Le Nouvel Hollywood et le cinéma américain

Le New Hollywood américain, souvent appelé la Renaissance hollywoodienne, désigne un mouvement cinématographique allant du milieu des années 1960 au début des années 1980 qui a marqué l’histoire du cinéma, lorsque une nouvelle génération de jeunes réalisateurs est devenue prépondérante aux États-Unis. Ils ont influencé les types de films produits, leur production, leur publicité et leur marketing, ainsi que les moyens par lesquels ils abordaient la réalisation cinématographique.

Dans les films du New Hollywood, le réalisateur, plutôt que le studio, assumait un rôle d’auteur essentiel. La définition de « New Hollywood » varie selon les auteurs, certains le définissant comme un mouvement, d’autres comme une période. La durée de cette période fait également l’objet de controverses, certains auteurs, comme Thomas Schatz, affirmant que le New Hollywood comprend plusieurs phases. Les films réalisés dans ce cadre sont stylistiquement identifiables car leur récit diffère souvent fortement des standards classiques. Après la mort du système des studios et l’essor de la télévision, le succès commercial des films a diminué.

Les blockbusters du New Hollywood de la toute première époque incluent Bonnie and Clyde, The Graduate, Night of the Living Dead, The Wild Bunch et Easy Rider, Heaven’s Gate et One from the Heart.

Histoire du New Hollywood

Avec la fin de la propriété des chaînes de cinéma par les studios et l’arrivée de la télévision (où John Frankenheimer, Paddy Chayefsky et aussi Sidney Lumet ont travaillé dans leurs premières années), le système typique de production des studios a été fragilisé. Technicolor a établi une utilisation encore plus répandue, tandis que les procédés grand écran et même des améliorations technologiques, telles que CinemaScope, l’audio stéréo, et d’autres, comme la 3D, ont été créés pour contrer la diminution du public et faire face à la télévision. Cependant, ces innovations n’ont généralement pas réussi à augmenter les profits. En 1957, la publication Life qualifiait les années 1950 de « décennie terrible » de Hollywood.

Les années 1950 et le début des années 1960 ont vu un Hollywood dominé par les comédies musicales, les épopées historiques et d’autres films qui bénéficiaient d’écrans plus grands, de cadrages plus larges et d’un son amélioré. Dès 1957, cette époque fut surnommée « New Hollywood » et les tentatives infructueuses de reproduire le succès de The Sound of Music ont mis les studios sous pression.

Alors que la génération du baby-boom arrivait à maturité dans les années 1960, « Old Hollywood » perdait rapidement de l’argent ; les studios ne savaient pas comment réagir à la démographie du public profondément modifiée. Le changement de marché durant cette période s’est déplacé d’un public d’âge moyen et plus instruit au milieu des années 1960 vers un public plus jeune, plus aisé et diplômé de l’université : au milieu des années 1970, 76 % de tous les spectateurs avaient moins de 30 ans, dont 64 % étaient allés à l’université.

Les films européens, tant d’auteur que commerciaux (en particulier la Comédie italienne, la Nouvelle Vague française, le western spaghetti), ainsi que le cinéma japonais, provoquaient une sensation aux États-Unis : le vaste marché des jeunes désabusés semblait trouver une pertinence et une signification artistique dans des films comme Blow Up de Michelangelo Antonioni, avec sa structure narrative oblique et la nudité féminine omniprésente.

L’anxiété ressentie par les studios durant cette période de déclin financier, ainsi que les pertes liées à des échecs coûteux, a conduit à l’innovation technologique et à la prise de risques, permettant un plus grand contrôle par les jeunes réalisateurs et producteurs. Ainsi, dans une tentative de trouver ce marché cible qui s’identifiait aux « films d’art », les ateliers ont employé une myriade de jeunes réalisateurs et leur ont permis de réaliser leurs propres films avec un contrôle studio relativement limité.

Certains d’entre eux, comme l’acteur Jack Nicholson et le réalisateur Peter Bogdanovich, furent guidés par le « Roi du film B » Roger Corman, tandis que d’autres, tels que le célèbre directeur de la photographie Vilmos Zsigmond, ont travaillé pour des réalisateurs de films B moins connus comme Ray Dennis Steckler, auteur en 1962 de Wild Guitar et également du film musical d’horreur de 1963 The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies.

Cela, conjugué au dysfonctionnement du Code de Production cinématographique en 1966 ainsi qu’au tout nouveau système de classification en 1968 (reflétant la division croissante du marché), a créé la situation idéale pour le Nouvel Hollywood.

Bonnie and Clyde

Un film charnière de la génération du Nouvel Hollywood fut Bonnie and Clyde (1967). Également créé et interprété par Warren Beatty et dirigé par Arthur Penn, son mélange de violence physique et d’humour, ainsi que son style extravagant de jeunesse désenchantée, a rencontré un grand succès sur les marchés cibles. Le film a remporté des Oscars pour la Meilleure Actrice dans un Second Rôle (Estelle Parsons) et la Meilleure Photographie.

