in einer kalten, sequentiellen Reihenfolge erinnert; vielmehr werden sie durch die Organisation von etwas mit einer Ergänzung erinnert, was darauf hindeutet, dass jeglicher Versuch, Erinnerung im Film zu verorten, nicht als Standardgeschichte erzählt werden kann.

Der Film besteht aus einer Sammlung assoziierter Szenen, deren Elemente miteinander vermischt sind. Zu den zentralen Themen gehört der Krieg, mit besonderem Fokus auf die enormen Verluste, die die Sowjetunion an der Ostfront im Zweiten Weltkrieg erlitt. Eine Reihe von Charakteren und ihre Dialoge machen einen großen Teil des Films aus: der Dichter, die kleine Frau und der Stier, der Junge und die Krähen, die Tänzer und die Soldaten, der Zug, die Äpfel und der kleine graue Wolf.

Der Aufstieg (1977)

Es ist ein russischer Schwarzweißfilm von 1977, der von Larisa Shepitko inszeniert und von Mosfilm produziert wurde. Der Film wurde im Januar 1974 nahe Murom, Wladimir Oblast, Russland, bei schrecklichem Winterwetter gedreht, wie es das Drehbuch verlangte, basierend auf dem Roman Sotnikov von Vasil Bykaŭ. Es war Shepitkos letzter Film vor seinem Tod bei einem Autounfall im Jahr 1979. Der Film gewann 1977 den Goldenen Bären auf der 27. Internationalen Filmfestspiele Berlin.

Während des Zweiten Weltkriegs reisen zwei sowjetische Partisanen in eine belarussische Stadt auf der Suche nach Nahrung. Nachdem sie eine Eskorte vom Kollaborateurführer (Sergei Yakovlev) erhalten haben, kehren sie zu ihrer Basis zurück, werden jedoch von einer deutschen Patrouille entdeckt. Nach einem langen Feuergefecht im Schnee, bei dem einer der Deutschen ausgeschaltet wird, entkommen beide Jungen, doch Sotnikov (Boris Plotnikov) wird am Bein verletzt. Rybak (Vladimir Gostyukhin) muss ihn in Sicherheit bringen, zum Haus von Demchikha (Lyudmila Polyakova), der Mutter von drei kleinen Kindern. Doch sie werden von Feinden entdeckt.

Sie kämpften für ihr Land (1975)

Es ist ein russischer Kriegsfilm von 1975 in zwei Teilen, basierend auf dem gleichnamigen Roman von Mikhail Sholokhov und unter der Regie von Sergei Bondarchuk. Er wurde Teil der Filmfestspiele von Cannes 1975. Der Film erzählt die Geschichte einer sowjetischen Armee, die eine Nachhutaktion während des deutschen Marsches auf Stalingrad führt. Nach dem Verlust zahlreicher Soldaten im Kampf kehrt eine Gruppe sowjetischer Schützen zu ihrer Basis in Stalingrad zurück. Während einer Pause sprechen die Soldaten über verschiedene Themen, danach ruhen sie sich aus und duschen. Unter den Soldaten befindet sich Pyotr Lopakhin (Vasily Shukshin), der einen fröhlichen Jungen spielt, der höchstwahrscheinlich in einer nahegelegenen Stadt Salz und einen Eimer zum Zubereiten frisch gefangener Flusskrebse besorgt. Mit seinem gesprächigen Charme bittet Lopakhin eine ältere Kosakenfrau (Angelina Stepanova) um etwas, wird jedoch verspottet, als die Soldaten abfahren und die Stadtbewohner sich selbst überlassen. Nach einem bitteren Streit zeigt sich hinter der Fassade des fröhlichen Lopakhin ein Mensch, der tief um das Schicksal seiner Nation besorgt ist, und die alte Frau erfüllt seine Bitte.

Mirror (1975)

Es ist ein russisches Drama aus dem Jahr 1975 unter der Regie von Andrei Tarkovsky. Es ist lose autobiografisch, unkonventionell strukturiert und integriert Reime, die vom Vater des Regisseurs, Arseny Tarkovsky, komponiert wurden. Der Film zeigt Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Alla Demidova, Anatoly Solonitsyn, Tarkovskys Ehefrau Larisa Tarkovskaya und ihre Mutter Maria Vishnyakova. Innokenty Smoktunovsky liefert die Off-Stimme und Eduard Artemyev die Musik und Toneffekte.

Mirror ist in Form einer nicht-linearen Geschichte strukturiert, deren erste schriftliche Version aus dem Jahr 1964 stammt, mit zahlreichen Versionen, die von Tarkovsky und Aleksandr Misharin verfasst wurden. Sie dreht sich um die Erinnerungen eines Dichters, der in entscheidenden Momenten seines Lebens und der sowjetischen Gesellschaft starb. Der Film verbindet gegenwärtige Szenen mit jugendlichen Erinnerungen, Träumen und sogar Nachrichtenfilmmaterial. Die Kinematographie wechselt zwischen Farbe, Schwarzweiß und Sepia. Der Fluss der Traumsequenzen im Film wurde mit der Bewusstseinsstrom-Methode moderner literarischer Werke verglichen.

