New Hollywood und amerikanisches Kino

Das amerikanische New Hollywood, oft auch als Hollywood-Renaissance bezeichnet, bezieht sich auf eine Filmbewegung von Mitte der 1960er bis Anfang der 1980er Jahre, die die Filmgeschichte prägte, als eine neue Generation junger Regisseure in den Vereinigten Staaten hervortrat. Sie beeinflussten die Art der produzierten Filme, deren Produktion, Werbung und Vermarktung sowie die Herangehensweise an das Filmemachen.

In New-Hollywood-Filmen übernahm der Regisseur anstelle des Studios eine wesentliche autorale Rolle. Die Definition von „New Hollywood“ variiert je nach Autor, wobei einige es als Bewegung und andere als Epoche definieren. Auch die Dauer dieser Periode ist umstritten, da einige Autoren, wie Thomas Schatz, behaupten, dass New Hollywood mehrere Facetten enthält. Die in dieser Phase entstandenen Filme sind stilistisch erkennbar, da ihre Geschichten oft stark von klassischen Standards abweichen. Nach dem Ende des Studiosystems und dem Aufstieg des Fernsehens verringerte sich der kommerzielle Erfolg der Filme.

Zu den Blockbustern der allerersten New-Hollywood-Ära gehören Bonnie and Clyde, The Graduate, Night of the Living Dead, The Wild Bunch, Easy Rider, Heaven’s Gate und One from the Heart.

Geschichte des New Hollywood

Mit dem Ende des Besitzes von Kinoketten durch Filmstudios und dem Aufkommen des Fernsehens (wo John Frankenheimer, Paddy Chayefsky und auch Sidney Lumet in ihren frühen Jahren arbeiteten), wurde das typische Studiosystem beschädigt. Technicolor etablierte eine noch weitverbreitetere Nutzung, während Breitbildverfahren und technologische Verbesserungen wie CinemaScope, Stereo-Audio und andere, wie 3-D, entwickelt wurden, um dem schrumpfenden Zielmarkt entgegenzuwirken und das Fernsehen zu adressieren. Diese Maßnahmen waren jedoch im Allgemeinen nicht erfolgreich darin, die Gewinne zu steigern. Im Jahr 1957 bezeichnete die Zeitschrift Life die 1950er Jahre als „das schreckliche Jahrzehnt“ von Hollywood.

Die 1950er und frühen 1960er Jahre waren von Hollywood geprägt, das von Musicals, historischen Epen und anderen Filmen dominiert wurde, die von größeren Leinwänden, weiterem Bildausschnitt und verbesserter Tonqualität profitierten. Bereits 1957 wurde die Ära als „New Hollywood“ bezeichnet, und gescheiterte Versuche, den Erfolg von The Sound of Music zu wiederholen, belasteten die Studios.

Als die Baby-Boom-Generation in den 1960er Jahren erwachsen wurde, verlor das „Old Hollywood“ schnell Geld; die Studios wussten nicht, wie sie auf die stark veränderten demografischen Zuschauergruppen reagieren sollten. Die Marktverschiebung während dieser Zeit verlagerte sich von einem mittelalten, höher gebildeten Publikum Mitte der 1960er Jahre hin zu einem jüngeren, wohlhabenderen, collegegebildeten Publikum: Mitte der 1970er Jahre waren 76 % aller Zuschauer unter 30 Jahre alt, von denen 64 % ein College besucht hatten.

Europäische Filme, sowohl Autoren- als auch kommerzielle (insbesondere die italienische Komödie, die Französische Nouvelle Vague, Spaghetti-Western), und das japanische Kino sorgten in den Vereinigten Staaten für Furore: Der riesige Markt der desillusionierten Jugendlichen schien in Filmen wie Michelangelo Antonionis Blow Up mit seiner schrägen Erzählstruktur und der allumfassenden weiblichen Nacktheit Relevanz und künstlerische Bedeutung zu finden.

Die Angst, die die Studios in dieser Zeit des finanziellen Niedergangs sowie nach Verlusten durch kostspielige Flops empfanden, führte zu technologischen Innovationen und Risikobereitschaft, die eine größere Kontrolle jüngerer Regisseure und Produzenten ermöglichten. Daher beschäftigten die Studios in dem Versuch, jene Zielgruppe zu finden, die eine Verbindung zu den „Arthouse-Filmen“ herstellte, eine Vielzahl junger Regisseure und ermöglichten ihnen, ihre eigenen Filme mit relativ wenig Studioeinfluss zu drehen.