Lorsque Jack L. Warner, alors PDG de Warner Bros., a vu pour la première fois Bonnie and Clyde à l’été 1967, il l’a détesté. Les cadres de la distribution de Warner Brothers étaient d’accord, offrant au film une première discrète et une sortie limitée. Leur approche semblait justifiée lorsque Bosley Crowther, critique cinématographique de niveau moyen au New York Times, a sévèrement critiqué le film. 

Suite à l’une des critiques négatives, le magazine Time a reçu des lettres de fans du film et, selon le journaliste Peter Biskind, l’impact de la critique Pauline Kael dans sa critique positive du film (octobre 1967, New Yorker) a conduit d’autres critiques à suivre sa voie et à réévaluer le film (notamment Newsweek et Time).

Kael a attiré l’attention sur l’innocence des personnages dans le film et le mérite artistique de contraster cela avec la violence présente : « En un sens, c’est l’« absence de sadisme – c’est une violence sans sadisme – qui choque le public face à Bonnie et Clyde ». Kael a également noté la réaction du public au climax violent du film et la possibilité d’empathie envers la bande de criminels en termes de naïveté et d’innocence, reflétant un changement dans les attentes du cinéma américain.

L’article de couverture du magazine Time en décembre 1967 célébrait le cinéma et la technologie dans la Nouvelle Vague américaine. Cet article important de Stefan Kanfer affirmait que Bonnie et Clyde représentaient un « Nouveau Cinéma » par ses frontières de catégorie obscurcies, et même par le négligement d’aspects de l’intrigue et de l’inspiration, que « tant dans la fertilisation que dans la mise en œuvre, Bonnie ainsi que Clyde sont un tournant iconique, du genre qui signale un style tout neuf, une nouvelle mode. »

Biskind précise que cette critique et le changement d’opinion de certains critiques de cinéma ont permis la ressortie du film, vérifiant ainsi son succès industriel et reflétant également l’approche du New Hollywood. L’effet de ce film est essentiel pour comprendre le reste de la Nouvelle Vague américaine, ainsi que les conditions qui ont été nécessaires pour elle.

Ces premiers succès ont ouvert la voie au studio pour céder un contrôle quasiment complet à ces jeunes réalisateurs ingénieux. Au milieu des années 1970, des films distinctifs et choquants tels que Paper Moon, Dog Day Afternoon, Chinatown, ainsi que Taxi Driver, entre autres, ont connu un succès majeur notable. Ces succès des membres du New Hollywood les ont conduits successivement à formuler des demandes de plus en plus extravagantes, tant auprès des studios qu’à un moment donné même sur le marché de référence.

Le style du New Hollywood

Cette nouvelle génération de réalisateurs hollywoodiens était très significativement, du point de vue des studios, jeune, et donc capable d’atteindre le marché cible des jeunes qu’ils perdaient. Ce groupe de jeunes réalisateurs – acteurs, réalisateurs et scénaristes – appelé « New Hollywood » par la presse, a brièvement transformé l’industrie du système hollywoodien traditionnel dominé par les producteurs.

Todd Berliner a en fait écrit sur certaines techniques narratives inhabituelles. Les années 1970, dit Berliner, marquent la plus importante amélioration formelle d’Hollywood. Les films du New Hollywood dévient des normes narratives intemporelles plus que les films hollywoodiens de toute autre époque ou mouvement. Berliner soutient que cinq principes contrôlent les stratégies narratives caractéristiques des films hollywoodiens des années 1970 : les films des années 1970 révèlent une propension à intégrer, par des moyens narratifs incidentels, des détails de nouvelles et des outils stylistiques qui nuisent aux objectifs narratifs nécessaires du film.

Les réalisateurs hollywoodiens des années 1970 situent souvent leurs pratiques cinématographiques entre celles du Hollywood classique et celles du cinéma d’art européen et asiatique. Les films des années soixante-dix suscitent chez les spectateurs des réactions plus décourageantes et incertaines que celles des films hollywoodiens plus conventionnels. Les récits des années 1970 accordent une attention inhabituelle à l’insolvabilité, en particulier lors du climax ou des épilogues, moments où les films hollywoodiens plus standards résolvaient les problèmes en suspens.

Le cinéma des années soixante-dix entrave la linéarité narrative ainsi que l’énergie et compromet ses possibilités de créer du suspense et même du divertissement. Thomas Schatz souligne une autre différence avec l’âge d’or d’Hollywood, qui concerne la relation entre les personnages et l’intrigue. Il soutient que l’intrigue dans les films hollywoodiens classiques (et dans certains films du début de la Nouvelle Hollywood tels que The Godfather) « avait tendance à émerger de manière plus organique en fonction des pulsions, désirs, motivations et objectifs des personnages centraux.

À l’apogée du système des studios, les films étaient pratiquement réalisés sur plateau dans des studios isolés. Le contenu des films était limité par le Code de production cinématographique, et bien que les réalisateurs de l’âge d’or aient trouvé des failles techniques dans ses directives, les scènes les plus interdites dans les films étaient limitées. Le passage au « tout nouveau réalisme » a été rendu possible lorsque le système de bande sonore de la Motion Picture Association of America a été introduit et que l’acquisition devenait beaucoup plus faisable. New York était un lieu de prédilection pour cette toute nouvelle génération de cinéastes en raison de son atmosphère animée.