Der Spiegel polarisierte ursprünglich Kinobesucher und Filmkritiker, viele fanden seine Erzählung unverständlich. Seit seiner Veröffentlichung wurde er als einer der besten Filme der Filmgeschichte neu bewertet und gilt auch als Tarkovskys Meisterwerk. Tatsächlich fand er bei vielen Russen Anklang, für die er Tarkovskys wertvollstes Werk bleibt. Als Mosfilm-Kritiker im November 1974 gebeten wurden, Mirror zu rezensieren, waren die Reaktionen sehr gemischt. Einige sahen ihn als wichtiges Werk, das von zukünftigen Generationen sicherlich besser verstanden werden würde; andere wiesen ihn als Misserfolg zurück und glaubten, dass viele gebildetere Zuschauer seine Geschichte uninteressant finden würden. Dies führte zu einer sehr begrenzten Verbreitung.

Igel im Nebel (1975)

Es ist ein russischer Animationsfilm von 1975 unter der Regie von Yuri Norstein und produziert von Soyuzmultfilm in Moskau. Das Drehbuch schrieb Sergei Grigoryevich Kozlov, der auch eine Kurzgeschichte mit demselben Titel veröffentlichte. Der Igel besucht nachts seinen engen Freund Bärenjunges. Jeden Abend sind beide zufrieden, Tee zu trinken und die Sterne zu zählen. Heute Abend bringt der Igel dem Bären etwas Himbeermarmelade als Geschenk mit. Als der Igel hinausgeht, beginnt eine unheimlich aussehende Waldohreule, ihm zu folgen.

Solaris (1972)

Es ist ein russischer Science-Fiction-Film von 1972, basierend auf Stanisław Lems gleichnamiger Geschichte von 1961. Der Film wurde von Andrei Tarkovsky mitgeschrieben und inszeniert und mit Donatas Banionis sowie Natalya Bondarchuk besetzt. Die Musik stammt von Eduard Artemyev und enthält außerdem ein Stück von J.S. Bach als Hauptthema. Die Geschichte handelt von einer Raumstation, die den fiktiven Planeten Solaris umkreist, wo ein wissenschaftliches Ziel verzögert wird, weil das Team aus drei Forschern mit psychologischen Problemen konfrontiert ist. Der Psychotherapeut Kris Kelvin (Banionis) reist zur Station, um die Umstände zu untersuchen, erlebt jedoch dieselben irrationalen Gefühle wie die anderen.

Solaris gewann den Grand Prix Spécial du Jury bei den Filmfestspielen von Cannes 1972 und wurde auch für die Goldene Palme nominiert. Er erhielt kritische Anerkennung und wird üblicherweise als einer der besten Science-Fiction-Filme aller Zeiten bezeichnet. Der Film war Tarkovskys Versuch, der Science-Fiction-Filmkunst eine größere psychologische Tiefe zu verleihen, neben Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum (1968). Einige der Konzepte, die Tarkovsky in diesem Film teilte, sind in seinem Film Stalker (1979) noch stärker ausgearbeitet.

Lem arbeitete mit Tarkovsky und auch Friedrich Gorenstein an der Erstellung des Drehbuchs für den Film. Lem sagte, er habe Tarkovskys Version seines Buches nie wirklich gemocht. Lem argumentierte, dass Tarkovsky eher Schuld und Sühne als Solaris gemacht habe und dabei die kognitiven und epistemologischen Aspekte seiner Geschichte ausgelassen habe. Tarkovsky sagte, Lem habe das Kino nicht gemocht und sich vorgestellt, der Film solle einfach das Buch zeigen, ohne ein anderes filmisches Element zu schaffen. Tarkovskys Film beschäftigt sich mit dem Innenleben seiner Forscher. Lems Buch behandelt das Problem des Menschen in der Natur und im tiefen Weltraum.

Prozess auf der Straße (1971)

Es ist ein russischer Schwarzweißfilm von 1971, der im Zweiten Weltkrieg spielt, unter der Regie von Aleksey German, mit Rolan Bykov, Anatoly Solonitsyn und Vladimir Zamansky. Der Film wurde zensiert und 15 Jahre lang in der Sowjetunion wegen seiner fragwürdigen Darstellung sowjetischer Soldaten vom Verkehr ausgeschlossen. Der Film basiert auf einer Geschichte des Vaters des Regisseurs, Yuri German. Das Drehbuch schrieb Eduard Volodarsky.

Dieser Film markiert den Regieeinstand von Alexei German, der eine etablierte Strategie von „Helden“ und „Verrätern“ übernommen hat. Das Drama spielt im Dezember 1942 während des Zweiten Weltkriegs an der Front der Nazi-Truppen gegen die UdSSR. Im Mittelpunkt steht der ehemalige Rotarmist Lazarev, der in seiner deutschen Uniform von sowjetischen Partisanen gefangen genommen wird. Zuvor war er von den Nazis gefangen genommen worden und wurde auch zum Kollaborateur, doch nachdem er von den Partisanen gefangen genommen wurde, beginnt er gegen die Nazis zu kämpfen.