Einige von ihnen, wie der Schauspieler Jack Nicholson und der Regisseur Peter Bogdanovich, wurden vom „King of the B movie“ Roger Corman geführt, während andere wie der berühmte Kameramann Vilmos Zsigmond für weniger bekannte B-Movie-Regisseure wie Ray Dennis Steckler arbeiteten, der 1962 Wild Guitar und auch den Horror-Musical-Film von 1963 The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies herausbrachte.

Dies, zusammen mit dem Versagen des Film- Production Code im Jahr 1966 und dem brandneuen Klassifizierungssystem von 1968 (das die wachsende Marktsegmentierung widerspiegelte), schuf die ideale Voraussetzung für New Hollywood.

Bonnie und Clyde

Ein entscheidender Film der New-Hollywood-Generation war Bonnie und Clyde (1967). Ebenfalls geschaffen und mitspielend von Warren Beatty und unter der Regie von Arthur Penn, verband er körperliche Gewalt mit Humor sowie einen extravaganten Stil der desillusionierten Jugend und wurde in den Zielmärkten ein Erfolg. Der Film gewann Oscars für die beste Nebendarstellerin (Estelle Parsons) und für die beste Kameraarbeit.

Als Jack L. Warner, damals CEO von Warner Bros., Bonnie und Clyde im Sommer 1967 zum ersten Mal sah, hasste er ihn. Die Vertriebsleiter von Warner Brothers stimmten zu und sorgten für eine unauffällige Premiere und eine begrenzte Veröffentlichung. Ihr Vorgehen schien gerechtfertigt, als Bosley Crowther, der mittlere Filmkritiker der New York Times, den Film scharf kritisierte. 

Nach einer der negativen Kritiken erhielt das Time-Magazin Briefe von Fans des Films, und laut dem Reporter Peter Biskind führte der Einfluss der Kritikerin Pauline Kael mit ihrer positiven Rezension des Films (Oktober 1967, New Yorker) dazu, dass andere Kritiker ihren eigenen Weg gingen und den Film neu bewerteten (insbesondere Newsweek und Time).

Kael lenkte die Aufmerksamkeit auf die Unschuld der Figuren im Film und das künstlerische Verdienst, dies mit der Gewalt im Film zu kontrastieren: „In gewissem Sinne ist es das ‚Fehlen von Sadismus – es ist Gewalt ohne Sadismus – das das Publikum bei Bonnie und Clyde schockiert.‘ Kael bemerkte auch die Reaktion des Publikums auf den gewalttätigen Höhepunkt des Films und die Möglichkeit, mit der Bande von Kriminellen in Bezug auf Naivität und Unschuld mitzufühlen, was eine Verschiebung der Erwartungen an das amerikanische Kino widerspiegelt.

Die Titelgeschichte des Time-Magazins im Dezember 1967 feierte das Kino und die Technologie im amerikanischen New Wave-Kino. Dieser wichtige Artikel von Stefan Kanfer stellte fest, dass Bonnie und Clyde ein „Neues Kino“ repräsentierten durch seine verschwommenen Kategorien, ja sogar die Vernachlässigung von Handlungsaspekten und Inspiration, dass „sowohl in der Befruchtung als auch in der Umsetzung Bonnie ebenso wie Clyde ein Bild-Wasserscheide ist, von der Art, die einen ganz neuen Stil, eine neue Mode signalisiert.“

Biskind spezifiziert, dass diese Rezension und die Meinungsänderung einiger Filmkritiker die Neuveröffentlichung des Films ermöglichten, womit sein industrieller Erfolg bestätigt wurde und zugleich den Ansatz des New Hollywood widerspiegelten. Die Wirkung dieses Films ist wesentlich zum Verständnis des restlichen amerikanischen New Wave sowie der Bedingungen, die dafür erforderlich waren.

Diese frühen Erfolge ebneten den Weg dafür, dass das Studio den genialen jungen Regisseuren nahezu vollständige Kontrolle überließ. Mitte der 1970er Jahre erfreuten sich markante und schockierende Filme wie Paper Moon, Dog Day Afternoon, Chinatown sowie Taxi Driver unter anderem großer Erfolge. Diese Erfolge der Mitglieder des New Hollywood führten dazu, dass jeder von ihnen nacheinander immer extravagantere Forderungen stellte, sowohl im Studio als auch irgendwann sogar auf dem Referenzmarkt.