Grâce aux innovations technologiques dans le cinéma (par exemple, la caméra Panavision Panaflex, introduite en 1972), les réalisateurs de la Nouvelle Hollywood ont pu tourner en extérieur sur pellicule 35 mm avec une relative aisance. Les films documentaires de DA Pennebaker, des frères Maysles et de Frederick Wiseman, entre autres, ont également influencé les réalisateurs de cette époque.

En montage, les réalisateurs de la Nouvelle Hollywood adhéraient au réalisme de manière plus libérale que la plupart de leurs prédécesseurs hollywoodiens classiques, utilisant souvent le montage à des fins artistiques plutôt que pour la seule continuité, une pratique inspirée par les films d’art européens et les réalisateurs hollywoodiens classiques tels que DW Griffith et Alfred Hitchcock.

La levée du code de production a permis aux films de la Nouvelle Hollywood de présenter des thèmes politiques anti-establishment, en utilisant le rock-and-roll ainsi qu’une liberté sexuelle considérée comme « contre-culturelle » par les studios. Le mouvement de jeunesse des années 1960 a transformé des anti-héros comme Bonnie and Clyde ainsi que Cool Hand Luke en idoles de la culture pop, et le magazine Life a qualifié Easy Rider de « partie du mythe fondamental principal de la contre-culture de la fin des années 1960. ’60 ». 

Easy Rider a également influencé la méthode que les studios voulaient utiliser pour atteindre le marché des jeunes. Le succès de Midnight Cowboy, malgré sa classification « X », était une preuve d’intérêt, tout en révélant la faiblesse du système de classification et même la division du marché cible.

Qu’est-ce que le New Hollywood ?

Pour Peter Biskind, la nouvelle vague avait été annoncée par Bonnie and Clyde et a véritablement commencé avec Easy Rider également. La publication Easy Riders and Raging Bulls affirme que le mouvement New Hollywood a marqué un changement notable vers une production séparée et avant-gardiste d’une nouvelle ère cinématographique, mais que ce changement a commencé à s’inverser lorsque le succès industriel de Jaws et Star Wars a conduit les studios à prendre conscience de l’importance des films indépendants, du marketing et du contrôle de la production.

Écrivant en 1968, la critique de cinéma Pauline Kael soutenait que l’importance de The Graduate résidait dans sa portée sociale auprès d’un nouveau jeune public, ainsi que dans le devoir des médias, plutôt que dans un quelconque élément fantaisiste. Kael affirmait que même la compréhension universitaire de The Graduate ne différait pas de celle du public qui incluait les personnages des films dramatiques des années précédentes.

John Belton indique que le groupe était en transformation vers des marchés cibles encore plus jeunes et plus conservateurs au milieu des années 1970 (50 % âgés de 12 à 20 ans) et le transfert vers des motifs moins politiquement subversifs dans le cinéma grand public, ce qui a vu le déclin de l’activité du cinéma d’art dans les années 1970 moyennes et tardives sous une pression industrielle substantielle culminant en 1974-75 avec Nashville et Chinatown.

Selon l’auteur et critique de cinéma Charles Taylor, il a déclaré que « les années 1970 restent la troisième et dernière période formidable dans les films américains« . L’auteur AD Jameson a affirmé que Star Wars était la meilleure réalisation du New Hollywood qui symbolisait en effet les caractéristiques des « films majeurs et innovants pour adultes ».

Critiques du New Hollywood

Cette époque du cinéma américain a également été critiquée pour son extrême décadence et aussi pour les mésaventures sur les plateaux. Même Steven Spielberg, qui a co-réalisé / co-produit Twilight Zone: The Movie en 1983 avec John Landis, était tellement honteux de la gestion par ce dernier du dangereux accident d’hélicoptère qui a conduit à la mort de l’acteur Vic Morrow ainsi que des jeunes Myca Dinh Le et Renee Shin-Yi Chen, que toutes relations ont été rompues. Lorsqu’il a été contacté par la presse au sujet de l’incident, il a déclaré : « Personne ne mérite de mourir dans un film. Je pense que les gens sont aujourd’hui bien plus opposés que jamais aux réalisateurs et producteurs qui demandent trop. Si quelque chose n’est pas sans risque, c’est le droit ainsi que l’obligation de chaque star ou membre de l’équipe de crier : ‘Coupez !’

Héritage du New Hollywood

Les films de Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese et Francis Ford Coppola ont influencé à la fois le genre Poliziotteschi en Italie et, un an plus tard, également l’activité du Cinéma du look en France. Le cinéma américain a été influencé par cette époque. Les deux traditions partagent des thèmes et des récits similaires d’existentialisme et du besoin d’interaction humaine. En comparaison, le cinéma américain excentrique ne possède pas de contexte distinct ; ses films montrent des personnages très individualistes dont les préoccupations portent sur leur propre personnalité.