Weißsonne des Wüstenlands (1970)

Es ist ein russischer Westernfilm von 1970. Seine Mischung aus Action, Drama, Musik und Komödie sowie unvergessliche Zitate machten ihn an den russischen Kinokassen sehr erfolgreich und zu einem Klassiker des russischen Kinos. Seine Hauptmelodie, „Eure Edle Hoheit, Lady Fortuna“, wurde ein Hit. Der Film wird von russischen Kosmonauten vor vielen Raumfahrtstarts als eine der besten Traditionen geschätzt. Während der gesamten Sowjetzeit erhielt der Film keine Anerkennung. Mit 34,5 Millionen Zuschauern war er einer der beliebtesten Filme der 1970er Jahre. 1998 wurde er vom Präsidenten Boris Jelzin mit dem Staatspreis ausgezeichnet und als kulturell bedeutsam anerkannt. Im Westen fand der Film nur begrenztes Interesse. Er wurde 1973 auf einem sowjetischen Filmfestival im kleinen Carnegie Theater gezeigt, als Leonid Brezhnev in die Vereinigten Staaten reiste. Darüber hinaus wurde er nie veröffentlicht.

Entführung im Kaukasus (1967)

Es ist ein lustiger russischer Film aus dem Jahr 1967, der eine Geschichte über die Entführung der Braut erzählt, ein altes Brauchtum, das in bestimmten Gegenden des Nordkaukasus existierte. Der Film wurde von Leonid Gaidai inszeniert. Es ist der letzte Film, der die „Feigling“-Triade, ein Team von tollpatschigen Antihelden, beinhaltet. Der Film hatte seine Premiere am 1. April 1967 in Moskau. Ein naiver Ethnographiestudent namens Shurik (Alexander Demyanenko), bekannt aus früheren Filmen als Student des Polytechnischen Instituts, reist in den Kaukasus, um alte Muster und Praktiken der Bewohner zu entdecken, Traditionen wie Begrüßungen, Geschichten und lokale Trinksprüche. Zu Beginn des Films reist Shurik auf einem Esel eine hügelige Straße im Kaukasus entlang. Er trifft einen Lastwagenfahrer namens Edik, dessen Fahrzeug nicht anspringt. Der Esel wird stur und keiner der beiden Männer kann sich mit seinem eigenen Transportmittel fortbewegen.

Kommissar (1967)

Es ist ein russischer Film von 1967, der von Aleksandr Askoldov inszeniert wurde und auf der Kurzgeschichte von Vasily Grossman basiert, „In der Stadt Berdytschew“. Berdytschew liegt zentral im Norden der Ukraine. Die Handlung spielt während des Russischen Bürgerkriegs (1918–22), als Teile der Roten Armee, der Weißen Armee, der Polen und der Österreicher um das Gebiet kämpften. In Berdytschew wurde zu dieser Zeit die jiddische Sprache offiziell eingeführt, und seit 1924 gab es dort ein ukrainisches Gericht, das seine Funktionen auf Jiddisch ausführte. Die Geschichte basiert auf jüdischen sozialen Traditionen und Bräuchen. Die Hauptrollen spielten Rolan Bykov und Nonna Mordyukova. Der Film wurde im Gorki-Filmstudio produziert. Er gehört zu den eindrucksvollsten Geschichten über den Russischen Bürgerkrieg und motivierte den jungen Autor, sich der literarischen Arbeit zu widmen. Er zog ebenso die Aufmerksamkeit von Mikhail Bulgakov, Boris Pilnyak und Isaac Babel auf sich.

Andrei Rublev (1966)

Es ist ein russischer biografischer Historienfilm von 1966, der von Andrei Tarkovsky inszeniert und zusammen mit Andrei Konchalovsky mitgeschrieben wurde. Der Film ist eine Neuvertonung von Tarkovskys Film von 1966, The Passion According to Andrei, und wurde während der frühen Breschnew-Ära in der Sowjetunion zensiert. Der Film basiert lose auf dem Leben von Andrei Rublev, dem russischen Ikonenmaler des 15. Jahrhunderts. In den Hauptrollen sind Anatoly Solonitsyn, Nikolai Grinko, Ivan Lapikov, Nikolai Sergeyev, Nikolai Burlyayev und Tarkovskys Partnerin Irma Raush zu sehen. Savva Yamshchikov, ein berühmter russischer Restaurator und Kunstexperte, war ebenfalls Berater bei dem Film.

Andrei Rublev spielt im Russland des frühen 15. Jahrhunderts. Der Film basiert lose auf dem Leben von Andrei Rublev und versucht, ein Bild des mittelalterlichen Russlands zu zeichnen. Tarkowski wollte einen Film schaffen, der sowohl den Künstler als auch das Christentum als Axiom der historischen Identifikation Russlands über einen langen Zeitraum offenbart.

Die Themen des Films umfassen Kunst, religiöse Überzeugungen, politische Unsicherheit, Selbstbildung und künstlerische Produktion unter einem repressiven Regime. Daher wurde er in der formal atheistischen Sowjetunion viele Jahre nach seiner Fertigstellung nicht veröffentlicht, abgesehen von einer einzigen Vorführung 1966 in Moskau. Eine Version des Films wurde beim Filmfestival von Cannes 1969 ausgewählt, wo er den FIPRESCI-Preis gewann. 1971 wurde eine zensierte Version des Films in der Sowjetunion veröffentlicht. Der Film wurde aus kommerziellen Gründen bei seiner US-Veröffentlichung durch Columbia Pictures 1973 gekürzt. Infolgedessen existieren zahlreiche Varianten des Films. Diese Zensurprobleme behinderten den Film viele Jahre nach seiner Veröffentlichung, wobei der Film schnell von einer Reihe westlicher Filmkritiker und Regisseure als hochinnovatives Werk anerkannt wurde. In seiner restaurierten Originalfassung gilt Andrei Rublev heute als einer der besten Filme aller Zeiten, ein großes Meisterwerk.