Der Stil des New Hollywood

Diese neue Generation von Hollywood-Regisseuren war aus Sicht der Studios sehr jung und somit in der Lage, die Zielgruppe der jungen Menschen zu erreichen, die sie verloren hatten. Diese Gruppe junger Regisseure – Schauspieler, Regisseure und Drehbuchautoren – die von der Presse als „New Hollywood“ bezeichnet wurden, verwandelte das Geschäft kurzzeitig vom produzentengetriebenen Hollywood-System der Vergangenheit.

Todd Berliner schrieb tatsächlich über einige ungewöhnliche Erzähltechniken. Die 1970er Jahre, so Berliner, markieren die bedeutendste formale Verbesserung Hollywoods. New Hollywood-Filme weichen mehr von zeitlosen Erzählstandards ab als Hollywood-Filme jeder anderen Ära oder Bewegung. Berliner argumentiert, dass fünf Prinzipien die Erzählstrategien charakteristisch für Hollywood-Filme der 1970er Jahre steuern: Filme der 1970er Jahre zeigen eine Neigung, durch beiläufige narrative Mittel Kurzgeschichtendetails und stilistische Werkzeuge zu integrieren, die den notwendigen narrativen Zielen des Films abträglich sind.

Hollywood-Regisseure der 1970er Jahre positionieren ihre Filmpraktiken oft zwischen denen des klassischen Hollywood und des art cinema Europas und Asiens. Die Filme der siebziger Jahre lösen beim Publikum Reaktionen aus, die entmutigender und unsicherer sind als die der eher normalen Hollywood-Filme. Die Erzählungen der 1970er Jahre legen einen ungewöhnlichen Fokus auf Insolvenz, insbesondere im Höhepunkt oder Epilog, während die standardmäßigeren Hollywood-Filme offene Fragen auflösten.

Das Kino der siebziger Jahre behindert die narrative Linearität ebenso wie die Energie und senkt seine Möglichkeiten, Spannung und sogar Vergnügen zu erzeugen. Thomas Schatz weist auf einen weiteren Unterschied zum Goldenen Zeitalter Hollywoods hin, der die Beziehung zwischen den Charakteren und der Handlung betrifft. Er argumentiert, dass die Handlung in klassischen Hollywood-Filmen (und in einigen frühen New Hollywood-Filmen wie Der Pate) „tendenziell organischer als Funktion der Triebe, Wünsche, Motivationen und Ziele der Hauptfiguren entstand.

Während der Blütezeit des Studiensystems wurden Filme praktisch absichtlich am Set in isolierten Studios gedreht. Der Inhalt der Filme war durch den Film- Production Code begrenzt, und obwohl Regisseure des Goldenen Zeitalters technische Schlupflöcher in seinen Richtlinien fanden, waren die am meisten verbotenen Szenen in den Filmen begrenzt. Der Übergang zum „brandneuen Realismus“ wurde möglich, als das Filmsoundtrack-System der Motion Picture Association of America eingeführt wurde und der Erwerb viel leichter wurde. New York City war aufgrund seiner lebendigen Atmosphäre ein bevorzugter Ort für diese ganz neue Generation von Filmemachern.

Dank Innovationen in der Filmtechnik (z. B. der Panavision Panaflex-Kamera, eingeführt 1972) konnten New Hollywood-Regisseure 35-mm-Film relativ leicht im Freien drehen. Dokumentarfilme von DA Pennebaker, den Maysles-Brüdern und Frederick Wiseman unter anderem beeinflussten ebenfalls Regisseure dieser Ära.

Beim Schnitt hielten sich New Hollywood-Regisseure liberaler an den Realismus als die meisten ihrer klassischen Hollywood-Vorgänger und nutzten den Schnitt oft für künstlerische Zwecke und nicht nur für Kontinuität, eine Praxis, die von europäischen Kunstfilmen und klassischen Hollywood-Regisseuren wie DW Griffith und Alfred Hitchcock inspiriert war.