Prozedur Y und auch Shuriks andere Abenteuer (1965)

Es ist ein lustiger Film, eine russische Slapstick-Komödie von 1965, inszeniert von Leonid Gaidai, mit Aleksandr Demyanenko, Natalya Seleznyova, Yuri Nikulin, Georgy Vitsin und auch Yevgeny Morgunov. Der Film enthält 3 unabhängige Episoden: „Arbeitskollege“, „Déjà vu“ und „Operation Y“. Die Geschichte erzählt von den Abenteuern Shuriks, des unbeliebten und nerdigen sowjetischen Studenten, der sich meist in lächerliche Situationen bringt, aber stets einen Ausweg findet.

Es war ein erfolgreicher Film und wurde 1965 der kommerziell erfolgreichste sowjetische Film mit 69,6 Millionen Zuschauern. Die Episode Déjà vu, basierend auf einer Kurzgeschichte aus einer polnischen Publikation, gewann 1965 den Wawel Silbernen Drachen Grand Prix beim Filmfestival in Krakau, Polen. Der Film wurde zu einer Quelle von Zitaten für russische und sowjetische Persönlichkeiten. Im Frühjahr 2012 wurde vor der Kuban State Technological University in Krasnodar eine Statue von Lida und Shurik errichtet. 2015 wurde eine Skulptur von Lida und Shurik, die auf einer Bank sitzen, im Innenhof der Staatlichen Universität Rjasan aufgestellt.

Hamlet (1964)

Es handelt sich um eine russische Filmadaption von 1964 von William ShakespearesBoris Pasternak. Regie führten Grigori Kozintsev und Iosif Shapiro, und Innokenty Smoktunovsky spielte Prinz Hamlet. Grigori Kozintsev war tatsächlich Mitglied der Gruppe russischer experimenteller Musiker, der Factory of the Eccentric Actor, deren Stil eng mit Dadaismus und Futurismus verbunden war. 1923 beabsichtigte er, Hamlet als Pantomime auf experimentelle Weise zu inszenieren, doch das Projekt wurde nicht realisiert, und Kozintsevs Ideen entwickelten sich zu einem Filmprojekt. 1941 kehrte er mit einer Leningrader Inszenierung von König Lear zum Theater zurück. 1954 inszenierte Kozintsev eine Bühnenproduktion von Hamlet im Pushkin-Theater in Leningrad, basierend auf Boris Pasternaks Übersetzung; dies war eine der ersten sowjetischen Aufführungen des Stücks in der Zeit nach Stalin.

Kozintsev schrieb auch ausführlich über Shakespeare, und eine bedeutende Phase seiner Veröffentlichung Shakespeare: Zeit und Gewissen ist seinen Ideen zu Hamlet zusammen mit einer historischen Studie gewidmet. In einem Anhang mit dem Titel „Zehn Jahre mit Hamlet“ sammelt er Auszüge aus seinen Tagebüchern, die sich mit seinen Erfahrungen aus der Bühnenproduktion von 1954 und auch mit seinem Film von 1964 befassen. Kozintsevs Film ist dem Stil des Werks treu, aber die Laufzeit ist erheblich verkürzt und erreicht eine Gesamtdauer von 2 Stunden und 20 Minuten bei einem Werk, das bis zu 4 Stunden dauern kann. Die Eröffnungsszene ist gekürzt, einschließlich der Szenen 1 und 6 aus Akt IV, jedoch werden die anderen Szenen aufgeführt, obwohl einige erheblich gekürzt sind. Hamlets letzte Rede reduziert sich auf einfach „Der Rest ist Schweigen.“ In Akt IV gibt es einige Wiederholungen, um die List von Rosenkrantz und auch von Guildenstern während der Reise nach England zu zeigen. Kozintsev versucht oft, das Material des Werks ästhetisch darzustellen, ebenso wie es bemerkenswerte Szenen gibt, die ohne Dialog konstruiert sind, wie die Eröffnungsszene, in der Hamlet zum Hof nach Elsinore zur Trauer eintrifft, sowie die Totenwache vor dem Blick des Geistes.

Durch die Straßen von Moskau (1964)

Es ist ein russischer Film von 1964 unter der Regie von George Daneliya und produziert von den Mosfilm-Studios. In der Besetzung Nikita Mihalkov, Aleksei Loktev, Yevgeny Steblov und Galina Polskikh. Der Film zeigt auch vier populäre Künstler der UdSSR – Rolan Bykov, Vladimir Basov, Lev Durov und Inna Churikova. Der Film hatte seine Premiere auf den Filmfestspielen von Cannes 1964 und gewann auch einen Preis für die Arbeit des Kameramanns Vadim Yusov, der vor allem für seine erfolgreiche Zusammenarbeit mit Andrei Tarkovsky bekannt ist. Volodya ist ein ehrgeiziger Schriftsteller aus Sibirien. Seine erste Kurzgeschichte wurde im Magazin Yunost („Jugend“) veröffentlicht, und ein bekannter Schriftsteller, Voronin, lud ihn nach Moskau ein, um sich mit seiner Arbeit vertraut zu machen. In der Moskauer Metro trifft Volodya plötzlich einen Freund, Kolya (Nikita Mikhalkov), der nach einer harten Nachtschicht nach Hause zurückkehrt. Volodya möchte bei seinen alten Freunden wohnen, kennt aber den Weg nicht, sodass Kolya ihm hilft, ihn zu finden.

Ivans Kindheit (1962)

Es ist ein Kriegsfilm aus Russland von 1962 unter der Regie von Andrei Tarkovsky. Mitverfasst von Mikhail Papava, Andrei Konchalovsky und einem unbekannten Tarkovsky, basiert er auf der Kurzgeschichte „Ivan“ von Vladimir Bogomolov aus dem Jahr 1957. Der Film zeigt den Kinderdarsteller Nikolai Burlyayev zusammen mit Valentin Zubkov, Evgeny Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko und auch Tarkovskys Partnerin Irma Raush.

Ivan’s Kindheit erzählt die Geschichte des verwaisten Jungen Ivan, dessen Eltern von den Deutschen getötet wurden, sowie seine Erlebnisse während des Zweiten Weltkriegs. Ivan’s Kindheit gehörte zu mehreren sowjetischen Filmen seiner Zeit, wie Die Kraniche ziehen und auch Ballade eines Soldaten, die den menschlichen Preis des Krieges beleuchteten und das Kriegserlebnis nicht verherrlichten, wie es die Filme vor der Tauwetter-Periode unter Chruschtschow taten. In einem Treffen 1962 erklärte Tarkowski, dass er mit dem Film all seinen Ekel vor dem Krieg ausdrücken wollte, und dass er seine Kindheitsjahre gewählt habe, da diese am stärksten im Kontrast zum Krieg stünden.

Der Film war Tarkowskis erster Spielfilm. Er brachte ihm großen Erfolg und machte ihn weltweit bekannt. Er gewann 1962 den Goldenen Löwen auf den Filmfestspielen von Venedig und den Golden Gate Award auf dem San Francisco International Film Festival 1962. Berühmte Regisseure wie Ingmar Bergman, Sergei Parajanov und auch Krzysztof Kieślowski lobten den Film und nannten ihn eine Inspiration für ihre Arbeit. Jean-Paul Sartre schrieb einen kurzen Artikel über den Film und bezeichnete ihn als einen der außergewöhnlichsten, die er je gesehen hatte. In einem späteren Treffen gestand Tarkowski, dass er den negativen Kritiken des italienischen Intellektuellen Alberto Moravia, der den Film rezensiert hatte, zustimmte.

Ballade eines Soldaten (1959)

Es ist ein russischer Film von 1959 unter der Regie von Grigory Chukhray mit Vladimir Ivashov und Zhanna Prokhorenko in den Hauptrollen. Obwohl er während des Zweiten Weltkriegs spielt, ist er kein typischer Kriegsfilm. Er erzählt im Kontext des Chaos der Schlacht verschiedene Arten von Liebe: die glamouröse Liebe eines jungen Paares, die hingebungsvolle Liebe eines Ehepaars, die Liebe einer Mutter zu ihrem Kind, und ein Soldat der Roten Armee, der während eines Heimaturlaubs sich verliebt. Der Film wurde für den Oscar für das beste Originaldrehbuch nominiert.

Der Film wurde 1960 in den Vereinigten Staaten veröffentlicht, als Teil eines sowjetisch-amerikanischen Filmaustauschs während der Entspannung im Kalten Krieg. Der Film erhielt viel Anerkennung für seine moderne Stilistik sowie seine solide und ausgefeilte Handlung. Mit der unverhohlenen jugendlichen Lebenskraft der Hauptfigur wurde der Film sowohl von amerikanischen als auch sowjetischen Filmkritikern als Klassiker gefeiert. Der Film wurde 1961 mit dem Lenin-Preis für Regisseur und Produzent ausgezeichnet.

Die Kraniche ziehen (1957)

Es ist ein russischer Film von 1957 über den Zweiten Weltkrieg. Er zeigt die Grausamkeit des Krieges und die Schäden, die er am sowjetischen Geist anrichtet. Der Film wurde 1957 vom sowjetischen Regisseur georgischer Herkunft Mikhail Kalatozov inszeniert und mit Aleksey Batalov und Tatiana Samoilova besetzt. Nach dem Theaterstück von Viktor Rozov adaptiert, gewann der Film 1958 die Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes, der einzige sowjetische Film, der diese Auszeichnung erhielt. Der Film erzählt von vielschichtigen, komplexen Heldinnen und konzentriert sich auf die Auswirkungen des Krieges auf gewöhnliche Menschen. Nicht nur die Sowjets fühlten mit Veronikas Geschichte mit. Die Hauptdarstellerin der Kraniche, Tatiana Samoilova, die oft mit ihrer Rolle identifiziert wurde, eroberte Europa. Nach dem Triumph des Films bei den Filmfestspielen von Cannes 1958, wo er den Grand Prix gewann, lobten Filmkritiker die Produktion für ihre spektakuläre Kameraführung, Schauspielkunst, Regie und Schnitt.