Die Aufhebung des Production Code ermöglichte es New Hollywood-Filmen, anti-etablierte politische Themen zu präsentieren, wobei Rock-and-Roll sowie sexuelle Freiheit genutzt wurden, die von den Studios als „gegenkulturell“ angesehen wurden. Die Jugendbewegung der 1960er Jahre machte Antihelden wie Bonnie und Clyde sowie Cool Hand Luke zu Popkultur-Idolen, und das Life-Magazin nannte Easy Rider „Teil des grundlegenden Mythos der späten 1960er Gegenkultur der 60er Jahre.“ 

Easy Rider beeinflusste auch die Methode, mit der die Studios den Jugendmarkt erreichen wollten. Der Erfolg von Midnight Cowboy, trotz seiner „X“-Bewertung, war ein Beweis für das Interesse und zeigte zugleich die Schwäche des Bewertungssystems sowie die Spaltung des Zielmarktes auf.

Was ist New Hollywood?

Für Peter Biskind wurde die neue Welle durch Bonnie and Clyde vorgezeichnet und begann ernsthaft ebenfalls mit Easy Rider. Die Veröffentlichung von Easy Riders and Raging Bulls stellt fest, dass die New Hollywood-Bewegung eine bemerkenswerte Verschiebung hin zu separat produzierten und avantgardistischen Filmen einer neuen Ära des Filmemachens markierte, doch begann sich diese Verschiebung umzukehren, als der industrielle Erfolg von Jaws und Star Wars die Studios für die Bedeutung von unabhängigen Filmen, Marketing und Produktionskontrolle sensibilisierte.

Die Filmkritikerin Pauline Kael schrieb 1968, dass die Bedeutung von The Graduate in seiner sozialen Relevanz für ein neues junges Publikum lag und auch in der Pflicht der Medien, im Gegensatz zu irgendeinem phantasievollen Element. Kael sagte, dass selbst das Verständnis von The Graduate auf Bachelor-Niveau sich nicht von dem Publikum unterschied, das die Charaktere aus den Drama-Filmen der vorangegangenen Jahre einschloss.

John Belton weist auf die Gruppe hin, die sich Mitte der 1970er Jahre in Richtung noch jüngerer und konservativerer Zielmärkte (50 % im Alter von 12-20 Jahren) wandelte und auf die Verlagerung zu weniger politisch subversiven Motiven im Mainstream-Kino, was die Mitte und das Ende der 1970er Jahre mit dem Rückgang der Kunstkinoaktivitäten als erheblichen industriellen Druck mit seinem Höhepunkt 1974-75 bei Nashville und Chinatown erlebte.

Nach Angaben des Autors und Filmkritikers Charles Taylor sagte er, dass „die 1970er Jahre die dritte und letzte bedeutende Periode in amerikanischen Filmen bleiben“. Der Autor AD Jameson erklärte, dass Star Wars New Hollywoods beste Leistung war, die im Effekt die Merkmale von „großen und innovativen Erwachsenenfilmen“ symbolisierte.

Kritik an New Hollywood

Diese Ära des amerikanischen Kinos wurde auch für ihre extreme Dekadenz und für Missgeschicke am Set kritisiert. Selbst Steven Spielberg, der 1983 Twilight Zone: The Movie gemeinsam mit John Landis inszenierte und produzierte, schämte sich so sehr über Landis’ Umgang mit dem gefährlichen Hubschrauberabsturz, der zum Tod des Schauspielers Vic Morrow sowie der jungen Myca Dinh Le und Renee Shin-Yi Chen führte, dass alle Beziehungen zerbrachen. Auf eine Presseanfrage zu dem Vorfall sagte er: „Niemand verdient es, in einem Film zu sterben. Ich denke, die Menschen sind heute viel mehr als je zuvor gegen Regisseure und Produzenten, die zu viel verlangen. Wenn etwas nicht risikofrei ist, ist es das Recht und zugleich die Pflicht jedes Stars oder Mitarbeiters, laut zu rufen: ‚Cut!‘“

New Hollywood Erbe

Die Filme von Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese und Francis Ford Coppola beeinflussten sowohl das Poliziotteschi-Genre in Italien als auch ein Jahr später die Cinéma du look-Bewegung in Frankreich. Das amerikanische Kino wurde von dieser Ära geprägt. Beide Traditionen teilen ähnliche Themen und Erzählungen von Existenzialismus und dem Bedürfnis nach menschlicher Interaktion. Im Vergleich dazu besitzt das exzentrische amerikanische Kino keinen klaren Kontext; seine Filme zeigen Charaktere, die sehr individualistisch sind und deren Anliegen sich um ihre eigene Persönlichkeit drehen.