Carnival Night (1956)

Es ist ein russischer Musikfilm aus dem Jahr 1956. Es ist der erste Spielfilm von Eldar Ryazanov, die erste Rolle von Lyudmila Gurchenko und auch einer der bekanntesten Filme mit dem berühmten Komiker Igor Ilyinsky. Produziert während des Tauwetters unter Chruschtschow, wurde der Film 1956 mit insgesamt 48,64 Millionen verkauften Eintrittskarten zum sowjetischen Kassenschlager. Heute ist er weiterhin ein äußerst beliebter Neujahrsklassiker in Russland und im postsowjetischen Raum.

Es ist Silvesterabend, und die Arbeiter eines Kulturhauses bereiten sich ebenfalls auf ihr jährliches Neujahrsunterhaltungsprogramm vor. Es besteht aus viel Tanz und Gesang sowie Zaubertricks. Plötzlich wird bekannt, dass ein neuer Direktor ausgewählt wurde und bald erscheinen wird. Genosse Ogurtsov trifft rechtzeitig ein, um die vereinbarte Unterhaltung abzulehnen. Für ihn hat die Neujahrsparty eine andere Bedeutung, und er schlägt Jahresberichte vor, um die Entwicklung des Clubs mit einem Sprecher und die Möglichkeit des Lebens auf dem Planeten Mars darzustellen. Und wahrscheinlich auch ernste Musik, etwas aus den Klassikern, gespielt von der Veteranenband. Niemand will den Zeitplan nur wenige Stunden vor Beginn ändern, geschweige denn ihn in etwas so Uninteressantes verwandeln. Alle formieren sich neu, um zu verhindern, dass Ogurtsov ins Theater gelangt. Die Clubmitglieder wollen Ogurtsov um jeden Preis festhalten, um sicherzustellen, dass die Shows aufgeführt werden können und das Neujahr wie ursprünglich geplant gefeiert wird.

Kosaken des Kuban (1950)

Es ist ein russischer Film, der das Leben der Bauern in der Kolchose der Kuban-Region der Sowjetunion erzählt, unter der Regie von Ivan Pyryev und mit Marina Ladynina, seiner damaligen Ehefrau, in der Hauptrolle. Der Film spielt in den frühen Nachkriegsjahren. Auf der herbstlichen Landwirtschaftsmesse trifft der Rennpferdezüchter Nikolai (Vladlen Davydov) auf die erfahrene Züchterin Dasha Shelest (Klara Luchko). Ihre Verliebtheit ist gegenseitig, doch die Liebenden, die auf verschiedenen Farmen arbeiten, müssen den Widerstand ihrer Chefs überwinden, die keine hervorragenden Arbeiter verlieren wollen.

Die Ballade von Sibirien (1948)

Es ist ein russischer Film, produziert von Mosfilm und 1948 veröffentlicht, der zweite Farbfilm in der Sowjetunion nach Der Steineblume. Regie führte Ivan Pyryev, mit Vladimir Druzhnikov und Marina Ladynina in den Hauptrollen. Es ist ein sowjetischer Musikfilm, voll von Melodien wie „Der Wanderer“, die den Fortschritt Sibiriens nach dem Zweiten Weltkrieg chronologisch darstellen.

Der Pianist Andrei Balashov (Vladimir Druzhnikov) verliert nach einer Verwundung an der Front im Großen Vaterländischen Krieg durch eine Handverletzung die Möglichkeit zu spielen. Ohne sich von seinen Freunden und seiner geliebten Natasha (Marina Ladynina) zu verabschieden, wird er höchstwahrscheinlich nach Sibirien gehen. Er wird Zeuge des Baus einer Fabrik und singt nachts in einem Teehaus. Zufällig zwingt schlechtes Wetter das Flugzeug mit Andrejs Freunden Boris Olenich und Natasha, die ins Ausland fliegen, zur Landung am Flugterminal in der Nähe der Fabrikanlage. Andrei trifft sie und das verändert sein Leben. Motiviert durch die mutige Arbeit reist er in die Arktis, um das symphonische Oratorium „Ballade von Sibirien“ zu errichten, und erlangt internationale Anerkennung.

Die Steine Blume (1946)

Es ist ein russischer Fantasyfilm von 1946 unter der Regie von Aleksandr Ptushko. Er ist eine Adaption der gleichnamigen Kurzgeschichte von Pavel Bazhov, basierend auf der russischen Mythologie der Ural-Region. Ebenso enthält er Elemente der Kurzgeschichten „Der Liebhaber des Kupferbergs“ und „Der Meisterhandwerker“. Der Film wurde am 28. April 1946 von Mosfilm in den Kinos veröffentlicht. Es war der erste Farbfilm der Sowjetunion und nahm am Filmfestival von Cannes 1946 teil. Er war ein Kassenerfolg im Jahr 1946 in der UdSSR: Er wurde von 23,17 Millionen Zuschauern gesehen. Die Geschichte wird aus der Perspektive des alten Schriftstellers Slyshko erzählt.

Der geschickte Edelsteinschleifer Prokopych wird alt, und der Buchhalter des Hausbesitzers drängt ihn, einen Schüler aufzunehmen. Prokopych versucht, zahlreiche Jungen auszubilden, doch in keinem erkennt er die „Steinseele“. Schließlich wählt er ein Kind aus, das ungestüm und in allem anderen ebenfalls sehr unbesonnen erscheint, aber eine große Fähigkeit zeigt, Edelsteine zu fassen und Muster zu entwickeln. Er übertrifft schnell seinen alten Lehrer. Da das Schleifen von Edelsteinen die Gesundheit ernsthaft schädigen kann, beschließt Prokopych, ihn von der Arbeit fernzuhalten.

Iwan der Schreckliche (1944)

Es ist ein russischer Eposfilm in zwei Teilen, geschrieben und inszeniert von Sergei Eisenstein. Es ist ein Biopic über Iwan IV. von Russland, Eisensteins letzter Film, in Auftrag gegeben vom sowjetischen Premierminister Joseph Stalin. Teil I wurde 1944 veröffentlicht; Teil II, obwohl 1946 fertiggestellt, wurde erst 1958 veröffentlicht, da er von Stalin verboten wurde, der über die Darstellung Iwans darin erzürnt war. Eisenstein hatte den Film ursprünglich mit einem dritten Teil geplant, um die Geschichte abzuschließen, doch mit dem Verbot von Teil II wurde die Produktion von Teil III eingestellt; nach Eisensteins Tod 1948 wurde das bereits Fertige von Teil III zerstört.

Der Film ist größtenteils schwarz-weiß, enthält jedoch am Ende von Teil II ein paar Farbszenen. Die Filme sind hoch angesehen, beeindruckend in der Handlung und auffallend im Stil. Jeder Filmfreund sollte diesen Film sehen, eines der großen Meisterwerke aller Zeiten.

Volga-Volga (1938)

Es ist ein russisches Musical unter der Regie von Grigori Alexandrov, das am 24. April 1938 veröffentlicht wurde. Es handelt von einem Team von Amateurunterhaltern, die nach Moskau reisen, um an einem Wettbewerb der Fähigkeiten namens Moskauer Musikolympiade teilzunehmen. Ein Großteil der Handlung spielt auf einem Boot, das eine Fahrt auf der Wolga unternimmt. Die Hauptrollen wurden von Alexandrovs Frau Lyubov Orlova sowie Igor Ilyinsky gespielt.

Laut Orlova stammt der Name des Films von einem berühmten russischen Volkslied, Stenka Razin, das Alexandrov sang, während er mit Charlie Chaplin in der Bucht von San Francisco ruderte. Chaplin schlug scherzhaft die Worte als Titel für einen Film vor, aber Alexandrov nahm es ernst und nannte seinen neuen Film Volga-Volga. Es war der Lieblingsfilm des sowjetischen Premierministers Joseph Stalin. Nikita Chruschtschow schreibt in seinen Memoiren, dass Stalin ihn in der Vorkriegszeit verspottete, weil er als Figur im Film auftauchte. Der Film ist eine Feier des Flusses Moskwa. 1961 wurde eine neue Version des Films veröffentlicht, mit der Szene vom Schiff „Joseph Stalin“.

In der ländlichen Stadt Melkovodsk an der Wolga unternimmt die Postbotin Dunya Petrova, auch bekannt als „Pfeil“, eine Reise auf einem Lastkahn, um eine wichtige Nachricht an Ivan Byvalov zu überbringen. Pfeil interessiert sich für Lieder und sehnt sich danach, Sängerin zu werden. Auf der Reise begleitet sie ihr Partner Alesha Trubyshkin, der Leiter einer Musikband.

Alexander Newski (1938)

Es ist ein historischer russischer Film von 1938 unter der Regie von Sergei Eisenstein. Er zeigt den versuchten Einfall der Deutschordensritter des Heiligen Römischen Reiches im 13. Jahrhundert in Nowgorod sowie ihre Niederlage gegen Fürst Alexander, bekannt als Alexander Newski (1220–1263).

Eisenstein drehte den Film in Zusammenarbeit mit Dmitri Vasilyev und mit einem Drehbuch, das er gemeinsam mit Pyotr Pavlenko verfasste; sie wurden hinzugezogen, um sicherzustellen, dass Eisenstein sich nicht im „Formalismus“ verliert und um bei der rationalen Planung der Dreharbeiten zu helfen. Produziert wurde der Film von Goskino über das Mosfilm-Produktionssystem, mit Nikolai Tscherkassow in der Titelrolle und einer musikalischen Komposition von Sergei Prokofjew. Alexander Newski war der erste und zugleich wichtigste von Eisensteins drei Tonfilmen. Eisenstein, Pavlenko, Tscherkassow und Abrikosov wurden 1941 mit dem Stalin-Preis für den Film ausgezeichnet.

Alexander Newski ist in seiner Erzählstruktur weitaus weniger experimentell als Eisensteins vorherige Filme; er erzählt eine Geschichte mit einem einzigartigen Handlungsbogen und konzentriert sich auf nur eine Hauptfigur. Die Spezialeffekte und die Kameraführung gehörten zu den innovativsten ihrer Zeit. Der Film kulminiert in der halbstündigen Schlacht auf dem Eis, begleitet von Prokofjews bedrohlicher und inspirierender Musik, eine Szene, die seitdem als Vorlage für legendäre filmische Kämpfe dient.

Der Zirkus (1936)

Es ist ein russischer Musikfilm aus dem Jahr 1936. Regie führten Grigori Aleksandrov und Isidor Simkov in den Mosfilm-Studios. Mit der angesehenen und extravaganten Lyubov Orlova, der Ehefrau Aleksandrovs, der ersten sowjetischen Filmberühmtheit und talentierten Sängerin, besteht der Film aus zahlreichen Melodien, die sofort sowjetische Klassiker wurden. Einer der bekanntesten ist das „Lied des Vaterlandes“.

Der Film basiert auf einem Drehbuch von Ilf, Petrow und Valentin Kataev und wurde vom Moskauer Musiktheater „Unter der Zirkuskuppel“ aufgeführt. Sie machten aus dem Stück eine Geschichte, waren jedoch mit der Analyse des Regisseurs nicht einverstanden und zogen sich nach einem Streit zurück, beschränkten die Verwendung ihrer Namen in den Credits, und die Geschichte wurde von Isaac Babel weiterentwickelt. Orlova spielt eine amerikanische Zirkusartistin, die nach der Geburt eines schwarzen Kindes sofort Fanatismus ausgesetzt ist und gezwungen wird, im Zirkus zu bleiben, aber in der UdSSR Zuflucht, Liebe und Freude findet.

Marion Dixon, eine prominente amerikanische Zirkusartistin, muss mit ihrem Sohn um ihr Leben fliehen, um einer Lynchmord-Menge in einer ländlichen amerikanischen Gemeinde zu entkommen. Wo sich der Vater befindet, wird nicht angegeben, aber es wird vermutet, dass er gelyncht wurde. Dixon wird unter den Schutz von Franz von Kneishitz genommen, einem düsteren deutschen Agenten, dessen Schnurrbart und Eigenheiten denen von Adolf Hitler ähneln. Kneishitz erpresst Dixon, seine Geliebte zu werden, während er sie manipuliert.

Der neue Gulliver (1935)

Es ist ein russischer Animationsfilm, der erste, der umfangreich Puppenanimation verwendet, die sich durch den gesamten Film zieht. Der Film wurde 1935 veröffentlicht und erhielt breite Anerkennung, außerdem wurde Regisseur Aleksandr Ptushko auf dem Internationalen Filmfestival in Mailand ausgezeichnet. Die Rolle des Gulliver spielte Vladimir Konstantinov, geboren 1920, gestorben 1944 bei Tallinn während des Zweiten Weltkriegs. Dies war seine erste und einzige Filmrolle. Die Geschichte, eine kommunistische Nacherzählung von Jonathan Swifts Roman von 1726 „Gullivers Reisen“, handelt von einem Kind, das sich selbst als eine Version von Gulliver vorstellt, der in Lilliput landet und kapitalistische Ungleichheit und Ausbeutung erlebt.

Jolly Fellows (1934)

Es ist ein russischer Musikfilm von 1934, inszeniert von Grigori Alexandrov und gespielt von seiner Frau Lyubov Orlova, einer talentierten Sängerin und zugleich der ersten anerkannten Berühmtheit des sowjetischen Kinos. Das Drehbuch wurde von Aleksandrov, Vladimir Mass und Nikolai Erdman verfasst. Es enthält zahlreiche Melodien, die in der gesamten Sowjetunion zu Klassikern wurden. Einer der beliebtesten Titel – „Kak mnogo devushek khoroshikh“ (Viele gute Frauen) – erfreute sich weltweiter Beliebtheit. Sowohl Orlova als auch ihr Co-Star, der charmante Sänger und Komödienstar Leonid Utyosov, wurden nach dem Film berühmt.

Jelena (Mariya Strelkova), eine wohlhabende angehende Sängerin, hält Pastor Kostja Potekhin (Leonid Utyosov) fälschlicherweise für einen populären paraguayischen Dirigenten eines Kammerorchesters und empfängt ihn zu einer Veranstaltung in ihrem Haus. Er spielt Flöte, was die Haustiere von seiner Kolchose zum Tisch bringt. Jelenas Dienerin Anyuta (Lyubov Orlova) verliebt sich in Kostja. Kostja fühlt sich zu Jelena hingezogen und ist wirklich bestürzt, als er ihre wahre Identität erfährt.

Mutter (1926)

Es ist ein russischer Film von 1926 unter der Regie von Vsevolod Pudovkin. Er erzählt von einer Mutter während der Russischen Revolution von 1905, nachdem ihr Ehemann getötet und ihr Sohn eingesperrt wurde. Basierend auf Maxim Gorkys Roman von 1906 Die Mutter, ist es der erste Teil von Pudovkins „bahnbrechender Trilogie“, zusammen mit Das Ende von St. Petersburg (1927) und Sturm über Asien (1928). Der Film wurde 1930 im Vereinigten Königreich verboten, nachdem die Masses Stage and Film Guild die Genehmigung zur Veröffentlichung in London erhalten hatte. Russland, 1905. Vlasov ist Rohrleger in einer Fabrik, Alkoholiker sowie ein gewalttätiger Ehemann und Vater. Pavel stimmt später zu, für die Sozialisten ein kleines Versteck von Pistolen unter den Dielen seines Hauses zu verstecken. Seine Mutter beobachtet ihn heimlich.